Albertina, Wien

Impressionismus
Wie das Licht auf die Leinwand kam
11.09. 2009 > 10.01. 2010

In der Herbst-Sonderausstellung Impressionismus – Wie das Licht auf die Leinwand kam präsentiert die Albertina vom 11. September 2009 bis 10. Januar 2010 mit Hauptwerken von Caillebotte, Cézanne, Courbet, Degas, Gauguin, Manet, Monet, Pissarro, Renoir, Signac, Sisley, Toulouse-Lautrec und van Gogh die umfangreichste Schau, die zu diesem Thema je im deutschsprachigen Raum gezeigt wurde.

Paul Cézanne

Paul Cézanne
Porträt eines Bauern, 1905/06
© Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Rund 200 Exponate – davon 125 Gemälde und 56 originale Künstlerobjekte, Malutensilien und -behelfe – eröffnen dem Besucher die faszinierende Welt des französischen Impressionismus, von seinen Wurzeln der Freilichtmalerei bis hin zu den optischen Farbexperimenten des Pointillismus und Postimpressionismus.

Diese außergewöhnliche Schau ermöglicht einen neuen Blick auf die Entstehungsgeschichte, die Techniken und Malweisen des Impressionismus. Sie gibt Antworten auf Fragen wie „Was ist eine Impression?“, „Drinnen oder draußen?“ oder „Wann ist ein Bild fertig?“ und erzählt die Geschichte des Impressionismus anhand beispielhafter Werke und Künstlerobjekte aus neuer Sicht.

75 Gemälde – Landschaften, Gartenszenen, Bilder des großstädtischen Paris mit seinen Cafés und Vergnügungsetablissements – kommen aus der Sammlung des Wallraf-Richartz-Museums & Foundation Corboud, Köln. Weitere hochkarätige Leihgaben stammen unter anderem aus dem Musée d’Orsay, Paris, dem Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, der Národní galerie, Prag, dem Szépművészeti Múzeum, Budapest, dem Van Gogh Museum, Amsterdam, sowie aus dem Bestand der Albertina, Sammlung Batliner.

Zahlreiche originale Künstlerobjekte, Malutensilien und -behelfe bringen dem Publikum den Alltag eines Künstlers, die Annäherung an sein Motiv sowie die Vorbereitung und Ausführung eines Gemäldes näher. Unter anderem werden in der Ausstellung Vincent van Goghs Perspektivrahmen und Palette, die Palette Georges Seurats sowie ein Ballettschuh aus dem Besitz Edgar Degas’ zu sehen sein.

Edgar Degas

Edgar Degas
Zimmer auf Schloss Ménil-Hubert, 1892
Privatsammlung, Schweiz
© Alle Rechte vorbehalten

Paul Cézanne

Paul Gauguin
Ein bretonischer Junge, 1889
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Köln
© RBA, Köln

Didaktisches Material wie eine Installation zur Erklärung optischer Phänomene oder Röntgenund Infrarotaufnahmen machen die Entstehung impressionistischer Werke im wahrsten Sinn des Wortes greifbar. Maltechnologische Errungenschaften, wie die Einführung flacher Borstenpinsel, die Erfindung der Tubenfarbe oder die Entwicklung vorgrundierter, gebrauchsfertiger Leinwände, werden dem Besucher in der Schau nähergebracht. Gleichzeitig wird erklärt, wie diese neuen Möglichkeiten Malweise und Mobilität der Impressionisten sowie deren technische Ansprüche beeinflussten und ihnen dadurch neue Wege erschlossen.

„Den Impressionismus als wiederholt vermarktete Kunstrichtung, über die scheinbar schon alles gesagt und gezeigt wurde, spannend und facettenreich zu präsentieren ist heute fast schon selbst zur Kunst geworden“, erklärt Klaus Albrecht Schröder, Direktor der Albertina. „Wenn es uns dennoch gelungen ist, dann durch einen einzigartigen Blick hinter die Kulissen. Nämlich dadurch, dass wir auf der Basis des Forschungsprojekts Maltechnik des Impressionismus und Postimpressionismus [des Wallraf-Richartz-Museums, Köln] Kunsttechnologie und Kunstgeschichte auf eine gleichberechtigte Stufe stellen.“

Courtesy Albertina, Wien
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Stampfli & Turci – Art Dealers

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August Natterer (Neter), "Wunder-Hirthe", vor 1919, Sammlung Prinzhorn/Heidelberg

Österreich wird nicht nur mit Sigmund Freud assoziiert, der das Menschenbild des 20. Jahrhunderts wesentlich mit geprägt hat. In Österreich befindet sich auch die heutige Gedenkstätte Schloss Hartheim – von 1940 bis 1944 eine der sechs Euthanasieanstalten des Dritten Reiches, in der im Zuge der Aktion T4 von den Nationalsozialisten die Ermordung behinderter Menschen als „lebensunwertes Leben“ vollzogen wurde. Dem organisierten Massenmord des Nationalsozialistischen Regimes sind zahlreiche Menschen mit Behinderungen, darunter auch KünstlerInnen,  zum Opfer gefallen. Sehen wir ein Mahnmal, ein DENKmal in ihrer Kunst! Gedenken wir der Opfer dieser schrecklichen Zeit! – - – - Machen wir uns bewusst, dass diese Zeiten noch gar nicht so lange her sind! Machen wir uns auch bewusst, dass sich die Umstände für die Betroffenen seitdem zum Glück radikal gewandelt haben. Zumindest in unserem Kulturkreis müssen Menschen mit Behinderungen nicht um ihr Leben fürchten. Im Idealfall können sie unter professioneller Betreuung mit guten Materialen in Ruhe arbeiten. Seit der Erfindung der Psychopharmaka im Jahre 1951 werden sie auch nicht mehr grausam in Tobräumen oder mittels Dauerbädern ruhig gestellt wie noch zu Prinzhorns Zeiten.

Art Brut, was ist das? Sieht man, unserer Zeit entsprechend, einmal rasch bei WIKIPEDIA nach, findet man folgende Definition:

Art Brut (franz. für unverbildete, rohe Kunst, auch etwa edelherbe Kunst) ist ein Sammelbegriff für autodidaktische Kunst von Laien, Kindern und Menschen mit geistiger Behinderung. Die Bezeichnung ging vom französischen Maler Jean Dubuffet aus, der sich eingehend mit einer naiven und antiakademischen Ästhetik beschäftigte. Art Brut ist weder eine Kunstrichtung noch eine Stilbezeichnung, sondern beschreibt eine Kunst jenseits etablierter Kunstformen und -strömungen. Im anglo-amerikanischen Sprachraum ist stattdessen der Begriff Outsider Art (“Außenseiter-Kunst”) gebräuchlich.

Die Wurzeln der ART BRUT reichen bis in die Psychiatrie des 19. Jahrhundert zurück. So hatte schon der Turiner Psychiater Cesare Lombroso in seinem Buch „Genio e follia“ (Genie und Irrsinn, dt. 1884) den Wahnsinn als Quelle außergewöhnlicher künstlerischer Begabung bezeichnet. In Schriftstellern wie Tasso, Rousseau, Hölderlin oder Kleist hatte Lombroso “Genies mit Geistesstörung” gesehen und sie mit klinischen Fällen von Wahnsinn verglichen. Bereits 1907 hatte der französische Psychiater Paul Meunier in seinem unter dem Pseudonym „Marcel Réja“ erschienenen Buch „L`art chez les fous“ die Werke einiger seiner Psychiatriepatienten gewürdigt – und zwar nicht nur unter diagnostischen, sondern auch unter ästhetischen Gesichtspunkten. Die Ansätze beider Autoren waren zu ihrer Zeit auf wenig Beachtung gestoßen. Im Jahre 1918 hatte Walter Morgenthaler seine Habilitationsschrift „Übergänge zwischen Zeichen und Schreiben bei Geisteskranken“ publiziert. Bekannt geworden ist der Schweizer Psychiater aber erst 1921 mit einer weiteren Publikation, der Monographie „Ein Geisteskranker als Künstler“. Darin hatte er den schizophrenen Psychiatrieinsassen Adolf Wölfli (1864-1930) und dessen Werk vorgestellt. Wölfli hatte eine 25.000-seitige Lebensgeschichte in Wort und Bild verfasst. Es war das erste Mal, dass ein Patient namentlich erwähnt und ein „Geisteskranker“ klar als Künstler bezeichnet worden war. Darin ist ein erster Schritt in Richtung wertschätzender Einbindung von Außenseiter-Kunst in die Gesellschaft zu sehen. Im Verlauf seiner späteren Arbeit in der Bernischen kantonalen Irrenanstalt Waldau hatte Morgenthaler rund 5000 Werke von über 280 Patienten gesammelt. Heute ist die „Sammlung Morgenthaler“, ehemals „Bildnerisches Schaffen von Patientinnen und Patienten“, in der „Stiftung Psychiatrie – Museum Bern“ untergebracht. Die Bedeutung Wölflis kommt wohl auch darin zum Ausdruck, dass er 1972 von Harald Szeemann auf der „documenta 5“ in Kassel gezeigt wird.

1922 erschien das Buch „Bildnerei der Geisteskranken“ von Hans Prinzhorn. Gerhard Roth konstatiert diesem Werk 2001, es habe gesellschaftlich verändernd gewirkt. Prinzhorns reich bebildertes Buch „Bildnerei der Geisteskranken“ traf jedenfalls den Zeitgeist. Es erregte großes Interesse bei Künstlern wie Paul Klee, Oskar Schlemmer, Pablo Picasso oder Alfred Kubin. Die Bilder von Else Blankenhorn hatten großen Einfluss auf den Expressionisten Ernst Ludwig Kirchner. Einige der Arbeiten von Max Ernst haben direkte Bezüge zu den von Prinzhorn vorgestellten Patienten-Künstlern, vor allem zu jenen von August Natterer. In Natterers “Große Halluzination”, darunter “Der Wunder-Hirthe”, sind die Wurzeln des bildnerischen Surrealismus zu erkennen.

Vor allem Max Ernst machte Prinzhorns Buch in Paris, der damaligen Hauptstadt der internationalen Avantgarde, bekannt. Für die französischen Surrealisten hatte es den Stellenwert einer „Bibel“. Psychosen sind zu dieser Zeit „in“. Diese Außenseiter-Kunst wurde vor allem von den Surrealisten als eine “ursprüngliche Ausdruckskraft”, als eine unverfälschte Kunst, frei von allem akademischen und bildungsbürgerlichen Ballast empfunden. Längst verstorbene Künstler wie Vincent van Gogh wurden hoch stilisiert. Als dessen würdiger Nachfolger wurde der junge französische Schauspieler, Dramatiker, Regisseur, Zeichner, Dichter und Theater-Theoretiker Antonin Artaud – ab 1937 Patient in geschlossenen psychiatrischen Kliniken mit der Diagnose Schizophrenie – zu einer neuen Gallionsfigur.

Im Museum of Modern Art, New York, lief 1936 die Ausstellung “Fantastic Art, Dada and Surrealism”. Alfred Barr hatte darin auch Kunstwerke von Kindern und Geisteskranken gezeigt.

Ganz anders war die Situation kurz darauf in Deutschland. Die von Joseph Goebbels initiierte Wanderausstellung “Entartete Kunst” eröffnete im Jahr 1937 in München eine heftige Attacke gegen die moderne Kunst. Unter der Leitung von Adolf Ziegler, damaliger Präsident der Reichskammer der bildenden Künste, wurden 650 konfiszierte Kunstwerke aus 32 Museen gezeigt. Die Ausstellung wurde bis zum April 1941 in zwölf weiteren deutschen Städten gezeigt und von über 3 Millionen Menschen besucht. Unter den ausgestellten Werken befanden sich nicht nur die bekanntesten Maler der europäischen Moderne – von Nolde über Klee bis Picasso –, sondern auch einige namenlose Werke von “Verrückten”. Dabei handelte es sich um Arbeiten aus der Prinzhorn-Sammlung. Alles, was nicht ins kulturelle Verständnis der Nationalsozialisten passte, wurde als „entartet“ angesehen: Kunstrichtungen wie Dadaismus,  Expressionismus, Kubismus, Fauvismus, Impressionismus, Neue Sachlichkeit und Surrealismus, aber auch Formen in anderen kulturellen Ausdrucksweisen, wie Tanz, Literatur, Architektur oder Musik. Was die Nazis unter “deutscher Kunst“ verstanden, wurde in der parallel stattfindenden “Großen Deutschen Kunstausstellung” in München im “Haus der Deutschen Kunst” gezeigt.

Gleichzeitig setzte eine Art “künstlerische Säuberung” in den deutschen Museen ein. Man schätzt, dass 16.000–20.000 Kunstwerke in dieser Zeit zerstört oder gegen Devisen ins Ausland verkauft wurden. Vielen Künstlern, Museumsangestellten und Lehrern wurde Berufsverbot erteilt. Die von den Nationalsozialisten propagierte Auffassung von der “Vernichtung lebensunwerten Lebens” führte zur planmäßigen Tötung von Psychiatriepatienten. In einer dieser Tötungsanstalten, Grafeneck auf der Schwäbischen Alb, wurden ab 1940 etwa 10.000 Patienten vergast.

Dessen ungeachtet wurden und werden auch in der Nachkriegszeit Künstler oftmals als geisteskrank beschimpft. Dem entgegneten österreichische Künstler auf ihre Art. Oswald Oberhuber etwa ließ sich in den frühen 1970ern in Anstaltskleidung fotografieren.

Der Künstler Jean Dubuffet beschäftigte sich mit dem Phänomen der ursprünglichen Kreativität und der antiintellektuellen, vom Bildvokabular der Kinder, Naiven und „Geisteskranken inspirierten Kunst. Als Sammler wurde Dubuffet mit dem von ihm 1945 geprägten Begriff „Art Brut“ identifiziert. 1948 gründete er nach einigen ersten Ausstellungen mit einem kleinen Kreis von Gleichgesinnten, darunter auch der Surrealist André Breton, in Paris den Verein „Compagnie de l`Art Brut“. Auf die Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert haben künstlerische Ausdrucksformen von „Außenseitern“ einen wesentlichen Einfluss genommen. Man sah in diesen Kunstformen ein „weiter zu verarbeitendes Rohmaterial“, spontane Äußerungen mit unkonventionellem Blick auf die Welt und ihre Wirklichkeit. Der fließende Begriff „Art Brut“ wird auch heute noch als Dubuffets geistiges Eigentum von den aktuellen Kustoden des Museums verteidigt und nur auf die Werke seiner Sammlung beschränkt – natürlich nicht ohne Kritik!

Die aus ganz anderen Entstehungsbedingungen hervorgegangene Kunst, wie sie uns etwa in der Prinzhorn-Sammlung begegnet, kann nicht mit dem für „professionelle“ Kunst gültigen Maßstab gemessen werden. Diese „Bildnereien“ sind gänzlich unabhängig von jenem Kunstwollen und Kunstkontext entstanden; und zwar als eine reale, existentielle Notwendigkeit sich auszudrücken. Wie der Hamburger Kunstwissenschaftler Michael Lingner bemerkt, liegt eine Gefahr in allen leider heute oft so „modernen“ Bemühungen – auch schon in jenen Jean Dubuffets – die Kunst von Menschen mit Psychiatrieerfahrung aus unserem Kunst- und Kulturverständnis heraus nicht mimetisch, sondern im Sinne der Mimikry nachzuempfinden. Das klägliche Ergebnis daraus könne nur allzu leicht eine total verwässerte, erkünstelte, hypehafte Primitivität sein.

Bestätigung für die Qualität „seiner“ Künstler soll direkt von Dubuffet der Wiener Psychiater Leo Navratil bekommen haben. Navratil hat sich in der Landesnervenheilanstalt Maria Gugging in Klosterneuburg vor allem um die Erforschung und Förderung der sogenannten „zustandsgebundenen Kunst“, also Kunst von Insassen psychiatrischer Anstalten, verdient gemacht. Er erschuf eine besondere Art der Therapie. Navratil strebte mit der Veröffentlichung der Werke eine zumindest künstlerische Gleichberechtigung an. Ganz im Sinne des Integrationsgedankens, versuchte er durch Verkäufe und Ausstellungen Anerkennung und Wertschätzung der Gesellschaft für die Künstler zu erreichen. 1965 gab er sein erstes Buch „Schizophrenie und Kunst“ heraus. Künstler wie Arnulf Rainer und Alfred Hrdlicka wurden nach Gugging eingeladen und lernten dort Johann Hauser, Rudolf Limberger u. a. kennen. 1970 findet die erste Ausstellung der Gugginger Künstler in der Galerie Nächst St. Stephan in Wien statt.

Österreich erweist sich in seiner jüngsten Geschichte ebenso als fruchtbarer Boden für alle an der Schnittstelle von sozialer und medizinischer Betreuung gelegenen Ansätze, aus denen heraus Kunst entstehen kann. Hier sind seit Jahrzehnten bedeutende Künstler wie Arnulf Rainer, Franz Ringel, Peter Pongratz, Alfred Hrdlicka tätig, die sich einerseits für Outsider-Art bzw. Art Brut und ihre schöpferischen Künstler-KollegInnen einsetzen, andererseits teils selbst bemerkenswerte Sammlungen besitzen. Innerhalb der jüngeren österreichischen Künstlerschaft haben seit 1990 vor allem die Zwillingsschwestern Christine und Irene Hohenbüchler die kontinuierliche Zusammenarbeit mit behinderten Menschen sowie mit Menschen mit Psychiatrieerfahrung, mit Strafgefangenen und Kindern praktiziert.

Die anlässlich des Freud-Jubiläumsjahres 2006 konzipierte Wanderausstellung „Die Kunst von innen – von der Kraft des Unbewussten“ hat einen Überblick über jene Szene gegeben, die sich in Österreich mit den künstlerischen Schöpfungen von Menschen mit psychosozialen und mehrfachen Beeinträchtigungen auseinandersetzt und diese fördert. Angelica Bäumer, die Kuratorin dieser in Österreich und im Ausland gezeigten Ausstellung, hat in der von ihr 2007 herausgegebenen Publikation unter Titel „Kunst von innen – Art Brut in Austria“ die Kunstentwicklung von Adolf Wölfli über die Sammlung Prinzhorn bis zu Jean Dubuffet, dem Begründer des Begriffes „Art Brut“, erläutert und die spezifische Szene in Österreich vorgestellt. Das von Leo Navratil gegründete, heute von Johann Feilacher geleitete „Haus der Künstler“ in Gugging setzte wesentliche Impulse zur Anerkennung der Kunst von Menschen mit besonderen Bedürfnissen. Auch Institutionen wie die Caritas, die Diakonie, die Lebenshilfe, Jugend am Werk, Promente, sowie zahlreiche kleinere Organisationen haben Ateliers eingerichtet.

Es wäre wünschenswert, träten mehr Vertreter der professionellen Kunstszene in einen Dialog mit künstlerisch-kreativen Menschen und erzeugten gemeinsam mit diesen PartnerInnen künstlerische Werke, die sie anschließend gleichberechtigt neben eigenen Objekten präsentierten.

Besucher und Besucherinnen können gerade in den faszinierenden Werken der wenigen ernsthaften ART BRUT-Ausstellungen Zugänge zu Problemstellungen finden, mit welchen sie sich für gewöhnlich nie beschäftigen würden. Vielleicht stellen manche von ihnen auch ihr eigenes, nicht selten bedenkliches Kunst- und Welt-Bild in Frage, das nicht selten von althergebrachten Vorstellungen geprägt ist, die um fundiertes Können, gesunden Menschenverstand und Volksnähe kreisen.

AKTUELLE LINKS

Admont, Stift Admont, AUSSTELLUNG SAMMLUNG PRINZHORN

http://www.stiftadmont.at/deutsch/museum/museum/prinzhorn.php

Admont, Stift Admont, SCHÖPFUNGEN, Interdisziplinäres Symposion

Wien, Haus der Kunst, ART BRUT AUS JAPAN

http://www.wien.info/de/sightseeing/museen-ausstellungen/highlights/art-brut-japan

Maria Gugging, ART / BRUT CENTER

http://www.gugging.org/

St. Florian Feuerwehrmuseum, ART BRUT IM WANDEL

http://www.feuerwehrmuseum.at/shop/shop.php?detail=1228485422

NS-Tötungsanstalt HARTHEIM

http://de.wikipedia.org/wiki/NS-Tötungsanstalt_Hartheim

22. 08. 1862: Geburtstag von Claude Debussy.

Seine Musik ist für mich voller Wunder und Magie! Steter Wechsel von Perspektive und Augenblicken (Impressionen) von Farbe, Licht, Schatten, Luft. Alles wirkt leicht, irgendwie verzaubert. Hier rückt Textur und vermeintliche Dekoration in denVordergrund; lässt überstrenge Formalität und starren Akademismus weit hinter sich.

“Wenn man die deutsch/österreichische Musik mit einem Ölgemälde vergleichen würde, dann wäre Debussys Musik wie ein Aquarell. Oder wie eine Art von Malerei, die erst noch erfunden werden muss!” (Sir Simon Rattle).

L’après-midi d’un faune (Nachmittag eines Fauns)

La Mer

Clair de lune

Zwei Ausschnitte, mit dem Thema Debussy, aus der TV-Doku Reihe “Die Musik des 20. Jahrhunderts” (In Englisch mit spanischen Untertiteln), moderiert von Simon Rattle:

Debussy und Filmmusik:

Übrigens ist die komplette Serie auf YouTube abrufbar. Unbedingt anschauen, es lohnt sich!
Hier ist die Inhaltsangabe und Playlist.

Am Dienstag war Klassentag an unserer Schule. Zur Freude des Klassenlehrers hatten wir uns auf einen kleinen Besuch bei ihm Daheim und eine anschließende Führung im Stuttgarter Kunstmuseum (umgangssprachlich einfach nur ‘der Kubus’) geeinigt, was ihm natürlich sehr gefiel, da er deswegen lediglich ein paar wenige Schritte von seiner übrigens sehr schönen Wohnung zum Museum tätigen musste – ganz und gar ein gemütlicher Mann.

Gegen Mittag genossen wir dann jene Führung, welche mit, ich gehe ins Zitat: “… dem hässligen und ganz und gar düsteren Deutschen Impressionismus …” begann. Hier ein Bild des zurecht unbeliebten Malers aus dem Schwabenland:

Teufelswerk

Auf dem Bild befindet sich im Vordergrund eine Dampflokomotive in einer zum spontan losheulen anregenden und düsteren Winterlandschaft. Das komplette Bild ist in so seltsamen Farben gehalten, dass man sehr schnell in eine allgemeine Trauer verfällt und anfängt sich zu ritzen. Zudem freut man sich über die aktuelle Wetterlage, sie kann nur besser sein als jene auf dem Bild dargestellte. Dur das ungewöhnlich anmutende Motiv lenkt der Maler auf die Tristigkeit und Unpersönlichkeit der Lokomotive, welche im Gegensatz zu Lebenden Objekten eine tiefe Einsamkeit hervorruft. Mit dem Ort im Hintergrund des Bildes will er uns vermitteln, dass es Leute gibt, die an grauenvollen Orten Leben und man doch gefälligst mit seiner eigenen Wohnlage zufrieden sein soll – hier verhält es sich ähnlich wie beim Wetter: sie kann nur besser sein.

Danach führte uns unser Schicksal in die Abteilung mit der Kunst der 1920er Jahre, unter anderem auch zum Triptychon von Otto Dix und Bildern mit extrem widerlichen pornographischen Darstellungen, auf die ich aus guten Gründen nicht genauer eingehen werde.

Immernoch misswillig gegen uns gestimmt leitete uns das höchste Wesen in die Abteilung des Pop-Art und Nihilismus.

Kugel aus Plastikabfall & Fleckenzwerge

extrem armes Bild

Dieses extrem arme Bild entstammt wohl einem ebenso armen Künstler, der sich eine nur ~15 cm breite Leinwand leisten konnte und zudem nur 4 verschiedene Farben. Zudem mangelt es ihm auch noch an der nötigen Kreativität. Denn in dieses Kunstwerk lässt sich nun wirklich nichts hineininterpretieren!

NEIN ab 00.00 Uhr

Weiß ist Krieg | white is war

Offensichtlich hatte diesmal der Schöpfer dieses Meisterwerkes ein essentielles Problem mit der Farbe weiß. Deshalb rüffelte er jene zu Tode, indem er ihren Namen mit schwarz in seiner Muttersprache und der inoffiziellen Weltsprache niederschrieb – um es einem breiteren Publikum wahrzumachen, wie schlecht diese Farbe doch ist!

Immer wieder wird Turner als Vorläufer des Impressionismus genannt. Aber mehr noch als Constable, darf man ihn auch als einen Wegbereiter des Expressonismus ansehen:

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Olympia, Édouard Manet, 1863, Öl auf Leinwand, 130,5 cm × 190 cm, Musée d’Orsay ( Quelle: Wikipedia)

Versdichtung von dem mit Manet befreundeten Zacharie Astruc, nachdem er das Gemälde gesehen hatte, ein Jahr nach der Entstehung und ein Jahr vor der Ausstellung des Bildes:

Quand, lasse de songer, Olympia s’éveille,
Le printemps entre au bras du doux messager noir
C’est l’esclave à la nuit amoureuse pareille,
Qui veut fêter le jour délicieux à voir,
L’auguste jeune fille en qui la flamme veille.

[Übersetzung und Deutung des Gemäldes]

Das Musée d’Orsay, wo das Bild mit vielen anderen bedeutenden Werken des Impressionismus hängt, ist das schönste und aufregendste Museum, das ich jemals gesehen habe. Sowohl von den Exponaten, ihrer grandiosen Präsentation wie auch von der Architektur, ein ehemaliger Bahnhof aus der Jahrhundertwende, atemberaubend umgebaut. Ein grosses Erlebnis. Must de Paris.

Zu sehen sind sehr viele bedeutende und zentrale Werke des Impressionismus, wie von Manet, Monet, Cezanne, Gauguin, van Gogh, Renoir. Aber auch die grossen Salonmaler der Zeit. Im Musée d’Orsay wird eine ganze Epoche lebendig. Der Anfang der Moderne. Grossartig die zentrale Achse des Museums mit Plastiken aus der Gründerzeit und aus dem Jugendstil.

Das Musée d’Orsay ist ein lebendiger Ort der Kunst. Pflichtbesuch. Nehmen Sie sich 2-3 Stunden Zeit und trinken Sie einen Café Creme in der Cafeteria mit Blick durch die gigantische historische Bahnhofsuhr auf die Seine und dem gegenüberliegenden Louvre.

Aus der Kategorie “Klassiker”:

Literatur

In diesem, rund 125 Seiten starken Buch, erwartet den Leser nicht etwa ein dröger Reisebericht, sondern ein poetisches Werk über das Wirken der irische Mentalität, der irischen Menschen und ganz besonders der irischen Mädchen auf Außenstehende, das ganze angereichert mit expressionistischen Elementen. Das Buch ist in 18 Kapitel aufgeteilt, die alle keinen besonderen Bezug zueinander haben, jedes einzelne beschränkt sich dabei auf einen einzelnen Aspekt des irischen Lebens, von den Leben in den Städten, über irische Sprachgewohnheiten, bis hin zur Tradition des Auswanderns. Besonders herausragend ist der Stil:  sprachliche Klarheit und Präzision, die fantasievollen Metaphern fangen die Schönheit Irlands perfekt ein. Böll verzichtet innerhalb dieses Stil fast komplett auf weitreichende Analysen oder Erklärungen,  größere Dialoge fehlen, genauso umfangreiche Beschreibung der irischen Landschaften. Knapp, aber nicht lakonisch, beschränkt er sich auf das Wesentliche, die irische Seele. Böll gelingt es so, den Leser unmittelbar am Geschehen teilhabenzulassen. Das Buch verliert trotz des Alters von rund 50 Jahren kein bisschen Aktualität: der Blick auf ein Volk, das trotz Armut einen tiefen Lebenswillen hat, in dem die Emotion mehr gilt als der Profit, steht im Kontrast zur modernen, westlichen Seelenlosigkeit. Mit Sicherheit das beste Buch über die grüne Insel und ihr Volk. Pflichtlektüre.

Erschienen im DTV, erhältlich bei Amazon.

Kurzgeschichtensammlung, geschrieben zwischen 1966 und 1974. Abrechnung des Autors, der bei Willy Brandt ein- und ausgegangen ist, mit der deutschen Nachkriegsgesellschaft, deutlich beeinflusst von der 68er-Bewegung. Bereits der erste Text (“Das Examen”) handelt vom Feminismus: eine intelligente Frau, die zum Studienabschluß ihres lieblosen Mannes festellen muss, dass sie ihre Chance nicht genutzt hat und sich ihre Zukunft als schmuckvolles Heimchen verbaut hat. Und auch sonst wird wenig zimperlich mit der Generation Adenauer umgegangen: ungerecht behandelte Gastarbeiter werden genauso behandelt wie straffrei gebliebene Kriegsverbrecher. Bei den Geschichten handelt es sich dabei weniger um herkömmliche Kurzgeschichten, als viel mehr um Momentaufnahmen aus komplexeren Beziehungen. So fehlen meistens sowohl Spannungsbogen, als auch überraschende Pointen. Nüchtern und dialoggetragen schreibt der Impressionist Lenz  die Kurzgeschichten, die wie  Photographien wirken. Die Sprache ist dabei präzise, die Erzählperspektive distanziert. Nur selten wagt Lenz perspektivisches Neuland, tief in der Erinnerung bleibt dabei die Beschreibung eines wahrnehmungsgestörten Handballspielers in “Die Mannschaft”. Den klaren Höhepunkt bildet die titelgebende Kurzgeschichten, die in nur 4 Seiten herrlich überladen das Geschehen von nur wenigen Minuten widergibt – und trotzdem den Leser über den Sinn grübeln lässt. Die Handelnden bilden dabei Metaphern auf die deutsche Nachkriegsgesellschaft, die zueinander wiederrum Gegenpole bilden. Ein wunderbares Buch, das beweist, dass Botschaften und analytische Vorgänge sich nicht hinter hunderten von Seiten verstecken müssen, sondern auch in aller Kürze und doch in voller Länge widergegeben werden können. Lesenswert.

Erschienen im DTV, erhältlich auf Amazon.

Musik

Debüt des Singer/Songwriters Cohen, erschienen 1968, noch weit entfernt vom elektronischen und epischen Stil, den er in den 80er einnahm, viel mehr ein Folk-Album. Das Hauptelement der Musik bildet die eindringende Stimme Cohens, die nur von der Gitarrre und selten von einer Backgroundsängerin begleitet wird. Im Gegensatz zu späteren Werken ist sie sehr sonar, lässt noch nicht den tiefen Bass raushängen, für den Cohen später so bekannt wurde, trotzdem einzigartig und gefühlvoll und immer mit einem leisen Klang von Melanchonie und Sentimentalität. Von der Gitarre darf man keine große Kunststücke erwarten, soll sie doch den Sänger mehr begleiten als ihm gleichgestellt sein. Diese Aufgabe erfüllt sie allerdings perfekt: wie ein Fundament unterlegt sie die Stimme Cohens und übernimmt selten auch Melodieaufgaben. Von dem Ohrwurm “Suzanne” über das fast schon kitschige “Winter Lady” bis hin zum schmißigen “So long, Marianne” bietet das Album genügend Abwechslung. Die Texte sind ein besonderes Schmankerl: Cohen, der vor seiner musikalischen Karriere bereits erfolgreicher Dichter war, hat eine fantasievolle Sprache, die metapherreich und voller Vergleiche von Liebe und Trennung, Sehnsucht und vergangen Zeiten erzählt. Ein unvergleichlich schönes Album, das man zeitlebens gehört haben sollte.

Das gesamte Album wurde 2007 neuveröffentlicht.

Debüt des einflussreichen Singer/Songwriters/Gitarristen Bert Jansch, erschienen 1965. Besticht vorallendingen durch die virtuosen Gitarrenlinien, die völlig unabhängig vom Gesang sind, ihm oft sogar vorangestellt sind. Der Stil lässt sich dabei am ehesten als eine Mischung aus Folk, Blues und Jazz beschreiben und war zu seiner Zeit geradezu revolutionär. Der Gitarre wird in gleich 6 Instrumentalstücken (unter anderem Janschs Interpretation des Gitarrenklassikers “Angie”, später bekannt geworden durch Simon&Garfunkel) genügend Raum zu Entfaltung gegeben. Die Stücke mit Gesang müssen sich hinter diesen leider ein wenig verstecken, da Jansch seine Stimme noch nicht entwickelt hat und die Töne oft nicht trifft, zusätzlich kommt noch die schlechte Qualität (Jansch nahm das gesamte Album mit einem Kassettenrekorder auf). Sie erscheint zwar nicht störend, wird aber zu oft von der Gitarre übertüncht. Auch die Lyrics bieten keine dichterischen Höchstleistungen. Trotzdem schon allein wegen der Gitarrenarbeit einen Blick wert.

Das Album ist momentan vergriffen.

Filme

Kultverfilmung des gleichnamigen Buches von Anthony Burgess aus dem Jahr 1971. Stanley Kubrick schafft eine düstere Dystopie, die von mordenden, raubenden und vergewaltigenden Jugendgangs bevölkert ist, in denen auch der Protagonist Alex Mitglied ist. Seine kriminellen Eskapaden werden in aller Breite gezeigt, unterlegt mit klassischer Musik. Doch bald schon hat es sich mit dem Gaunerdasein: er wird erwischt und muss eine langjährige Haftstrafe antreten. Ein Rehabilationsprogramm erscheint ihm als Rettung. Unter Schmerzen werden ihm Bilder von Gewalttaten gezeigt, um es ihm psyschisch unmöglich zu machen, Verbrechen zu begehen. Er wird der Öffenlichkeit als therapeutischer Erfolg vorgestellt, doch in Wirklichkeit ist er ein psyschisches Wrack. Zur Gewalt unfähig wird er auf offener Straße von seinen Opfern verprügelt und gerät zunehmend in die Fänge verschiedener Interessengruppen. Ähnlich wie in allen Literaturverfilmungen Kubricks hat der Film nur noch wenig mit dem Buch gemeinsam, entwickelt aber eine eigene Ästhetik. Die bittere Satire zeigt die zügellose Gewalt dabei mit fröhlicher Musik unterlegt, wofür der Film seinerzeit viel Kritik einstecken musste. Doch die Musik dient nicht etwa zu Verherrlichung der Gewalt – viel mehr wird die Sichtweise des Protagonisten gezeigt, der das Leben als Synphonie von Gewalt und Musik versteht. Der Film schafft es mit kraftvollen Bildern, den Zuschauer über die ganze Länge zu unterhalten und gleichzeitig zum Nachdenken anzuregen. Auch Humor findet genügend Platz, ohne dabei die Grundaussage zu verfälschen. Der Film bietet insbesondere in der digital überarbeiteten Fassung leuchtende Farben, die einen Kontrast zur düsteren Geschichte bilden und ihn fast wie einen Traum erscheinen lassen. Die schauspielerische Leistung Malcolm McDowells ist eher Mittel zum Zweck und sticht nicht sonderlich herraus. Neben der bereits erwähnten klassischen Musik besteht der Soundtrack hauptsächlich aus elektronischen Titeln, die dem Film eine bedrückende Atmosphäre verleihen. Der Film sollte auf Englisch gesehen werden, da die spezielle Slang (“Nadsat”) im Deutschen kaum rüberkommt. Ein legendärer Film, der zurecht Kultstatus besitzt.

Erhältlich auf DVD

(Don Mc Lean : Vincent)

Starry starry night

paint your palette blue and grey

look out on a summer’s day
with eyes that know the
darkness in my soul.
Shadows on the hills
sketch the trees and the daffodils

catch the breeze and the winter chills

in colors on the snowy linen land.
And now I understand what you tried to say to me

how you suffered for your sanity
how you tried to set them free.
They would not listen
they did not know how

perhaps they’ll listen now.

Starry
starry night
flaming flo’rs that brightly blaze

swirling clouds in violet haze reflect in
Vincent’s eyes of China blue.
Colors changing hue
morning fields of amber grain

weathered faces lined in pain
are soothed beneath the artist’s
loving hand.
And now I understand what you tried to say to me

how you suffered for your sanity
how you tried to set them free.
perhaps they’ll listen now.

For they could not love you
but still your love was true

and when no hope was left in sight on that starry
starry night.
You took your life
as lovers often do;
But I could have told you
Vincent
this world was never
meant for one
as beautiful as you.

Starry
starry night
portraits hung in empty halls

frameless heads on nameless walls
with eyes
that watch the world and can’t forget.
Like the stranger that you’ve met

the ragged men in ragged clothes

the silver thorn of bloddy rose
lie crushed and broken
on the virgin snow.
And now I think I know what you tried to say to me

how you suffered for your sanity

how you tried to set them free.
They would not listen
they’re not
list’ning still
perhaps they never will.

(video + lyrics by Don Mc Lean)

starry night

about the latest Van Gogh – exhibition in Vienna look at www.albertina.at

Gedanken über Vincent van Gogh

Für mich ist dieser Künstler ein Grenzgänger: Impressionist und Expressionist – scheinbar übergangslos, modern und authentisch, seinem Stil treu geblieben, aussergewöhnlich…

]]> http://ueltzhoeffer.wordpress.com/2008/09/04/stilentwicklung/ Thu, 04 Sep 2008 14:41:17 +0000 Maren Oppermann http://ueltzhoeffer.wordpress.com/2008/09/04/stilentwicklung/

Einmal lag das in der Konsequenz der Stilentwicklung seit dem Ende des Impressionismus. Zum anderen aber darf man nicht übersehen, daß sich die Maler erst im allerletzten historischen Moment von ihrer angestammten Domäne, der sichtbaren, gegenständlichen Welt, zurückgezogen haben…

Der Berg erscheint als ein entrücktes, unnahbares Objekt, das eigentlich schon mehr der Innen- als der Außenwelt angehört und deshalb auch geträumte Bedeutungen annehmen kann.
Das wäre dann schon der Übergang vom Impressionismus zum Expressionismus, der sich bei Cezanne als ein mühsames, oft unsicheres Suchen nach dem wesentlichen Bild vorbereitet und dann, zehn Jahre später, bei der nachfolgenden Generation, plötzlich vollzieht – in Frankreich bei den Fauves, in Deutschland bei den Expressionisten.

Aber der Aktualitätsverlust impressionistischer Malerei geschah doch schon in den neunziger Jahren, also aus künstlerischen Gründen. Man kann es bei Monet selbst verfolgen, der schon in den achtziger Jahren einige fast frühexpressionistisch anmutende Bilder gemalt hat. Mehr als andere sich langsamer vollziehende Stilwechsel war ja schon der Impressionismus ein zunächst umstrittener innovativer Durchbruch eines neuen malerischen Stils.

Jedes Bild ist ein Fest für die Augen, auch wenn das Motiv ganz unspektakulär ist, wie ein Feldweg, ein Ortsrand, eine Wiese mit Obstbäumen. Menschen tauchen nur klein und verwischt in der Ferne auf, aufgesogen vom farblichen Fluidum, von Atmosphäre, Licht und Vegetation.
Seltsamerweise ist der Impressionismus nur eine kurze Kunstperiode von zwei, drei Jahrzehnten geblieben, obwohl man meinen könnte, die Malerei habe damals in der Natur ein unerschöpfliches neues Thema entdeckt.

Mit diesem Stichwort bzw. mit „Epochenumbruch 19./20. Jahrhundert“ wird ein thematischer Schwerpunkt des Lehrplans Deutsch der Sekundarstufe II von NRW umschrieben. Deshalb ist es nötig, diesen Umbruch zu verstehen – aber nicht nur deshalb, sondern auch aus dem Grund, weil mit diesem Umbruch „die Moderne“ beginnt, vereinfacht gesagt. Ich orientiere mich an Hermann W. von der Dunck: Kulturgeschichte des 20. Jahrhunderts, Bd. I (dt. 2004), den es in der BpB preisgünstig zu kaufen gibt oder gab, Kap. II: Das Ende einer Epoche, S. 76-243. Was Herr von der Dunk auf 165 Seiten schreibt, kann man natürlich nur verkürzt auf einigen Seiten zusammenfassen; ich schreibe im Indikativ, müsste aber als Referent eigentlich durchweg Konjunktiv I benutzen.

Das 19. Jahrhundert endete „eigentlich“ erst 1914 mit dem Beginn des Weltkriegs, auch wenn das Jahr 1900 als Schwelle empfunden wurde: gigantische Weltausstellung in Paris. Was änderte sich in dieser Zeit? Die Lebensverhältnisse in den Städten änderten sich; durch neue Verkehrsmittel konnte man am Wochenende den tristen Städten entfliehen. In den Städt wuchsen riesige Mietskasernen, in speziellen Vierteln errichtet. Schulpflicht und zunehmende Geburtenregelung führten zu einer Verbesserung der Lebensumstände. – Die Könige waren dabei, ihre Macht zu verlieren und mehr oder weniger Bilder der Macht zu sein, in den verschiedenen Ländern aber unterschiedlich stark. Der Adel verlor an Einfluss; er war dem alten Prinzip der Ehre verpflichtet, während das neue Prinzip „Leistung“ hieß; die reichen Bürger näherten sich dem Adel an. – Die Ständegesellschaft löste sich auf, es gab eine neue Elite mit politischen oder Verwaltungsaufgaben; es bildete sich eine „Intelligenz“ heraus. Insgesamt kam dem Nationalismus als Bindeglied große Bedeutung zu, er war eine Art neuer Religion. Die Situation der Arbeiter hatte sich verbessert, sie wandten sich großenteils sozialistischen Partien zu – doch blieben die verschiedenen Sozialismen national bestimmt; die Kirchen versuchten, brave christliche Gewerkschaften zu gründen.

Die Kirchen unterlagen der Säkularisierung: Der Kirchenbesuch ging zurück, die Kirchen verloren öffentliche Aufgaben an den Staat, im Inneren begehrten modernder Denkende gegen die traditionellen Dogmen auf. Es kam eine Frauenbewegung auf, die den Zugang der Frauen zum öffentlichen Leben, zum Studium und zu Teilnahme an Wahlen forderte. Das neue Jahrhundert stand auf besondere Weise im Zeichen der Jugend; der Vater-Sohn-Konflikt erhielt in der Psychologie Freuds eine zentrale Bedeutung (Ödipuskomplex). Eine pädagogische Reformbewegung wollte zur Charakterbildung und zur freien Selbstentfaltung des Einzelnen beitragen, statt aus ihm nur einen braven, nützlichen Staatsbürger zu machen.

Es entstand auch eine neue Jugendbewegung, weil Jugend sich als eine besondere Lebensphase etablierte und weil „die Jugend“ Trägerin einer hoffnungsvollen Zukunft war, die sich von der harten Welt der Erwachsenen unterschied. Es gab natürlich die kirchlichen Vereine und auch die vormilitärischen Pfadfinder, aber der Wandervogel war die richtige Jugendbewegung: Raus aus der Stadt, Gemeinschaft und Natur auf einfachste Weise erleben! Zudem kam mit der Idee des Sports eine Demokratisierung der Körperkultur auf.

In der Unterhaltungsliteratur kam die Kunst auch zur Menge; der Comic wurde erfunden, Kabarett, Revue und Film waren Kunstformen für die vielen – die elitäre Entwicklung der Kunst kriegten nur wenige mit.

Gegen die kapitalistische Industriegesellschaft wurde „Natur“ neu gesehen und gesetzt: das Widersinnige, Zerrissene der menschlichen Existenz. Raum und Zeit wurden neu erfahren: Beschleunigung als Prinzip der industriellen Produktion, Zerbrechen der einheitlichen Zeit- und Raumvorstellungen durch die Physik und die Erforschung fremder Völker. Das seit der Aufklärung bestimmende autonome Subjekt wurde relativiert als Lebens- und Triebwesen, als geschichtlich und sozial determiniert: Nietzsche, Bergson, Dilthey (Vitalismus, Lebensphilosophie).

Die neue Realitätsvorstellung in den Künsten:

Raum und Zeit waren problematisch geworden. Die Romanautoren J. Conrad, M. Proust, J. Joyce, Th. Mann, F. Kafka führten neue Weise des Erzählens ein – die Zeit war nicht mehr der Ordnungsrahmen eines kontinuierlich ablaufenden überschaubaren Geschehens. Im Drama räumten Strindberg, L. Pirandello, G. Kaiser, Schnitzler und F. Wedekind mit der bürgerlichen Welt- und Wertordnung auf. Die Fotografie hatte das Abbilden unternommen – so sahen sich die Maler in ihrer Existenz herausgefordert: Picasso entwickelt eine multiperspektivische Darstellung der Personen; die Dinge wurden in ihre Grundbestandteile oder -formen zerlegt und wieder zusammengesetzt; Kandinsky malte 1910 das erste abstrakte Bild. In Italien wurde das Manifest des Futurismus veröffentlicht: ein Kult des Tempos, der Kraft, der neuen Zeit. Bereits Mallarmé hatte das Wort befreien wollen, von der Bindung an die Dinge lösen, dem grafischen Zeichen eine eigene Bedeutung zuerkannt. In der Architektur ging die Veränderung langsamer vor sich (A. Loos), in der Dekoration entstand der Jugendstil. Die Musik löste sich aus dem traditionell harmonischen Rahmen (Schönberg: Zwölftonmusik), es kamen mit dem Jazz Elemente „unzivilisierter Völker“ in die Musik, Strawinsky erprobte Neues.

Diese Bewegung war nicht ohne Widersprüche: Man wollte weg von der Zivilisation und ihren Zwängen, betrieb das aber mittels einer Vergeistigung, die nur wenigen zugänglich war, und im Verbund mit den Wissenschaften. „Die Sehnsucht nach dem mythischen Erleben stand in direktem Zusammenhang mit einer Zukunftsgläbigkeit, mit der die Rebellen sich als Erben des neunzehnten Jahrhunderts erwiesen.“

Die Künstler verstanden sich messianisch – als Profeten einer neuen Zeit oder Künder des großen Untergangs; insgesamt waren sie eher „links“ eingestellt. Überall wurde eine traditionelle Ordnung in Frage gestellt. Der vertraute Himmel der Kirchen wie des Erlebens verschwand, die hergebrachte soziale Ordnung (oben/unten, Adel/Bürger/Arbeiter, Mann/Frau, Erwachsene/Jugend/Kinder) ging in die Brüche, die religiöse Sinndeutung verlor an Glaubwürdigkeit – die Kunst war nicht mehr der Welt zugewandt, sondern beschäftigte sich weithin mit sich selbst, mit ihrem Material und seinen Möglichkeiten: Der Rezipient musste selber zusehen, was ihm noch Kunst war und welchen Sinn er damit verbinden konnte.

Fazit: Man sollte sehen,

1.  dass die Literatur in einem großen Umbruch aller Künste stand;

2. dass dieser Umbruch auch seine sozialen, politischen, wissenschaftlichen Entsprechungen (oder Gründe?) hatte;

3. dass es natürlich Anknüpfung an die Tradition (Rousseau, Aufklärung) und innere Widersprüche der neuen Bewegungen gab;

4. dass es „den Umbruch“ nicht gab – es waren oft nur kleine Gruppen, zumindest in der Kunst, die solche Umbrüche vollzogen und verstanden.

Für mein (N.T.) Empfinden versteht man die neuen Entwicklungen in der Literatur am besten, wenn man parallel die Entwicklung in der Malerei verfolgt: Die ist anschaulich zu (be)greifen; da kann man etwas intensiver hinschauen, ohne gleich das Ganze der Kulturgeschichte packen zu müssen. Aber die Schlagworte „Naturalismus / Symbolismus / Impressionismus / Expressionismus/ Jugendstil“ sollte man schon „drauf haben“ und inhaltlich ein bisschen füllen können.

Vgl. http://www.bloghof.net/norberto42/archive/2007/05/ (Lyrik des Expressionismus) und die 1. Lektion von http://logos.kulando.de/post/2008/06/17/deutsche-lyrik-1945-1960!

Der Begriff „Epochenumbruch 19./20. Jahrhundert“ (auch: der E. um 1800) ist eine Erfindung der Leute, die die Richtlinien NRW und das segensreich darauf abgestimmte TTS bei Cornelsen machen. Wenn man in die Wörterbücher schaut, findet man

1. im Metzler Lexikon Literatur (2007) die Begriffe „Avantgarde“ und „Moderne“ (s.u.),

2. im Metzler Lexikon Literatur- und Kulturtheorie (2004) die Begriffe „Avantgarde“, „Epochenschwelle“, „Moderne“ und „Modernismus, Literaturtheorien des“. 

Die Avantgarde ist ein Teil der Moderne im engeren Sinn (etwa ab 1900); den Beginn markiert das Futuristische Manifest F.T. Marinettos (1909). Abgelehnt wird Kunst als Imitation (Nachahmung der Natur oder der maßgebenden Autoren); es werden die Techniken der Montage und der Collage eingesetzt. Die Utopie einer neuen Kunst meint die Überwindung des Grabens zwischen Leben und Kunst und meint damit die Utopie einer neuen Gesellschaft.

   Der Begriff der Moderne ist unklar; er kann die „Neuzeit“ seit der Renaissance meinen, die mit der Frühromantik beginnende Moderne (etwa seit 1795) oder eben die Moderne ab 1900. Diese letzte, an das Fin de Siècle geknüpfte Moderne kämpft gegen den Naturalismus und für eine Autonomie der Kunst und Literatur, für ihre Unabhängigkeit von der industriellen Zivilisation und der gesellschaftlichen Realität. Neben den besonderen Ausprägungen in Berliner, Wiener und Münchener Moderne stehen die „Richtungen“ oder Bewegungen des Ästhetizismus, Symbolismus, der Décadence, der Neuromantik und Neuklassik – und dann eben die bereits genannte Avantgarde.

Der schweizer Künstler Félix Vallotton wurde 1865 als Sohn eines Drogisten in Lausanne geboren und wuchs in ärmlichen Verhältnissen auf. Mit siebzehn Jahren ging Félix Vallotton nach Paris, um an der freien Académie Julian Kunst zu studieren. An der Académie kam Félix Vallotton mit Vertretern des Symbolismus und der Künstlergruppe Nabis zusammen, zu der auch Edouard Vuillard und Pierre Bonnard gehörten.

Im Jahre 1897 wurde Félix Vallotton Mitarbeiter der Zeitschrift Cris de Paris, für die er häufig die Umschläge illustrierte. Die Heirat mit der Galeristenschwester Gabrielle Rodrigues-Henriques im Jahr 1899 brachte ihm schließlich die erforderliche finanzielle Sicherheit, die er als unabhängiger Künstler brauchte. Ein Jahr später stellte Félix Vallotton seine Bilder in einer Ausstellung der Berliner Secession aus. 1903 stellte Félix Vallotton mehrere Bilder in einer Ausstellung der Wiener Secession aus, die von Ferdinand Hodler und Gustav Klimt gelobt wurde.

Félix Vallotton´s Werk ist vielfältig und umfasst über 200 Holzschnitte und Zeichnungen, über 1.700 Gemälde, Skulpturen, drei Romane, mehrere Theaterstücke und eine Reihe von Essays. Bis zu seinem Tod im Jahre 1925 gehörte Félix Vallotton zu einer der bedeutendsten Vertreter des Symbolismus und Jugendstils, inspirierte aber viele nachfolgende Stielrichtungen und Künstlergruppen wie die Brücke, den Surrealismus, die Pittura Metafisica oder auch die Pop-Art. In zahlreichen Bildern und Aktdarstellungen gelang Vallotton jene unterkühlte Erotik und Plastizität, die den Stil der „Neuen Sachlichkeit“ vorwegnimmt.

'Japonaiserie - der Baum nach Hiroshige' von Vincent van Gogh

Der Impressionismus entwickelte sich ab 1860 in Frankreich und nachfolgend in ganz Europa. Es handelte sich um eine neue und revolutionär wirkende Malweise, bei der die Farbe und weniger die Form im Vordergrund steht. Typisch für den Impressionismus ist die Freilichtmalerei, bei der die Wirkung des Lichteinfalls eine entscheidende Rolle spielte.

Als Gründervater des französischen Impressionismus gilt Claude Monet, der am 14. 11. 1840 in Paris geboren wurde und mit von dunkeltonigen Figurenbildern zur Freilichtmalerei überging. 1874 organisierte Claude Monet die erste Impressionistenausstellung in Paris. Sein grosses Thema der letzten waren die Wasserlilien und eine japanischen Brücke in seinem Garten. Weitere franz. impressionistische Künstler waren Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir , Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec und natürlich Vincent van Gogh.

Allen gemeinsam ist die freundschaftliche Verbindung über die Impressionistenausstellungen und die Beeinflussung durch Japanische Holzschnitte, insbesondere die bekannten japanischen Farbholzschnitte des Wunderkinds Katsushika Hokusai. Hokusai, der sich selber den Künstlernamen „Gakyo-rojin“ gab („alter Mann verrückt nach Malen“) hatte am Ende seines Lebens über 30.000 Farbholzschnitte geschaffen. Seine Serie 36 Ansichten des Fuji ist sicherlich die bekannteste von Hokusai. Das Blatt “Die grosse Welle” gilt als der bekannteste japanische Farbholzschnitt überhaupt. Nicht nur die Bildkompositionen und Formgebungen von Hokusai´s Bildern beeinflusste die französischen Impressionisten, sondern insbesondere auch die revolutionär wirkende Farbgebung.

Science of Art. Ehrung berühmter Maler. Dieter Raedel: Berthe Morisot, Ehrung am 113. Todestag. Popularisierung von Kunstwissen.

Berthe Morisot

geboren am 14. Januar 1841 in Bourges

gestorben am 2. März 1895 in Paris

Bedeutende französische Malerin. Erste Impressionistin.

Schülerin von Camille Corot. Freundschaft zu Manet.

Angehängtes Bild am Tage dieser Veröffentlichung lt. Wikipedia “public domain“.

Die Wiege 1873

Malerehrung. Science of Art. Dieter Raedel: Ehrung von Pierre – Auguste Renoir am 25. 2. 2008 anlässlich seines 167. Geburtstages. Künstler-Ehrung

Pierre – Auguste Renoir

25. Februar 1841 Limoges

3. Dezember 1919 Cagnes

Weltberühmter franz. Maler des Impressionismus und Neo-Klassizismus

Bis 1870 in großer finanzieller Not, danach Porträt – Aufträge der gehobneren Gesellschaft.

Befreundet mit Manet, Monet, Sisley und Bazille.

Sein Werk wurde zunächst von der Farbe beherrscht und später von der Form.

Spätwerk entstand unter rheumatischer Erkrankung. Er ließ sich den Pinsel an die Hand binden.

Angehängtes Bild am Tage dieser Veröffentlichung lt. Wikipedia “public domain”.

Fruehstueck der Ruderer 1880 / 81 (vorn links seine spätere Frau)

Ab heute bis zum 1. Juni 2008 zeigt die Schirn Kunsthalle in Frankfurt erstmals gesammelt das Werk der impressionistischen Malerinnen Berthe Morisot, Mary Cassatt, Eva Gonzalès und Marie Bracquemond. Die Ausstellung mit mehr als 150 Bildern wird anschließend nach San Francisco wandern und somit in Europa nur in Frankfurt zu sehen sein.

Recht begeisterte Berichte gibt es dazu heute in der FR, der taz und der FAZ.

Das Museum Kunst Palast Düsseldorf zeigt noch bis zum 6. Januar unter dem Titel “Bonjour Russland” rund 120 französische und russische Meisterwerke der klassischen Moderne aus Moskau und St. Petersburg. Der Kritiker der NZZ sieht hier vor allem auch den Einfluß der bürgerlichen Kunstsammler Russlands, der “Moskauer Medici“, dargestellt.

Am Freitag, den 14.09.07, beginnt in der Albertina in Wien die Ausstellung “von Monet bis Picasso – die Sammlung Batliner”. Mit Batliner geht eine der bedeutendsten Kunstsammlungen dieser Zeit als unbefristete Dauerleihgabe an die Albertina. Weiters werden Werke von Renoir, Cézanne, Chagall, Modigliani, Matisse, Kandinsky, Sam Francis, Mark Rothko, Roy Lichtenstein und Francis Bacon zu sehen sein. Unbedingt empfehlenswert. Werde berichten.