People.

The land of comics is a strange one.  There’s countless thousands of people involved in making them, most of which are unknown, and they’re absolutely everywhere.  Blogs, livejournals, self-published stuff and so on.

And yet, if you don’t know EXACTLY where to look and who to look for, it’s like they’re completely invisible.

It’s like Fight Club.  You could see ‘em everyday, or be one link away, and never fucking know it.

But lately I’ve been following every link, and reading an absurd amount of stuff lately, and I’ve found some AMAZING STUFF.

The first thing I’ve found is this site:

http://www.inkstuds.com

They have a CARTOONING RADIO SHOW.  It’s the most awesome thing I’ve ever heard of.  They have HOUR long interviews with all sorts of cartoonists.  Just a list of some:

Gary Panter, Dash Shaw, Gary Groth, Dave Sim, Seth, Chester Brown, Chris Ware, Joe Sacco, Julia Wertz, and about a 100 more people.

This site is AMAZING.  GO LISTEN TO IT.  It’s beautiful.

The second thing I’ve found that demands attention is this:

Go here NOW:  http://reddingk.com Go all the way to the bottom of the page and download this.

The Reproguide is a 22 page mini comic, now in PDF form, that goes into all the little details of making a mini comic.  It talks about copy settings, page sizes, and even silkscreening start to finish.  Including a list of materials (cheap) that you need for it, and the best way to get the best results.  There’s also a section on scanning and computer settings, along with tips for dealing with publishers and distribution.  THIS IS A MUST HAVE FOR CARTOONISTS!  DOWNLOAD IT!

I also found a book on Amazon that talks in more depth about self-publishing and distribution, but I haven’t bought it/read it yet, so I won’t post that here yet until I’ve done so.

But those two links above are incredible resources, especially Inkstuds.  Soon, I’ll email them about adding a link to their site here, so it’ll always be there.

On an update note, I’m on page 46 of my own comic now.  40 inked.  TECHNICALLY, I guess I’m only on page 36, since I have to go back and redo the first 10.  But I can’t bring myself to accept that  I wasted all that time on those pages yet.

I’ve also decided I’m going to make mini-comics out of it, maybe in 20 or 40 pages each, and get them into stores.  Hence, my recent interest in all the mini-comic and self-publishing stuff.  This still won’t be for many, many months, as I’ve no idea how to go about it yet.  I kind of came to this decision as a way of dealing with my recent anxiety about whether or not I’ll be able to find a publisher/make some sort of living off of comics.  Now, I know I’m going to lose money off of mini-comics, but at least I’ll have a little more control on getting my work out.

I think I’d be OK with at least getting my stuff out in front of people and in their hands.  That’d be pretty cool.

And along those lines, I need to look into how to set up a real website.

Never read a graphic novel before? Haven’t read a comic book in years?

Here’s some brand new stuff that came out the week of September 30 that I think is worth a look-see for someone with little to no history with comics. That means you should be able to pick any of these up cold without having read anything else. So take a look and see if something doesn’t grab your fancy. If so, follow the publisher links or Amazon.com links to buy yourself a copy. Or, head to your local friendly comic book shop.

Disclaimer: For the most part, I have not read these yet, so I can’t vouch for their quality. But, from what I’ve heard and seen, odds are good they just might appeal to you.

Johnny Cash: I See A Darkness – $17.95
By Reinhard Kleist
224 pages; published by Abrams ComicArts; available at Amazon.com

The first and only illustrated biography of “The Man in Black”, Johnny Cash, the most famous country singer of all time.

Cash was a 17-time Grammy winner who sold more than 90 million albums in his lifetime and became an icon of American music in the 20th century. Graphic novelist Reinhard Kleist depicts Johnny Cash’s eventful life from his early sessions with Elvis Presley (1956), through the concert in Folsom Prison (1968), his spectacular comeback in the 1990s, and the final years before his death on September 12, 2003.

The author’s site has a preview (although the final lettering is missing). I love that image of Cash in the recording studio.

Logicomix: An Epic Search for Truth – $22.95
By Apostolos Doxiadis, Christos H. Papadimitriou & Alecos Papadatos
352 pages; published by Bloomsbury; available at Amazon.com

The innovative, dramatic graphic novel based on the life of the philosopher and mathematician Bertrand Russell.

This brilliantly illustrated tale of reason, insanity, love and truth recounts the story of Bertrand Russell’s life. Raised by his paternal grandparents, young Russell was never told the whereabouts of his parents. Driven by a desire for knowledge of his own history, he attempted to force the world to yield to his yearnings: for truth, clarity and resolve.

As he grew older, and increasingly sophisticated as a philosopher and mathematician, Russell strove to create an objective language with which to describe the world – one free of the biases and slippages of the written word. At the same time, he began courting his first wife, teasing her with riddles and leaning on her during the darker days, when his quest was bogged down by paradoxes, frustrations and the ghosts of his family’s secrets. Ultimately, he found considerable success – but his career was stalled when he was outmatched by an intellectual rival: his young, strident, brilliantly original student, Ludwig Wittgenstein.

An insightful and complexly layered narrative, Logicomix reveals both Russell’s inner struggle and the quest for the foundations of logic. Narration by an older, wiser Russell, as well as asides from the author himself, make sense of the story’s heady and powerful ideas. At its heart, Logicomix is a story about the conflict between pure reason and the persistent flaws of reality, a narrative populated by great and august thinkers, young lovers, ghosts and insanity.

The Amazon.com link above has previews and the Bloomsbury link above has three-part making-of video series on YouTube, but there’s also an excellent website at Logicomix.com with behind-the-scenes info, a preview trailer and lots of other info. This debuted at #1 on the New York Times Best Seller List and is getting excellent reviews.

Mickey Mouse & Friends #296 – $2.99
By Stefano Ambrosio & Lorenzo Pastrovicchio
32 pages; published by Boom! Kids

First BOOM! Kids issue! One of the longest-lived, most-successful comic book series in the industry’s history comes to BOOM! and brings a little magic — presenting Wizards of Mickey! Student of the great wizard Grandalf, Mickey Mouse hails from the humble village of Miceland. Allying himself with Donald Duck (who has a pet dragon named Fafnir) and team mate Goofy, Mickey’s come to the great tournament to get his revenge on Peg Leg Pete, who has stolen the Rain Crystal from Miceland! Join Mickey Mouse and his friends on an epic tale of magic and wonder! Join BOOM! Kids for a whole new epoch in Disney publishing!

Disney comic books have been missing from the market place for about a year now. This is an imported story, which has been a pretty standard practice for previous publishers of Disney comics. It was originally done in Italy but from the looks of this preview, the translation holds up pretty nicely.

High Moon Vol. 1 – $14.99
By David Gallaher & Steve Ellis
192 pages; published by DC Comics’ Zuda Comics; available at Amazon.com

The first winner of Zuda Comics’ monthly online competition, HIGH MOON is a horror adventure of cowboys and werewolves in the Old West. HIGH MOON begins with a gruff bounty hunter, Matthew Macgregor, investigating a series of strange happenings in the dusty town of Blest, Texas. While Macgregor seeks to uncover the town’s dark secrets, he tries desperately to keep his own hidden. 

The horrors of Blest ripple out to the mountainous town of Ragged Rock, Oklahoma, where another detective investigates a series of murders following a bizarre train robbery. Uncovering an age-old vendetta, this mysterious lawman is forced to do battle with a steam-driven monstrosity.

Macgregor’s tale concludes as a young woman’s dire call for assistance leads him through the Black Hills of South Dakota and into devastating battle between two warring factions. Macgregor must face down the United States government – only to discover a secret ritual that spells the destruction of the American frontier.

It’s such a relief when someone you personally know releases something, and you can be genuinely complimentary of what they’ve produced. While David Gallaher and I have “virtually” known each other for years, I’m happy to say that his web-comic holds up nicely as a thrilling horror/western mash-up. You can read it for yourself right here. And then there’s this production blog for good behind-the-scenes goodies.

Power & Glory – $19.99
By Howard Chaykin
128 pages; published by Dynamite Entertainment; available at Amazon.com

A crime fighter is genetically engineered to be a super-hero – but when the test goes awry and he doesn’t have the super-hero qualities needed, he has to be teamed up with a former CIA agent who is the brains behind the duo. One gets all the glory while one has all the power.

I’ve always thought that it was a bit weird that every super-hero just instantly has what it takes, mentally and emotionally, to actually be a superhero. I guess I’m not alone. Probably not one for the kiddies.

The Dynamite link above has a 9-page preview so you have a better idea of just what you’re getting into by entering one of Howard Chaykin’s worlds.

Prison Pit: Book One – $12.99
By Johnny Ryan
120 pages; published by Fantagraphics Books; available at Amazon.com

Prison Pit is an original graphic novel from the pen of Johnny Ryan, best known for his humor comic, Angry Youth Comix. Prison Pit represents a marked departure from AYC or his Blecky Yuckerella weekly comic strip, combining his love for WWE wrestling, Gary Panter’s “Jimbo” comics, and Kentaro Miura’s “Berserk” Manga into a brutal showcase of violence, survival and revenge. Imagine a blend of old-fashioned role playing fantasy games like Dungeons & Dragons crossed with contemporary adult video games like Grand Theft Auto, filtered through Ryan’s sense of humor.

The book begins with C.F. (his full-name would be too horrifying to reveal here) being thrown into the Prison Pit, a barren negative-zone populated by intergalactic, violent monster criminals. In this first volume, C.F. gets into a bloody slorge war (a slorge is a giant slug that excretes a steroid-like drug called “fecid” that all the monster men are addicted to) with ultraprisoner Rottweiler Herpes and his henchmen Rabies Bloodbath and Assrat. The ensuing bloodbath is an over-the-top, hyperviolent yet hilarious farce worthy of Ryan’s inspiration, Kentaro Miura.

If Howard Chaykin is too much for you, you’ll never be able to handle Johnny Ryan, who is maniacally funny in the absurdly over-the-top violence. Here’s a PDF file preview.

Ball Peen Hammer – $17.99
By Adam Rapp & George O’Connor
144 pages; published by First Second Books; available at Amazon.com

The world is dying.  After most of the city succumbed to the plague, Welton’s staying inside — permanently.  But hiding in his claustrophobic basement room — the only place he knows is safe — exacts a gruesome price, and he becomes part of a collective that’s killing children.  Infected with the plague himself, with no way to find the woman he loves, Welton takes refuge in apathy — until someone knocks on his door.

Ball Peen Hammer gives us a window into life in a half-deserted apartment building in a time of raw love, sacrifice, fear, and death.

This one is a bit more serious but also not for the weak at heart. Here’s a 13-page preview.

Refresh, Refresh – $17.99
By James Ponsoldt, Danica Novgorodoff & Benjamin Percy
144 pages; published by First Second Books; available at Amazon.com

Fathers, sons, and the war that comes between them.

There’s nothing Josh, Cody, and Gordon want more than their fathers home safely from the war in Iraq — unless it’s to get out of their dead-end town.  Refresh, Refresh is the story of three teenagers on the cusp of high school graduation and their struggle to make hard decisions with no role models to follow; to discover the possibilities for the future when all the doors are slamming in their faces; and to believe their fathers will come home alive so they can be boys again.

The above says enough to get me hooked. But for more, here’s an 11-page preview.

Trotsky: A Graphic Biography – $16.95
By Rick Geary
112 pages; published by Hill & Wang; available at Amazon.com

Trotsky was a hero to some, a ruthless demon to others. To Stalin, he was such a threat that he warranted murder by pickax. This polarizing figure set up a world conflict that lasted through the twentieth century, and in Trotsky: A Graphic Biography, the renowned comic artist Rick Geary uses his distinct style to depict the stark reality of the man and his times. Trotsky’s life becomes a guide to the creation of the Soviet Union, the horrors of World War I, and the establishment of international communism as he, Lenin, and their fellow Bolsheviks rise from persecution and a life underground to the height of political power. Ranging from his boyhood in the Ukraine to his fallout with Stalin and his moonlight romance with Frida Kahlo, Trotsky is a stunning look at one of the twentieth century’s most important thinkers and the far-reaching political trends that he launched.

Rick Geary does excellent work. Unfortunately I can’t find a preview but just imagine looking at something really impressive that compels you to buy it.

The Best American Comics 2009 – $22.00
Edited by Charles Burns
352 pages; published by Houghton Mifflin Harcourt; available at Amazon.com

Now in its fourth year, Best American Comics showcases the work of both established and up-and-coming contributers. Editor Charles Burns—cartoonist, illustrator, and official cover artist of the Believer—has culled the best stories from graphic novels, pamphlet comics, newspapers, magazines, mini-comics, and the web to create this cutting-edge collection. Featuring the work of such luminaries as Chris Ware, KAZ, and Robert Crumb, this volume is “a genuine salute to comics” (Houston Chronicle).

This is a highly acclaimed yearly anthology that provides a great sampling of the depth and art of comics. Here’s the book’s official site which has more information.

The Book of Genesis – $24.95
By R. Crumb
published by W.W. Norton; available at Amazon.com

From Creation to the death of Joseph, here are all 50 chapters of the Book of Genesis, revealingly illustrated as never before.

Envisioning the first book of the bible like no one before him, R. Crumb, the legendary illustrator, reveals here the story of Genesis in a profoundly honest and deeply moving way. Originally thinking that we would do a take off of Adam and Eve, Crumb became so fascinated by the Bible’s language, “a text so great and so strange that it lends itself readily to graphic depictions,” that he decided instead to do a literal interpretation using the text word for word in a version primarily assembled from the translations of Robert Alter and the King James bible.

Now, readers of every persuasion—Crumb fans, comic book lovers, and believers—can gain astonishing new insights from these harrowing, tragic, and even juicy stories. Crumb’s Book of Genesis reintroduces us to the bountiful tree lined garden of Adam and Eve, the massive ark of Noah with beasts of every kind, the cities of Sodom and Gomorrah destroyed by brimstone and fire that rained from the heavens, and the Egypt of the Pharaoh, where Joseph’s embalmed body is carried in a coffin, in a scene as elegiac as any in Genesis. Using clues from the text and peeling away the theological and scholarly interpretation that have often obscured the Bible’s most dramatic stories, Crumb fleshes out a parade of Biblical originals: from the serpent in Eden, the humanoid reptile appearing like an alien out of a science fiction movie, to Jacob, a “kind’ve depressed guy who doesn’t strike you as physically courageous,” and his bother, Esau, “a rough and kick ass guy,” to Abraham’s wife Sarah, more fetching than most woman at 90, to God himself, “a standard Charlton Heston-like figure with long white hair and a flowing beard.”

As Crumb writes in his introduction, “the stories of these people, the Hebrews, were something more than just stories. They were the foundation, the source, in writing of religious and political power, handed down by God himself.” Crumb’s Book of Genesis, the culmination of 5 years of painstaking work, is a tapestry of masterly detail and storytelling which celebrates the astonishing diversity of the one of our greatest artistic geniuses.

A surprisingly reverential and straight adaptation from one of comics’ most influential humorists. Here’s a preview of chapter 19.

Pretty big week for comics. Lots of good stuff to check out.

Last night I saw Yo La Tengo promoting their new album Popular Songs at the Roseland Ballroom. While the overall sound quality of both The Black Lips and Yo La Tengo sucked (someone should be shot over this), the light show that acted as a back drop to Yo La Tengo was amazing, provided by Joshua White and Gary Panter. If you have the chance to see it, do it. 

A split shot of the backstage workings of the light show and the band performing.

La revista Vice acaba de sacar un especial cómic confirmando su cada vez más estrecha relación con el Noveno Arte. En él podéis encontrar entrevistas a Anders Nilsen, Chip Kidd, Al Jaffee y el un Top Ten de los cómics para Gary Panter. Además y recientemente, han pesentado en su web una historieta y una entrevista con el gran Rick Altergott.

Clic

Via: The Comics Reporter

foto: Glenio Campregher

Momento sério. Parou com o deboche. Desde que eu retomei o blog foi só avacalhação. Passou dos limites. Não dá pra ser assim. Seriedade, seriedade…

(silêncio solene)

Bom… (pigarro) Em outubro de 2005, durante o Festival Internacional de Quadrinhos (FIQ), realizado naquela metrópole fervilhante e cosmopolita das alterosas que me serviu de berço, Belo Horizonte, eu me encontrei com “o rei da punk art” Gary Panter. Convidado pelo maior evento do gênero na América Latina, lá estava ele flanando meio sem rumo pela Casa do Conde. Apesar da “realeza” e da evidente cara de que não era daqui, ele seria pouco notado se não fosse pelo porte espigado que equilibrava um par de óculos a uns 1,90m do chão. De fala comedida e educada, queria saber se a agenda que eu carregava era um caderno de desenhos (um scrapbook, como a rapaziada que entende costuma falar). “Os trabalhos de pessoas que não sabem desenhar são os que mais me atraem. Talvez isso explique o meu traço primitivo”, diria mais tarde (Valeu, truta!).

O coroamento, ainda que realizado meio a contragosto (“Foi apenas um rótulo reproduzido de alguma revista”, fez questão de pontuar), era um dos motivos de ele estar ali. Nascido em Oklahoma e criado no Texas,o ilustrador, pintor, quadrinista e designer (e músico bissexto) tornou-se inicialmente conhecido por seu trabalho nas páginas da Slash, primeira publicação punk de Los Angeles, nos cartazes e capas de discos das bandas da região.

Mais tarde, seu traço errático e tenso lhe renderia, além do título de pioneiro da arte punk, renome e trabalhos rentáveis e premiados – como a criação do surreal cenário da popular série de TV infanto-juvenil Pee-wee’s Playhouse, que colocou três Emmy’s em sua estante (“Foi ao acaso. Ganhei os prêmios, mas não tenho certeza se meu trabalho era bom”, observou). Ao longo dos anos, o homem ainda acumulou a autoria de capas de álbuns de Frank Zappa, Red Hot Chilli Peppers e outros

Como quadrinista, seu trabalho mais conhecido é Jimbo, o punk que nas revistas RAW e Slash era visto vivendo as agruras de um mundo pós-guerra nuclear. O visual do personagem influenciou um dos amigos de Panter, Matt Groening, a criar Bart Simpson.

Por conta de sua naturalidade em traçar uma área cinzenta (embora cheia de cores) entre o “lixo” produzido pela cultura pop e a arte erudita (“Gosto do Gaguinho, tirinhas de jornais, Picasso, Pop Art inglês, Godzilla…”), geralmente é atribuído a Panter o mérito de tornar os quadrinhos uma forma viável de arte. E para onde quer que ele vá, colocam ao seu lado uma placa avisando: “o artista gráfico mais influente de sua geração”.

Se é que isso importa (e o leitor, ao terminar de ler esta frase, vai presumivelmente responder: “Não, não importa!”), de uma ótica meramente artística, tenho lá minhas ressalvas em relação ao trabalho do soberano da arte punk. Admito que considero bem qualquer nota uns 70% das obras que eu conheço do homem. E se atualmente sofremos visualmente com muita porcaria feita por gente sem talento, é em parte culpa dele.

Gary Panter, além de ser uma grande influência, é um pouco advogado silencioso dessa coisa contemporânea naif/pop/toy art, que insiste em dar pincéis para orangotangos fazerem trabalhinhos de escola e lambrecagens em geral que malandramente rendem cifras polpudas. Não é todo mundo dessa turma que padece desse atavismo artístico, claro. E o que difere um artista como o Panter de boa parte de seus pares e de quase toda sua prole é que, entre filtros emotivos e estéticos, existe da sua parte uma intenção bem burilada de expressar muito com bem pouco. Algo bastante diferente de não expressar quase nada com o pouco que deus lhe deu. OK, mas se peidarem na ante-sala das artes das últimas décadas, pode apostar que vão apontar para, entre outros meliantes, Gary Panter.

É difícil, contudo, não admirar quem carrega um desprezo sábio por convenções, alguém que ajudou a promover uma ruptura visual agressiva em tempos caretas e protocolares como eram o final dos ano 70 e o início dos anos 80. Além disso, Panter mereçe atenção – sobretudo para o paga-pau aqui – por ter composto uma força criativa que fundou as bases da estética punk americana. E… Por outro lado… Se não fosse por Santos Dumont, talvez nunca teríamos a bomba de Hiroshima e Nagasaki, certo? Err… Argumentações cretinas e estapafúrdias à parte, esse é um assunto que (por questões arbitrárias impostas pelo repórter) não interessa no momento.

O que interessa é que eu, que na época ainda era um semi-vagabundo que preferia acumular discos e informações sobre a história do punk mundial a trabalhar (parênteses Você S/A: caros futuros empregadores, hoje eu prefiro trabalhar, beleza?), estava debilmente extasiado de ter ali na minha frente, papeando comigo, alguém que viu o florescer da primeira geração do punk californiano. Um depositário empírico de um monte de histórias que eu só tinha lido e ouvido falar e de outras que eu nunca soube.

Enquanto eu me inclinava feito um feito um bufão, o coroa me contava historietas sobre o Germs, o X, a Slash, o Whiskey A-go-go, o Troubadour, o Black Flag… E eu sorria feito um cachorro que reencontrou o dono no final do dia.

Do ponto de vista jornalístico, o encontro foi bem legal. Para um apreciador do punk, o negócio foi sensacional. Mais do que isso, as rugas e o cabelo escovinha grisalho que enquadravam aquela cabeça inquieta – cujos ouvidos suportavam gente insuportável como Merzbow e Destroy All Monsters – iniciaram um processo interessante na minha vida. Dali em diante, fui sendo convencido de que eu contava o tempo de uma maneira errada.

A coisa era que eu, até então um retardado mental por vocação, levava a sério aquela frase célebre de “My Generation”: “I hope I die before I get old“. É que se você é (des)educado por uma (sub)cultura radicalmente jovem como o rock, e mais ainda o punk hardcore, – e no meu caso, para piorar, criado relutantemente num ambiente mineiro católico -, você acaba crescendo com uma noção gravada no seu córtex cerebral de que velhos são o resultado de décadas de doutrinação judaico-cristã e capitalista, bastiões dos valores e da moral burguesa, retrógrados ferrenhos, uma gentinha desprezível… Enfim, um modelo a ser evitado custe o esforço que for. Se envelhecer significava isso, eu preferia me jogar do Viaduto das Almas antes de completar 30 anos.

No entanto, encontros como esses com o Gary Panter – e mais tarde com Tom Zé, Hermeto Pascoal, Eduardo Coutinho, Milton Santos, entre outros, e com anciões malucos que nunca tiveram visibilidade – me dobraram, me estapearam, me chamaram de “moleque presunçoso” e quebraram minhas concepções juvenis pedestres. Perdi o medo de envelhecer e me tornar um decrépito bunda-mole. Vi com os olhos e os ouvidos que velhos podiam ser irresignados. Depois disso, contar o tempo ficou mais interessante. Ficou provado que é possível planejar a vida sem desenhar um projeto medíocre para engrossar estatísticas demográficas

foto: Glenio Campregher

No dia seguinte ao primeiro encontro, ele falou para uma platéia variada sobre sua carreira e suas experiências. Com a tranquilidade de um bodisatva, Panter narrou a um quorum de adultos, crianças e velhos uma viagem de ácido que teve em 1972 e que mudou o rumo de seu trabalho. “Caguei nas calças de medo quando vi carros gigantes sendo vendidos a 5 bilhões de dólares pela TV. Achei que minha alma estava vendida para a TV”, disse sobre a bad trip.

Contou ainda sobre o encontro com um dos seus maiores ídolos e influências, o quadrinista Jack Kirby. “Eu o adoro. Ele foi muito gente fina comigo quando o visitei na década de 70. Respondeu todas minhas perguntas idiotas”. Queixou-se um pouco do mercado: “quando os editores de arte me dizem: `Queremos algo bem louco! Go crazy!`, eu tenho que imaginar o que eles realmente querem. Porque se eu fizer algo realmente louco, eles não publicam.” E Respondendo à pergunta de alguém do público, explicou porque continuava fazendo quadrinhos apesar de se dar bem em áreas mais “maduras” e rentáveis das artes visuais: “Não sei. Vai ver eu sou apenas estúpido.”

Feito isso, o velho se dispôs a distribuir desenhos e aturar a tietagem de gente que mal sabia que ele era. Aí, eu o Arthur Dantas, o chamamos para um papo. Taí:

(Parte desta entrevista foi publicada segunda edição da revista +SOMA, mas essa é a versão não editada e com direito à contextualizão cretina que você acabou de ler.)

Há quem o compare ou associe a Jean-Michel Basquiat. Você concorda com isso?

Sabe, eu sou mais velho que Basquiat. É muito louco dizer isso, mas meu trabalho apareceu em 1977, e isso foi uma influência sobre Basquiat e todos esses caras. Um pouco ao menos.

Então você acha que você influenciou Basquiat?

Sim.

Você sabe se ele teve algum tipo de contato com o seu trabalho?

Meus trabalhos saíram na Slash. Ela estava em todo lugar. Mas eu não ligo pra isso. Talvez seja verdade, talvez não. Eu nunca o encontrei, mas eu nunca fui influenciado por Basquiat. Em 1974, eu estava fazendo pinturas como Basquiat e eu pensei: “Hmmm… Eu não quero fazer isso. Farei outra coisa”. Eu pensei que alguém acabaria fazendo isso. E Basquiat acabou fazendo.

Ontem você estava falando sobre o show mais maluco que você já viu. Foi num ring de luta-livre…

Ah, um show de punk de rock…

Eu gostaria de saber sobre a sua experiência com essas pessoas naquele tempo. Quando você foi para Los Angeles?

Foi em 1976. Bem, eu fui para Los Angeles e era um tempo produtivo para a música. Eu gostava de ouvir Brian Eno, Sparks, Todd Rundgren, Roxy Music… E eu estava à procura do que estava rolando e eu achei a Slash magazine em um jornal. Então, fui até o escritório deles, levei meus quadrinhos e eles gostaram. Eles falaram “OK, você pode fazer uma página todo mês”. Isso foi no final de 1977.

Então a razão de você ter ido a Los Angeles foi a Slash?

Não, eu só vi a Slash por acaso. Eu fui pra L.A. porque eu não conseguia trabalho no Texas. Eu estava trabalhando como porteiro, trabalhei numa gráfica… Eu não podia ir muito além disso. Então eu pensei que se eu pudesse ir para Nova Iorque ou para Califórnia… Mas antes eu tenho uma pequena história sobre Nova Iorque. Eu fui uma vez para lá em 1973. Eu estava pensando me mudar para a cidade, mas era muito caro. Procurando nos jornais, eu achei um apartamento por US$3000,00. Fui com um amigo e batemos na porta de um apartamento no Village. Duas garotas atenderam à porta. Carecas, sem cabelo algum, cobertas de tatuagens azuis. Gostamos do apartamento. “Esse apartamento parece legal”, pesamos. Elas disseram: “Não, não é nesse quarto. É lá atrás”.Fomos para o quarto dos fundos, abrimos a porta, e no meio do quarto havia uma jaula imensa com um gorila dentro e merda por todos os lados: no teto, nas paredes, nas janelas… Elas disseram: “O gorila não está feliz. Estamos nos livrando dele e vamos alugar este quarto”. Aí pensamos: “Talvez seja melhor não nos mudarmos para Nova Iorque”. Então me mudei para Los Angeles. (risos)

O que eram essas garotas?!

Eu perguntei às pessoas sobre elas. Ninguém tinha as visto ou ouvido sobre elas. Eu esqueci que isso tinha acontecido. É tão estranho eu me esquecer disso… Muitos anos depois um amigo meu chegou e disse: “Você lembra quando…”, aí eu me lembrei. É estranho porque elas eram punks de uma certa maneira e mais tarde eu me envolveria com toda essa coisa. Então eu fui para LA, você sabe, por aventura. E aí eu vi a revista (Slash) e pensei “ou isso é bem louco, fascista ou qualquer outra coisa, ou interessante”. E eles eram todos gente boa, a maioria deles vinha de escolas de arte. A primeira geração de punks californianos era principalmente composta estudantes de arte na casa dos 20 e poucos anos.

O editor, Claude Bessy, ele tinha uma banda…

Catholic Discipline. Ele tinha essa banda. Ele morreu há poucos anos. Ele era o editor, escrevia metade da revista ele mesmo. Era uma pessoa maravilhosa. Mudou-se para Barcelona. Ele também trabalhou com os Virgin Prunes, dos quais eu gosto bastante.

Virgin Prunes…

Um banda irlandesa. Dois caras que ficavam super bêbados e iam “uuaaaooorrrrghbleerrrghggagaaaah”! Algo assim. Eles eram meio gays. Totalmente loucos. Eu adoro… Enfim. A primeira geração dos punks de Los Angeles era formada por estudantes de arte, talvez em seus 25, 26 anos. Uns dois anos depois a garotada das praias apareceu. Caras loucos e musculosos que arrastavam pessoas atrás de carros, subiam e pulavam dos sinais de trânsito. A coisa toda só foi ficando cada vez maior.

Você acha que a música tem alguma influência sobre seus desenhos, sua pinturas, sobre seu trabalho artístico em geral?

Sim, tem alguma influência. Mas música punk como Ramones (faz barulho de metralhadora). Eu não curto muito punk rock…

Eu quero dizer música em geral, a música que você gosta.

Sim, eu escuto muita música estranha, noise music, art music. Minha coleção de discos é muito estranha. Agora, eu não posso conhecer tudo…

Você gravou alguma coisa com os Residents?

Sim, eu fiz um single com The Residents. Eles foram os produtores. Os Residents eram na verdade dois caras, Hardy Fox e Homer Flynn. Eles eram um pouco mais velhos que eu. Eu tenho 54, provavelmente eles devem ter uns 57 ou 58 anos agora. Eles chegaram em San Francisco para ver as bandas psicodélicas em 1970 ou 1969. Mas toda a coisa psicodélica não estava mais rolando nessa época. Mas eles decidiram a formar uma banda psciodélica durante 10 anos para ver o que dava.

Quando você gravou com The Residents? Nos anos 80?

Sim, 1981, 1982… Eu troquei pinturas por sessões de gravação, por engenheiros de som e tal. Eu não sei se é bom. Mas eu gosto de fazer música. Eu toco guitarra todo dia. Tenho duas guitarras elétricas e um violão de cordas de aço. Aí eu desenho, toco um pouco de guitarra, desenho, toco mais um pouco…

Você já teve uma banda? Ou você só colabora nos discos de outras pessoas, ou apenas faz seu trabalho sozinho?

Sabe, eu fui criado com base em preceitos religiosos que proibiam a dança, instrumentos musicais… Então, eu sou um pouco retardado musicalmente. Geralmente quando faço meus discos eu gravo faixa por faixa, ou tenho a ajuda de alguns amigos. Nunca tive uma banda. Não acho que consigo ter uma. Quero dizer, seria um sonho ter uma. Eu sonho em tocar com Frank Zappa durante todo o tempo. Espero apenas poder gravar mais, isso seria suficiente. Meus álbuns são um monte de canções, um monte de canções anti-cristãs. Eu acho meio estúpido, mas é o que eu faço. Espero não fazer música, eu só espero poder fazer mais barulho.

Você acha que o histórico moralista pelo qual você atravessou teve alguma influência na sua música, no seu trabalho? Como se fosse uma reação a esses padrões morais?

Sim. Mas não é muito divertido ser uma reação. É melhor ser autenticamente significativo. E é o que eu tento fazer, não ser apenas uma reação. É meio triste ser só uma reação.

Verdade. É muito limitado.

Sim, e se eu estou reagindo a isso significa que ainda estou sofrendo influência dessa igreja.

Os trabalhos dos anos 60 e 70, da geração da Zap, e dos anos 80, da RAW, são muito influentes nas belas artes e nas artes gráficas. Todas essas gerações de quadrinistas foram importantes para o mundo. Mas os quadrinhos hoje não têm tanta influência quanto tinham nas décadas de 70 e 60…

Atualmente, há várias pessoas trabalhando juntas em algumas coisas. Você sabe, os franceses, como o pessoal da Bazooka. Esses caras estão trabalhando em grupo para produzir publicações. Eu tenho visto mais disso ultimamente. Há também mais garotas hoje em dia. Quando eu começei a lecionar quadrinhos não havia menina alguma nas salas, agora é quase que meio a meio. Isso é ótimo. Tem alguns grupos que trabalham juntos como o Fort Thunder. São uns caras de Rhode Island que têm bandas, fazem camisas, roupas e cartazes. Todo esse tipo de coisa. Eu não estou interessado no tipo de quadrinhos que são influentes atualmente, todo verão um filme baseado em HQ aparece. Então, ainda há uma influência forte. Eu acho que os anos 60 eram muito loucos, as pessoas estavam sempre procurando pelo o que havia de novo, pelo que viria depois e depois e depois e depois… E aí vieram os anos 70: nada. Mas logo em seguida veio o punk e de novo as pessoas foram atrás do viria depois e depois e depois e depois e depois… Bem, tem que haver uma pausa nisso tudo. Tem que haver um período de pausa. Talvez vocês poderiam ser “the next thing”. (risos)

Você disse lá atrás que a cultura japonesa não estabelece uma distinção tão clara entre belas artes, alta cultura e arte trash, cultura pop. Você acha que o fato dos mangás e animes estarem se tornando cada vez mais populares e mainstream muda o jeito que o mundo vê a separação entre belas artes e arte trash? Outra pergunta, você acha que você está mais próximo do mundo japonês devido de que eles não fazem tanta distinção dos tipos diferentes de arte?

Esta é uma pergunta difícil. Eu não entendo totalmente o sistema japonês. Eu sou fã de arte japonesa. Se eu disse isso foi algum tipo de má tradução. Eu estava dizendo que a “arte inferior” japonesa me levou a estudar o Japão em geral e tentar entender sua história e todos os outros tipos de arte japonesa. Eu apenas disse que a “arte baixa” pode levá-lo a outros lugares. Para mim, a distinção é sobre idéias. Eu penso que existe um pensamento coletivo, uma mente única – como Jack Kirby costuma dizer – pela qual passam a alta arte, a arte baixa e qualquer outra coisa que transmita a mensagem às pessoas. Então, eu não estabeleço muito uma distinção. Minha única distinção é para arte pessoal e arte comercial. Quando faço arte comercial não sou quem manda, sou apenas um servo. Tento fazer um bom trabalho, mas não é a mesma coisa quando sento no meu quarto pensando… Um amigo meu mora em Paris, e ele me dá alguns bons conselhos de vez em quando. Ele disse:”Faça a arte que só você pode fazer”. E eu: “Ah, OK. Que tipo de arte que só eu e ninguém mais consegue fazer?” Sobre a distinção entre arte erudita (high art) e arte popular (low art)… Em relação à arte erudita, seria excelente se alguém me desse muito dinheiro para pintar. Mas eu amo pintar quadros, de qualquer forma. E outra, eu ganho dinheiro fazendo as coisas estranhas que faço, eu posso desenhar as coisas que desenho em meus livros. A influência do Japão… O mangá tem sido bastante influente. Garotos e garotas nos EUA são tão influenciados que estão fazendo mangás americanos. Onde está o mercado? Não estou bem certo se há. Mas eles estão publicando as coisas deles. E isso muda as percepções das coisas.

Você acha que com a cultura japonesa se tornando mais mainstream o jeito que as pessoas vêem arte muda?

Eu acho que o Japão foi muito influente nas artes. Meu trabalho é muito influenciado pelo Japão. Acho que a razão pela qual me tornei popular no Japão é que os japoneses estão sempre procurando por algo interessante no mundo inteiro. Eles gostariam de achar alguém interessado neles também.

Você acha que o governo do Baby Bush influenciará a arte, especialmente aquela feita nos EUA? A população mundial costumava ver EUA como um tipo de modelo de liberdades individuais. E agora parece que o país está caminhando de volta aos anos 50. A arte será influenciada por isso?

A arte eu não sei. Arte influenciada pela política nunca é forte o bastante enquanto arte. Arte política não é tão excitante para mim quanto é arte em geral. Após os anos 60, os Estados Unidos enfrentaram um choque de realidade. Durante a década de 60, estávamos cada vez mais avançando no tempo e de repente: “Oh, não! Temos que voltar!” Desde a década de 70 os EUA estão regredindo. George Bush… Eu sou do Texas, eu o considero um total idiota. Um ladrão, um cristão fingido. Ele é o tipo de cristão que não é muito esperto, do tipo que leva a bíblia ao pé da letra: o mundo foi criado em sete dias, Eva nasceu da costela de adão, esse tipo de coisa. Para ele não é sobre metáforas, é apenas sobre obedecer as “leis de deus”. Ele fala com deus, ou sei lá o quê. E os americanos de menor nível cultural podem se identificar com isso, porque eles também têm medo do futuro. Eu tenho medo de fundamentalismo cristão, de pessoas que pensam que deus ama apenas elas. Isso é perigoso. Bush criou algo para poder reagir contra, toda essa história de guerra santa e fundamentalismo islâmico. Mas o que ele fez foi só colocar mais dinheiro no seu bolso e no dos seus amigos. Toda essa história é uma bobagem, se há uma ameaça nós não estamos em segurança. Olhe para Nova Orleans, por exemplo. Não há ninguém em segurança, isso não existe lá. E nós também não estamos mais seguros por causa de Bush. Não seria tão difícil destruir Nova Iorque. Quer dizer, quão difícil seria isso? Se toda semana 20 caras seqüestrassem um avião, todo mundo deixaria Nova Iorque. Mas não é o que acontece. Isso só mostra que a religião mulçumana não é composta só por loucos extremistas. É exatamente como a igreja na qual fui criado. É a mesma coisa. Gente doida que quer deus ame-os mais. Eu acho que os islâmicos extremistas estão sendo usados por alguns para fins políticos. Isso tem a ver com o quanto EUA lucra nos países árabes, e com o fato de que os jovens no Oriente Médio não têm trabalho, perspectivas, nada. Outro problema é que a mídia americana está em todo lugar. Se eu fosse um religioso doido que só rezasse, rezasse e rezasse e tomasse conhecimento da música rap, por exemplo, ficaria louco. Todo esse “mexa gostoso seu traseiro” e tudo o mais que vem dos EUA, todas essas coisas estúpidas. E a América nesse ponto não está se dando conta do que está acontecendo. Enquanto a comida continuar chegando ao McDonald’s ele não têm que pensar nem se preocupar com nada. Mas se alguém destruir o McDonald’s ou sabotar o fornecimento de comida, aí ele começaram a se preocupar. Mas eles não conseguirão pensar racionalmente e reagirão de um bilhão de formas perigosíssimas. Mas então, a arte… é assim: se você está trazendo os anos 50 de volta, então os anos 60 chegarão uma hora. Essa é a parte boa. E eu acho que de certa forma isso está acontecendo. Mas meus alunos não são lá muito comovidos, apaixonados, eles estão pensando em suas carreiras. Não é o mesmo espírito dos anos 60. É outro contexto. A tecnologia é bem diferente daquela da década de 60. Os anos 60 foram do jeito que foram, em parte, por causa da televisão. Esta é a minha resposta longa. Acho que algo de interessante pode surgir disso, mas arte política…

Eu me lembro quando uma certa banda americana veio tocar aqui. Eles estavam muito preocupados em se desculpar por serem americanos…

E eles se desculparam?

Sim, o que você acha disso? Acho meio estúpido. Porque você sabe…

Bem, isso é um pouquinho de consciência. Mas eles poderiam ser um pouco mais conscientes. Eu acho que a América deveria se desculpar por um monte de coisas. Mas antes o que os americanos deveriam fazer é ajeitar sua própria bagunça e ler um monte de livros. Desligar a TV ajudaria também.

Na real, o povo americano são meramente pessoas. Eles não estão dando ordens.

Verdade. Mas nós somos adultos muito mimados, e gordos… e todas aquelas outras coisas. Mas há algo de interessante na arte, um underground interessante – quer dizer, não está no underground, mas na Internet. Sei lá, pessoas são formigas. Formigas podem fazer coisas interessantes também…

Seu trabalho sempre se relacionou ao progresso tecnológico e ao jeito que isso domina as pessoas. Mas e agora? O que dizer do progresso tecnológico de agora?

Tecnologia tem ótima características, mas você tem que fazer isto também (mostra o desenho feito à caneta no papel). Porque caso a tecnologia parar de funcionar, você ainda pode fazer isso. Eu falo com meus alunos que eles são viciados em Photoshop. “Desenhe essa linha”. “Não, eu farei isso no Photoshop.” Você tem que desenhar, sabe, porque se o computador parar de funcionar… Como em Nova Orleans: sem tecnologia alguma. E o que você faz? “Oh, não! Não sabemos o que fazer! A tecnologia parou!” Para mim as formas mais genuinamente humanas são muito importantes. Se você está progredindo tecnologicamente você tem preservar as velhas coisas importantes. E você tem que progredir com seu espírito, seja lá o que for isso.

Qual foi sua última publicação? “Jimbo in Purgatory”? Tem algo guardado que está para ser lançado?

Depois de “Jimbo in Purgatory”, veio uma réplica de um caderno de rascunhos meu. Saiu pela editora canadense Drawn and Quarterly. O nome é “Satiroplastic”.

Parece que os críticos acharam “Jimbo in Purgatory” incrivelmente hermético, apesar de o considerarem um ótimo trabalho de arte e design. Tem gente falando que o livro é um amontoado de citações e referências a temas que vão da cultura pop à filosofia, o que torna o livro quase ilegível. O que você me diz disso?

Eu construí o livro de maneira tão metódica e processual que o fez parecer um mosaico repleto de pequenos ladrilhos, então, sim, é difícil tirar um sentido literal dali. O leitor em geral pode simplesmente aproveitar as sensações que tem lendo o livro e também usar a notas de rodapé como uma lista de leitura. Muitos dos livros aos quais fiz referências serão inspiradores para quadrinistas e cartunistas e também para amantes de literatura. É pessoal e experimental. Espero que o próximo livro do Jimbo seja mais leve e menos purgativo.

Como calhou de você desenhar as capas dos discos de Frank Zappa, Red Hot Chilli Peppers, Screamers… Isso foi um trabalho pessoal ou comercial para você? Ou ambos?

Eu venero Frank Zappa. Eu sempre quis fazer as capas dos discos do Zappa. Eu levei meu portifólio para as gravadoras e um dia eu recebi uma ligação: “Você quer fazer a capa para um disco do Frank Zappa?” “Sim!” Mas eu descobri depois que eram para discos não autorizados pelo Zappa. Frank Zappa processou a Warner Bros. por esses discos. Mais tarde, fiquei sabendo que ele gostou das capas. Então, isso foi muito bom para mim, mas eu nunca estive com Frank Zappa. The Screamers, eu conhecia os Screamers. Os Chilli Peppers, eu os conhecia também. Mas tudo aconteceu por intermédio de gravadoras. Foi um diretor de arte que me ligou. Mas eles (as gravadoras) chegaram até a mim por causa de todo o trabalho que fiz de graça: flyers para shows de bandas, pequenas ilustrações…

Você também faz um trabalho que você chama de “shows de luz”. Como funcionam? São similares de alguma forma às performances de luz que acompanhavam bandas psicodélicas nos anos 60?

O show de luz é uma performance ao vivo não-computadorizada, e é um desenvolvimento das “luzes líquidas” e as luzes refratadas dos anos 60. Usamos projetores suspensos e outras fontes de luz e interagimos com a luz por meios de grandes stencils, rodas de cor e espelhos flexíveis. A inovação é que nós também usamos vídeo-projetores como fonte de luz, coisa que não existia na década de 60. É uma colaboração com Joshua White, que fazia os mais famosos shows de luz dos anos 60 no Filmore East, em Nova Iorque. Ele é muito gente boa e tem monte de idéias parecidas com as minhas. Nós já nos apresentamos com Alan Licht, Bardo Pond, Plate Tektonics, Yo La Tengo, Balloon Knot…

O que você tem escutado ultimamente?

Escutado? Eu escuto Nurse with Wound, música psicodélica da década de 60, pós-punk como Magazine, Gang of Four e todo esse tipo de coisa. Eu ainda acompanho música experimental. As pessoas também me mandam um monte de cds. Fora isso, eu tenho uma coleção esquisita de vinil. Coisas que eu acumulo nos últimos 40 anos, tenho ali todos os discos da minha época de escola e faculdade.

Pop Group?

Pop Group? Ah, sim, eu gosto de Pop Group. É muito bom. Enfim, todo tipo de coisa.

Punk rock gay…

Punk rock gay? Ah, é! Os Virgin Prunes! Relançaram os discos dos Virgin Prunes. No meu blog eu faço listas do que tenho ouvido. Muita gente me envia música também. Eu ouço bastante esse tipo de coisa.

Você diz no livro “We’ve Got the Neutron Bomb” que o logo do The Screamers adquiriu vida própria. Como é para um artista quando seu trabalho rompe certos limites e passa a ser um tipo de propriedade pública?

Bom, é bem legal. Meio que por isso tem gente bacana no Brasil, Noruega e Indonésia que acompanha meu trabalho. É bem legal. Os Screamers detêm os direitos autorais do logo, só me resta o piratear também.

foto: divulgação

Mais:

http://www.garypanter.com/

http://www.slashmag.com/

http://www.readyourselfraw.com/

En el recién celebrado festival del MoCCA, Gary Panter y Frank Satoro conversaron en una mesa redonda sobre Historieta y Arte Contemporáneo. Por fortuna y aún sin haber estado, podemos acceder a ella en formato audio o, mejor todavía, a través de su resumen por escrito en el blog de Squally Showers. A base de name-dropping, Panter y Santoro trazaron un recorrido por sus gustos artísticos gracias al que podremos descubrir algunos artistas muy interesantes como el grupo Hairy Who, Jacques de la Villeglé (autor de la imagen de este post) o H.C. Westerman, a parte de los inevitables Fahlström, Guston, Dubuffet o Paolozzi.

]]> http://squallyshowers.wordpress.com/2009/06/09/more-mocca-panter-audio-dorkin-bitch-kerschbaum-plea/ Tue, 09 Jun 2009 17:28:24 +0000 Squally Showers http://squallyshowers.wordpress.com/2009/06/09/more-mocca-panter-audio-dorkin-bitch-kerschbaum-plea/

Wow. It was very strange reading some of my favorite comics blogs this morning and learning they had linked to my Gary Panter post. I guess I should do these reports more often. Too bad MoCCA only comes ’round once a year.

Thanks to those who have linked to me and those who have left encouraging comments. Here’s a few more things I’ve gleaned from today’s reading.

The great Comics Comics blog has the audio from the Panter and Santoro talk up.

I’ve been an Evan Dorkin fan since listening to him pull a Don Rickles on the Inkstuds guys. A hilarious interview which is a must-hear. Here he sums up his thoughts about the festival. Bottom line: It was hot and lacked personality. And was hot.

Bigger isn’t always better, but it’s also easy for me to say, because I’m not 22 with comic stars in my eyes and insatiable energy and excitement. But here’s what bothers me about the Armory, take it with however much salt you’d like, because obviously some folks loved the new venue. Or liked it. Anyway: the show lost it’s personality. No, seriously, that sounds stupid, but it’s true, in my mind. It lost it’s identity, and it’s killer app, in a similar way to the way SPX faltered, for me, when they monkeyed with the days and chopped the Sunday get-together. I didn’t even love the get-together, it wasn’t why I went, just like the parties were never a reason I went, but they helped define that show and make it special. MOCCA is still special for a lot of folks, I’m sure newbies and first-time exhibitors were in heaven. A hellish heaven, but later for that. I don’t discount that opinion, I don’t discount anyone thinking contrary to what I’m laying out here. My blog, my opinion, keep that in mind. Okay, so, instead of the lovely Puck Building with white walls and light and an intimate atmosphere, the Armory provided a darker, gymnasium style con floor that made the layout look exactly like a flea market. God-awful lighting that made everything look sallow (but helped mask my awful shaving mishap scar, som,e folks said, so, hey). And…no air conditioning.

Quite a few interesting things here: Dorkin cites organizational problems and mentions the late start. Saturday started an hour late, although I think it ended late as well. No reason was given for opening the doors at noon-ish. I thought it may have had to do with traffic issues preventing exhibitors from showing up, as there was one of New York’s street festivals going on in Lexington. Dorkin has other ideas.

One more piece of business. During the show, I picked up a wonderful “Family Map” for the Metropolitan Museum of Art drawn by John Kerschbaum. An excerpt of it is above. It is dense. It is brilliant. It can also be downloaded here. Kerschbaum is probably best known for Petey and Pussy. He’s looking to get the promotional poster blown up to a larger size and sold through the Museum’s bookstore. Shoot these people an email: pr.merchandising@metmuseum.org.

Being a bit of a social cripple, and a social cripple on a tight budget, I spent most of MOCCA Festival ’09 down in a bunker watching the panels. This year the comic con has switched from the barrow-like Puck Building to the more spacious Lexington Ave. armory. The panel room was decorated with a splendid mural showing the 69th regiment in action. It’s very strange to be listening to Paul Karasik talk about Fletcher Hanks while over his head men are dying at the battle of Fredricksburg.

The panels ranged from sluggish to sweet, but when the legendary Gary Panter took the stage with Frank Santoro (Cold Heat) on Sunday to talk about painters, it felt right to get out the notebook and start keeping score. What follows is a brief summary of his high art hit parade. Of course, it follows after the jump.

Romare Bearden

Romare Bearden (1911 – 1988) had quite a career, studying with George Grosz and playing in the Negro Leagues. By the 1960s, producing collages that reflected his engagement with the civil rights struggle.

Willem de Kooning

Panter approved of de Kooning (1904 – 1997) primarily for his grotesque portraits of women, rather than his later Alzheimers phase.

Jean Dubuffet

Panter preferred the later work of French artist Jean Dubuffet (1901-1985), which he described as “madman … insane art.” A former vinter, Dubuffet called his combination of primitive iconography and heavy impasto—often using sand and gravel mixed with the oil—as “art brut.” “You can’t compete with nature, children, or crazy people,” Panter said.

Marcel Duchamp

Onetime cartoonist Marcel Duchamp (1887 – 1968) could be said to have pissed a lot of people off with his 1917 readymade Fountain. Showing a slide of Duchamp’s urinal, Panter pretended to be an irate museumgoer. “This is not art! Duchamp, he’s fucking with us!” Santoro approved of Duchamp putting the idea before the execution. Panter added that he established “whatever the artist says is art is art.”

Öjvind Fahlström

Öjvind Fahlström (1928 – 1976) was a Swedish artist, poet, playwright and filmmaker. One of Panter’s interests is pop art from further afield than New York. He was approving of Fahlström’s appropriation of Krazy Kat, but failed to mention Fahlström once embarked on a play which combined episodes from Wilhelm Reich’s life with the TV version of Blondie.

Philip Guston

Panter admired how Guston (1913 – 1980) went from producing work for the WPA during the Depression to working in abstract expressionism, then returning to his figurative roots after an exposure to Zap Comics. Poor reviews sent him into self-imposed exile in upstate New York. Santoro and Panter both applauded his sense of color.

Richard Lindner

Influenced in part by Saul Steinberg, the work of Lindner (1901 – 1978) had a heavy psychosexual component, usually using the tropes of American advertising. Panter noted he was “still dead.”

Roberto Matta

“Not to be confused with Matisse,” said Panter of the Chilean painter (1911 – 2002), who was booted out of the Surrealist movement and whose murals attracted the ire of General Pinochet. For some reason, Santoro then re-told an anecdote about the young Panter watching Alexander Calder paint a six-legged horse and wondering if the artist had lost it in his old age.

Jim Nutt

Showing the work of the Chicago artist (b. 1938), associated with the Hairy Who group, Panter enthused about the late 1960s and waiting to see what the Beatles, Zappa or Captain Beefheart would do next. “I’m still waiting for the Hairy Who takeover,” he said.

Edward Paolozzi

Panter has frequently mentioned how the Scottish artist (1924 – 2005) inspired him. He approved of Paolozzi’s role as a teacher, his influence on pop art, and his friendship with J.G. Ballard. Santoro marveled that Panter knows as much about 20th century work as he does about Ditko and Kirby. “Rip off one artist and you’ll be found out,” said Panter, “Rip off 100 people, no one’s going to know.”

Pablo Picasso

Both Panter and Santoro were intrigued by Picasso’s later career, although the slide was of 1907’s still shocking Les Demoiselles d’Avignon. Like de Kooning, Picasso enjoyed bringing out the grotesque side of women. Santoro explained how Cubism was basically a simplification of Renaissance theories of perspective, but I didn’t really understand that part.

Rob Rauschenberg

A frequent theme during the discussion was the difference between what is art and what is something that looks more like a dorm closet. The key factor is the idea put into it. Remarking that he shared a Church of Christ background with the pop guru (1925 – 2008), Panter savored the color of Rauschenberg combine displayed. He preferred working in black and white: “You only need two good colors.”

Jacques de la Villeglé

Showing a sample of the French affichiste’s work, Panter wondered why we all didn’t go home, tear up our comic books and make artwork like this. De la Villeglé was born in 1926.

Peter Saul

“The luckiest maniac in the world,” was how Panter described the Bushwick-based artist (b. 1934), who was also associated with the Hairy Who. He claimed that Saul was the recipient of a grant/award from France which allows him to focus completely on art. “Making art and selling art are two different things,” Panter said, another key theme of the MoCCA panels.

Martin Sharp

Sharp (b. 1942) was not only a psychedelic poster pioneer. He also wrote Cream’s “Tales of Brave Ulysses” and, according to Panter, built an amusement park in Australia inspired by Tiny Tim. The truth is probably a little more prosaic, so let’s leave it there.

Keiichi Tanaami

During World War II, the young Japanese artist-to-be (b. 1936) used to stare up from his bomb shelter at a tank of koi fish illuminated by American bombs. Tanaami later killed his grandfather’s koi but squeezing them to death. His work frequently uses a Koi motif. Largely unknown, he helped out at Andy Warhol’s factory and teaches at Kyoto University.

H. C. Westermann

Panter told the story of how Westermann (1922 – 1981) labored on building a studio by hand, then died before he could use it. His work had a strong anti-war streak which stemmed from Westermann’s time in the Marine Corps., during which he observed drowning sailors eaten by sharks. The image reappears often in his prints. He’s one of the group that appears on the cover of the Beatles’ Sgt. Pepper’s album.

Karl Wirsum

Like Nutt and Westermann, Wirsum (b. 1939) was a member of the Chicago Imagists who later became known at the Hairy Who. Panter shared that Wirsum works on kneepads to paint his canvases on the floor.

Zap Comix

After a consideration of a Japanese artist whose name I did not take down—there seemed to be some discussion about this artist’s belief in alien life, but it was hard to tell if Panter and Santoro were joking or not—the cover of Zap Comix No. 3 rounded out the discussion. Panter emphasized how the artist had to redraw the color separations. He emphasized the importance of medium: “With a ballpoint pen, your thought is four miles long. With a dip pen, your thought is three inches long.” Update:The cover is by Rick Griffin. Thanks to Karen for the tip!

The presentation emerged from bull sessions Panter and Santoro would have while working on a mural in Virginia. Panter is an engaging speaker, kind of like an artistic Kramer. Aside from his pithy aphorisms, he tries to jolt the audience with shouting and enjoys taking on characters. It was a good enough performance to keep the normally ebullient Santoro—comics’ answer to Jesse Ventura–subdued.

In the subsequent question and answer session, Panter and Santoro kept returning to similar themes. Panter wanted to emphasize the importance of cartoonists having art history to draw on for inspiration. Calling yourself a “cartoonist” limits people’s perception of you. Instead, call yourself an “artist” and start educating yourself in the give and take of the gallery scene. It’s the only way you’re going to make money. He explained a bit about his current practice, where he tries to marry the styles of David Hockney (“totally gay”) with Jack Kirby (“totally butch”) and see what happens next.

Santoro’s current bugbear was what he called the “pudding school” of cartooning. Cartoonists were producing individual panels of merit, but not considering how one panel related to the next. The pudding artist’s panels spill all over the page without much direction, leaving the reader to wonder where they’re meant to look next. While Santoro praised Panter’s intuitive approach and his use of “white noise” in works like Jimbo in Purgatory, he advocated a return back to basic visual storytelling principles.

Both noted that it’s a time in comics when walls are tumbling down. Love or loathe the term graphic novel, the barriers between novels and comics are tumbling—particularly with the involvement of literary figures—as are the barriers between music and comics. In a kinetic display, Panter presented the audience with a gallery of past heroes to look towards in the future.

Do you remember Pee Wee’s Playhouse? The kid/adult TV show full of awkward performances and talking furniture created by the most awesome shaper of a generation’s aesthetic eye Gary Panter? (I think it’s obvious that we do). Well, artist Thu Tran sure does too and every week she throws a party in it’s (unofficial) honor. “Food Party” is a web series she began in her Brooklyn apartment which recently got added to IFC’s late Tuesday night lineup of offbeat shorts and films “Automat”. The show is comprised of cardboard sets, food shaped puppets and charmingly cheesy special effects created by Tran and her crew of art school friends.

The IFC series will follow in the footsteps of similarly oddball low-tech programming (e.g. Cartoon Network’s Tim & Eric Awesome Show Great Job) and be condensed to 10 minutes of pure unpolished goofy.

We think that is for the best. Check out the premier on IFC this Tuesday June 9th at 11:15 pm and catch up on what you’ve been missing on foodparty.tv

Jeff Lemire has posted a mini-trailer for The Nobody on his blog.

I’m very much looking forward to this book. I really like what I’ve read so far of Lemire’s Essex County series, a slice-of-life trilogy set in a fictional Ontario community. Tales from the Farm is touching and sad. Ghost Stories is heartbreaking. If only more books resonated emotionally like Lemire’s work.

Based on the reports I’ve come across, The Nobody is a retelling of/inspired by the H.G. Wells classic  The Invisible Man.

For comic fans in Toronto, Comics N More is offering a limited edition print by Lemire and a signed copy of The Nobody if you pre-order the book. Not sure about the deadline for pre-ordering so check with the owner, Rob, for details. Contact info here.

The last time I was this excited about a book was Jonathan Lethem and Farel Dalrymple’s revamp of Omega the Unknown. Dalrymple’s beautiful lines and hand-drawn panels give it an indie look. I also really love Gary Panter’s contribution. The story is solid for the most part. The book didn’t blow me away (I’ll have to re-read to figure out why), but I would definitely recommend it to friends.

I think with Omega and now The Nobody, I’m hoping for a reading experience along the lines of Unstable Molecules, which probably ranks in my top 10 if I had to make a list. Fingers crossed The Nobody is good and people buy it. I’d like to see Vertigo take more chances on projects like this.

El Museum of Comic and Cartoon Art (MoCCA) de Nueva York celebra su festival anual los próximos 6 y 7 de junio. Tom Hart, Seth, Gary Panter o Adrian Tomine, acudirán, entre otros, al evento. Dentro de sus actividades el MoCCA presentará una exposición retrospectiva de David Mazzucchelli, Sounds and pauses, comisariada por Dan Nadel. En el blog Comics comics podéis curiosear via I-phone la exposición, a punto de inaugurarse.

Fantagraphics anuncia en su web el nuevo cómic y primera novela gráfica de Johnny Ryan, Prison Pit Book. La próxima obra del autor de Young Angry Comics combina su amor por la lucha libre americana, el Jimbo de Gary Panter y a Kentaro Miura, creador del manga Berserk en un muestra brutal de violencia, supervivencia y revancha. En clave de prensa rosa, hoy Johnny Ryan también es noticia porque un antiguo amante suyo relata la relación entre ambos en un relato para el New Yorker.

Vía: Entrecomics

[Above, Eleanor Davis gets Stinky. Below, the smell of Dispatch in the morning.]

• Freddie and Me creator Mike Dawson, who also has an OGN titled Ace Face on the way from Adhouse, is back at the webcomics collective Act-I-Vate on February 17th with Jack and Max Escape from the End of Time.
• Picturebox Inc. extends its celebratory Yes We Can sale for another week, ’till February 8th.  Highlights include Lauren Weinstein’s oversized The Goddess of War for $7.95, and the typically $95 Gary Panter marked down to $30.  Take advantage now before inaugural hopes and unbelievable markdowns are dashed by the march of time.
• The Louvre moves into the 21st century with its exhibition “Small Design: The Louvre invites Comics.” Currently underway at the famous French museum, it includes live digital drawings and displays of both traditional comics and manga.  Biff! Pow! Comics aren’t just for fine art philistines anymore!
• Eleanor Davis, at the tender age of just 25, was recently recognized with a 2009 Theodor Seuss Geisel (a.k.a. Dr. Seuss) Award for her Toon Books beginning reader graphic novel Stinky, about overcoming prejudice towards the differently monstrous.
• The Alternative Press Fair takes place in London on February 1st from 12 PM to 6 PM, with the added bonus of being free, free, free!

–Laura Hudson

Lynda Barry’s What It Is.

In the comic book world, everyone is offering up their list of the best book of 2008. My own list is necessarily partial and personal, and there are some books that look great which I haven’t read yet, like the new issue of Kramer’s Ergot. But with all these provisos in mind, my list  would include:

What It Is by Lynda Barry (Drawn and Quarterly). A book about creativity which is also an outburst of creativity:  an organic, breathing book, as thick with life as a jungle. Many of the pages do have a jungle-like feel thanks to Barry’s collage method (pasting her art on old school projects done decades ago by school kids) and her tropism for bright colors. Instructive yet completely free of any lecturing tone of superiority, Barry teaches us that art is play, that play is an essential part of mental health, that we all have multiple personalities, and that memories are living things within us. Bringing all the threads together we can say: Creativity is mentally healthy play that brings to the surfaces the personalities and memories that live within us.  

Breakdowns: Portrait of the Artist as a Young %@&*! by Art Spiegelman (Pantheon). Two books in one:  the first half is a memoir by Spiegelman of his youth and early career, how he encountered comics as a kid and fell into the underground movement; the second half a reprinting of Spiegelman’s best comics from the 1970s, mostly done in an experimental and formalist mode.  The two sections are tightly linked: the memoir is not just a story of personal growth but also a deeply theoretical reflection on the link between comics and childhood, memory and creativity (in ways that echo Lynda Barry’s ideas). The formalist comics have been hugely, although quietly influential, teaching a generation of cartoonist the pleasures of dismantling the inherited forms (word balloons, panels) and putting them together in new ways. Without Spiegelman’s formalist forays, it’s hard to imagine the careers of Richard McGuire or Chris Ware. There is also a hidden cord that ties Spiegelman with Alan Moore: Spiegelman’s turned the comics page into a tightly packed puzzle, so that the true meaning of strip involves paying attention to every panel and connecting the dots. Moore popularized this method in Watchmen, just as Dashiell Hammett found a mass market use for the the manly terseness of Hemingway.

Love and Rockets, volume 3, #1 by Gilbert, Jaime and Mario Hernandez (Fantagraphics). A new iteration of a venerable title. The highlight is Jaime’s appropriation of the superhero genre for a fable about mother-love gone awry. At first the story reads like a light-hearted, affectionate spoof but, as always with Jaime, there are rockets are just a drawing card to invite us into a tale  about love, in this case love gone bad as a mother’s vanity endangers her children’s future. In a parallel move, Gilbert (one one occasion working with Mario) also appropriate old cultural forms (the comic patter of Dean Martin and Jerry Lewis buddy comedies, stereotypical images of Latin Americans) but infuses them with bracing, ironic wit.

Deitch’s Pictorama by Kim, Seth and Simon Deitch (Fantagraphics). At an age when most of us are ready to retire, Kim Deitch is still experimenting. Working in various combinations with his brothers Simon and Seth, Kim is experimenting with a new way of mixing words and stories: half way between the illustrated fiction of the 19th century and modern comics. Most of the stories have a tall tale quality, like listening to a practiced yarn-spinner at a bar who mixes personal recollection with fabulous invention. The highlight of the issue is Kim’s solo work “The Sunshine Girl”, a rambling account of compulsive collecting verging into madness.

Gary Panter by Gary Panter (Picturebox). Not a comic book or graphic novel but a career overview of one of the world’s greatest cartoonists who is also a designer, painter and all round visual arts genius. To see so much of Panter’s work in one place is to be reminded of his staggering fecundity. A mixture of Picasso and Jack Kirby, Panter is always inventing not just new styles and new ways of looking at the world but entire new worlds, each with its own internal rules and organic solidity. Panter again and again shows that the primal and simple is not banal, that simplicity can be as various as the world itself. Virtually every interesting cartoonist in the world today is a disciple of Panter, drawing courage from Panter’s relentless inventiveness.  

 Acme Novelty Library #19 by Chris Ware (self-published). Here I’ll defer to my friend Seth, who wrote a strong statement about this work for the Globe and Mail. Seth wrote:

Though this small oblong hardcover is in fact a periodical of sorts, and does contain a serialized segment of a much longer work in progress, do not allow these facts to prevent you from purchasing it. The story within its covers is entirely self-contained and fully satisfying as a complete work. If the number 19 were not displayed on the spine you would have no idea whatsoever that this is but a small section in a grand work to come. And a remarkable work it is.

 

The “graphic novel” is broken into two parts. In one half we observe William “Woody” Brown, a failed science-fiction writer/high school English teacher as he reflects back on a disastrous first love that has shaped (or perhaps misshaped) his entire adult life. In the other half of the story, we read Woody’s first science fiction novella, The Seeing Eye Dogs of Mars. The two halves mirror each other and produce a work of remarkable complexity and emotional impact. A work about time and memory and how the past never really vanishes and how we are shaped by hurt. Ware also pulls off a very difficult stunt: He lets us know that Woody has written a excellent and well received science fiction story and then he has the bravado to produce that story for us to read – and yes, it is terrific.

 

As with all of Ware’s works, the book is exquisite in its design, its drawing and its production. The real genius is in the storytelling techniques Ware uses – breaking every action down to its smallest gesture – revealing the subtle power of the comics medium in the hands of a master cartoonist. This is, hands down, the best “comic book” you will read this year. I think it might simply be the best book, period.

 

My own review of Gary Panter, Picturebox’s two-volume monograph dedicated to the artist’s diverse and influential career, is online at Print Magazine’s website. The piece originally appeared in the magazine’s December 2008 issue.

Gary Panter, Gary Panter

Serge Clerc, Le Journal

Frédéric Ciriez, Des néons sous la mer

Pierre Maurel, 3 déclinaisons

Ron Regé, Against Pain

William T. Vollmann, Pourquoi êtes-vous pauvres ?

Nazi Knife 5

William Langewiesche, La conduite de la guerre

Blutch, le Petit Christian 2

Marti, Taxista

Shoboshobo, Un bonnet d’abeilles

Menu, Lock Groove Comix 1

Posy Simmonds, Tamara Drewe

Blutch, Vitesse Moderne (édition complétée)

Blake Bell, Strange and Stranger, the World of Steve Ditko

Charles Burns, Permagel

Frédéric Magazine vs Bon Goût

John Pham, Sublife

Hendrik Hegray, Pregnant Bitch & Lucifer Rising

Denis Johnson, Arbre de fumée

Kerozen, Geometric Pollution

José Maria Gonzales, Landscape

Mathias Enard, Zone

Jonas Delaborde, Zodiac Grind

John Porcellino, Thoreau at Walden

Frédéric Poincelet, Poésie

Mathieu Sapin, Salade de Fluits

Blutch, La Beauté

Frédéric Fleury, capable du pire

Bastien Vivès, le goût du chlore

C.F., Powr Mastrs

Yoshihiro Tatsumi, l’Enfer

Fabienne Swiatly, Boire

Pierre la Police & Julien Carreyn, Les demoiselles de Vienne

Andres Ramirez

Sammy Stein, Claquettes & dancemusic

Harukawa Namio, Callipyge

Art Spiegelman, Breakdowns

Winshluss, Pinocchio

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Mention spéciale : Sumimasen d’Isabelle Boinot, à paraitre en 2009.

Gary Panter has written and drawn comic books, designed sets, performed on musical releases, collaborated on light show design, painted album art, and been struck in the back of the head by a burrito.

Here is a four-part Art Talk! interview with him on VBS TV.

Gary Panter

Don’t miss the Bonus Reel.

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]]> http://powerlinead.wordpress.com/2008/11/03/metallica-art-auctioned-off-at-christies/ Mon, 03 Nov 2008 14:07:01 +0000 Patrick Prince http://powerlinead.wordpress.com/2008/11/03/metallica-art-auctioned-off-at-christies/

You have 20 – 30K just laying around? Would love the original artwork for Master of Puppets hanging in your living room? Well, now you can have it! Because Christie’s Auction in New York City is selling it off on Nov. 24th in part of its Punk/Rock items auction:

Original artwork for the cover of Metallica’s 1986 album Master of Puppets, painted by artist Don Brautigam. Signed on the lower right of the painting DB. Framed 17×17in.

If you are blessed enough to have that kind of money, don’t be surprised if you are competing at the auction with Lars himself.

If you want a better bargain, Red Hot Chili Peppers’ Uplift Mofo Party Plan is going for half that estimated price!

It does make me think, though: What album cover would I buy if I had this kind of money to spend?

My personal picks would have to be Revolver or Let It Bleed. These would be the covers I’d shell out money for and display on my wall (remember, not only would you have to pay good money for this art but you’d have to look at it every day). But I could go with Master of Puppets. It has a poignant message and definitely relevant for the times.

Where Demented Wented Book Release
Desert Island Comics, Brooklyn, NY 8/8/08

[Gary Panter, Bill Griffith]

[More photos available on our Flickr page.]

[More videos on our YouTube page.]

“This is the largest crowd that Rory’s ever had,” laughed Bill Griffith, only half-jokingly. Desert Island Comics was packed Friday night, in joint celebration of Fantagraphics’ upcoming Rory Hayes anthology, Where Demented Wented and a posthumous celebration of the artist’s 59th birthday. The owners Brooklyn-based shop had diligently swept all of the store’s waste-high shelves into the its remotest corner, but the space was still standing room-only, at best.

Griffith’s bafflement at the matter was palatable. After all, Hayes was never really recognized in his lifetime, whatever minor fame he achieved paling in comparison to habitually lauded peers like Robert Crumb and S. Clay Wilson. Posthumous fame hasn’t exactly been forthcoming, either. For all intents and purposes, the newly-issued Fantagraphics volume is the first widely available anthology of Hayes’s work.

[Bill Griffith, Geoffrey Hayes]

The attendance could no doubt–at least in part–be chalked up to the panel that had been culled together for the occasion, moderated by Picturebox founder and Demented co-editor, Dan Nadel, and featuring the aforementioned Griffith (he of Zippy fame); Hayes’s brother and fellow cartoonist, Geoffrey Hayes; and the inimitable Kim Deitch (who, was sadly absent from the proceedings, though the Gary Panter, who was present amongst the audience, was more than happy to fill in from the other side of the store’s impromptu table).

Geoffrey reminisced about brothers’ early years, as burgeoning comic artists inspired by the likes of Carl Barks. Griffith happily touched on nearly everything else, from early stories involving well known peers (and Hayes admirers) like Crumb, Deitch, and Spiegelman, to some his short-lived career as a burgeoning horror film director, to the artist’s later years scraping together a living working at a San Francisco-based comic shop while selling the occasional print to a philanthropic admirer—nearly every tale, however, was peppered with the inevitable reference to Hayes’s growing battle with drugs, which ultimately ended his life at age 34.

Most telling, however, amongst Griffith’s accounts, were the near constant references to Henri Rousseau, a fellow insider-outsider artist whose “primitive” art was lauded amongst contemporaries like Picasso, but largely ignored in his lifetime, in favor of his more famous peers.

Asked whether any contemporary artist claimed Hayes as an inspiration, Griffith couldn’t think of a single one. “But they will after this book comes out,” he added, optimistically. Surely there couldn’t have been a more appropriate forum for such a hopeful sentiment, inside a Williamsburg alternative comic shop, walls lined with a wide array of two-dimension figurines crafted by a large cross-section of up-and-coming artists for an event crated by Picturebox’s own Lauren Weinstein. A cursory glance around the shop revealed exactly where demented has gone.

–Brian Heater

Après avoir vu le portrait de Burroughs sur ce blog, Charles Burns m’en a renvoyé une version remixée avec un dessin de Gary Panter, saisissant.

Mientras nuestra amada marca de la manzanita lanza el Fail del año con sus estúpidas reglas para comprar el nuevo iphone {tienes que llevar: Credit Card, Social Security Number, Valid government-issued photo Id, current wireless account number and password or PIN (if you’re new to AT&T)}, la gente de Zune (la competencia del ipod de Microsoft) lleva un paso más allá su excelente iniciativa Zune arts, con su nuevo proyecto: THE LOST ONES,

“a graphic novel written by celebrated writer Steve Niles. For the Zune-commissioned novel, Niles was paired up with visual artists Dr. Revolt, Gary Panter, Kime Buzzelli and Morning Breath to take the reader on an epic journey through time and space. Each artist illustrated a different chapter of the novel.”

Para los que no recuerdan, Steve Niles es el creador del cómic 30 Days of Night. Los ilustradores vienen del mundo del grafitti (Dr. Revolt, Morning Breath), galerias de arte (Buzzelli), y del comic underground (Panter).

Pueden echarle un ojo al comic, bajárselo en pdf, ver trailer, leer entrevistas, etc, en la página oficial.

Buscando mayor información me enteré que ay un concurso para ganarse una edición limitada del graphic novel y afiches. Solo tienen que meterse acá.