(Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 – Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.

Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.

Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.

Miguel Ángel (Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 – Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. La Piedad de Miguel Ángel Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. La creación de Miguel Ángel (Capilla Sixtina) Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica. // // En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo. En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.

Por: CAROLINA MUNHOZ

Inaugurou no sábado a Ilustrês, marca que começou a seis meses vendendo pela internet. Instalados na Galeria Ouro Fino, a marca é uma ótima pedida para quem quer colocar um pouco de diversão no look ou não abre mão de camisetas. As estampas bacanas tem temática pop, baseadas em música, novela, cinema, web, etc., e possui uma variada gama de cores e desenhos, como estes aí embaixo. A loja ainda vende túnicas e vestidinhos curtos, ótimos para o verão que vem por aí, ilustrações e objetos de decoração como a linha Vazu. E você também pode fazer suas compras pela web através do site da marca. Vale a pena conhecer!

Fotos: Reprodução

La noche ha caído y unos 300 turistas nacionales y extranjeros se encuentran en una de las principales plazas de San Salvador: la plaza Libertad. La mayoría de estos rodean a Carlos Cañas Dinarte, historiador salvadoreño y graduado de la Academia de Historia Nacional. Lo escuchan cómo domina y revela, con cierta prisa y a través de un megáfono, las historias que ni en el buscador de la web más eficiente puede encontrar. Otros, con su cámara en mano, se retratan en grupos familiares frente a uno de los monumentos más representativos y emblemáticos ubicados frente a la plaza Libertad, en pleno Centro Histórico de la capital.

Es el monumento donde el 21 de septiembre de 1821 se juró la fidelidad del acta de independencia, la cual se firmó en Guatemala el 15 de septiembre del mismo año. La infraestructura, que tiene una especie de pileta al pie para que una llama eterna recuerde que ahí se juró ese acto, ahora solo hace competencia con un barril de desechos. Como lo explica el historiador, el gran valor histórico que tiene este sitio como el resto de lugares que rodean toda la plaza, hoy por hoy no deja de ser un “pasto” o parte del centro “histérico”, el cual vale la pena explorar y conocer por cultura general, al mismo tiempo que sirve para un relax nocturno en medio de la semana.

La Policía de Turismo (POLITUR) lo ha denominado “Tour nocturno”. Esta es la institución que engendró esta nueva modalidad como parte del turismo interno que desde noviembre del año pasado nació para fortalecer las relaciones con la comunidad turística nacional y extranjera, con el fin de rescatar la identidad cultural y valores históricos. Al mismo tiempo “es una manera diferente de acercarse con las comunidades, según explica el subcomisionado Vladimir Cáceres.

Para algunos es una locura hacer este tipo de tours, para otros es culturizante, es momento para conocer amigos y disfrutar en familia. Una turista española, identificada como Fernanda, aseguró que ni en su país se realizan estos tipos de paseo que a su criterio son “estupendos”.

Lo novedoso de este tipo de turismo es que es gratuito, pero a aparte de eso es seguro. Hay unos 30 agentes de esta división policial que se encargan de guiar los autobuses. Al filo de las 10 de la noche, cada uno regresa a casa con un conocimiento más de su terruño y con el agrado de haber salido de la rutina de la semana.

Lea la noticia completa AQUI y por favor, no vaya, porque yo voy a ir supuestamente y no quiero que el cupo esté lleno.

Casi 7 de cada 10 visitantes pasó al menos una noche

Los turistas argentinos que visitaron Colonia del Sacramento en 2008, duplicaron a los uruguayos (48% contra 23%), según reveló un informe presentado ayer por el Observatorio Turístico de Colonia.

El 68% de los visitantes se hospedó al menos una noche y la mayoría lo hizo en hoteles, contra una proporción menor que hizo el paseo por el día. La capacidad hotelera creció 34% durante 2008: hoy alcanza las 3.510 plazas.

A pesar de ser una ciudad que se caracteriza por su tranquilidad y con mucha riqueza histórica, el perfil de los visitantes es joven. El 30% de los turistas tienen entre 18 y 29 años, mientras que el 25% tiene entre 30 y 39 años. La mayoría de los turistas llegan en pareja y el medio de arribo utilizado es el barco, seguido por el auto propio, pero en un porcentaje mucho menor.

Los viajeros que llegan a Colonia gozan un poder adquisitivo medio a bueno.

La mayoría de los visitantes tiene estudios universitarios y posgrados. El 43% trabaja en el ámbito profesional, seguido por la categoría de quienes trabajan como empleados o vendedores.

La media de gasto diario estimado per cápita es de US$ 81. El 39% de los encuestados estima haber gastado entre US$ 51 y US$ 100 durante su visita. Los chilenos, son los más gastadores.

El 46% estimó haber gastado más de US$ 100 diarios durante su estadía. El 52% de los viajeros ya conocía Colonia, lo cual es un sólido valor en sí en turismo: conseguir que el visitante vuelva. En algunos casos habían estado más de 5 veces.

Esta condición predomina entre turistas uruguayos. Entre quienes visitan la ciudad por primera vez se destacan los visitantes originarios de países de fuera de la región.

El 30% de los encuestados recibió en el último mes un ingreso de entre US$ 501 y US$ 1000. Los residentes en el exterior son quienes tienen mayores ingresos: el 21% declararon que tenían ingresos que superaban los US$ 3000.

El informe que se presentó en la Intendencia Municipal de Colonia, se realizó mediante una encuesta llevada a cabo entre enero y diciembre de 2008 a los visitantes de Colonia del Sacramento que recorrieron el Barrio Histórico.

El País Digital
miriam@gtsa-uruguay.com

Nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El Imperio romano de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

A pesar de que su padre se casó cuatro veces, sólo tuvo hijos (once en total, con los que Leonardo acabó teniendo pleitos por la herencia paterna) en sus dos últimos matrimonios, por lo que Leonardo se crió como hijo único. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. Giorgio Vasari, su primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de Medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa.

Recreación del autorretrato de Leonard

Consciente ya del talento de su hijo, su padre lo autorizó, cuando Leonardo cumplió los catorce años, a ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio, en donde, a lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de Antonio Pollaiuollo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Juventud y descubrimientos técnicos

Era un joven agraciado y vigoroso que había heredado la fuerza física de la estirpe de su padre; es muy probable que fuera el modelo para la cabeza de San Miguel en el cuadro de Verrocchio Tobías y el ángel, de finos y bellos rasgos. Por lo demás, su gran imaginación creativa y la temprana maestría de su pincel, no tardaron en superar a las de su maestro: en el Bautismo de Cristo, por ejemplo, donde un dinámico e inspirado ángel pintado por Leonardo contrasta con la brusquedad del Bautista hecho por Verrocchio.

El joven discípulo utilizaba allí por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los Países Bajos: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otras obras de su maestro, sus grandes obras de este período son un San Jerónimo y el gran panel La adoración de los Magos (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la maestría en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la técnica del claroscuro.

Florencia era entonces una de las ciudades más ricas de Europa; sus talleres de manufacturas de sedas y brocados de oriente y de lanas de occidente, y sus numerosas tejedurías la convertían en el gran centro comercial de la península itálica; allí los Médicis habían establecido una corte cuyo esplendor debía no poco a los artistas con que contaba. Pero cuando el joven Leonardo comprobó que no conseguía de Lorenzo el Magnífico más que alabanzas a sus virtudes de buen cortesano, a sus treinta años decidió buscar un horizonte más prospero.

Primer período milanés

En 1482 se presentó ante el poderoso Ludovico Sforza, el hombre fuerte de Milán por entonces, en cuya corte se quedaría diecisiete años como «pictor et ingenierius ducalis». Aunque su ocupación principal era la de ingeniero militar, sus proyectos (casi todos irrealizados) abarcaron la hidráulica, la mecánica (con innovadores sistemas de palancas para multiplicar la fuerza humana), la arquitectura, además de la pintura y la escultura. Fue su período de pleno desarrollo; siguiendo las bases matemáticas fijadas por León Bautista Alberti y Piero della Francesca, Leonardo comenzó sus apuntes para la formulación de una ciencia de la pintura, al tiempo que se ejercitaba en la ejecución y fabricación de laúdes.

Estimulado por la dramática peste que asoló Milán y cuya causa veía Leonardo en el hacinamiento y suciedad de la ciudad, proyectó espaciosas villas, hizo planos para canalizaciones de ríos e ingeniosos sistemas de defensa ante la artillería enemiga. Habiendo recibido de Ludovico el encargo de crear una monumental estatua ecuestre en honor de Francesco, el fundador de la dinastía Sforza, Leonardo trabajó durante dieciséis años en el proyecto del «gran caballo», que no se concretaría más que en una maqueta, destruida poco después durante una batalla.

Resultó sobre todo fecunda su amistad con el matemático Luca Pacioli, fraile franciscano que en 1494 publicó su tratado de la Divina proportione, ilustrada por Leonardo. Ponderando la vista como el instrumento de conocimiento más certero con que cuenta el ser humano, Leonardo sostuvo que a través de una atenta observación debían reconocerse los objetos en su forma y estructura para describirlos en la pintura de la manera más exacta. De este modo el dibujo se convertía en el instrumento fundamental de su método didáctico, al punto que podía decirse que en sus apuntes el texto estaba para explicar el dibujo, y no éste para ilustrar a aquél, por lo que Da Vinci ha sido reconocido como el creador de la moderna ilustración científica.

El ideal del saper vedere guió todos sus estudios, que en la década de 1490 comenzaron a perfilarse como una serie de tratados (inconclusos, que fueron recopilados luego en el Codex Atlanticus, así llamado por su gran tamaño). Incluye trabajos sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía, botánica, hidráulica, aerodinámica, fundiendo arte y ciencia en una cosmología individual que da, además, una vía de salida para un debate estético que se encontraba anclado en un más bien estéril neoplatonismo.

Aunque Leonardo no parece que se preocupara demasiado por formar su propia escuela, en su taller milanés se creó poco a poco un grupo de fieles aprendices y alumnos: Giovanni Boltraffio, Ambrogio de Predis, Andrea Solari, su inseparable Salai, entre otros; los estudiosos no se han puesto de acuerdo aún acerca de la exacta atribución de algunas obras de este período, tales como la Madona Littao el retrato de Lucrezia Crivelli. Contratado en 1483 por la hermandad de la Inmaculada Concepción para realizar una pintura para la iglesia de San Francisco, Leonardo emprendió la realización de lo que sería la celebérrimaVirgen de las Rocas, cuyo resultado final, en dos versiones, no estaría listo a los ocho meses que marcaba el contrato, sino veinte años más tarde. La estructura triangular de la composición, la gracia de las figuras, el brillante uso del famoso sfumato para realzar el sentido visionario de la escena, convierten a ambas obras en una nueva revolución estética para sus contemporáneos.

A este mismo período pertenecen el retrato de Ginevra de Benci (1475-1478), con su innovadora relación de proximidad y distancia y la belleza expresiva de La belle Ferronière. Pero hacia 1498 Leonardo finalizaba una pintura mural, en principio un encargo modesto para el refectorio del convento dominico de Santa Maria dalle Grazie, que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: La última cena. Necesitamos hoy un esfuerzo para comprender su esplendor original, ya que se deterioró rápidamente y fue mal restaurada muchas veces. La genial captación plástica del dramático momento en que Cristo dice a los apóstoles «uno de vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para artistas de todo el continente.

El regreso a Florencia

A finales de 1499 los franceses entraron en Milán; Ludovico el Moro perdió el poder. Leonardo abandonó la ciudad acompañado de Pacioli y tras una breve estancia en casa de su admiradora la marquesa Isabel de Este, en Mantua, llegó a Venecia. Acosada por los turcos, que ya dominaban la costa dálmata y amenazaban con tomar el Friuli, la Signoria contrató a Leonardo como ingeniero militar.

En pocas semanas proyectó una cantidad de artefactos cuya realización concreta no se haría sino, en muchos casos, hasta los siglos XIX o XX, desde una suerte de submarino individual, con un tubo de cuero para tomar aire destinado a unos soldados que, armados con taladro, atacarían las embarcaciones por debajo, hasta grandes piezas de artillería con proyectiles de acción retardada y barcos con doble pared para resistir las embestidas. Los costes desorbitados, la falta de tiempo y, quizá, las excesivas (para los venecianos) pretensiones de Leonardo en el reparto del botín, hicieron que las geniales ideas no pasaran de bocetos. En abril de 1500 Da Vinci entró en Florencia, tras veinte años de ausencia.

César Borgia, hijo del papa Alejandro VI, hombre ambicioso y temido, descrito por el propio Maquiavelo como «modelo insuperable» de intrigador político y déspota, dominaba Florencia y se preparaba para lanzarse a la conquista de nuevos territorios. Leonardo, nuevamente como ingeniero militar, recorrió los terrenos del norte, trazando mapas, calculando distancias precisas, proyectando puentes y nuevas armas de artillería. Pero poco después el condottiero cayó en desgracia: sus capitanes se sublevaron, su padre fue envenenado y él mismo cayó gravemente enfermo. En 1503 Leonardo volvió a la ciudad, que por entonces se encontraba en guerra con Pisa y concibió allí su genial proyecto de desviar el río Arno por detrás de la ciudad enemiga cercándola y contemplando la construcción de un canal como vía navegable que comunicase Florencia con el mar: el proyecto sólo se concretó en los extraordinarios mapas de su autor.

Pero Leonardo ya era reconocido como uno de los mayores maestros de Italia. En 1501 había causado admiración con su Santa Ana, la Virgen y el Niño; en 1503 recibió el encargo de pintar un gran mural (el doble del tamaño de La última cena) en el palacio Viejo: la nobleza florentina quería inmortalizar algunas escenas históricas de su gloria. Leonardo trabajó tres años en La batalla de Angheri, que quedaría inconclusa y sería luego desprendida por su deterioro. Importante por los bocetos y copias, éstas admirarían a Rafael e inspirarían, un siglo más tarde, una célebre de Peter Paul Rubens.

También sólo en copias sobrevivió otra gran obra de este periodo: Leda y el cisne. Sin embargo, la cumbre de esta etapa florentina (y una de las pocas obras acabadas por Leonardo) fue el retrato de Mona Lisa. Obra famosa desde el momento de su creación, se convirtió en modelo de retrato y casi nadie escaparía a su influjo en el mundo de la pintura. La mítica Gioconda ha inspirado infinidad de libros y leyendas, y hasta una ópera; pero poco se sabe de su vida. Ni siquiera se conoce quién encargó el cuadro, que Leonardo se llevó consigo a Francia, donde lo vendió al rey Francisco I por cuatro mil piezas de oro. Perfeccionando su propio hallazgo del sfumato, llevándolo a una concreción casi milagrosa, Leonardo logró plasmar un gesto entre lo fugaz y lo perenne: la «enigmática sonrisa» de la Gioconda es uno de los capítulos más admirados, comentados e imitados de la historia del arte y su misterio sigue aún hoy fascinando. Existe la leyenda de que Leonardo promovía ese gesto en su modelo haciendo sonar laúdes mientras ella posaba; el cuadro, que ha atravesado no pocas vicisitudes, ha sido considerado como cumbre y resumen del talento y la «ciencia pictórica» de su autor.

De nuevo en Milán: de 1506 a 1513

El interés de Leonardo por los estudios científicos era cada vez más intenso: asistía a disecciones de cadáveres, sobre los que confeccionaba dibujos para describir la estructura y funcionamiento del cuerpo humano. Al mismo tiempo hacía sistemáticas observaciones del vuelo de los pájaros (sobre los que planeaba escribir un tratado), en la convicción de que también el hombre podría volar si llegaba a conocer las leyes de la resistencia del aire (algunos apuntes de este período se han visto como claros precursores del moderno helicóptero).

Absorto por estas cavilaciones e inquietudes, Leonardo no dudó en abandonar Florencia cuando en 1506 Charles d’Amboise, gobernador francés de Milán, le ofreció el cargo de arquitecto y pintor de la corte; honrado y admirado por su nuevo patrón, Da Vinci proyectó para él un castillo y ejecutó bocetos para el oratorio de Santa Maria dalla Fontana, fundado por aquél. Su estadía milanesa sólo se interrumpió en el invierno de 1507 cuando, en Florencia, colaboró con el escultor Giovanni Francesco Rustici en la ejecución de los bronces del baptisterio de la ciudad.

Quizás excesivamente avejentado para los cincuenta años que contaba entonces, su rostro fue tomado por Rafael como modelo del sublime Platón para su obra La escuela de Atenas. Leonardo, en cambio, pintaba poco dedicándose a recopilar sus escritos y a profundizar sus estudios: con la idea de tener finalizado para 1510 su tratado de anatomía trabajaba junto a Marcantonio della Torre, el más célebre anatomista de su tiempo, en la descripción de órganos y el estudio de la fisiología humana. El ideal leonardesco de la «percepción cosmológica» se manifestaba en múltiples ramas: escribía sobre matemáticas, óptica, mecánica, geología, botánica; su búsqueda tendía hacia el encuentro de leyes funciones y armonías compatibles para todas estas disciplinas, para la naturaleza como unidad. Paralelamente, a sus antiguos discípulos se sumaron algunos nuevos, entre ellos el joven noble Francesco Melzi, fiel amigo del maestro hasta su muerte. Junto a Ambrogio de Predis, Leonardo culminó en 1508 la segunda versión de La Virgen de las Rocas; poco antes, había dejado sin cumplir un encargo del rey de Francia para pintar dos madonnas.

Ultimos años: Roma y Francia

El nuevo hombre fuerte de Milán era entonces Gian Giacomo Tivulzio, quien pretendía retomar para sí el monumental proyecto del «gran caballo», convirtiéndolo en una estatua funeraria para su propia tumba en la capilla de San Nazaro Magiore; pero tampoco esta vez el monumento ecuestre pasó de los bocetos, lo que supuso para Leonardo su segunda frustración como escultor. En 1513 una nueva situación de inestabilidad política lo empujó a abandonar Milán; junto a Melzi y Salai marchó a Roma, donde se albergó en el belvedere de Giulano de Médicis, hermano del nuevo papa León X.

En el Vaticano vivió una etapa de tranquilidad, con un sueldo digno y sin grandes obligaciones: dibujó mapas, estudió antiguos monumentos romanos, proyectó una gran residencia para los Médicis en Florencia y, además, trabó una estrecha amistad con el gran arquitecto Bramante, hasta la muerte de éste en 1514. Pero en 1516, muerto su protector Giulano de Médicis, Leonardo dejó Italia definitivamente, para pasar los tres últimos años de su vida en el palacio de Cloux como «primer pintor, arquitecto y mecánico del rey».

El gran respeto que Francisco I le dispensó hizo que Leonardo pasase esta última etapa de su vida más bien como un miembro de la nobleza que como un empleado de la casa real. Fatigado y concentrado en la redacción de sus últimas páginas para su tratado sobre la pintura, pintó poco aunque todavía ejecutó extraordinarios dibujos sobre temas bíblicos y apocalípticos. Alcanzó a completar el ambiguo San Juan Bautista, un andrógino duende que desborda gracia, sensualidad y misterio; de hecho, sus discípulos lo imitarían poco después convirtiéndolo en un pagano Baco, que hoy puede verse en el Louvre de París.

A partir de 1517 su salud, hasta entonces inquebrantable, comenzó a desmejorar. Su brazo derecho quedó paralizado; pero con su incansable mano izquierda Leonardo aún hizo bocetos de proyectos urbanísticos, de drenajes de ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas. Su casa de Amboise se convirtió en una especie de museo, plena de papeles y apuntes conteniendo las ideas de este hombre excepcional, muchas de las cuales deberían esperar siglos para demostrar su factibilidad e incluso su necesidad; llegó incluso, en esta época, a concebir la idea de hacer casas prefabricadas. Sólo por las tres telas que eligió para que lo acompañasen en su última etapa, la Gioconda, el San Juan y Santa Ana, la Virgen y el Niño, puede decirse que Leonardo poseía entonces uno de los grandes tesoros de su tiempo.

El 2 de mayo de 1519 murió en Cloux; su testamento legaba a Melzi todos sus libros, manuscritos y dibujos, que éste se encargó de retornar a Italia. Como suele suceder con los grandes genios, se han tejido en torno a su muerte algunas leyendas; una de ellas, inspirada por Vasari, pretende que Leonardo, arrepentido de no haber llevado una existencia regido por las leyes de la Iglesia, se confesó largamente y, con sus últimas fuerzas, se incorporó del lecho mortuorio para recibir antes de expirar, los sacramentos.

John Lennon (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 – Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980) es el nombre artístico de John Winston Lennon, uno de los más famosos músicos y compositores de música pop y rock del siglo XX, tanto en los años 60, al frente del grupo The Beatles, probablemente el más influyente de la historia de la música popular, como en los setenta, ya en solitario. El 22 de abril de 1969 añadió a su nombre el de su esposa, la música y artista conceptual Yōko Ono, pasando a llamarse John Winston Ono Lennon.

En The Beatles, Lennon cantaba y tocaba principalmente la guitarra rítmica, la armónica y elpiano, además de otros instrumentos de teclado y, por ejemplo, el banjo, y firmó además la mayor parte del material junto a su compañero Paul McCartney, aunque en realidad en la mayoría de los casos trabajaron por separado. Muchas de estas composiciones, dada la repercusión mundial del grupo, se han convertido en algunas de las melodías más conocidas del siglo XX. Lo mismo puede decirse de las canciones de su etapa en solitario, entre las que cabe destacar “Imagine“, convertido desde el principio en un himno pacifista conocido en todo el mundo. Lennon fue asesinado por cinco disparos realizados por Mark David Chapman, un fanático que estaba obsesionado con él, en 1980.¹

Las obras de este período reflejan, por un lado, un acusado interés por el cubismo sintético (El guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina, y por otro, una gran admiración por los fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por Giotto), lo que motivó su alejamiento de la estética cubista anterior.

Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.

Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca, Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).

Artista comprometido políticamente, Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de nuevo en México, se casó con la pintora Frida Khalo, que había sido su modelo.

En la década de 1930 marchó a Estados Unidos, donde puso su arte al servicio de la exaltación del maquinismo; realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco, Detroit -decoración del Instituto de Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por sus contenidos socialistas.

Dudas Comentarios e Insultos a
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París.- Cuando mis ojos hayan dejado de mirar, cerrarán los párpados con tu imagen y ya nadie podrá negarme la dicha de haberte amado. Eran sus últimos suspiros. Juliette Drouet tenía entonces 83 años y estaba a punto de morir.

Prendida a la sombra de Víctor Hugo, se despidió en realidad en el anonimato. Su nombre dice hoy muy poco, salvo el hecho de que era una bella mujer y adornó su vida con los aderezos dejados en el camino del amor por el ilustre autor de Los Miserables.

Víctor Hugo fue también un romántico apasionado, además de prolífico escritor, poeta y pintor. Juliette Drouet, su amiga, su compañera en el secreto de las voces susurrantes, la actriz de teatro que vivió intensamente a su sombra.

La dama oculta que escribió más de 20 mil cartas de amor al genio también de El Jorobado de Nuestra Señora de París, La leyenda de los siglos, Odas, María Tudor, El hombre que ríe, Los trabajadores del mar…

Anecdotario nacido de la fértil pluma humana, alrededor de una extraordinaria personalidad que al parecer, acompañado por la tragedia familiar (la muerte de sus cinco hijos, casi todos en circunstancias dramáticas), cobijó sus tristezas en el entorno de figuras femeninas.

Pretexto para las reverencias, imperecederas, hacia uno de los más grandes escritores franceses de la historia, que reposa en el Panteón parisino, al lado de Voltaire, Rousseau, Emile Zola, Marie Curie y Alexandre Dumas, “aux grands hommes la patrie reconnaissante”, por dictamen de la Revolución Francesa.

En el número 6 de la Place des Vosges de París, la Casa-Museo de Víctor Hugo, una de las dos residencias donde pasó la mayor parte de su vida (la otra en las islas de Jersey y Guernesey) encontró su espacio Juliette Drouet.

Apenas un capítulo, como tantos otros, en las historias del escritor, también amante furtivo de una de las grandes actrices francesas de todos los tiempos, Sarah Bernhardt.

Empero, como decía Nietzsche, miramos “una experiencia de siete soledades” y sólo queda la humildad del amor de Juliette Drouet.

Sus vestidos, las pinturas arremolinadas que salieron en tiempos tempestuosos de Víctor Hugo, los mensajes de hurtadillas, frases conmovedoras. Urnas, cofres y escritorios de época, atesorando un enjundioso puñado de hojas amarillentas.

Trazos finos y atemperados, letras temblorosas o líneas firmes y alegres. Es la mística de los sentimientos de una posesión que casi nunca fue completa. La mano insegura de Juliette, entre el despecho intermitente y la furia pasional de su amor y admiración por Vìctor Hugo.

Aunque deslumbra la belleza de la amante, hermosa hasta en su vejez, no puede faltar la figura de Adele Foucher, la esposa oficial en la vida del escritor, que alguna vez debió conocer la existencia de sus rivales, y en particular de Juliette.

Se habla de Pepita, un amor juvenil y vibrante durante las vivencias de Hugo en España, y de Blanche, o Alba, que provocaba la ira y los celos de Juliette y Adele al mismo tiempo. Era cuando el autor galo cortejaba el idioma español.

Tenía una casta hispana que le provocaba su espíritu aventurero, pero el propio hijo de Leopold y Sophie, nacido en Besançon en 1802, tuvo una visión disipadora: como español hubiese sido un escritor más.

La musa, su ángel abnegado, la personalidad que terminó siendo fiel a la constancia y a la entrega cada vez más enternecedora, pareció ser la actriz de teatro a la que conoció haciendo un pequeño papel en Lucrecia Borgia.

JULIETTE DROUET

Si la recompensa del amor llegara alguna vez en la vida… Y si el milagro estuviese al alcance de la mano…

Al final, Juliette Drouet murió apenas dos años antes y el mismo mes que Víctor Hugo, el 11 de mayo de 1883. Hacía ya tiempo que estaban juntos y libres, después del deceso de Adele.

Habían cumplido el pacto matrimonial que un día firmaron en secreto. Ella sería para siempre la amante más complaciente y lisonjera, y Víctor Hugo, a pesar de sus vaivenes amorosos, no la abandonaría jamás.

En mi sombra jamás había brillado tanta luz
Y soñé largo tiempo, contemplando uno a uno,
Tras el oscuro abismo que la ola me ocultaba,
El otro abismo sin fondo que se abría en mi alma.
Y me pregunté por qué estamos aquí
Cuál es al fin y al cabo el sentido de todo esto

Víctor Hugo, Las hojas de otoño

Fue en esencia una mujer sobreprotectora, que sufría en silencio las penas del abandono y al mismo tiempo se refugiaba en sus cartas íntimas para compartir el amor que era toda su vida.

Nació en 1806 en Fougéres bajo el nombre de Juliette Gauvain, quedando huérfana de madre a los pocos meses, y de padre al año siguiente. Su tío René Drouet devino tutor y encomendó su educación en París en un colegio religioso.

Alrededor de 1825 se hizo amante del escultor James Pradier, con quien tuvo una hija, Claire, y la representó en una estatua símbolo de Estrasburgo, que se halla en la Plaza de la Concordia en París.

Cuatro años más tarde Juliette Drouet comenzó su carrera de actriz en Bruselas y luego en París. En pleno ascenso, cuando interpretaba a la Princesa Negroni en Lucrecia Borgia, conoció a Víctor Hugo, en 1833.

A partir de ese momento, consagraría su vida al amor y a las letras. A sus escrituras apasionadas y vibrantes en reclamo de un espacio en el corazón del hombre que ocuparía todas las noches de sus pensamientos.

Una carta en la mañana y otra en la noche, cada día.

No estás ahora, quedan tus sombras, tu grandeza, las palabras retozando en el aire y las miradas de amor que nos hicimos…Cuento los amaneceres, las luces que inundarán los caminos y el instante de emoción con la llegada de nuestro pronto encuentro…

Juliette no puede vivir sin Víctor Hugo. Lo que en un inicio se antojaba un juego de seducciones, termina en el compromiso. Ella lo idolatra, él termina, al final, rendido a los pies de su más exquisita amante.

Como Fermina Daza y Florentino Ariza.

“Si mi nombre vive, el vuestro vivirá”.

Je te baise mille fois (Yo te beso mil veces).

VH.

La profecía de Victor Hugo a Juliette Drouet, cumplida más que nunca en su propio recinto parisino, en las dimensiones perfectas de la Place des Vosges, donde los enamorados de hoy quieren hacer su propia historia.

Para los cultores del idioma francés, el fragmento de un poema de Víctor Hugo, como Romeo, inspirado en su Julieta.

Hier, la nuit d’été, qui nous prêtait ses voiles,
Était digne de toi, tant elle avait d’étoiles !
Tant son calme était frais ! tant son souffle était doux !
Tant elle éteignait bien ses rumeurs apaisées !
Tant elle répandait d’amoureuses rosées
Sur les fleurs et sur nous ! Moi, j’étais devant toi, plein de joie et de flamme,
Car tu me regardais avec toute ton âme !
J’admirais la beauté dont ton front se revêt.
Et sans même qu’un mot révélât ta pensée,
La tendre rêverie en ton cœur commencée
Dans mon cœur s’achevait !
[...]
Víctor Hugo, Les Chants du crépuscule, 1835

Estava eu na bela da esplanada a despir as gajas com o pensamento, quando me passou pela cabeça qual seria a posição sexual preferida de cada uma! Para aquelas mais gordinhas, é fácil de imaginar, deitadinha de costas de pernoca entreaberta à espera que o macho em posição de missionário faça o trabalhinho.
Mas para as outras mais esguias a imaginação não tem limites.
O Kama Sutra tem lá tudo bem explicadinho, mas algumas posições lá explanadas, só pelo trabalho que dão, o melhor é nem tentar … não vá um gajo deslocar alguma coisa …
Eu cá tenho duas preferidas. Daquelas que nos permitem atingir o dito do tal do orgasmo num instante … portanto não se pode abusar da coisa, é preciso ir intercalando com algo igualmente bom mas menos excitante, se é que me faço entender.
Mas desta vez não vou revelar a coisa assim, por dá cá aquela palha (ainda não percebi de onde veio esta expressão, mas que é engraçada, lá isso é …). Não senhor. Osportantos (como diz o gajo), primeiro, quero ler as posições favoritas dos meus caríssimos, ilustres, magnânimes e assíduos visitantes …
E a avaliar pelo soltar da língua a coisa deve ser brava … devem gostar de posições em que é preciso ter um manual de instruções para seguir os passos um a um, e não haver fracturas expostas …
Sem palavrões! Virão? Um senhor … um senhor …

París.- Alguna vez me preguntaban el secreto para conocer las grandes historias del arte y la cultura de París. Entonces no tenía una respuesta fija. Hoy tampoco. Al final, creo que la clave es sencilla: andar la Ciudad Luz.

Así una tarde todavía invernal, el paseo por los espléndidos Jardines de Luxemburgo terminó indefectiblemente en la visita al museo, donde estuvo la exposición del orfebre René Lalique y sus “Joyas de excepción”.

Un capítulo lleva al otro. Las fotos de la actriz Sarah Bernhardt, deslumbran. Por la belleza de los trabajos que le dedicó Lalique y por su extraordinario atractivo físico.

El alto en el camino recuerda que estamos en una zona de ocho hectáreas que perteneció al duque de Luxemburgo, quien lo cede a María de Médicis, viuda el día después de ser coronada reina, tras el asesinato de su esposo Enrique IV.

Necesita de otro alojamiento para alejarse de las intrigas de la corte, ubicada en los pabellones del ahora Museo del Louvre, y entre 1615 y 1624 encarga al arquitecto Salomón de Brosse la construcción del Palacio en medio de los fastuosos jardines.

Obras de Rubens adornan la galería principal desde 1622, hasta que pasaron al propio Louvre luego de convertir el Palacio de Luxemburgo en sede del Senado de Francia en 1969.

Empero, el motivo que llama la inspiración es Sarah Bernhardt y en otro tránsito interesante por las calles de París, el destino es un cementerio, Pére Lachaise, donde están los restos de la actriz y el joyero Lalique.

Pére Lachaise no es cualquier campo santo. Allí reposan también Edith Giovanna Gassion (Edith Piaf), María Callas, Honoré de Balzac y Oscar Wilde, entre otros, y por supuesto, Henriette Rosine Bernard (Sarah Bernhardt).

ALMAS GEMELAS

Henriette Rosine Bernard nació el 23 de octubre de 1844 en París. Su madre era una judía de origen holandés llamada Julie Bernard, alias Youle. Se ganaba la vida como prostituta de categoría junto con su hermana, Rosine.

Pasó los primeros cuatro años de su vida en Bretaña, al cuidado de una mujer y por esa razón la primera lengua que aprendió fue el bretón. Al iniciar su carrera en el teatro decidió adoptar la forma bretona de su apellido. Sería desde ese momento Sarah Bernhardt.

Dicen los cuentos parisinos que Edith Piaf nació el 19 de diciembre de 1915 debajo de una farola frente al número 72 de la rue de Belleville en París, de padre acróbata, Louis Alphonse Gassion y madre italo-argelina, cantante ambulante, Annetta Maillard.

Si su progenitora no hubiese sido alcohólica y prostituta de ocasión, quizá por su fabulosa voz se hablaría más hoy en Francia de Annetta Maillard que de Edith Piaf, coinciden otros investigadores de la época.

Louis Lepplée, gerente de un cabaret de moda, es el descubridor de la futura ave parisina. Y le propone convertirla en La Móme Piaf (La chica gorrión), título de una reciente película que hizo llorar una vez más a Francia por su novia perdida.

Si bien Bernhardt y Piaf apenas coincidieron en sus vidas, sus trayectorias paralelas están signadas por la tragedia, la perseverancia, la entrega absoluta al arte y episodios amorosos marcados por la pasión y el drama.

Mujeres intensas en toda su actividad, extraordinarias en sus carreras.

Fracasada en los comienzos en los avatares de las tablas y obligada a venderse como cortesana de lujo hasta lograr su objetivo de triunfar con la actuación, Sarah Bernhardt no cejaría en sus empeños.

Estudió música y declamación en un conservatorio de París y al terminar su docencia, logró ingresar en la prestigiosa Comédie Francaise, con la ayuda del Duque de Morny, hermanastro de Napoleón III.

Una agitada vida amorosa con nombres famosos a su alrededor como los de Gustave Doré, Víctor Hugo, Gabriele D´Annunzio y Eduardo, Príncipe de Gales, entre otros.

Irreverente y consagrada, logró imponerse con un estilo de actuación que marcó pautas. Se basaba en la naturalidad. Detestaba profundamente las viejas normas del teatro francés donde los actores declamaban histriónicamente y hacían gestos sobreactuados.

Interpretó a los grandes. Moliére, Hugo, Racine, Shakespeare, Dumas hijo, Georges Sand, Lemaitre y Sardou, por sólo mencionar algunos.

Castaña de cabello oscuro y ojos azules, no tuvo una infancia feliz ni tampoco un matrimonio perecedero. Se casó una sola vez con un oficial griego adicto a la morfina, Jacques Aristidis Damala. Perdió una pierna en 1915, secuela de una fractura infantil.

Edith Piaf pudo quedar ciega a poco de haber nacido o morir de mil maneras en el anonimato. Pero estaba predestinada a la fama, al amor y la tragedia y, sobre todo, a quedar suspendida en el tiempo con una voz inimitable.

Pese a no poseer una gran belleza física, disfrutó cada romance de su vida de apenas 47 años. Pero hubo uno que la marcó profundamente, con el campeón mundial francés de boxeo Marcel Cerdan.

“Su seducción estaba basada en la autenticidad de su carácter, la intensidad con que vivía, su entrega, la devoción por la amistad. Ser tan genuina, tan única”, opinó la actriz Marion Cotillard, protagonista de la película La Móme.

Pocas veces disfrutó de estabilidad espiritual, y sin embargo, se mostraba siempre en cada entrevista como la persona más optimista del universo.

“He venido a este mundo a vivir plenamente. No pienso en la muerte, que llegará cuando sea el momento. Pero me acompañaré siempre de la alegría, del placer, del amor, de la vida”, repetía ya cuando su salud comenzaba a flaquear.

Una vez más, el drama sobrevino con el accidente de aviación en el cual falleció Marcel Cerdan, el más sentido de sus amores. Esa noche, en Nueva York, Edith Piaf salió a escena y cantó el Himno del amor, que había sido inspirado en Cerdan.

Enferma y aparentemente acercándose ya al umbral de la muerte, queda marcado otro momento emocionante de su biografía.

Se levanta en medio del dolor físico y reconoce a su pianista y compositor una canción que resume la esencia de Edith Giovanna Gassion: Non, Je ne regrette rien (No me arrepiento de nada).

Ironías de la fama, mucha gente reconoce a Edith Piaf por su memorable canción La Vie en Rose (La vida en rosa), nada más distante de la realidad que le tocó enfrentar.

Con una serie de conciertos en 1961, a petición de su amigo Bruno Coquatrix, logra salvar al emblemático teatro Olympia de Paris, que estaba a punto de la quiebra.

Sarah Bernhardt solía dormir en un ataúd fascinada por los temas fúnebres. Edith Piaf se casó en el umbral de la muerte con un joven cantante de 26 años, Theo Lambukas (llamado Sarapo que en griego quiere decir Te amo), quien decía sentirse al cuidado de su anciana y enferma madre.

La Divina Sarah, como le llamaron, falleció el 23 de marzo de 1923 en brazos de su hijo Maurice. Más de 150 mil franceses acompañaron su féretro hasta el cementerio de Pére Lachaise.

El gorrión de París, la Móme Piaf, murió 40 años más tarde y sus restos también escoltados por miles de admiradores, fueron llevados igualmente a Pére Lachaise.

París.- La figura del Pensador puede tener las más diversas interpretaciones, no tantas como La Puerta del Infierno, quizá las obras más célebres del maestro Auguste Rodin. De algún modo, en ambas esculturas quedó indeleble la mano de Camille Claudel.

Amante pasional y despechada de Rodin, seducida en la aventura por otro amor imposible con el no menos famoso músico Claude Debussy, aquella joven de ojos verdes y mirada soñadora terminó en el olvido, enclaustrada en un asilo para dementes.

Camille Claudel tiene por fin su redención. Aunque su trágica vida, siempre marcada por el romance tempestuoso con su guía e inspirador, logró poco después de su muerte el reconocimiento, su papel de artista secundaria la persiguió hasta nuestros días.

De hecho, la fascinación por la notable escultora llega acompañada siempre del sello distintivo de Rodin. En el antiguo Hótel Biron de París, predominan las obras del genio y sólo en un pequeño apartado, la impronta de Claudel. Temporal, efímera, aunque de todos modos, reconocida el lugar que le corresponde.

Ahora con más fuerza, porque se sabe que fue mucho más que una simple musa del ilustre escultor. Cautivó a los visitantes de una exposición en Madrid y otra de París, que luego recorrió diversas ciudades francesas y de Europa.

Decididamente, nadie obviaría contemplar al famoso Pensador y mucho menos pasaría por alto transitar en línea recta para deslumbrarse ante los enigmas de la poderosa Puerta del Infierno, en medio de los hermosos jardines del Palacio.

Telescopio en mano, facilitado por el museo, cada detalle en sí de la Puerta…, se antoja una obra magistral. Pocos, empero, conocían del signo distintivo de Camille Claudel, no como ayudante o modelo de Rodin, sino de virtuosa colaboradora.

¿Participó en el diseño del Pensador?. Definitivamente no, aunque los especialistas aceptan que en medio de sus despechos amorosos, Camille tenía razón en un elemento esencial: su entrega absoluta sirvió a los intereses creativos de Rodin.

Una vida reducida a situaciones extremis, 25 años de creación y 30 años internada. Humillada por el hombre de su vida, rechazada por gran parte de su familia y exenta de honores y premios. Su talento, enterrado en el olvido.

Nacida en 1864 en Villeneuve, Francia, muy pronto demostraría su inclinación por el arte. Gozaba de la comprensión de su padre y más tarde de su hermano y confidente, el reconocido poeta y escritor Paul Claudel.

-L´Age Mur-

Destruyó, literalmente, gran parte de sus obras. Terminó rodeada de gatos, desaliñada y mugrienta, como imagen caricatural de aquella modelo de poses excelsas para su distinguido profesor.

Esculpía con fervor y luego, los ataques demenciales se daban con frecuencia en su taller de Notre-Dame des Champs de París, donde se instaló buena parte de su tiempo, cuando asomaba su mirada por encima incluso de su maestro.

Son testimonios no siempre concordantes de historiadores, curiosos y personajes deseosos de recrear su vida con bastante imaginación.

De todos modos, hay capítulos desgarradores, como el aborto obligado una o dos veces, por la exigencia a todas luces de Rodin. O su espíritu casi devoto en el deseo de lograr la comprensión y el amor de su madre.

Muchos aseguran que la máxima de amor y odio obnubiló su talento. Se empeñaba con mucho tesón en demostrar su capacidad y pese a su juventud y fragilidad femenina, lograba obras distanciadas de una simple copia de estilo de Rodin.

Llegó a dominar el mármol y con esfuerzo y consagración se lanzó a trabajos bien complicados como La ola, El vals o su toque maestro y atribulado: L´Age Mur (La edad madura).

Arrastrada, suplicante, intenta por todos los medios no dejar escapar al hombre de su vida, aferrado a su otra relación extramatrimonial, Rose Beuret. Una obra dramática y espléndida en detalles de elaboración, según los expertos.

En su atormentada existencia, después de pasar de simple modelo a alumna aventajada de Rodin, cae en brazos del hombre que le dedicaría una de sus más connotadas estatuas de bronce: Le Baiser (El beso) de 1886.

Se trata del beso intenso y amoroso de una pareja. Pero Camille se siente herida por la relación que sostiene Rodin con su amante de siempre Rose Beuret, a quien nunca abandonará.

Y entonces responde: frente a El beso, en 1888, El abandono.

Aunque la tónica de la época no era proclive a los escándalos públicos, las discusiones y actos de despecho de Camille Claudel con Auguste Rodin se hicieron bastante conocidos.

Peor aún, salta enceguecida por el odio de los brazos del escultor al músico Debussy, otro hombre comprometido con quien alcanzará no poca notoriedad, sin contribuir a restañar su personalidad y sobre todo prestigio profesional.

Algunos pasajes en la vida de esta mujer controversial ofrecen signos de rencores, complejos y duras reprimendas a Rodin, a quien señala de modo indirecto como “avaro, egoísta” y sobre todo, oportunista, capaz de “robar ideas” y recabar el éxito para su persona.

“Se aprovechaba de mi y presentaba a mis obras como suyas”, escribió Camille. Si bien parece que hay algo de cierto en sus aseveraciones, igual los celos y peleas públicas se sumaban a los desequilibrios nerviosos que se hicieron más frecuentes.

Isabelle Adjani la interpretó en una película de 1988 al lado de Gerard Depardieu (Rodin), en uno de esos largometrajes del cine que lamentablemente no tienen el impacto de taquilla pretendido.

Un trabajo cinematográfico de Bruno Nuytten nada lapidario y muy respetuoso que pone al descubierto la relación, también de vehemencia extraordinaria, de Paul Claudel con su hermana y Rosalie Vetch, los amores imposibles de su vida.

De primavera, con un sol espléndido que baña París con inusual generosidad, los verdes de plantas y la policromía de las flores adornan hoy las esculturas de Rodin.

Por fin, cerca de los jardines, a unos metros del suntuoso Hotel Birón, Camille Claudel ha dejado de ser una historia de olvidos y romances.

SÃO PAULO GASTRONOMIA
Sotaque francês na cozinha do Josephine Bistrô

O nome do restaurante é francês e não foi dado por acaso:
Josephine surgiu com o intuito de homenagear a imperatriz francesa,
a primeira mulher de Napoleão Bonaparte.
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Sua arquitetura remete aos bistrôs parisienses – lugar aconchegante que dispõe
de mesas, uma enorme varanda, um balcão para beber drinks e um espaço aberto,
ideal para dias de sol e happy hours. É decorado com quadros que lembram
a “cidade luz” e uma linda jabuticabeira dá o toque especial à parte dos fundos
do restaurante.
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O Josephine Bistrô conta com uma série de pratos que possuem inspirações
e influências francesas. Entre eles destacamos as saladas Madaleine (salada verde
com mussarela de búfala e frutas da época salpicadas com lascas de amêndoas
com molho mostarda com mel) e a Saint-Roch (folhas verdes lami nadas de peito
de peru, cenoura ralada, palmito, cream cheese, tomate cereja e granola
com molho de mostarda com mel).
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Alguns dos sanduíches (quentes e frios) são batizados com nomes
(de origem ou influência) franceses: Napoleão, Josephine, Bourboun,
Croque-Monsieur, Toulon e Bonaparte. As combinações (super pedidas na casa)
também levam nome de origem francesa: Imperatriz (qualquer grelhado
acompanhado de meia salada a escolha) e Toulouse (qualquer grelhado
acompanhado de meia massa ou risotto a escolha)
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O eleito dos famosos
Ponto de encontro de gente bonita, famosos e ilustres, num dos bairros mais luxuosos
de São Paulo, o Josephine Bistrô se tornou o local para quem quer ver e ser visto.
Celebridades e personagens da vida cultural paulistana transitam pelo espaço mais
charmoso da cidade e desfrutam de uma culinária diversificada, e com um toque
brasileiro. Daniela Cicarelli, o piloto de F-1 Felipe Massa, o empresário Fabrizio Fasano,
os jornalistas da Rede Globo, César Tralli e Willian Wack são algumas das tantas
personalidades que freqüentam o Josephine.
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Um charme a mais
O bistrô conta ainda com um agradável jardim interno com cara de piazza italiana,
espaço ideal para eventos e confraternizações, com teto de vidro e capacidade
para 50 pessoas sentadas ao redor de uma charmosa jabuticabeira.
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O responsável
Jesse de Andrade, proprietário do restaurante, começou sua carreira comandando
uma rede de boutiques de carnes na região dos Jardins e Vila Nova Conceição.
Com visão futurista e gana de vencedor, transformou o sonho em realidade e deu
vida ao Josephine Bistrô, hoje consagrado pelo atendimento personalizado e menu
ideal para almoços, happy hours e jantares.
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Josephine Bistrô
:: Endereço: Rua Jaques Félix, 253 – Vila Nova Conceição – São Paulo.
:: Telefone: (11) 3842 5891.
:: Horário:
- Segunda a Quinta: Das 12h às 23h
- Sexta e Sábado: Das 12h às 23h30
- Domingos e Feriados: Das 12h às 22h

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La pintura y el Louvre

Puedo considerarme amigo de la Mona Lisa y de su residencia. La suerte, el deseo y un pase gratuito me han permitido visitar el Museo del Louvre en más de 20 ocasiones.

Creo que me tocará volver con cada amigo o familiar que visite París y que indefectiblemente pedirá, como un ruego, ver a la extraordinaria pintura. Otros que se emocionan con la Pirámide de cristal exterior, que tiene apenas 20 años de vida.

Luego se sienten más impactados cuando aprecian otra pirámide invertida en los bajos y mucho más al escuchar la idea deslizada de que en las bóvedas del Louvre existe un espacio antiquisimo del mismo corte egipcio.
Siempre le añado la Venus de Milo que está en la frontera del pabellón Denón con el Sully, algo distante del recinto de la insaciable obra de Leonardo Da Vinci.

Por alguna razón desconocida esta Venus, Diosa del Amor y de la Belleza, una de las muchas existentes aunque tal vez la más relevante, del año 130 al 100 antes de Cristo, siempre anda de mudanza.

Desde que conozco el Louvre, ha sido cambiada de lugar por lo menos cuatro veces. Muchos se declaran sorprendidos por el privilegio de la Afrodita Venus de Milo, pero en el fondo esconden el sonrojo del desconocimiento.

Durante un nuevo saludo a la Gioconda, siempre respetuoso y lleno de admiración, el amigo alemán Hans Jurgen trajo a colación el tema del valor de las pinturas y los costos de mantenimiento y restauración de obras de los museos.

Su pequeño hijo andaba dando vueltas sin mucho rumbo y más bien fascinado con el otro atractivo, si le faltaba alguno, de ver a la Mona Lisa nada menos que en el lugar donde se filmó buena parte del Código Da Vinci, de Dan Brown.

Tengo que reconocer que cada oportunidad de contemplar al retrato de esta enigmática mujer, que pudo ser una simple modelo, una cortesana o dama de alcurnia italiana, es motivo de reflexión y perplejidad.

Un par de comentarios no pueden faltar a quiénes disfrutamos la dicha de servir de guías de ese placer. La idea fantástica -que ronda en ciertos corrillos recelosos- de que, en realidad, la verdadera Gioconda está resguardada y bien protegida en un oscuro sótano del Louvre.

Y antes de que llegue la interrogante obvia, un toque fino y sensacional: dicen que el cristal que protege a la Mona Lisa
está hecho a prueba de misiles. Una idea fabulera que agrada a los ocho millones y medio de visitantes anuales del prestigioso
recinto.

Justo frente a la Gioconda, impresiona el monumental cuadro de Las Noces de Caná (Las bodas de Cana), de Paolo Caliari, El Veronés. Tiene un tamaño de 666 x 990 centímetros y lo llaman además el Piso de París.

Con tales dimensiones, es el más imponente de los cuadros de las colecciones nacionales francesas, y en el Louvre solo le compite en dimensiones La coronación de Josefina, de Louis David.

Las Bodas de Caná representa una historia sobre milagro tomada del Nuevo Testamento cristiano. Jesús y sus discípulos están invitados a una celebración nupcial en Caná, Galilea, y al quedar sin vino al final del jolgorio, Jesús ordena a los siervos llenar las tinajas con agua, que luego convertirá en vino.

Volvieno a Leonardo, pocos prestan la debida atención al resto de las obras del artista nacido en la villa toscana de Vinci, en 1452. En el Louvre también resaltan: La virgen de las rocas, Retrato de Isabel de Este, Santa Ana, la virgen y el niño con el cordero, Baco, La Anunciación, Retrato de Dama y San Juan Bautista.

La última cena, el óleo divino de las argucias de Brown en el Código DaVinci, se encuentra en Milán, en el convento de Santa María de las Gracias.

Asombra la pasión, a veces desenfrenada, que despierta el famoso cuadro. Concebido entre 1503 y 1506 sobre una tabla de álamo con la técnica de sfumato típica de Leonardo, manifiesta la curiosidad eterna sobre los rasgos de esta mujer.

Una sonrisa de placer por el embarazo y el feliz alumbramiento reciente, o la combinación de ambos estados, se inscriben en el mar de especulaciones y estudios acerca de la obra.

VALOR INCALCULABLE
En un mundo demencial, donde millones de personas mueren de hambre y enfermedades curables, mientras otras pagan sumas exorbitantes por viajar como turistas al espacio, el valor de las obras de arte rebasó todas las expectativas.

Ninguno de los más afamados artistas plásticos de la historia, quienes salvo excepciones no disfrutaron de la bonanza económica, hubiese imaginado el alcance de sus trabajos más acabados y mucho menos el poder financiero en su entorno.

Estadísticas, no del todo confiables, aseguran que el cuadro mejor pagado fue el Número 5, 1948, del expresionista estadounidense Jackson Pollock, adquirido en 140 millones de dólares por un banquero mexicano.

Superó a Retrato de Adele Bloch-Bauer, de Gustav Klim, que se vendió a 136 millones de dólares.

La lista incluye una excelsa galería con Cezanne, Klimt, Van Gogh, Renoir, Rubens y Picasso, entre otros, con pinturas siempre por encima de 50 millones de dólares.

Raras veces los museos se deshacen de sus piezas más preciadas, y el Louvre es un ejemplo de ello. Desde el Siglo XVI, el estado francés posee la propiedad de la Gioconda, aunque fue robada en 1911 por un ex empleado del museo y recuperada dos años y 111 días más tarde.

El 14 de diciembre de 1962, la Mona Lisa fue asegurada en más de 100 millones de dólares. Los especialistas, intentando aproximarse a cifras definitivas con un enorme margen de error, afirman que actualmente el cuadro podría estar en el rango de los 800 millones de dólares.

Empero, no sería extraño -si algún día llegara a una de las reputadas casas de subasta del mundo- que sobrepasara ampliamente los mil millones de dólares.

Más allá de su modesto tamaño, 77 por 53 centímetros, creció en notoriedad por la novedosa técnica de dibujo, la identidad de la modelo, la literatura, su robo, las imitaciones, el cine y las parodias sobre la sonrisa más reconocida del universo.
Su valor más genuino: los trazos de un elegido de la humanidad.

Recinto del adiós a Chopin

Sin el donaire de Notre Dame o el Sacre Coeur (Sagrado Corazón), la Madeleine acaricia sus encantos a partir de un diseño irreverente. Pero sobre todo, la rodean pasajes inolvidables.

El 30 de octubre de 1849 fue velado allí Fréderic Chopin, el célebre compositor y pianista polaco. Por voluntad expresa en su testamento, se ejecutaron ese día en la Madeleine sus preludios en Mi Menor y Si Menor, y como colofón, el Requiem de Mozart.

Había muerto el 17 de octubre en su apartamento del número 12 de la Place de Vendome, a pocos metros de la iglesia. Fue enterrado en el cementerio parisino de Pére Lachaise, donde se tocó la Marcha fúnebre de su Sonata Op.35.

Chopin es para algunos musicólogos la extensión, con otras características, del retrato de Wolfgang Amadeus Mozart. Ambos tuvieron un paso fugaz y tormentoso por la vida. El maestro polaco se despidió apenas a los 39 años y el genio austríaco a los 35.

Católicos o ateos ingresan a la Madeleine seducidos por la curiosidad de esta suerte de templo greco-romano. Tiene nombre de mujer, con una fonética más cercana a la pronunciación en castellano de Marlene.

Al final se denomina en español la iglesia de Santa María Magdalena de París. Se asemeja un tanto a la construcción de la Asamblea Nacional, cuya mirada es frontal en el tramo de alrededor de dos kilómetros, o quizás al Panteón.

El capítulo de Chopin le ofrece una prestancia singular, aunque no es por supuesto la única. Probablemente es el santuario católico más atípico de Francia, con una estructura de corte iconoclasta de rasgos excepcionales.

Ecléctica y desafiante, con un estilo arquitectónico tan polémico que hizo prolongar su construcción durante casi 80 años. No es, sin embargo, un dechado de virtudes, aunque sus envolturas acentúan curiosidades y disfruta del privilegio de la ubicación.

-Los 10 mandamientos

Dos enormes portones revelan los 10 mandamientos a relieve en su monumental entrada, luego de flanquear los escalones que recuerdan el ascenso hacia los emporios romanos de antaño. Dentro, se distingue el trazo barroco sin derivaciones espectaculares.

Sacudidas políticas e ideológicas merodearon la historia de la Madeleine, desde que Luis XV puso la primera piedra en 1765 y eligió al arquitecto Contan d´Ivry para su levantamiento.

Iniciadas las obras, D´Ivry falleció repentinamente en 1777 y fue su alumno Guillaume-Martin Couture el encargado de asumir el proyecto. Pero tenía una influencia notable del maestro Soufflot, quien se encargaba entonces de construir nada menos que el Panteón.

La Iglesia de Santa Genoveva, convertida más tarde en el  Panteón, donde reposan los restos mortales de ilustres de Francia,

Aux grand hommes la patrie reconnaissante (A los grandes hombres, la patria agradecida).

Couture sugiere una iglesia en cruz griega en lugar de latina, con gran pórtico de columnas corintias y un enorme domo. Se daba entonces una transformación significativa.
La Revolución francesa de 1789 hizo detener el proyecto cuando ya la construcción se encontraba a la altura de los capiteles de las columnas. Un paréntesis cuando el catolicismo no era muy popular y nuevas ideas hasta su reanudación en 1804.

Sería a partir de entonces un rosario de alternativas, como un palacio para la Convención Nacional, Templo de la Revolución, Biblioteca Nacional o teatro para la ópera.
Napoleón I estableció por decreto en 1806 para levantar un templo inspirado en la arquitectura greco-romana, consagrado a la gloria del ejército francés, a cargo de Pierre-Alexandre Vignon.

Vignon se vio obligado en 1807 a demoler casi todo lo existente aunque recuperó las columnas. Cae Napoleón en 1815 y entonces Luis XVIII pretende dar al edificio un carácter religioso expiatorio.

Objeto de los más diversos deseos, tal vez por el lugar privilegiado, la Madeleine llegó a ser Templo de Homenaje a la Gran Armada, hasta que por fin el 24 de julio de 1842, día de Santa María Magdalena, fue inaugurada como iglesia católica.

Además de Vignon, Huvé, Lemaire, Ziegler, Marochetti, Rude, Pradier y Henri de Triquete, fueron protagonistas en el diseño y construcción de la obra. Su gran órgano de Cavaillé-Coll fue instalado en 1846.

Cosas del azar, Aristide Cavaillé-Coll fue considerado uno de los más relevantes fabricantes de órganos de Francia y del mundo. Era ferviente admirador de Fréderic Chopin.

Acogido con admiración en París desde 1831 por su indiscutible talento, pero marcado por sus océanos de fragilidad y melancolía, Chopin fue blanco también de murmuraciones a partir de su relación con la escritora feminista George Sand.

Vivió inicialmente en el boulevard de Poissoniere, frecuentó a los bohemios café Procope y Tortoni, y en su testamento pidió ser enterrado en París, pero con la condición de enviar su corazón a la iglesia de la Santa Cruz de Varsovia.
Al lado de su tumba en el cementerio Pére Lachaise, la lápida de un músico de la época revela: pianista y compositor. En cambio, con toda la sobriedad y elegancia de los grandes, apenas se puede leer a un costado el nombre de Fréderic Franciszek Chopin (1810-1849).

Paris.- Cómplice del silencio, Marcel Marceau se despidió de sus admiradores en el camposanto parisino de Pére Lachaise, donde reposará al lado de numerosas personalidades insignes de la humanidad.
En una ceremonia sobria, con un violoncelo de fondo musical, el antiguo gran rabino de Francia, René Samuel Sirat, ofició la ceremonia fúnebre del más grande mimo del mundo, nacido en Estrasburgo, Francia, en 1923, como el judío Marcel Mangel.
De algún modo, Pére Lachaise constituye un nuevo hogar para el inolvidable Bip, su alter ego con rostro de payaso, chistera desvencijada y una flor inclinada sobre su cabeza.
Allí se encontrará con las almas imperecederas de Edith Piaf, Sarah Bernhard, María Callas, Balzac, Wilde, Moliére, Chopin, Isadora Duncan, Proust, Bizet, Yves Montand y Simone Signoret, entre otros.
Marcel Marceau, fallecido en septiembre de 2008 en esta capital, pareció repetir a uno de sus personajes, El fabricante de máscaras.
En el acto cuando intenta pasar de la felicidad al llanto, al despegar la cubierta con la sonrisa atorada en su rostro, muere.
Embajador de Buena Voluntad de Naciones Unidas, colmado de premios y reconocimientos, fue el rostro más sobresaliente de la pantomima y la gestualidad silente en el teatro.
Su impronta, al calor de su inspiración en figuras del cine mudo como Charles Chaplin, Buster Keaton y Laurel y Hardy, insufló igualmente conocimientos en el célebre baile de Michael Jackson de Moonwalker, o en la danza de Rudolf Nureyev.
Alumno de la escuela de teatro “Sarah Bernhardt” de París, donde tomó cursos de pantomima de Etienne Decroux, Marceau hizo célebre entre sus obras de un vasto repertorio “Adolescencia, madurez, vejez y muerte”.
“Logró en menos de cinco minutos lo que la mayoría de los novelistas hacen en volúmenes”, dijo un crítico francés fascinado con el poder de síntesis y expresividad que caracterizó a Marceau.
Sobreviviente de la Segunda Guerra Mundial, donde se alistó con las tropas aliadas después que su padre fuera asesinado por la Gestapo en Auchwitz, Bip se hizo entrañable en las tablas.
La palabra no es necesaria para expresar lo que se siente en el corazón, repetía ese dúo irrepetible llamado Bip-Marceau.
Después de recibir en 1948 el premio Deburau (en memoria de Pierrot), uno de los tantos en su carrera, fundó su compañía de pantomima y se presentó en los mejores teatros de París, Europa, Canadá y América del Sur, y más adelante en Estados Unidos.
Una fresca tarde otoñal de París dedicó lágrimas y sonrisas a Bip, con el hasta luego reservado para quienes nunca se marchan.

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