I am going to warn you that for today and tomorrow you’re going to be treated to reviews on French comedy.  I know what you thinking:  ”Miseur FilmWipe this is le horrifique.  The French are non humorous”.  Well my doubting army of followers I disagree with you.  I am not entirely sure about the horror that is tomorrow’s film Le Diner de Cons, which i am hoping is as funny as plot synopsis suggests (essentially it sounds like a cross between Lars Von Triers The Idiots and today’s film in question Francis Veber’s Tai-Tois!). But the film we focus on today is a comedy magnifique (for non French speakers among you that means magnificent film (if you’re stupid enough to have taken my French seriously then I will ask you politely to close down your computer and then book a trip to your local mental hospital)). Anyway lets focus on the here and now.  As I said today is Tai-Tois and you’re in for a treat.  Not only is this one of the funniest films to have come out of France in the naughties, but it is also a film that Hollywood producers should look at with a certain sense of trepidation.

The film follows Quentin (Gerard Depardieu), a kind hearted simpleton thief who inadvertently annoys every person he meets to the point that either consider killing him or themselves.  He finds himself in prison with Ruby (Jean Reno), a brooding outlaw.  Ruby attempts a solo escape but finds himself lumbered with Quentin.  What ensues is a race to find the other criminals that Ruby was involved with before he went to jail in order to find the person responsible for the murder of his lover.

The film is made by two of the best leading male performances in recent comedy history.  The pair play off each other wonderfully.  Reno is the straightest of straight men.  This contrasts superbly with Depardieu who creates one of the most lovably annoying and outlandish characters seen in film.  Earlier I mentioned Von Triers The Idiots, and frankly it is as if he stolen moments from that film but dramatically accentuated them.  The break out from the prison will leave your sides so split that you will be wandering if your liver is about to collapse on to the floor.

Conveniently writer/director Francis Veber also performed his acclaimed double act on tomorrow nights film.  He is clearly an ageing director of some talent.  Now in his early 70s (he is probably one of the few directors who gives Clint Eastwood a run for his money in the elderly stakes) Veber is still knocking out films like a girl from Essex fires out children in her attempt to overpopulate the world.    However, he is possibly one of the finest comedy directors still working.  His control over the film is remarkable.  His comic timing is exemplary.  This is the type of film that could quite easily have run out of control but he manages to stop it becoming silly and annoying.  The invention that he allows is second and his reminiscent of classic Hollywood comedy’s.

Overall I recommend this as one of the finest films that you can beg, borrow or steal from your local video store.  If you’re a Jean Reno fanatic (like me) then you will gobble this up like Richard Blackwood rediscovering food after his coffee enema.

8/10 – Enjoy

Asterix alle Olimpiadi è il terzo film della saga a fumetti di Asterix il gallico, prodotto in Francia nel 2008 in occasione delle Olimpiadi di Pechino 2008.

Leggi altre notizie su: | Frédéric Forestier | Thomas Langmann | Clovis Cornillac | Gérard Depardieu | Alain Delon

La Môme (2007)
US Title: La Vie En Rose
Director: Olivier Dahan
Actors:  Marion Cotillard, Pascal Greggory, Emanuelle Seigner,Jean-Paul Rouve, Gerard Depardieu

I am a francophile.

I started speaking French when I was in sixth grade.  My school made a suggested switch from Putonghua to French for all latin based language students.  I was more than happy with this change.  I had been sitting through countless lessons trying to learn the different tones of Mandarin and writing out characters which I could never associate with anything other than something that I had to draw out since the second grade.  It was a hard language for me to navigate, even though I was fairly good at it.  I willingly abandoned my Chinese books in favour of a crisp new French book.  The first class, I listened in awe as my teacher introduced herself completely in French.  I fell in a complete and hopeless addiction with the beauty of it.

In that year, we were exposed to more than just counting to ten, but plunged into literature, history, culture, and film.  I began falling in love with various French novels and movies.  I remember sitting on the floor, in front of the television in class, taking in every word I heard and every scene I saw.  By the time high school rolled around, I was coping with French the best I could, struggling to find advanced classes to keep up with my knowledge.  Films saved me.  I watched movie after movie and begged my parents to buy me the one French channel that was offered while we lived in the States, briefly.  I exposed myself to a language I could never hear through the only means I could.  This immersion became second nature and a comfort on some levels even after my studies ceased.

Two years ago, I was at home with my parents.  My father had told me about this film he had seen about Edith Piaf while he was on a flight.  He watched it because he knew of my intense love for the singer and curiosity begged him to find what I had been talking about all these years and why I had been dragging him to the jazz section of the record store to purchase her music.  The minute he told me about the film I felt I had to have it…and one day while waiting for my mother outside a store, I found the film.  It was the fastest and best purchase I had ever made.

To say that Edith Piaf’s life was tragic would be an understatement.  The woman led a hard life.  She was born into hardness, struggled through her childhood, made ends meet where she could, and her life ended hard and fast.  She died at age 47 of liver cancer and was mourned like royalty by the French.  Olivier Dahan’s film documents the trials that surrounded Piaf’s life from childhood to her death.

Dahan created this biopic through a series of flashbacks and fast forwards.  It is quite disorienting to the viewer to be skipping though the various stages of her life, especially if they have had no prior knowledge of Edith Piaf’s biography beforehand.  However, while this disorientation may be present, Dahan flawlessly ties all loose ends together at the conclusion of the film.  I believe that the distracting skipping effect that the film seems to carry only adds to the confusion which the audience sees Piaf moving through in her life.  The effect, rather than being distracting, adds to the experience of the film.

Piaf’s repeated encounters with St Therese of Lisieux can be arguably untrue.  While many biographers cite that Piaf prayed to the saint since childhood, the reality is that Therese was not sainted until 1925, three years after biographers cite Piaf’s pilgrimages and prayers.  However, the addition of this element in the film, I believe, provides some source of relief from the brutality of life which is occurring before the viewer’s eyes.  The saint is presented in a very magical light, especially when revealed to the young Piaf, which adds to the mystical quality of the story and the life of Edith Piaf, which is celebrated as legendary.

Dahan’s inclusion of Piaf’s love for fellow artist, Billy Holiday, is a beautiful remark upon the events that occur in the film.  The parallel between the two women’s lives is uncanny, and indeed noted by those in the audience who are familiar with that era of music.  The scene in which Piaf sits between the pictures of Holiday touching up her lipstick is a beautiful comment upon the beauty buried within the tragedy.

The one important aspect of Piaf’s life which the film does not touch on is her work in the Second World War.  Perhaps this was not included because of the controversy which surrounded her at that point in time.  However, I think that it is a part which Dahan could have produced splendidly.

I do believe, however, that Dahan’s portrayal of Piaf’s loss of Marcel Cerdan, the love of her life, was touching, heart-breaking, and incredibly composed.  As Edith tears through the house in search of her love and frantically walks down the hall toward what becomes a stage, only to compose herself to sing with passion, the audience begins to comprehend the tragedy that surrounded Piaf’s life and work.

This film has become one of my favourites.  I think that the artist is portrayed in a fairly true light, showing her passionate flair, temper, intense love for her art, and the tragic events which surrounded her life, from growing up in a brothel to her painful drug addiction.  This film is not for the faint of heart; it is heartbreaking, but the underlying theme is the beauty which came from that heartbreak.

Por Juliana Gomes

} Nos dias 17 e 18 de Novembro, acontece a Mostra gratuita de cinema francês @ Centro da Cultura Judaica.

Em comemoração ao Ano da França no Brasil, o Centro da Cultura Judaica exibe gratuitamente, nos dias 17 e 18 de novembro, a partir das 16h, o projeto Cine Multicultural. Serão exibidas sete produções francesas que, de alguma forma, retratam a cultura judaica naquele país. Entre os destaques está “O Último Metrô”, de 1980, um dos últimos e melhores filmes do diretor François Truffaut, com Catherine Deneuve e Gérard Depardieu nos papéis principais.

Temas como relações humanas, imigração e guerra estão presentes também em filmes de François Dupeyron, Karin Albou, Claude Berri, Louis Malle, além do premiado Alain Resnais.

O Cine Multicultural faz parte da programação do 7º Ciclo Multicultural, tradicional projeto do CCJ, que engloba diversas atividades e que nesta edição homenageia o Ano da França no Brasil, promovendo a integração entre as culturas brasileiras, judaicas e francesas.

17 de Novembro, Terça-feira

16h00 | FILME: “UMA AMIZADE SEM FRONTEIRAS”
Gênero: Drama | Direção: François Dupeyron | País/Ano: França/2003
Classificação : a partir de 16 anos | Duração: 95 minutos
Elenco: Omar Sharif, Pierre Boulanger, Gilbert Melki, Isabelle Renauld

18  de Novembro, Quarta-feira

16h00 | FILME: “AS LOUCAS AVENTURAS DE RABBI JACOB”
Gênero: Comédia | Direção: Gérard Oury | País/Ano: França/ 1973
Classificação: Livre | Duração: 100 minutos
Elenco: Louis de Funès, Marcel Dalio

18h00 | FILME: “ADEUS MENINOS”
Gênero: Drama | Direção: Louis Malle | País/Ano: França/1987
Classificação: a partir de 16 anos | Duração: 103 minutos
Elenco: Raphael Fejto, Gaspard Manesse

20h00 | FILME: “O ÚLTIMO METRÔ”
Gênero: Drama/Romance | Direção: François Truffaut |País/Ano: França/1980
Classificação: a partir de 16 anos | Duração: 131 minutos
Elenco: Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Jean Poiret, Andréa Ferréol, René Dupré

Les Clefs De Bagnole: experimental film about making a film of a guy looking everywhere for his car keys. Even though almost nobody has heard of this feature, nearly every famous French actor you know shows up at some point. The ending’s revealed in the first two minutes, however the fast pace of their epic adventure mean you don’t really care. It brings up strange movie-related observations that viewers often miss: over-use of extras, continuity, presumptions, time lapses – even when the characters eat. It’s not an easy watch as they go from one crazy idea to the next, and the random segments of meta-film, interviews with the public, clay-mation, animation and sound effects don’t help. On the upside, this little gem looks great, has a witty script and is laden with gags – although they don’t all hit the mark. Most critics totally slated this, which is pretty harsh as it’s nowhere near as bad as they make out. The tagline on all promo material was “Don’t watch this, it’s crap” which shows how seriously it’s supposed to be taken. Experimental and undeniably French under-rated comedy that should keep you laughing, or at least smiling.

Rating: 6/10

Un film del 2009, regia di Gilles Béhat, con Gérard Depardieu / Aïssa Maïga / Olivier Marchal / Kim Hermans. Prodotto da Moviemax ()

Azione / Poliziesco / Thriller

Mat, un’agente di polizia parigino, si trova alle prese con il suo migliore amico, divenuto uno dei più grandi trafficanti di droga della città.

These are a few shots taken yesterday of the new art gallery building (still under construction) designed by Randall Stout. Edmonton has too few striking structures and I am glad to see more going up (even if it is a little behind the wave).

And Gerard Depardieu? Nothing to do with the gallery bit.

I was watching Diamant 13 and two things came to mind.

The first is the increasing girth of Depardieu. I won’t give him a hard time for gaining weight; it has no bearing on his considerable skills and once you’ve been in close to 200 films, and you are over 60, who’s business is it anyways other than his. However this is a policier, a police thriller with an active aggressive detective played by Depardieu. And apart from taking down many younger and obviously fitter men, he scales a water tower to talk down a suicide. It all reminded me of Cannon played by William Conrad.

Cannon was always a hoot to watch because as one of the first food loving wine swilling private eyes he was also the only proudly fat one. And how empowering he must have been in that every show would have him not only beating the bejeebers out of anyone who started something but he could also catch them if they ran.

Depardieu also stretches the credulity in his lambasting his foes throughout the film and just the continuing visual incongruity of being more than chunky; the profiles threaten to imbalance the compositions.

The second thing that came to mind and this was probably because earlier I had watched the inventive In China They Eat Dogs (another great and unusual script from the Dane, Anders Thomas Jensen) was that in some European film there is less of a reluctance to have scenes where for instance in a bank robbery scene a woman is smashed in the face by a rifle butt, or just randomly shot. There is a kind of gender equality violence in these films.

In American films, women only seem to be hurt if there is a sexual or slasher component. Women are brutalized demeaned and tortured in ways less common in European film but there is very little simple violence against women; there is an odd sort of hands off feeling about it which is all the more obvious when you see these scenes in European films and realize you just don’t see these things elsewhere.

You could argue that this signals a greater gender equality in society in general.

NOTA : 5

Download subtitrare Diamant 13

Trailer Diamant 13 :

De l’existentialisme et de l’ennui dans le cinéma français

Pour Joe Queenan du Guardian, les films policiers français pêchent trop souvent par un excès d’intellectualisme… un peu creux : “Si une scène devait résumer l’essence du film policier à la française, on la trouverait à peu près au milieu du classique de 1954 Touchez pas au grisbi, de Jacques Becker. Serrée de près par la police, en disgrâce auprès de ses semblables des bas-fonds parisiens moins recommandables encore, le vieux virtuose du braquage joué par Jean Gabin décide de se mettre quelque temps au vert. S’installant dans un pied-à-terre secret qui prend la forme d’un appartement étonnamment chic, ce fumeur compulsif revêt un élégant pyjama sorti de nulle part avant de s’assurer que René Dary, son complice des mauvais coups, est lui aussi à l’aise dans ses vêtements d’intérieur. La leçon de cette scène est limpide : aussi précaire que soit la situation, aussi incessante que soit la traque de la police, un homme ne doit jamais renoncer à son confort, à commencer par son pyjama.

Les enjeux de qualité de vie sont une des marques récurrentes du film policier français, qui parle autant de joie de vivre* que de joie de tuer*. Qui d’autre qu’un Français pourrait faire un film (Classe tous risques, réalisé par Claude Sautet en 1960) sur un malfrat qui cherche un foyer comme il faut pour ses gamins alors que toutes les polices sont à ses trousses ? Qui d’autre qu’un Français pourrait faire un film (Rien ne va plus, Claude Chabrol, 1997) sur une artiste de l’escroquerie, incarnée par Isabelle Huppert, qui cherche à s’émanciper de son escroc de père en s’engageant dans une relation amoureuse avec un escroc plus jeune et plus séduisant, qu’elle a bien l’intention de plumer ?

Les réalisateurs français ont toujours été obsédés par les malfrats, mais leurs films n’ont pas grand-chose à voir avec ceux qui se tournent aux Etats-Unis ou en Grande-Bretagne. Les films de gangsters américains sont palpitants, mais manquent souvent de profondeur ; les Britanniques, eux, mettent surtout en scène des petits voyous et manquent toujours de profondeur – ce qui explique que les cinéphiles anglophones trouvent souvent les gangsters cool, mais les voient rarement comme des exemples à suivre. Les Français, en revanche, aiment les gangsters philosophes et les films offrant une analyse de la société au sens large, comme si la société avait besoin de l’expertise des réalisateurs français.

Je ne dis pas que les films policiers français sont marqués par une authentique profondeur, mais c’est en tout cas ce qu’aiment à penser les réalisateurs français. Leurs films regorgent de répliques creuses du type “les temps changent, pas les hommes” – ou encore “l’homme naît innocent, mais ne le reste pas”. Le niveau a baissé depuis Voltaire, c’est certain. Le message classiquement délivré par un film policier français est que le plus minable des hors-la-loi est tenu par un code moral qui échappe à la compréhension du citoyen lambda respectueux de la loi – et qu’à leur manière les malfrats ont plus de principes que les policiers. C’est le thème de Mesrine (réalisé par Jean-François Richet, 2008), mais aussi du classique de 1937 de Julien Duvivier Pépé le Moko, d’A bout de souffle (1960) de Godard ou encore du très remarqué Du rififi chez les hommes de Jules Dassin, sorti en 1955. 

L’idée d’un code d’honneur dans la pègre est l’une de ces incongruités qui, depuis toujours, passent pour de la sagesse en France, où un fond d’anarchisme de pacotille cohabite bon an mal an avec des comportements profondément bourgeois à l’égard de toute chose. Dans les films français, les gangsters ont toujours un charme étrange, sont avant tout des gars épatants qui ont perdu le contrôle de leur personnalité quelque part en chemin.

Mais, comme le cinéma ne cesse de le démontrer, les films n’ont pas besoin d’être cohérents ni logiques pour être excellents. Surtout quand ils sont aussi beaux que Le Cercle rouge (Jean-Pierre Melville, 1970), Le Samouraï (Jean-Pierre Melville, 1967) ou Pépé le Moko. Abstraction faite de leurs absurdités philosophiques, les excellents films policiers français sont remarquablement nombreux.

S’ils sont si bons, c’est parce que tout le monde veut en être : tous les réalisateurs – de François Truffaut à Claude Lelouch, en passant par Claude Sautet ou Claude Chabrol – se sont adonnés au genre au moins une fois, et les meilleurs films mettent en scène la fine fleur des acteurs français, de Jean Gabin à Jean-Paul Belmondo, en passant par Lino Ventura, Jean-Louis Trintignant, Vincent Cassel, Yves Montand, Alain Delon, Jeanne Moreau, Gérard Depardieu, plus tout une ribambelle d’acteurs magnifiques mais méconnus hors de France. Vous en avez donc pour votre argent, et cela vaut le coup.

Il serait fâcheux de conclure cet exposé sans parler de l’existentialisme et de l’ennui. Ces deux indissociables pierres angulaires de la civilisation française moderne jouent un rôle clé dans le succès de la version hexagonale de ce genre cinématographique. Avant même la théorisation de l’existentialisme, au début des années 1940, et avant même que l’ennui ne soit inventé et breveté par Jean-Paul Sartre, en 1944, les malfrats français étaient déjà souvent en proie au tourment et à un ennui profond. C’est l’ennui qui précipite Pépé le Moko vers son destin, lorsqu’il abandonne stupidement l’enceinte protectrice de la casbah pour vivre son amour pour une Parisienne aisée et sophistiquée. C’est l’ennui qui conduit au désastre l’étincelant mais effacé Delon, aussi bien dans Le Cercle rouge que dans Le Samouraï. L’ennui, encore, qui laisse Belmondo mort sur le pavé parisien à la fin d’A bout de souffle. Vivre chaque jour comme si c’était le dernier, mais le faire sans enthousiasme, tel est le cocktail de presque tous les films français que j’ai vus. Le seul film policier français dont je me souvienne dans lequel tout le monde semble déborder d’énergie est La Balance, récompensé par une avalanche de césars en 1983. Mais La Balance a été réalisé par Bob Swain – un Américain.”

Joe Queenan – The Guardian – 27/08/09

“Vaikimisvanne”, 2003. Rež Graham Guit, osades Gérard Depardieu, Elodie Bouchez, Carmen Maura jt

TV3 ostab aeg-ajalt sisse veidraid Prantsuse filme, millele juhtun sageli subtiitreid tegema. Seekordne lugu on filmiversioon Marcelle Bernsteini põnevusromaanist “Sacred and Profane” ning peaks käima müstilise trilleri lahtrisse, aga jääb iga kandi pealt kangesti lahjaks. Peaossa on saadud Depardieu, samuti teeb kaasa Hispaania näitlejanna Carmen Maura, kes on tuttav näiteks Almodóvari filmidest. Lugu algab karmeliidi nunna Sarah’ga, keda vaevab kummaline valudega haigus, millele preester-arst Joachim (Depardieu) kuidagi põhjust ei leia. Kohe hakatakse tekitama salapära, näidates sedasama Sarah’d järgmisel hetkel vangla psühholoogiga vestlemas. Selgub muidugi, et tegu on Sarah’ kaksikõe Gaelle’iga ja et neil kahel on käimas kummaline kaksikute telepaatiavärk, millele ei osata teaduslikku seletust anda. Järgnevad imelikult käituvad nunnad, jõhker mõrv minevikust, kaksikute salakeel ja Brasiilia šamaan. Kogu filmi jooksul on paraku nii, et kui on suudetud natukenegi leiget põnevust tekitada, kukub see järgmisel hetkel kolinal kokku ja muutub üha tobedamaks. Ei puudu ka ootamatud süžeepöörded, mis ajasid vist filmi tegijatel endilgi pea ringi käima. Kokkuvõttes on “Vaikimisvanne” lihtsalt üks õõnes lugu.

by Nate Bell

Claude Chabrol, the most workmanlike member of the celebrated French New Wave, has directed somewhere in the neighborhood of 60 films. A career as long as that seems destined to swing both high and low, yet his is surprisingly consistent. (Critics can perhaps cite a masterpiece or two, but how many bombs?) Bellamy would seem to fall somewhere in the medium-high range. It’s chatty and languidly paced, but clearly the work of an old pro and full of the insights that can only come with old age (Chabrol is no spring chicken at 79). It’s a detective story insofar as there is a detective present, but the mystery takes a backseat to the well-rounded characterizations. It seems fitting that the film begins and ends with shots of a cemetery. What better backdrop to ponder life’s enigmas?

The titular protagonist (Gerard Depardieu), a celebrated French detective, is first seen lazing on the sofa trying to complete a crossword. Even on vacation, this man cannot avoid puzzles. His wife of many years (Marie Bunel) wanted to go on an Egyptian cruise, but settled instead for a few weeks in her childhood home in Nimes. A strange man (Jacques Gamblin), lately seen skulking around the property, draws Bellamy into a plot involving a neglected wife, a young mistress, and a charred corpse (the last of which is fleetingly glimpsed at the tail end of the opening credits).

Bellamy’s leisurely investigation is interrupted by the arrival of his good-for-nothing younger brother Jacques (Clovis Cornillac), a boozing, gambling idler. At this point, the film takes an unforeseen turn and begins to coagulate into a family drama. The harsh censure of bourgeois values—a favorite maneuver of Chabrol’s—is largely absent. Instead, the film reveals itself as an inquiry into the notions of chance, fate, and destiny—that is to say of life itself. Jacques (loveless, destitute, forever drifting) and Bellamy (secure, well-to-do, happily married) are juxtaposed in such a way as to draw attention to the social and spiritual chasm that separates them. The recollection of a particularly painful family episode and a tragic ending only serve to deepen the overarching mystery.

Bellamy marks the first collaboration between Chabrol and Depardieu, who at 60 holds his ground as one of France’s greatest movie stars. Bearish yet elegant, he excels at suggesting the insecurities of this outwardly secure man. His life seems controlled, almost idyllic, but the end of the day, it is still a puzzle to him.

Picture Source:

http://www.impawards.com/intl/france/2009/posters/bellamy.jpg

ஒரிஜினல் லிஸ்ட் இங்கே. பாஸ்டன் பாலாவுக்கு நன்றி!

சைரனோ டி பெர்கராக், Cyrano de Bergerac – எட்மண்ட் ரோஸ்டாண்ட் எழுதிய புத்தகம். வெகு நாட்களுக்கு முன் படித்த நாடகம், கதை மட்டுமே மங்கலாக நினைவிருக்கிறது. ஹோசே ஃபெர்ரர் நடித்து ஒரு முறை, ஜெரார்ட் டிபார்டியூ நடித்து ஒரு முறை வந்திருக்கிறது. இரண்டையும் கமல் குறிப்பிடுகிறார், இரண்டையும் நான் பார்த்ததில்லை.

ஸ்பார்டகஸ், Spartacus – ஹோவர்ட் ஃபாஸ்ட் எழுதிய நாவல். ஸ்டான்லி குப்ரிக் இயக்கி கிர்க் டக்ளஸ் நடித்த புகழ் பெற்ற படம். என் கண்ணில் சுமாரான படம்தான். நாவல் படித்ததில்லை.

எ க்ளாக்வொர்க் ஆரஞ்ச், A Clockwork Orange – அந்தோனி பர்ஜஸ் எழுதிய நாவல். படித்ததில்லை. ஸ்டான்லி குப்ரிக் இயக்கி மால்கம் மக்டொவல் நடித்தது. பிரமாதமான படம். குப்ரிக் கலக்கிவிட்டார்.

லாஸ்ட் டெம்ப்டேஷன் ஆஃப் க்ரைஸ்ட், Last Temptation of Christ – நிகோலாய் கசான்ட்சாகிஸ் எழுதிய நாவல். மார்டின் ஸ்கொர்ஸஸி இயக்கி இருக்கிறார். பார்த்ததுமில்லை, படித்ததுமில்லை.

பீயிங் தேர், Being There – ஜெர்சி கொசின்ஸ்கி எழுதிய நாவல். ஹால் ஆஷ்பி இயக்கி பீட்டர் செல்லர்ஸ் நடித்தது. படித்ததில்லை, ஆனால் படம் பார்த்திருக்கிறேன். சுமாரான படம்.

ட்ரெய்ன்ஸ்பாட்டிங், Trainspotting – இர்வின் வெல்ஷ் எழுதிய நாவல். ஸ்லம்டாக் மில்லியனர் புகழ் டான்னி பாயில் இயக்கியது. பார்த்ததுமில்லை, படித்ததுமில்லை, கேள்விப்பட்டதும் இல்லை.

பர்ஃப்யூம், Perfume – யாரோ பாட்ரிக் சுஸ்கிண்ட் எழுதியதாம். டாம் டைக்வர் இயக்கியதாம். பார்த்ததுமில்லை, படித்ததுமில்லை, கேள்விப்பட்டதும் இல்லை.

சிட்டி சிட்டி பாங் பாங், Chitti Chitti Bang Bang – ஜேம்ஸ் பாண்ட் புகழ் இயன் ஃப்ளெமிங் எழுதிய சிறுவர்களுக்கான புத்தகம். டிக் வான் டைக் நடித்தது. படம் சிறுவர் சிறுமிகளுக்கு பிடிக்கும். நாவல் படித்ததில்லை.

க்யூரியஸ் கேஸ் ஆஃப் பெஞ்சமின் பட்டன், Curious Case of Benjamin Button – ஸ்காட் ஃபிட்ஸ்ஜெரால்ட் எழுதிய சிறுகதை. ப்ராட் பிட் நடித்து டேவிட் ஃபிஞ்சர் இயக்கியது. இந்த வருஷ ஆஸ்கார் போட்டியில் ஸ்லம்டாக் மில்லியனருக்கு பெரும் போட்டியாக இருந்தது. படித்ததில்லை, இன்னும் பார்க்கவும் இல்லை.

ஃபாரஸ்ட் கம்ப், Forrest Gump – வின்ஸ்டன் க்ரூம் எழுதியது. டாம் ஹாங்க்ஸ் நடித்து ராபர்ட் ஜெமகிஸ் இயக்கியது. சராசரிக்கு மேலான படம். பல ஆஸ்கார் விருதுகளை வென்றது. ஆனால் அந்த சமயத்தில் வந்த பல்ப் ஃபிக்ஷன், ஷாஷான்க் ரிடம்ப்ஷன் ஆகியவை இதை விட சிறந்த படங்கள். புத்தகம் படித்ததில்லை.

மாரத்தான் மான், Marathon Man- வில்லியம் கோல்ட்மான் எழுதிய நாவல். டஸ்டின் ஹாஃப்மன், லாரன்ஸ் ஒலிவியர் நடித்து ஜான் ஷ்லேசிங்கர் இயக்கியது. பார்த்ததுமில்லை, படித்ததுமில்லை.

மாஜிக், Magic – இதுவும் வில்லியம் கோல்ட்மான் எழுதிய நாவல். அந்தோனி ஹாப்கின்ஸ் நடித்து ரிச்சர்ட் அட்டன்பரோ இயக்கியது. பார்த்ததுமில்லை, படித்ததுமில்லை, கேள்விப்பட்டதும் இல்லை.

டிராகுலா, Dracula – ப்ராம் ஸ்டோகர் எழுதிய நாவல். கமல் ஃப்ரான்சிஸ் ஃபோர்ட் கொப்போலா இயக்கிய படத்தை சொல்கிறார். நான் பார்த்திருப்பது பழைய பேலா லுகோசி நடித்த படம்தான். லுகொசி ஒரு eerie உணர்வை நன்றாக கொண்டு வருவார். நாவல் சுமார்தான், ஆனால் ஒரு genre-இன் பிரதிநிதி.

காட்ஃபாதர், Godfather – மரியோ பூசோ எழுதியது. அல் பசினோ, மார்லன் பிராண்டோ நடித்து ஃப்ரான்சிஸ் ஃபோர்ட் கொப்போலா இயக்கிய மிக அருமையான படம். நல்ல நாவலும் கூட.

கமல் கொஞ்சம் esoteric படங்களை விரும்புவார் போல தெரிகிறது. எனக்கு மிகவும் பிடித்த, மிக அற்புதமான நாவலும், அருமையான படமும் ஆன To Kill a Mockingbird-ஐ விட்டுவிட்டாரே!

கமலின் லிஸ்டில் காட்ஃபாதர் மட்டுமே நல்ல புத்தகம், மற்றும் நல்ல படம் – என்னைப் பொறுத்த வரையில். நான் படித்திருக்கும் புத்தகமும் அது ஒன்றுதான். கமல் சொல்லி இருக்கும் படங்களில் நான் பாதிக்கு மேல் பார்த்ததில்லை. பார்த்த வரையில் காட்ஃபாதர் மற்றும் எ க்ளாக்வொர்க் ஆரஞ்ச் மட்டுமே பார்க்க வேண்டிய படம். ஆனால் அவர் சொல்லி இருக்கும் படங்களில் பல பிரபலமான படங்கள் – ஸ்பார்டகஸ், ஃபாரஸ்ட் கம்ப், பெஞ்சமின் பட்டன், சிட்டி சிட்டி பாங் பாங் – இருக்கின்றன. பார்த்திருப்பீர்கள். படித்திருப்பீர்கள். நீங்கள் கமலின் தேர்வுகளைப் பற்றி என்ன நினைக்கிறீர்கள்?

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“Give your heart and soul to me and life will always be La vie en rose”

These lyrics sung by French sensation Èdith Piaf carry truths of the anguish of life lived and love lost in the tragically riddled life befallen unto her.  Of the films depicting a life worth telling, La Vie en Rose stands above the innumerable titles available.

Fairytales begin with Once upon a time and end with They lived happily ever after.  The enchanting life of the fairest maiden gifted with an angelic voice that sets the world stages afire, soaking praise from the masses with champagne well wishes is devoid of grandeur Disney style.  Instead, Piaf’s life would best be illustrated by H.R. Geiger and written by Clive Barker.

Parents gave the gift of life to Èdith but neither had love to give to this child.  Little Èdith was neglected by her mother and was taken away from her maternal grandmother by her horrified father that served in the trenches of World War I after stealing away from the war and witnessing the child cradled in filth.  Èdith was brought to his mother for safeguarding during his continued absence.  Subjected to the sights, sounds, and smells of her grandmother’s brothel, the child finds love in a whore that cares for her as if she were her own.  Titine offers tenderness and compassion to Èdith who is besieged with illness and sudden blindness. Titine takes Èdith on a pilgrimage to Saint Thérèse de Lisieux to pray for her vision to be restored.  To this, they attribute her recovery.

A few years pass and Èdith is whisked away by her father against her will screaming impetuously amid the chaos that is amplified by the screaming pleas of Titine and a chorus of cries from the resident whores.  From brothel to circus, the young girl is nothing more than a burden and servant to her acrobat father whom foolishly parts company from this brigade of carnival acts.  As a street performer, he is unworthy of alms by anyone in passing.  With a firm hand and stern command Èdith must obey her father to sing and hold hat in hand.  The nine-year old Èdith sings aloud and only now does the “proud father” step forth proclaiming praise unto his child as he eyes the tossing of centimes and francs his way.  The streets are set for Èdith Piaf, a common “busker” reduced to penury.

Èdith avoids prostitution by crooning in bars and strolling the streets for listening ears, yet, she still must give a cut to a lecherous pimp.  An owner of a cabaret, Louis Leplée (Gérard Depardieu) was listening and starts her career singing in finer establishments than that of which she is accustom, presents a new listening audience, and dubs her, La Mome Piaf (The Little Sparrow.)

Èdith’s “pimp” kills Leplée and it is she that is thrust aspersions, subjected to public persecution and scowl rather than the dirty seedy underground element that committed the deed that survives by devouring Èdith and other defenseless souls like she.  Thus, she reverts back to cruddy taverns singing for her dinner among lowlife deaf ears avoiding training by a man that attempts to train her musically and sees her for all her potential.  She proves to be a student of short attention span and lacking a work ethic longing to drink rather than fine tune her rough skills.  Eventually she succumbs to the tortures of musical training and becomes forever forged into musical history and revered as one of France’s biggest stars.  Through this, she battles inner demons of alcohol and drugs, failed marriages, deaths of her child and her true soul mate, boxer Marcel Cerdan.

La Vie en Rose is a true rag to riches story and if movies can inspire, this does just that. We become immersed into her tragedy.  Piaf is subjected to alcoholism, a vagabond most likely destined for squalor and certain death.  The most heart wrenching aspect of the film is not the atrocities afforded to a child devoid of the necessities by even the lowliest of standards.  It is her death at age 45. Shockingly, at 45, with no stretch of words to validate this point she is unrecognizable.  Physically, Piaf is well beyond her years.

Quite possibly equivalent to that of a 90+ year-old woman.

A scene wonderfully crafted is of Èdith Piaf’s making her big debut.  After strict discipline and finally coming to realization that music is emotion and her gestures accentuate her voice, the little sparrow spreads her wings and truly flies for the first time. The director does not allow us to hear her.  We are only given the gift of sight as the camera takes flight and shows us Èdith Piaf using her body to express emotion and come into her own.  This is truly a sensational piece of filmmaking.

The film opens in the year of 1959 and transverses back to 1918 then forward several years then crosses back and forth finally closing with her death in 1963.  The story is told totally non-linear, yet we never lose our way throughout the intricate weavings of the story.  Piaf’s appearance is in a constant change of transformation as we span he entire lifetime.  The costumes, settings, and her age are all elements presented authentically and never is the illusion that is cinema shattered.

The make-up application techniques used in this film were innovative.  The transformation of Marion Cotillard into Èdith Piaf was a hurdle that many artists viewed as impossible.  Many frayed from attempting this task because Olivier Dahan’s direction required the camera to be up-close and personal.  Didier Lavergne was up to the task and did it extremely well.

The film makes many references to Piaf’s  awareness of her looks.  She claims that her face is not what the American public desires.  One scene takes place after a performance in presumably a New York club in which a network bigwig’s words allude to not booking her on TV.  Maybe it is her looks, maybe it is that American audiences are not all that sophisticated.  Interrupted by Marlene Dietrich, the Hollywood starlet in enchanted by her voice and proclaims that she, Èdith Piaf, is indeed, the voice of Paris.  Piaf is elated and star-struck and eventually finds her way on American television.

Èdith Piaf’s discography is impressive.  Her most famous songs were La Vie en Rose (1946), Milord (1959), and Non, Je Ne Regrette Rien (1960).  What she had was her voice and she gave her life to music.  It gave her the strength to proceed.

The opening scene takes place in New York where she crashes to the stage.  This would not be the last occurrence.  Feisty and devout in her “old age,” it is bittersweet to watch her fight a battle against losing her dignity.  Another scene depicts another stage dive.  She makes a return exhaling exhaustion and with labored breath states, “this is not my suicide tour” just before she bellows angelically then takes another fall and this time the curtain falls.

Her life shares many similarities to singer Roy Orbison in that they suffered an immense number of personal tragedies.  The film title is Piaf’s anthem and it is the song that is mostly associated with Paris in so many films.  Perhaps that is why the title was chosen for American audiences.  Regardless of fame, Èdith Piaf’s life was anything but La Vie en Rose.

Une nouvelle interview réalisée dans le restaurant parisien Le Talon Aiguille * pour Showtime Folks. Frédéric Schoendoerffer parle projets et actualités, se raconte sans en dire trop. Une rencontre avec le réalisateur discret, entre franchise et humilité.

Pouvez-vous nous parler d’Une femme d’affaires, votre prochain film ?

C’est un film que je dois tourner au mois de février. C’est l’histoire d’une femme qui, à 43 ans, a l’occasion de pouvoir rejouer, de pouvoir recommencer sa vie. Le casting est déjà établi puiqu’il y aura Sandrine Kiberlain, Gérard Depardieu, Jacques Perrin et Jean-Hughes Anglade qui joueront les quatre personnages principaux.

Vous avez rencontré Jean-Hughes Anglade sur le tournage de Braquo ?

Un des grands plaisirs que j’ai eu sur Braquo a été de rencontrer Jean-Hughes Anglade, qui est un personnage remarquable et un acteur époustouflant. Il est très plaisant dans le travail car très investi. Cela a été une rencontre et c’est vraiment quelqu’un avec qui j’ai envie de retravailler, ça c’est sûr !

Vous passez au biopic avec Une femme d’affaires…

Non, pour moi ce n’est pas un biopic, c’est plutôt un film sur le monde de l’argent et sur le côté business, commission, retro-commission, et l’âpreté que peuvent avoir les gens par rapport à l’argent. C’est un sujet extrêmement actuel. Il se trouve que ça fait 3 ans que je travaille sur le scénario et la crise nous a rattrapés d’une certaine manière. C’est peut être même plus intéressant qu’avant, parler de l’argent, du rapport que les gens ont avec l’argent et du problème que cela pose.

On peut lire un peu partout que le film se base sur la vie de Christine Deviers-Joncour…

Non, non. Comme je voulais un personnage principal féminin plongé dans une histoire d’argent, je voulais avoir une référence, je voulais travailler avec quelqu’un en tête qui avait vécu cette expérience-là.

Et avec Christine, ce qui m’a intéressé, c’est sa cartographie émotionnelle et mentale, ce qu’elle pensait à tel ou tel moment quand tout cela lui arrivait et pas du tout de savoir ce qui s’est passé sur l’affaire Elf puisque mon film ne parle pas de ça. On a transposé tout ça.

Je voulais savoir comment elle vivait tout ça, intimement. En fait, Une femme d’affaires est un film sur le monde de l’argent, du business, du côté corruptible de l’argent, et en même temps un portrait de femme moderne avec, je l’espère, quelque chose de romanesque, à la manière de L’affaire Thomas Crown.

Avez-vous l’intention d’être aussi cru que dans vos précédents films ?

La tentative de ce film est de parler de ça, vraiment ! (il insiste sur le mot “vraiment”)

Cela annonce-t-il un changement du style de votre part ?

Non, je ne pense pas. Ce qui m’intéressait, c’était de faire un film où il n’y aurait pas de policiers, où il n’y aurait pas d’armes, où il n’y aurait pas de fusillades ou de cascades de voitures. Donc, déplacer un peu la caméra sur autre chose… Mais ça reste un thriller avec du suspense et aussi un hold-up à la fin. Malgré tout, on essaye de faire quelque chose un peu amusant à regarder, distrayant.

Peut-être un peu plus grand public que Truands par exemple…?

C’est vrai que Truands n’est pas vraiment grand public parce qu’il était  interdit au moins de 16 ans lors de sa sortie en salle. Je ne recherche pas tellement le grand public mais je veux aller dans une zone qu’on connaît un peu moins, c’est plus intéressant.

Avez-vous écrit le scénario seul ?

Je l’ai écris avec Dominique Manotti, une femme qui a été Professeur des universités et qui est écrivain de romans noirs policiers (Lorraine Connection, Nos Fantastiques Années Fric).

Un petit mot sur la série télé qui fait parler d’elle, Braquo. Comment êtes-vous arrivé sur ce projet ?

Olivier Marchal m’a contacté. Je le connais depuis 3, 4 ans et je pense pouvoir dire qu’on est ami. Il a joué dans mon dernier film, Truands, et on s’est très bien entendu. Je crois qu’à un moment donné, quand il a écrit cette série, il s’est dit que tourner les 8 épisodes serait trop long, puisque cela représente 98 jours de tournages. Il s’est dit que quelqu’un devrait faire la moitié du travail avec lui, et il a pensé à moi, ce qui est extrêmement sympathique de sa part. Cette proposition m’a intéressée parce qu’elle venait d’Olivier Marchal, et qu’on a beaucoup de goûts en  commun dans le cinéma et qu’on fait tous les deux des films noirs.

Pourquoi être passé au format télé ?

J’étais très curieux. A partir du moment où cette proposition venait d’Olivier, elle était très authentique puisque c’est lui qui a écrit les 6 premiers épisodes. A ce moment-là, on se met au service d’un format et c’est quelque chose de très intéressant. J’ai beaucoup appris. C’est une expérience très fructueuse et qui me servira pour mes prochains films. C’est très positif.

On peut lire que vous préparez un autre téléfilm pour Canal + sur l’affaire Erignac ?

J’ai lu ça sur internet, je ne sais pas d’où ça vient. Je n’ai pas lu un texte, on ne m’en a même pas parlé.

Et où en sont vos autres projets de films, Le Serment des Limbes (adapté de Jean-Christophe Grangé) et Le Lutetia ?

Pour Le Serment des Limbes, c’est un film que je ferais vraisemblablement. C’est en projet. Et pour Le Lutetia, le scénario est terminé. Je l’ai écrit avec Isabelle Poudrier, une scénariste très talentueuse. Il y aura peut être une issue favorable à ce projet dans l’année qui vient. A voir !

Un casting ?

Pas de casting pour ces deux films.

Quel est le dernier film que vous ayez vu au cinéma ?

J’y vais très peu mais le dernier film que j’ai vu c’était Public Enemies de Michael Mann. C’est un film de Michael Mann donc il y a toujours quelque chose d’excitant. Après ça, je crois que définitivement, je n’aime pas la haute définition, mais bon, c’est un goût personnel. J’ai aimé le film, j’ai trouvé Johnny Depp fascinant. Mais une petite déception quand même sur l’ensemble.

Quels sont vos 3 films préférés ?

L’armée des ombres de Jean-Pierre Melville

Lawrence d’Arabie de David Lean

La ligne rouge de Terrence Malick

Vous nourrissez-vous de films avant d’en réaliser un nouveau ?

Non. Quand on prépare un film ou qu’on tourne, on ne regarde plus rien. Par contre, quand j’écris ou que je réfléchis à ce que j’aimerais faire, je regarde beaucoup de films. Et finalement, je m’aperçois que je ne suis pas très curieux parce que je regarde les films que j’aime beaucoup. Je suis une sorte d’obsessionnel, ce qui veut dire que, quand j’aime un film,  je peux le voir 50 fois !

Propos recueillis par Showtime Folks (Paris – Septembre 2009)

*Le Talon Aiguille , 8 avenue du Maine 75015 Paris

Bride: Carole Bouquet in the movie “Trop belle pour toi”

Year: 1990

Un gigantesco affresco, che copre quasi 50 anni della storia italiana, dal 1900 alla fine della seconda guerra mondiale, con la liberazione dal fascismo.

Questo è Novecento, uno dei capolavori assoluti della storia del cinema italiano, uno dei primi cinque, senza dubbio.Un’opera corale, che racconta attraverso le vite di Alfredo Berlinghieri, figlio di Giovanni e nipote di Alfredo, grande proprietario terriero dell’Emilia e Olmo Dalcò, figlio di Rosina e di nessun padre, o di cento, racconta dicevo le loro vite ma sopratutto racconta la miseria e le difficoltà di vita dei contadini agli inizi del secolo, le sperequazioni, le prime lotte operaie e le prime rivendicazioni sindacali, insomma tutto il contesto storico politico dell’Italia pre fascista.

Burt Lancasterè il  Nonno Alfredo Berlinghieri, il proprietario terriero

Una storia che inizia appunto con l’amicizia impossibile tra il ricco Alfredo e il contadino Olmo, i loro sogni e le loro vite parallele ma inevitabilmente e indissolubilmente legate , i loro amori, le loro delusioni.

In mezzo, tante vite parallele e contingenti: quella di Alfredo Berlinghieri , l’uomo che da il via alla saga, duro ma giusto, ricco ma rispettoso dei sacrifici dei suoi contadini. Quella di Giovanni, figlio minore di Alfredo , bramoso di ricchezza, assolutamente contrario a qualsiasi concessione ai contadini di una parvenza di dignità, quella di Attila Melanchini, il fattore crudele, bieco, come l’ideologia che finirà per rappresentare.

Romolo Valli: Giovanni, figlio minore di Alfredo

Roberto Maccari è Olmo da ragazzo

Sono solo alcuni dei personaggi che si muovono nel film, i più rappresentativi, ma che si collegano ad altri ugualmente importanti in una storia che li coinvolge tutti, comparse o protagonisti di primo piano di una tragedia, che allo stesso tempo è semplicemente la semplice vita di gente che si è trovata a vivere un’epoca di grandi cambiamenti storico politici.

Così prendono vita personaggi sullo sfondo di uno scenario grandioso, come Ada Fiastri Paulhan, moglie di Alfredo, giovane idealista innamorata del marito, che però lascerà incolpandolo di essere indifferente di fronte alla brutalità del fascismo, o come quello di Anita Furlan, moglie di Olmo donna istruita, una rarità per la civiltà contadina dell’epoca, che dedica il suo tempo all’istruzione dei piccoli, ma anche dei grandi, che cerca di spiegare ai contadini, che accettare supinamente il volere dei padroni significa consegnarsi allo sfruttamento e all’ignoranza.

Stefania Sandrelli è Anita, Gerard Depardieu è Olmo

Al centro, Robert De Niro è Alfedo

Ci sono poi i personaggi negativi, cattivi in assoluto, incapaci del minimo senso di umanità, vere e proprie Erinni, come Regina, figlia di Amelia , sorella di Eleonora moglie di Giovanni, il padre di Alfredo e quindi sua cugina, vittima ma anche complice dello spietato e abietto Attila, del quale diverrà complice nei più odiosi delitti.

Tanti personaggi, legati l’un l’altro da vincoli di parentela, di amicizia , di semplice conoscenza, che si muovono in quel mondo rurale primitivo, che vive a contatto della natura, che segue l’evolversi delle stagioni, retto da un’ordine quasi feudale, con il ricco destinato ad una vita facile e il povero costretto secolarmente a vivere solo di quel poco che la terra da lui lavorata produce.

Stefania Casini è Neve, la lavandaia

Bertolucci intreccia tutte queste vite, creando, attraverso 320 minuti di gran cinema, una storia potente come poche, magnificamente illustrata da una fotografia che sembra seguire l’alternanza delle stagioni; ma l’indubbio talento, il saper dirigere con mano svelta, l’aiuto di una sceneggiatura di prim’ordine, a cui collaborarono lo stesso Bernardo, suo fratello Giuseppe e Franco Arcalli, da soli non sarebbero bastati se lo stesso regista non avesse scelto un cast assolutamente straordinario per mettere in scena una rappresentazione credibile.

Dominique Sanda è Ada Fiastri Paulhan, moglie di Alfredo

Così sceglie con acume e affida il compito più difficile, quello di interpretare Alfredo e Olmo, a un giovane Robert De Niro e a Gerard Depardieu. I due lavorano talmente bene che ben presto i personaggi che interpretano divenatno, per lo spettatore, quasi dei volti amici. Si parteggia per loro e si arriva ad odiare i perfidi Attila e Regina, due splendidi attori come Donald Sutherland e Laura Betti.

Laura Betti è Regina, figlia di Amelia

Donald Sutherland èAttila Melanchini, il fattore

Accanto a loro Burt Lancaster e Sterlin Hayden, credibilissimo nel ruolo del contadino dei Berlinghieri, Leo Dalcò, il bravissimo Romolo Valli nel ruolo di Giovanni e Alida Valli Stefania Sandrelli, la maestrina che sposerà Olmo e la bellissima, seducente Dominique Sanda, Ada, la moglie di Alfredo. Un cast strepitoso,; così come di grandissimo livello è la fotografia di Storaro.

!!!

Alla fine, dopo oltre 5 ore di film, si resta con il rimpianto che tutto sia finito con quella scena finale dei due amici che, ormai anziani, continuano a litigare come quando erano bambini.

Novecento, un film di Bernardo Bertolucci. Con Gérard Depardieu, Robert De Niro, Burt Lancaster, Sterling Hayden, José Quaglio, Stefania Sandrelli, Dominique Sanda, Donald Sutherland, Romolo Valli, Alida Valli, Stefania Casini, Francesca Bertini, Paul Branco, Anna Maria Gherardi, Paolo Pavesi, Tiziana Senatore, Liu Biosizio, Roberto Maccanti, Allen Midgette, Laura Betti, Ellen Schwiers, Maria Monti, Antonio Piovanelli, Anna Henkel, Werner Bruhns, Giacomo Rizzo  Drammatico, durata 315 min. – Italia 1976.

Robert De Niro: Alfredo Berlinghieri, figlio di Giovanni e Eleonora
Gérard Depardieu: Olmo Dalcò, figlio di Rosina
Burt Lancaster: Nonno Alfredo Berlinghieri, il proprietario terriero
Donald Sutherland: Attila Melanchini, il fattore
Dominique Sanda: Ada Fiastri Paulhan, moglie di Alfredo
Alida Valli: Ida Cantarelli Pioppi
Sterling Hayden: Leo Dalcò, contadino dei Berlinghieri
Stefania Sandrelli: Anita Furlan, moglie di Olmo
Werner Bruhns: Ottavio, figlio maggiore di Alfredo
Laura Betti: Regina, figlia di Amelia
Ellen Schwiers: Amelia, sorella di Eleonora
Anna Henkel: Anita, figlia di Olmo
Romolo Valli: Giovanni, figlio minore di Alfredo
Stefania Casini: Neve, la lavandaia
Francesca Bertini: Suor Desolata, sorella di Alfredo
Anna Maria Gherardi: Eleonora, moglie di Giovanni
Paolo Pavesi: Alfredo da ragazzo
Tiziana Senatore: Regina da bambina
Paulo Branco: Orso, figlio maggiore di Leo
Giacomo Rizzo: Rigoletto, il servo gobbo
Antonio Piovanelli: Turo Dalcò
Liù Bosisio: Nella Dalcò
Maria Monti: Rosina Dalcò, nuora di Leo
Roberto Maccari: Olmo da ragazzo
José Quaglio: Aranzini, un proprietario
Pippo Campanini: Don Tarcisio
Patrizia De Clara: Stella
Fabio Garriba: Contadino all’esecuzione di Attila
Sergio Serafini: Un giovane fascista
Carlotta Barilli: Una contadina
Allen Midgette: Vagabondo che scagiona Olmo
Odoardo Dall’Aglio: Oreste Dalcò
Salvatore Mureddu: Capo delle guardie rege
Catherine Kosac: Tondine
Mimmo Poli: Fascista alla riunione in chiesa
Clara Colosimo: La donna che accusa Olmo
Angelo Pellegrino: Il sarto
Pietro Longari Ponzoni: Pioppi

Olmo Dalcò, il figlio di Rosina (Gérard Depardieu)
I fascisti non sono mica come i funghi, che nascono così, in una notte. No. I fascisti sono stati i padroni a seminarli: li hanno voluti, li hanno pagati. E coi fascisti i padroni hanno guadagnato sempre di più, al punto che non sapevano più dove metterli, i soldi. Così hanno inventato la guerra , ci hanno mandato in Africa, in Russia, in Grecia, in Albania, in Spagna…ma chi paga siamo sempre noi.

Alfredo Berlinghieri, il figlio di Giovanni e Eleonora (Robert De Niro)
Dei contadini ce n’è bisogno, se no la terra va in malora. Ma il padrone? A cosa serve il padrone?

Ada Fiastri Paulhan, la moglie di Alfredo (Dominique Sanda) e Alfredo Berlinghieri, il figlio di Giovanni e Eleonora (Robert De Niro)
Mio padre ha disegnato la testa del re sui biglietti da dieci: così abbiamo sempre vissuto tra i soldi senza mai averne. Sono orfana. Tre anni fa i miei ebbero la bella idea di organizzare una spedizione alpinistica per milionari e sono scomparsi in un crepaccio sul Monte Bianco. Morti com’erano vissuti: al di sopra dei loro mezzi

Anita Foschi (Stefania Sandrelli)
Donne, l’avete sentito il padrone? La colpa è dei nostri uomini perché sono andati in guerra a farsi accoppare. La colpa è dei braccianti perché non solo lavorano, ma vogliono anche farsi pagare. La colpa è tutta nostra, che abbiamo fame, e ci viene il gozzo e la pellagra. Ed è ancora colpa nostra se ci muoiono due figli su tre. Al padrone gli va ancora bene se prendiamo un po’ del nostro grano e gli lasciamo il resto, per il momento.

Leo Dalcò, il contadino dei Berlinghieri (Sterling Hayden) e Olmo Dalcò, il figlio di Rosina (Gérard Depardieu)
Dalcò Olmo! Olmo, adesso che sei grande..vieni avanti! Ricordati questo: imparerai a leggere e a scrivere, ma resterai sempre Dalcò Olmo, figlio di paesani, andrai a fare il soldato, girerai il mondo, e dovrai anche imparare ad ubbidire, prenderai moglie, eh? ..E faticherai per tirare su i figli… Ma cosa resterai sempre?
Dalcò Olmo!
Dalcò Olmo, paesano! Avete sentito? Niente preti in questa casa.

Alfredo Berlinghieri, il proprietario terriero (Burt Lancaster)
Quando la festa sta per finire, di’ che sono morto. Digli che sono morto, ma che continuino a ballare.

Leo Dalcò, il contadino dei Berlinghieri (Sterling Hayden) e Alfredo Berlinghieri, il proprietario terriero (Burt Lancaster)
Forse la verità è che quando un uomo non fa niente per tutta la vita, ha troppo tempo per pensare.

“Metafora d’un mezzo secolo, con cui Bertolucci esercita il diritto di trasfigurare in visione l’idea che a torto o a ragione se ne è fatta, non importa molto se ‘Novecento’ è meno fedele alla storia di quanto si potrebbe pretendere da un documentario. Preme invece che abbia una sua tenuta fantastica, una sua magnificenza di romanzo fiume per immagini, una potenza di chiaroscuro che esprime la drammaticità degli eventi, e sia pure melodrammaticità, vista la destinazione popolare dell’opera.” (Giovanni Grazzini – Cinema ‘76).”Gratificato di un budget favoloso (10 miliardi, si dice), questo film-fiume si presenta con l’appariscenza di risultati tecnici proporzionali all’accolta di interpreti e di specialisti dei vari rami: la fotografia, l’interpretazione, l’ambientazione, la musica, e così via, sono perciò di notevole livello. Ciò nonostante, prescindendo dalle carenze tematiche, si ha l’impressione che la colossale impresa ecceda di molte ore le sue possibilità di presa. Infatti, se efficaci risultano alcune pagine di pittura villereccia o di spaccato borghese, la reiterazione delle stessa sa di pleonasmo, di didatticismo ad oltranza, di sproloquio comiziale e persino di furbizia commerciale. Assai più deludente, poi, è l’esame contenutistico dell’opera che, in definitiva, riteniamo mancare a qualsiasi ipotetico obiettivo per totale mancanza di equilibrio. Se vuol essere soltanto la descrizione del mondo contadino della Bassa Emilia, lo coglie nelle deteriori manifestazioni di un folklore rude e sboccato; ma lo trascura nelle ricchezze di genuinità, genorosità, spessore umano e pudore. (Segnalazioni Cinematografiche, vol. 82, 1977)”Un film di rilievo, ma non riuscito. Un film dove ci sono delle pagine molto belle, di un lirismo e di un’umanità singolari ma dove, nel contempo, non si sente l’empito della sinfonia nibelungica, l’assieme armonico di un tessuto narrativo corale, senza sbavature”. (Pierpaolo Albricci)

Santuario delle Grazie di Curtatone

Palazzo Canossa

Cimitero vecchio di Poggio Rusco

Azienda agricola Corte delle Piacentine

Guillaume Depardieu est mort le 13 octobre 2008. Le 8 octobre, presque un an après sa mort son père Gérard Depardieu se confiE enfin. D’après celui-ci, son fils était fragile. La bassesse des gens et de la société en général le révoltait. Selon son père, il ne supportait pas la vie elle-même. Les textes poétiques de Guillaume que sa sœur, Julie, veut publier en sont les témoins. Gérard Depardieu confie ainsi qu’il ne pouvait n’être qu’un con face à un fils comme celui-ci qui avait tout de même ses exubérances. Il affirme ainsi qu’ils n’étaient pas en conflits et qu’il n’avait plus de problème de drogue quand il est mort.
Sources :
Voici.fr le vendredi 9 octobre 2009
Bébé-buzz.com le vendredi 9 octobre 2009

Correcteur : Kévin Savary

Tratto da Tutte le interviste di F. Truffaut sul cinema a cura di Anne Gillan

A quando risale l’idea ?

Dipende se parliamo del soggetto, della storia o del tema. Diciamo che mettere faccia a faccia un uomo e una donna che si sono già amati in passato è un tema che ho in testa da molti anni e sul quale prendevo spunti. A quel tempo il mio abbozzo si chiamava “Sur les rails”: non proprio un bel titolo! mi serviva trovare una coppia ideale… Ho pensato a Fanny Ardant quando l’ho vista in les dames de la cote alla televisione. Ho avuto subito voglia di lavorare con lei. Questo accadeva poco prima che iniziassero le riprese di Le dernier métro, nel quale, a posteriori, ho avuto l’impressione di non aver fatto il massimo con Gérard Depardieu, che era solo uno dei sette personaggi e non il più importante.

Avevo molta voglia di lavorare di nuovo con lui, dato che c’eravamo intesi così bene, perciò la sera dei Cèsar ho presentato Gérard a Fanny Ardant. Da quel momento, ho ripreso la mia storia, che all’epoca era soprattutto la storia di un esaurimento nervoso, conseguenza della rottura di una relazione.

Come si costruisce una storia di questo tipo?

Si fa lavorare la memoria, i ricordi. Per esempio, il personaggio della signora Jouve deriva da una signora che avevo conosciuto una quindicina di anni prima. Mi trovavo nel Sud con Jean – Luois Richard -stavamo per scrivere la sceneggiatura di Mata Hary – e cercando un abito da sera per partecipare a un gala di Charles Trenet, conoscemmo questa signora che affittava smoking nella parte vecchia di Nizza.. Quando mi è tornata in mente, ho pensato subito a lei per la confidente di cui avevo bisogno nel nuovo film.

E’ una sceneggiatura scritta molto in fretta vero?

In due o tre settimane. Avevo certe date da rispettare rigorosamente, perché Gèrard doveva andare a girare in Messico e Fanny doveva cominciare la nuova serie di Nina Companeez. Andammo subito a Grenoble con la storia scritta su trentacinque o quaranta pagine, non di più; ma avendo gli attori sottomano potevo scrivere i dialoghi di volta in volta, la domenica, che è la cosa che mi piace di più.

Ne La signora della porta accanto, come nella maggiore parte dei suoi film, le donne non sono filmate come gli uomini. Lei si avvicina ai loro visi, per esempio…

Non me ne rendo conto. Ciò che ho visto subito, però, è che Depardieu è migliore nelle prime inquadrature, quando non conosce ancora bene il dialogo e deve scoprirlo; mentre Fanny diventa più emozionante man mano che si fa avanti. Quando davanti alla macchina da presa hai attrici come Jeanne Moreau o Fanny Ardant, senti che la sceneggiatura sta per elevarsi e la pellicola impressionata sarà preziosa.

Vorrei che ci parlasse del suo rapporto con gli attori. Poco fa ha detto: “Ho visto Fanny Ardant in Les dames de la cote ala televisione e ho avuto voglia di girare con lei. Esattamente come quando disse : “Ho visto Isabelle Adjani in L’ècole des femmes e ho avuto voglia di fare Adèle H.” Nel caso di Fanny Ardant, cosa è successo?

Fanny mi ha fatto subito pensare alle sorelle Bronte alle quali mi ero interessato ai tempi di Le deux anglaises. Mi sono detto: questa ragazza è come le tre messe insieme! Poi ci simo incontrati e abbiamo chiaccherato. Sono andato a vederla a teatro.

Le piace questo? le storie spinte all’estremo?

Sono più esaltanti. E poi, quando si scrive, quando si filma, è piacevole far soffrire i personaggi. Ogni tanto sento qualcuno di essere rimasto sconvolto dal film, mentre io mi sento in uno stato di euforia. E’ la solita vecchia storiella ebrea. un tipo sta a letto e non riesce a dormire. “E perché non posso dare i soldi al sarto che sta qui di fronte”, spiega alla moglie. Allora lei si alza, apre la finestra e chiama il vicino: “mio marito non potrà mai dare i soldi che vi deve!” Poi torna a letto e dice al marito: “Ecco, adesso è lui che non potrà dormire.” Ogni tanto sentivo dire a qualcuno: quella tizia sta in clinica, è crollata; quall’altro sta facendo la cura del sonno.. Curiosamente, di tutte queste se ne sentiva parlare sui giornali, sui libri, ma raramente nei film.

Trovo che questo film sia molto duro per gli uomini

Davvero? C’è una scena di cui non sono di cui non sono contento e fa parte delle cose di cui mi pento. Non ho mostrato abbastanza lo stato d’animo di Depardieu nella seconda parte. Trovo che uando la signora Jouve dive a Depardieu: “Ho visto quella ragazza, è in un pessimo stato, dovrebbe andarla a trovare; in quel momento ho l’impressione che lo si giudichi un egoista, un superficiale. Mentre c’era quell’idea , che non sono riuscito a rendere, che la sua stessa violenza – nella scena in cui prende le botte – gli aveva fatto ritrovare il proprio equilibrio.

Con La signora della porta accanto, riscontriamo innanzitutto il suo bisogno di raccontare una storia..

Deriva sicuramente dal mio amore per i libri. Il mio sogno è di fare un film in cui la sola azione dovrebbe consistere di avvenimenti già passati che vengono raccontati. Uno dei momenti che preferisco in questo film è quando Depardieu ricorda a Fanny come si sono conosciuti. E’ molto inquietante, perché si tratta di far credere al pubblico che ciò che sta raccontando succede realmente! Bisogna far ascoltare al pubblico un dialogo non astratto. Non basta dire: “Tu mi amavi, io ti amavo.” Bisogna dire: “Tu stavi preparando delle tartine in fondo al giardino…” Cose che evocano immagini. A quel punto mi sembra che ci sia qualcosa d’interessante. Quando la signora Jouve racconta ul suicidio, è un racconto visivo.

Si sente che c’è qualcosa di premeditato nello sviluppo del film, anche se si rimane sorpresi.

E’ vero, non m’impegno mai in un film senza avere bene in testa l’ultimo quarto d’ora. Ho sempre paura di deludere. Ritengo che sia facilissimo avere inizi brillanti che finiscono per annoiare. Io ho spesso inizi laboriosi, purtroppo, ma almeno voglio essere soddisfatto di quello che accade verso la fine del film. Un film come questo non poggia sulla simpatia. Non bisogna guardare i miei personaggi come degli insetti. Credo che sia necessario raccontare una storia, raccontare qualcosa di affettivo tra la sala e lo schermo. Devi sapere dall’inizio se vuoi essere un saggista, un filosofo o un narratore di storie. Se hai scelto di essere un narratore, devi accettare la parte d’ingenuità di tutta la storia. Senza ingenuità, niente storia! Per contro la finzione ha bisogno di mélo. Le canzoni ce l’hanno. Io amo le canzoni, non ho bisogno di riferimenti pretenziosi tipo “come ha detto Althusser…” ecc..

Questo ci porta a parlare dell’importanza che le canzoni hanno per lei.

Nei film non ci sono canzoni.

C’era “Mon amant de Saint-Jean” in L’ultimo metrò, una canzone di Trenet in Baci Rubati, e ne la signora della porta accanto si parla di canzoni, delle loro verità, delle loro menzogne… Che importanza hanno per lei?

Lavorando con Suzanne e Aurel, dicevo loro che questo film doveva essere in rapporto a Baci Rubati quel che Edit Piaf è in rapporto a Charles Trenet, cioè per me La signora della porta accanto è un film Edit Piaf. E’ un pò come “L’hymne à l’amour” o “Ne me quitte pas” di Jaques Brel, cioè le grandi canzoni sulle cose fondamentali.

Sulle emozioni-base, le più intense..

E’ vero, c’è spesso qualcosa di fondamentale, è questo è molto bello, sono molto invidioso dei parolieri, perchè so che non potrei fare altro. Per scrivere una canzone occorre uno spirito di semplificazione e di ellisse, mentre io scrivo facilmente i dialoghi. Mi sarebbe piaciuto scrivere canzoni. Se nel film non è detto in maniera polemica, dentro di me c’è un pò di polemica e diffidenza su ciò che oggi potremmo chiamare il discorso culturale. Diciamo che ne diffido. Sento ogni tanto trasmissioni radio in cui si dice che Juliette Gréco è culturale e Mirelle Mathieu non lo è. Secondo me, è culturale ciò che ci aiuta vivere. E se una canzone viene considerata dagli intellettuali come un tarlo solo perché la si è sentita tutto l’anno, però ha aiutato un sacco di gente, ebbene, questa canzone è importante. Ecco, è in considerazione di questo che ho scritto quel dialogo molto preciso: “Le canzoni dicono la verità. Anche se sono sceme, dicono la verità.” Poi lei si riprende e aggiunge: “Del resto, non sono sceme, perché non lo sono mai.” Certamente “La tua assenza ha spezzato la mia ombra” è una frase formidabile. Perciò, si, lo sentivo da molto tempo. Arriverei quasi a estenderlo alla stampa femminile, alla stampa rosa, che viene attaccata così di frequente, che gli intellettuali e gli intelligenti attaccano così tanto. Ho ricordi precisi della stampa del cuore, perché, quando ero sotto le armi in Germania a un certo momento sono riuscito a lavorare nell’ufficio in cui arrivavano tutti i giornali. Una volta alla settimana c’erano più o meno quattrocento copie di “Nous deux” che finivano in un paio d’ore. Tutti quei giovani soldati su che cosa si buttavano?  Su “Nous deux”. Era fantastico, mi aveva molto impressionato. Ovviamente in quel giornale c’era anche una “rubrica del cuore”, il che significava che sotto le armi i giovani soldati hanno bisogno di scrivere e ricevere lettere, ma anche di leggere le storie che c’erano là sopra. E’ da allora che mi dico che non bisogna disprezzare le cose con il pretesto che sono troppo popolari o di grande tiratura. Questo accade ancor oggi, quando la gente ironizza sulla televisione.. Io non sono un grande ammiratore di Guy Lux, lo trovo sgraziato, ma difendo anche i cantanti.

Ci troviamo nei pressi di Grenoble. Gli effetti devastanti di una storia di fantasmi che riemergono dal passato, dal buio della mente, si impressionano nella pellicola di Truffaut, La signora della porta accanto.

La signora Odile Jouve (Véronique Silver) che gestisce il circolo di tennis locale, senza poterne giocare perché ha una protesi alla gamba destra, introduce la storia di Bernard e Mathilde a noi spettatori: il dramma, però, si è già consumato.

Dopo alcuni anni una storia d’amore folle improvvisamente riemerge, quando Philippe e Mathilde si trasferiscono nella casa di fronte  a quella di Bernard, sua moglie Arlette e il piccolo Thomas. Otto anni prima una storia devastante ha segnato Bernard e Mathilde ed ora si ritrovano a vivere non in un caotico condominio tra le strade della grande città, bensì in due case di campagna isolate, luoghi da cui è impossibile fuggire agli sguardi. indiscrezioni o semplice curiosità. Il passato è una malattia che improvvisamente esplode e le solide abitazioni di campagna rappresentano l’incubo, la menzogna, una forza violenta che si propaga in modo deciso, incontenibile, camuffata nella parola amore.

le due coppie devono per forza di cose fare conoscenza e così avviene. Mathilde cerca di ristabilire un contatto con Bernard di amicizia, ma lui si mostra indifferente ed ostile; Bernard è sfuggente, come quando evita la cena organizzata da Arlette per festeggiare i nuovi vicini, fingendo di trattenersi sul posto di lavoro. Nell’occasione apprende dalla signora Jouve la vera ragione del suo handicap:vent’anni prima si gettò dal settimo piano per l’eccessivo amore verso un uomo partito per la Nuova Caledonia.  Il turbamento e la fragilità assillano Bernard, mentre Mathilde mantiene un’apparente lucidità e nell’ossessivo ripetersi di telefonate cerca inutili giustificazioni e si dipinge un mondo nuovo fatto di serenità, buoni sentimenti e tranquillità. in più, confida a Bernard, vorrebbe avere un rapporto di mera amicizia con il suo ex-amante.

Un giorno i due si incontrano in un supermercato. Prima parlano preoccupati di non intralciare il loro presente, ma poi si baciano e Mathilde sviene a terra. In una frazione di secondo il  territorio è invaso dal passato. I due tornano ad essere amanti e si incontrano clandestinamente in un albergo a Grenoble. La passione di entrambi aumenta passo passo con la gelosia capace di avanzare come una vera e propria forza d’urto costante, un treno impazzito senza alcuna destinazione, all’interno del quale viaggia un amore gestito con una forza bruta, selvaggia, morbosa, possessiva. L’amore clandestino diventa una trappola per entrambi e l’unico modo per comunicare, visto che i due protagonisti sembrano impauriti ad affrontare il tema scottante riguardo gli anni passati insieme. Parlano clandestinamente attraverso il telefono con frasi brevi, dandosi appuntamenti figli di una patetica  tensione. Non riescono a prolungare i loro discorsi, cercare un forte compromesso che li renda lucidi nell’affrontare la loro quotidianeità. L’equilibrio s’è rotto: il carattere fragile che nasconde un forte autolesionismo è più forte di qualsiasi altra reazione.

Insomma i matrimoni per entrambi rappresentano una via di fuga da una storia cruda, capace di gettare le reti nel campo sentimentale in un mare inquinato. Mathilde confesserà difatti che dopo Bernard ha sposato un giovane da cui ha divorziato immediatamente solo per cancellare la storia precedente ed ora presenta Philippe come l’uomo che l’ha tolta con i semplici gesti e un amore caldo dalla turbinosa realtà. Nessuno dei due però lo confessa con lucidità:l’ombra è sempre in preda di cacciare ed aggredire ora l’uno ora l’altro o tutti e due. Anzi, parlare del passato li trasforma in due corpi esclusivamente materiali che si uniscono, soffrono dopo l’atto sessuale, svengono. Corpi che si incontrano ma in realtà vorrebbero uccidersi.

La signora della porta accanto è un film costruito sul limite degli spazi, su confini invisibili, entrate, porte, chiamate, soglie psicologiche. Il tutto come un viaggio senza ritorno. Mathilde cerca a più riprese di allontanare il fantasma di Bernard, rifiuta di partire con lui e si mostra impaurita nel proseguire questa storia deviata, perchè non vuole fare male al proprio marito. Bernard calamita le insicurezze della ragazza, tiene in mano il gioco, carpisce dalla più dettagliata espressione che dietro si nascondono altri sentimenti, se pur lacerati. Vuole egoisticamente recuperare.  Il desiderio possessivo è una patologia che investe ora l’uno ora l’altro. Sembra quasi che ognuno di loro due intervenga quando l’altro cede. Per questo possiamo dire che l’amore folle tra Bernard e Mathilde è malato,  devastante.

Tutto ciò si avverte anche in ogni spazio dove i due si incontrano, il circolo del tennis, luogo di ritrovo e distrazione. Qui Mathilde ha occasione di conoscere Roland, un amico di Philippe, giovane editore entusiasmato dai fumetti per bambini che la ragazza disegna. Mathilde non riesce ad esprimersi alle sue richieste di collaborazione. L’ombra la pervade e si consolida sempre più invece di cancellarsi. Il mostro del passato esplode quando Philippe prende parola ed annuncia che i due novelli sposi partiranno l’indomani per la luna di miele. La reazione di Bernard non si fa attendere ed è piuttosto violenta: segue la ragazza, la invita a non partire e poi la picchia senza controllare il lume della ragione.

Pochi giorni prima Jouve, ricevuto un telegramma da un fattorino, fugge per alcuni giorni a Parigi: il suo vecchio amante per il quale si è procurata la zoppia le ha annunciato che ben presto la verrà a trovare. Il crollo di Mathilde, ora che è stata picchiata da Bernard è totale. Se poco prima ha raccontato al marito di Bernard, descrivendolo come un uomo che aveva una relazione con la cugina ed era opportunista e ferocemente egoista, adesso è costretta a raccontare la verità. Cosa che non fa Bernard alla propria moglie, pronunciandosi come il martire di una donna che lo perseguitava e lo fa tuttora. La giovane moglie dopo il viaggio di nozze si smarrisce ulteriormente, poichè non intravede più la fiducia di Philippe. Alla presentazione del suo primo libro edito dalla casa editrice di Roland è preda di un esaurimento nervoso, cade a terra e viene ricoverata in ospedale.

I ruoli improvvisamente si invertono: Bernard mette la maschera in volto, si mostra freddo . Mathilde cerca solo lui e lo confessa al marito. Il cinismo comincia a serpeggiare nei pensieri di Mathilde, distaccata dalle parole del dottore che la definisce una donna a cui piace soffrire piuttosto che vivere o morire. Mathilde viene disegnata come un personaggio che ama la sua malattia, poichè è una difesa contro il resto del mondo. Forse è vero. La giovane eroina pervasa dai sensi di colpa ha un solo modo per uscire da questa morsa che l’ha stretta e fatta soffrire per anni: uccidere Bernard. E così avviene qualche giorno dopo, quando con il marito si è trasferita al centro di Grenoble.  Durante la notte torna nella sua vecchia abitazione e lascia  aperta la porta di casa affinché faccia rumore e svegli Bernard.  L’uomo scende e si dirige nell’abitazione affianco. Entra e trova Mathilde che lo aspetta sorridente, vestita in modo seducente. I due fanno l’amore, ma questa volta la giovane estrae la pistola dalla borsetta e spara al suo vecchio amante prima di uccidersi.

La signora Jouve, concludendo il racconto suggerisce un epitaffio funerario per i due amanti: ” nè con te, nè con me”, aggiungendo : “le mie parole non verrebbero mai ascoltate”.

La signora della porte accanto

(1981)

Gerere: drammatico/noir

Regia: Francoise Truffaut

Sceneggiatura originale: F. Truffaut, Suzanne Schiffman, Jean Aurel

Musica: George Deleure

Scenografia: Jean-Pierre Kohut-Svelko

Montaggio: Martine Barraquè

con: Gèrard Depardieu, Fanny Ardant, Henry Garcin, Michéle Baumgartner, Véronique Silver, Roger Van Hool