Javier Viar Olloquiri (Bilboko Arte Eder Museoaren zuzendaria) egindako bileraren bigarren atala. Eskerrak eman behar ditugu museoaren jendeari emandako tratuagaitik eta barrualdean grabatzen uzteagaitik. Eskerrik asko. Bideo honetan hurrengo galderak egiten ditugu:

• Zein motatako proiektu egiten ditu museoak bilboko jendeari kultura hurbiltzeko?
• Zer esango zenioke jendeari museoa bisitatzera etor dadin?

Lehengoari, zuzendariak azaldu zigun nola museoa bilboko kultural bizitza gizarteratzen duen. Behin-behineko publiko batzuentzat esposizio pribatuetatik, eskoletako taldeen ikustaldiak, CORPUS diru-laguntzak ikerkuntzan,arte bilblioteka pribatua eta web horri bat. Museoaren eraikinean egindako gai ezberdinen hitzaldiez gain.

Bigarren galderan, pixka bat ireki eta zabalagoa, zuzendaria museoaren etorkizuneko bisitariei hitz batzuk eskaintzen dizkie.Artea gure eguneroko bizitzatik urrun ez dagoela eta urruneko gauza ez dela pentsatu behar dugula.

When I finally made it to the San Antonio de la Florida Hermitage, there was a children’s puppet how happening in the small 18^th century temple.  Sadly I did not understand what the puppets were saying.  A couple more weeks of Spanish class and perhaps it would be perfect.

The draw to this tiny, new classical temple are the frescos, painted by none other than Francisco de Goya.  They mark the beginning of his impressionism and they are beautiful.   I think the hermitage also houses Goya’s tomb – but it does not include his head because it was apparently desired by scientists.

A rather unassuming building for what is inside.

A shot of the cupola taken on the sly.

Zezen museoa tauromakia mundua biltzen du. Beste museo mota bat da, espezializatuta eta ez daukate arteko obrarik, kultura intereseko gauzak baizik.

Bilboko Zezen Museoaren lehenengo zatia 1995eko urtean zabaldu zen. Gaur egun, Bilboko Zezen museoa zezen mundoko historiaren zortzi aro nagusiak biltzen ditu unitate didaktiko moduan. Hauek: Ilustrazio garaikoa, Erromantizismo garaiko toreatzaileak, XIV belaunaldiko eta Guerritaren toreatzaileak garaia, urrezko aroa (Joselito), zilarrezko aroa, Bigarren Errepublikako belaunaldia, Manoleteren garaia, 50eko hamarkada eta El Cordobés garaia.

Erakusgaia argazki asko bildu ditu, tauromakiaren inguruko Goya-ren 4 grabatu, 20 zezenketeta kartelak, Antonio Ordoñezek zezenketan erabilitako bi traje, El Niño de la Capea-ren bat eta Egaña pikadorearen beste bat.

Museoaren nahia, tauromakia maitatzen duten pertsonentzat historiaz gosatzeko bilera puntu bat eratzea da.

I yelped a little yelp of glee when this image of fellow 4Networker Larry Carroll reading Brad Burton’s Get Off Your Arse popped into my inbox. He must be near the beginning becuase we can clearly see that Larry has not got off his arse yet.

Hoorah for Networking meetings held at venues with children’s play facilities.Would you get this at BNI? Well, I can’t say for sure, but I bet not.

For anyone who doesn’t know about Get Off Your Arse or the competition, read this post or go to www.getoffyourarse.biz. Keep the pics coming….

Pasaden astean Bilboko Arte Eder Museora joan ginen, María Amezagaren laguntzarekin, bere zuzendaria elkarrizketatu genuen: Javier Viar Ollaqui. Sarrera hizketa txiki baten ondoren gaian zentratu genuen, galderak. Hauek ziren:

• Zer motatako obrak erakusten ditu Arte Eder Museoa?
• Zein da obrarik aipagarriena eta historia gehien duena?

Lehenengoari modu konkretuan erantzun zigun, obra modu ezberdinak, egileak eta museoa zein denbora tarte betetzen zituen azalduz, Arte Eder museoa zen den definizio zehatza emateaz gain.

Bigarren galderan zehar Riberaren obra ikusi egin genuen, “San Sebastian Curado por las Santas Mujeres”, zuzendariaren gogokoena eta museoaren obrarik importanteenetako bat ere. Autorearen ezaugarriak eta garaiarenak ere bitzen ditu, halaber, bere erligio obrarik garrantzitsuenatakoa da .

Capricho 43 de Goya. Fuente: Cervantes Virtual y Wikipedia

Merece la pena tener a la vista el Capricho 43 de Goya. En este grabado figura, literalmente, la frase “El sueño de la razón produce monstruos.” Goya, el gran pensador Ilustrado que escribía con pinceles y grabados nunca dijo que la Razón generara monstruos, la frase en cuestión tiene sujeto, verbo y predicado, y otra cosa es cómo se le entienda.

Vamos a ello: El sujeto de la frase es el sueño. No desde luego un sueño cualquiera, sino el de la razón. Por tanto, vemos que para que los monstruos aparezcan en escena la razón debe estar en suspenso, ausente, dormida. La oscuridad rodea al sujeto, y de ella emergen, amenazantes, los monstruos que la razón, por estar ausente, no disipa con su luz. Esto es literalmente lo que nos enseña la escena.
Luego y visto desde lo que hoy sabemos podemos entrar en disquisiciones acerca de si se podría entender que en el sueño o cuando la razón cede aparece lo onírico, lo instintivo, lo subconsciente y a veces irracional, aberrante y monstruoso.

Tampoco cabe desechar una interpretación de sueño como ensoñación, como utopía. No olvidemos el contexto del grabado. Los ideales de la Ilustración han desatado la revolución francesa, y a la postre la invasión napoleónica. Ambas proporcionaron un final de reinado de Carlos IV convulso con terror a las ideas revolucionarias e invasión napoleónica después. En este sentido el grabado advertiría no contra la razón, sino contra la excesiva candidez o utopismo, lo que sigue siendo plenamente moderno. Pensemos que la razón y la modernidad no sólo están encarnadas en el método deductivo y el idealismo continental sino también en el método inductivo, la ilustración escocesa y el empirismo anglosajón.

Al hilo del sueño como ausencia de razón productora de monstruos es como se entiende al nazismo como irracionalidad máxima hija antes del romanticismo y el nacionalismo que de la ilustración alemana, a la que niega, aunque tampoco podamos cargar el monstruo a las espaldas y responsabilidad de Herder o Fichte. Aunque no pueda entenderse sin ella como precedente conscientemente negado, el nazismo encarna la fuerza política del irracionalismo y es antítesis de la razón y la modernidad.

Al hilo del sueño como ensoñación, aparecen los monstruos del utopismo llevado a la práctica. A la utopía revolucionaria soñada por Marx, asentada esta sí en las bases racionales de la modernidad ilustrada, le fue dada vida por Lenin y la hizo crecer como monstruo Stalin. Pero no es la razón, sino el sueño quien la engendra, y aun acaso sea excesivo cargar en el soñador la responsabilidad que compete al tirano y al matarife.
Bien está ser cauteloso con los idealismos totalizadores, pero hasta la fecha, el único freno eficaz ha sido la racionalidad empírica y científica, una razón despierta, no dormida ni ensoñada, ni disminuida ni ausente. El postmodernismo insuflando su aire revoltoso sobre el débil pábilo de la razón hace las delicias de los pre-modernos, que ya esperan ver las tinieblas del dogma y la arbitrariedad restauradas.

Mój przyjacielu,
równie dobrze, zamiast łba tego psa
mogłaby być tam twoja głowa

Myślisz, ze ogrzewa cię światło
a ono tylko odbija się w oku,
które widzi obsuwającą się wydmę świata

Skowyt uwiązł ci w gardle
i sądzisz, że to jakaś fanaberia poetów
by skomleć, kiedy zasypują cię piachem

Twój Pan, gdzie jest?
Czy zagoił ci się już grzbiet
wygarbowany kiedyś przez jego kij?

Mówisz: gniew Mistrza mojego
to boży gniew!
Czy nie dlatego, że wówczas cierpienie twe,
choć głębsze – wydaje się też metafizyczne?

His Master’s Voice: słyszysz?
Czy jest to głos wołającego na pustyni
czy też szmer przesypujących się ziaren piasku,
które w końcu zduszą twój oddech?

Patrz: nicość jest jak płonąca ochra!

Ale ty mówisz, że to jedynie brudna żółć

I dziwisz się, że można ją uznać za symbol życia,

że przecież to tylko liszaje
zdjęte z muru tego szalonego malarza Goy’i

Nie wiem, czy pysk swój opierasz znużony
monotonią dziejącej się hekatomby
kiedy wszystkie kolory
przeganiane są na cztery wiatry?

Nie wiem – jest już w tobie spokój i pokora
życia wiernego jak pies?
Czy też rezygnacja i zmęczenie
sługi wygnanego z pańskiego pokoju?

 

Czy gasnąc, pochłonięty przez śmiertelną czerń
będziesz sie pocieszał,

że o zdechłym nie mówi się źle?

Że mogą cię nawet wtedy nazwać

swoim najlepszym przyjacielem ?

I pamiętać, że właśnie tu leżysz pogrzebany?

 

 

 

Jakże różnią się od siebie te dwa obrazy, które w madryckim Prado zrobiły na mnie największe wrażenie: rozbuchana kolorystycznie, zatłoczona kompozycyjnie, drobiazgowo detaliczna, szalenie alegoryczna - pełna niezliczonej ilości symboli wizja Boscha ukazująca “Ogród rozkoszy ziemskich” oraz minimalistyczny, monochromatyczny, zredukowany niemalże do jednego znaku obraz Goy’i “Zagrzebany pies”.
Goya namalował go pod koniec życia na jednej ze ścian swojej willi Quinta del Sordo jako uwieńczenie całej serii nazwanej później “pinturas negras”. “Domu Głuchego” dawno już nie ma, ale “czarne malowidła” przetrwały – najpierw zdjęte wraz z tynkiem ze ścian, a później przeniesione z tynku na płótno – wiszą teraz w Prado i są uznawane za coś w rodzaju malarskiego testamentu Goy’i.
“Pies” uważany jest za obraz par excellence modernistyczny, z tym, że wyprzedzający swoją epokę o wiek niamal cały. Nikt inny, tak jak Goy’a, nie potrafił równie wspaniale łączyć ekspresję z symbolizmem: furiacką wręcz swobodę operowania pędzlem czy szpachlą i przejmującą na wskroś wymowę znaku, kreski, plamy i obrazu.
Wydawałoby się, że symbolika “Psa” jest dość jasna i przejrzysta: chodzi tu o dramat świadomości żywej istoty skonfrontowanej z nieszczycielską siłą przytłaczającego ją świata – dramat osamotnienia, opuszczenia, rezygnacji, niemożności, bezsilności i ostatecznego unicestwienia w obojętnym na nasz los pustynnym Kosmosie.
Jednak, po głębszym wejrzeniu w dzieło Goy’i, można się przekonać, że można go interpretować na wiele różnych sposobów (o czym świadczyć choćby może zamieszczony powyżej tekst, kórego zręby powstały jeszcze wtedy, kiedy stałem oniemiały przed tym zdumiewającym obrazem aragońskiego mistrza w Madrycie).

  

Presentiamo qui una sezione del lavoro di Albert Jodar, giovanissimo fotografo spagnolo, classe ‘82, che ha catturato la nostra attenzione grazie ad alcuni ritratti veramente riusciti. La forza degli scatti di Jodar ai nostri occhi lo avvicina ad alcune atmosfere di Goya, coi suoi neri fortemente contrastati e scene in bilico tra la quotidinanità e la brutalità.

Le facce sono il centro di questi scatti: facce brutte enfatizzate da smorfie grottesche e rese brutali da una prospettiva centrale che  ne rafforza la dirompenza all’interno dell’intera scena, rendendo i soggetti personaggi surreali e quasi alieni. Fatto salvo qualche scatto, la totalità delle inquadratura presenta il soggetto su sfondo neutro, cioè senza altre presenze, in uno scenario quasi congelato.

La costruzione della fotografia che sembra arrivata in un momento casuale è invece schematica, rigorosa, dentro un diagramma di linee e piani di proiezione che trovano il centro prospettico sulla figura o esattamente dietro di essa, aumentando così quella sensazione di imponente forza comunicativa agli sguardi e ai corpi.

Un reusenc serà l’encarregat de presentar per Sant Valentí la cerimònia dels Goya. Aquest reusenc es diu ANDREU BUENAFUENTE i aprofitant que es reusenc m’agradaria somniar que els Goya es donessin al Teatre Fortuny de Reus. Però això és somniar truites.

Si l’acadèmia de cinema espanyola ha triat un reusenc per la gala del 2010 l’acadèmia del cinema català també ha triat un reusenc per la gala del cinema català. Però no pas un reusenc per fer de presentador sinó un reusenc per portar el nom del galardó: els premis es diuen GAUDÍ com potser ja sabeu.

O sigui que tant a nivell de cinema espanoyl o català dos reusencs seran molt protagonistes. No sé si seria somniar també truites que els premis Gaudí tinguessin la seva nit de Gala al Teatre Fortuny …

“Donde quiera que estemos, lo que oímos es fundamentalmente ruido. Cuando lo ignoramos, nos perturba. Cuando lo escuchamos, nos resulta fascinante“, dice John Cage en su libro “Silencio” y ello lo recoge Calvo Serraller al comentar el volumen de Alex Ross titulado “El ruido eterno. Escuchar al siglo XX a través de su música” (Seix Barral). Pienso en el ruido de las grandes ciudades y en cómo se perseguían y grababan aquellos ruidos precisos de Lisboa en la película de Wim Wenders de la que ya hablé en Mi Siglo. Pienso en los extraños ruidos interiores que acosaban al oído de  Jonathan Swift, atormentado por el síndrome de Menière,  provocándole sordera y terribles  mareos y perdiendo su capacidad para oir. Pienso en la retirada poco a poco hacia el silencio del gran compositor checo Bedrich Smetana, cada vez más sordo, obligado a dejar el Teatro Nacional para encerrrarse en Jabkonia, en un mundo de sueños. Pienso en célebres oídos enfermos: en el de Beethoven, en el de Goya, en el de Gabriel Fauré, y también en ese ruido de las urbes que provoca tantas incomodidades, tanta irritación a las gentes. Pienso igualmente en el silencio amarillo de los desiertos, en la soledad de arena que llega  hasta las noches del oído y también en ese mutismo de los pasillos, lengua callada bajo las capuchas, en  la Cartuja de la Grande Chartreuse, en los Alpes franceses,  donde la película de 164 minutos, “El gran silencio“, nos impone el mutismo total, el oído intentando escuchar de qué nos habla lo interior, cuál es el lenguaje del alma.

(Imágenes:-1.-Janet Cardiff y George Bures Miles.-1995.- Gallery Barbara Weiss -artnet/ 2.-imagen de la película “El gran silencio“.-convicciontv.cl)

• 60 obras maestras de la Colección BBVA se pueden ver en México, y posteriormente en Colombia y Chile, con motivo de las conmemoraciones del Bicentenario de la Independencia de dichos países
• En la exposición, comisariada por Tomás Llorens, se incluyen piezas de artistas tan notables como Siqueiros, Goya, Libero Badií, Fernando Szyszlo, Matta, Gómez Campuzano y Martín Tovar

La exposición Confluencias. Dos siglos de modernidad en la Colección BBVA se presenta mañana 12 de noviembre en el Museo Nacional San Carlos de México, y posteriormente viajará a Colombia y Chile. La muestra incluye alrededor de 60 obras, entre pinturas, esculturas y obras sobre papel, procedentes del patrimonio artístico del Grupo BBVA en varios países latinoamericanos (Argentina, Colombia, Chile, España, México, Perú y Venezuela), realizadas en los últimos doscientos años por artistas tan notables como Siqueiros, Leonora Carrington, Goya, Libero Badií, Fernando Szyszlo, Matta, Gómez Campuzano y Martín Tovar, que permitirán al público mexicano, colombiano y chileno observar los diferentes modos de interpretar el devenir histórico y las referencias iconográficas comunes o diferentes en Europa y América. Con esta actividad cultural BBVA se une a  las conmemoraciones del Bicentenario de la Independencia en varios países de América Latina.

La Colección BBVA en los países donde el banco tiene presencia ha sido el resultado de la integración de los fondos artísticos de las numerosas entidades que actualmente conforman el Grupo BBVA. En la selección de las obras contenidas en esta exposición se han reunido una gran variedad de estilos y de escuelas pictóricas, fundamentalmente de Argentina, Chile, Colombia, España, México, Perú y Venezuela, así como otras procedentes de otras escuelas europeas y americanas.

El comisario de la exposición, el profesor y exdirector del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, Tomás LLorens, ha planteado un recorrido artístico por los siglos XIX y XX, dentro de los fondos de la Colección BBVA para ilustrar los modos de abordar e interpretar plásticamente los sucesos históricos en el continente americano y en España, a través de los estilos más importantes desarrollados en sociedades tan diferentes y apartadas entre sí, con el objetivo de captar la modernidad. La muestra se articula en cuatro apartados temáticos: La imaginación romántica; El entresiglo XIX/XX. Entre Naturalismo y Simbolismo; La primera mitad del siglo XX. Vanguardia y tradición moderna; y La segunda mitad del siglo XX. La condición de la imagen.

La imaginación romántica

El recorrido de la exposición comienza con uno de los movimientos plásticos y literarios más largos del siglo XIX: el romanticismo, que renovó gran parte de las corrientes pictóricas y muy claramente el paisaje. Con el romanticismo se apuesta por una nueva imaginación y eso fue muy visible en la pintura española y latinoamericana, tanto por el interés hacia el individuo, relacionado con un género como el retrato; por la captación de las costumbres sociales; y por el amor a la naturaleza que se vislumbra en los paisajes.

El retrato de Pantaleón Pérez de Nenin, un óleo pintado por Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), constituye un ejemplo de retrato que plasma la función pública y el rango social de la persona captada por la paleta del pintor. Obra de gran complejidad, muestra a un comerciante de Bilbao ataviado con el uniforme de capitán del regimiento de húsares, con un verismo y habilidad que recuerdan el estilo velazqueño. A continuación se puede observar un retrato de Simón Bolívar realizado por el venezolano Martín Tovar y Tovar (1827-1902), también de similar estilo, que fija una imagen del Libertador más o menos estereotipada, basada en grabados del pasado.

De Raimundo de Madrazo (1841-1920) se ha seleccionado Retrato de una dama, ejemplo de elegancia expresiva a la hora de fijar un arquetipo femenino, y una tablilla de Nicanor González (1864-1934), que capta el perfil de una mujer desconocida como si fuera un apunte de un rostro que llamó la atención del artista.

Entre las escenas de la vida cotidiana se han escogido diez estampas de la serie Los Caprichos de Goya, que son una buena representación de uno de los grandes ciclos calcográficos del genio aragonés, con la intención de describir y satirizar usos y costumbres de la sociedad estamental española, ofreciendo una mirada nueva, que combina lo grotesco y lo fantástico. Otro ejemplo costumbrista son las cuatro acuarelas de Pancho Fierro (1807-1879), que representa situaciones y tipos populares de la Lima virreinal.

Por último, dentro de este apartado, cabría destacar la pintura de paisaje con óleos singulares de Pablo Gonzalvo (1828-1896), con esa vista de la desembocadura de la ría en el Abra de Bilbao; la marina, plena de espectacularidad, de Ramón Martí i Alsina (1826-1894); tres buenos ejemplos de la escuela chilena, con una obra de Giovanni Mochi (1831-1892), en La Carreta, que refleja una vida tranquila en el campo;  en contraste con Paisaje de Cordillera de Antonio Smith (1832-1877), iluminada con la luz del último sol; y el Paisaje estero de Onofre Jarpa (1849-1940), que fija una imagen más plácida de la naturaleza aunque impregnada por la expresividad de la luz.  Del colombiano Ricardo Gómez Campuzano (1891-1981) su Puente de piedra, testimonio del paisajismo neorromántico.

El entresiglo XIX/XX. Entre naturalismo y simbolismo

En la segunda parte se aborda el naturalismo y el localismo como rasgos característicos de la época moderna, ya que como sostiene Tomás Llorens en su texto del catálogo: “…las relaciones entre naturalismo y simbolismo, dos polos teóricamente contrapuestos de la sensibilidad modernista, fueron complejas y llenas de ambigüedad”. En este sentido cabría mencionar Estudio de una calavera (1883), un óleo de juventud de Joaquín Sorolla (1862-1923), que aúna simbolismo con un marcado lenguaje naturalista; una obra temprana de Darío Regoyos (1857-1913), Seguidillas gitanas, cercana al simbolismo belga de finales del XIX. Del autor vasco también se expone Puerto de Bilbao, con ecos del impresionismo francés.

Francesc Gimeno (1857-1917) constituye el polo opuesto a Regoyos, ya que se centró en el más puro localismo, como se deduce al contemplar su paisaje Playa. Bagur, que tiene cierta continuidad en la obra de Enrique Martínez Cubells (1875-1947), cuyo Fin de jornada (1909) revela la combinación del estilo tardío de Sorolla con el de Zorn.

La obra de Santiago Rusiñol (1861-1931) se caracterizó por transitar por varios estilos a lo largo de su prolífica carrera, desde su residencia en París hasta su aproximación al simbolismo. En las últimas décadas de su vida realizó una peculiar pintura de jardines neoclásicos, impregnados de melancolía, como Avets i boixos. Jardines de Martí Codolar, pintado en 1927. En una temática similar podemos citar Paisaje impresionista, del argentino Cesáreo Bernardo de Quirós (1879-1968), un jardín otoñal con estatuas de acentuado simbolismo.

Francisco Iturrino (1864-1924), en Mujer con abanico, fija la temática andaluza que se puso de moda en París a comienzos del siglo XX, mientras que Aureliano Arteta (1879-1940) aborda en su obra de juventud La pereza y el trabajo, una alegoría de la temática laboral, sintetizando la pintura mural italiana con el simbolismo de Puvis de Chavannes.

Cuatro autores cierran este epígrafe: el chileno Arturo Gordon (1883-1944) y el español Anselmo Miguel Nieto (1881-1964), que captaron con resonancias alegóricas dos figuras femeninas; el peruano José Sabogal

José Sabogal

(1888-1956), que en Rimac, arrabal ofrece una imagen de casas de arrabal perdidas en un paraje de montaña áspero, teñido de melancolía; y la mezcla de indigenismo y estilización moderna de Alejandro González Trujillo (1900-1983) en Yurak Orcco, una vista andina de la región de Titicaca.

La primera mitad del siglo XX. Vanguardia y tradición moderna

Durante las primeras décadas del siglo pasado tuvieron lugar algunas de las manifestaciones artísticas más variadas, al plantear un debate entre vanguardia y tradición, tanto en Europa como en América, aunque tuvo singularidad propia en Latinoamérica y España. La atención de los artistas se centró  especialmente en los procesos artesanales  y en sus posibilidades de expresión.

María Blanchard (1881-1932) vivió en París en los años previos a la I Guerra Mundial. Aunque se integró plenamente en el cubismo después de terminar la contienda, ya se observa  en Composition avec tache rouge huellas del cubismo sintético, cercano al de Juan Gris y Gleizes. Una trayectoria diferente fue la del granadino Manuel Ángeles Ortiz (1895-1984), cuyo óleo Cabezas múltiples, pintada en 1976, tiene una inspiración musical muy personal, como casi toda su obra.

México durante la primera mitad del siglo ofrece algunos ejemplos de la relación entre vanguardia artística y revolución política, y en la selección de esta exposición hay varios ejemplos que lo corroboran. La figura del Dr. Alt -Gerardo Murillo- (1875-1964), autor de Volcán Paricutín, abrió muchos caminos por donde luego transitarían las vanguardias mexicanas. De David Alfaro Siqueiros (1896-1974) se exhibe Paisaje I, una obra tardía pero en la que late la búsqueda sincrética siempre al servicio del espíritu colectivo. De Leonora Carrington (1917), compañera de Max Ernst y que realizó casi toda su carrera en su país de elección, se exhibe The Spheres Themselves, una composición basada en cosmologías ancestrales.

Otros artistas latinoamericanos se incorporaron a la segunda generación surrealista, como el chileno Roberto Matta (1911-2002), cuyo óleo La imposible posibilidad denuncia el golpe de estado de Pinochet. Al igual que Matta, destaca el ecuatoriano Guayasamín (1919-1999), que estuvo influido por el muralismo mexicano y el indigenismo, como se deduce en su  Maternidad, ejemplo del sincretismo.
 
Este capítulo se cierra con Puerto, un óleo de 1957 de Pancho Cossío (1894-1970), y con una escultura del pintor y escultor Antonio López (1936), que aunque pertenece por cronología al cuarto apartado de la muestra, en su obra titulada Mujer dormida, el creador manchego hace gala de una formulación de un nuevo realismo basado en la mimesis.

La segunda mitad del siglo XX. La condición de la imagen

Según el comisario de la muestra, Tomás Llorens, lo que ha caracterizado a la sociedad de la segunda mitad del siglo pasado ha sido el crecimiento de las redes de comunicación y dentro de ese crecimiento la gran proliferación industrial de imágenes. En este apartado la selección tiene dos ejes principales: la abstracción, durante las décadas centrales del siglo XX, y a partir de los años 60 y 70 el Pop Art, que asume la proliferación icónica como punto de partida.

Del expresionismo abstracto, movimiento artístico norteamericano, conviene mencionar al español José Guerrero (1914-1991), instalado en Nueva York a partir de 1950 e integrado en el grupo expresionista neoyorquino. En su obra Comienzo, pintada en 1983, la primacía del color atenúa la iconicidad del cuadro.

Previamente a la llegada de Guerrero a España, la tendencia dominante era el informalismo español, rama de un movimiento europeo que dominó el panorama artístico durante la década de los 50 y 60. Dentro de ese grupo, hay de resaltar a Antoni Tàpies (1925), cuya obra Forma gris blavós (1955) sugiere la cabeza de un ángel de Paul Klee, dentro de esa textura matérica que caracteriza su obra; la fuerza y variedad del grupo El Paso, fundado en 1957, del que destacan Manuel Millares (1926-1972), del que se exhibe una arpillera titulada Cuadro 2, en las que insinúa imágenes antropomórficas, que gracias al negro y el blanco acentúa la atmósfera expresiva, colores que también emplearía Antonio Saura (1930-1998), un autor que alterna la tensión de lo figurativo con la influencia de Goya, Velázquez y Picasso, lo que queda muy patente en su Dora Maar 15.5.83.

Otros miembros de este grupo El Paso, que también están presentes en la exposición, son Luis Feito (1929), cuyo lienzo Pintura (167) se caracteriza por el uso de referencias abstractas de carácter matérico, al evocar desiertos y espacios silenciosos; el granadino Manuel Rivera (1927-1995), que pronto abandonó las técnicas habituales de la pintura al óleo, para concentrar sus energías en sus composiciones con tela metálica, explorando las posibilidades ópticas que le ofrecía el nuevo material, como se comprueba en Espejo naciendo III. Coetáneo de los informalistas españoles, el peruano  Fernando de Szyszlo (1925), evolucionó hacia una abstracción libre, cercana al informalismo, como denota Composición abstracta o Paisaje ritual  (1964-1965).

El arte centrado en la percepción visual está representado por tres artistas coetáneos: el venezolano Carlos Cruz Díez (1923) y los valencianos Eusebio Sempere (1923-1985) y Andreu Alfaro (1929). Del primero se exhibe la obra Fisicromía nº 1022, una de las piezas que más se adhiere a las características del movimiento cinético, y que produce sensaciones de color independientes incluso de la materialidad de la propia obra, mientras que de Eusebio Sempere,  uno de los primeros artistas que introdujo luz eléctrica en sus obras, se presenta una escultura de acero cromado, que revela su carácter experimental y deja que la imaginación del espectador gire en torno a la obra. De Andreu Alfaro, un artista autodidacta y con gran afán investigador, con influencias de escultores y pintores clásicos pero también del jazz, puede contemplarse Composición en espiral (1975), una escultura plena de significados sentimentales pero no exenta de tensión.

Dentro de la historia del arte del siglo XX hay artistas difíciles de clasificar, y ese es el caso del argentino, nacido en Italia, Libero Badií (1916-2001), del que se ha elegido una obra tardía como Ariadna (h. 1969-1975), en la que experimenta con diferentes materiales: maderas recortadas y pintadas, que recuerdan a ciertos juguetes tradicionales, con ecos del futurismo italiano.

Aunque el Pop Art se considera un movimiento norteamericano, lo cierto es que nació en Inglaterra, y se desarrolló con profusión en las dos orillas del Atlántico. Esta corriente tuvo en España algunos ejemplos muy representativos, aunque con una respuesta diferente, debido a las condiciones socio políticas del país. En este sentido, se debe mencionar la originalidad del Equipo Crónica, constituido en Valencia por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo en 1964, que observaron con atención la iconografía de los medios de comunicación de masas en un marco político determinado, así como una reflexión crítica sobre la actividad artística, algo que queda muy patente en su pieza Cayetana (1975-1976), donde reivindicaron a protagonistas de la historia de la pintura, la duquesa de Alba pintada por Goya. El caso de Eduardo Arroyo (1937) resulta muy ilustrativo, ya que vivió gran parte de su vida en París y fue uno de los principales impulsores del movimiento Figuration Narrative, contemporáneo del Pop Art, aunque más crítico frente a los acontecimientos políticos o culturales concretos. Al regresar a España en 1976 realizó obras irónicas y alusivas como La Nuit espagnole (1986), donde apunta el fracaso de la construcción de una identidad nacional española en la era contemporánea.

Por último, la trayectoria de Luis Gordillo (1934), que aborda la pintura como lenguaje y se mantiene indiferente a las condiciones socio políticas. Del sevillano cuelga un tríptico: Mouse-paisaje-globo (1986), en un momento álgido de influencia en las nuevas generaciones de pintores españoles. En Gordillo se vislumbra un estilo pictórico ecléctico, pero sólidamente definido y eficaz.

Planktz. La cultura y mucho más…

Continuamos el viernes, 13 de noviembre de 2009 las tertulias Culturarte, donde nos reunimos cada dos meses unos cuantos amigos del arte y de la cultura en general para charlar y debatir sobre temas culturales y artísticos.

En esta ocasión la realizamos de nuevo en el fórum de la FNAC de San Agustin en Valencia. Espacio dedicado al ocio y la cultura, donde podemos encontrar libros, discos, películas y lo último en informática.

El tema de la tertulia nº 16 fue: “Goya: Mitos y Leyendas” .

Tras unas reconsideraciones históricas nos preguntamos qué hace a Goya universal, fue Goya un pintor de encargos, anticipa Goya la concepción del artista como creador de una nueva realidad, “El Coloso” era obra de un seguidor suyo, la autoría de una obra cambia la valoración de esa obra, se dice que no fue un buen pintor, por qué? Comentamos sus influencias políticas y sus relaciones amorosas e incluso su extraña muerte por intoxicación.

Después cada tertuliano recomendó una exposición, libro, película o concierto para disfrutar.

Los tertulianos fueron de izquierda a derecha: Javier Mesa, fotógrafo y redactor digital, Alberto Baez,  profesor de Instituto de Historia del Arte , José Bautista, artista plástico, y Jesús Manuel Moreno, catedrático y pintor.

En la fotografía: Nicola Whyte.

En la atención al público: Karyn Pérez.

En la moderación, grabación y edición de audio y publicación: José Bautista.

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La próxima tertulia se realizará el jueves, 28 de Enero 2010 a las 19 horas con el tema “DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE” en el Fórum de la FNAC de Valencia.

} Terça-feira a entrada é franca @ MASP!

Masp apresenta hoje a retrospectiva completa de Walker Evans. Conheça mais de 120 imagens através do olhar de Evans sobre o século 20, início dos anos 70. Fotos sobre a Grande Depressão, o cotidiano de Nova York e imagens de Havana sob o comando do ditador Machado. A mostra cobrirá os 50 anos da carreira de um dos maiores nomes da fotografia no mundo.

Para quem ainda não conferiu, as obras permanentes do acervo do Masp, essa é uma ótima oportunidade.

A exposição, Olhar e ser visto,  celebra a arte do retrato e auto- retrato no século 16 aos dias de hoje.  São fotografias, telas, esculturas e gravuras . Entre as obras estão os mais conehcidos nomes da arte como Rembrandt, Van Gogh, Goya, Portinari, Velázquez, Picasso, Modigliani, entre outros.

Assim como Olhar e ser visto, a exposição Arte do Mito, faz parte do acervo do Masp, esta mostra  propõe uma reapropriação sensível destas fábulas que continuamos a tratar como realidades.

in one hand, and honey in the other. I wanted to finally try a recipe with these ingredients. I was at the grocery store, and passed the coconut milk. I said, “what the hell” and picked it on up. I’d been reading so much about coconut milk and the benefits behind it.

So, I decided to take 1/2 can of Goya coconut milk and approx. 2-3tbs of honey. I applied it into 4 sections and massaged it in. I left it in for about 3hrs before cowashing  it out with Hello Hydration. My hair felt awesome. I was expecting a “stronger” feeling as many women had reported a feeling of a protein treatment, but I felt no such thing. I felt moisture!

I then t-shirt dried my hair for about 1-2hrs then applied a dollop of HH and coconut oil, and then shea butter. I decided to flat twist my hair in 6 flat twists ala CurlyChronicles from youtube. My results were pretty nice. I still have alot of work to do when it comes to perfecting my flat twists.

Bilboko Arte eder museoa 1914. Urtean ireki zen lehen aldiz. Garai horretan, Atxuriko Ospitalean zegoen kokatuta. Zortzi urte beranduago, proposamen bat sortu zen: Arte Modernoko Museoa sortzea. Hainbat arazo eta leku aldaketaren ondoren, bi museo horiek elkartu ziren eta gaur egun dauden eraikinean jarri ziren. 1945. Urtean egin ziren donazio, emaitza eta erosketen ondorioz, eta beraz arte lanak gordetzeko lekua handitu behar izan zen 1972 urtean: eraikin berri bat jaso zen arte lan garaikideentzako. Gaur egun, korridore batek lotzen dituen bi eraikinek osatzen dute museoa.

Lau gela nagusi ditu: aintzinako artea, arte garaikidekoa, euskal herriko artea eta arte aplikatuak. Arte plastikoen bilduman XII. Mendetik gaur egun arteko lanak daude. Obra erromanikoen hasten da bilduma, euren artean nabariena Jaungoiko Maiestate da. Ondoren, gotiko espainarren garaiko pinturak daude, honako marrolari hauenak: Pedro Sierra, Berthome Baro eta Bartolome Bermejo.

XVI eta XVII mendeko arte lanak ohialean edindako pinturak eta taulak daude. Luis Morales, el Greco, Antonio Morok, Murillo, Zurbaran eta Ribera. Riberarik lanik importantena “San sebastianeko Martirioa” da. Ere Goya dago bi retratuen bidez. Azkenik, hiru gela bereizten dira, espainako artea erakusteko. Bertan XIX mendeko lanak daude: Esquivel, Madrazo, Sorrolla, Alenza eta beste asko.

Che cos’è un’immagine? Questa la domanda a bruciapelo che mi venne fatta dal mio futuro mentore filosofico (che pure oggi fatico a definire “maestro”) durante il nostro primo incontro. Me la fece ridendo, e io non capii se stesse scherzando e balbettai irritato una qualche risposta a caso. Seppi poi che dietro quella domanda c’erano in realtà le sue letture dell’epoca, peraltro irrorate di whisky & birra in abbondanza, di alcuni dialoghi di Platone.
Naturalmente tutto parte da quella chirurgica separazione della realtà tra mondo delle idee e mondo sensibile, che sarebbe stata una delle dannazioni della cultura occidentale. Se la realtà è costituita da gradi di approssimazione al vero, dove il segno meno sta dalla parte delle cose e il segno più dalla parte dei concetti – ciò che è più astratto è in realtà il più concreto, ciò che è apparentemente più impalpabile è invece il più reale – quale sarà lo statuto delle immagini?
Dopo avere stabilito nel libro VI della Repubblica la gerarchia della conoscenza, secondo cui le immagini (eikasìa) e la facoltà immaginativa stanno al livello più basso, Platone torna nel libro X sull’argomento, parlando dell’imitazione come attività essenziale dell’arte. Gli esempi di cui si serve riguardano in particolare la pittura e la poesia, le quali vengono accusate qui non tanto o non solo di essere produttrici di realtà di terzo grado (essendo gli oggetti artistici copie di copie), ma soprattutto di risvegliare ed alimentare un certo elemento dell’anima che, così rinvigorito, rovinerebbe l’elemento razionale (605, b). Poco più avanti questo perturbamento dell’anima viene così chiarito:

“Simili effetti produce in noi l’imitazione poetica anche rispetto ai piaceri amorosi, alla collera e a tutti gli appetiti dolorosi e piacevoli dell’anima nostra, quelli che, come diciamo, accompagnano ogni nostra azione. Li fomenta e li nutre, mentre bisognerebbe disseccarli. Affida loro il governo delle nostre persone, mentre dovrebbero essi venire governati affinché potessimo diventare migliori e più felici anziché peggiori e più disgraziati” (606, d).

Insomma, la vera preoccupazione di Platone sembra qui essere di ordine psicologico, etico, esistenziale: le (troppe) immagini fanno male perché eccitano la nostra parte irrazionale, quella delle emozioni, delle passioni e dei desideri, e provocano disordine nel nostro equilibrio, e dunque anche nell’equilibrio politico e sociale (non dimentichiamo che è questo il filo conduttore della Repubblica).
Dopotutto si può anche pensare che il fondatore più organico della “scienza del vero” e il perfido inoculatore del “virus idealistico” fosse in realtà piuttosto ossessionato dal mondo delle immagini, visto che ne parla in continuazione: dall’allegoria della caverna (che ha anticipato il principio del cinema) all’uso fluviale dell’immaginario mitologico, dal conio di celebri metafore ai frequenti riferimenti ad artisti e poeti, sembra che le maledette copie di copie stiano sempre in agguato nell’opera platonica. Se solo l’idea è davvero reale, e le cose sono reali a metà perché ne sono copie sbiadite, come mai quelle ombre sbiaditissime che denominiamo immagini sono in realtà il meccanismo più potente della nostra mente?
La domanda sarebbe rimasta lì a campeggiare per aria per almeno duemila anni, fino a che Spinoza non la riaffronta di petto rispondendo come sappiamo, e come da qualche tempo sto cercando di argomentare su questo blog.

***

Fatta questa lunga premessa teorica, non possiamo esimerci dall’osservare che il tempo presente, epoca kat’exochèn delle immagini in tutte le salse, e figlio della cultura visivo-antropologica di cui siamo eredi (anche grazie alla visione eidetica platonica), riesce a far rimbalzare tale potenza in ogni angolo terracqueo e mentale grazie alla straordinaria potenza tecnologico-mediale dispiegata. Si tratta dunque di una potenza all’ennesima potenza. Mi domando allora se per caso non siamo definitivamente succubi delle immagini e se questo non abbia finito per pregiudicare la nostra capacità di giudizio, il raziocinare e l’argomentare in modo ordinato, stabilendo gerarchie e connessioni sensate tra i fatti e le idee, utilizzando in maniera appropriata i principi di realtà e di causalità – ben al di là del limite di pericolo paventato da Platone.
Proverò a questo punto ad esemplificare, tralasciando per il momento l’aspetto più abnorme e invasivo delle immagini, quello cioè della spettacolarizzazione fine a se stessa, per provare a farne emergere il lato più “razionale” e finalistico, l’uso volto ad uno scopo più o meno dichiarato. Che dovrebbe dunque far leva sui “sensi” per promuovere il “ragionamento”, ristabilendo se non una priorità dell’elemento razionale, per lo meno un maggior equilibrio. L’ipotesi di partenza è la seguente: l’esibizione immaginifica ha senz’altro uno scopo, che forse non potrebbe essere raggiunto solo con la parola, l’astrazione, l’argomentazione. Gli esempi che seguono sono sparsi, senza ordine e connessione alcuna.

1. L’anarchico e antimilitarista Ernst Friedrich scandalizzò il mondo con le sue fotografie sui campi della prima guerra mondiale, allo scopo di dichiarare guerra alla guerra. Il suo è un infinito urlo munchiano che risuona tra le scene macabre ritratte. C’era il celebre precedente dei Disastri della guerra di Goya, e forse si potrebbe disquisire se la rappresentazione mediata dell’acquaforte sia meno diretta ed efficace di quella più brutale della fotografia. D’altra parte un secolo separa i due autori tra di loro, e due secoli di “orrore visivo” il pubblico dell’epoca di Goya da quello di oggi.
Certo, se si pensa alla seconda guerra mondiale si potrà anche concludere che a nulla è servita la propaganda militante di Friedrich, e che lo scopo non è stato raggiunto nemmeno lontanamente – ma una goccia, seppure così corrosiva, non può nulla di fronte al conflagrare delle megamacchine umane.

2. Salto di palo in frasca. Pienamente esplicitato lo scopo della Procura di Napoli a proposito del video del killer camorrista ripreso lo scorso maggio al quartiere Sanità mentre svolgeva in tutta tranquillità il suo “lavoro”: il filmato shock (come si usa dire in questi casi) diffuso sulla rete e in TV era davvero agghiacciante, ma pare abbia raggiunto lo scopo, visto che il killer è stato catturato. Non sappiamo se sarebbe stato arrestato ugualmente prima o poi, ma soprattutto è impossibile determinare se quel filmato non abbia finito per creare ancora più danni nelle teste di chi lo ha visionato. Non abbiamo in tal senso un bugiardino da consultare che ci faccia l’elenco delle controindicazioni (ma questo vale anche per le migliaia di ore di TV-spazzatura, di pubblicità e di youtube visionati dagli ancor giovani nativi digitali).

3. Del resto l’uso onnipervasivo delle immagini di cronaca (nera o di guerra) è diventato il tratto caratteristico della nostra epoca, ben prima della diffusione massiva della rete, con quel crollo ripetuto (e dunque accaduto) infinite volte delle torri gemelle (anche se forse l’immagine più reiterata è quella dell’aereo che si schianta nel grattacielo), e la speculare esecuzione jihadista dei prigionieri occidentali, con teste mozzate e quant’altro.
(In Italia c’è forse una data originaria simbolica di questa china mediatica: vi ricordate del povero Alfredo Rampi caduto nel pozzo e dell’infinita diretta televisiva che ne seguì l’agonia? Era il giugno del 1981, quasi tre decenni or sono!).

4. Termino schizofrenicamente (che è poi tipico del convulso e compulsivo fluire delle immagini) con le fotografie terribili del corpo spezzato e deformato di Stefano Cucchi, ucciso in galera a forza di botte, immagini che ho veduto rapidamente una sola volta, ritraendo subito lo sguardo (chi vuole le cerchi, io non intendo più farlo). Davvero l’esposizione di quel corpo macilento induce insieme orrore e pietà – e il mio pensiero è corso ai corpi deformati di Egon Schiele. Che mi fa anche dire che la comunicazione orizzontale tra le immagini è più immediata, diretta e veloce di quella che corre tra i pensieri. Non il pensiero è la facoltà più fulminea, come pensava Lessing, ma l’immaginazione!

La domanda che sorge dopo questa disordinata esemplificazione potrebbe essere formulata così: perché c’è proprio bisogno di patire visivamente l’orrore per indignarsi? E, riformulata, così: non è che in questo modo, con un passaggio quasi solo emozionale dei messaggi prodotti dalle immagini, si tende a far fuori proprio il livello razionale (e dunque eventualmente risolutivo)?
Anche se la vera domanda è: perché esiste l’orrore?

From Hogarth's 'The Rake's Progress'

What is Freedom?

This is a topic on which Bahá’u’lláh challenges many of our (mostly Western) assumptions. One such challenge is particularly difficult and particularly important.

Say: True liberty consisteth in man’s submission unto My commandments, little as ye know it. . . . The liberty that profiteth you is to be found nowhere except in complete servitude unto God, the Eternal Truth. Whoso hath tasted of its sweetness will refuse to barter it for all the dominion of earth and heaven.

(Bahá’u'lláh: Synopsis & Codification of the Kitáb-i-Aqdas: 123-5)

From His perspective dignity depends upon curtailing our freedom in certain respects. Liberty, in the sense of licence, debases people and they lose their dignity: they need restraints to protect them from their own ignorance. From a spiritual point of view, the best restraints are God’s commandments and obedience to them is true liberty. Licence traps us in the coils of appetite: obedience to God frees us from debasing desires.

Of course, as Eric Reitan makes plain, we must take care that the God that we follow is ‘worthy of worship.’ Other posts on this blog have explored the relationship between our ideas of God and our ideas of good and the implications that relationship has for our conduct. I won’t rehearse them all again here.

Here is one of the paradoxes of spiritual growth. We are prone to licence and cannot transcend this tendency and achieve true freedom except through the power of Divine Assistance which will involve self-restraint.

For far too many of us in the West, for whom dignity has become more or less synonymous with virtually unbridled self-determination, this is an awkward pill to swallow. Depriving ourselves of its medicinal potency will however only make a bad situation worse.

I accept that a significant number of people would not agree that the pill of Divine Assistance, the afterlife and/or a specific religious faith needs  be swallowed at all. We are perfectly capable, many would argue, of improving ourselves and our society without it.

Robert Wright’s position on this is interesting. He writes:

Some people will take heart from the idea that to seek a personal salvation linked to social salvation is to align yourself with a cosmic purpose manifest in history, and some won’t (either because they don’t agree that the purpose is manifest or because they don’t care). But however you describe the linkage, whatever the nature of the incentive structure, the linkage will have to be made in a fair percentage of human beings around the world for it to work.

(The Evolution of God: page 441)

What should we use this kind of freedom for?

It is not only for our own benefit that we need to exercise restraint and cultivate virtues. We need to do this to improve society as a whole and build a better civilisation.

All men have been created to carry forward an ever-advancing civilization. The Almighty beareth Me witness: To act like the beasts of the field is unworthy of man. Those virtues that befit his dignity are forbearance, mercy, compassion and loving-kindness towards all the peoples and kindreds of the earth. Say: O friends! Drink your fill from this crystal stream that floweth through the heavenly grace of Him Who is the Lord of Names.

(Proclamation of Bahá’u'lláh)

Unity underpins all the benefits that accrue including the dignity of all.

The Blessed Beauty said: “All are the fruits of one tree and the leaves of one branch.” He likened the world of existence to one tree and all the souls to leaves, blossoms and fruits.  . . . Thus the friends of God . . . must purify their sight, and look upon mankind as the leaves, blossoms and fruits of the tree of creation, and must always be thinking of doing good to someone, of love, consideration, affection and assistance to somebody.

(‘Abdu’l-Bahá: Bahá’í World Faith)

This degree of unity, respect for the dignity of all human beings and perfect justice are interlinked.

When perfect justice reigns in every country of the Eastern and Western World, then will the earth become a place of beauty. The dignity and equality of every servant of God will be acknowledged; the ideal of the solidarity of the human race, the true brotherhood of man, will be realized; and the glorious light of the Sun of Truth will illumine the souls of all men.

(‘Abdu’l-Bahá: Paris Talks: 7th Principle)

Such a state of affairs will not arise of its own accord:

It is . . .  clear that the emergence of this natural sense of human dignity and honour is the result of education.

(‘Abdu’l-Bahá: The Secret of Divine Civilisation)

Virtue and the effort it entails need to be taught. A sense of dignity, other people’s and one’s own, is an essential part of what needs to be taught and will not develop without teaching.

Will this take long?

What implications have contemporary Bahá’í thinkers derived from these ideas?

There are many social evils antithetical to human dignity. Racism is one of the most pernicious. Achieving its eradication will not be simple, quick and effortless.

For too much of history, the evil of racism has violated human dignity. Its influence has retarded the development of its victims, corrupted its perpetrators and blighted human progress. Overcoming its devastating effects will thus require conscious, deliberate and sustained effort. Indeed, nothing short of genuine love, extreme patience, true humility and prayerful reflection will succeed in effacing its pernicious stain from human affairs. 

(BIC Document #01-0321, 2002, Page 2: Bahá’í International Community)

This statement could be applied unchanged with equal appropriateness and force to every corrupt attitude inimical to human dignity. It implies that solutions must be capable of crossing generational boundaries as well as those of class, gender and creed.

Education, then, emerges as an indispensable tool – a tool of active moral learning. To accomplish the broad objectives of ensuring the “full development of the human personality and the sense of its dignity” and promoting “understanding, tolerance and friendship among all nations, racial, ethnic or religious groups,” education must strive to develop an integrated set of human capabilities-intellectual, artistic, social, moral and spiritual.  There is no other way to raise up positive social actors who are builders of amity and agents of service and probity.

(Bahá’í International Community: Belief and Tolerance)

There are also powerful interactions to consider, not least between the individual and the society of which (s)he is a part.

As a consequence of the deep connection between individual and social well-being, programmes of education need to instill in every child a two-fold moral purpose. The first relates to the process of personal transformation – of intellectual, material and spiritual growth. The second concerns the complex challenge of transforming the structures and processes of society itself.

(Ibid.)

The link between these concepts and the idea of World Citizenship is very clear.

Meeting the challenge to the education system to promote responsible global citizenship, the Bahá’í concept of World Citizenship begins with an acceptance of the oneness of the human family and the inter-connectedness of the nations of “the earth, our home.” While it encourages a sane and legitimate patriotism, it also insists upon a wider loyalty, a love of humanity as a whole. It does not, however, imply abandonment of legitimate loyalties, the suppression of cultural diversity, the abolition of national autonomy, or the imposition of uniformity. Its hallmark is “unity in diversity.”

(U.K. Bahá’í Community: Community Cohesion: a Bahá’í Perspective)

True freedom is not the same as individualism

The Prosperity of Human Kind explores these issues deeply and is worth quoting at length though selectively. It begins on this issue by saying:

Justice is the one power that can translate the dawning consciousness of humanity’s oneness into a collective will through which the necessary structures of global community life can be confidently erected.

And develops this further:

At the group level, a concern for justice is the indispensable compass in collective decision making, because it is the only means by which unity of thought and action can be achieved. Far from encouraging the punitive spirit that has often masqueraded under its name in past ages, justice is the practical expression of awareness that, in the achievement of human progress, the interests of the individual and those of society are inextricably linked. (My emphasis)

And culminates in an insight of astonishing reach and of great relevance to the nurturing and protection of human dignity:

At the heart of the discussion of a strategy of social and economic development, therefore, lies the issue of human rights. The shaping of such a strategy calls for the promotion of human rights to be freed from the grip of the false dichotomies that have for so long held it hostage. Concern that each human being should enjoy the freedom of thought and action conducive to his or her personal growth does not justify devotion to the cult of individualism that so deeply corrupts many areas of contemporary life. Nor does concern to ensure the welfare of society as a whole require a deification of the state as the supposed source of humanity’s well-being.

Goya's 'El Tres de Mayo'

In short, the enthronement of either individualism or state supremacy inevitably devalues human rights and thereby human dignity.

Its summarizing sentence at the end of this particular passage is masterly:

Only in a consultative framework made possible by the consciousness of the organic unity of humankind can all aspects of the concern for human rights find legitimate and creative expression.

In other words, the consciousness of the organic unity of humankind makes true consultation possible: such consultation allows us properly and effectively to express a concern for human rights (and dignity).

Trusteeship

The section ends by discussing a central concept in Bahá’í spiritual administration – trusteeship – and extends its necessary application to the world as a whole.

Since the body of humankind is one and indivisible, each member of the race is born into the world as a trust of the whole. This trusteeship constitutes the moral foundation of most of the other rights – principally economic and social – which the instruments of the United Nations are attempting similarly to define. The security of the family and the home, the ownership of property, and the right to privacy are all implied in such a trusteeship. The obligations on the part of the community extend to the provision of employment, mental and physical health care, social security, fair wages, rest and recreation, and a host of other reasonable expectations on the part of the individual members of society.

Humanity dignity would be guaranteed in such a context. It is all but explicit that without it human dignity would not exist.

In Bahá’í discourse certain key concepts are connected and interdependent. These crucially include: unity, justice, submission to the Will of God, trusteeship, education, the individual, society, civilization, love, patience, consultation, human rights and human dignity.

It will be crucial to the well-being of future generations that as many of us as possible start or continue unpacking their implications without further delay and translating them as rapidly as possible into concerted and focused action.

Gestern Abend gings heiß her am Nollendorfplatz:  Körpernah, einer der führenden Dessousanbieter präsentierte im Goya seine aktuellen Kollektionen. Ob blond, rot oder brünett, superschlank oder üppig, die Kollektion zeigte wie Frau ihre Rundungen und Reize am Besten zur Geltung bringen kann.  Süß und verspielt oder sexy und verrucht, mit Federn oder Peitsche, es war mit Sicherheit für jeden ein passendes Dessous dabei . Zwischen den einzelnen Kollektions-Walks las die Synchronstimme von Carrie Bradshaw aus Sex and the City Passagen aus einem, naja sagen wir mal “Buch für Erwachsene” vor.

Weitere Bilder gibt hier

(all Photos by Toto)

Gestern Abend war ich im Goya auf der Körpernah Dessousmodenschau. Begleitet wurde die Modenschau von einer Lesung. Die Synchronstimme von Carrie aus Sex and the City rezitierte aus dem besagtem Werk.

alles weitere in meinem Fotostream auf Flickr

This is based on an earlier post but with additional favorites:

I am a huge art fanatic, dedicating as much time to it as writing and music. These aren’t new artists. They are the masters from the past who I’ve admired for years and years. My all-time favorites.

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Name: Henri Matisse

Country: France

Style: Fauvism, Modernism

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Name: Salvador Dali

Country: Spain

Style: Dadaism, Surrealism

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Name: Hieronymus Bosch

Country: Netherlands

Style: Renaissance

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Name: Rene Magritte

Country: Belgium

Style: Surrealism

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Name: Giorgio De Chirico

Country: Greek, Italy

Style: Surrealism

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Name: Diego Rivera

Country: Mexico

Style: Mexican Muralist, Social Realism

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Name: Paul Klee

Country: Germany, Swiss

Style: Expressionism, Surrealism

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Name: Edvard Munch

Country: Norway

Style: Expressionism

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Name: Pablo Picasso

Country: Spain

Style: Cubism

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Name: Rufino Tamayo

Country: Mexico

Style: Muralist, Mixografia

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Name: Wasily Kandinsky

Country: Russia

Style: Expressionism, Bauhaus

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Name: Franz Marc

Country: Germany

Style: Expressionism

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Name: Eugene Delacroix

Country: France

Style: Romanticism

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Name: David Alfaro Siqueiros

Country: Mexico

Style: Mexican Muralist, Social Realism

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Name: Marcel Duchamp

Country: France, U.S.

Style: Dadaism, Surrealism

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Name: Francisco Goya

Country: Mexico

Style: Romanticism

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Name: Juan Gris

Country: Spanish

Style: Cubism

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Name: Willem de Kooning

Country: Netherlands

Style: Abstract Expressionism

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Name: George Grosz

Country: Germany

Style: Dadaism, New Objectivity

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Name: Joan Miro

Country: Spain

Style: Dadaism, Surrealism

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Name: Paul Signac

Country: France

Style: Pointilism, Neo-Impressionism

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Name: Georges Rouault

Country: France

Style: Fauvism, Expressionism

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Name: Wilfredo Lam

Country: Cuba

Style: Modernism, Cubism, Surrealism

…

Name: Vincent Van Gogh

Country: Netherlands

Style: Post-Impressionism

El Museo Romántico fue una las joyas madrileñas que me descubrió Manolo, junto a la Fundación Lázaro Galdiano y al Museo Cerralbo, éste último también está actualmente cerrado por reformas.

Tuvimos la suerte de visitarlo antes de que cerrara durante nueve años. Recuerdo que en su momento comentamos que el contenido era excepcionalmente interesante, con importantes obras de arte y mobiliario,  pero que la museística estaba bastante antiguada.

Ahora va a abrir de nuevo sus puertas el próximo 3 de diciembre como Museo Nacional del Romanticismo, y por supuesto seré de los primeros en ir a visitarlo.

Y os recomiendo que hagáis lo mismo.

El anuncio se ha publicado hoy, viernes 20 de noviembre en El País, sección Madrid:

http://www.elpais.com/articulo/madrid/Romanticismo/llega/siglo/XXI/elpepuespmad/20091120elpmad_11/Tes

EL ROMANTICISMO LLEGA AL SIGLO XXI

EL PAÍS entra en el nuevo museo decimonónico, que abrirá sus puertas después de nueve años de reformas

Rafael Fraguas – Madrid – 20/11/2009

Tras nueve años cerrado a canto y lodo, en apenas unos días será posible en Madrid visitar un palacete lleno de encanto y sentarse después de recorrerlo en un sofá reluciente situado frente a una chimenea francesa. Y en un salón de paredes enteladas con tersos rasos, paladear suavemente un té para contemplar, mientras tanto, un magnolio centenario en el jardín recoleto de un céntrico, veterano y confortable caserón. El aroma de toda una época, la misma que impregnara la entraña más creativa del siglo XIX, permanece allí encapsulado en 26 magníficas salas, ahora reformadas y pulidas como jaspes. Ese aroma está listo para ser aspirado con delectación por los futuros visitantes del Museo Nacional del Romanticismo, heredero del Museo Romántico, que reabre al público sus puertas en la calle de San Mateo 13 el 3 de diciembre, a tres euros la entrada.

Ha permanecido cerrado a las visitas durante casi una década. Una reforma de siete millones de euros lo ha puesto a punto, en aplicación de un plan museológico ideado, ya en el año 2000, por Begoña Torres, historiadora del Arte, arqueóloga y directora de este centro madrileño cuya reapertura va a permitir a la ciudad reencontrarse con uno de los fragmentos más bellos, apasionados y cosmopolitas de su pasado.

“La idea central de la reforma ha consistido en renovar el museo ampliando su ámbito expresivo desde el meramente literario hasta el histórico, político, artístico y decorativo, para dar una visión de conjunto de tan rica etapa de la vida española”, explica Begoña Torres, que ha contado con el arquitecto Ginés Sánchez Hevia como responsable de la decoración, la iluminación y el ornato con propuestas que resuelven de modo elegante el abigarramiento de objetos propio de las casas de la época.

El Romanticismo, corriente ideológica noreuropea con hondo anclaje literario y que por primera vez en la historia confirió el protagonismo a la juventud, arraigó con fuerza en España y sembró Madrid de su espíritu transgresor y atribulado. El mismo que caracterizara al precursor del movimiento, el periodista y escritor emblema de su tiempo Mariano José de Larra, cuyo par de pistolines cachorros, uno de los cuales le causó la muerte, el museo exhibe con devoción en una sala a él dedicada.

Según Santiago Palomero, subdirector de Museos del Ministerio de Cultura, “la reforma acometida ha consistido en reubicar los ricos ajuares que el museo almacena con un relato riguroso y científico”, que se expresa en una nueva circulación interior más descriptiva de la que le atribuyó su fundador, el marqués de Vega Inclán.

Este emprendedor prócer, signado por la audacia y considerado pionero del turismo en España, decidió en 1920 recrear el universo romántico en el viejo palacio del marqués de Matallana. Se trata de un caserón edificado en 1776, cuya traza se debió al arquitecto Manuel Martín Rodríguez. De planta noble y dos alturas, con nueve ventanales y un amplio portón para carruajes adintelado con piedra, el visitante se adentra por él hacia un zaguán donde una escalera de majestuoso tempo le conduce a las salas de la morada, que reciben al visitante con la figura esculpida y pintada de Isabel II, la mujer que vertebra el relato e impregna buena parte de la iconografía del museo. Salones enfilados adentran la mirada al interior de sus estancias, que van descubriendo entelados en tonos dorados, rosas y verdes, revestidos de suntuosos lienzos de Francisco de Goya, o retratos de Federico de Madrazo y Vicente López, espejos de la burguesía romántica; obras de Valeriano Bécquer, con su cálido costumbrismo; pinturas de Leonardo Alenza o Antonio Esquivel, que reflejan la otra cara del Madrid de entonces, con sus escenarios sórdidos de jóvenes tísicos o suicidas inmolados por el ideal romántico.

En una de las antesalas que preludian el magnífico salón de baile luce el piano Pleyel de la reina Isabel, que dialoga con un pianoforte y otro de los denominados de jirafa en gabinetes cercanos; la sala de billar se ve jalonada por una galería de retratos femeninos que describe la evolución de los peinados de la época; el masculino fumoir, cuajado de ornamentación orientalista; un coqueto boudoir femenino; un comedor de magnífica vajilla; el dormitorio de los moradores del palacio con dosel y mullidos almohadones; el cuarto de los niños repleto de muñecas, hoy morbosas a nuestra mirada… Todo lo expuesto reconstruye fielmente aquella atmósfera llena de carácter y viveza, que invita a recrearse en su evocación saboreando una taza de té, frente a la chimenea, al amor de la lectura de un poema de Gustavo Adolfo Bécquer, ante un ventanal con cortinas damasco azul oscuro…

 Francisco Goya “La maja vestida”, 1800 circa. Madrid, Prado.

Francisco Goya “La maja desnuda”, 1800 circa. Madrid, Prado.

A quanto pare Manuel Godoy Álvarez de Faria Ríos Sánchez, onnipotente ministro di Carlo IV re di Spagna, odiato da tutti eccetto da coloro che non potevano permetterselo, si era fatto costruire nel suo gabinetto privato un dispositivo ingegnoso. Un ritratto di donna giacente, le braccia piegate sul cuscino e le mani unite dietro il capo, scorreva verticalmente in un recesso segreto e lasciava il posto a un ritratto analogo, medesima donna, ma senza indumento alcuno come una dea pagana. 

La donna sorride in entrambi casi al pittore, non un vero ammiccamento, sarebbe stato troppo volgare, piuttosto una amabile e quieta sicurezza di sè, una ilarità trattenuta e complice. Il pittore Francisco Goya, afflitto da deprimente sordità, dopo aver impartito le istruzioni necessarie alla modella, si suppone amante del ministro, deve essersi concentrato sulla sua opera limitando al minimo la conversazione. Ha certamente come riferimento la Venere d’Urbino e Gli Andrii di Tiziano nonché la Venere allo specchio di Velasquez. È consapevole dell’assoluta eccezionalità della commissione (si tratta per quel che ne sappiamo del primo nudo femminile non giustificabile da pretesti mitologici) e quindi decide di interpretare il tema in modo assolutamente nuovo: annulla ogni indizio ambientale,scompare persino la cortina che nei dipinti dei due maestri incornicia parzialmente il nudo, rivela in modo chiaro il soffice giaciglio sul quale è distesa la donna. La luce è diversa nei due dipinti: calda nella Maja vestida, più fredda nella Maja desnuda. Il ministro non godette a lungo delle gioie della “visione doppia” in quanto una rivolta popolare e Napoleone in persona lo costrinsero all’esilio nel 1808. Goya pagò caro l’aver dipinto l’amante di Godoy, Pepita Tudò: nel 1815 fu chiamato in giudizio dalla temibile Inquisizione che gli chiedeva se riconosceva come opere sue i due quadri, il motivo per cui li aveva dipinti, chi lo aveva incaricato, chi fosse il soggetto e per quale fine avesse prestato l’opera sua. Si salvò per la provvidenziale intercessione di un cardinale.

Associo a questo intervento due clips reperite su YouTube: la prima si riferisce al film “L’ultimo inquisitore” di Milos Forman, la seconda riguarda un’esecuzione di Andres Segovia di un’opera del compositore Granados ispirata a Goya.