reż. Werner Herzog

Jako, że nikt nie ogląda takiego kina ze względu na “zaskakującą fabułę”, pozwolę sobie na SPOILER. Wszyscy myślą, że Aguirre zginął na tratwie, a ja myślę, że przeżył i w tym tkwi istota filmu.

3.5 / 5

obejrzane circa sierpień 2009

At the Uptown Theater yesterday, Goth-lite kids went to the Twilight movie. Popcorn enthusiasts went to 2012, and me and about three other people were at the matinee for the Herzog film. Bad Lieutenant is a funny movie in a Pulp Fiction/Fear and Loathing in Las Vegas kind of way. You’ve got a cop with just about zero morality, feverishly doing every drug he can get his hands or nose on while tracking down a murderer. His girlfriend is a prostitute. He digs himself deeper into trouble every ten minutes or so by stealing drugs, double-crossing or bribing someone, or simply messing with the wrong person. Throw in a few drug-induced hallucinations, like that of a break-dancing dead man, and you’ve got something Nicolas Cage can twitch his way through with aplomb. The story didn’t amount to much in the end, but it was fun along the way. Did I mention that there’s a nasty auto accident caused by an alligator in the road? That’s just a little aside, less than a plot point, but the sort of thing that happens in this film. Each event is not implausible in itself, but everything is piled up, incident upon incident, in a way that sweeps everything over the top, with Cage always on the edge of complete freak out.

When I learned that Topps was bringing back its popular T206 brand that they made back in 2002, I was excited to see what unique relic cards they planned to include.  So far I haven’t seen anything too exciting.  They have Ruth, Foxx, Mantle and A-rod.  But I really enjoy the different relic cards that they included with the 2002 version like Jimmy Collins, Buck Herzog, and Johnny Evers.  The ‘09 version just seems like it has the same old people.  Don’t get me wrong, I’d love to pull a a bat card of Ruth or Cobb, but I think the ‘02 product has more of a selection of old players that you don’t see very often.

È uno di quei successi annunciati, New Moon, uno di quei film da record di incassi prima ancora che siano usciti. È così ogni volta che intorno a un’opera si crea un alone che lo rende qualcosa di più di un semplice film. Così è il caso di soffermarsi sulle ragioni di un successo annunciato.

La prima è quella che in termini commerciali si definirebbe “fidelizzazione”. Tra la saga di Twilight e il suo pubblico si è creato un legame solido e inscindibile che nasce già dai libri. Come Harry Potter,  quella di Twilight è una saga, una serie di libri, che racconta una storia che non si esaurisce, ma prosegue attraverso i vari volumi. I lettori così si sposteranno da un libro all’altro, in modo che ogni libro verrà letto probabilmente più di quello precedente. Come per la saga del maghetto, i libri di Stephanie Meyer creano un mondo, che i lettori vogliono continuare a vivere andando al cinema, per vedere come prenderà forma sullo schermo quello che fino a quel momento era vissuto nella propria immaginazione. Così probabilmente i lettori del libro saranno i più appassionati spettatori del film. E a loro se ne aggiungeranno altri. Rispetto ai titoli della saga di Harry Potter, quella di Twilight potrebbe essere svantaggiata dal fatto che i libri non hanno un nome come comune denominatore (i titoli non iniziano ad esempio con Harry Potter e…), ma dei titoli diversi. Twilight, New Moon, Eclipse, Breaking Dawn (e ne arriverà prima o poi un quinto). Così al cinema i titoli sono stati raccolti sotto il nome The Twilight Saga.

Ma perché una saga abbia successo devono esserci dei contenuti. In questo senso la chiave vincente è stata travestire da horror quello che in fondo è un perfetto romanzo sentimentale. Non a caso in New Moon assistiamo a una serie di battute sul cinema, con Bella che dice di detestare i film romantici, e vorrebbe andare a vedere film d’azione, quasi che il regista volesse prendersi un po’ in giro. Perché New Moon, come Twilight, di horror ha ben poco. Non punta certo a spaventare: pensiamo che uno degli stilemi più spaventosi e spettacolari dei film di licantropi, le transizioni da uomo a uomo-lupo, qui avvengono all’istante, e il “mostro” altri non è che un lupo più grande. Invece il modello della storia di New Moon è uno degli archetipi delle sofferenza amorose, quel Giulietta e Romeo scritto qualche secolo fa da uno dei migliori “sceneggiatori” di tutti i tempi, Sir William Shakespeare, e citato in una delle prime scene del film. Anche qui ci sono due amanti divisi, non dal fatto di appartenere a due famiglie rivali, ma a due “razze” diverse, umani e vampiri (in questo il racconto potrebbe diventare una metafora della difficoltà delle coppie miste di oggi, ma non sembra mai andare in quella direzione). E il finale, in cui Edward, come Romeo, cerca la morte perché crede che la sua Bella, come Giulietta, sia morta, richiama proprio la trama di Shakespeare.

Ispirazioni celebri a parte, la saga di Twilight piace perché spinge all’identificazione. È narrata da un punto di vista prettamente femminile, quello di Bella, e riesce a cogliere molti degli aspetti tipici dell’adolescenza: il non sentirsi capiti, il non avere amici, la tentazione e il rischio di prendere una cattiva strada e di perdersi, il sentirsi diversi da chi ci sta intorno, unici, e il bisogno di ribadire, anche con rabbia, la propria unicità e la propria personalità. Bella, in New Moon, è diversa da tutti. Tra i vampiri della famiglia Cullen è l’unica umana, accettata ma mai fino in fondo, in costante pericolo. Ma è diversa anche tra i suoi simili, avendo varcato ormai una soglia dalla quale non può tornare indietro. E poi in New Moon, dopo l’innamoramento di Twilight, c’è la scoperta del sesso, del corpo, e di quel confine sottile tra amicizia a amore, come si vede nell’avvicinamento di Bella a Jacob. Per questo i film della saga Twilight sono dei film rivolti soprattutto a un pubblico giovane e femminile (e sono piuttosto odiati da quello maschile, vedi la guerra dei sessi scoppiata in rete). Lo dimostra la grande attenzione per pettorali e bicipiti che c’è in New Moon. In questo senso la cornice horror data alla storia (perché di cornice, e niente di più, si tratta) serve ad astrarre sentimenti e situazioni dell’adolescenza dalla realtà, a isolarli e renderli così più evidenti, assoluti. Le storie di Stephanie Meyer riescono, in parte, in quello in cui non riesce Moccia.

Cosa resta dunque dell’horror nella saga di Twilight? Non molto, diciamo una serie di suggestioni che servono a creare un’atmosfera intorno a una storia d’amore e di crescita. Stephanie Meyer prende una serie di figure archetipiche del cinema horror, il vampiro e il licantropo, e le svuota, interessandosi ai sentimenti e ai rapporti tra i personaggi, più che alle peculiarità dei tipi in questione. Succede il contrario di quello che capita spesso al cinema horror, dove le figure mostruose sono il cuore del film, e sono di volta in volta inserite in cornici storiche, sociali o culturali diverse, per tornare comunque prepotentemente al centro. Qui i personaggi sono il centro della storia, e sono essenzialmente caratteri con problemi e reazioni umane: il loro essere mostri è solo un contesto, un contorno, un colore. Ma al centro ci sono sempre le caratteristiche umane del personaggio. Così i vampiri non hanno il problema di non potere vedere la luce, o di uccidere gli umani a tutti i costi. E i licantropi non si trasformano con la luna piena, ma in seguito a emozioni rabbiose. Entrambi non diventano tali perché “non morti”, o morsi da altre creature, ma fanno parte di famiglie in cui tutti sono così. Quanto ai vampiri, assistiamo a una “normalizzazione” estrema della figura del vampiro. I Cullen sono persone normalissime, lontanissime dalla figura agghiacciante del Nosferatu di Murnau o di Herzog, ma anche dal Dracula di Bram Stoker di Coppola, e dai vampiri affascinanti ed eleganti anni Ottanta di Myriam si sveglia a mezzanotte, o dei dandy d’altri tempi di Intervista col vampiro, tratta dai libri di Anne Rice, e portata sullo schermo da Neil Jordan. Per andare incontro al suo pubblico, la saga di Twilight si avvicina a certi prodotti televisivi ai cui codici espressivi è abituato, cioè a serie che hanno sdoganato l’horror come prodotto per tutti, cioè Buffy, Angel e il recente True Blood.

La saga di Twilight è un perfetto esempio di film a target. Il che è interessante anche dal punto di vista commerciale, visto che permette di investire su un pubblico ben preciso. Ne è un esempio l’accattivante colonna sonora assemblando pezzi di gruppi rock, tra l’indie, l’emo e il dark, perfetti per accattivarsi il pubblico giovanile e costruire un’atmosfera oscura attorno al film. Ma, si sa, il rock è universale, e il risultato in questo caso è apprezzabile anche dai non giovanissimi. Tra canzoni dei Death Cab For Cutie, Killers e i nipotini dei Joy Division, The Editors, le cose più interessanti vengono da Thom Yorke, che, senza i suoi Radiohead, canta la sua Hearing Damage su un tappeto elettronico e cupo, che fa risaltare la sua inconfondibile voce, e dai Muse, con I Belong To You, che ripropongono il loro tipico sound con un tocco leggermente retro, vicino alle atmosfere di Feeling Good, la loro cover del pezzo reso famoso da Nina Simone.  

Prendete tutte queste premesse e metteteci quella enorme arma in più che ha il cinema: quella di creare icone e fissarle nell’immaginario in maniera indelebile. Certo, è presto, e probabilmente ingeneroso di parlare di icona, viste le vere icone che ha creato il cinema, per Edward Cullen. Ma rispetto all’aura di culto creata tra le adolescenti dai libri della Meyer, il grande schermo ha aggiunto il volto e il corpo di Robert Pattinson, diventato un vero idolo delle ragazze di tutto il mondo. La saga di Twilight lo mette in scena con un’aria alla James Dean, dimostrando di non volersi togliere nulla in fatto di esempi di ribellione giovanile. Il suo aspetto fisico, unito all’aura romantica del suo personaggio, ha fatto centro nel cuore di molte ragazze. L’attore londinese ha scatenato una mania che, restando nel mondo del cinema, non si vedeva dai tempi del primo Leonardo Di Caprio. In rete e nei negozi si trova qualunque cosa con il volto o il nome di Robert Pattinson, o del suo personaggio, Edward Cullen: magliette, tazzine, ombrelli, cappelli, borse, tende per la doccia e persino le mutande vanno a ruba. Robsessed (cioè obsessed by Rob, ossessionate da Rob) è il titolo di un documentario sull’attore (il dvd si trova in vendita su Amazon). La mania è totale. E come se non bastasse, Pattinson è anche un cantante rock, e tra qualche anno vorrebbe incidere un disco. Chissà come prenderanno le sue ammiratrici la notizia della sua love story. Chi poteva conquistare il cuore del bel Pattinson? Ma ovviamente la sua Bella, l’attrice Kristen Stewart. Dal set l’amore si sarebbe trasferito nella realtà, Edward e Bella si sarebbero impadroniti di Pattinson e la Stewart, facendo innamorare i due. Negli ultimi due mesi i due sono stati spesso fotografati insieme, e i giornali inglesi e americani stanno cavalcando la notizia. Che, diversamente dal solito, non sembra la solita trovata pubblicitaria. Speriamo che il loro amore sia meno tormentato di quello dei due personaggi. E che magari questo riesca a portare nei prossimi film un po’ più di chimica, di passione, di pathos. Cioè un tocco in più di realtà.

(Pubblicato su Movie Sushi)

Things couldn’t get much worse, so I got on a plane and just flew. I’m sitting now on the edge of the amazon river in the  little town of Iquitios in an odd corner of Peru. I don’t know if it was the two days of nightmares following the Antichrist thing, but my inner Herzog seemed to have crawled out and left me with no choice than to make a run for the jungle. Actually to call where I am a jungle is a bit of an overstatement.  I’ve secured a choice spot on the sprawling boardwalk about 50 feet from the legendary river, ice cold Antartica in my hand, content to watch the families stroll the promenade, not a raincloud or mosquitoe in sight.

Gemeinsam mit meinem Mann war ich heute Morgen im Tiergarten Hannover. Dort haben wir natürlich auch einige Fotos gemacht…

Der Tiergarten in Hannover ist eines der ältesten Wildgehege Deutschlands und zählt zu den beliebtesten Freizeitangeboten Hannovers. Ursprünglich war der Tiergarten das Jagdrevier von Herzog Johann Friedrich.
Im Tiergarten Hannover leben heute 120 bis 150 Damhirsche, dazu kommen einige Rehe und Rothirsche , sowie  zahlreiche Wildschweine.

Antichrist, ultimul film al regizorului danez Lars von Trier, nu poate fi povestit in cuvinte. Este o nebunie vizuala de toata frumusetea. Prologul, pe ‘Lascia ch’io pianga’ de Handel, constituie o felie superba de cinematografie pura. Cu doar doi actori (excelentii Willem Dafoe si Charlotte Gainsbourg) si cu trei sferturi din actiune avand loc in padure, filmul reuseste sa te tina peste 90 de minute in priza. Socant in mare masura, sadic si pornografic pe alocuri, Antichrist este in primul rand despre natura feminina. Excentrica Charlotte Gainsbourg joaca un arhetip al femeii, conectata prin toate fibrele la Natura amenintatoare. Ea aminteste nu numai prin referinta la tema sa de cercetare de vrajitoarele in Evul Mediu, dar si prin reactiile aparent irationale. Conceptia despre Natura inconjuratoare a lui von Trier mi-a adus aminte de un alt regizor de factura expresionista, de germanul Werner Herzog. In documentarul Mein liebster Feind – Klaus Kinski, Herzog explica viziunea sa proprie. In opinia sa, si in antiteza deplina cu cea a genialului sau actor-fetis, Kinski, Natura este terifianta, ascunzand  monstruozitati de  nedescris. Antichrist poate fi un film insuportabil, oripilant, dar in nici un caz nu este un film care sa te lase rece, avand capacitatea sa provoace automat reactii viscerale din partea spectatorului.

Saltellare, non pensare.

Guarda in alto, non pensare.

Muovi il braccio, non pensare.

Lavorare, non pensare.

Mangiar bene, pensa male.

Torno in pista a non pensare, guardo avanti senza andare

]]> http://somemoviereviews.wordpress.com/2009/11/07/lebenszeichen-1968-35/ Sat, 07 Nov 2009 07:08:04 +0000 bearc0025 http://somemoviereviews.wordpress.com/2009/11/07/lebenszeichen-1968-35/

Lebenszeichen (1968). – 3/5

Again, 3 might be generous b/c I didn’t think too much of this movie, but it’s not “bad.”

Not sure how/why it’s on my queue unless I put it on there when I was wanting to see all of Herzog’s films… I’m over that.

It’s slow, which isn’t bad in and of itself. It’s in German and Black/White which also aren’t negatives.

Nora, the female “lead”, looks just like one of our neighbors so that was weird.

There’ a bunch of great shots in the movie that match the pace and such. I dug that.

SPOILERS

It’s about a recovering German soldier in WWII living in an abandoned fortress in Crete w/ his Greek wife and 2 other soliders. Eventually he goes crazy and runs them out to hole up in the fortress alone w/ an munition of ammo. IMO, nothing really happens of note. I’m probably missing some deeper message about how one of the soldiers was a bit crazed about catching bugs and such w/ hens and junk. Not sure.

It’s been eight days now. It’s still not clear. Harmony Korine’s new film ‘Trash Humpers’ hit the London Film Festival Screen last Monday and my head is still fuzzy. Seventy-Eight minutes of VCR of actors made to look old in footage made to look found. No plot, cackling melting-faced degenerates, with buttocks too lithe for their wizened masks, larking about the suburbs at night looking for kicks amidst trash and booze, whilst repetitively singing an eerie nursery rhyme. I like recalcitrance. It makes feel less stoopid, stupid. If there is nothing to get then I haven’t missed anything. Sure one could dig for social commentary…the decayed nature of the VCR editing evokes a feeling that we have wasted our freedom…the use of elderly miscreants suggests that the older, numerically abundant, generation’s quest to live free has screwed the planet. Sometimes it hurts to pigeon hole the ridiculous. Interpret it yourself. I tend to think that Korine could be a great film-maker if is work to date – Kids, Julien Donkey-Boy and Gummo – is anything to go by. Trash Humpers is a stage of evolution in his career. One of those random stages that isn’t caused by need but more of a freak mutation that doesn’t really affect much initially and becomes the norm. Genetic drift. That sounds rather condescending but Korine is playful, he is experimenting, perhaps kicking out at the overly-processed nature of film-making through this essay on the short, the nihilist and the random. For me Korine deals in the search for Herzog’s ‘ecstatic truth’ and I’ll watch him wade through trash trying to find it. Not every day mind you, we all need a little narrative now and again.

Speaking of Herzog and narrative, I caught the showing of Nosferatu at the Old Biscuit Factory in Bermondsey on Halloween. Nosferatu is a classic vampire horror, the classic vampire horror, originally made by the German expressionist director Friedrich Murnau in 1921. Herzog created his homage in 1979. It was this homage that was selected to be the final screening in the V22 Herzog season which has been showing the director’s work across London during September and October. It’d be great to tell you that I’d really enjoyed the film. I’m going to moan though. Not because of my precious Werner but due to one of the worst film audiences I’ve ever encountered. Oh Lord I know I sound pretentious but the constant talking, sniggering and laughing ruined my appreciation of a wonderful looking interpretation. Perhaps Halloween and the mythic Nosferatu image brought out the wrong crowd. Not that I should ordain how fellow viewers interpret and enjoy a film but once you have laughed at the sight of Nosferatu or the slight melodrama of the script once or twice is it still laugh-out-loud funny every other time? As Jeremy says to Mark in Peep Show after being kept awake by a new Aussie housemate, ‘I just want to know, what’s so funny?’ The situation wasn’t helped by the fact the organisers couldn’t work or position the projector or that glass bottles bought from the bar rattled on the concrete floor every few minutes, or that the space was cold – physically cold – and, worst of all, had terrible acoustics. All of this meant the atmosphere was poisonous for concentration; I had to near meditate to engage with the film. A good idea poorly executed, and absolutely nothing to do with the very little sleep I had the night before. Nothing.

«Sono pronta a cogliere ogni opportunità e ogni cambiamento che mi faccia sentire una donna, una pornostar e un’artista…Lotta Continua, Sasha Grey». Si firma proprio così, la giovane pornostar sul suo visitatissimo myspace. Quale lotta? Forse – come ha dichiarato in conferenza al Tribeca film festival dove in anteprima mondiale è stato presentato The girlfriend Experience – quella per uscire dal mondo dell’hard di cui al momento è una star indiscussa anche solo 21enne. Non è la prima volta che una pornostar finisce a Hollywood ma non sempre viene diretta da un regista premio Oscar.

L’attrice americana è stata voluta da Steven Soderbergh, che passa dall’icona rivoluzionaria del Che (bocciata dal pubblico) a quella dell’adult movie, trasportandola nel ruolo di una escort di nome Christine, una ragazza di 22 anni, bella, magra,esile, bruna (anzi brunette come recitano i tag dei portali porno). Mentre il suo boyfriend fa il personal trainer e guadagna 125 dollari l’ora, Christine ne guadagna 2000 e si adagia sul divano vestita con bustini fetish.

Funzionerà questa doppia vita disciplinata dall’ambiziosa Christine? Ma soprattutto, per Sasha Grey si tratta davvero di una liberazione? Lasciando perdere il luogo comune dell’America terra di mille opportunità, l’esordio hollywoodiano finora è stato l’occasione per dichiarare che è stufa del mondo porno come può esserlo una macchina umana di quella industria dove «il sesso davanti alle telecamere è pura performance, dove ci sono solo io e il mio pubblico» e che vuole vedere «qualcosa di eccitante rispetto a tutto quello che ho fatto finora». Niente di strano, considerate le velleità intellettuali di Sasha Grey che invita a guardare di più Pasolini, che si dispiace di non aver incontrato John Cassavetes, che ama la Nouvelle Vague, Antonioni ed Herzog,  Monte Hellman e Bernardo Bertolucci, Terrence Malick e Louis Malle, David Lynch, Gus van Sant, John Stagliano, e Catherine Breillat, che impazzisce per John Coltrane, Mingus, Joy Division, Bauhaus, Hendrix, «Old Elton John», Bowie, Dylan, Radiohead e l’elettronica di Aphex Twin.

Ma non è una fuga perché a soli 21 anni, Sasha Grey da Sacramento, sui set hardcore da appena tre anni, ancora non è entrata nel cliché dell’attrice porno vissuta e dai mille sacrifici. Ancora lontana da venire una sua biografia sul modello di Jenna Jameson, la regina del porno americano che tre anni fa pubblicò una una storia edificante  ma con bollino in copertina «senza censure», chiedendo alla forma libro di comporre e legittimare a ritroso una via crucis necessaria a ottenere il successo in un’industria di altissimo livello, nel nome però della esclusiva liberazione sessuale delle fantasie maschili. Più che una biografia, un libro di cartone che voleva risultare candido come una certificazione di trasparenza nei buoni propositi, a dispetto del ruolo e dell’immediatezza planetaria del web dove Jenna è accessibile solo a pagamento e punta dritto ai desideri del pubblico.

Eppure anche la Grey ha un’immaginario da allontanare, perchè non è una pornostar qualsiasi: «I giorni delle pornostar complessate e vittime sono finiti, io appartengo a una nuova razza» ha dichiarato al giornale indipendente degli studenti dell’università di Santa Barbara in California. Ma quale razza? La razza di un mercato hardcore sempre più violento, non dietro le quinte ipercompetitive di una carriera come quella di Jenna Jameson, ma direttamente sulle scene dove l’esile Sasha- che fisicamente è lontana dalla Jameson con le sue curve imgombranti e l’aspetto vistoso, prepotente, da calendario- è invece sottomessa e umiliata.

La Grey è l’icona di un immaginario porno che spinge sempre più sull’acceleratore di un sesso estremo, targato Bdsm (bondage, dominazione, sadismo e masochismo) e accelerato nelle dinamiche fisiche, che spezza qualsiasi semplice armonia di coppia restituendo l’immagine di un motore che si ingolfa ogni due metri.

Il passo che l’ha fatta arrivare a Soderbergh non è un pentimento, ma l’evoluzione naturale di una immagine che Sasha ha curato insieme ai set hard: il suo myspace che non può ovviamente riprodurre immagini porno per non violare la policy relativa a ogni account, ci restituisce l’immagine di Sasha come una starlette alternativa, ritratta da Terry Richardson e Rony Alwin, che finisce sul Rolling Stone perchè quel mondo le appartiene, e non semplicemente perchè la ospita. Il cammino della Grey, la ragazza che invece di apparire nuda come altre pornostar nel corso dell’Howard Stern Show, preferisce mostrarsi avvolta in una bandiera palestinese è diverso dalla Jameson, regina scalzata che attende due gemelli da un lottatore, ma non per questo un cammino meno violento.

One of the pleasures of reading and rereading Bellow comes from the unexpected moments that ceaseless arise. I’ve read most of Bellow’s novels two or three times, but this bit regarding Herzog’s mind stands out: “It was too full of his grant projects to think anything clearly.” The contradiction of a full mind, which we usually consider orderly, brilliant, professorial, and the failure to think “clearly,” which is normally a problem of the undereducated or the thoughtless, seems perfectly right for someone who is being put back together by falling apart (or vice-versa; with Bellow, you never know). Here’s the larger context for that passage:

But it would never happen to her daughter, not if she could help it. And Madeleine was just as determined that it should not. And this was where Moses came in, on the bench of Verdi Square. His face was shaven, his shirt was clean, his nails clean, his legs, somewhat heavy in the thighs, were crossed, and he listened to Tennie very thoughtfully—for a man whose mind had stopped working. It was too full of his grant projects to think anything clearly.

So who is Moses, the man whose mind isn’t working clearly but who is also presented as a good and thoughtful bourgeois provider, at least here, with his cleanliness and full/empty mind? That I don’t have a good answer, two or three or however many times through, reminds me of Bellow’s subtlety, his habit of slipping in that idea that’s endlessly forgotten and rediscovered, and which makes him unexpected even when I superficially know what’s going to happen.

Moses Herzog and Bellow also know what’s going to happen, of course, which is why images of death are so pervasive in Herzog and many of Bellow’s other novels. The question is how we deal with that fact and how it animates our social and intellectual lives. The (partial) answer to that question is the complete works of Saul Bellow; I say “partial” because I suspect the larger point is that there is no answer, only more questions. No wonder so many people exist in such a neurotic world.

An eerie long take filmed by Henry Kaiser on the supercool sea-floor of McMurdo Sound and set to his own music. I find it most unheimlich and despite having watched it a few times over now, it never seems anymore familiar. The diversity of the subtidal fauna is astonishing. Something distinctly unexpected happens around the six-minute mark which is worth waiting for (clues as to what is happening can be found here).

Thanks to my friend Dave A. for showing me this.

Kaiser’s Anarctartic journal can be found here: Henry Kaiser Family Foundation

My love affair with the genius of film director Werner Herzog stretches back to a magical evening at the ICA a few years ago. I’d wandered up through St.James Park after work to meet a good friend. This good friend had been trying to get me to watch some Herzog for a while, film student as he was, but I don’t think I paid any serious attention until that night and the The Wild Blue Yonder. Like some culturally unfulfilled child of the rave I’ve been chasing the same cinematic high ever since. I probably always will be.

The Wild Blue Yonder is largely made up of stock NASA footage and film of diving explorations in Antarctica. Herzog gives the footage new life by re-contextualising it into a fictional narrative about aliens coming to Earth and the search for a suitable planet for humans to colonise. This fantastical story, played out amidst long sequences set to epic throat-singing and operatic scores, is utterly enchanting. It was a story I wanted to believe. The use of stock footage makes the fantastical tangible; it has a documentary quality which blurs the edges of sci-fi, fact and truth.

When I saw the director in conversation at the Southbank Centre last month he spoke of the ‘ecstatic truth’, something I had heard him talk of in this awesome excerpt from the making of the Grizzly Man soundtrack.  In Werner’s opinion fact does not necessarily lead to truth. He used the example of a phone-book. It may contain millions of facts – phone numbers and addresses – but it cannot tell us anything about truth or help us in our search for it. He went on to say that this is why the genre of cinema-vérité, a style of documentary film-making based on depicting reality, also fails to tell us anything about the truth. It may be reality laid-bare but it doesn’t help us to see beyond our own reality. As a fan of documentary I still appreciate verite form to tell a story – the world needs as many storytellers to tell its stories back to itself as possible – but I can’t deny that it is Herzog who leaves me ecstatic.

I saw Herzog’s foray into the crime caper at the London Film Festival last Friday. Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, a alleged remake of Bad Lieutenant – Herzog claims never to have seen the original and to have argued against the title – had me slightly apprehensive beforehand. Nicholas Cage? Xzibit? Eva Mendes? Val Kilmer??? It made little sense, how would these folk help me search for the ecstatic truth Werner? By making me laugh out loud, a lot, it turns out. BLT, as its been dubbed, is simply entertaining from start to finish. Nicholas Cage delivers the kind of glory days performance of David Cronenberg’s Wild At Heart that makes the utter mind-curdling dross he has turned out – GhostRider? one of the worst films ever made perhaps? – so frustrating. I think the collective conscious had wanted to give up on him completely but deep down we always hoped he’d turn it around. Apparently Herzog informed Cage of an old Bavarian saying, ‘to turn the hog loose’, when Cage had any questions about character motivation or such ‘bullshit’ as Werner states in this Q&A. Getting Nic Cage to fulfil his potential, I told you the man is a genius.

Oh and here’s the awesome ‘Coyotes’ from the Grizzly Man soundtrack

The internationally acclaimed Herzog & De Meuron unveiled their re-conceptualized design for the Parrish Art Museum on the 14-acre Hampton site. The new design replaces the firm’s original idea which featured a village-like cluster of pavilions scattered throughout the site. When the museum could not seem to raise the $80 million necessary to realize the project, they approached Herzog & de Meuron for a more modest proposal. The architects took the challenge and created a new building for less than a third of the original budget…READ ALL

Herzog & de Meuron’s design embodies responsiveness to the indigenous landscape, an emphasis on the natural northern light and a dialogue with the local architecture of the East End, especially the many artists’ studios in the area. The proposed design, which has received the unanimous support of the Parrish’s Board of Trustees, is now under review by the Planning Board of the Town of Southampton.

ENCOUNTERS AT THE END OF THE WORLD / THE WHITE DIAMOND

De tre favorittregissørene mine er nok Romero, Herzog og Bergman og i dag (i dusjen, for det er slikt jeg tenker på når jeg litt plass i hodet mitt) forstod jeg plutselig hva de har til felles; på sitt beste laget (og lager) de sine helt egne regler for filmatisk fortellerkunst. Og de nærmer (og nærmet) seg mer det konvensjonelle uttrykket etterhvert som tekniske og  (muligens) kunstneriske kanter sakte slipes ned.  Romero ser ut til å helt ha mistet sin kreative kraft, Bergman trappet ned før det gikk så galt.

Herzog ser derimot ut til å stå i mot, til tross for et kommersielt gjennombrudd nesten femti år ut i karrieren sin med Grizzly Man og sin første film i studiosystemet med Rescue Dawn, begge strålende filmer. I Encounters at the end of the World er gjør han lite vi ikke har sett ham gjøre før, men hva gjør vel det? Det han pleier å gjøre er å vise oss ting ingen før har sett.

EateotW omhandler Antarktis og menneskene der. Herzog innleder filmen med å love at han ikke skal lage noen “pingvinfilm”. I stedet konsentrerer han seg om å vise sidene vi ikke har sett, de uberørte så vel som de menneskeskapte. Hvem har vel tenkt på at den største kolonien på Antarktis har over tusen innbyggere og bowlingbane? Eller hvor rotete det egentlig har blitt på selve polen? Børge Ousland må ha sett skikkelig teit ut hvis han kom dit på ski. Heldigvis er det største kontinentet i verden fortsatt rikt på det jomfruelige også, bildene fra havet under isen er like vakre som noe annet han har vist oss.

Herzogs metodikk er ganske lik fra gang til gang. I sin jakt på sannheter som er dypere enn de rent vitenskaplige går han ikke av veien for å iscenesette hendelser (denne gangen ser vi det tydeligst i selforskerne som lytter på isen), eller å instruere intervjuobjekter (Isbreforskeren vi møter fikk fem minutter på å “vise fram poeten i seg”). Han henter fram det uventet menneskelige i folkene han snakker med.

Et eksempel (som i Herzogs ånd ikke finnes i filmen i det hele tatt): Tenk deg at du er fotballtrener. Herzog intervjuer deg om tabellsituasjonen i tippeligaen fordi han lager en film om fotball. Du har på deg et litt rart brunt slips. Herzog spør deg om slipset og etter at overraskelsen gir seg får du stammet frem at du fikk det av kona di på bursdagen  din og at du egentlig ikke synes det er så fint men at hun blir så glad når du bruker det. Så har du ikke mer å si. Du kikker ut i lufta og venter på at Herzog skal stille deg et nytt spørsmål, men Herzog bare ser på deg. Til slutt sier du (for noen må jo si noe) “Jeg hater dette slipset,” mens du ler litt nervøst. Og dermed har Werner fått fram litt av sin ekstatiske sannhet.

I Antarktis er det ikke spesielt vanskelig for ham å lokke fram det spennende i folkene han snakker med, for det er ikke hvem som helst som slår seg ned der. Det er heller ikke vanskelig for ham å trollbinde med naturbilder (på Blu-Ray er filmen rett og slett grisedeilig).

Mer overraskende er det at han denne gangen fokuserer såpass lite på menneskets møte med et av jordens minst gjestmilde steder. Naturen framstår ikke som fullt så grusom denne gangen som i Grizzly Man. Når vi etterhvert likevel får pingviner er det imidlertid ikke tilfeldig at Herzog følger den som går seg vill, forlater flokken og stavrer ensom innover i landet mot den visse død.

I the White Diamond følger vi aeronaut Graham Dorrington (helst ville han bli astronaut men en ulykke med en hjemmelaget rakett satte en stopper for det)  og hans lille luftskip som etterhvert får navnet the White Diamond.

tWD er en mer følelsesmessig engasjerende film enn Encounters´potpurri av mennesker og steder fordi den fokuserer på en fyr og folkene som jobber for ham. Det er også en mer alvorlig film fordi Dorrington i hvert fall delvis er motivert av en dødsulykke forårsaket av hans forrige luftskip. Herzog selv er mer deltakende som karakter her (det har jeg sansen for siden jeg bortimot forguder mannen), slik sett kan man si at denne filmen ligner litt mer på Grizzly Man også.

Den er ikke fullt så visuelt halsbrekkende som tematikken skulle tyde på, men  avsluttes av det flotteste enkeltskuddet jeg har sett i noen film. Dette alene er grunn nok til å kaste seg over den hvite diamanten.

Encounters at the End of the World, the White Diamond, Grizzly Man, La Soufriere og the Flying Doctors of South Africa fås nå på Blu-Ray og DVD i boks. Gjett om jeg anbefaler.

PONYO PÅ KLIPPEN VED HAVET

Howl´s moving Castle (det Levende Slottet) var etter mitt syn den svakeste av Hayao Miyazakis filmer. Den var selvfølgelig spennende, vakker og særegen, men den inneholdt lite vi ikke hadde sett i Mononoke, Spirited Away eller Laputa. Dette var en film Miyazaki fikk i fanget fordi den opprinnelige regissøren ikke kunne gjøre den, om dette hadde noen innvirkning  på sluttproduktet skal jeg ikke våge meg inn på.

Etter Howl´s ga Miyazaki (i følge wikipedia) uttrykk for at han var lei av cgi, og ønsket å returnere til rent håndtegnet animasjon. Storyboardene til Ponyo ble malt med akvarell, fordi filmen etter sigende skulle få en annen stil enn de foregående. Og det gjorde den.

Tradisjonell todimensjonal animasjon består tradisjonelt sett av en statisk bakgrunn med animerte figurer på. Hvis du ser f.eks gamle Disneyfilmer vil du se ganske tydelig hvilke deler av bildet som kan bevege seg.  Den enklere stilen i Ponyo gjør at ALT kan bevege seg. Når havet er i opprør er det VIRKELIG i opprør. Hvis det er slik at den er fri for datagrafikk er Ponyo den flotteste rent håndtegnede spillefilmen siden Disneys storhetstid på 40-50 tallet.

Handlingen er klassisk Miyasaki. En omtrent fem år gammel gutt (Ut Junior kjente seg veldig godt igjen) fanger noe han tror er en gullfisk, men det viser seg å være datteren til en trollmann. De blir glade i hverandre og jenta (som får navnet Ponyo) bestemmer seg for å bli en ordentlig jente, men når man er ektefødt datter av havet byr selvfølgelig slikt på problemer. Jeg mener jeg nevnte noe om havet i opprør.

Jeg er veldig glad i den litt voksne (men også mer animetypiske) Princess Mononoke og den ufattelig søte Totoro, men Ponyo er like god og kanskje bedre. Den har Totoros uskyld og varme,  og gigantiske fantasiactionsekvenser som i Mononoke. Karakterene er like troverdige som jentene i Totoro og Spirited away og det fantastiske elementet er like underlig som i den sistnevnte. Miyazaki på dette nivået er simpelthen verdens største barnefilmskaper. Fin norsk dubb også, synd ikke markedsføring og distribusjon har stått helt i stil.

2009 er i ferd med å bli et flott filmår.

TÌTULO ORIGINAL: Kaspar Hauser – Jeder für sich und Gott gegen alle

AÑO: 1974
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Werner Herzog
GUIÓN: Werner Herzog
MÚSICA: Johann Pachebel, Albinoni, Orlando Di Lasso, W.A. Mozart
FOTOGRAFÍA: Jörg Schmidt-Reitwein & Klaus Wyborny
REPARTO: Bruno S., Walter Ladengast, Brigitte Mira, Willy Semmelrogge, Gloria Dör, Volker Prechtel, Enno Patlas, Helmut Döring
PRODUCTORA: Werner Herzog Filmproduktion / ZDF

1975
Cannes
Gran Premio del Jurado
Premio FIPRESCI

Sinopsis:
Alemania, principios del siglo XIX. Kaspar es un hombre autista que se ha mantenido en total aislamiento toda su vida, viviendo en una cueva, sin utilizar el lenguaje verbal ni conectarse con el prójimo. El año de 1824 es descubierto en Nuremberg, convirtiéndose de repente en una curiosidad científica y social. (FILMAFFINITY)

XviD 672×400 | 1574 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps | 1.38 GB + 3% recovery
German | Subtitles: English, Spanish, French and Portuguese .srt

Comentario:

Poesía pura. Contundente conclusión a través de imágenes e improvisaciones que efectua Bruno S., antihéroe herzogiano salido de la realidad que se pone el disfraz de Kaspar Hauser.

Músico, artista y actor ocasional interpreta al joven desarrelado del mundo exterior, estuvo confinado en una caverna sin luz y a pan y agua, que apareció por las calles de Nuremberg en 1828 con una nota en la mano, pronunciando guturalmente la palabra “caballo”. Reintegrado en la sociedad, que al principio lo vió como una atracción de feria, en muy poco tiempo aprendió a leer y a escribir. Asombradas, las autoridades y la opinión pública sugirieron que alguien así podía proceder de estirpe noble. Años después de la extraña muerte de Kaspar, el folclore y la Historia lo han situado como presunto hijo ilegítimo de archiduques, aristócratas e incluso de Napoleón Bonaparte.

Si tenemos en cuenta la biografia de Bruno S., se asimila al de su rol. Nacido en 1932, era hijo de una prostituta y pasó casi veinte años en instituciones mentales (nunca hablaba de sí mismo en primera persona, sinó en tercera). Sin embargo su habilidad por las artes (la música y la pintura, especialmente) lo han dignificado y en Nueva York se le dedicó una retrospectiva de sus cuadros. También es capaz de construir sus propios instrumentos musicales. Colaboró en el cine únicamente con Herzog en esta película y la posterior “Stroszek” más acusada en cuanto a autobiografía (el apartamento donde vive antes de partir a Estados Unidos es el suyo propio) y que el cineasta alemán fué testigo directo de las improvisaciones de su colega; gritaba ante el espejo antes de salir a rodar.
Actualmente hay un proyecto pendiente entre los dos para volver a hacer cine. De momento hay que conformarse con este precioso y oscuro capítulo de la Historia de Alemania y “Stroszek”.
“El Enigma de Kaspar Hauser” es un análisis profundo de una mente desgraciada y de una sociedad ansiada por escudriñar en sus recovecos. Como el John Merrick de “El Hombre Elefante”; versado y precioso fresco. Cualidades que pocas películas de hoy en día pueden ofrecer.

Ignasi Borràs

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La primera vez que he encontrado la noticia me ha parecido anecdótica, la segunda vez me he parado en seco. Una cosa es que rem koolhaas o herzog & de meuron hagan arquitectura para Prada y otra muy distinta es que que Prada haga moda con la arquitectura. Por ahora creo que paso de vestir de koolhaas.

via [camisetasarquitectónicas] + [camisetasarquitectónicas2]

“Vivere è stupefacente” è la nuova campagna antidroga, o anche: “andare al cinema è stupefacente”, “la droga distrugge i nostri neuroni”, “non bere prima di guidare”, “non bere prima di andare al cinema”, “non fumare”, “il fumo danneggia gravemente te e chi ti sta intorno”, “il fumo uccide”, “non fumare durante la proiezione di un film di Tornatore” etc.
Avendo trasgredito a questi utili avvertimenti, il vostro precensore non è più sicuro di quello che scrive; all’indomani di una confusa convalescenza riferisce di  essere entrato di nuovo in una sala cinematografica. Le poche righe che riportiamo sono frammenti critici sui diversi film visionati (pura follia).

Il cattivo tenente. Il trailer mostrava una violenta sparatoria, il protagonista con occhi da pesce lesso sniffava coca e faceva sesso, una scritta ardente, messa di sbieco come fosse un film di Tarantino, mostrava il nome del regista: Werner Herzog. Il film viceversa è una specie di poliziesco all’americana senza infamia e senza lode. Eppure sto Herzog me lo ricordavo diverso… andiamo avanti. Abel Ferrara risponde alla provocazione con un bellissimo remake di  Aguirre il Furore di Dio, famoso film di Herzog con Klaus Kinsky, questa volta però a vestire i panni del  folle  Aguirre è un  Sylvester Stallone  non più giovane ma in piena forma.  Dario Argento firma il remake di Profondo Rosso di Dario Argento, ma questa volta in 3D; dopo averlo visto in anteprima mondiale dico tra me e me: non c’è male, ma quello del 75!! Ehm! Altri tempi, sì, altri tempi, cosa direbbe oggi Dario Argento a Dario Argento? Roberto Benigni, invece, dirige e interpreta il remake di Taxi Driver, film molto aderente all’originale ma con musiche di Nicola Piovani, malinconico, sognante e con un finale durissimo. Cineitalia!, stavolta vinciamo il Leone d’oro! Molto bello anche il remake del remake di Non aprite quella porta, dal titolo “Apritela ma sta vorta, fate piano!” di Kurtz Bainoff,  famoso regista di 10 volte vergine e L’agguato delle tartarughe gialle. Infine segnalo La ragazza che giocava con il cuoco, film vietato ai minori di 14 anni e dedicato ai quattordicenni, la storia gira intorno ad una quattordicenne che… inutile andare avanti, in attesa che esca il nuovo di Quentin Tarantino, un remake del Padrino con Alvaro Vitali, a voi tutti,  buona visione!

Antonello P.

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Torna a farsi tempi dopo lungo tempo il Nostro, e mi premuro di segnalare qualcuno dei suoi antichi gioielli, le mitiche precensioni, qui sotto, sperando che i nuovi lettori del blog abbiamo così voglia di scoprirle.

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