The motor car is a symbol of modern industrial society and of modernity in general.

The central element of Grupo Galpão’s set for their Brazilian Portuguese production of Romeo and Juliet constituted a wholesale subversion of that symbolism.

A silver Volvo estate stood covered with painted flowers and plant pots. Long poles bearing parasols arced from a platform on its roof. The bonnet was covered by a platform on which stood a step ladder also topped with a parasol. The edge of the stage was decorated with small potted plants linked by an arc of powdery white flour.

The dream-like world evoked by the set was enhanced by the gently lilting music played by the cast as they entered through the yard.

Unlike the bombastic drumming and loud noise at the start of many other Globe to Globe productions, this performance began with a combination of carnival and lullaby, played on flute, drum, guitar, accordion and saxophone.

The audience was being floated into the world the play, which, as the flower-festooned car already suggested, was a kinder and softer one than the congested streets of London beyond the theatre.

All the cast had clownish faces: the lower part of the face was painted white with a red streak across the face over the nose. Only Mercutio (Rodolfo Vaz) had an actual clown nose because of the particular nature of his character, which he only removed shortly before dying.

An element of darkness was, however, present in this garden of innocence. The chalk outlines of two dead bodies were marked at the front of the stage. Just behind them were two pots containing crude wooden crosses carved with the names of Romeo and Juliet.

The performance lasted one hour and forty-five minutes with no interval, enabling the production’s ambiance to be maintained without interruption. Several characters were cut including the Montague parents and Paris. Their contributions to the plot were handled by narration.

Grupo Galpão had been touring this production since the 1990s with a virtually unchanged cast, meaning that Romeo was beginning to grey slightly. But that added an antique charm to what was already a very whimsical theatrical experience.

The figure of Shakespeare acted as narrator, spending much of the time on top of a stepladder perched on the car’s bonnet platform. He explained the history of the feud between the Montague and Capulet families, which was acted out around the car in a mock gun fight, ending with the Nurse (Teuda Bara) shooting a lot of Montagues dead.

As if enough frivolity had not already been introduced into the production, the first main characters we saw, Benvolio (Júlio Maciel) and Romeo (Eduardo Moreira), entered on stilts. Romeo floated around the stage playing the accordion with one hand while holding a parasol in the other.

Lady Capulet (Inźs Peixoto) was a severe figure in black who held a black parasol in one hand and had a bird perched on the other. Her daughter Juliet (Fernanda Vianna) spent much time en pointe in her ballet shoes. The absolutely glorious Nurse was quite a large woman enhanced with comical fake breasts, which were often to be seen draped out of the car window as she sat inside.

Benvolio and Mercutio danced with large mannequin torsos strapped to them on their way to the Capulet ball.

Stilt walking Romeo broke free of the party guests when he saw Juliet twirling in a series of ballet poses on the car roof. He caught up with her when she moved onto the step ladder on the bonnet platform, which put her just above him.

Romeo assisted her, as she gracefully extended each leg in turn, to descend the ladder to the platform, enabling them to dance and embrace. His stilts conveyed the precarious nature of Romeo’s situation as a Montague in the Capulet residence.

Tybalt (Paulo André) was tall and had a stammer, which undercut any menace he might have exuded threatening Romeo. He was chastened, not by Capulet (Beto Franco), but Lady Capulet.

When he learnt that his new love Juliet was a Capulet, Romeo fell backwards off his stilts.

The balcony sequence also made use of the car, but despite the high elevations offered by the step ladder, the staging put the action closer to the ground.

Romeo lay on the roof of the car. Juliet came out of the car door to stand on a stool just in front, pleading with the imagined Romeo to change his name. When the real Romeo heard this and responded, Juliet took fright and ran back inside the car, shutting the door. They both ended up on the car roof. A crescent moon hung in the air from a long pole, enabling Romeo to swear by it and Juliet to try and dissuade him from vowing by something so inconstant. Nurse called out to Juliet from inside the car, bringing their brief tryst to an end.

A great comedy moment came when Benvolio, Mercutio and Romeo were joking with the Nurse. At the end of his flirting with her, Mercutio flipped up her comedy breast and top to reveal briefly the actress’s naked body underneath.

Friar Laurence (Paulo André again) wore sunglasses and had a gown festooned with images of saints. When officiating at the wedding of Romeo and Juliet he enquired in English whether there were any sinners in the audience and then threw his holy water over the groundlings

After the killings of Tybalt and Mercutio, Romeo was banished by the Prince (Beto Franco again). As Juliet stood on the platform waiting for him to arrive, the distraught Romeo sat underneath its steps and played the accordion whilst gently crying. The musical accompaniment to her words represented the joy he brought her, but this was now overlaid with the sound of his tears, flowing because he knew he was doomed to be separated from her.

The final deaths involved Juliet obtaining a second-marriage-avoiding sleeping draught from Friar Laurence. After drinking it down on the roof, she collapsed inside the car.

After general uproar at her supposed death, she was laid on the balustrade of the Globe stage balcony. The car was moved to one side, revealing the grieving Capulet family sat behind it.

Romeo rushed onto the balcony and discovered Juliet laid to rest there. Distraught, he drank his poison and descended to the main stage to collapses onto the chalk outline in front of the grave marker that had stood waiting for him throughout the entire performance.

Juliet revived and found Romeo dead on the main stage. She tried to kiss poison from his lips, but finally stabbed herself with a palm leaf taken from the pot marking his grave. She held it with both hands stretched out in front of her and majestically drove it downwards. She danced something resembling the “Dying Swan” and then collapsed onto the chalk outline in front of her grave marker holding hands with her beloved Romeo.

There was an epilogue in English that called on the audience to take the spirit of the story with us and celebrate the couple who had committed the sin of love. The ensemble exited through the yard playing just as they had arrived and were mobbed by the appreciative audience.

Whilst I was in the Caucasus last year, the Armenians were announced as part of Globe to Globe and our guide said they were rather chuffed and looking forward to it – even though they had drawn a somewhat short straw with King John! Well, they arrived on the Globe stage one-by-one to a round of applause, each carrying a suitcase or trunk. In the first half I was finding it difficult to work out who’s who and what was going on (despite having just read a synopsis and following the scene summary surtitles), but by the second half I was having a fine time. It was an intriguing take on a difficult and rarely performed play and at the curtain call their joy at being here was clear, and the somewhat sparse audience did their best to return it.

Then came the Georgians with their As You Like It, which was a joy from start to finish. They did it as a play-within-a-play, the staging was full of invention and wit and the acting was superb. It was so utterly charming and delightful and completely in keeping with the tone of the play – without question the best AYLI  I’ve ever seen; a thoroughly uplifting experience which had us shouting and cheering at the curtain call. The director was a double for the Globe’s Dominic Dromgoole, which made me smile even more!

The weekend was bookended by Brazilian productions – first the RSC sponsored Two Roses for Richard at the Roundhouse, then Romeo & Juliet at the Globe. Richard didn’t get off to a good start as the surtitles were so small you couldn’t read them from the 8^th row of the stalls, and they weren’t Globe-type scene synopsis but complete dialogue. It might not have mattered if it was a straight Richard III, but it was a Katie Mitchell style reinvention, so it became impossible to follow very quickly. From what I saw (the first half – there was no point in staying) it was one of those arrogant, pompous, pretentious directorial ‘deconstructions’, so maybe it was just as well I couldn’t understand it!

Back at the Globe on Sunday, the Brazilian Romeo & Juliet was cheese to Friday’s chalk. This is the only re-visit in Globe to Globe, as Grupo Galpao brought the same show here 12 years ago. My recollection is that it featured a cart, but now it features an onstage car! The cast of ‘clowns’ parade through the yard in carnival fashion, then zip through Shakespeare’s tragedy in 100 minutes. They play it largely for laughs, but when the tragedy hits, you couldn’t hear a pin drop and a little tear formed. Shakespeare narrated his own play (the actor is an uncanny double), Romeo spent most of the time on stilts (as did others), Juliet was a ballerina, Lady capulet carried her pet cockatoo, the nurse bared her boobies and there was lovely ‘latin folk’ music. This was no conventional R&J, yet it seemed to me to be true to the spirit and yet another G2G treat, restoring Brazilian honour at the same time. The warmth at curtain time was mutual and heartfelt and, like the Koreans, they hung around for greetings and photos.

I am so loving Globe to Globe. A Japanese Coriolanus? Bring it on!

Globe to Globe is an unprecedented multilingual programme of Shakespeare productions pro-duced by Shakespeare’s Globe as part of the World Shakespeare Festival. Over six weeks every one of Shakespeare’s plays will be performed by a major company from a different country in its own language.

Perhaps the Americas’ most famous production of the most famous play ever, Grupo Galpão’s carnivalesque Romeo and Juliet returns to the Globe with its thrilling mix of circus, music, dance and Brazilian folk culture. The only festival participants to have played at Shakespeare’s Globe before, they bring the promise of a cavalcade of passion. Performed in Brazilian Portuguese with an English synopsis.

19 – 20 May 2012

Shakespeare’s Globe, Bankside, 21 New Globe Walk, London SE1 9DT

CLICK HERE FOR MORE INFORMATION

THIS PERFORMANCE IS PART OF GLOBE TO GLOBE FESTIVAL : 21 April – 9 June 2012.

In an event of unprecedented ambition, all of Shakespeare’s plays will be performed, each in a different language, each by a different international company.

Every day for six weeks, national theatres, renowned artists and new young companies will celebrate performing Shakespeare in their own language, within the architecture Shakespeare wrote for.

Please download a copy of Globe to Globe brochure or launch it in your browser by clicking HERE

O Centro Cultural Banco do Brasil faz aniversário de 20 anos e comemora com programação bacana e aberta ao público, durante toda a semana. Hoje, o Grupo Galpão apresenta a peça “Um Homem É Um Homem”.

Aliás, tive a sorte e o prazer de fazer uma oficina de voz e expressão corporal com um dos atores da companhia de Campinas, Moacir Ferraz. Uma pessoa de um conhecimento ímpar na área a que se propõe estudar (a voz no teatro) e igualmente simpático. Na apresentação da oficina, ele escreveu: “o objetivo da oficina é relembrar que a voz é corpo, que a voz não é produto apenas de cabeça e garganta. Muito além de informar o que o raciocínio pensa, a voz do ator deve dar notícia do que o corpo sente. Que a palavra, além do significado, pode despertar sensações, por meio da ligação profunda entre sua forma sonora e seu conteúdo imagético”. Não preciso dizer mais nada!

Outra experiência gratificante foi assistir à palestra do ator e diretor Cacá Carvalho. Para quem não conhece, basta se lembrar do inesquecível “Jamanta”, personagem de uma dessas novelas globais que não me lembro o nome. Para você ver, o personagem marcou mais que a própria novela.  Mas Cacá Carvalho falou sobre a construção da peça “Os Figurantes”, que apresentou no Festivale. Um espetáculo que dividiu opniões, até mesmo pela sua complexidade. Aliás, complexidade foi algo visto algumas vezes nos palcos de São José dos Campos. Seja em “Os Figurantes”, seja no inigmático “Por que a menina cozinha na polenta”, apresentado pela Cia. Mungunzá de Teatro, de São Paulo. Mas, ambos, dentro de suas propostas, inesquecíveis e provocadores.

Como faço a oficina de teatro da Fundação Cultural Cassiano Ricardo, a realizadora do festival, pude participar voluntariamente dos bastidores e acompanhar de perto muita coisa. Fui “anjo” dos grupos que apresentaram as peças infantis. Minha função era dar apoio aos grupos, no que precisassem para a preparação dos espetáculos. Conheci muita gente legal, pessoas que vivem do teatro, adoram o que fazem e fazem com competência. Vi o quanto é importante a iluminação e, que trabalho que dá isso!!! Como disse o Fernando, meu professor da oficina, a iluminação é responsável por 70% do sucesso do espetáculo. E pude ver isso na prática. Fiquei ainda mais interessada na produção.

Uma outra vantagem de estar ali, assistindo tudo de perto, foi conhecer pessoas como os debatedores e críticos do festival. Cada um com suas qualidades, conhecimentos, experiências e comunicação (ou falta dela). Alexandre Mate, um dos críticos, me impressionou com suas colocações sempre enfáticas. Muitas vezes, em uma só frase, ele dava o recado e muito bem dado. Heitor Saraiva, sempre “viajando” na emoção e deixando a técnica mais para Thais e José Facury (esses três eram os debatedores). Ao fim de cada apresentação (menos das peças convidadas), era realizado um debate onde os atores e diretores podiam comentar suas propostas, metodologias, enfim, o trabalho que deu para se chegar ao espetáculo que assistimos. Em seguida, Heitor, Thais e Facury faziam suas considerações. Muitas vezes não concordava com o que era dito… mas, isso era se tornava segundário perto do que se aprendia ali.

Foram 11 dias de muito trabalho para a equipe organizadora, debatedores, críticos, atores, atrizes, técnicos, anjos… rs. Mas, foram 11 dias de muita cultura, beleza, arte, emoção, espetáculos. Fora as peças apresentadas em palcos como do Teatro Municipal, Cine Santana e CET, tivemos também os teatros de rua, as oficinas, as lições que levaremos. Pena que acabou. E agora? Eu já tinha me acostumado a ir ao teatro a noite, não importando a peça, pois sabia que iria me surpreender. E agora? São 20h30, horário que geralmente começavam as peças da noite e estou em casa, assistindo Jonal Nacional. É, vai ser muito chato voltar à realidade.

[ ]s

Mônica

Cena em que todos são Verchinin

Depois de uma horinha no dentista, caí no cinema e fui ver Moscou, do Eduardo Coutinho. Ao contrário do que poderiam indicar as previsões doloridas, achei o filme lindo. Devo voltar ao cinema em breve  pra revê-lo, mas aqui fica uma primeira impressão.

Em Moscou, Coutinho continua a explorar um assunto constante em sua obra – o contar histórias. Desde Santo Forte, seu cinema parece obcecado com a descoberta das coisas a partir das conversas e dos relatos diante da câmera. Como essas interpretações constroem a memória do mundo.

O  interesse parece ser descobrir as coisas do Brasil através do que a memória guarda, a cabeça inventa e o relato bem feito chama a atenção. Esse filmar a conversa não tinha o sentido jornalístico de confirmar a veracidade dos fatos, era mais uma tentativa de materializar narrativas e crenças. Colocar a público discursos que pareciam ter se perdido no emaranhado das vozes e no andar da história.

No seu filme anterior – Jogo de Cena -, Coutinho radicalizava na forma. Vai além do registro e da edição das entrevistas. As histórias das entrevistadas são narradas por suas autoras e por outras pessoas.  Coutinho convida atrizes profissionais e recruta mulheres comuns para contarem suas histórias. Durante as filmagens, elas também reinterpretam os casos contadas pelas outras mulheres, tentam seguir um roteiro mental do que ouviram. Todas em cima do palco, no mesmo cenário, contando seus ou outros dramas e os interpretando de sua forma.

Ao propor um filme sobre uma montagem de As Três Irmãs, de Tchekhov, além das histórias que cada pessoa carrega e da interpretação do que os outros falaram, Coutinho leva seus personagens a interpretar uma dramaturgia consagrada. Surge um outro elemento de discurso que em minha opinião a todo tempo diz respeito a um drama tão russo quanto brasileiro.

Só sobrou memória

Ao colocar o texto de Tchekhov dentro de uma peça em processo que nunca irá se realizar e dentro de um filme que não sabe o que buscar, Moscou ganha uma potência histórica extraordinária e retoma algumas questões que têm muito a ver com o clássico Cabra Marcado para Morrer.

Em 1964,  Coutinho tentou dirigir um filme sobre a vida do líder camponês João Pedro Teixeira, que havia sido assassinado em 62. Cabra retoma esse filme inacabado e  mostra a volta da equipe ao povoado de Sapé, na Paraíba em 1981.

Nas filmagens dos anos 60, os próprios camponeses reinterpretariam sua história. Tomariam parte no filme sobre a vida do líder deles. Era uma maneira de colocar em prática os projetos do neorealismo e dos CPCs da vida.  Construir um projeto coletivo entre a classe média universitária e os camponeses.

O golpe militar chegou e a ditadura interrompeu as filmagens. Ao tentar contar a história do que aconteceu em Sapé nesse intervalo, o filme mostra uma ruptura de um projeto coletivo que acabou com a mão pesada dos militares. Só restam as memória e as histórias do que aconteceu. A construção coletiva permanece ferida e sem cicatrização.

Essa vontade de reconstruir o que restou (e o que não aconteceu) ainda apareceria nos relatos de outros documentários de Eduardo Coutinho como Peões e Edifício Master. Mas a tal nostalgia do não acontecido nunca esteve tão forte como em Moscou.

O texto de As Três Irmãs já é um prato cheio nesse sentido. Esquecimento e memória batem lá a todo tempo. Em uma cena bonita do filme, todos atores do Galpão interpretam Aleksander Verchinin  em diálogo com as três irmãs:

VERCHININ – Acabarão por nos esquecer. É o destino – nada se pode fazer contra ele. O que a nós parecia sério, importante, de muito valor, com o tempo será esquecido e considerado sem importância. E o mais interessante é que nós nem sabemos a que eles darão valor e importância e o que considerarão inútil e ridículo. Será que no começo não viam as descobertas de Copérnico ou de Colombo como inúteis e ridículas e consideravam verdadeiras revelações as escrevinhações de um tolo excêntrico qualquer? E também é possível que a vida que agora nos satisfaz venha a ser mais tarde julgada estranha, desconfortável, desprovida de razão, insuficientemente pura e talvez até pecaminosa.”

A vontade de estar na capital, longe da gente ignorante e do tédio da cidade pequena é um tema repetido constantemente pelas irmãs Irina, Macha e Olga na peça de Tchekov. Para elas, nada ali vale a pena. Tudo é tão distante da promessa de vida que o pai morto havia feito pra elas (que “martirizava os filhos com cultura”). O “verdadeiro clima russo” não é o cenário da vida a que elas se destinaram nos sonhos delas.

Posso estar reduzindo, mas em minha opinião, essa também é a cabeça de uma certa fatia da sociedade brasileira. Que quando encontra o Brasil de frente, vê um país irreconhecível que não diz respeito a eles. Prefere ter a cabeça nas grandes metrópoles do mundo ou se fechar num mundo de iguais. Assim também fazem os Prozorov, fecham-se na casa junto aos militares – educados como eles – e aos serviçais que não os entendem e nem os escutam.

Em meio a encenações, leituras e tentativas Coutinho mistura essa temática do não-pertencimento com aparentes desilusões pessoais dos atores. Vemos como eles lidam com algum desconforto recente ou antigo da vida deles (a falta de relacionamento com os pais, um exame de DNA que mostrou a alguém que ele não é pai de seu filho de 20 anos etc.). O desconforto é contraposto às lembranças de infância aos encantamentos.

É engraçado que o filme tenha sido rodado em Belo Horizonte. Uma capital que no discurso de uma parte da população se ressente de não ser uma das grandes capitais – embora outras pessoas também comemorem isso. E a peça seja dirigida por um carioca Enrique Diaz em um processo conduzido por um paulista, Coutinho.

Em todos os planos, o filme mostra uma expectativa que não irá se realizar. Afinal a peça é editada de uma maneira que reforça os sonhos frustrados e a realidade inconclusa dos personagens, o que ganha mais força em uma montagem que nunca vai acontecer.

A viagem a Rússia de Olga e Irinaa vai ficando cada vez mais distante. O amor entre a já casada Macha e o comandante Verchinin é só uma imagem que os dois repelem e o casamento de Andrei e  Natalia o faz mergulhar de vez no reconhecimento de seu fracasso e de sua impotência.

A câmera procura alguns sentidos nas diferentes interpretações de uma mesma cena. Constrói e desconstrói as expectativas criadas na dramaturgia e no final nos põe em frente a sonhos que só se realizam no momento em que o personagem/ator os falam.

E no meio dessa minha confusão mental, uma coisa é certa: vale muito a pena ver.

Acontece até domingo (10.05) a IV Mostra Latino Americana de Teatro de Grupo, no Centro Cultural São Paulo. Produzida pela Cooperativa Paulista de Teatro com patrocínio da Petrobrás, tem todas as apresentações gratuitas, além de demonstrações de trabalho que contam um pouco de processos criativos dos grupos para o público.

É comum se ouvir por aí que sabemos muito pouco sobre nossos irmãos latinoamericanos. O festival é uma oportunidade rara para os paulistanos conhecerem a cultura de alguns países vizinhos, como Peru, Uruguai, México, Bolívia e Argentina, e também a produção teatral de outros estados do Brasil que dificilmente chegariam a São Paulo se não fosse por uma iniciativa como essa.

Das participações brasileiras, há opções para todos os gostos. Na linha de um teatro mais contemporâneo, dois membros da Cia. dos Atores do Rio de Janeiro mostram suas Autopeças, projeto em que cada um dos integrantes desenvolveu seu próprio espetáculo no fim de 2008. Dentre elas, serão apresentadas as elogiadas Talvez e Apropriação, dirigidas respectivamente pelos atores César Augusto e Isabel Garcia. Talvez, monólogo escrito e interpretado por Álamo Facó, põe em cena um personagem que interage com o mundo via internet enquanto espera uma namorada que não chega nunca. Já Apropriação teve o texto escrito pela diretora em conjunto com Marina Vianna e os atores Leonardo Netto e Thierry Tremoroux, baseado na vida e obra de Harold Pinter. Nessa mesma linha, a Cia. Brasileira de Teatro de Curitiba apresenta Volta ao Dia, inspirado na obra de Julio Cortazar. Para quem gosta de um universo mais regional, os representantes do nordeste trazem A Paixão e a Sina de Mateus e Catirina, da Tropa do Balaco Baco de Arcoverde, no interior de Pernambuco, baseado na história do tradicional par romântico da festa do bumba-meu-boi, e Quebra Quilos, do Coletivo de Teatro Alfenim, de João Pessoa na Paraíba, que se volta à história da Paraíba para refletir sobre sua realidade. Coroando a programação brasileira, o consagrado Grupo Galpão, de Belo Horizonte, apresenta seu novo trabalho Till Eulenspiegel, do premiado autor Luís Alberto de Abreu.

Dos internacionais, destaque para o grupo uruguaio El Galpón, que comemora 60 anos de existência. O teatro da Argentina de um modo geral, também costuma surpreender com bons espetáculos.

Confira a programação no site da mostra.

Leia esta matéria no site da RG Vogue.

Acabo de sair da estreia do filme Moscou, de Eduardo Coutinho, no festival É Tudo Verdade. Mas isso não é um blog de teatro? Sim, mas o filme, pra quem não sabe, é o encontro do Grupo Galpão de Belo Horizonte, com Enrique Diaz e Isabel Garcia da Cia. dos Atores do Rio de Janeiro, usando como tema As Três Irmãs de Tchecov. Venhamos e convenhamos: isso poderia ser considerado quase teatro!

Coutinho, conforme declarou no final da sessão, sentiu que as possibilidades de experimentação no formato da entrevista – que o consagrou como um dos melhores documentaristas do Brasil – estão se esgotando. E quem já viu o ótimo Jogo de Cena sabe do que ele está falando: o filme já é bastante surpreendente, ao confrontar mulheres que contam histórias supostamente reais, com atrizes conhecidas contando essas mesmas histórias. Sendo fiel à sua vocação experimental, dessa vez ele decidiu reunir um dos maiores grupos de teatros do país (o Galpão), com um diretor escolhido por eles próprios (o Enrique), um texto de Tchecov, e gravar esse encontro, que durou apenas três semanas.

Antes do filme começar, como é praxe em festivais, Coutinho teve a palavra. E, ao anunciar o bate-papo do final, já adiantou: “Vocês vão me perguntar qual o objetivo do filme, então já respondo: não sei!” Pensei eu: como é bom ser consagrado no que se faz! Não ter que se justificar, dar explicações, aqueles textos que escrevemos pra inscrever projetos em editais, com no máximo “xis” caracteres, que nos obrigam a inventar uma lógica que explique a obra antes mesmo dela começar a existir de fato. Uma vez ouvi a Bethânia num programa de rádio, onde perguntavam que critérios ela teve para escolher o repertório do disco que estava lançando, e ela respondeu com absoluta majestade: “Eu não tenho critérios, as coisas é que chegam a mim.” Achei uma resposta digna da rainha que de fato ela é!

Pois bem, e o filme? Como grande admirador que sou de todos os envolvidos, foi muito interessante assistir. Mas, com certeza, o filme me frustrou. Inevitável ponderar se a parafernália da gravação coibiu a espontaneidade. Enrique Diaz e Eduardo Coutinho disseram que não, mas tive a sensação de que ninguém se mostrou de fato, e tampouco as câmeras captaram o quão talentosos são aqueles atores, ainda mais regidos por um diretor como Enrique. Até quando uma atriz se emociona aparentemente de verdade, a câmera parece não querer invadir sua intimidade e fica distante. Eu esperei que a câmera capturasse o ator no delicado momento em que algo é revelado, o encanto, a mágica do teatro, o assombro de ser “pego” pelo personagem, os tesouros que vamos colecionando nos ensaios e que serão usados para o brilho do espetáculo. Talvez fosse bonito mostrar algo assim às pessoas que nunca viram a feitura de uma peça de teatro. Mas afinal, o filme é o que é.

De qualquer forma, quem não tiver uma razão muito pessoal para assistir o filme, pode não entender para que foi feito. Se bem que isso nem o diretor sabe, então talvez não faça tanta diferença. Para mim, bastou ser um espião neste processo, onde todos aceitaram sair de suas zonas de conforto e se enveredar por uma proposta estranha.

Pois um dia quero ser como você, Coutinho, e como Bethânia, e abrir olhos e ouvidos, esperando a mágica se realizar. E que ela venha de fato!

Há dias em que sua auto-estima não está lá muito alta, e facilmente você se sente um merda, só não se sente mais fracassado na vida, por que viver pelo menos você sabe.

Sempre quis ter uma banda e viajar mundo afora, mas nada sei tocar. Sempre quis ser atriz, mas nem o teatrinho com a mamãe funciona. Sempre quis ser bonita, ter aquele tipo de beleza que arrasa qualquer quarteirão, mas minha beleza clássica natalense só faz sucesso com os mendigos.

Eles simplesmente têm tudo isso que eu sempre quis ter. Tocam vários instrumentos, fazem teatro, e ainda são bonitos, o Grupo Galpão é assim, deixa alguém facilmente se sentindo um merda.

Não era nem 19h20 quando eu cheguei à Praça do Teatro Alberto Maranhão e a arquibancada já estava lotada. As cadeiras posicionadas diante o palco estavam devidamente assentadas, e ao chão, pernas cruzadas e olhos atentos esperavam ansiosamente o espetáculo que começaria às 20h.

O cenário era simples, um palco com uma sacada, uma cadeira, um caixão, afinal teatro de rua é assim mesmo, sem nenhuma superprodução cenográfica, e cenário antes de tudo, tem que ser funcional, e este claramente é.

Por trás do caixão eis que surge uma fumaça. Uma senhora adentra o cenário com uma tocha. Ouve-se um acordeão, sobe-se uma luz azul dando a impressão que é madrugada. A convite da Rainha do sonho, o dramaturgo francês, Moliére revive para refazer os passos que culminaram em sua morte.

Entre tirações de onda com a cidade de Natal, como por exemplo: parece que você veio das bandas de Felipe Camarão; o grupo discute o fazer teatro, o texto, a microfonia, a iluminação.

Mesclando humor e crítica, linguagem musical e o teatro de rua, o Grupo Galpão te arranca umas boas risadas, e numa dessas, você nem fica sentido por ter perdido a novela, e nem por sua bunda e sua coluna estarem doendo, afinal, de que importa a dor quando a fantasia nos conforta?

O Grupo Galpão é assim, um bando de galado que te faz se sentir um merda, te deixa com a coluna e a bunda doendo, e faz você ainda sair se acabando de rir, e contribuindo na cartola deles com o pouco dinheiro que lhe resta.

E aonde mais nossos sonhos podem ser representando que não no teatro?

O Grupo Galpão é o sonho aspirado em carne e osso.

(imagem retirada do blog de mariana coutinho)

“O enredo retrata  a história de uma ex-atriz, hoje costureira, que relata os acontecimentos ocorridos em uma das peças que participou. Nessa história, havia quatro protagonistas que viviam momentos de desespero, no limiar de alguma transformação, qualquer que fosse ela…”, conforme descrito no site do Centro Cultural do Grupo Galpão.

O endereço do Galpão Cine Horto é: rua Pitangui, n° 3.613 – Bairro Horto. A peça ficará em cartaz até o domingo, dia 06/04: de quinta-feira a sábado, às 21h, e aos domingos, às 19h. Classificação 14 anos. Duração: 60 minutos.

A entrada inteira custa R$20,00 e a meia (para estudantes, menores de 18 anos, maiores de 65 anos) R$10,00; e para quem tiver e apresentar o Passaporte Cultural do Galpão Cine Horto a entrada custará R$8,00. Para informações sobre o Passaporte, clique aqui. Para mais informações ao público: 3481-5580.