Part 1

Part 2

MY FOUR FAVORITE NEW BOOKS OF 2009, CONT’D

#3.

Hiding Man: A Biography of Donald Barthelme by Tracy Daugherty (St. Martin’s Press, 2009)

I was keen to read this book since stumbling across an advance excerpt in some journal or other (I forget which now). That piece (Chapter 23, “Location”) struck me as not only an amazing bit of biography (offering a revelatory account of Barthelme’s life in New York in the autumn of 1962, when he worked for Harold Rosenberg and Thomas Hess as the managing editor of the short-lived magazine Location), but also a terrific work of literary criticism. For example, Daugherty reveals that a small passage of the story “A Shower of Gold” (“the typewriter in front of the Olivetti showroom on Fifth Avenue”) has its basis in walks that Barthelme took at the time. Daugherty argues: “What in later years some reviewers and critics would call Don’s ‘absurdity’ was simply alertness and wonder on the streets.” Later on, he demonstrates the extent to which Barthelme’s story “The Viennese Opera Ball” is not only a rewrite of a passage in Henry James’s The American Scene, but also cribs heavily from a Time magazine fashion article: “[Barthelme] saw how the fashion article illustrated James’s theme—how, more than ever, James’s theme was current. Rather than commenting on this, Don produced a collage that demonstrated it.”

This is heady stuff to a Donald Barthelme fanatic—brilliant, even. And to my great delight, the entire book is comprised of meticulous biographical details and related close readings.

For instance, Daugherty seems to know every book that Barthelme ever read, and when he read it. (See, for instance, his accounts of Barthelme’s reading habits during his stint in the Army in Korea.) More importantly, he sees the influences that those authors had:

Like millions of Catholic boys in the 1940s, Don carried a little green book around school: the Baltimore Catechism, a manual of Catholic teaching first published in 1885, which contained hundreds of questions and answers. […]

Q. What is man?

A. Man is a creature comprised of body and soul, and made to the image and likeness of God.

Q. Why do many marriages prove unhappy?

A. Many marriages prove unhappy because they are entered into hastily and without worthy motives.

[…] Don could not resist mocking such language, both as a schoolboy and later as a mature writer. The Q & A format would become one of his signature styles, in stories like “The Explanation,” “Kierkegaard Unfair to Schlegel,” “Basil from Her Garden,” and others.

A few pages later, Daugherty notes Frank Sullivan’s own distinctive use of the Q & A format in The New Yorker, in his Mr. Arbuthnot “testimonies”:

Q– Could the atomic age have arrived by any means of any other verb than “usher”?

A– No. “Usher” has the priority.

Q– Mr. Arbuthnot, what will never be the same?

A– The world.

Q– Are you pleased?

A– I don’t know.

Daugherty also sees a great influence in Marcel Raymond’s From Baudelaire to Surrealism (1933, English trans. 1950), a present the author received from his father while in college.

Fortunately, the more that Daugherty reveals Barthelme’s sources and working methods, the more intriguing his subject grows. For one thing, it advances readings of Barthelme and his work beyond the typically vague—and by now predictable—generalizations that he was “a postmodernist.”

Shya Scanlon recently wrote about different ways we might classify authors, mentioning that we can group them according to whom they’re “in conversation with.” One of Daugherty’s more intriguing arguments in Hiding Man is that Barthelme was less a postmodernist (and certainly less a “Black Humorist,” as he was also labeled at the time) than he was a unique amalgamation of mid-1800s Paris Romantic (think Rimbaud, Courbet, Daumier) translated into English by way of American iconoclasts like James Thurber and S.J. Perelman (Barthelme’s devotion to their work going a long way toward explaining his lifelong relationship with The New Yorker). That is to say, late Romantic urban utopians and persnickety American satirists were the authors whom Barthelme was in conversation with—they constituted the tradition that he chose to enter. (Daugherty observes that Barthelme put Rimbaud at the top of a “reading list for young writers,” alongside Beckett, Joyce, and Kafka.)

It’s not my place to judge whether Daugherty’s right, or how his arguments will or won’t alter Donald Barthelme’s legacy (I am not a Barthelme scholar). However, I can speak as a great Donald Barthelme fan—and I was amazed. Since reading Hiding Man I’ve returned to the work of one of my earliest writing heroes with fresh eyes, and found the stories richer and more provocative than at any time since I first encountered them. Would that more literary biographies were so thorough, so passionate, and so revelatory.

Tomorrow: Book #4.

At the end of the nineteenth century, Edouard Manet opened his studio to friends or public on several occasions. Laura Prins investigates how this seemingly radical act led to a reevaluation of Manet’s artistic status, both past and present. Click here to read the essay.

So as we all know, we’ve been testing our shoot based around a really soft, subtle, beautifully grainy look that we get from film, with an overall light blue tone.  We’ve also been looking at authenticity and being true to oneself so I thought it might just be a good idea to post a few artists that have influenced these looks.

First of all we have the Realist Gustave Courbet -

I find the colours and overall idea of capturing the everyday in this piece really relevant to our idea.  The soft shadows and blue light blue of the daylight are really beautiful and take it from just the everyday into something worth our observing.

The two above I am interested in due to the poses (obviously not the crazy eyes of above) but the idea of playing with hair, messing it up a bit, and generally making the focus about the hair through pose.

Walter Sickert:

Once again, I really like the blue overtones represented in Walter Sickert’s work but the aspect of his work that I like most is the slightly blurred, out of focus look.  I think that this idea represented in photography – the soft blue against the red crimped hair and the soft focus should have a really beautiful painterly effect, which again will reference all the artists work that we have been researching.

Gustave Courbet

Elli yaşındayım ve her zaman özgür yaşamak istedim. Hayatımı özgürlük içinde tamamlamama izin verin. Ölürken hakkımda “Hiç bir okula, kiliseye, enstitüye, akademiye ait değildi. Özgürlük rejimi haricinde hiçbir rejime ait olmadı.” denmesine izin verin.

“1819-1877″ arasında yaşamış realizm’in kurucularından fransız ressam.1871 paris komünü sırasında bütün sanat müzelerinin başına getirilirdi ve kentin sanat koleksiyonlarını çetelerden korudu.Bu sanatçı  köylü ve işçi sınıfnı çok gerçekçi çalışmıştır.En önemli özelliği ise işçileri eski elbiseleri içinde çizmiştir yorgun bıkkın hallerini ve ifadelerini çok iyi ifade etmiştir.1873′te İsviçre’ye kaçtı ve ölene kadar orada çizmeye devam etti.Sanatçının ünlü eserleri ise şunlardır.

Gustave Courbet. Ornans'ta Cenaze. 1849-1850.

Normandiya. (1872/1875). Washington D.C.

Kontes Karoly'nin Portresi (1865)

the stone breakers

The Desperate Man 1843

Bonjour Monsieur Courbet, 1854

the artist's studio

]]> http://unravelart.wordpress.com/2009/11/01/le-renard/ Sun, 01 Nov 2009 15:50:51 +0000 Rusty http://unravelart.wordpress.com/2009/11/01/le-renard/

Artist: Gustave Courbet

Title: Le Renard ( The fox in the snow)

Year: 1860

Wikipedia article on Gustave Courbet

Wikipedia article on realism

Mi querida Elisabet Martínez me vino a buscar a mi hotel madrileño para ir al Thyssen a ver la exposición Las lágrimas de Eros. Pasamos instantes maravillosos, gracias, querida Eli.

La obra anterior de Gustave Courbet la vi en París en la retrospectiva que le dedicó el Museo del Jardin du Luxembourg.

¿Quién me iba a decir a mí que tendría un libro colocado junto a uno de Boris Vian en la librería del Thyssen?

Rosebud is speaking more and more each day. I’m amazed at how quickly she is picking up new vocabulary and how well she pronounces most words. She does have some sentences and words that only I understand!

We were at a friend’s 40th birthday party on Saturday. There were lots of kids there for Rosebud to play with, although she was the youngest child there. One five-year-old boy kept saying “nein” when she tried to play with some toys he wanted. In response, she kept saying to him, “nein nein nein nein nein!” Even though this is the only word I’ve heard her say in German, she definitely understands and knows what it means.

At the end of October, Rosebud and I will spend the weekend in France. Although David would very much like to come with us, he has some work he will need to finish that weekend. I will be visiting with my friend Claire, who came to visit us in July. I wrote a little bit about Claire in this post about Garmisch-Partenkirchen. This reminds me, I have yet to write about the trip we took to Kochel/Mittenwald with Claire and Estelle, and also our visit to Chiemsee.

Rosebud and I leave for France on Thursday the 29th of October. We’ll travel to Basel, which I recently learned is called Bâle in French. Then we will meet with Claire’s parents and spend the night with them in their gorgeous little village in the Jura region of France; and after that, we will be near Montbéliard/Belfort with Claire. Then we will return home on the 2nd of November. I can’t tell you how excited I am to visit with my friend and her family, and to return to eastern France. Most people don’t know about the Jura mountains and that part of France. It’s absolutely stunning and an outdoor lover’s paradise. Many of you probably have heard of the French painter Gustave Courbet, who is from the town of Ornans which is in the Jura region.

This painting, called The Torrent, shows a stream in the Jura mountains, to give you an idea of what the region looks like.

painted by Gustave Courbet, in the Jura mountain region, France

While in France, we will celebrate Claire’s 30th birthday. I am so happy that I will be included in the festivities with her family and will get to see nearly everyone. When I was an undergraduate student studying abroad in Besançon, in 1997-1998, I met Claire through the university orchestra, in the viola section. Her family took me under their wings, so to speak, and since then I have thought of them like my “French family”. They really remind me of my family in many ways, especially since they love music so much. Claire’s parents have met my older sister when she visited me in France, and they’ve also met David when we went on vacation. And now, they will get to meet our daughter Rosebud. I am really looking forward to it.

We have also bought our plane tickets to travel back to the US for the holidays. Before we return home, however, we will be spending the weekend of December 18th in London with some friends who live near London. It turns out that flying from London to Indiana, and buying a separate flight from Munich to London, is less expensive. Those of you who plan on visiting us might want to keep that information handy!

I am excited about our upcoming trips. It’s always fun to travel.

In other news, we are getting a rain-snow mix this evening, and expect several snowy days later this week. We’ve had a beautiful fall, so I can’t complain. Snow at this time of year in southern Germany isn’t unusual, but generally it doesn’t stay around very long until later in the season.

G. Courbet, Le bagnanti, 1853

Sognanti e languide, le oziose demoiselles ritratte da Courbet diedero scandalo nella Parigi della rivoluzione borghese e industriale: le donne per bene non dovrebbero esporsi così allo sguardo e al giudizio dei passanti. Il pittore aveva già ironizzato sullo stile di vita dei ceti alti in Le bagnanti, tanto da attirarsi le ire di Napoleone III: la leggenda vuole che l’imperatore abbia pubblicamente preso a frustate il quadro al Salone del 1853.
Courbet era l’araldo del realismo, corrente d’avanguardia che si proponeva di ritrarre la crudezza del mondo, a partire dai vizi di quella borghesia che aveva ormai conquistato la Francia: ed infatti il pittore era animato da forti passioni politiche riformiste e socialiste. Cosa c’è di più realistico, e al contempo di più emblematico, di una pennichella in riva alla Senna?
I borghesi messi sotto accusa avrebbero ribattuto che l’ozio, in realtà, è il flagello degli operai, fannulloni indisciplinati che passano tutto il tempo libero a bere birra e gozzovigliare. Ed infatti niente vacanze per i lavoratori, altrimenti si sarebbero lasciati andare a chissà quali degradazioni morali. Insomma, in epoca moderna il vizio dell’ozio perde il suo carattere religioso per divenire crimine contro l’etica del lavoro. Bisogna lavorare! Bisogna produrre! Non chiederti perché, lavora e basta, che ti nobilita!
Eppure qualcuno il perché se lo chiede, ovviamente filosofi che di faticare non ne hanno voglia. La ricchezza e la tecnologia della nostra società ci consentirebbero di vivere agiatamente anche lavorando solo poche ore al giorno. Teoricamente. Di fatto siamo dominati da un imperativo a produrre sempre e comunque, cioè ben oltre ciò che sarebbe individualmente o collettivamente necessario. Tolte otto ore di sonno e otto in ufficio, rimane ben poco, giusto il tempo di lavarsi, prendere il treno del pendolare, mangiare e guardare un po’ di Tv. Ciò che dal lavoro esula, famiglia, amici, hobbies, piaceri, viene tutto compresso nel week end: due giorni (o addirittura uno) su sette per noi, gli altri per la produzione!
Per gli antichi romani l’otium, opposto al negotium, aveva un ruolo molto importante, dedicato alla riflessione e alla cura del corpo e dell’anima. Non non fare nulla, ma fare per sé invece che per il denaro. Oggi l’ozio viene riscoperto come terapia della nevrosi da lavoro: lavorare con calma e per bene, come un artigiano, trovare più tempo per coltivare le amicizie e gli interessi, apprezzare tutte quelle cose apparentemente “inutili”, perché non immediatamente traducibili in moneta, che fanno la qualità della vita. Cosa c’è di più urgente di ignorare l’urgenza, di abbandonare la frenesia e l’ansia a favore della lentezza e della riflessione? Abbiamo forse bisogno di una nuova etica oziosa?

Cesare Del Frate

tratto da Diogene, n. 15

Gustave Courbet

Woman With A Parrot 1866

Jean Désiré Gustave Courbet (10 June 1819 – 31 December 1877) was a French painter who led the Realist movement in 19th-century French painting. The Realist movement bridged the Romantic movement (characterized by the paintings of Théodore Géricault and Eugène Delacroix), with the Barbizon School and the Impressionists. Courbet occupies an important place in 19th century French painting as an innovator and as an artist willing to make bold social commentary in his work.

http://en.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet

Gustave Courbet foi um pintor francês que liderou, no século XIX, o movimento artístico conhecido por Realismo. Alcançou notoriedade ao retratar duas mulheres nuas entrelaçadas no sensualíssimo Le Sommeil (O Sono). O quadro deu o que falar na época e hoje está no acervo do Petit Palais, onde foi clicado pelo amigo Pedro Curi.

Quem quiser as duas mocinhas em casa pode encomendar pela AllPosters.com.

E por falar em nu, em sexo e em arte…

Achei incríveis as ilustrações do Zed Nest para o Made By Humans – principalmente estas duas, de sexo entre homens. Ambas estão à venda através do site, em prints tamanho A3 ou A4.

Vale conferir!

From left, Virginie Amélie Avegno Gautreau, Sidonie-Gabrielle Colette, Marchesa Luisa Casati, Joanna Hiffernan and Evelyn Nesbit

I am particularly fascinated with women that don’t fit into the standard mold of femininity, that push the envelope a little, or at times, a lot. Historically, it seems these are the most sought after muses for everything from film, to art, to fashion, to books – and it’s no wonder, their intriguing lives have a way of drawing you in, inspiring you to capture just a modicum of their “je ne sais quoi.” I’ve been wanting to write about a few of these misbehaving dames for a while now, and I can’t put it off any longer.

After the jump, tales of murder, love triangles, lesbian affairs, rule-breaking fashion and provacative paintings. 

Sidonie Gabrielle Colette

French novelist Sidonie Gabrielle Colette (Jan. 28, 1873 – Aug. 3, 1954), pen name “Colette,” is well known for writing Gigi, and her recently adapted to film novel, Chéri. She had various affairs with both men and women, including Mathilde de Morny, with whom she performed in Rêve d’Égypte at the Moulin Rouge. The pantomime was banned after their onstage kiss almost caused a riot. She later had a notorious affair with her stepson Bertrand de Jouvenel, which began when he was only 16 years old and she was in her late 40s. I’m itching to read Judith Thurman’s Secrets of the Flesh: A Life of Colette for more insight into the life of this evocative writer.

Evelyn Nesbit

I first read about Evelyn Nesbit (Dec. 25, 1884 - Jan. 17, 1967) – artists’ model, chorus girl, Gibson Girl – in E. L. Doctorow’s historical fiction novel, Ragtime. Her photos are mesmerizing, but her story is much darker than her innocent images portray. First, her relationship with Stanford White, which began when he was 47 and she was 16, then marriage to Harry Thaw, a cocaine addict and physical abuser who killed White out of jealousy, and finally two sensationalized murder trials of the “Crime of the Century.” There’s an interesting interview with Paula Uruburu, author of “American Eve: Evelyn Nesbit, Stanford White, and the Crime of the Century” here.

Marchesa Luisa Casati

Italian heiress, muse and patroness of the arts, Luisa Casati Stampa di Soncino, Marchesa di Roma(Jan. 23, 1881 – June 1, 1957) captivated Europeans for decades and has since inspired painters, authors, fashion designers and moviemakers with her eccentric lifestyle. She was known for strolling with leashed cheetahs in nothing but a fur coat, wearing live snakes as jewelry and her outlandish parties with nude servants gilded in gold and wax mannequins seated at the dining table. She inspired Cartier’s Panther design, is the namesake behind the Marchesa fashion house, and is said to be the inspiration behind many novel and movie characters.

Joanna Hiffernan

Joanna “Jo” Hiffernan(1843 – after 1903), artists’ model and muse, was in a six year relationship with American painter James Abbott McNeill Whistler, during which time she modeled for “Symphony in White, No. 1: The White Girl.” While it was scandalous enough at the time that she was an unmarried artists’ model, the real shocker came when she started modeling for Whistler’s friend, French painter Gustave Courbet. Whistler and Courbet had a falling out, likely because Hiffernan and Courbet were having an affair at the time of the four paintings she modeled for him. This would make sense, since it is strongly believed that Hiffernan is the model for Courbet’s controversial “L’Origine du monde.”

Madame Pierre Gautreau

Parisian socialite and artists’ model, Virginie Amélie Avegno Gautreau (Jan. 29, 1859 – 1915) was the model for John Singer Sargent’s painting “Portrait of Madame X,” which caused quite the scandal at the time. Known for her avant-garde style and numerous affairs, Sargent’s painting, gave Gautreau notoriety, but not in the manner she had hoped. Originally, the right shoulder strap was hanging off the shoulder, and the combination of this and the “erotic” suggestion of her dress, pale skin and pose, caused viewers to be shocked and Gautreau to retreat from the public’s eye. For more insight into lives of Sargent and Gautreau and the painting itself, I plan to read “Strapless,” by Deborah Davis.

I’ve so many decisions going inside my brain, like little-legged fairies running about. There’s a collision zone — career, education, life, health, money, relationships, time. It’s Chaos. It itches.

Gustave Courbet, The Desperate Man

Bildsprung, Atelier Gustave Courbet

Bildsprung Signatur

Bildsprung, das Rheinland ist frei!

Bildsprung 1900

Das fünfzehnjährige Selbst lächelt mich als Tod an

Hier nackt, jetzt lange tot

Vera Brühne

Landschaft neapel gelb dunkel

Rainer Langhans

Gibson

Marilyn Monroe- the fool on the hill

Ein milder Abend mit Renoir

Picasso erscheint in meinem Fenster

Gestaltete Nackte vor dunkler Landschaft

Samstagabend und schwüle Stille

Sonniger Morgen in Vorstadt

Polizei allgemein

Picasso maigrün dunkel und mit Angst

Film,  nachgedunkelt

Der Kaufladen

Kopflos mit Modell

Selbst, kopflos am Rhein

Kleine Frauen kämpfen mit grossen Frauen

Marilyn Monroe

Flußbadende

Ein freundlicher Sonntag mit Renoir

Flucht aus dem Wald über die Wiese

Frauen vor Flußlandschaft

http://www.foth-malerei.com/

Impératrice Eugénie sur la plage, à Trouville

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Alain Jacquet, Albert Marquet, Alberto da Veiga Guignard, Alberto Giacometti, Alexandre Defaux, Alfred Courmes, Amedeo Modigliani, Andre Derain, André Lhote, André Masson, Anita Malfatti, Balthus, Belmiro de Almeida, Bernard Rancillac, Bruno Perramant, Carlos Prado, Carolus Duran, Cândido Portinari, Celine Berger, Chaim Soutine, Claude Monet, Damien Cadio, Damien Deroubaix, Di Cavalcanti, Edmond-Marie Petitjean, Edouard Manet, Eduardo Arroyo, Eliseo Visconti, Eugène Leroy, Fernand Léger, Francis Gruber, Georges Braque, Gérard Fromanger, Gilles Aillaud, Gudmundur Erró, Gustave Courbet, Henri Barande, Henri de Toulouse- Lautrec, Henri Fantin-Latour, Henri Matisse, Henri-Julian-Felix Rousseau (Le Doauanier), Hervé Télémaque, Hervê Ic, Iberê Camargo, Ida Tursic et Wilfried Mille, Jacques Herold, Jacques Monory, Jean Dubuffet, Jean Fautrier, Jean Hélion, Jean Jacques Lebel, Jean-Baptiste-Camille Corot, Jean-François Millet, Jean-Gabriel Domergue, Joan Miró, Joël Kermarrec, José Antônio da Silva, Julien Beyneton, Lourdes Castro, Marc Chagall, Marcel Jean, Marie Laurencin, Martial Raysse, Maurice de Vlaminck, Maurice Utrillo, Max Ernst, Nikki de Saint Phalle, Nina Childress, Pablo Picasso, Paul Cézanne, Pedro Alexandrino, Peter Klasen, Pierre Bonnard, Pierre Roy, Pierre Tal Coat, Pierre Tal Coat, Pierre-Auguste Renoir, Rosa Bonheur, Salvador Dali, Suzanne Valadon, Sylvia Faijfrowska, Valerie Favre, Victor Brauner, Vieira da Silva e Vincent Van Gogh

Curadoria de Eric Corne

Exposição: 29/04/2009 a 28/06/2009

Cerca de setenta obras vindas de importantes museus franceses e da Coleção Berardo (Lisboa), unem-se a mais 50 obras do acervo do MASP para compor a exposição. A exposição cobre o período desde que a arte feita na França se afirmou e dominou o panorama cultural até o momento em que a arte feita nos EUA ascendeu ao primeiro posto. Nestes cem anos é possível perceber traços sucessivos de percepção do real: o tema desta exposição é a história desta interpretação, desta desfiguração e reconfiguração.

Segmento: pintura, fotografia, escultura, desenho, colagem, assemblage

Local:
Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP
Avenida Paulista 1578 – Cerqueira César
São Paulo / São Paulo / Brasil
55-11-3251-5644
atendimento@masp.art.br
www.masp.uol.com.br

Horários:
Terça a domingo, 11-18h; quinta, 11-20h

Matéria enviada por Annete Morhy ao Canal Contemporâneo.

The Origin of the World

LA BELLA DURMIENTE
Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico

Museo del Prado
Del 24 de Feberero al 31 de Mayo de 2009
(Prorrogada hasta 21 de Junio)

- Hermandad Prerrafaelita

La Hermandad Prerrafaelista (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad se disolvió apenas un lustro después, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. Surgió en oposición al conservadurismo academicista de la Royal Academy of Arts y al convencionalismo de la época victoriana, con la aspiración de recuperar un arte más espontáneo inspirándose en la naturaleza y en la técnica y el simbolismo de los pintores italianos y flamencos del primer Renacimiento. Propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael (de ahí el nombre del grupo), a los que consideraban más auténticos. Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad.
Su pintura se focaliza especialmente en evocar el estilo de los antiguos pintores del Renacimiento, especialmente basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso, como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.

Los objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro declaraciones:

1. Expresar ideas auténticas y sinceras;
2. Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
3. Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;
4. Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.

Estos principios no tenían un carácter dogmático, ya que los prerrafaelistas creían en la libertad personal de los artistas para escoger sus propias ideas y técnicas pictóricas. Bajo la influencia del Romanticismo, pensaban que la libertad y la responsabilidad eran en el arte conceptos inseparables. Sin embargo, les fascinó particularmente la Edad Media, que entrañaba para ellos una integridad espiritual y creativa que se había perdido en épocas posteriores. Este énfasis en lo medieval suponía en la práctica un alejamiento del realismo, que propugnaba una observación independiente de la naturaleza. En sus primeros momentos, los prerrafaelistas creyeron que medievalismo y realismo eran compatibles, pero en años posteriores el movimiento terminó por escindirse en dos direcciones. La corriente realista fue encabezada por Hunt y Millais, mientras que el medievalismo estaba representado por Rossetti y sus seguidores Edward Burne-Jones y William Morris. La ruptura no fue nunca absoluta, dado que ambas facciones creían en la esencia espiritual del arte, oponiendo así su idealismo al materialismo realista asociado con Courbet y el impresionismo.
A partir de 1856, Rossetti se convirtió en el principal representante de la tendencia medievalista del movimiento. Su obra influyó en su amigo William Morris, del que fue socio en su empresa (y con cuya mujer tuvo tal vez un idilio). Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones fueron también socios de la misma empresa. Gracias a ella, los ideales de la hermandad influyeron en gran número de arquitectos y diseñadores de interior, despertando el interés por el dibujo y la artesanía medievales. Esto condujo al movimiento llamado Arts and Crafts, encabezado por Morris.

En su búsqueda de un colorido brillante, semejante al de la pintura del Quattrocento, Hunt y Millais desarrollaron una técnica pictórica consistente en aplicar por encima del dibujo previamente trazado en el lienzo una fina capa de pigmento blanco, que dejaba visible el dibujo; sobre esta capa húmeda se aplicaba la pintura, con pinceles pequeños y meticulosa lentitud. Esto permitía que el color tuviese en sus cuadros el brillo y luminosidad que buscaban. Este énfasis en la luminosidad del color era una reacción contra el uso excesivo del betún en las obras de artistas ingleses como Joshua Reynolds, David Wilkie o Robert Haydon. El uso del betún dejaba en la pintura zonas oscuras, un efecto que los prerrafaelistas rechazaban.

En la visión de la naturaleza de los prerrafaelitas influyeron la democratización de la ciencia y la gran expansión del interés por la historia natural a mediados del siglo XIX. La visión prerrafaelita era óptica e investigadora. Al otorgar a los detalles naturales el mismo valor que al elemento figurativo principal subvertían la idea académica de una composición organizada jerárquicamente, en la que el fondo quedaba subordinado al foco de interés humano. Cada forma de la naturaleza era tratada con gran exactitud, de forma única y autónoma. Este detallismo en la representación pictórica motivó la comparación con el alcanzado por la fotografía y por el microscopio. Algunos críticos indicaron que una concentración de detalles tan excesiva creaba una sensación de hiperrealismo que iba más allá de las nociones aceptadas de realismo en el arte. Los prerrafaelitas pintaban directamente del natural, intentando captar de cerca el detalle. Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Para ello la ciencia constituía una guía fiable. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo a partir del motivo representado. Un factor importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal como aparecía en la naturaleza. Esto les llevó a intentar distinguir entre colores “absolutos” (aquellos que poseen los objetos vistos por separado, sin influencia de ningún otro color) y “aparentes” (aquellos que se regulan entre ellos al ser vistos en conjunto).

Los pintores prerrafaelitas rechazaron la estetización del entorno mediante estrategias pictóricas y aunque el parecido de los paisajes prerrafaelitas con los de los pintores flamencos e italianos primitivos es escaso, existen algunos puntos en común: aislamiento de detalles naturales, enfoque homogéneo en toda la imagen (aspecto que ha sido interpretado como un rechazo de las convenciones paisajistas que predominaron después del Renacimiento) y equilibrio entre los elementos figurativos y paisajísticos.

JOHN EVERETT MILLAIS (1829 -1896)

Millais nació en Southampton, en el seno de una prominente familia originaria de la Isla de Jersey. Su prodigioso talento para el arte le valió una plaza en las escuelas de la Royal Academy con sólo once años.
Tras fundar la Hermandad Prerrafaelita, Millais realizaría obras adscritas a dicha estética. Dentro de este periodo prerrafaeilta destacan cuadros como Cristo en casa de sus padres (1850), que fue objeto de controversia a causa del retrato realista de una Sagrada Familia de clase obrera trabajando en un desordenado taller de carpintería, Un hugonote (1852), que representa a una joven pareja a punto de separarse a causa de sus diferencias de religión, y su obra más conocida, Ofelia (1852), donde Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza. Este procedimiento ha sido descrito como una especie de «ecosistema pictórico». Sin embargo, tras su matrimonio con Effie Gray en 1856, Millais cambió su estilo de pintura, haciéndolo más comercial y asequible, sucumiendo al gusto victoriano de un arte sentimental y anecdótico.

- La huida de un hereje (1857).
En este cuadro, Millais desarrolló la tradición de presentar anécdotas imaginarias del pasado como un medio para universalizar los sentimientos de los individuos.

WILLIAM HOLMAN HUNT (1827 – 1910)

Las obras de Hunt no tuvieron al principio demasiado éxito, siendo calificadas por la crítica de feas y torpemente ejecutadas. En los comienzos de su carrera su interés por el realismo le llevó a pintar varios cuadros que reflejaban escenas de la vida cotidiana tanto en el campo como en la ciudad. Fue un notable paisajista, pero sin embargo, la fama le llegó con sus obras de temática religiosa.
Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos. Su trabajo recibió la influencia de los escritos de John Ruskin y Thomas Carlyle; como ellos, Hunt creía que el mundo podía ser descifrado como un sistema de signos visuales. Para Hunt, la tarea del artista consistía en revelar la correspondencia entre signo y realidad. De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida. Al final de su carrera se vio obligado a abandonar la pintura, por problemas de visión.

- La señorita Gladis M. Holman Hunt (La escuela de la naturaleza) (1894)
Óleo sobre tabla fechado por el artista como “93”, en la parte inferior derecha, cerrando un monograma del autor (su firma). Fue expuesto en su primera versión en 1896 en Liverpool con el título de Ocio de verano. La obra responde en todo momento a una doble naturaleza, a una doble definición, concentrada en dos lecturas: la superficial o estética y la simbólico-alegórica o temática.

THOMAS SEDDON (1821 – 1856)

Paisajista inglés nacido en Londres. Su padre era carpintero, y el hijo durante algún tiempo siguió la misma ocupación, pero en 1842 fue enviado a París a estudiar arte ornamental. A su regreso realizó diseños de mobiliario para su madre. En 1849 comenzó a dibujar en excursiones por Gales y Francia, y en 1852 expuso en la Real Academia.
A finales de 1853 se unió a holman Hunt en una expedición al Cairo. Trabajó durante un año en Egipto y Palestina, pintando paisajes que Ruskin declaró que eran “los primeros paisajes que muestran una perfecta unión de habilidad artística con precisión topográfica”. Sus cuadros sobre Oriente fueron expuestos en Berners Street, Londres en 1855, y en Conduit Street en 1856. En ese mismo año, Seddon regresó al Cairo, donde falleció.

- Léhon desde Montparnasse (1853)
En esta vista de Léhon, una pequeña aldea de Bretaña, Seddon busca la fidelidad a la naturaleza. Pintado al aire libre, se quiere transmitir cada detalle de lo que se está percibiendo.

DANTE GABRIEL ROSETTI (1828 – 1882)

Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres, Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles Dante Rossetti. Era hermano de la poetisa Christina Rossetti y del crítico William Michael Rossetti. Desde muy temprana edad, mostró un gran interés en la literatura. Como todos sus hermanos, aspiraba a ser poeta. Sin embargo, también deseaba pintar, habiendo mostrado un gran interés en el arte italiano medieval. Estudió con Ford Madox Brown, con quien mantuvo una estrecha relación a lo largo de su vida. Estudió idiomas en el King’s College y posteriormente en la Royal Academy.
Rossetti, tras la fundación de la Hermandad Prerrafaelita, siempre estuvo más interesado en la parte medieval del movimiento que en la moderna, prefiriendo imágenes simbólicas y mitológicas a las realistas.
Estas tendencias se acrecentaron debido a ciertos acontecimientos de su vida privada, en particular por la muerte de su esposa, Elizabeth Siddal (1820 – 1862), quien se suicidó ingiriendo láudano después de dar a luz a un niño muerto. Rossetti cayó en la depresión y enterró la mayor parte de sus poemas inéditos en la tumba de su esposa, en el cementerio de Highgate. Idealizó su imagen como la Beatriz de Dante en un buen número de pinturas, abriendo el camino del pintor hacia una mayor ornamentación y simbolismo.
Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su creciente inestabilidad mental, pasando sus últimos años retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.

- La viuda romana (Dîs Manibus) (1874)
Rossetti toma un tema clásico para pintar uno de los retratos de enigmáticas mujeres que realizó en la década de 1860, mujeres de belleza particual que permitieron acuñar el término de “belleza prerrafaelita”.

EDWARD BURNE-JONES (1833 – 1898)

Burne-Jones era hijo de un dorador tallista de Bennetts Hill. Su madre murió a los seis días de su nacimiento, y fue criado por su padre y un ama de llaves. Acudió a la Escuela del Rey Eduardo, en Birmingham, y luego estudió teología en el Exeter College de la Universidad de Oxford. Allí se hizo amigo del poeta William Morris como consecuencia del mutuo interés en la poesía, y recibió la influencia de John Ruskin.
En 1855 entró en el taller de Rossetti, pero desarrolló su propio estilo influido por sus viajes a Italia con Ruskin y otros. Pretendía ser eclesiástico, pero por influencia de Morris se hizo artista y diseñador. Después de Oxford, donde no obtuvo título alguno, se involucró mucho en el renacimiento del arte de la vidriera en Inglaterra.

- Serie El Rosal Silvestre (1870 – 1873): Serie inspirada en la fábula de Perrault que en el siglo XIX recogiera Alfred Tennyson en su poema The day dream (El sueño del día), Burne-Jones explora la cualidad ambigua del sueño como frontera con la muerte.

- El sueño del rey Arturo en Avalón (1898)
Se trata de la última obra que realizó Burne-Jones y que dejó inacabada, aunque estuvo trabajando sobre ella unos veinte años. Resume la fascinación de los prerrafaelitas por la leyenda artúrica. Arturo, mortalmente herido tras la última batalla contra Mordred, ha sido llevado por tres reinas mágicas hasta la isla mágica de Avalón, donde permanecerá en un ensueño hasta que su presencia sea requerida de nuevo en la tierra. Por tanto, Avalón representa por un lado el fin de una época mítica, a partir de la cual llegará la decadencia, un mundo sumido en la confusión y en la tristeza, pero además Avalón representa una esperanza para el futuro. Arturo no está muerto, está esperando el momento para regresar.

FREDERIC LEIGHTON (1830 – 1896)

Leighton nació en Scarborough en una familia dedicada a los negocios de importación y exportación. Estudió en la University College School, Londres. Recibió su educación artística en el continente europeo, primero de la mano de Eduard Von Steinle y después de Giovanni Costa. A la edad de 24 años, viajó a Florencia, donde asistió a la Academia de Florencia. Vivió en París desde 1855 a 1859, donde conoció a Ingres, Delacroix, Corot y Millet.
En 1860, se trasladó a Londres, donde se asoció a los Prerrafaelitas. Leighton fue ordenado Caballero Bachelor en Windsor en 1878, y se le concedió el título de baronet ocho años más tarde. Fue el primer pintor al que se le otorgó el Par, en la Lista de Honores de Año Nuevo de 1896. La patente que lo convirtió en Baron Leighton de Stretton en el Condado de Shropshire, se hizo pública el 24 de enero de 1896; Leighton murió al día siguente de una angina de pecho.

- Sol ardiente de junio (1895)
Es considerada la obra maestra de Leighton. De naturaleza clásica, se cree que la mujer retratada hace referencia a las figuras durmientes que los griegos pintaban a menudo simbolizando a  Venus. En la parte superior del cuadro aparece una adelfa, planta venenosa que representa el frágil vínculo entre el sueño y la muerte.