Well, it was very rainy when I woke up at home today in Risoul. I’d planned on doing some gardening and work around the house, but when I stepped outside, I knew that it wasn’t going to happen.

Not getting anything done around here today

I surfed the web while I was trying to figure out alternate plans when I came across an interesting link on Baker Blinker’s blog that was filed under a category called sl places, secluded. It was an SLURL to something called the Kerchal Forest. I’d never heard of it before, so I decided that since the day was quite literally a wash here, I’d go and check it out and hope that the weather was better there.

My hopes came true when I landed from the teleport. The skies were gray, but the rain hadn’t reached the forest yet. I put my umbrella away and set out through the trees.

Kerchal Forest

I thought about these lines from Mary Oliver’s Five A.M. in the Pinewoods while I made my way through the maze of firs:

I’d seen

their hoofprints in the deep

needles and knew

they ended the long night

under the pines, walking

like two mute

and beautiful women, so I

got up in the dark and

went there.

Eventually, I found my way out of the forest and wandered up a rocky hill and down through a gully and up the other side until I came out on a cliff that overlooked one of the most beautiful scenes I’ve ever encountered in my Second Life.

Grizzly Inlet in Dowden

Maybe it was the disappointment of a rainy day and foiled plans giving over to the joy of discovery, or maybe there is something inherently magical about this hidden inlet, but, in that moment, I felt like I’d stumbled upon the perfect landscape. Curious to see more, I walked along the cliff until I found a set of stairs that wound all the way down the steep embankment to the water.

Boat dock at the bottom of the stairs

At the bottom, I found a boat dock situated beside a small waterfall. I noticed that build permissions were left open to the public here. I rezzed an airplane to be sure. It seems like this would be a great place to begin a sailing journey or a flight.

Tom Boellstorff's Ethnographia

Making my way up the inlet, I was surprised to stumble upon Tom Boellstorff’s (Tom Bukowski in SL) Ethnographia. I’d read his ethnographic study, Coming of Age in Second Life, right when it came out and enjoyed it very much. There are copies of the book here that you can read, if anyone is interested. I was also excited to see that Tom had put up reproductions of Hiroshige prints on the walls of his office. I’ve always made the connection between the visual cosmos of 19th Century Japanese wood block artists and the landscape that we see here in Second Life.

Hiroshige print on the wall of Tom's office

Heading towards the mouth of the inlet, I came across these beautiful junks which were docked beneath an elaborate Shinto shrine up the hill. When I looked closer, I found out that the boats were for sale for only $L 200. One could make a whole afternoon sailing in style around the inlet and the sea beyond for under one U.S. dollar.

Junks at the mouth of the inlet

Finally, the great intricacies of the inlet gave way to the cool expanse of the sea. I looked at my map and realized that many water sims and islands stretched just beyond, but I was feeling the urge to get back home, so I’d have to come back another time. It was a good adventure, I’d say, and it kept me out of the rain for a little while.

The sea beyond

SHUNGA WRAPPED by Bob Kessel
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SHUNGA LICKITY SPLIT by Bob Kessel
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SHUNGA YELLOW MAN by Bob Kessel
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Bob Kessel has created a new art series titled, “SHUNGA” based on Japanese woodblock prints. The pictures are available as limited edition original fine art prints, signed and numbered by the artist. Contact Bob Kessel for prices and availability.

Recently there has been many new pictures added to Bob Kessel’s Shunga art series. It should come as no surprise to anyone that the shunga webpage receives 10 times the hits of any other Bob Kessel art series.

SHUNGA EXPLAINED

Shunga are literally “images of spring.” That is the time of recreation and procreation, the time that inspires man and woman to couple, as if anyone needed an excuse. Shunga appeared prominently in the works of Hokusai, Utamaro, and many other revered woodcut artists.

In the Japan of the 1800’s, the color woodcut print was the most popular artform of the day. The artists of the so-called floating world or ukiyo-e portrayed real life personages and situations as the subject matter for their wood block prints. Ukiyo-e artists created extraordinary portraits of Kabuki Actors, Geisha, Sumo Wrestlers, and other notables, as well as landscapes and architectural views of old Japan. The incredible artistic output of these highly skilled artists left us an accurate view of life in the Japan of yesteryear. There was however another aspect to the art of the ukiyo-e that few Westerners have heard of, that is the art of shunga, or… the Images of Spring.

The production of such images kept most ukiyo-e artists very busy. In fact there were no artists of the time who remained uninvolved with the creation of shunga. The artists of the floating world many times created highly charged sexual imagery, erotic imagery, what Westerners would categorize as “pornographic” pictures.

Ukiyo-e artists created these “Images of Spring” without the slightest notion of embarrassment or shame. There was no stigma attached to the production, sale, or purchase of shunga artworks, in fact the market for such artworks was a lively and lucrative one. Erotic images were not illegal and collections of shunga were sold in book form, called enpon.

This artistic output on the part of Japanese artists had no equivalent in the Western art of that time and illustrates a completely different attitude about sex and morality. The aesthetics of shunga reflected the Japanese view of the body and sex as being part of the natural world, a world that held no concept of original sin.

It was a longstanding tradition that brides of feudal lords bring a collection of shunga to go along with their wedding furniture. There was also a tradition of feudal lords placing shunga in their helmet box whenever they had a new suit of armor made. These customs were a talismanic wish for eternal happiness and many artists made a comfortable living as a result.

The sale of shunga to a high-ranking person would bring enough money to sustain an artist for months, and so many notable, first rate and highly accomplished artists devoted themselves to this unprecedented artform. The level of detail with which ukiyo-e artists portrayed the human body revealed complete familiarity with anatomy and sexuality. Practically speaking the “Images of Spring” also served as a form of sex education for the sons and daughters of the well to do. This type of frank, accurate, and free representation of sexual matters was not to be seen in the West for at least another one hundred and fifty years.

There is limited knowledge of this artform outside of Japan, and in Japan itself shunga is scarcely seen or spoken of these days. However, the aesthetics of shunga still resonate in the contemporary world of certain manga and anime productions. The venerable art of shunga is the root for some modern day Japanese adult comic titles, proving without a doubt that eroticism in contemporary anime and manga is not at all a new phenomenon copied or borrowed from the West.

Those who are well acquainted with Japan’s enormous manga industry should be familiar with the genre of comic known as hentai (or “perverted”). These contemporary publications often focus on explicit “adult” material, but they have a clear artistic connection to the past in that their themes can be traced back to shunga. Shunga artworks are much more than mere “dirty pictures.”

The prints are of considerable artistry and cultural importance. In fact quite a few prestigious art museums around the world, especially in Japan, have collections of the highly prized risque prints (though they are not generally on public display).

Some scenes portrayed in shunga prints involve tender courting and romance, with all the attendant trappings of flirtation. Many of the prints offer scenes that leave nothing to the imagination. Couples are pictured in states of partial undress, in the throes of passionate lovemaking, utilizing a variety of positions and techniques.

There are even prints that depict lovely young ladies pleasuring themselves, a sight nearly totally absent from the annals of Western art! Whatever the sensual delights portrayed, the prints always manage to do so with sophistication and a certain elegance. Shunga prints are one of the overlooked treasures of traditional Japanese fine art. The “Images of Spring” should be properly recognized as high art, and at the same time preserved and studied for being one of the world’s greatest graphic art forms.

LAMP by Bob Kessel from SHUNGA art series

In the fall, views of Mount Fuji reappear in Tokyo. Summer is too hazy to see long distances clearly. Even in fall, the times you see Mount Fuji are unexpected, surprising and sublime. The view above and below is from our apartment balcony at sunset.

There was a recent newspaper article about a Nippori, Tokyo neighborhood association’s effort to save their view of Mount Fuji from a hillside named Fujimizaka, “the slope for seeing Mount Fuji.” The Nippori Fujimizaka is the last of sixteen hills named Fujimizaka in central Tokyo where the view has not yet been fully blocked by high rise construction. The Arakawa ward, where Nippori is located, would like to protect the views, but the Bunkyo ward, where the construction is occurring, would like the tax revenue from new construction.

Although unsuccessful in preventing a 14 story building from blocking one third of the view in 2000, the Society to Protect Nippori’s Fujimizaka is organizing to protect the remaining two thirds view. The Mount Fuji view from Nippori was included in Hiroshige Utagawa’s famous woodblock prints of urban Edo life. The preservation leader is an 83 year old man named Kaneko Makoto.

I know the correct spelling of Dewey’s 24 hour read-a-thon, but from now on I’m going to write it without the negative signs: readathon — because it is so much quicker to type! I’m really exited because I’ve got less than an hour to go before the readathon starts at 14:00 Amsterdam time. Last minute preparations have started! And some last minute additions, as you can see in the picture…

And yes, that includes the side table! We’ve had our eyes on this for a long time now but today I really really need it! So I went by the furniture shop this morning, after I had my hair cut. I als picked up another book: Silk by Alessandro Baricco (in Dutch: Zijde). I already told you that I liked to add it to my pile of readathon books and I had to go to the bookshop anyway… because I had lost the bookmark I wanted to use for my current read: I Am a Cat (Natsume Soseki). I got so frustrated by it that I decided to buy the exact same bookmark again: a Japanese white-eye bird made by Hiroshige. But then I found an even better marker of a black cat in autumn! It is by Hishida Shunso — I have not heard of the artist before, have you?

I hate losing favourite bookmarks, but this proves it can be a good thing too Have you heard of our adventurous bookmark from Cappadocia?

Well, I’d better stop blogging and get the rest of my preparations done… See you in a bit!

La inspiración, que no siempre te pilla trabajando pero rara vez lo hace cuando estás haciendo el vago, puede buscarse en cualquier sitio. La literatura, disciplinar o no, libre de referencias directamente visuales puede generar hermosos paisajes mentales. Como hiciera Kengo Kuma, no con la literatura, sino con las ilustraciones de Hiroshige, Thomas Hillier, alumno de la Barlett, ha encontrado la inspiración en esos mismos pasajes para escribir una historia devenida en proyecto. Con ayuda de un exquisito origami y mucha imaginación, ha construido un proyecto que merece no sólo un análisis detenido y un disfrute inmediato, sino una nueva clasificación, literatura construida.

imágenes y memoria [flickr]

via bldgblog

Fondazione Roma Museo
Via del Corso, 320
Dal martedì alla domenica (chiuso lunedì)
Orario 10 – 20 (la biglietteria chiude alle 19:15)
Prezzo del biglietto 10 Euro, riduzioni previste per chi possiede la Feltrinelli Card (7 Euro)

Chiude oggi la mostra dedicata ad Hiroshige, grande maestro dell’arte giapponese. (Proprio il giorno prima della mia partenza, sfiga!) Vi riporto la descrizione della mostra dal sito della Fondazione Roma Museo:

“La prima mostra in Italia su Utagawa Hiroshige (Tokyo, 1797-1858), uno dei più importanti pittori giapponesi del XIX secolo.
La mostra, prodotta da Fondazione Roma e organizzata da Arthemisia, ripercorre tutta l’opera di Hiroshige e tutti i temi a lui cari: la natura, gli animali, i paesaggi, i viaggi. Il suo punto di massima espressione artistica è raggiunto dalla rappresentazione della natura, tanto da essere chiamato “Il Maestro della natura”.
Hiroshige fu un’artista di grandissimo successo, tanto da essere copiato in Oriente e in Occidente dai più grandi artisti dell’epoca come Van Gogh, Manet, Monet e molti altri.
Più di 200 opere esposte in mostra, provenienti dall’Honolulu Academy of Art di Honolulu.
La mostra, un’occasione unica per ammirare le opere di questo grande artista, proseguirà per la Dulwich Picture Gallery di Londra da luglio a settembre.

Per la prima volta in Italia 200 opere di uno dei più grandi artisti giapponesi di ogni tempo, in mostra nella capitale al Museo Fondazione Roma (già Museo del Corso).

Le opere di Utagawa Hiroshige (1797-1858), artista capace di contemplare ed esprimere la natura nel suo lato più armonico, ancora oggi veicolano il messaggio di una intensa capacità di ascolto religioso che accomuna i sentimenti dell’uomo al respiro del cosmo, avvicinando l’infinitamente piccolo allo sconfinatamente grande.

Divisa in cinque sezioni, la mostra presenta opere provenienti dall’Honolulu Academy of Arts, che ospita fra le sue numerose opere una delle più importanti collezioni d’arte asiatica al mondo.

La prima sezione, Il mondo della natura, raggruppa stampe che sono dei capolavori di rappresentazione di elementi della natura. Piante e fiori, uccelli, pesci e altri animali, elementi della vita cosmica con cui l’uomo deve mantenersi in armonia.
La seconda, Cartoline dalle province, è dedicata a opere in cui sono rappresentate le più significative località del Sol Levante.
La via per Kyoto, terza sezione della mostra è dedicata alle due grandi vie che collegavano la capitale imperiale di Kyoto a quella amministrativa di (Tokyo) Edo. In questa sezione è contenuta l’opera Cinquantatré stazioni di posta del Tokaido, universalmente considerato il capolavoro di Hiroshige.
Nella quarta, Nel cuore di Tokyo, è rappresentato il vedutismo di Edo, la “capitale orientale”, l’attuale Tokyo dove risiedeva lo sh_gun, il capo militare e politico del Giappone. Un centinaio e più di luoghi che gli abitanti e i visitatori frequentavano costantemente.
Una sezione a parte, Il vedutismo di Hiroshige nella prima fotografia giapponese, testimonia l’influsso che il maestro ebbe sul nuovo mezzo visivo, e sull’immaginario dei primi fotografi.

Hiroshige ebbe una notevole influenza sulla pittura europea e soprattutto sull’impressionismo e post-impressionismo. Fu imitato da numerosi artisti del XIX secolo, primo fra tutti Vincent Van Gogh. Saranno infatti presenti in mostra anche tre riproduzioni di capolavori dell’artista, ispirati direttamente ai quadri di Hiroshige ,conservate al Van Gogh Museum di Amsterdam e impossibili da trasportare a causa delle delicate condizioni conservative. Le opere sono state riprodotte al vero e in altissima risoluzione dalla Rai, nell’ambito del progetto le mostre impossibili secondo una speciale tecnica di elaborazione digitale.

Per avvicinare le famiglie e i bambini alla cultura giapponese si è introdotto un percorso indirizzato ai più piccoli per trasformare la visita in una fantastica esperienza di “viaggio” nel mondo di Hiroshige.
Per tutti i giovani visitatori è a disposizione gratuitamente un “Quaderno di viaggio”, da utilizzare durante la visita, i ragazzi potranno cimentarsi negli ideogrammi della scrittura giapponese e divertirsi a riprodurli.
Inoltre per la prima volta a Roma saranno disponibili audioguide realizzate appositamente per bambini e ragazzi.”

Cavoli che invidia!

Today I went down to the local art supply store and bought a new canvas, some new paints, and a brush, and created some crazy new artwork for our living room.

This painting is copied somewhat closely from the 19th century print by Hiroshige, called “Navaro Rapids.”  His wasn’t a painting, but I figured I could paint it.

Here’s my version.

My 2-hour take on Hiroshige's "Navaro Rapids".

And, here’s the original.

The original print by Hiroshige.

Not exact, but pretty decent I think!  My attention span for doing a painting like this is a few hours tops, so I had to work fast.

Chiedo venia, ma ho scoperto solo oggi dell’esistenza dell’interessante mostra, L’oriente tra tradizione e innovazione, che si terrà fino al 10 settembre presso la Casa delle Letterature di Roma (grazie a Roberta per la segnalazione e l’invito):

Un'opera di Keitaro Sugihara

La Casa delle Letterature del Comune di Roma dal 26 giugno al 10 settembre 2009 espone una mostra sull’illustrazione giapponese in collaborazione con l’Associazione Culturale Teatrio; un piccolo ma significativo contributo alla conoscenza della figurazione nipponica antica e contemporanea, nella quale gli aspetti tradizionali e quelli innovativi, gli elementi autoctoni e quelli esterni, cinesi, coreani, tibetani o occidentali, si sono sempre intrecciati
La mostra mette a confronto il passato e il presente della grafica giapponese, gli artisti Ukiyo-e ed i contemporanei.
Con il termine Ukiyo-e (immagini del mondo fluttuante) si intende la produzione artistica di pitture, stampe e libri illustrati rispondente al gusto dei cittadini borghesi di epoca Edo (1603- 1867) Le xilografie esposte, appartenenti alla prestigiosa collezione Contini, sono databili tra il 1803 e il 1860 circa, un momento altissimo dell’Ukiyo-e, e la mostra ne presenta un distillato degli stili, tipologie e tematiche principali attraverso alcuni dei suoi artisti più rappresentativi:
Kitagawa Utamaro (1753- 1806), Hasegawa Sadanobu (1809- 1879) , Utagawa Kunisa (1786- 1865), Utagawa Kuniyoshi (1797- 1861), Utagawa Hiroshige (1797- 1858)
Tra gli illustratori contemporanei il dialogo tra culture disparate è evidente. Le incisioni in bianco e nero di Tomoko Matsumoto, nata ad Osaka e formatasi a Londra, ritraggono il Giappone attuale con la fedeltà e l’obbiettività dell’antropologo; Yuko Shimizu nata a Tokyo, ma vive e lavora a New York, è molto attiva nella grafica pubblicitaria ;da Tokyo a Pasadena, California, Kiuchi Tatsuro ha compiuto il suo percorso da una formazione scientifica ad una carriera artistica ; Hiroyuki Nakamura vive e lavora a Tokyo, il suo approccio all’illustrazione è espressivo, gestuale, all’apparenza spontaneo nell’esecuzione ; Keitaro Sugihara sperimenta diverse strade creative, tra cui spicca il collage ;Osamu Komatsu, vive e lavora a Tokyo, ma è molto amato in Italia ed è un artista difficilmente riconducibile all’universo figurativo dell’Ukiyo-e, così immerso nelle atmosfere poetiche e fantastiche di sapore europeo.

Informazioni

Casa delle Letterature
piazza dell’Orologio, 3
00186 Roma
tel.: +39 (06) 68.13.46.97
fax: +39 (06) 68.30.18.95
Orari della Casa delle Letterature
Dal lunedì al venerdi ore 9:30 – 18:30
(sono frequenti prolungamenti di orario in occasione delle manifestazioni organizzate dalla Casa).

La bellezza e la armonia della Natura in tutte le sue forme sono l’oggetto delle splendide stampe policrome di Utagawa Hiroshige in mostra a Roma al Museo del Corso fino al 13 settembre. Il maestro giapponese è uno dei più importanti esponenti dell’ukiyoe, l’arte del mondo fluttuante. La rappresentazione dell’universo naturale che emerge dal percorso della mostra – sapientemente studiato per ricreare l’atmosfera di pace ed equilibrio che sprigiona da tutte le opere esposte – è quella di un’immensa armonia, un equilibrio totale che tutti ci avvolge e al quale tutto l’esistente collabora con il fatto stesso di esserci.

I magnifici voli delle oche selvatiche, rappresentate con simmetrie ed equilibri prospettici davvero impressionanti, le evoluzioni acquatiche dei pesci, il placido scorrere dei fiumi, tutto è il segno di un universo in cui è l’armonia l’unica grande regola, a cui niente e nessuno può sfuggire. Il mare in burrasca in primo piano, si placa nelle placide acque tranquille dello sfondo (vedi foto). La tormenta di neve non cancella, anzi amplifica il senso di tranquillità trasmesso dalla spessa coltre bianca.

Ciò che veramente colpisce è il modo in cui l’uomo entra in tutto questo. Quando la figura umana è presente, è sempre una parte del tutto, che completa ed integra senza turbarne l’armonia. Così, negli splendidi scenari montani con il sacro monte Fuji sullo sfondo, le figure di viandanti e pellegrini che camminano per i sentieri sono appena visibili e non più rilevanti di un albero o un fiore.

All’uscita della mostra, si è completamente pervasi da quel senso di pace ed armonia, grati ad Hiroshige che ci ha regalati il dono del tempo, la capacità non di guardare, ma di fermarsi ad osservare, quello che ci circonda per comprendere appieno la magnificenza di un universo che solo i nostri occhi distratti ed indaffarati non ci consentono di vivere appieno.

We had bought those woodblock prints in Kyoto last year and we finally reunite them on the same wall at home. I find them absolutely amazing and today I took some time to finally look for their exact title (all I knew was they were from Ando Hiroshige).

The first one is called “Akasaka-Kiribataki in Rain” and was actually painted by Hiroshige II, the adopted son of Hiroshige (his real name was Suzuki Morita). It is part of the “One Hundred Famous Views of Edo” and apparently this version replaced this original one in the latter prints (couldn’t find what the original was actually looking like…)

The second one is called “Otoko Mountain at Makigata in Kawachi Province” and it comes from the series called “60 odd provinces”.

(all the images come from this incredible web site which is a reference when it comes to Hiroshige).

While I was looking again at the pictures I took in Japan, I found this one from Kyoto:

It’s not a fantastic picture, but I remember taking it because the successive layers of mountains progressively fading away reminded me of woodblock prints. What do you think?

I’ve been a big fan of Japanese woodblock prints for quite a while and blogging about the ones I bought in Japan made me think about how in the first place I got to discover woodblock prints: actually, that was about 9 years ago when one of my best friends went to live in Japan for 2 years. For new years eve, he sent me a greetings card of an Hiroshige painting and I remember being amazed at the atmosphere and the precision of the drawing. It happened to be a Hiroshige painting, from the “The Fifty-Three Stations of the Tokaido “:

Since then, I have been one of the greatest fans of Hiroshige and what’s pretty funny is the fact that, when you talk about Japanese woodblock prints, the name that usually comes to people’s mind is Hokusai, whereas I personally find that Hiroshige’s paintings are far more powerful and colorful!

Ovim tekstom počinjemo da prikazujemo umetnost Japana kao i lepote Japana.S obzirom na značaj planine Fudži u Japanu, onda svakako ovu svetu planinu moramo da uvrstimo u sam početak našeg bloga. Umetnost u Japanu nije počela sa mangom i anime filmovima, počela je mnogo mnogo pre svega toga. I sve to što je činilo umetnost u periodu pre sredine 20. veka jeste uticalo i na razvoj pop kulture u koju svrstavamo između ostalog i manga stripove i anime filmove. Nadam se da ćete u ovom odeljku bloga naći mnoge interesantne stvari vezane za Japansku umetnost kako staru tako i novu.

Planina Fudži (富士山, Fuji-san), jedna od tri svete planine u Japanu, impresionira svakog ko je vidi kad prvi put dođe u Japan, kao što je i  same Japance uvek impresionirala a  kod kojih inače postoji osećaj lične identifikacije sa ovom planinom.

Fudžijama je vulkan, visok 3776 m,  koji je zadnji put imao erupciju početkom 18. veka. Nalazi se zapadno od Tokija, na pacifičkoj obali srednjeg dela ostrva Honšu . Planina je glavni deo nacionalnog parka Fudži-Hakone-Izu.

Poreklo reči Fuji je još uvek nejasno. Po ranoj narodnoj etimologiji smatra se da 不二 znači “neuporediv” tj. ” onaj kome niko ne može biti jednak”,  drugi kažu da 不二  znači “beskrajno”. Ipak, smatra se da Fuji ima korena u Jamato jeziku (iz njega se razvio današnji japanski jezik) a ne Ainu, za koji su neki tvrdili da ima veze. U Priči o sekaču bambusa (竹取物語; Taketori Monogatari) kaže se da ime Fuji potiče od “besmrtno” ((不死, fushi, fuji) kao i od slike napušteni (富, fu) vojnici (士, shi, ji) silaze niz planinu.

Fudži-san je danas poznata međunarodna turistička destinacija kao i  popularno mesto za planinarenje. Jedna japanska izreka kaže “Svako bi ispao budala ako ne bi se popeo na Fudžijamu bar jednom, ali bi takođe ispao budala ako bi pokušao i drugi put.” Planina Fudži se vezuje i za vojnu tradiciju: stari samuraji su koristili nekad podnožje planine kao svoj prostor za trening, blizu današnjeg grada Gotemba. Šogun Minamoto no Yoritomo je isto tu držao yobusame (vrsta japanskog streličarstva koji se izvodi na konjima) na početku Kamakura perioda.

Mnogi japanski umetnici su planinu Fudži i njenu atraktivnu simetričnu kupolu predstavljali na svojim umetničkim delima kako u prošlosti tako i dan danas. Umetnici poput Hokusai-a, Hiroshige-a, Gakko-a i drugih. Njena kupola  je  uklopljena i u zaštitni znak poznate luksuzne linije automobila INFINITI.

Kacušika Hokusai (葛飾北斎, Katsushika Hokusai) je japanski Ukiyo* umetnik i drvorezac, predstavlja jednog od najznačajnijih japanskih umetnika koji je stvorio mnogo umetnička dela koja ćemo prikazati ovde na blogu sa velikim zadovoljstvom.

Jedno od njegovih najpoznatijih dela je Trideset i šest pogleda na planinu Fudži (富嶽三十六景, Fugaku Sanjūrokkei). To je ukiyo serija velikih, obojenih drvopisa. Ova ksilografska serija oslikava planinu Fudži u različitim godišnjim dobima i vremenskim uslovima sa različitih mesta i delova Japana. Ono se tačnije sastoji od 46 otisaka i one su oslikane između 1826 i 1833. Prvih 36 slika je bilo u prvom originalnom izdanju a kasnije, zbog ogromne popularnosti, njima je dodato još 10 slika.

Njegova serija grafika iz 1834. godine, Stotinu pogleda na planinu Fudži (富嶽百景 Fugaku Hyakkei), smatra se za njegovo najbolje delo i remek delo pejzažnog slikarstva.

Ovde u ovom članku nećemo stavljati svih 36 ili 46 ili 100 grafika i slično odjedanput da bi ukomponovali u tekst  ali svakako ćemo da postujemo ove grafike s vremena na vreme u okviru bloga da biste svi uživali predivnoj umetnosti ne samo Katsushike Hokusai-a i Utagawa Hiroshige, već i drugih poznatih japanskih umetnika.

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* o ovome će uskoro takođe biti reči u ovom odeljku bloga

My father-in-law and some friends climbed Mount Fuji last night. Recently a few hikers have died, and I heard the weather last night was poor. Fortunately, Docomo allows constant contact. Unfortunately, I used Google Translate to interpret my mother-in-law’s text message. Google Translate is incredibly BAD.

Per esperienza personale, ho notato che le guardiane dei musei sono spesso mature madri di famiglia che approfittano di un lavoretto part-time e passano il tempo nelle sale semideserte guardando di sfuggita i visitatori dal seggiolino concesso loro dalla direzione.

Si comprenderà quindi, abituato a tali compagnie museali, come sono rimasto quando, visitando la (fortunatamente prorogata) mostra di Hiroshige a Roma, mi son trovato davanti, partendo dalla biglietteria e arrivando fino al bookshop, una serie di splendide figliole che non sfigurerebbero certo nei book di un’agenzia di modelle. All’ingresso, l’addetta allo “strappo” dei biglietti, oltre ad una acconciatura in stile nipponico sfoggiava una via di mezzo fra un simil kimono ed una minigonna, e spero di non esserle rimasto troppo a lungo davanti, imbambolato a bocca aperta. Ma non garantisco.

Anche le ragazze delle sale (l’analogo delle custodi descritte all’inizio) erano vestite con quella che era evidentemente l’uniforme di circostanza: rigorosa minigonna, suppongo nei colori sociali del museo, calze nere e scarpa nera con tacco da dieci (almeno)

Una volta messo a tacere l’ormone impazzito mi son trovato a pensare che col caldo di Roma che l’aria condizionata non riusciva comunque a mitigare più di tanto, alla sera le splendide geishe de noarti dovevano averne gli umeboshi pieni di quei tacchi e di quelle calze, che saranno state anche fini, magari da un carato solo (se mai ne esistono) ma sempre calze erano.

Uscendo, ho notato che il GGG (giovane guardiano giurato) che avevo visto alla biglietteria entrando, ivi era rimasto senza muoversi di un passo, amabilmente chiacchierando con le belle bigliettaie. Come dargli torto? Un’immagine del mondo fluttuante degna di una stampa di Hiroshige, o magari di una serie: Sessantanove vedute di musei italiani…

Giappone: Tradizione e innovazione

Mentre la mostra “Hiroshige il maestro della natura”, installata al Museo del Corso di Roma, è stata prorogata fino al 13 settembre per le numerose prenotazioni, c’è un’altra mostra sul Giappone che gli amanti della cultura giapponese non devono perdere: “Giappone: Tradizione e Innovazione”. La mostra sarà visibile fino al 10 settembre presso la Casa delle Letterature, che si trova in Piazza dell’Orologio 3, a Roma. La mostra è aperta, ad ingresso libero, dal lunedì al venerdì, dalle ore 9:30 alle ore 18:30. L’esposizione è divisa in 3 spazi tematici: Stampe antiche, Artisti contemporanei e Manga. La prima sezione è dedicata all’Epoca Edo (1603 – 1867), considerata il periodo d’oro dell’arte giapponese, “un lungo periodo di pace e di isolamento dal resto del mondo, ma non privo di tensioni”. Si possono ammirare opere di Kitagawa Utamaro, Hasegawa Sadanobu I, Utagawa Kunisada, Utagawa Kuniyoshi e Utagawa Hiroshige; xilografie realizzate tra il 1803 e il 1860. Si passa poi all’arte contemporanea con opere di Tatsuro Kiuchi, Osamu Komatsu, Tomoko Matsumoto, Hiroyuki Nakamura, Yuko Shimizu e Keitaro Sugihara, che sono state realizzate nel periodo tra il 2001 ed il 2009. La mostra si conclude con la sezione dedicata ai manga, dove sono esposte anche opere di artiste italiane, come Federica di Meo in arte Akachan, Alice Esculapi, Giusy Oliva in arte Fanchan e Mariapia Vannucchi. Per gli appassionati di manga è possibile partecipare a workshop sui fondamenti della tecnica Manga e sull’utilizzo della costruzione in blocchi, per imparare le basi di questo stile artistico.

Regular readers of this blog know I like to make copies.  I also like to have fun.  A while back when I was drawing horses I made these two drawings which live on the same sheet thanks to the invention of construction tape (used to make a larger sheet by combining several sheets together).  I was copying horses from Japanese art.  Unfortunately I can’t remember who the artist is.  Hiroshige, Hokusai, someone else?  I dunno.  But here they are. 

My copies are definite interpretations.  Mine lack the rigor of the originals (boo woo) and also have a laisser-aller element that I attribute to the “fun” aspect.  If one were turning Japanese masterworks into kid cartoons, you might get a drawing somewhat a kin to these.

But, hey, sometimes an artist just wants to have fun.

Qualche mese fa mi sono recata a Roma al Museo del Corso dove era stata allestita una mostra sui pittori olandesi e fiamminghi del ‘600 (Rembrandt o Rubens per intenderci) che mi sarebbe servita per la tesi di laurea. La mostra è stata davvero interessante ma purtroppo è terminata…Quando andai però presi il volantino che riguardava un altro artista il quale è tutt’ora in mostra al Museo del Corso, Hiroshige Utagawa.

Incisore e pittore vissuto nella prima metà dell’ 800, rappresentò soprattutto la natura del suo paese tanto da essere ritenuto il maggior paesaggista giapponese dell’Ottocento. I suoi disegni mostrano un sentimento di contemplazione religiosa verso la realtà naturale e un’intima osservazione di fiori, animaletti e ogni genere di bellezza naturale.

La mostra doveva terminare il 7 giugno, ma per il successo riscosso, è stata prorogata fino al 13 settembre. Io la prossima settimana sarò a Roma e se avrò del tempo libero sicuramente andrò a fare un salto al Museo, consiglio a chi può di andare a vedere questa mostra e se non potete ma vi piace l’arte vi metto questo link in cui potrete fare una visita virtuale tra i disegni di Hiroshige.

Sito del Museo del Corso

“Non sopporto che le rosse foglie d’autunno cadano sul verde muschio, né il gelido vento avvolga il cielo.”
- Hakoshi No Tsuki -

Appena lasciata l’amicasorellagiornalista a lavoro, cammino per le vie del centro. Voglia di acquisti. Quelli che ti riempiono anche i pomeriggi più soli. Quelli che vuoi guardarti allo specchio vestita di nuovo.

Mi guardo attorno prima di attraversare. Di là della strada c’è una papera che mi fissa da una locandina. È la mostra di Utagawa Hiroshige, maestro dell’Ukiyo-e, il mondo fluttuante.

Entro, nonostante la nostalgia.

Attraverso un ponticello di legno, inspiro il profumo dei fiori, ascolto le gocce d’acqua stillare lentamente. Dietro le porte di carta seguo le linee delle figure in ginocchio: c’è una splendida ombra che versa il sake, una che aspetta paziente nell’intimità del giardino.

Sento un’insana voglia di condividere quella visione, anche a distanza, anche mediata da mezzi che avrebbero annientato la poesia del momento. Prendo il telefono dalla borsa.
No, aspetta, è peggio: è un senso di inadeguatezza il mio, è voglia di regalare a te quel momento, di mettere nelle tue mani tutta quella bellezza, quasi io non ne sia degna.

Mi fermo un attimo, mi guardo intorno. C’è poca gente sola a passeggiare. Ma io non ho bisogno di compagnia. Io sono qui per me. E sento di doverti gratitudine per avermi spinto fin qui, lontana da un camerino. Sono sotto la superficie, sono dentro un mondo che mi affascina.

Ho scoperto che su ogni tela c’è una poesia.

Così, ti ho visto appollaiato teneramente in un quadro.

Io, invece, ero una carpa.
“Alla fine il suo destino è trasformarsi in un drago delle nuvole, la forte carpa che risale il torrente.”

Sono qui per me. Che sensazione incantevole.

La vita dura solo un istante; è necessario avere la forza di andare avanti facendo ciò che più ci piace.

In questo mondo fugace come un sogno vivere nella sofferenza, non facendo che cose spiacevoli è pura follia. Questo principio, mal interpretato, può tuttavia essere nocivo, così ho deciso di non insegnarlo ai giovani…

Mi piace dormire. In risposta alla situazione attuale del mondo, credo che quanto ho di meglio da fare sia rientrare in casa a dormire. [II, 85]

(Yamamoto Tsunetomo, Hagakure. Il libro segreto dei samurai, Mondadori, trad di Maki Kasano)

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Un piccolo momento di wabi e sabi per tirare il fiato, anche solo un attimo. In questo mondo dove il rischio di male interpretare non riguarda più i soli giovani ma anche molti, troppi vecchi.

Museo Fondazione Roma – via del Corso 320 La mostra sarà prorogata fino al 13 settembre 2009, offrendo al pubblico  la possibilità di immergersi nell’arte e nella cultura nipponica durante tutta l’estate.  Oltre 1000 visitatori al giorno hanno ammirato le 200 affascinanti opere di Hiroshige sulla natura. Grande richiesta inoltre per il catalogo Skira, con bellissime riproduzioni a colori, di cui sono già state vendute più di 5000 copie solo al bookshop della mostra.  Durante la lunga estate romana proseguirà inoltre la Visita animata > in viaggio con Hiroshige per tutti i giovani visitatori e per le famiglie > un vero e proprio viaggio nel mondo dell’artista, samurai che diventò uno dei pittori più importanti del XIX secolo in Giappone. L’itinerario ludico e sensoriale alla scoperta di animali, piante e paesaggi del Sol Levante, rappresentati da Hiroshige, coinvolgerà tutti i quattro sensi: vista, olfatto, tatto e udito, in un percorso divertente e accattivante all’interno di una cultura assai diversa dalla nostra. (hiroshige)

FUJI TREES by Bob Kessel

Bob Kessel’s art series “100 VIEWS” features pictures based on the works of Katsushika Hokusai. These pictures are available as signed and numbered limited edition fine art prints. Contact Bob Kessel for pricing and availability.

Katsushika Hokusai (葛飾北斎,  1760–1849 was a Japanese artist, ukiyo-e painter and printmaker of the Edo period. Born in Edo (now Tokyo), Hokusai is best-known as author of the woodblock print series Thirty-six Views of Mount Fuji (富嶽三十六景, c. 1831) which includes the iconic and internationally recognized print, The Great Wave off Kanagawa, created during the 1820s. Hokusai created the “Thirty-Six Views” both as a response to a domestic travel boom and as part of a personal obsession with Mount Fuji. It was this series, specifically The Great Wave print and Fuji in Clear Weather, that secured Hokusai’s fame both within Japan and overseas. As historian Richard Lane concludes, “Indeed, if there is one work that made Hokusai’s name, both in Japan and abroad, it must be this monumental print-series…” While Hokusai’s work prior to this series is certainly important, it was not until this series that he gained broad recognition and left a lasting impact on the art world. It was also The Great Wave print that initially received, and continues to receive, acclaim and popularity in the Western world.

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GRAT WAVE by Hokusai

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By 1800, Hokusai was further developing his use of ukiyo-e for purposes other than portraiture. He had also adopted the name he would most widely be known by, Katsushika Hokusai, the former name referring to the part of Edo where he was born and the latter meaning, ‘north studio’. That year, he published two collections of landscapes, Famous Sights of the Eastern Capital and Eight Views of Edo. He also began to attract students of his own, eventually teaching 50 pupils over the course of his life.

He became increasingly famous over the next decade, both due to his artwork and his talent for self-promotion. During a Tokyo festival in 1804, he created a portrait of the Buddhist priest Daruma said to be 600 feet (180 m) long using a broom and buckets full of ink. Another story places him in the court of the Shogun Iyenari, invited there to compete with another artist who practiced more traditional brush stroke painting. Hokusai’s painting, created in front of the Shogun, consisted of painting a blue curve on paper, then chasing a chicken across it whose feet had been dipped in red paint. He described the painting to the Shogun as a landscape showing the Tatsuta River with red maple leaves floating in it, winning the competition.

In 1820, Hokusai changed his name yet again, this time to “Iitsu,” a change which marked the start of a period in which he secured fame as an artist throughout Japan (though, given Japan’s isolation from the outside world during his lifetime, his fame overseas came after his death). It was during the 1820s that Hokusai reached the peak of his career. His most famous work, 36 Views of Mount Fuji, including the famous Great Wave off Kanagawa, dated from this period. It proved so popular that Hokusai later added ten more prints to the series. Among the other popular series of prints he published during this time are A Tour of the Waterfalls of the Provinces and Unusual Views of Celebrated Bridges in the Provinces. He also began producing a number of detailed individual images of flowers and birds, including the extraordinarily detailed Poppies and Flock of Chickens.

The next period, beginning in 1834, saw Hokusai working under the name “Gakyō Rōjin Manji” (The Old Man Mad About Art). It was at this time that Hokusai produced One Hundred Views of Mount Fuji, another significant landscape series.

In the postscript to this work, Hokusai writes:

“From around the age of six, I had the habit of sketching from life. I became an artist, and from fifty on began producing works that won some reputation, but nothing I did before the age of seventy was worthy of attention. At seventy-three, I began to grasp the structures of birds and beasts, insects and fish, and of the way plants grow. If I go on trying, I will surely understand them still better by the time I am eighty-six, so that by ninety I will have penetrated to their essential nature. At one hundred, I may well have a positively divine understanding of them, while at one hundred and thirty, forty, or more I will have reached the stage where every dot and every stroke I paint will be alive. May Heaven, that grants long life, give me the chance to prove that this is no lie.”

In 1839, disaster struck as a fire destroyed Hokusai’s studio and much of his work. By this time, his career was beginning to wane as younger artists such as Andō Hiroshige became increasingly popular. But Hokusai never stopped painting, and completed Ducks in a Stream at the age of 87.

Constantly seeking to produce better work, he apparently exclaimed on his deathbed,

“If only Heaven will give me just another ten years…
Just another five more years,
then I could become a real painter.”

He died on May 10, 1849, and was buried at the Seikyō-ji in Tokyo (Taito Ward).

A short four years after Hokusai’s death, an American fleet led by Matthew C. Perry sailed into Tokyo Bay and forced Japan to open its arms to the west. Hokusai’s career spanned the last age of Japanese history before its interaction with the west would change the course of the nation.

HOKUSAI self-portrait