In the article Objecting to Objectification: Re-Viewing the Feminine in The Silence of the Lambs (first printed in Journal of Popular Culture, 37.1, August 2003, pp. 1-12), Greg Garrett outlines ‘a theme that runs throughout the film’; the objectification of women. He argues that ‘by accenting Starling’s harassment, by removing male helpers present in the novel, and by stressing Starling’s resistance to the attempts of men to objectify her, the film creates… [a statement] about the various forms of female victimisation in our society.’

In his introduction Garrett refers to what he believes are the two core moments ‘consistent with [this] theme which runs throughout the film.’ The first is a scene where ‘Starling (Jodie Foster) holds up a punching target and braces herself as brawny male trainees light into her. She is no longer a woman; to her fellow trainees, she is only a punching bag.’ He believes that the fact she is surrounded by men and that they are shown to be pummeling her in this way, makes her seem less human, which makes way for the other times throughout the film in which men in her place of work objectify her because she is a woman.

This ‘verbal’ example clearly ‘reinforce[s] the idea that women must be seen as people rather than objects.’ This is what Garrett sees as something of a ‘strong… statement’.

Many examples Garrett makes in reference to this concept come in his references to things people say during dialogue with Starling. He recalls that ‘Starling is sexually harassed by Dr. Frederick Chilton’ when he is insultingly asks her for a personal ‘follow up’. Later he points out that ‘two young deputies make objectifying remarks about her.’ So through these examples Garrett shows the reader that in the scripted dialogue, the objectification of women is obvious in her male colleagues attitude and conversation with her.

Garrett argues that the ‘chief objectifier of women in the film’ is Buffalo Bill.  The main manifestation of Buffalo Bill’s objectification comes in the way he treats his victims; killing them so that he can ‘construct a costume of their skins.’  Garrett recalls Lector’s murdering method as similar in it’s objectification; (though it is not unique to women) he ‘turns people into gourmet meals’. However there is a difference with his attitude towards Starling when he ‘begins to regard her as a person, and thus is no longer capable of objectifying her,’ in the same way that Buffalo Bill was encouraged to.

Garrett describes his second reference from his description of the following scene:

…in response to a televised appeal broadcast to killer “Buffalo Bill” (Ted Levine) to release his most recent hostage alive, Starling lauds the strategy of repeating the victim’s name, Catherine, over and over. She knows that if Bill “sees Catherine as a person and not just an object” it will be harder to destroy her.

By analysing this theme in The Silence of the Lambs, we see that Garrett’s main aim is to highlight the moral importance of treating people as they should be; as humans, not as objects.

Ich werde dabei zwar keinen Hardrock hören, aber ein bisschen fühle ich mich wie Hannibal Lector, wenn ich nachher genüsslich  diese AUGEN esse.

Herzlichen Dank liebe Freidenkerin für diese tolle Überraschung. Da bin ich ja völlig hin und weg. Bin gespannt, was Steffi nachher sagt, wenn sie zu Hause ist.

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Gerade festgestellt, ich bin hier nicht der einzige Lego-Fan. Da habe ich doch einen Mitleser gefunden.

Bilder: T.R. aka Wortman

The list is finally complete. The deliberations are now over and the top ten list of the best movie characters of all time is finished. Boy, it’s been a lot tougher than I thought!

You end up having to make impossible choices between characters that are nothing alike, for example, how can you really compare Al Pacino’s Tony Montana from Scarface with Eddie Murphy’s Axl Foley in Beverly Hills Cop? Also, just because a character is in one of your favourite films of all time, doesn’t make necessarily them one of the best characters of all time.

Being somewhat of a movie buff I was surprised at how ‘mainstream’ my top ten movie characters were. However, I picked the characters that for me, and you are very welcome to disagree, have made the biggest impression and that still resonate with me.

No. 10 in my list begins here, but as a clue here are some of the characters that didn’t quite make the top 10:

Bruce Wayne

Hans Solo

Barbarella

Tony Montana

Butch Cassidy

Catherine Tremell (from Basic Instinct)

Keyser Soze

Darth Vader

Neo (from The Matrix)

The Good (from the Good, The Bad & the Ugly)

Ron Burgundy

Axl Foley

Michael Corleone

Dirty Harry

Hannibal Lector

Click here for the #10 best movie character of all time >>>

Would you like to hear a pretty song?

And for those who have absolutely no interest in classical music, well, here’s a Monty Python MP3 for you: Decomposing Composers

All joking aside, considering the date the tone of the music also works as an appropriate memorial to the victims of 9/11/2001 and in that spirit I’ll post this quiet video version that requires no download.

Kein Krieg im Kino.

Die Goldene Palme hätte er verdient gehabt. Meint er. Der Quentin. Nicht, dass er Michael Haneke die Auszeichnung nicht gönnen würde, aber der Große Preis der Jury, der hätte doch zumindest drin sein müssen. Dem Kollegen Jacques Audiard also und dessen Film „Un Prophète“, der stattdessen ausgewählt wurde, gönnt er die Ehre also offenbar nicht. So jedenfalls muss man schließen. – Was Tarantino da der Associated Press erzählt hat, darf man vermutlich nicht allzu ernst nehmen. Irgendwie war halt nicht das Geschenk unter dem Weihnachtsbaum, das er sich gewünscht hatte, und das kann einem schon mal die Feiertage verderben. Als er im Mai nach Cannes eingereist war, die „Inglourious Basterds“ noch brühwarm auf dem Schneidetisch, wurde er nicht müde zu betonen, wie sehr er dieses Festival liebe, dass es für ihn so eine Art Olympiade des Kinos sei, dass es nichts Größeres gebe, als dort seinen Film vorzustellen, und so weiter, und so weiter. Doch ausgerechnet hier, wo er 1994 zum King of Pulp gekrönt wurde, 2004 gar Jurypräsident war, und selbst 2008 mit dem belanglosen „Death Proof“ noch ins offizielle Programm kam, wird sein langgehegtes Lieblingsprojekt einfach übergangen. Die Reaktion ist dem gemäß die eines enttäuschten Kindes, das anderen Versprechungen unterstellt, und sich dann trotzig abwendet, wenn diese nicht eingehalten werden. So blieb er dann auch der Verleihungszeremonie fern, obwohl sein (heimlicher) Hauptdarsteller dort den größten Triumph seiner bisherigen Karriere feiern konnte. Dass Christoph Waltz darüber hinaus zum Besten gehört, was Tarantinos ebenso lustiger wie unausgewogener Nazikiller-Zirkus zu bieten hat, spiegelt die Jury-Entscheidung im Grunde nur wider. Denn der Film steht und fällt in erster Linie mit dem international bisher völlig unbekannten Österreicher – und umso profunderen Undank bekommt dessen Figur am Ende von ihrem Erfinder. Der größte seiner „Basterds“ ist eben immer noch Tarantino selber.

Wer auch nur am Rande die Vielzahl an Diskussionen, Kampagnen und Interviews seit der Uraufführung in Cannes verfolgt hat, weiß eigentlich schon alles über diesen Film, hat schon alles gesehen und alles gehört. Das Drumherum ist bei Tarantino längst Teil der Postproduktion geworden, denn der Filmemacher ist Kult und Marke in einem. Und da seine Auftritte bisweilen unterhaltsamer sind als alles, was er in den letzten Jahren auf die Leinwand gebracht hat, lohnt es sich immer, seinen kinotrunkenen Selbstvermarktungsmonologen zuzuhören. Verteilt auf unterschiedliche Figuren in einer jener Schlagabtauschorgien, für die der bekennende Cinemaniac bekannt ist, funktioniert das alles mittlerweile nicht mehr so gut wie früher. In „Death Proof“ suchte man über weite Strecken vergeblich nach den Pointen, die Tarantinos Dialoge so angenehm von der gängigen Ware abhebt, die Hollywoods Drehbuchautoren im Allgemeinen abliefern. Die Nonsens-Gespräche über Popkultur, Gossip und Banalfetischismus, die den übermäßigen Redeanteil in „Resevoir Dogs“ und „Pulp Fiction“ so unverzichtbar machen, wirkten hier selten uninspiriert und beliebig. Hinzu kam, dass die Frauenfiguren, die unablässig vor sich hin quasselten, zu den uninteressantesten Gestalten gehörten, die QT, wie ihn das hippe US-Feuilleton gerne abkürzt, jemals erfunden hat.

„Inglourious Basterds“ hat teilweise ähnliche Probleme und opfert, weil Tarantino bei seinen Dialogen mittlerweile offensichtlich das Ökonomieprinzip abhanden gekommen ist, beinahe einen gesamten Akt (den vierten) dem Prinzip endloser Faselei. Zudem wird – auch das ein Phänomen, das bereits bei „Death Proof“ auf dem Spielplan stand – in einem solchem Maß über Quentins Lieblingsthema, das Kino natürlich, schwadroniert, dass sich so mancher im Publikum ernsthaft ausgeschlossen fühlen mag. Überhaupt vereint der Film Stärken und Schwachen seines Machers, und so erstaunlich die Höhen sind, zu denen er sich bisweilen aufschwingt, so flach geraten die Täler, die man als Zuschauer durchwandern muss.

Am Anfang steht zugleich die stärkste Szenenfolge, und da Tarantino sich selber die Latte so hoch legt, dass er sie unmöglich im Verlauf des Films noch einmal wird überspringen können, ist es verzeihlich, dass die restlichen rund 120 Minuten eine andere Richtung einschlagen. Schon früh konnte man im Netz einen kurzen Eindruck davon bekommen, wie intensiv die Konfrontation eines ehrenhaften französischen Bauern (Denis Menochet) mit SS-Judenjäger Hans Landa (Waltz) ausfällt, doch die insgesamt etwa 20 Minuten Leinwandpräsenz, die der Film den beiden einräumt, übertrifft auch die kühnsten Erwartungen noch mit Leichtigkeit. Landa taucht danach zwar noch zweimal auf, aber die teuflische Bedrohung, die von dieser Figur ausgeht, das perfide Treiben aus makelloser Höflichkeit, zynischer Spielfreude und menschenverachtender Fokussiertheit gehört zur atemberaubendsten Darstellung des Bösen, die es jemals im Kino zu sehen gab. Landa bündelt Mephisto, Hannibal Lecter und die gut erzogenen Eindringlinge aus Hanekes „Funny Games“ zu einer einzigen Figur. Doch erst mit dem präzisen, erschreckend natürlichen Spiel ihres Darstellers wird sie zum komplexen Zerrbild menschlicher Abgründe. Vielleicht hat Tarantino beim Schreiben bereits geahnt, wie monströs diese Gestalt in den Händen des richtigen Schauspielers werden könnte, und sie deshalb im Verlauf des Films langsam demontiert, so dass am Schluss nichts mehr von ihrem ursprünglichen Schrecken übrig bleibt.

Diese Praxis ist natürlich Standard bei QT, und sie trifft in der Regel nahezu alle Figuren – jedenfalls die männlichen. Alle werden sie auf ihre Weise früher oder später entlarvt und / oder der Lächerlichkeit preisgegeben. Der jammernde Stuntman Mike ist dafür nur das offensichtlichste Beispiel. Tarantino erfindet keine geradlinigen Charaktere. Wenn er einen aufrichtigen Soldaten konstruiert, der lieber sterben würde als seine Kameraden zu verraten, dann muss das schon ein judenhassender Nazi sein, der mit einem Baseballschläger zu Brei geschlagen wird. Die Guten prügeln und skalpieren, die Bösen haben exzellente Manieren und Ideale. Man könnte sagen, im Krieg verschwimmen die Grenzen, doch das ist schnell überinterpretiert, denn bei Tarantino gibt es auch sonst nie bloß schwarz und weiß. Kaum eine Figur bleibt, auch bis in die kleinste Nebenrolle hinein, von diesem Prinzip verschont – einzig Hitler (am Rande des Chargierens: Martin Wuttke) und Goebbels (Sylvester Groth, hat einige der besten Pointen), die beiden realen Monster der Geschichte, sind von Anfang an bereits als Witzfiguren angelegt. Doch auch das ist natürlich Demontage, wenn auch nicht filmintern.

Fünf Kapitel strukturieren die Erzählung, und das ist nur einer von vielen Manierismen (andere mögen sagen: Trademarks), die „Inglourious Basterds“ unmissverständlich als Produkt ihres Machers ausweisen. Im Rahmen des einzelnen Films wirken sie manchmal wie Fremdkörper (ein „Kill Bill“-typischer Rückblendeneinschub, der eine einzelne Figur einführt; eine Exkursion über die Brennbarkeit von Filmrollen) im Gesamtwerk aber sind sie sozusagen interfilmische Verweise. – Fünf Kapitel also von unterschiedlicher Qualität, Optik, Gewichtung und Unterhaltsamkeit. Landa wird als unerbittlicher Judenjäger eingeführt, und ein junges Mädchen namens Shosanna (Mélanie Laurent) entkommt seinem Zugriff. Später, in Kapitel Drei, wird sie wiederkehren und ein Kino in Paris leiten. Zwischendurch lernt der Zuschauer die „Basterds“ kennen, einen 9-köpfigen Trupp von Nazijägern (also Landas direkte Antagonisten), angeführt von Aldo Raine (Brad Pitt), dem Apachen, einem Südstaatenlieutnant, der Wert darauf legt, dass seine Soldaten ihre Opfer skalpieren. In Paris führt die Begegnung Shosannas mit einem gefeierten deutschen Kriegshelden (blass aber passend: Daniel Brühl), der um sie wirbt, dazu, dass die Premiere eines Films über seine Heldentaten in ihrem Kino aufgeführt wird. Ehrengäste: Hitler, Goebbels und andere Mitglieder der Führungsriege. Für Shosanna eine unvergleichliche Gelegenheit – sie will den Event dazu nutzen, sich an den Mördern ihrer Eltern zu rächen und das Kino in die Luft zu jagen. Die Engländer (unter ihnen Mike Myers und Rod Taylor als Winston Churchill!) planen Ähnliches und bringen die „Basterds“ ins Spiel. Das geschieht zu Beginn von Kapitel Drei, und danach heißt es für den Zuschauer: Durchhalten, denn es wird viel geredet, und das ohne Punkt und Komma.

„Inglourious Basterds“ ist Flickwerk und Nummernrevue, aber zugleich auch clevere alternative Geschichtsschreibung. Hätte es seine Figuren tatsächlich gegeben, so wäre das Kriegsende vielleicht verlaufen wie hier – so behauptet es Tarantino ganz ernsthaft und wörtlich, und man mag ihm glauben, dass er das tatsächlich denkt. Vor allem aber gilt: Der Künstler legt sich die Dinge so zurecht, wie sie ihm am besten gefallen – egal, ob das die Schreibweise eines Titels ist oder der Ausgang des Zweiten Weltkriegs. Hier besiegt das Kino die grausame Wirklichkeit, doch mit diesem lustigen, aber nicht unbedingt einer tieferen Reflexion gegenüber offenen Interpretationsfigur mögen sich andere beschäftigen. Überhaupt lässt sich hier viel an der Deutungsschraube drehen, und die ist vor allem popkulturell und filmhistorisch geprägt. Georg Seeßlen hat gleich ein ganzes Buch über die Besonderheiten dieses Films geschrieben und seinen Macher mal schnell zum „Erlöser mit dem richtigen Maß an Frechheit“ erhoben, der mit der deutschen Hitler-Besessenheit endlich Schluss mache und den Diktator buchstäblich einfach in Stücke zerschießen lasse. So kann man es sehen. Oder auch nicht.

Tarantino wehrt sich zurecht gegen den immer mal wieder erhobenen Vorwurf, er hätte einfach zu viele Filme gesehen, um selber etwas zu produzieren, was nicht in erster Linie wiederum vom Kino handelt. Solange sich seine bunten Zitationsmaschinen problemlos konsumieren lassen, ohne dass man versierter Cineast sein muss, ist das nämlich kein Problem. Im Gegenteil: Wer sich einen Spaß daraus machen will, die Unzahl von Quer- und Längsverweisen nachzuvollziehen, mit denen QT seine Arbeiten schmückt, dem eröffnet sich eine zusätzliche Spielebene. Wo diese aber in den Vordergrund rückt und zum Selbstzweck wird, nimmt Quentins Kino elitäre Züge an. Wenn die Engländer hinter verschlossenen Türen über einen möglichen Anschlag diskutieren, und dabei die Rolle der UFA ein zentrales Thema wird, nur weil der Ort des Geschehens ein Kino ist, dreht sich der Film um sich selbst. Was ein amerikanisches Publikum zudem wohl von einer mehrminütigen Diskussion über die Herkunft und Nationalität von Winnetou halten mag, kann man sich an fünf Fingern abzählen. Aber auch hier redet Tarantino selbstverständlich nur über das Kino, denn auch wenn zwischen Kriegsende und dem ersten Leinwandauftritt des tapferen Apachenhäuptlings (daher natürlich auch der Spitzname, den die Deutschen dem amerikanischen Skalpsammler geben) knappe 17 Jahre liegen, kennt jeder gute Durchschnittsnazi den Friedensgruß von Pierre Brice bereits genau.

Nicht weniger zitatenreich gerät wie gewohnt Tarantinos Musikauswahl. Hatte er noch 2007 laut getönt, niemals mit einem Filmkomponisten zusammenarbeiten zu wollen, so war er doch für „Inglourious Basterds“ bemüht, sich die Dienste von Ennio Morricone zu sichern. Es kam nicht dazu. Morricone hatte zwar zugesagt, doch die knappe Terminplanung bis zur Fertigstellung in Cannes kam dazwischen. So gibt es also stattdessen, wie schon zuvor bei „Kill Bill“ und „Death Proof“ einige ältere Titel des Meisters zu hören, doch wie immer beweist Tarantino, dass er entweder keine Ahnung von oder kein Interesse an thematischer Verwendung von Musik hat. Was er auswählt, setzt er ausschließlich punktuell ein, durchaus effektiv (atemberaubend: die Flucht Shosannas vor Landa), jedoch ohne Zusammenhalt stiftende Funktion. So sehen alle Sequenzen, die präzise zur Musik montiert sind, immer verdächtig nach Temp-Tracking aus.

Und doch zeigt gerade seine Musikauswahl immer wieder, wie Tarantino sich Dinge zurecht legt und für seine Zwecke einfach uminterpretiert. Ein besonders raffiniertes Beispiel dafür findet sich im Finale. [See these eyes of green:] Das finale Kapitel beginnt Tarantino im Stil eines Videoclips aus den 80ern mit David Bowies „Putting out Fire“ (aus Paul Schraders „Cat People“ – selbstverständlich auch ein Filmzitat) und nutzt den Text als Regieanweisung. Man fragt sich zunächst mit einigem Recht, wozu eine derartige Doppelung gut sein soll, doch wird man sich wundern, wie weit sich der Bogen des Songs spannen lässt. [I can stare for a thousand years] Während die Clip-Ästhetik nämlich scheinbar die bloße Oberfläche imitiert, und etwa Shosannas grüne Augen zeigt, während die Lyrics von ebensolchen handeln, braucht es das Ende des Kapitels, um zu begreifen, welche Augen hier für tausend Jahre sogar dann noch starren können, wenn ihr Träger längst nicht mehr lebt. Und am Ende ist auch das wieder eine Liebeserklärung an das Kino.

Artikel © 2009 Thomas Lenz. Alle Rechte vorbehalten.
Filmplakat / Fotos: Universal Pictures International Germany GmbH

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cannibals…

Michael Jackson’s death will no doubt go down in history as one of those moments when everyone remembers where they were when they heard – just as when the first man walked on the moon, the Berlin Wall came down, Princess Diana died and 2 planes flew into the Twin Towers.

I was in the gym, peddling furiously away on a bike when I clocked the 3 TV screens above me and realised that something was amiss in La La Land. It took a moment to figure out exactly what was going on as the volume was turned down and my lip reading skills aren’t what they should be.

I immediately sent an SMS to my husband (which is not an easy thing to do whilst going uphill on Level 7) to ask him if he’d heard. He simultaneously called me to tell me the news. Apparently by this stage we were the last 2 people in this media led world to have heard the news.

Unsurprisingly enough, what has followed his death has been nothing less than the full blown media circus that you might expect. Every single TV channel has so far leapt with both feet onto the bandwagon, and bled the story dry for every last sensationalist drop. Tasteless jokes flooded the Internet before his time of death was even called, and desperate ‘comedians’ and talentless talk show hosts thought that the news was the perfect fodder for a few quick and cheap laughs.

Oh what a charmed and hypercritical world we live in.

A place where no matter how famous, successful or talented you are, the media would rather look for a way to break you down and pull you apart. That is of course, when you are alive. Should you die, preferably in an untimely, or even better, dramatic fashion, then every red carpet commentator and entertainment presenter will sure enough have something to say.

They will stand there, all primped, preened and ready for their moment in the spotlight, as they sing the praises of the dearly departed and talk about the travesty of a life lost. Oh please, what a load of cra*p.  These headline loving vultures are about as sincere in their grief as Hannibal Lector would be giving a rousing speech at a Pro-Vegetarian Convention.

If Michael Jackson had been in the news the day before, it would have been to make some snide reference to his weird appearance or spiraling debt. A chance to snicker over his eccentric behaviour, dredge up his checkered legal history or make even more assumptions as to why he did what he did.

If he had been on the news the day before, it certainly wouldn’t have been to commend his genius lyrics, his skill on the dance floor or the 5 decades worth of contribution he has made to the music industry. These sort of accolades, sadly, only come with death.

It would be nice to think that a man who has provided so many people with the musical backdrop for a lifetime of memories, be remembered for what he has achieved and not what he so royally buggered up.

OK, so maybe he did look rather odd, and for some strange reason chose to sleep in an oxygen chamber with a chimp called Bubbles. But for heavens sake, the inhabitants of Hollywood are powered by silicon and Botox, and half the stars are already onto their 2nd face. Joan Rivers certainly looks like an extra from Thriller, and no one seems to give her such a hard time.

And perhaps Michael Jackson did somehow manage to get himself into millions of dollars worth of debt, and then have to sell off his ranch and glittery glove to bring in some cash. But so what. Who are we all to judge? After all, those who live in houses built with credit cards, wear clothes bought with store cards and drive cars paid for by legal loan sharks, really shouldn’t throw stones.

Really, if you take comparative salaries into account, Michael Jackson buying a Ferris wheel and a couple of tigers, or a pair of 6 foot solid gold flamingos for his front lawn is really no different to the average person slapping a $1000 handbag or the latest Plasma on their plastic. Especially when they know all to well that there isn’t a hope in hell of ever being able to pay it off before the interest charges double the actual cost.

Michael Jackson lived his life on the stage, lost his childhood as a result and probably never really had a chance to grow up and experience the real world. Many would say that that was his choice, that he chose the life he lived. But those same people were also probably happy to sing along to the music he made and try their hand at a spot of moon-walking.

So lets hope, that instead of dragging his death through another media rumour mill, with endless ‘explosive’ new allegations and ’shocking’ breaking headlines, he will finally be given a little respect and laid to rest in peace, and we can get back to our regular TV viewing.

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By Ryan
HodgeBlodge Hannibal Lecturer

So Great Whites stalk their prey, which makes them like lions only, you know, underwater. But rather than compare them to the many predators that hunt this way, they instead are compared to…wait for it…HANNIBAL LECTOR!!! WTF? It does kind of make sense because I’m told that Jaws did like a nice chianti.

But kidding aside, this attitude is why so many sharks are killed each year. Rather than treat them like the top-of-the-food-chain predator that they are, we instead add this crazy aura to them that makes it ok to kill them because we compare them to serial killers – fictional ones at that. And I’m not talking just about the AP or even Discovery Channel (although those of us that are loyal followers of Shark Week know that Discovery is just as guilty of claiming we shouldn’t be scared while making a million specials about attacks), but instead it’s fucking researchers that are talking this way:

“Researchers used a serial killer profiling method to figure out just how the fearsome ocean predator hunts.”

This is like comparing seagulls to kamikazes – it’s so retardedly self-aggrandizing.

“University of Florida shark attack researcher George Burgess, who had no role in the study, said the researchers simply used a new tool to show what scientists pretty much knew already.”

Oh really? The guy that didn’t stand to gain from the attention was able to put the study in context?
There are few animals that we understand less but are so fascinated with. So, science, do me a favor and pull your head out of your ass and try not to compare endangered species with mass murders.
…Coming next week: How hippos are like Hitler

These are among my absolute favorite horror films of all time.

The Phantom of the Opera (1925)
Psycho (1960)
Night of the Living Dead (1968)
The Exorcist (1973)
Halloween (1978)
The Shining (1980)
Evil Dead (1981)
Evil Dead II: Dead by Dawn (1987)
Angel Heart (1987)
Final Destination (1990)
Jacob’s Ladder (1990)
Clownhouse (1990)
Subspecies (1991)
Silence of the Lambs (1991)
Candyman (1992)
Army of Darkness (1993)
The Addiction (1995)
Se7en (1995)
The Prophecy (1995)
Scream (1996)
Scream 2 (1997)
From Dusk Till Dawn (1998)
Sleepy Hollow (1999)
Scream 3 (2000)
Bubba Ho-Tep (2002)
Dawn of the Dead (2004)
Shaun of the Dead (2004)
The Descent (2005)
Grindhouse Presents: Planet Terror (2007)

Ok, after my last embarrassing post, it’s time to get to some TV blogging.

I was/am a fan of NBC’s The Chopping Block. The premise isn’t anything original or particularly fresh. Similar to BBC America’s Last Restaurant Standing, duos (1 chef, 1 front of house) battle one another for the right to own their very own restaurant. Unlike LRS, the pairs aren’t given their own restaurant to compete in, rather the 8 couples split into two teams (black and red) with respective restaurants to run. From there, standard reality game show rules apply: one twosome is eliminated per show.

Now, none of the contestants are particularly interesting or charismatic for that matter. Watching Hell’s Kitchen, I always had the feeling the show had a few plants to spice things up. I don’t get the same sense here but I do believe the cute Cali sisters have made it to the finals to keep the young male demo interested. Which isn’t working if that’s the plan. More on that later. The sisters, who’s names I can’t be bothered to remember, are somewhat ditzy though the waitress excels at her duties. Her sister, the chef, is a couple months removed from graduating culinary institute and seems lost in a kitchen but keeps winning for whatever reason.

Now, for the ratings. It tanked to the point NBC canceled it and to add insult to injury it’s been replaced by Law & Order: Criminal Intent reruns. Yes, reruns of the worst Law & Order spinoff.

So, why am I blogging about a show I’ve just spent over 200 words describing as mediocre at best? Because I fucking love it. And for one reason: Marco Pierre White. He’s a highly respected chef but more importantly (for reality game shows) he’s British. He’s also awesome. Only because he can best be described as the culinary world’s answer to Hannibal Lector. He never blinks, he speaks in an unflinching monotone, and he eats people. At least I’d like to think he does. Let’s just go with he does. The show is much more enjoyable that way.

She puts the chicken in the bucket

The great thing about Marco is that it’s not a pantomime. He doesn’t ham it up like Gordon Ramsay. He’s genuinely creepy. And caring. In the way Lector kinda killed Multiple Miggs for throwing his jizz in Clarice’s face (ed. note: Why did I type “his jizz”? Who else’s jizz would he be throwing? Though it was an insane asylum so who knows. Carry on).

So, the bad news is Hannibal Pierre’s show has been canceled…on tv. You can still catch new episodes on NBC.com on Wednesday’s though next week’s show should be the last. All the previous episodes are there as well — I actually never watched any episode on TV (God bless Hulu).

The Culture Capture Champs catch Mos Def during a break in the studio while recording “The Ecstatic” . Hear how he dissects some of his favorite MF DOOM lyrics

Two new developments from the Red Dragon Race

Kelly wrote
at 9:26am on January 22nd, 2007
Fact:
The drunkeness of Kelly is proportional to the fear she strikes in new acquaintances.