What you need to understand is I have nothing against naked men. But if they are going to be running around a theater with everything bouncing and boinging I really insist that there be a damn good reason, especially if the show uses, you should pardon the expression, a thrust stage.

My engineer friend liked the idea of using some theater gift certificates in his possession to go to a show on my birthday, so he let me pick the play. As it happened, a local company was accepting the tickets for a production of Franz Wedekind’s Lulu. I first saw this performed in my undergraduate days; it’s a lurid farce that stumbles into bathetic tragedy, a little gem of post-Victorian prurience in which the amoral femme fatale either pays the price of her depravity or suffers the projections of the men she exploits, depending on your perspective. I expected ripsnorting, self-satirizing hyperbolic melodrama, which can be fun if it’s done right, but I really was not expecting Jack the Ripper to lose his Fruit Of The Looms.

I should backpedal a little bit. You see, what happens is, after going through three or four husbands and a couple of fortunes, Lulu, the adventuress who has risen from the streets, finds herself right back on them, occupying shabby digs in London’s East End with a ragtag entourage that includes her last amour, her putative father (a parasite and tosspot), and a lesbian Countess who worships the ground Lulu walks on. They haven’t a groat between them so Lulu goes out to pick up men, bringing home in succession a missionary Reverend, a bewildered sailor and, for the grand finale, Jack, who engages her in some vaguely existential mind games before dismembering her, offstage, during a bathetic and besotted soliloquy by the Countess Geschwitz.

If this is done right it can be a jimdandy of its kind; in my college production, Jack was played by one of the drama professors, who clearly relished the opportunity to inflict a slashing death on a couple of his advisees (Geschwitz is almost an afterthought). The Washington Shakespeare Company, for some reason, felt the need not only to send Jack careening bollocky naked around the stage, liberally smeared with unconvincing stage blood, but to supply him with a handful of what I think were giblets (it is the Thanksgiving season).

Don’t get me wrong. I am actually one of those people who knows more than you want to know about the Ripper murders and can tell you details like which kidney was removed from one of the victims and how the last woman he killed was found and at what address in East London. But there is nothing in the Wedekind play that is improved by the addition of giblets. I gather the script was revised numerous times by the author (in an early version, the Ripper leaves with a newspaper packet which clearly harbors grisly contents) and I suspect modern companies feel free to “interpret” what he “wanted to say but couldn’t.”

Feh, I say.

I mean, these are the people that brought us Macbeth without a stitch of clothing. I should have been more circumspect (or, as my late and ex used to say in such context, circumcise. Um.)  Actually it seems as if you can’t snap a program in Arlington these days without grazing someone’s nutsack. If that’s what I’m after I will cut right to the chase.

Monday night was typical Small Beast – gauche as it may seem to review the same event week after week, the simple fact is that this is the best regular rock night in New York. Maybe the world. And it’s free. As usual (last week was an exception), Botanica frontman Paul Wallfisch opened the night solo on piano. He’s the kind of player who is frequently at his best as a response to some kind of adversity, in other words, when he has something to transcend. Last night, by contrast, he was clearly in a good mood, a welcome opportunity for the crowd of cognoscenti to hear some of his warmer, slightly more carefree, gospel-flavored material: the title track to Botanica’s forthcoming album; the hypnotic Beauty Is; a version of the Paul Bowles lyric Etiquette, which he’d set to an aptly pensive tune; a noir cabaret number by Baby Dee; a typically jaunty version of Leonard Cohen’s I’m Your Man and an absolutely psychedelic Ray Davies cover on which he was joined by the evening’s next act, cellist Julia Kent.

Yet another reason why Small Beast is so cool is how effortlessly it’s balanced in terms of gender: women have been the stars lately and this evening continued that trend. Kent – who did time in Rasputina and has an exhaustive symphony orchestra and chamber music background – is a first-class composer in her own right, playing a hypnotic set of expansive originals. Typically, she’d pluck out a playful bassline and then loop it, adding layer after layer of frequently haunting ambience over it much as the Quavers do live. To do this is far more complicated than it seems – your timing has to be spot-on, and Kent’s was. The effect was riveting and frequently cinematic. Moving from trippy, echoey and atmospheric to stark and haunting, she evoked composers as diverse as Jenny Scheinman and Shostakovich. The best piece of the night grew strikingly darker as its second movement kicked in; her final number layered squalling insistence over swaying, casually pretty arpeggios.

Then Carol Lipnik and her longtime cohort, pianist Dred Scott – whose Tuesday midnight shows at Rockwood Music Hall have become the stuff of legend – took the stage and took the volume up a notch. With her spectacular four-octave range, Lipnik barely requires amplification, and this time out she’d brought along a reverb pedal that she used to give her big crescendos even more firepower. As expected, the audience was rapt. Scott didn’t waste a note as he moved from the noir swing of The Last Dance, through the macabre tango pulse of When I Was a Mermaid, the playfully minimalist psychedelicism of You’re My Firefly and the hauntingly plainspoken sympathy-for-the-freak narrative Two-Headed Cow. Lipnik moved and swayed effortlessly from a wail to a devious smirk to what sounded like a wildly phasing human theremin. As one knowledgeable member of the crowd was quick to discern, wherever Lipnik was, she was invariably in the moment. Lipnik’s collaborations with Scott and also with John Kelly are ongoing – watch this space for updates. It would have been fun to stick around and see what the next act, violinist Rebecca Cherry and her nine-piece band had up their collective sleeves, but the F train was about to turn into a pumpkin and that’s no way to get home.

by Ramses Flores – Collider.com

Brad Anderson (”Session 9″, “The Machinist”) has now signed on to direct the filmed adaptation of the graphic novel “The Living and the Dead”.  The graphic novel by Robert Tinnell and Todd Livingston started off as a screenplay before turning into a comic and has now been revisited by the two creators with the news of Anderson coming on board.  You can get all of the details when you click on the jump.

In their exclusive report, Comics2film at Mania.com reports that the 2005 graphic novel focuses on a monstrous character who “engages in the nineteenth-century version of snuff theater, luring innocent people in a Grand Guignol of flesh and blood.”  In all fairness, they didn’t have reality TV in the 19th century. The story sounds pretty pulpy, Gothic, and Hammeresque to me and knowing that Anderson is going to be behind the camera makes me think that this could be pretty great.

I really like Anderson’s films mainly because of his direction.  I think that he’s outstanding at creating a certain mood or atmosphere and it seems like I’m not the only one who thinks so because Tinnell is quoted as saying: “Obviously he’s a storyteller, and obviously he knows how to build tension, but what I also like is that when you watch his movies you really feel like you’re inhabiting the space.”

It’s still unclear when Anderson will start production on “The Living and the Dead” since he is currently attached to direct “Vanishing on 7th Street” which starts production this month.

Amazon Specials!

Blut, Sperma, Klitoris.

Es gab Zeiten, da wäre Lars von Trier für einen Film wie diesen aus Cannes nicht ohne die Goldene Palme nach Hause gegangen. 1990 etwa, als die Jury für einen schicken Festivalskandal sorgte, weil sie David Lynchs Gewaltmärchen „Wild at Heart“ auszeichnete und dabei vorab genau wußte, wie kontrovers diese Entscheidung aufgenommen werden würde. Seit Mitte der 90er hat sich die Provokationsbereitschaft an der Croisette jedoch merklich gelegt, und so konnte man zwar das allgemeine Entsetzen, das deutliche Spuren in den leichenblassen Gesichtern mancher Premierenbesucher hinterlassen hatte, unmöglich ignorieren (verstärkt durch eine Pressekonferenz, in der so mancher Teilnehmer fast die guten Manieren vergaß), wollte sich aber doch nicht wirklich hinter einen Film stellen, der ganz offensichtlich Gefallen daran hat, mit der Selbstzweckhaftigkeit expliziter Gewaltdarstellung zum Bürgerschreck zu werden. Also zog man sich mehr oder weniger elegant aus der Affäre, erklärte Charlotte Gainsbourg zur besten Darstellerin und war noch einmal mit dem Schreck davongekommen. Dabei hat von Triers Horrortrip ausgerechnet mit Lynchs leicht entflammbarer Liebesgeschichte eine ganze Menge gemein – und schaut man genauer hin, könnte man gar meinen, beide Filme entstammten demselben Uterus.

Was sich sonst noch so im Unterleibsbereich abspielt, wird bei von Trier ausführlich gezeigt, verletzt, missbraucht, verstümmelt und allegorisiert. Dass er dabei ein Stück Pornografie in den Arthousefilm hinüberrettet, ist vielleicht auch eine Art Trotzreaktion auf das unfeiwillige Ende einer experimentellen Phase seiner Produktionsfirma Zentropa, während der er echte Hardcorebeiträge wie „Pink Prison“ oder „All about Anna“ auf den Markt schmiss, und damit nicht nur für Aufsehen sorgte, sondern auch die Legalsierung des Genres in Norwegen auslöste. Bereits 1998 hatte er in „Idioten / Idioteme“ mit unsimulierter Vaginalpenetration und einer sichtbaren Erektion für Aufruhr gesorgt. Gleich in den ersten (atemberaubenden) Einstellungen von „Antichrist“ vereint er beides in Großaufnahme, ganz so, als wolle er all den damaligen Diskussionen und Zensurmaßnahmen (bis hin zur gepixelten TV-Ausstrahlung) ein Jahrzehnt später noch einmal klarmachen, wie wenig ihn all das Gerede schert, und er eben macht, was er will.

Überhaupt gehört diese Haltung zum Grundprinzip dieses Films. Autor und Regisseur in Personalunion entscheiden, was es zu sehen gibt, wie groß, wie detailliert, wie blutig und schockierend. Ganz einfach. Nicht, dass von Trier das jemals anders gehalten hätte. Hier jedoch setzt er neben einigen gewohnten Eigenheiten zusätzlich noch ganz massiv auf grafische Gewalt, und das nicht gerade mit sonderlicher Bescheidenheit. Das Schöne für einen Berufsprovokateur wie ihn ist dabei, dass er weiß, auf welches Publikum er trifft, und wie sehr der Skandal damit vorprogrammiert ist. Sein Plan ging selbstredend voll auf. In Cannes sackten die ersten ohnmächtig in den Sesseln zusammen, und wer sich das Vergnügen bereiten will, den Film in einem gut besetzten Arthouse-Kino anzusehen, sollte nicht verpassen, sich in drastischen Momenten immer mal wieder umzuschauen und zu beobachten, wie so mancher damit kämpfen muss, nicht den Saal zu verlassen.

Für ein mit allen Wassern gewaschenes Genre-Publikum ist „Antichrist“ natürlich nur eine harmlose Spielerei, die neben manchen aktuellen Auswüchsen der Folterpornowelle (gerade verweigerten die britischen Zensurbehörden der japanischen Blutorgie „Grotesque“ mit guten Argumenten jegliches Aufführungsrecht) praktisch wie gediegene Familienunterhaltung wirkt. Aber die Kulturbeflissenen, die diskursbesessenen Caféhaus-Intellektuellen, die Ehepaare mittleren Alters, die zwischen Museum und modernem Regietheater bildungsbürgerlich über den dänischen Filmemacher schwadronieren – sie alle stößt „Antichrist“ vor den Kopf und sagt in etwa: „Ihr hattet es ja sehen wollen, jetzt müsst ihr es auch aushalten.“ Liest man die Danksagungen an all die Landräte und Gemeindevorstände in den End Credits (gedreht wurde der Fördergelder wegen – und laut Filmemacher ausschließlich aus diesem Grund – im Bergischen Land bei Köln), darf man das geradezu als Unverschämtheit empfinden – denn dass die Betreffenden ihre Unterstützung für einen Film leisteten, der die heimatlichen Wälder nicht nur zum Hort des absolut Bösen erklärt, sondern zudem wie selbstverständlich grausamste körperliche Misshandlungen in Großaufnahme zeigt, wird nicht gerade zu ihrer Beliebtheit beim Wähler und im Vereinsheim beitragen. Wie sich von Trier angesichts der Vorstellung all der schockierten Gesichter bereits im Vorhinein laut lachend den Bauch gehalten hat, kann man sich an fünf Fingern abzählen.

Lässt man all diese offensichtlichen Provokationen beiseite, ist „Antichrist“ das Verstörendste, Faszinierendste und Hypnotischste, was es dieses Jahr bisher auf der Leinwand zu sehen gab: Ein namenloses Ehepaar verliert den gemeinsamen Sohn auf denkbar grausame Weise. Die Frau (Gainsbourg) fällt in eine tiefe Depression aus Trauer und Schuldgefühlen. Der Mann (Willem Dafoe), ein Psychiater, beschließt, sie auf eigene Faust zu therapieren und bezieht mit ihr eine abgelegene Waldhütte, die offenbar eine wichtige Rolle im Heilungsprozess spielt. Doch seine Erfolge erweisen sich schnell als oberflächlich. Je tiefer beide in die Abgründe der Frau eintauchen, desto irrationaler wird auch das Setting um sie herum. Visionen, sprechende Tiere und beunruhigende Erkenntnisse über die Vergangenheit lassen die Konstellation der beiden mehr und mehr zu einem schleichenden Höllentrip werden. Nichts jedoch lässt erahnen, mit welcher Wucht die Macht des Irrationalen am Schluss über den Figuren einbrechen wird.

Immer gerne benutzt von Trier das Genrekino als Spielball für seine eigenen filmischen Experimente. Doch im Gegensatz etwa zu seinem diesjährigen Cannes-Kontrahenten Michael Haneke gebraucht er die Form nicht, um sie selber ad absurdum und dem Zuschauer die eigene Manipulierbarkeit vor Augen zu führen. Von Trier nimmt das Genre ernst, weitet aber dessen Tragfähigkeit nach innen aus (wer wissen will, was das heißt, muss nur einen Blick darauf werfen, wie sich „Dancer in the Dark“ die Spielarten des klassischen Hollywood-Musicals zunutzen macht). „Antichrist“ balanciert dabei ziemlich sicher über ein straff gespanntes Drahtseil aus Ingmar Bergman, Stephen King und Grand Guignol.

Dass King und von Trier mehr gemeinsam haben, als man zunächst vermuten würde, zeigte vor ein paar Jahren „Kingdom Hospital“, das US-Remake der Miniserie „Ridget“, für das der Horrorautor aus Maine verantwortlich zeichnete und der Vorlage über weite Strecken erstaunlich treu blieb. Von Trier outete sich als großer Fan und überließ King nur zu gerne die Rechte. Im Gegenzug bedient er sich jetzt im Motivwald des amerikanischen Seelenverwandten. Vom Tod des Kindes, der Ungeheuerliches ins Leben ruft, das seine Heimat in den Wäldern hat („Pet Sematary“) über den schleichenden Wahnsinn, der unerkannt längst die Herrschaft übernommen hat („Shining“) bis zu grausigsten Maßnahmen gegen die Verlustangst („Mysery“) lässt sich bei von Trier jede Menge wiederfinden, das ohne Umweg direkt aus archetypischen King-Fantasien stammt.

In äußerster Depression hätte er das Drehbuch verfasst, besessen von Strindberg und mit der festen Vorgabe, nichts, was einmal auf dem Papier war, wieder zu streichen. Das kann man glauben oder auch nicht, denn bei von Trier weiß man nie, welche seiner Aussagen in bester Orson-Welles-Manier schlichtweg frei erfunden sind. Für eine Promotion-Aufnahme zum Film ließ er sich jedenfalls unverkennbar in Hitchcock-Pose fotografieren, die schwarze Krähe jedoch nicht auf der Schulter, sondern tot am Boden liegend. Das Tier mag dabei zwar den oberflächlichen Bezug herstellen, näher als an der Klaustrophobie von „The Birds“ ist „Antichrist“ jedoch an den Machtkonstellationen von „Marnie“. Während dort Sean Connerys Figur sexuelle Erregung daraus bezieht, die psychotische Tippi Hedren zu therapieren, und deren verweigernde Haltung mal eben mit einer Vergewaltigung auf dem Ehebett bestraft, markiert Willem Dafoes Charakter das genaue Gegenteil. Sex und Therapie stehen sich gegenseitig im Weg, und so ist es hier die Frau, die den Mann vergewaltigt.

Überhaupt dienen die Geschlechterrollen bei von Trier in gleichen Maß zur Parodie wie zur Überhöhung. Ratio (Mann) und Uterus (Frau) können auf archaischem Boden (dem Wald mit dem geradezu absurd allegorischen Namen „Eden“) nur getrennt überleben, denn der Mann geht nicht auf die Jagd (sondern dringt in die Psyche der Frau ein), und die Frau sorgt nicht für den Nachwuchs (sondern macht in vielerlei Hinsicht das genaue Gegenteil). Eine solche Konstellation kann nur in Gewalt münden, und dass diese ihren Ursprung im Geschlechsakt hat, gehört eben zur Natur des Sündenfalls. Das Chaos regiert.

Artikel © 2009 Thomas Lenz. Alle Rechte vorbehalten.
Filmplakat / Fotos: MFA+ FilmDistribution e.K.

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- Martyrs – 2009 – ♥♥♥ -

di

Pascal Laugier

Come interpretare il punto di arrivo di un horror fuorviante come questo? Probabilmente non è fatto per essere interpretato ma creato solamente per essere subito dallo spettatore in maniera passiva e inerme. Il regista Laugier afferma che nel suo film ha voluto studiare l’ essenza del male. Ma ciò che appare arrivando in fondo a questa sua opera è una sensazione di gratuita mostra grand-guignol senza un suo vero scopo. Se da questa critica però si esclude la tecnica narrativa, che è sicuramente più che encomiabile per un genere cinematografico come l’ Horror, se ne riescono sicuramente a trovare molti punti di forza. Sicuramente uno tra tutti è l’incipit del film che disorienta lo spettatore facendogli credere dopo una buona mezz’ ora che si tratta del solito film con la ragazza fantasma (in stile The Ring o The Grudge). La narrazione è suddivisa in tre parti. In una prima parte lo spettatore rimane quasi interdetto dai ritmi serrati della vendetta di Lucie (Mylène Jampanoï) che con in braccio un fucile a pompa annienta un’ intera famiglia pseudo-felice. Tutta la sequenza della mattanza familiare è compiuta rigorosamente con telecamera a mano quasi a voler coinvolgere lo spettatore all’ interno di quello spettacolo di orrore. Quando tutto questo finisce Laugier ci stravolge il tutto cambiando anche la protagonista che diventa l’amica Anna (Morjana Alaoui). Le angosce e le paure di Anna diventano protagoniste del film e la portano ad indagare su cosa si cela dietro quell’ apparente tranquillità di quella casa. Il tutto finisce in un terzo atto dai ritmi meno frenetici e contraddistinto da riprese fisse ma da differenti angolazioni. Tutte sono però segnate dall’ orrore delle punizioni corporali che vengono inflitte ad Anna fino ad un epilogo che sembra voler spiegare il tutto in maniera mistico-religiosa ma che lascia comunque aperta la porta del dubbio nello spettatore. Come d’altra parte ogni horror si propone di fare. Quel che però è veramente innovativo in questo horror è la sua ideologia. Perchè non appena ci si accorge del vero fulcro narrativo si scopre che è l’ideologia del martire ad essere il vero elemento di terrore in Martyrs. Utilizzando il corpo della donna come mezzo di espressione di sofferenza e di resistenza alle torture Laugier ci narra lucidamente ma terribilmente la filosofia del martirio. L’ ideologia di chi crede attraverso la sofferenza di trovare le risposte all’ aldilà o agli enigmi dell’ uomo. E tutto ciò non può che risultare estremamente contemporaneo in un’ epoca nella quale le torture non sembrano in alcuni paesi essere ancora del tutto debellate come metodo per estorcere un qualsiasi tipo di verità. E la risposta arriva appunto attraverso la creazione di Martiri, dal greco marturos (“testimone”). Esseri umani in grado di andare oltre la dimensione del dolore e della morte e assistere con occhi sempre vivi all’ aldilà grazie alla trasfigurazione. Sicuramente un film audace quello di Laugier che qui in Italia nessuno avrebbe il coraggio di generare, perbenisti e criticoni nei confronti di ogni tipo di violenza gratuita sullo schermo. In compenso poi sfoghiamo tale repressione con i filmati violenti su youtube o internet. Almeno questo di Laugier è cinema.

( Sarà l' ennesimo horror con la ragazza fantasma?)

( O assisteremo impotenti alle torture su Anna??)

Gaston Leroux – The Phantom Of The Opera [#34]  (Sphere, 1975)

“This story, translated from the French, of Gaston Leroux is the most famous of all tales of the occult written by French authors, and holds a high place in fiction of that type by authors of all nationalities. …. The story is packed with strange, apparently inexplicable happenings, mad desire, torture, murder and a suspense that cannot fail to grip the reader.”

- From Dennis Wheatley’s introduction.

The Phantom Of The Opera is Volume 34 in the Dennis Wheatley Library of the Occult

Il faut vraiment qu’on arrête de faire des concerts, en tous cas moi je dois vraiment arrêter. Je ne sais pas depuis combien de temps j’ai organisé un concert avec plus de 25 personnes… Je crois qu’en fait ce n’est d’une part plus du tout mon truc et plus du tout en phase avec ce que veulent voir les gens. Je pense aussi que d’être parti sans partir, enfin tout du moins en passant une grosse partie de mon temps toute l’année dernière entre Bruxelles et je-ne-sais-où en tournée, j’ai perdu une grande partie de l’intérêt que portaient les gens à nos activités en tant qu’S.K… Les concerts foireux que j’ai pu faire pendant toute cette période creuse n’ont pas franchement été couronnés de succès: C et DEVEROVA CHYBA (réhaussé d’une petite amande d’affichage sauvage bien sentie), J’M'EN FOUS et VIALKA au salon du grrrnd zero et maintenant un truc qui était quand même sensé être une soirée de “soutien” puisque tout le monde avait accepté de jouer gratos pour nous à GRAND GUIGNOL un vendredi soir, une chouette affiche, AGATHE MAX, K.R.K, et deux potes de Loïc de la librairie, Fabrice Favriou et Tô Tilly. On était 6. C’était quand même très très triste et décevant. Le concert était hyper bien mais ça m’a quand même fait pas mal frissonner derrière mon bar de fortune dans la petite cave humide emplie de larsens et d’yeux fermés par les déflagrations sonores. Il y en aura peut être d’autres mais franchement je préfère essayer de ne plus JAMAIS en faire en gardant à l’esprit que je n’y arriverai jamais et que je me sentirai encore obligé d’en caser un ou deux par-ci par là…
Sans amertume je me dis que quand même la scène a changé. J’ai mis du temps à m’en rendre compte. Déni? Autruche? Trop occupé la tête dans le guidon? Trop pris par l’esprit de contradiction vis à vis de ceux qui me répetaient d’ouvrir les yeux et que la réalité de cette scène n’éxistait plus que dans mes rêves? Je ne sais pas mais bizarrement je me rends compte aujourd’hui après avoir passé un an à aller voir presque tous les concerts de grrrnd zero en me croyant toujours à ma place, chez moi, que j’en ai détesté la plupart.

*NOT FOR CHILDREN.

WHO IS GUIGNOL? The beloved Guignol puppet of Lyon, France was born in puppet plays featuring Polichinelle, the French version of the Commedia Dell’Arte’s low-brow character, Pulchinello. The Guignol puppet was added in 1808 by a dentist of Lyon, France who had begun performing the puppet plays to allay the fears of patients. In England, Pulchinello became Punch of the Punch & Judy show, who is also featured in our show.This GRAND GUIGNOL CHILDREN’S SHOW NOT FOR CHILDREN presents classic folk tales in their darkest forms: Little Red Riding Hood: a Horror Play, Hansel and Gretel: a Horror Play, The Ugly Duckling: a Melodrama Ballet, and Rapunzel: an Erotic Thriller by French finger puppets.  We also offer a pre-show absinthe presentation and tasting.  Masks, birthday cake, over the top dance numbers, puppets, and a lot of blood.  And a little boob. The show is not appropriate for children.

WHAT IS GRAND GUIGNOL? The Théâtre du Grand Guignol in Paris (1897-1962) achieved a legendary reputation for explicit violence, blood-curdling terror, so that a resident doctor was needed onsite to treat fainting spectators. A performance at the Grand Guignol strove to terrify and titillate the spectator through a mixture of horror, laughter and the erotic. A typical evening’s entertainment exploited the contemporary audience’s fears, taboos and desires.  The name Grand Guignol is a play on the “big puppet” show, both in size and for ‘big people.’  Known as an “evening of hot and cold showers” the performance alternated farce and horror plays.
 
BACKGROUND FOLK TALES: The origin of folk tales, such as Little Red Riding Hood and Hansel and Gretel varies greatly, as they were passed down orally. There is no single original version, source nor meaning of these stories, rather they vary by culture and era.  In the late 17th Century, Charles Perrault, French courtier to Louis XIV, first published folk tales, sanitizing the darker bawdier oral versions, making them more palatable for his salon peers and adding his own moral messages. A century later, the Grimm Brothers collected and also published the folk tales for academic purposes, then later, seeing the marketing value, adapted them for children. Contemporary versions are often even less violent and less sexual. But certain essential elements remain the same among centuries and continents, making them a fascinating and powerful expression of the human psyche and an appropriate match for the Grand Guignol.

 Pre-sale tickets are HIGHLY recommended – www.brownpapertickets.com or for more info go to:
www.grandguignolers.com.

WHERE:  Art/Works Theatre * 6569 Santa Monica Blvd. * Los Angeles, CA 90038.  
 
DATES: Dec. 5 – Jan. 10. 2009 Fri/Saturdays at 8:30 (except 12/26), with two Thur. (12/18 & 1/8)
and two Pay What You Can Sun. (12/28 & 1/4) at 7pm.* Pre-Show Absinthe Demo about 1/2 hour early *
* grown up drinks & absinthe *  SUGGESTED DRESS: Cocktail, Birthday Party and/or 1920s-30s.  
 TICKETS:  $20-30

I’m sure that the U.S.’s little puppets in Australia and Canada were simply reading from a script that was faxed to them by Le Grand Guignol in Washington. It was more face-saving to have that guy Lippert resign over plagiarism than admit they get their orders from la maison de blanchissage (or lose their shirts.)

Harper was stoolie already. People have probably already forgotten that Chretien was the PM back then and did not back the Irak invasion. He resigned in Dec 03. Martin took over and shortly after the waters of the ’sponsorship scandal’ broke and everything sloshed around in that for a couple of years before the liberals eventually drowned themselves. In 2006 Canada experienced breech birth of Harper and his Conservatives delivered by Drs. Bush & Cheney.

Delle persone vanno in un vecchio ospedale di Genova, a fare visita ad un loro congiunto, immobilizzato e con piaghe da decubito.  Orrore : per la terza volta in pochi giorni, lo trovano ricoperto di formiche, particolarmente numerose, a loro dire, nelle piaghe stesse. Il commento della direttrice del nosocomio : “Sono state rinvenute solo alcune formiche vive nel letto, ed altre morte nel materasso.”. E che altro dovevano trovare, un avvoltoio appollaiato sulla testiera con il becco affondato nelle viscere del tapino ? Se hanno trovato poche formiche, magari questi era di buon appetito… (v. la saga di entomofagia).

(Notizia da Repubblica)

“Dopo aver decapitato la moglie, un uomo è andato in giro per il paese mostrando la testa mozzata. E’ successo a Vouvoulos, un villaggio dell’isola greca di Santorini. Quando la polizia, avvertita dagli sbigottiti compaesani, ha cercato di arrestarlo, l’uomp, che ha 35 anni e in passato è stato ricoverato in un ospedale psichiatrico, ha minacciato gli agenti con lo stesso coltello col quale poco prima aveva ucciso e decapitato la consorte.”.

(Repubblica)

It would be nice to be able to say that “SAW V”  is a revolting, nerve-racking trip into the cesspool of the human imagination, since that seems to be the point of this undying horror franchise. Sadly, the latest and least of the “SAW”  films is just plain boring and even a little tame — albeit by the standards of a genre that helped bring the phrase “torture porn” into the lexicon.

Directed by David Hackl from a screenplay by Patrick Melton and Marcus Dunstan, “Saw V” makes the fatal mistake of taking itself way too seriously. Like a once-popular TV show that degenerates, in its final season, into self-involved soul-searching of interest only to the most devoted, trivia-obsessed fans, the movie seems to think that people care about the “Saw” mythos, as opposed to the “Saw” method of preposterously baroque killing for kicks.

Picking up where its predecessor left off, the new film devotes most of its time and energy to a pair of the dullest characters in the history of horror: the law enforcement agents Hoffman (Costas Mandylor) and Strahm (Scott Patterson). Having survived the shenanigans of the psycho known as Jigsaw, they now find themselves enmeshed in the antics of a laughably convoluted plot that skips back and forth in time, trying to piece together who did what, when and why. The only question really worth asking here: Who cares?

“Saw V” is rated R (Under 17 requires accompanying parent or adult guardian). It includes violence.

SAW V

Opened on Friday nationwide.

Directed by David Hackl; written by Patrick Melton and Marcus Dunstan; director of photography, David A. Armstrong; edited by Kevin Greutert; music by Charlie Clouser; production designer, Tony Ianni; produced by Greg Hoffman, Oren Koules and Mark Burg; released by Lionsgate. Running time: 1 hour 39 minutes.

WITH: Tobin Bell (Jigsaw), Costas Mandylor (Hoffman), Scott Patterson (Agent Strahm), Betsy Russell (Jill), Mark Rolston (Erickson), Julie Benz (Brit) and Meagan Good (Luba).