POLITICS, POETICS AND POPULAR EDUCATION IN BRAZILIAN CINEMA, 1962-1979

‘Stronger are the powers of the people’: politics, poetics and popular education in Brazilian cinema, 1962-1979

December 4 (6.30pm – 10pm) 
December 5th and 6th (2pm to 10pm)

At No-w-here, First Floor, 316-318 Bethnal Green Road, London, E2 OAG

Full programme and further information: http://www.no-w-here.org.uk/index.php?cat=1&subCat=docdetail&&id=212

The late 1950s and early 1960s were a period of intense social and economic transformation in Brazil. It was also a period of political upheaval, curbed by the 1964 military coup, and one in which the relations between politics, poetics and popular education, the role of the cultural producer, the vanguard-popular-mass culture nexus, were absolutely central to the cultural and political debate.

‘Stronger are the powers of the people’, a programme of films and debates curated and presented by Brazilian philosopher, artist and political activist Rodrigo Nunes, uses Brazilian films from 1962 to 1979 as ‘monuments’ whose animating forces can be put again into play to understand how the problems posed by the period are expressed in the aesthetic and political choices of filmmakers.

In particular, it examines one of the most neglected experiences of that time – the Popular Culture Centres (CPCs) – as a central node of the practical and theoretical articulation of those debates. With this, the programme addresses them not only in their historical situatedness, but above all in relation to those problems that animate artistic and political practice in the present, when so much is made of the intersections between politics, art, and pedagogy, and there is a growing interest in recovering past experiences of this convergence – above all, from the 1960s, and increasingly, from peripheral countries such as Brazil. What can the problems of those years teach us regarding what we are or would like to be doing today? How can the proposals emerging in this field then – Paulo Freire’s pedagogy, Liberation Theology, Augusto Boal’s Theatre of the Oppressed,tropicalismo, Helio Oiticica’s, Lygia Clark’s and Lygia Pape’s researches, cinema novo – resonate with us today?

The programme includes the rare collective work Five Times Favela, the only CPC-produced film, and the first film for many of that generation’s directors; Glauber Rocha’s internationally acclaimed Land in Anguish and Antonio das Mortes; Ruy Guerra’s The Guns and its sequel, The Fall; and Leon Hirszman’s ABC of the Strike.

Rodrigo Nunes has a PhD in philosophy from Goldsmiths College, University of London, where he prepared a thesis on immanence and philosophy in Foucault and Deleuze with a grant from CAPES – Brazilian government. As an organiser, popular educator and artist, he has been involved in many political initiatives in Latin America and Europe, including the organisation of the first three editions of the World Social Forum. He is a member of the editorial collective of Turbulence (http://www.turbulence.org.uk). His work, as writer and translator, has appeared in such publications as ephemera, Mute, Transform, and he has forthcoming papers in Radical Philosophy and Third Text.

This project is supported by Raven Row, the Brazilian embassy in London, and No.w.here.

Films

Cinco vezes favela (Five times favela), various authors, 1962: The only film the Popular Culture Centre (CPC) brought to completion, it comprises five episodes directed by Miguel Borges, Joaquim Pedro de Andrade, Caca Diegues, Marcos Farias and Leon Hirszman, and was responsible for a split between the CPC and the cinema novo group. Some of the key figures in the CPC reportedly considered the film both a commercial and a political flop, and filmmakers such as Diegues and Arnaldo Jabor (though not Hirszman) left after decrying a narrow, instrumental conception of the relation between aesthetics and politics. With a cast including many of Augusto Boal’s colleagues from Teatro de Arena (and, most notably, CPC founder Oduvaldo Viana Filho), it captures a group of young filmmakers grappling with the same problems – how to create a form adequate to the specificity of Brazilian content? How to do so in a way that reaches beyond a middle-class audience, and plays a role in the transformation of Brazilian society from below? What is popular culture, and how must the artist deal with it? – while working through a host of influences, from Russian revolutionary cinema to neo-realism. Joaquim Pedro de Andrade’s Couro de gato (Catgut) was included in a list of the 100 best shorts of all times selected by the Clermont-Ferrand Festival.

Os Fuzis (The guns), Ruy Guerra, 1964: One of the greatest achievements of the first crop of cinema novo – alongside Nelson Pereira dos Santos’ Vidas secas (Barren lives) and Glauber Rocha’s Deus e o Diabo na Terra do Sol (Black God White Devil) (1964) –, it showcases many of the period’s defining traits: the rural Northeastern setting, the use of location, natural light and non-professional actors. At the same time, in its plot about the existential and moral crises undergone by a group of soldiers sent to a small town to stop the starving victims of the draught from attacking a food warehouse, it provides in arguably the clearest way the keys to reading some of the political limitations of cinema novo at this stage. It won the Silver Bear at the Berlin Festival.

Terra em transe (Land in anguish), Glauber Rocha, 1967: Part roman à clef about the Joao Goulart government and the 1964 military coup, part schematic description of the dynamics of the post-colonial world, part baroque allegory about the destiny of Latin America, part gauntlet thrown at the right and left of post- coup Brazil: one of Rocha’s most celebrated films, it finds the effects of his ‘epic-didactic’ cinema all the more effective because its target is much clearer. A whole generation at a crossroads appears in the vacillations of the main character, his multiple allegiances to social transformation and to his own class, to aesthetics and to politics, to utopia, the heat of the struggle, and his professional situation as a hired pen; the choice for armed struggle, which the film suggests in ambiguous fashion, was already brewing as it was produced. Nominated to the Palme d’Or at Cannes, best film at the Havana Film Festival.

O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro (Antônio das Mortes), Glauber Rocha, 1969: Rocha’s first international co-production, first film in colour, and first using direct sound. He would often refer to it as ‘my western’, but, despite some nods at John Ford and Howard Hawks, it is clear that the oeuvre in question here is above all his own. Like a revision of his two earlier films that relaunches its questions, but also seems to run out of answers, it already points towards some of the procedures (such as the long, semi-improvised takes) that would characterise his work in the exile that immediately follows it. The plot finds Antônio das Mortes, the gunman hired by landowners to kill cangaceiros (highwaymen), brought out of retirement for one last job which, once executed, causes him to question the side on which he has fought over the years. Won best director and a nomination to the Palme d’Or at Cannes.

A Queda (The Fall), Ruy Guerra, 1976: An accident at a construction site, resulting in one death, sets one worker off on a struggle for justice that exposes the mechanisms of exploitation and the class relations of a country that had undergone one decade of fast-paced ‘conservative modernisation’ at the hands of the military. As a sort of sequel to the classic The Guns (1964), following the fate of those characters as they move from enforcers of exploitation to exploited, it offers more than a snapshot of the period: the correspondent time lapses in fiction and reality capture the passage of a chunk of Brazilian history between the two films, and, therefore, also the transformations in cinematographic approaches to the social and political between the two moments. Equally daring in content and form, and in the originality of the adequacy of one to the other, it won the Silver Bear at Berlin.

ABC da greve (ABC of the strike), Leon Hirszman, 1979-91: While preparing the cinema version of groundbreaking 1957 Teatro de Arena play Eles não usam black tie on location in the ABC (the auto industry belt around São Paulo), Hirszman has the opportunity to document the most powerful strikes in over a decade of Brazilian history. The latter would become a catalyst and a convergence point for the opposition to the military regime, intellectuals, artists, returning exiles, eventually leading to the creation of the Worker’s Party – whose biggest leader, Lula, was the president of the metalworkers union who led the strikes. Running into problems with the regime’s censorship because of the material, Hirszman dies in 1987 leaving the film unfinished until 1991, when his two daughters and son eventually release a final cut. The narration and text are provided by Ferreira Gullar, poet, who was president of the CPC at the time of the military coup.

Posted here by Glenn Rikowski

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Para quem não conhece, o Itaú Cultural disponibiliza gratuitamente na internet bases de dados sobre diferentes expressões artísticas. Reunidas, as enciclopédias, constantemente revisadas, atualizadas e aprimoradas, apresentam informações sobre conceitos, obras e artistas.

A Enciclopédia de Artes Visuais, lançada em 2001, conta com mais de 3 mil verbetes, que incluem biografias e depoimentos de artistas, imagens de obras, dados sobre instituições e análises sobre eventos, movimentos e grupos.

A Enciclopédia de Teatro, por sua vez, aborda espetáculos, companhias e personalidades do teatro do Rio de Janeiro e de São Paulo, desde 1938. Vídeos com depoimentos de escritores e leituras de obras estão entre os materiais disponíveis na recém-lançada Enciclopédia de Literatura Brasileira, que oferece ainda biografias de autores e de críticos, ensaios e trechos de obras.

A nova Enciclopédia de Arte e Tecnologia incorpora o conteúdo da revista Cibercultura e é constantemente atualizada pelos usuários do site, que podem criar verbetes ou atualizar os verbetes já existentes.

Além das enciclopédias, também podem ser acessados os percursos educativos, sites que, elaborados pelo Núcleo de Educação do Itaú Cultural, abordam de maneira lúdica temas ligados às artes visuais.

Recentemente, o artista Hélio Oiticica que teve seu acervo prejudicado por causa de um incêndio, foi incluído no projeto Arte Efêmera. Entre eles, além de Hélio, estão Cildo Meirelles, Antônio Manuel, Nelson Leiner, Umberto Costa Barros, Lygia Pape e Artur Barrio. Vale a pena conferir!

Informações:

Itaú Cultural

Avenida Paulista – 149, São Paulo, SP (próximo à estação Brigadeiro do metrô).
Horário de funcionamento: terça a sexta 10h às 21h sábado domingo feriado 10h às 19h
Fone: (11) 2168 1700

Ministério da Cultura

O incêndio que destruiu quase a totalidade da obra de Hélio Oiticica denuncia a ineficiência do Brasil em salvaguardar seu patrimônio

Hélio Oiticica (1938-1980) tinha muita preocupação com a sobrevida de suas obras. É o crítico britânico Guy Brett, que conheceu Oiticica nos anos 70, em Nova York, quem afirma isso em texto publicado em 2007 no “Tate Papers”, jornal do museu britânico Tate. A inquietação do artista se dirigia não apenas à existência de seus trabalhos após a sua morte, mas ao modo como manteriam sua vivacidade. Quando ele morreu, a maneira que seus amigos e familiares encontraram de perpetuar sua obra foi por meio de réplicas e reproduções.

Assim, para serem devidamente “preservadas”, obras que foram concebidas para serem vestidas nunca mais foram usadas. Agora, os “Parangolés”, que foram “dançados” por passistas da Mangueira, quando Oiticica era vivo, não existem mais. Foram integralmente consumidos pelo fogo junto a um acervo de mais de mil peças, na casa do irmão, Cesar Oiticica, no Rio de Janeiro, onde funcionava a sede do Projeto HO, responsável pelo espólio do artista.

“Sabemos que a culpa é nossa porque nós assumimos a responsabilidade pela guarda. O que não podemos aceitar é a secretária da Cultura dizer que a culpa foi por não termos dado a obra para ela. Nunca passaríamos para ninguém o gerenciamento da obra do Hélio. Eles não entendem de arte, não têm estrutura museográfica, nem sabem quem é HO”, afirma Cesar, justificando sua recusa a uma proposta de comodato sugerida este ano pela secretária municipal de Cultura, Jandira Feghali.

A proposta veio após a interrupção de um contrato “de permissão e uso”, segundo o qual o projeto recebia R$ 20,5 mil mensais. “O comodato não foi aceito, pedimos uma contraproposta, mas ela não veio. Se essa negociação tivesse sido levada com tranquilidade, já poderíamos ter parte do acervo aqui. Nosso esforço foi de preservação e não conseguimos. Lamentamos, porque sabemos, sim, o que é uma obra de arte”, afirma a secretária.

Sob os escombros de um dos mais importantes capítulos da história da arte do século XX, levanta-se agora uma querela: a difícil relação entre o poder público e os herdeiros de artistas brasileiros. “Foi um alerta para as autoridades públicas começarem a se preocupar com sua responsabilidade perante uma cultura que ela pretende valorizar. Mas entendo uma família, com problemas financeiros, que não queira “entregar” ao Estado uma obra que, além do valor afetivo, teve uma valorização monetária sem nunca ter recebido um apoio público”, afirma a crítica Lisette Lagnado, responsável pela digitalização do acervo de Oiticica na internet, o que representa hoje a sobrevida de suas ideias.

O Projeto HO beneficiou-se de um apoio do Estado por 12 anos. Mesmo assim, não deu conta de preservar um patrimônio universal. “O que aconteceu não é uma fatalidade. Será descaso das autoridades se não pegarem esse episódio na unha e dar nome ao que aconteceu: descuido? ganância?”, indaga Daniela Bousso, diretora do Paço das Artes e do Museu da Imagem e do Som. O caso ainda não teve perícia técnica. Mas pede urgente mobilização. “O brasileiro só tranca a porta depois de arrombada”, afirma o ministro da Cultura, Juca Ferreira. “Precisamos de lei. O público é quem ganha quando há interação da família com o setor privado e o governo. O inverso do Hélio Oiticica é o Iberê Camargo, que ganhou um museu de relevância mundial”, diz o ministro, que promoverá audiências públicas para discutir a necessidade de legislação que regule a herança na questão da obra de arte.

Em busca de soluções

Por que temos que viver catástrofes como os incêndios do acervo de Hélio Oiticica e do Museu de Arte Moderna do Rio, em 1978, para que soluções sejam buscadas pelo Estado? Há dezenas, senão centenas, de acervos brasileiros à espera de condições dignas de preservação.

Weissmann: contando só com a sorte

Armazenada em um galpão na periferia do Rio de Janeiro, a totalidade do acervo do escultor Franz Weissmann (1911-2005) está ameaçada por um ambiente com goteiras, cupim, oxidação, temperatura alta e pouca circulação de ar. Em conversas com o Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), a herdeira Wal Weissmann tentou negociar a criação de um Instituto, mas nada de concreto aconteceu.

O Ibram tem técnicos que poderiam orientar os herdeiros em situações dramáticas como aquela em que se encontram os trabalhos de Weissmann. “Mas qualquer intervenção precisa ser autorizada pela família e negociada porque envolve dinheiro público. É uma situação bem delicada. O acervo precisaria ser declarado como um bem de interesse público, pela família, para que o Ibram passasse a ser responsável pela fiscalização”, explica Mário Chagas, diretor do departamento de processos museais do Ibram.

Leonilson: à própria custa

O Projeto Leonilson guarda em sua sede na Vila Mariana, em São Paulo, todas os obras que estavam no ateliê de Leonilson quando ele faleceu, em 1993. São 1.500 pinturas, desenhos e bordados, além de cadernos e objetos pessoais. Fundado por familiares e amigos de Leonilson, o projeto sobrevive à própria custa, sem nenhum apoio público. “Nossa sobrevivência depende da venda de obras”, diz Ana Lenice Fonseca da Silva, mãe do artista, que vendeu um bordado para sustentar o projeto durante todo o ano.

O que pode dar vida nova ao acervo é um acordo de comodato que está em negociação com a Pinacoteca do Estado. “Reconhecemos o enorme valor do acervo de Leonilson, mas há questões jurídicas que demandam tempo nas negociações com coleções privadas”, afirma Marcelo Araujo, diretor da Pinacoteca. “Se é possível tirar lições da tragédia do acervo de Hélio Oiticica é admitir que os riscos são reais e que há decisões que devem ser tomadas com a maior urgência. Mas isso depende de uma política mais estruturada. Não falta sensibilidade aos dirigentes. O que faltam são mais recursos.”

http://www.cultura.gov.br/site/2009/10/27/como-salvar-acervos/

Debates no MAM pós-incêndio de HO

No próximo sábado, completam-se 15 dias do incêndio que destruiu boa parte do acervo de Hélio Oiticica. Na terça  e na quarta-feira seguintes, o MAM abre o microfone para três rodadas de debate para discutir uma política consistente para os acervos, a relação dos herdeiros com a obra de grandes artistas e o que o poder público pode fazer a respeito.

Este é apenas o primeiro sinal para os debates, que acontecem nos dias 3 (duas mesas, uma às 11h e outras às 14h) e 4 de novembro (uma mesa, às 14h) no auditório do museu.  Os nomes dos palestrantes ainda não estão 100% confirmados, por isso falaremos do seminário novamente mais adiante, passando a programação completa.

Já foram convidados herdeiros (Cesinha Oiticica, João Vergara, Clara Gerchman), artistas (Ernesto Neto, Raul Mourão e Ronald Duarte) e críticos (Luiz Camillo Osório, Paulo Sérgio Duarte, Guilherme Vergara) para compor as mesas. O tom não é de palestra e sim de uma grande assembleia, onde todos possam falar ao microfone, que estará aberto.  Mas é preciso chegar ao MAM com clareza e propostas concretas, para que o debate possa, finalmente, avançar rumo a projetos e ações que impeçam novas catástrofes.

Há uma coisa a comemorar no meio deste luto persistente. Tudo indica que o MAM está voltando a concentrar as discussões sobre arte desta cidade. Que o museu assuma mesmo este papel!

A entrada é franca é o auditório do MAM tem 180 lugares. Esperamos que não fique cadeira vaga, porque o assunto é da máxima relevância.

Burned César and Claudio Oiticica Collection, Rio de Janeiro www.tate.org.uk

Foto Andreas Valentim/Projeto Hélio Oiticica

Hélio Oiticica criou o Parangolé, que ele chamava de “antiarte por excelência”. O Parangolé é uma espécie de capa (ou bandeira, estandarte ou tenda) que só mostra plenamente seus tons, cores, formas, texturas e grafismos, e os materiais com que é executado (tecido, borracha, tinta, papel, vidro, cola, plástico, corda, palha) a partir dos movimentos de alguém que o vista. Por isso, é considerado uma escultura móvel.

No carnaval 2010 vou fazer o meu e ir pro Rio de Janeiro talvez.
Levar uma Lomo e alguns cromos. Despretensiosamente não deixar a cultura morrer no fogo.

Hoje foi retificada a informação de que  foram destruídas 90% das obras, de um dos maiores representantes do Neoconcretismo e considerado o pai da Tropicália: Hélio Oiticica. Graças a um ármario de aço resistente ao fogo, grande parte de seu acervo será recuperado. Dois computadores, possuíam digitalizadas a maior parte da obra escrita do artista. Algumas de suas obras…

A Eternidade:

Parangolé , a Anti-Obra de Hélio Oiticica:

Oiticica explica: ”O ‘ato’ do espectador ao carregar a obra revela a totalidade expressiva da mesma na sua estrutura: a estrutura atinge aí o máximo de ação própria no sentido do ‘ato expressivo’. A ação é a pura manifestação expressiva da obra“

Penetrável:

Hélio Oiticica, Invenção da cor, Penetrável Magic Square , De Luxe, 1977

Tropicália:

Tropicália, Éden – 1967

Cosmococa:

A piscina “CC4 Nocagion”.  A obra consiste em uma piscina cheia sobre a qual são projetadas imagens. A idéia proposta por Hélio é que o público mergulhe na piscina e tenha a sensação de ser engolido pelas imagens. A galeria, disponibilizava toalhas para o público se secar depois,

Hélio Oiticica: foi um pintor, escultor, artista plástico e perfomático de aspirações anarquistas. Nasceu em 26 de julho de 1937 e faleceu em 26 de março de 1980.

Um incêndio (16 e 17/10) destruiu quadros e todos os parangolés do acervo de Helio Oiticica que estavam na casa de César Oiticica filho, irmão do artista, no Jardim Botânico, no Rio de Janeiro.

Hélio Oiticica é um dos mais importantes artistas brasileiros das décadas de 50 em diante. Participou do movimento neoconcretista ao lado de nomes como Lígia Clarke, Amílcar de Castro e Ferreira Gullar.

Oiticica morreu em 1980. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão os parangolés (espécie de capas coloridas, arte para ser vestida) e penetráveis (instalações). Foi um dos grandes inspiradores do movimento tropicalista com sua obra “Tropicália”.

Obras do artista estão no acervo do Tate Modern em Londres, do MoMa em Nova York e do Malba em Buenos Aires. O museu de Inhotim, em Minas Gerais, também conta com obras de Oiticica.

Em tempo: dois parangolés foram salvos — apenas porque estavam em exposição na Bélgica!

Fonte: G1

Como cheguei a isso é uma longa história.  A descoberta no morro da favela carioca, do bas-fond do Rio e minha iniciação no samba como passista da Mangueira foram um processo propositalmente anti-intelectual. Enquanto muitos sonhavam com Paris, Londres, Nova York, eu me dedico ao que chamo de volta ao mito.

Longe de ser uma atitude intelectual, abstrata. Foi uma experiência decisiva no contexto da cultura brasileira, a descoberta de forças expressivas latentes nesse contexto. Não acredito numa arte cosmopolita. Para ser universal, só desenvolvendo nossa própria capacidade expressiva: a dança, o rito, as manifestações populares, o tropicalismo brasileiro, as festas coletivas.

Nossa pobre cultura universalista, baseada da europeia e americana, deveria voltar-se para si mesma, procurar sentido próprio, voltar a pisar no chão, a fazer com a mão, voltar-se para o negro e o índio, à mestiçagem: chega de arianismo cultural no Brasil.

Hélio Oiticica @ Estadão

De todas as análises e reflexões que li sobre a perda de grande parte das obras de Hélio Oiticica por um incêndio na semana passada, essa do Fabio Cypriano da Folha de SP foi para mim a mais, vamos dizer, iluminada… Fez-me pensar no quanto o mercado da arte pode destruir uma obra artística. Talvez os parangolés estavam pedindo para serem queimados, já que estavam mofando dentro de um quarto esperando ser chamado por algum museu para serem pendurados feito fantasma. Talvez aquelas “originais” já estivessem destruídas antes mesmo do incêndio…

“Por mais triste, lamentável e trágica que possa ser, a perda de praticamente todo o acervo do artista Hélio Oiticica representa, finalmente, o fim do fetiche pelo material em suas obras e a libertação de suas ideias.
Oiticica foi um dos mais originais e importantes artistas do século 20. Sua defesa em romper os limites entre arte e vida foi das mais radicais, mas apenas nos últimos 20 anos passou a ter o merecido reconhecimento e repercussão.
Dois momentos fundamentais nesse percurso foram a Documenta, em Kassel (Alemanha), em 1997, que mostrou muitos de seus projetos e obras, e a 27ª Bienal de São Paulo, em 2006, organizada por Lisette Lagnado a partir de conceitos do artista, mas que já nem exibiu objetos do artista, para atestar que suas ideias estavam proliferadas no circuito da arte.
No entanto, enquanto suas ideias ganhavam importância, um certo desvio de suas propostas também crescia. Oiticica queria que os Parangolés, um de seus mais importantes conceitos, que tinham nas capas uma de suas materializações, fossem usados por todos.
No entanto, o fetiche pelo original -que em seu caso é o menos importante, acabou dominando e em muitas mostras essas capas eram vistas penduradas como tristes espectros de algo muito mais vital.
Do ponto de vista do mercado, algo semelhante ocorria. As obras passaram a subir de preço exponencialmente, enquanto para o artista, durante sua vida, isso não era o fundamental, e seu trabalho passou a ser engessado naquilo que justamente ele criticava: o objetual.
Claro que é inacreditável que tudo tenha se esvaído dessa forma, até porque é a segunda vez que um incêndio destrói um acervo importante no Rio: foi assim que grande parte da coleção do Museu de Arte Moderna do Rio foi perdida, em 1978.
Claro que é lamentável que o precioso acervo de Oiticica não estivesse preservado da forma como merecia, numa instituição, mesmo que já existisse o Centro de Arte Hélio Oiticica, criado pela Prefeitura do Rio, palco de recentes polêmicas.
Durante um bom tempo, parte do que se queimou esteve lá armazenado e poderia estar a salvo. Mas isso faz parte da precariedade institucional que é típica no Brasil e das dificuldades que envolvem herdeiros em casos do tipo.
Recentemente, o Ministério da Cultura havia iniciado contatos para a criação de um museu Hélio Oiticica. Mas, essa institucionalização, se por um lado seria fundamental para preservar sua memória, poderia representar um risco ao institucionalizar sua obra, algo sempre contestado pelo artista.
Em Porto Alegre, artistas que participam da 7ª Bienal do Mercosul lamentavam ontem a perda desse acervo, mas também comentavam que parecia ser uma estranha vingança pelo tratamento que sua obra vinha ganhando.
Agora, se já não há mais original, então todos podem criar seu Parangolé. Felizmente, grande parte de seu acervo foi digitalizado e encontra-se disponível no site do Itaú Cultural, num dos mais importantes projetos de memória da arte brasileira. Os originais -e são milhares deles, pois tudo o que Oiticica pensava era obsessivamente descrito em seus cadernos- podem estar queimados, mas conseguiram sobreviver na internet, onde todos podem ter acesso, como o artista queria que fosse sua obra.” (Fabio Cypriano | Folha de São Paulo)

parangolé morto (ou só a sua casca)

parangolé vivo

Parangolé, de Hélio Oiticica

Adeus, Parangolés. Mais de 90% das obras do artista plástico Hélio Oiticica foram queimadas em um incêndio que destruiu o primeiro andar da residência do irmão do artista, César Oiticica, no Jardim otânico, zona sul do Rio de Janeiro. O prejuízo, por hora, está avaliado em R$200 milhões.

A família de Oiticica, que jantava no segundo andar da residência, percebeu o incêndio quando o fogo já havia se alastrado. Para além dos Parangolés, a destruição da arte de um dos principais artistas brasileiros configura-se como antiarte por excelência. Por que tais obras estavam armazenadas em uma casa? Por que não estavam em galerias, ao alcance de todos? Por que guardar a arte em um baú? Lamentável.

Causas do incêndio à parte, não há nada a dizer. Foram os parangolés, os documentários, as penetráveis. O real se impôs para não sobrar nada. Sobra algo. Sempre.

Escultura de Franz Weissmann: também ameaçada, obra é armazenada com sacrifício pela família num galpão em Ramos

Passei o dia de ontem em clima de velório, recebendo ligações de artistas que, aos prantos, me passavam relatos dos escombros do incêndio que destruiu boa parte da obra de Hélio Oiticica,  na reserva técnica mantida por seus herdeiros numa casa no Jardim Botânico. Alguns, como a querida Suzana Queiroga, foram até a casa chorar pelo morto.  Sim, a destruição da obra de Hélio foi sua a segunda morte e, em se tratando de um artista, a extinção de sua anima, morte definitiva.

Mesmo em meio ao luto, é preciso evitar que novas tragédias aconteçam. Ontem, ao acordar com a notícia, escrevi neste blog que obra de arte não pode ser tratada como álbum de família (veja aqui). Continuo achando  a mesma coisa – há muito o que se discutir e regulamentar em relação ao papel dos parentes dos artistas na manutenção de acervos e autorizações de curadorias e livros, sem destitui-los dos direitos legítimos que têm como herdeiros.

É preciso,  no entanto, avançar na discussão. O fogo que lambeu obras fundamentais como os “Relevos espaciais” ou os caderninhos de anotação de HO – tão importantes para a compreensão de seu trabalho -, destruiu também todos os negativos de José Oiticica Filho, o JOF, pioneiro da fotografia nos anos 1940 e 1950, pai de Hélio e sua maior influência. Mais do que servir para que se crucifique apressadamente a família, o incêndio deve ser um alerta: estamos soterrados por uma cultura de escombros.

O que aconteceu à obra de HO também ameaça, neste exato momento, a obra de inúmeros artistas. Isso ocorre porque a lógica da Cultura no Brasil é completamente torta, precária, tacanha.  Vivemos em uma cidade, em um Estado e em um país onde o Poder Público deixa exclusivamente nas mãos das Leis de Incentivo – e, portanto, dos empresários da iniciativa privada – a decisão sobre a aplicação de verbas em projetos culturais.

Produtores, curadores e artistas vivem numa constante corrida do ouro, completamente desvalidos de diálogo, proteção e incentivo DIRETO por parte dos governos. A ação dos administradores públicos na Cultura não é um direito, é um dever. Eles foram eleitos para isso. Por tal motivo, não podem ser interventores nesta atuação: precisam ser sensíveis às demandas.

Se por um lado é espantoso que a família tenha mantido a obra de HO numa casa do Jardim Botânico, por outro é igualmente aterrador que nenhum grande museu do país tenha feito uma proposta concreta – e sustentada pelo poder público – para abrigar a obra do artista em regime de comodato, dando a ela toda a visibilidade e a segurança que um acervo como o de Hélio merecia.

É certo que o Centro de Artes Hélio Oiticica abrigou parte do acervo por um tempo, mas sem as condições necessárias para tal e sem uma política constante de exposições. Se por um lado a família atravancava mostras que não fossem diretamente sobre o acervo de Hélio – um erro absurdo num lugar que abrigou exposições como a de Richard Serra ou o último panorama da obra de Lygia Pape, ricas conversas com o “dono” da casa – por outro o município nunca tratou o CAHO com a prioridade necessária.

Fico pensando no acervo de Franz Weissmann (1911-2005), contemporâneo de HO no Grupo Frente, escultor essencial para a compreensão da arte brasileira recente.  Sua obra, parte integrante da paisagem do Rio de Janeiro, graças a esculturas públicas instaladas em pontos como a Rua Luís de Camões ou a Avenida Chile,  está ameaçada. Apesar de pedir  ajuda a todas as esferas do poder público há anos, a filha de Weissmann, Waltraud, a Wal, luta sozinha com seu marido para preservar a obra do pai. As peças estão armazenadas em condições precárias – de instalações e de segurança – em um galpão em Ramos,  na Zona Norte.  O GLOBO, maior jornal da cidade, deu uma capa de domingo de seu Segundo Caderno, assinada por Mauro Ventura, denunciando os riscos que a obra de Weissmann corria. De nada adiantou.

Weissmann em seu ateliê: estudos em arame e papelão podem virar pó se não forem cuidados

Wal também fez muitas reuniões com o Iphan e com a Secretaria Municipal de Cultura, tentando achar um lugar para a criação de um Instituto Weissmann, onde a obra possa ser abrigada e visitada pelo público.  Até agora, houve muita conversa, muita promessa de empenho, mas nenhuma ação concreta. No galpão em Ramos,  estão esculturas monumentais, peças de menores dimensões e os inúmeros estudos que Weissmann fazia com arame e papelão e revelam a minúcia de seu processo criativo.

Wal não quer vender este tesouro. Não pretende enriquecer com a obra de Weissmann e vive com simplicidade ao lado do marido, gastando suas reservas financeiras para preservar a obra. Afirma que, por não ter filhos, quer dar um destino para o legado do pai. Mas, diz, é claro, que precisa sentir firmeza, precisa se sentir segura. Está certíssima.

Houve uma grande mobilização pela restauração do painel de Aluísio Carvão na Lagoa (leia aqui). A Fundação Parques e Jardins se posicionou, dizendo que ia resolver o problema e conseguiu silenciar o movimento por um tempo. Mas não ouço falar sobre prazos. Quais são, então?

O mesmo Segundo Caderno do GLOBO, em reportagem assinada por Suzana Velasco, mostrou a precariedade das esculturas públicas de artistas da importância de Celeida Tostes, Angelo Venosa, Ivens Machado, José Rezende e Waltércio Caldas espalhadas por vários pontos da cidade. O que vai ser feito?

A secretária municipal de Cultura, Jandira Feghali, a secretária estadual de Cultura, Adriana Rattes, e o Ministro da Cultura, Juca Ferreira, podem alegar que os orçamentos da Cultura são tão baixos que muitas vezes ficam de mãos atadas. Não estarão mentindo. Mas é preciso então que pressionemos os três para que de fato cobrem mais verba de seus superiores. Eles precisam dizer o que têm feito para conseguir mais dinheiro para cuidar de nosso patrimônio. Qual é a estratégia, além das lamentações?

Também é preciso perguntar ao Eduardo Paes: prefeito, o que o senhor pretende fazer com a obra de Franz Weissmann? A escultura pública de Ivens Machado, no Largo da Carioca, vai perecer até começar a soltar pedaços em cima dos passantes?

Escultura de Ivens Machado na Carioca, quando ainda estava em bom estado

Outra pergunta, para Sergio Cabral: o senhor não acha que a construção espetacular do Museu da Imagem e do Som, na Praia de Copacabana, onde hoje funciona a boate Help, deveria gerar uma discussão mais consistente sobre a memória carioca, envolvendo DE FATO a classe artística?

Por fim, para o Juca Ferreira: ministro, como o senhor pretende armar o Iphan de recursos e de uma estratégia concreta para a preservação de nossa memória artística?

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A hora é de luto, mas também de debate e ações efetivas. Não dá mais para ficar lamentando o que não foi salvo no rescaldo. Eu fiz as minhas perguntas, quem vai fazer as suas? E quando vamos perguntar todos juntos?

Singer and composer Caetano Veloso wearing Oiticica’s P 04 Parangolé Cape 01 1964 in 1968  © Projeto Hélio Oiticica. Photo: Andreas Valentim

Acordo hoje, aqui no Rio de Janeiro, com a notícia de que cerca de 2 mil obras do artista plástico Hélio Oiticica foram destruídas por um incêndio que atingiu a casa da família, na última sexta-feira. As obras não tinham seguro, segundo o irmão do artista, César Oiticica.

O prejuízo estimado pode passar dos US$ 200 milhões. Todos os parangolés (espécie de capas coloridas) foram queimados (originais e réplicas). Mas nem todas as obras teriam sido danificadas. Algumas estão na Tate Gallery, em Londres, casa que possui a maior coleção de Oiticica fora do Brasil. A Tate é proprietária, ainda bem, da obra mais emblemática do artista “Tropicalia” (1966), que deu nome ao movimento cultural brasileiro que revolucionou a música e as artes nos anos 70.

Deixo então um link para um texto do Caetano, em que o cantor fala da influencia de Oiticica em sua obra e sobre o tempo que os dois conviveram juntos em Londres. Esse texto foi publicado em catalogo da Tate (por isso esta em inglês), por ocasião de uma mostra de Oiticica.

Foto> Hélio Oiticica near The Whitechapel Art Gallery, London, 1969

© Courtesy Projeto Hélio Oiticica

Em 1987 eu estive, por um desses acasos da vida, no SESC Pompeia, quando este ainda tinha acento. Era uma excursão de filhos de funcionários da Telesp. Não era uma ocasião fácil para mim por conta de eu não conhecer absolutamente ninguém ali. Mas ao contrário da galera do colégio, o pessoal até que foi gente fina.
E no SESC estavam em exposição os Parangolés de Hélio Oiticica. Vi aquilo e… achei engraçado (um degrau acima de não entender nada). Era parangolé isso, parangolé aquilo, sei lá, parecia papo daqueles livros infantis desses bem criativos que se fazem aqui no Brasil. Eles ficavam pendurados, eu achava que eram móbiles, sei lá. Era meio que um percurso, que terminava com um espelho escrito Parangolés de Cabeça.
Só fui entender o que era aquilo – e principalmente, a importância daquilo – já nos anos 90, assistindo a uma série da TV Cultura (e conphesso que assisti porquê me mandaram gravar a série em VHS…) Quer dizer, entender, eu acho que não entendi ainda. Estamos no terreno das artes plásticas…
E inphelismente, aquilo que eu vi já não está mais entre nós, entre diversas outras obras de Hélio Oiticica que se fueran ontem, em um incêndio no Rio de Janeiro. Sou um zero à esquerda em matéria de artes plásticas, mas esse artista havia me chamado a atenção, pouco depois, quando li uma “Ilustrada” da velha guarda, toda em fonte Gill Sans, falando sobre o artista, e mostrando algumas fotos da série Cosmococa, outro trabalho dele que tinha a ver com Coca-Cola, cocaína, sei lá.
Curiosamente, o jornal trazia reproduções de algumas frases escritas pelo artista em um ‘dialeto’ muito estranho para a época. É que era a frente de seu tempo! Entre outras coisas, ele já abreviava “que” como q, uns 20 anos antes de surgir o MSN… É mole?
Artes plásticas: muito de vez em quando, a gente vê por aqui.

[EDIT: As perdas no acervo do artista foram menores do que se esperava, tanto as coisas que não foram atingidas pelo incêndio, quanto peças que estavam fora daquele lugar. Dois parangolés, por exemplo, estavam na Bélgica.]

A morte de um grande artista é sempre triste, mas relativa. Porque, para a sociedade, sua importância está em sua obra e, em muitos casos, seu pensamento. É seu legado que o faz grande, e este permanece. Assim, sempre teremos Jobim, Tarsila, Machado, Elis, Nelson e todos os outros que fizeram nossa história e nossa identidade, e que seguem nos inspirando, entretendo, deleitando. Ou não?

Eu hoje chorei por um instante, aquele em que me dei conta de que jamais verei novamente um parangolé original de Hélio Oiticica; que precisarei voltar à Tate Modern, em Londres, se quiser rever um bólide autêntico assinado por ele; que agora, enfim, o mundo só dispõe de fotos e vídeos para conhecer a maior parte da obra desse artista, cujo acervo se queimou quase completamente em um incêndio na noite de ontem, na casa de sua família.

Filmes, livros e fotografias são excelentes para preservar a memória de um artista plástico, mas não substituem, nem de longe, a experiência do contato pessoal com seu trabalho. Especialmente no caso de Oiticica, cujas pinturas extrapolam os limites do quadro, criador de peças que só podem ser plenamente apreciadas se vestidas e movimentadas no corpo, autor de obras que proporcionam experiências e dependem da interação do público para fazer sentido.

(Será que eu deveria ter empregado os verbos no passado? Extrapolavam, podiam, dependiam?)

Quanto disso sobreviveu ao incêndio de ontem? E por quanto tempo mais sobreviverá? As primeiras notícias falam na destruição de 2 mil peças de Oiticica, 90% de tudo que ele produziu, US$ 200 milhões em arte. Ainda estão sendo contados os mais frescos cadáveres da cultura brasileira.

E quanto mais perderemos? Lembro de ter visto, em 1997, todo o acervo pessoal do cartunista Henfil amontoado em um empoeirado quartinho de empregada na Tijuca, exposto a toda sorte de incidentes domésticos que podem igualmente destruí-lo. Quantos outros patrimônios nacionais estão guardados de forma inadequada nas residências de seus herdeiros, ou mesmo de colecionadores e ladrões? Como bem escreveu minha amiga Daniela Name em seu blog, que outras importantes obras de arte se encontram agora acondicionadas de qualquer jeito, como fotos de família?

Resta-nos apreciar o legado imaterial de Oiticica, como sua influência nas artes em geral. Mas antes precisamos discutir o que é possível fazer para evitar que outras grandes obras se tornem simples memórias, se tanto.

Logo agora que o Brasil começava a dar a devida importância para sua obra, o acervo de Helio Oiticica queima no Rio de Janeiro. Num incêndio trágico tudo o que era guardado na casa da família desse artista de vanguarda dos anos 50 e 60, o mais antenado com o mundo daquela época aqui no Brasil, foi destruído. Hélio Oiticica criou os famosos parangolés e vestiu com eles os moradores do morro da Mangueira. Oiticica fez as caixas penetráveis, obras de arte para entrar dentro, para vivenciar sensações, e uma delas se chamava Tropicália. Foi daí que surgiu o nome do movimento que revolucionou a música brasileira. E Caetano Veloso nem o conhecia pessoalmente quando o nome da obra lhe foi entregue de bandeja. Caiu como uma luva.
O penetrável Tropicália era formado por duas tendas com areia e brita espalhadas pelo chão, araras e vasos com plantas e uma espécie de labirinto que percorria a tenda principal, às escuras. Ao fundo um aparelho de televisão ligado. Helio Oiticica defendia a antropofagia como o único caminho da cultura verdadeiramente brasileira, original, não colonizada.

Adriana Calcanhotto, ligada em cinema, literatura e artes plásticas fez sua homenagem com Parangolé Pamplona no disco Maritmo: “Parangolé Pamplona você mesmo faz, com um retângulo de pano de uma cor só… e é só dançar, é só deixar a cor tomar conta do ar…”

Na prestigiosa galeria de arte Tate Modern, em Londres, Helio Oiticica fez uma mostra histórica e levou seus parangolés tropicais.

O que mais me assusta nesse incêndio trágico é saber que obras e acervos espalhados por esse Brasil estão por aí nessa situação precária. Hoje perdemos a obra de Hélio Oiticia e a todo momento quando uma rádio muda de endereço, por exemplo, milhares de horas de gravações históricas, de documentos culturais importantíssimos, são literalmente jogados no lixo em nome da falta de espaço. Ou será por falta de vontade, de entendimento, de educação? Quando será que esse país se levará à sério? Quando será que os investimentos em cultura e educação ganharão a importância que tem as ampliações de portos, rodovias, duplicação de marginais…
Parangolé Pamplona você mesmo guarda?
É triste.

"Um dos nomes mais significativos da arte brasileira de todos os tempos, Helio Oiticica (1937-1980) cunhou a polêmica frase Seja marginal, seja herói num trabalho em que a figura central era o bandido Cara de Cavalo morto, estirado no chão. Nos anos 50, Helio Oiticica pintava ao som de Ângela Maria e Cauby Peixoto, e na década seguinte freqüentava o morro da Mangueira, tornando-se passista da escola de samba. Nos anos 70, morando em Nova York, radicalizou fazendo biscates. Trabalhou inclusive para o tráfico de drogas e quase teve o mesmo fim do bandido que celebrizou."

Parte da sua obra foi agora consumida em chamas.  

"Falecido em 1980, quando tinha apenas 42 anos, Hélio Oiticica foi um dos mais importantes e transgressores nomes do movimento neoconcretista do Rio, um dos artistas maiores que na segunda metade da década de 1950 pegaram na herança do modernismo europeu e nos princípios do Concretismo de São Paulo transformando-os no que viria a ser o arranque da contemporaneidade brasileira, anos 1960 e 1970 adentro e com desdobramentos ideológicos tão fundamentais e populares para o forjar de uma identidade nacional como o Tropicalismo de Gilberto Gil, Caetano Veloso e Tom Zé."