Am întâlnit o carte în librăria de la colţul străzii pe care o parcurg destul de des, cărticică care este un album de artă dintr-o colecţie despre pictură. Până acum nu am apucat să o răsfoiesc decât pe aceasta, despre Baroc, semnată Andreas Prater şi Hermann Bauer. Foarte bine prezentate, clar şi inteligibil, picturi din baroc şi cei mai importanţi pictori ai acelei perioade.
Barocul s-a numărat mereu printre mişcările culturale preferate de mine, Epoca identificată cu  “absolutismul”, epoca lui Brueghel cel Bătrân, Rubens şi Rembrandt se caracterizează prin exces, de o parte, iar de cealaltă parte, de clar- obscur, amândouă variantele lăsând impresii puternice privitorului. Tot în aceeaşi perioadă s-au stabilit noi standarde pentru epoca de aur olandeză.
Pictura pe care am pus-o, este expuse în prezent (noivembrie 2009) în muzeul Louvre din Paris, şi este Saint Joseph charpentier de Georges de la Tour.

Trisorul - asul de romb

Trisorul - asul de trefla

In secolul XVII, Georges de la Tour punea bazele, poate involuntar, unui exercitiu de spirit de observatie, foarte popular si in zilele noastre.

Pictorul e celebru pentru minunatele sale tablouri in care utilizeaza tehnica clarobscurului si, la un moment dat, veti avea parte si de asa ceva.

Deocamdata, va invit sa examinati fizionomiile personajelor si va las sa va incercati puterile bagarii de seama si sa imi spuneti cate diferente observati intre cele doua imagini. Eu am dibuit vreo 13.

Peintre français du 18ième siècle.

DANIEL IN THE LION’S DEN by Bob Kessel after Peter Paul Rubens

Bob Kessel has created an art series titled, “BIBLE”. It features pictures based on the works of famous artists throughout history like the picture “DANIEL IN THE LION’S DEN”  originally by Peter Paul Rubens, shown above and the picture “DOUBTING THOMAS” shown below based on a painting by Caravaggio. These pictures are available as signed and numbered limited edition fine art prints. Contact Bob Kessel for pricing and availability.

DOUBTING THOMAS by Bob Kessel after Caravaggio

Also known as Saint Thomas Putting his Finger on Christ’s Wound. Thomas is one of Jesus’ twelve apostles. When Jesus shows himself to his followers after his resurrection, Thomas refuses to believe that this man really is his master. He demands evidence. Jesus shows him the wound caused by a Roman soldier’s lance before his crucifixion. He invites Thomas to put his finger on it. Caravaggio shows that Thomas soon casts aside all doubt.

Almost identical copies of this painting and that of the Pilgrimage to Emmaus were found in a church in the French town of Loches, in 1999. After investigation, it was announced in 2006 that both works were authentic Caravaggios. Both contain the shield of arms of Philippe de Bethune, a friend of Caravaggio’s and French ambassador in Rome. Records show that Bethune acquired four paintings from the painter. Caravaggio often made several copies of his own paintings.

DOUBTING THOMAS by Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Italian painter with great influence both in Italy and abroad.

Caravaggio is particularly renowned for his use of chiaroscuro, a technique that uses light and dark to achieve a 3-D effect. Caravaggio breaks away from the tradition of symmetrical figures and detailed backgrounds. His figures do retain a traditional monumentality. His later work is less plastic.

Caravaggio takes his name from the village where he was born. He receives his first training in Milan, specializing in still-lives. Around 1592 he takes to Rome, the spiritual capital of the Italian peninsula, switching his subject matter to street-life and young boys.

In 1595 Caravaggio’s talent catches the eye of cardinal Francesco Del Monte, who subsequently becomes his first patron. Caravaggio’s three paintings on the life of St Matthew cause a sensation: never before has a saint, let alone an apostle, been shown like this. (calling, inspiration, martyrdom) After this succès fou, Caravaggio takes all his subjects from the New Testament.

Caravaggio’s life is as turbulent as his personality. He has many run-ins with the law and is arrested on several occasions. In 1606 a bet over a game of tennis leads to an argument, at which point Caravaggio draws his sword and kills his opponent. He flees to Naples, intending to take the long way home to Rome – where friends are lobbying for his rehabilitation – via Malta and Sicily. On his wanderings he produces several masterpieces, such as The Beheading of St John the Baptist, which he creates in Malta. He dies before reaching Rome, probably of pneumonia, in Porto Ercole. Several days after his death word arrives of papal absolution.

Caravaggio’s influence is widespread: outside Italy he inspires painters as diverse as Georges de La Tour and members of the Utrecht School, e.g. Gerrit van Honthorst – artists who in their turn are later to influence Rembrandt.

La llama de La Tour a la que mira extasiada la Magdalena, la llama de su pasado encendido, la llama de recuerdos y olvidos, escenas superadas, arrepentimientos contritos, ilumina todo el cuadro y alumbra a la vez el marco entero colocado hasta el 28 de junio en una sala del edificio Villanueva del Museo del Prado de Madrid. Ese “Maestro Georges de la Tour, pintor, que se hace odioso a la gente por el enorme número de perros que cría, como si fuera el señor del lugar - se atrevió a criticarle uno de sus contemporáneos -, ese pintor que caza liebres entre las mieses, destrozándolas y pisoteándolas…”  resulta que ha pintado esa llama para que la Magdalena la mire.  La llama de esta vela de La Tour que ha llegado del Louvre, obra invitada ahora del Prado, enciende también la sala, se abre a todas las salas del Museo donde ahora está expuesta, pero sobre todo imanta nuestros ojos. Los ojos de la Magdalena no nos miran sino que están posados sobre los efectos de la luz, quedan prendidos en esa candela encendida,  esa fuente luminosa enmarcada en el realismo familiar y así la humilde vida cotidiana de esta mujer pensativa es atraída por el centro de la composición. Es la simplicidad elaborada del pintor. Es – dijo André Chastel – “una envoltura de sombra rota por una llama.  Algo de inmemorial y de fascinante -al mismo tiempo símbolo del pensamiento, del silencio y de la fragilidad – vinculado al juego de las formas”. Esta es la llama de Georges de La Tour.

(Imágenes.-Georges de La Tour: La Magdalena.-Museo del Louvre)

Inmediatamente, al pensar en la pintura barroca, nos remontamos al siglo XVII. La imagen de crudeza en las imágenes, generalmente con oscuridad, acuden a nuestra memoria como un artilugio para la imaginación del barroco. También, hacemos construcciones de imágenes elogiosas, encarecimientos a “santos” o imágenes personificadas.

El barroco, en la pintura, es la representación del realismo. El rayo que nos viene a la mente cuando pensamos en la palabra “barroco” es inmediatamente Caravaggio. Sin embargo, a mi parecer, otro de los grandes representantes del barroco también es Georges de la Tour, un pintor francés nacido en la última década del siglo XVI, y muerto casi comenzando la segunda mitad de la centuria siguiente.

El estilo de Georges de la Tour es considerado dentro del “tenebrismo” —contraste exaltado entre colores para representar en mayor medida alguna imagen u objeto, generalmente oscuros—, artilugio utilizado por pintores del barroco.

Se categorizan dos tipos de estilos en la pintura de Georges de la Tour a lo largo de su trayectora pictórica: las creaciones “diurnas” y “nocturnas”. En el segundo, el contraste de la luz proviene de una vela o un objeto visible; la luz proviene del exterior y queda a la perspectiva del observador en la primera.

Tocador de zanfonía

(Ilustración del período “diurno”)

Magdalena Wrightsman

(Ilustración del período “nocturno”)

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LA SOMBRA

Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid
10   Febrero – 17 Mayo 2009

Desde el Renacimiento hasta nuestros días, la representación de la sombra proyectade en el arte ha presentado un amplio espectro de implicaciones, problemas y soluciones. Desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, los artistas han representado y utilizado el elemento sombra de uno u otro modo en sus composiciones: desde las connotaciones simbólicas o su estudio y utilización en la creación de perspectivas de los artistas del Renacimiento, hasta la representación de la luz y la sombra en el Impresionismo, pasando por su espectacular uso por parte de los pintores tenebristas del Barroco o su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica. A lo largo del siglo XX, la sombra adquiere otra utilización en los juegos de proyección de los pintores surrealistas, o en su papel protagonista en el Expresionismo alemán.

“La sombra” como tema artístico ha estado indivisiblemente unida a la historia del arte occidental. Su intencionalidad ha sido fundamentalmente naturalista, al subrayar la verosimilitud de lo representado. Pero cada época la ha dotado de connotaciones diferentes.

1. La invención de la pintura.

Una antigua fábula de Plinio el Viejo († 79 d.C) sitúa el origen de la pintura en Corinto, donde una joven muchacha, hija del alfarero Butades de Sición, habría trazado el contorno de su amante sobre una pared, siguiendo la silueta de la sombra proyectada por la luz de una vela.
Dicho mito ha sido ilustrado por diversos artias como Joseph Wright of Derby, David Allan y Joseph Benoît Suvée. Las pinturas de Matías de Arteaga y Karl Friedrich Schinkel se basan en Quintiliano († c. 96 d.C) que derivó el origen de la pintura de la circunscripción de las sombras solares sobre una pared. En la obra de los pintores contemporáneos Vitaly Komar y Alexander Melamid, retoman el mito de Butades para ironizar sobre los fundamentos clasicistas del Realismo Socialista.

- La doncella corintia (1782 – 1784). Joseph Wright of Derby (1734 – 1797)

- La invención del arte del dibujo (1791). Joseph Benoît Suvée (1743 – 1807)

- Los orígenes del Realismo Socialista (1982 – 1983). Vitaly Komar (1943) y Alexander Melamid (1945)

2. Renacimiento

Aunque las primeras sombras en el arte datan del siglo IV a.C —vinculadas todavía a escenografías teatrales y al sombreado de objetos en relieve—, la sombra proyectada hace su verdadera aparición en el Renacimiento. Durante el siglo XV se produce un acercamiento empírico a la sombra, mientras que un siglo después ésta se vincula estrechamente con la perspectiva. La sombra, como resultado de la interposición de un cuerpo sólido y opaco entre una fuente de luz y una superficie de proyección, fue objeto de experimentación temprana por parte de artistas como Gentile da Fabriano, Giovanni di Paolo, Pier Maria Pennacchi, Lorenzo Lotto o el Maestro de la Leyenda de la Magdalena. Se observa también la connotación simbólica positiva que la sombra adquiere al vincularse al tema de la Anunciación. Así, en las obras de Jan van Eyck, Lorenzo di Credi y Ludovico Carracci, el reflejo opaco del Ángel o de la Virgen alude a la “sombra del Todopoderoso”, bajo cuyo poder se produce el milagro de la Encarnación.

- Estigmatización de San Francisco (1419). Gentile da Fabriano (c. 1370 – 1427)

- Díptico de la Anunciación (c. 1433 – 1435). Jan van Eyck (1390 – 1441)

- Anunciación (c. 1480 – 1485). Lorenzo di Credi (1459 – 1537)

3. Barroco

A partir del Renacimiento, al tiempo que se asiste a una profundización en el conocimiento de la representación de las sombras —que llegará a formar parte de la enseñanza de las academias—, se limita su uso por la propensión a ensuciar o emborronar la composición, en detrimento de la claridad visual. Sin embargo, los “tenebristas” del Barroco supieron como nunca antes explotar sus espectaculares posibilidades. En las escenas religiosas de Jean Leclerc, Matthias Stom, Gerrit van Honthorst, Hendrick ter Brugghen, Georges de La Tour, Mattia Preti y el llamado Maestro de la Luz de la Vela, la sombra sirve para enfatizar la presencia sagrada y su incardinación en la vida cotidiana. En Rembrandt y Pieter de Hooch, la luz y la sombra construyen espacialmente la composición y sugieren la temporalidad de la escena. Por último, la obra de Jacob I van Oost es un ejemplo singular en el que la sombra aparece proyectada sobre el lienzo representado.

- Hombre sentado leyendo en la mesa de una habitación noble (1628-1630). Seguidor de Rembrandt

- Incredulidad de Santo Tomás (c. 1641-1649). Matthias Stom (c. 1600 – después de 1652)

- La educación de la virgen (1650). Taller de George de la Tour (1593 – 1652)

4. Romanticismo

Con el Siglo de las Luces, la sombra alcanza un nuevo protagonismo de la mano de Johann Caspar Lavater y sus Fragmentos fisiognómicos (1775-1778), con los que pretende sentar las bases para el estudio de la personalidad humana a partir de la proyección del perfil del rostro sobre una pantalla. Pero el siglo XVIII fue también el del nacimiento del concepto estético de lo “sublime”, y la sombra comienza a ser valorada por sus cualidades narrativas eminentemente negativas. Poco a poco se asiste a la aparición de una verdadera “estética de lo siniestro”, algunos de cuyos ejemplos más destacados se encuentran en la obra de Goya, Heinrich Wilhelm Tischbein, Joseph Wright of Derby, Adolph von Menzel, Jean-François Millet, William Holman Hunt, Jean-Paul Laurens, Gioacchino Toma y Émile Friant.

- Corral de locos (1794). Francisco de Goya (1746 – 1828)

- La gran sombra (1805). Heinrich Wilhelm Tischbein (1751 – 1829)

- La sombra de la muerte (1870 – 1873). William Holman Hunt (1827 – 1910)

- Sombras marcadas (1891). Émile Friant (1863 – 1932)

5. Simbolismo y fin de siglo

El simbolismo, al apartarse de la representación naturalista de la realidad, encumbró la visión subjetiva como eje de la representación plástica. Lo misterioso y lo sombrío despertaron la creatividad de escritores y artistas. En las escenas de interior de Monet, en las que varios personajes de una misma familia se concentran bajo la luz de una lámpara, resuenan todavía ecos del tardo-Romanticismo francés, aunque con un mayor énfasis sobre el estudio de la luz y la sombra como fenómeno plástico. Su ejemplo fue seguido por los artistas nabis Édouard Vuillard y Félix Vallotton, en cuyos interiores la atmósfera se hace más densa y las formas tienden a aplanarse. Desde una óptica más literaria, la sombra centrará también buena parte de la producción de artistas como Léon Spilliaert, Xavier Mellery o el joven František Kupka.

- La Cena (1868-1869). Claude Monet (1840 – 1926)

- Dos mujeres bajo la lámpara (1892). Édouard Vuillard (1868 – 1940)

- La noche (1908). Léon Spilliaert (1881 – 1946)

- Desnudo sobre fondo amarillo (1922). Félix Vallotton (1865 – 1925)

6. Impresionismo

Con el impresionismo se observa un giro importante en el tratamiento de la sombra, que por primera vez abandona su carga narrativa para convertirse en sujeto de investigación exclusivamente plástica. La sombras de los árboles ocupan un lugar destacado en la obra temprana de Monet, pero es en Camille Pissarro y Alfred Sisley donde mejor se observa cómo las sombras coloreadas dejan atrás el tradicional empleo del negro y, con él, la carga peyorativa de la sombra. Otros artistas son Childe Hassam, Joaquín Sorolla, Santiago Rusiñol y Darío de Regoyos.

- Paseo (Carretera de la granja de Saint-Siméon), (1864). Claude Monet (1840 – 1926)

- Helada blanca (1873). Camille Pisarro (1830 – 1903)

- Bajo el toldo, Biarritz (1906). Joaquín Sorolla (1863 – 1923)

7. Realismos modernos

Las sombras carecieron de relevancia plástica en el primer cubismo y los movimientos abstractos subsiguientes, fieles a la bidimensionalidad del cuadro. Hubo que esperar a Giorgio de Chirico para que la sombra alcanzase un nuevo protagonismo, a medio camino entre la verosimilitud naturalista y la pesadilla. En los holandeses Pyke Koch, Carel Willink y Dick Ket el empleo de sombras pseudo-cinematográficas, unido al carácter estatuario de las figuras -tomado de Piero della Francesca y Mantegna-, nos introduce en una “realidad mágica”. Pareja dualidad entre un orden aparentemente estable y la amenaza de lo siniestro está también presente, con diferentes matices, en la obra de Christian Schad, Felix Nussbaum, Edward Hopper, Rockwell Kent, Alfonso Ponce de León y Gregorio Prieto. De un modo más singular, en Picasso la sombra del artista –que es a su vez la del espectador- se proyecta sobre la mujer desnuda representada.

- La mañana angustiosa (1912). Giorgio de Chirico (1888 – 1978)

- Retrato del Dr. Haustein (1928). Christian Schad (1894 – 1982)

8. Surrealismos

Si algún movimiento de la pintura contemporánea dedicó una especial atención al tratamiento de la sombra, éste fue el surrealismo, principalmente en su vertiente vinculada a la representación de los sueños. Artistas como Salvador Dalí, Yves Tanguy, René Magritte, Max Ernst, Paul Delvaux y Esteve Francés dotaron a la representación de los sueños de una verosimilitud aún más acusada que la de la propia realidad contemplada por nuestros ojos, recurriendo para ello a una técnica minuciosa y al empleo masivo de las sombras. En Dalí, además, las sombras ayudan a recomponer imágenes contradictorias, dentro de lo que se ha denominado el método “paranoicocrítico”.

- Metamorfosis de Narciso (1937). Salvador Dalí (1904 – 1989)

9. Del pop art a nuestros días

La sombra también ha jugado un papel importante en la pintura de la segunda mitad del siglo XX, a raíz del triunfo del pop art en el panorama artístico internacional de los años sesenta. Andy Warhol y Roy Lichtenstein, en su empleo de motivos medios artísticos vinculados a la publicidad, dieron cabida a la sombra como un elemento más de la vida cotidiana. Warhol, en concreto, dedicó una serie completa al tema de “la sombra”. En la obra homónima seleccionada, la fractura moderna del hombre con su sombra es el tema central de la composición. En la estela del pop y más allá de él, la sombra ha continuado atrayendo la atención de artistas como Ed Ruscha, Gerhard Richter, Jürgen Klauke y Susan Rothenberg. Claudio Parmiggiani y Tobia Ercolino la evocan como una éterea y poética presencia.

- Silla de cocina (1932). Gerhard Richter (1965)

- La sombra (1981). Andy Warhol (1928 – 1987)

10. Fotografía

Uno de los primeros usos de la fotografía fue, como en el mito de Butades sobre el origen de la pintura, el mantener vivo el recuerdo de los seres queridos que se han ido. Pero más allá de su condición de “huella” o “nueva sombra”, la fotografía se interesó tempranamente por las sombras proyectadas, marcando con su impronta a otras artes, como la pintura. La sombra, como elemento constructivo o expresivo, documental o experimental, e inclusive auto-reflexivo, está presente en la obra de Ansel Adams, Francesc Català-Roca, Constantin Brancusi, Brassaï, André Kertész, Dorothea Lange, Man Ray, Alexander Rodchenko y Umbo, entre otros. La artista británica contemporánea Sam Taylor-Wood, posee una serie de fotografías basadas en la novela de Bram Stoker, Drácula. En ellas, el cuerpo de la artista, en éxtasis, es sostenido por una silla que, como el célebre vampiro, no proyecta sombra.

- Negra y blanca (1926). Man Ray (1890 – 1976).

- Silla de Bram Stoker II (2005), Sam Taylor-Wood (1967)

11. Cine

Incluso antes que en la fotografía, la sombra alcanzó un desarrollo temprano en el cine expresionista alemán como prolongación siniestra del hombre. Otros realizadores posteriores ampliaron el espectro de recursos, buscando nuevos contenidos que casi siempre tienen que ver con la esencia misma del encuadre fílmico, abierto a la imprevista circulación de seres y objetos. Entre otros, cabe destacar la obra de Robert Wiene, Arthur Robinson, F.W. Murnau, Fritz Lang, Lotte Reiniger, Serghei Eisenstein, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Woody Allen, Peter Greenaway y Quentin Tarantino.

- Fotograma de la película Nosferatu, Friedrich Wilhelm Murnau (1921)

Print by Bob Kessel from the art series "ART HISTORY"

Many famous artists are depicted in the Bob Kessel Art History Series, a few of them are: Giovanni Bellinii, Pietro Berninii, Pierre Bonnard, Sandro Botticelli, François Boucher, William Bouguereau, Caravaggio, Marc Chagall, Pierre Puvis de Chavannes, Gustave Courbet, Jacques-Louis David, Eugene Delacroix, Otto Dix, Paul Gauguin, Hendrick Goltzius, Francisco de Goya, Francesco Hayez, Erich Heckel, Ando Hiroshige, Katsushika Hokusai, Pieter de Hooch, Jean Auguste Dominique Ingres, Jan van Kessel, Ernst Ludwig Kirchner, Gustav Klimt, Willem de Kooning, Henri de Toulouse-Lautrec, Ferdinand Leger, Frederic Lord Leighton, Edouard Mant, Henri Matisse, Claude Monet, Michelangelo Buonarroti, Jean Francois Millet, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso, Nicolas Poussin, Rembrandt Van Rijn, Karl Schmidt-Rottloff, Peter Paul Rubens, Georges Seurat, Georges de La Tour, Titian, Kitagawa Utamaro, Diego Velazquez, Jan Vermeer, and Max Weber.

http://www.blogcatalog.com

play i wrote ended up not having any place for this, so it is going here in the limbo of things that i think about and might want to think about later.

Georges de la Tour

From “Life and Art of La Tour”

“Such exegetics serve to remind us that multiple readings of a motif were the norm, not the exception”

“the night that envelopes La Tour’s saints and other religious figures could incorporate many nuances of meaning: the night of Christ’s torment, or of the personal torments of Job, or of Saint Peter, will illuminate the night of our earthly ignorance”

sermon from Father André de l’Auge, a contemporary, on Christ as a mirror:

“My Lord, what a beautiful comparison! There are two sides to a mirror, one which is opaque and dark; the other clear and brilliant; in Jesus Christ, two natures: humanity which is like the reverse side, darkened by the burden of our infirmities, which he assumed; the other, divinity, is like a very clear and transparent crystal, for the infinite glory that is inherent in it. As the Word, he is the candor and the light of the eternal knowledge of the Father, and the infinitely radiant mirror of his person; as the man, he is the mirror of the divine essence, where we see the admirable grandeurs of his grace and his glory. And thus his Gospel is a very clear mirror of the glory of God, by which, when we are reflected in it, we are accidentally transformed and illuminated as if by an emanating reflection of the light of Jesus Christ, as if in a beautiful looking-glass: being the face of our soul seven times more radiant than the sun.”

mirror propped up by her ointment jar – the sacrifice of the highest of the sensual to the humblest parts of the divine

Daniel Cramer’s Emblematum Sacrorum – “an emblem showing a skull, surmounted by a candle being lit by a divine hand”

“sad and pale death cannot frighten whoever becomes familiar with it by frequent reflection; but with Christ in my heart I can overcome it; it is he who will reilluminate my light after death”

—–

“Spiritual Passion and the Betrayal of Painting in Georges de la Tour” Dalia Judovitz

“Passion precedes knowledge. Tears precede ontology; shed tears weep for the unaware.” – Nicholas of Cusa

“While Descartes privileged rational agency and the capacity of the soul to master its passions, artists such as Georges de la Tour affirm the primacy of spiritual passions as vehicles for engagement with the divine”

“La Tour’s refusal to translate the Magdalene’s repentance into expressive facial and gestural signs indicates his reluctance to reduce her spiritual contemplation to passions that abide uniquely in the visible. … If La Tour’s paintings question the pre-eminence of vision and the visible realm, this is because the representation of faith as a blind act of love takes place in a register that challenges the visual realm of painterly expression”

‘Deep down, deep down inside, the eye would be destined not to see but to weep. For at the very moment that they veil sight, tears would unveil what is proper to the eyes … to have imploration rather than vision in sight, to address prayer, love, joy, or sadness rather than a look or gaze’ – Jacques Derrida

——
On ‘Saint Jerome (Grenoble)’
“There is a passion for the truth which would seem painful, were not the rigor of the pictorial structure and the psychological expression so contained. … It is not flagellation, a momentary action, but a grievous and tensed-up meditation on the vanity of life and the redemption of the Cross which becomes the essential content of the painting” – Pontus Grate

With all this blogging, you might wonder how I find time to paint.  Well, it’s not easy.  Happily I love to work.  But alas, even at the end of the day, there’s always a few remaining chores left to do.  Seems like there’s never enough hours.  Here I am, late at night, darning my socks.

[Top of the post:  Drawing after a figure by Georges de la Tour, by Aletha Kuschan, pen and ink]

Art of the day:
St. Joseph the Carpenter, Georges de la Tour

Hmm…I really couldn’t let a post go by without linking to Victoria’s (at Eve’s Alexandria) marvelous review of The Reluctant Fundamentalist, one of the books currently up for the Booker Prize.

I also found this marvelous page of quotes, of which the best is certainly

"The bright senses, sight & hearing, make a world patent and ordered, a worldof reason, fragile but lucid. The dark senses, smell & taste & touch, createa world of felt wisdom, without a plot, unarticulated, but certain" - Crowley

and"I don't mind being the smartest man in the world...I just wish it wasn'tthis one..." - Ozymandius, `The Watchmen'and"Well, art is art, isn't it? Still, on the other hand, water is water!And East is East and West is West and if you take cranberries and stewthem like applesauce they taste more like prunes than a rhubarb does."

 - Groucho Marx

the last of which is oddly appealing to me with its grimly dark mocking of literary/art seriousness and pretension.

Finally, one of my favorite pieces of poetry, although I’ve never read the entire poem.

He said, “Dance for me.” And he said
“You are too beautiful for the wind
To pick at or the sun to burn.” He said
“I am a poor tattered thing, but not unkind
To the sad dancer and the dancing dead.”

– Four Postures of Death, Sidney Keyes

For some reason this particular poem always reminds me of Tennyson’s The Lady of Shallot; perhaps in its connotations of a beautiful lady being trapped or under the power of some dark, evil force, as the lady of Shallot is trapped in her tower. It has the same sense of dark, atmospheric Victorianism, although I’m sure it was written at a a completely different time period, and then the last two lines never fail to remind me of Tennyson’s Lotos-Eaters -

"Courage!" he said, and pointed toward the land,"This mounting wave will roll us shoreward soon."In the afternoon they came unto a landIn which it seemed always afternoon.

Something of the same rhythm is present in both stanzas.

Georges de la Tour was a one trick pony, albeit a well executed and emotive trick. Every one of his figures, from Saint Sebastian to The Choirboy, is a limpid, self-absorbed waxwork caught in the flare of firelight, their face masklike and androgynous, their sensuality knowing yet somehow eerily bland compared to the rough and hairy dynamism of la Tour’s near-contemporary Caravaggio.

Compton Verney is the perfect place to exhibit them. A 1760s country mansion meticulously restored and resurrected as an art gallery by the Peter Moores Foundation, it’s smooth, milky stone and carefuly considered beauty are inexplicably and undeniably sinister, as the League of Gentlemen name suggests. It is an aura only intensified by the surreal, provocative programming; my first visit was to see Peter Greenaway’s 2004 Luper, a bizarre anthropology of the life and travels of his semi-fictional alter-ego, Tulse Luper, through the contents of his 92 suitcases. Indeed, those barmy bags evoked fond memories of my own cultural crusades, filled as they were with such expeditionary essentials as Vatican pornography, obelisks, bloodied wallpaper and coal.

Compton Verney’s inventiveness holds true in the pairing of la Tour with The Shadow, an itinerant exhibition devised by the Italian acadmeic Lea Virgine. From Laurie Anderson’s Lilliputian monologuing hologram, to Mona Hatoum’s bronze lantern projecting flickering scenes of warfare like a neocon nightlight, it is a magnificent macabre mindfuck.

It ceases Sunday, so shift your stumps with celerity, and listen to this unbelievably perfect bit of DJ Shadow on your way round. And please, please buy me this Warhol print. He could teach Georges a thing or two about nightlife.