Lezioni d’amore è un film americano del 2008 diretto da Isabel Coixet. I maggiori interpreti sono: Penelope Cruz, Ben Kingsley, Dennis Hopper, Peter Sarsgaard, Patricia Clarkson.

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Mi primera toma de contacto como trabajador para el Pabellón de España fue la rueda de prensa de presentación de los creadores de los contenidos de las tres salas expositivas, la cual se llevó a cabo en la sede de la Academia de Cine en Madrid. Durante dicha rueda se anunció que serían tres directores de cine españoles los que pondrían su sello creador a las distintas salas. La terna estaba compuesta por Isabel Coixet, Bigas Luna y Basilio Martín Patino. Saber que este último era uno de los autores seleccionados me hizo pensar en el momento en el que por primera vez oí de él. Conocí la existencia de Basilio Martín Patino cuando me encontraba estudiando periodismo hace unos 15 años. En unas clases sobre comunicación audiovisual, y tras varias sesiones en las que se habían desgranado los entresijos de los recursos audiovisuales, géneros, etc., se proyectó en la propia clase la película de Basilio “La seducción del caos”.

El recuerdo que tengo de aquella película es de fascinación absoluta. La proyección no había sido anunciada en modo alguno y el formato de documental televisual contribuyó a aumentar la confusión. ¿Qué demonios estábamos viendo? El tiempo no me deja recordar con claridad la estructura argumental pero, difusamente recuerdo que la apariencia de documental con narrador, o tal vez de diálogo con el espectador silencioso, disfrazaba una apuesta valiente sobre las fronteras de la ética en el periodismo. Más que una película, se trataba de un puzzle en el que las piezas no encajaban. O quizás encajaban sin dificultad, pero el dibujo que formaban era muy inquietante. Tal vez esté equivocado y el tiempo deforme los detalles de la película en mi mente, pero los recuerdos de las sensaciones son tan claros que desde entonces soy un admirador de la obra de Patino. Un obra a la que, por otro lado, es muy difícil acceder (¿para cuándo una película de Basilio en Versión Española o un ciclo en la Filmoteca?).

Pocas veces he tenido una sensación similar con un filme. Quizá con la divertida “24 Hours Party People” de Winterbottom. Seguro con el mediometraje de Peter Jackson Plata Olvidada (Forgotten Silver), por las circunstancias de haberlo visto ya comenzado. O tal vez con El chico que conquistó Hollywood. Sin embargo, Basilio Martín Patino es de Salamanca. Pero el cine que he conocido de él es arriesgado e inquietante. Su mirada es una mirada de fascinación, pero también de desafío.

Cuando supe que Basilio Martín Patino era uno de los directores seleccionados me alegré inmensamente. El resultado seguro que no dejaría indiferente a los visitantes del Pabellón.

Por Silvia García Jerez

Hoy, que me toca publicar post, debería hablar de alguien a quien todos conocimos a lo largo de su enorme trayectoria profesional en la pantalla, alguien que nos dejó ayer y que el cine español y esperemos que mundial, llora con total merecimiento. Pero resulta que hoy es 3 de noviembre y es mi santo. Así que dejaré a Don José Luis para otra publicación en la que le haga su correspondiente homenaje. Si en estos días lo va a obtener Edgar Allan Poe en su tiera natal, el señor López Vázquez puede tenerlo sólo unas semanas más tarde.

Sí, el 3 de noviembre, si lo consultáis, es Santa Silvia. Bueno, yo de santa tengo lo justito para ir tirando, e imagino que las actrices Silvia Munt o Silvia Tortosa tampoco se encuadrarían a sí mismas en ese retrato. Sin embargo sí tenemos unas películas con nuestro nombre en el título que, quien ha visto, no olvida. A lo mejor porque son pocas las cintas con el nombre de Silvia en su título, o igual, como es mi caso, porque no soporté ninguna de las dos.

“El regalo de Silvia” era un intento fallido de emular a la gran “Mi vida sin mí”, contando la historia de una chica que iba a morirse y dejaba grabaciones de vídeo a sus familiares con lo que sentía y quería que supieran. Una buena idea que se quemaba al poco de empezar la cinta, porque Dionisio Pérez no es Isabel Coixet y porque ya habíamos visto una con el mismo tema y mejor hecha pocos meses antes.

Unos años más tarde un director de cine muy reconocido y tan extraño como pedante estrenaba “En la ciudad de Sylvia”. Era José Luis Guerín, alguien que ya me aterrorizó con “Tren de sombras” y no porque la película fuera de miedo, y con esa volvió a aburrirme soberanamente. Yo, lo primero que le pido a una cinta es que la entienda. Y si yo aquí he ensalzado al cine español porque creo que con la calidad que tiene, se puede y se debe aplaudir… si se lo conoce, si no, no… considero también que cuando hay que atacarlo, se le debe atacar. Y en este caso, se debe. Porque el cine está para entretener y dudo mucho que los pensamientos de alguien sean entretenidos para el público. Ni siquiera, admitámoslo, a veces son entretenidos para el que los tiene, como para compartirlos con los demás y hasta pedirles que paguen dinero por escucharte. Ni por asomo. Por eso no la entiendo, no logro comprender por qué se hace una película semejante, pues el señor Guerin filmó todo un proceso de persecución a una chica a la que luego ni le decía palabra. Una pérdida de tiempo. Insultante, diría yo. No se salvaba ni la pobre Pilar López de Ayala, a la que admiro bastante y de la que siempre digo que fue lo mejor que nos dio a conocer “Al salir de clase”. Lo sigo manteniendo, pero no pongo nunca esta cinta como ejemplo de su gran trayectoria. De hecho creo que quienes trabajaron en ella deberían quitarla de su filmografía.

Y para poco más da mi nombre, que yo recuerde. Ya me gustaría acordarme de más películas, alguna bonita si fuera posible. Pero no la hay. Si alguno me la apunta, para otro santo las tendré en cuenta.

Aprovechando el título de una de las películas de Isabel Coixet, la directora de cine que menos soporto del mundo, junto con Ángeles González-Sinde, inauguro hoy esta sección de la nueva andadura de “I Only Feel Music”.

Se trata de un espacio en el que aprovecharé para decir la verdad y nada más que la verdad sobre algún hecho relacionado con el mundo musical que realmente me saque de mis casillas.

Así que… ¡Vamos allá!

Corría el año 2004 cuando el sonido de las trompetas de un grupo de mariachis y el de una voz de mujer muy peculiar comenzaban a invadir las ondas radiofónicas. El grupo se hacía llamar “La 5ª Estación” y eran de Madrid. Al contrario que la mayoría de grupos españoles que primero triunfan en territorio nacional y luego pasan el charco, “La 5ª Estación” tuvo que irse primero a México en busca del éxito que no encontraba en Madrid.

Ahora que ya os he puesto en situación, llega el momento de ponerse serios.

Recuerdo que durante toda la formación musical que recibí (once años de conservatorio y con esto no quiero fardar, sólo certificiar mis conocimientos), cada uno de los profesores que tuve me recalcaron que nunca, bajo ningún concepto, se acentuaba el final de una frase. Es decir, nada de descargar todo el aire que te sobra de golpe y porrazo sobre la última sílaba de una palabra. Hay que hacer todo lo contrario, hay que controlarlo más que nunca, de manera que se consiga un remate suave y delicado.

La cantante de este grupo, Natalia Jiménez, se empeña en hacer aquello que a mí me dijeron que no hiciera. Da unos golpes de voz que no son ni medio normales y que resultan molestos.

Puedo sonar prepotente y repelente, pero creedme, esto que os cuento es cierto y está pasando.

La 5ª  Estación – Me muero

Yo también me muero, maja, yo también…

El recuerdo de los familiares difuntos es una de esas prácticas profundamente arragaidas en el corazón humano, y común a todas las civilizaciones, desde que caminamos erguidos.

A las tradicionales formas de culto, como no podía ser de otra forma, internet suma la suya propia.

“Elegy” dirigida por Isabel Coixet

“La mirada a un mundo íntimo plagado de sentimientos que Coixet ha sabido imprimir a sus anteriores cinco películas le ha venido como un guante a la novela El animal moribundo. Coixet, que al igual que Penélope Cruz se confiesa admiradora del escritor estadounidense, ha volcado en la adaptación al cine la reflexión sobre el amor, el odio, los celos, el compromiso y la falta de madurez que transpiran la mayoría de las obras de Roth.”

Extraído de El Periodico.

Ver además:

http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/isabelcoixet/filmes6.html

http://www.imdb.com/title/tt0974554/

http://es.wikipedia.org/wiki/Elegy

Los títulos recomendados están en la Biblioteca del Instituto Internacional. Si te interesa leer ésta recomendación puedes consultar su disponibilidad en el catálogo la biblioteca del IIE. 

Elegy. [DVD] / una película de Isabel Coixet. — [s.l.] : Divisa, D.L. 2008. — 1 DVD  (110 min.) : son., col.

Idiomas : españo, inglés, catalán y euskera ; Subtít. : español, inglés

Penélope Cruz, Ben Kingsley, Dennis Hopper

No recomendada para menores de 13 años.

D.L. M 50648-2008 — 110.403

ZW .C648 E44 2008

(Article publicat al diari Avui el diumenge 18 d’octubre del 2009)

EL PERQUÈ DE TOT PLEGAT

Va deixar els estudis als 16 convençut que el seu lloc al món estava damunt dels escenaris. Tres dècades després, convertit ja en un actor de referència, Sergi López continua donant vida al seus personatges amb la mateixa passió que el va dur a dir adéu a l’escola.

A l’agost estrenava Mapa dels Sons de Tokio, la darrera pel•lícula de la cineasta catalana Isabel Coixet, film que des de fa unes setmanes opta a la candidatura dels Oscars. A França, on ha dut a terme gran part de la seva trajectòria professional, té dues pel•lícules en cartellera, una d’elles, Partir, el gran èxit de l’estiu als cinemes del país veí. Ben aviat també el podrem veure al costat de l’Eduardo Noriega i l’Eulàlia Ramon a Petit Indi, la nova cinta del realitzador Marc Recha. I a Pa Negre, l’adaptació cinematogràfica que el director Agustí Villaronga ha fet de la novel•la del mateix títol de l’escriptor Emili Teixidor i que arribarà a les sales a inicis del 2010, comparteix seqüències amb un altre dels titans de la interpretació de casa nostra, l’Eduard Fernández. I mentre espera a que li torni a caure a les mans un guió prou interessant, podem gaudir de la seva presència al TNC, on des del 17 de setembre i fins el 10 d’octubre, està representant l’obra Non Solum. Una agenda atapeïda que no l’impedeix trobar un forat per reunir-se amb nosaltres. La cita és al Teatre Grec de Barcelona, el mateix indret on setmanes enrere es feia la presentació pels mitjans de Mapa dels Sons de Tokio. Avui, però, l’amfiteatre resta buit i la nostra conversa només es veu destorbada pels pocs estrangers que encara són a la ciutat i que s’apropen a Montjuïc creient estar trepitjant un monument arquitectònic construït per uns grecs que en realitat mai van habitar la ciutat. L’estiu, tristament, ja s’ha acabat, però avui el sol ha decidit prendre’s una pròrroga. El Sergi López, amb un panxeta incipient que denota felicitat i una barba d’aquelles de tres dies que algunes dones diuen que ens fan tan interessants als homes, se’m confessa extremadament tímid, però el cert és que, tot i que ens acabem de conèixer, no deixa de parlar ni un instant. Per moments hi posa tant d’èmfasi al seu discurs que sembla que estiguin donant vida a un nou personatge. Una funció en privat que havia de durar no més de mitja hora, però que acaba transformant-se en dues hores d’interessantíssima conversa amb un dels noms més representatius de les arts escèniques catalanes.

Deu n’hi do amb aquest 2009.
SERGI LÓPEZ En realitat vaig estar més enfeinat el 2008 que aquest 2009, però per aquestes coses que passen al cine, que les pel•lis s’estrenen quan igual fa un any o dos que es van rodar, mediàticament estic molt present últimament. Més quan tens la sort de participar amb films com El Mapa dels Sons de Tokio, dirigida per una directora de renom com la Isabel Coixet i que ha tingut una promoció brutal. Però sí, al meu poble tothom m’ho diu, “hòstia tió, et veiem per tot arreu, deus d’estar carregat de quartos” (riures).

Parlant de Mapa dels Sons de Tokio i de la Isabel Coixet. Va haver-hi unes declaracions teves que em van cridar l’atenció, en què deies que mai havies vist una pel•lícula seva abans de treballar amb ella.
Fins i tot em fa vergonya dir-ho, però abans de conèixer-la només havia vist per la tele, i no sencera, La Vida Secreta de les Paraules. Amb la gent que m’envolta al meu poble, que no són especialment cinèfils, jo en sé un munt de cine, però quan estic rodejat de gent del cinema, no en tinc ni idea, sóc un patata. Tinc una cinefília particular, hi ha moltes pel•lícules que no he vist però que al estar en contacte amb gent que en sap molt i que sempre estan parlant d’autors, de directors… sembla que les hagi vist. Diguem-ne que, curiosament, tinc uns coneixements cinèfils adquirits per via oral.

Potser sigui aquesta cinefília teva tan particular la que et fa ser l’actor que ets.
És una manera molt maca de dir-ho, però sí que és veritat que m’ha ajudat. Crec que la identitat i l’autodeterminació com a persona és molt important. Tu, per les circumstàncies que has tingut i el que has viscut ets com ets, i no té gaire sentit voler ser un altra persona. Recordo que quan començava a França sempre em preguntaven per directors de cinema espanyols. Podria haver començat a citar a Buñuel, Saura, Almodóvar, però m’haguessin enganxat ràpidament que no tenia ni idea, així que vaig optar per dir la veritat. Els va poder agradar o no però jo era així. Possiblement aquesta manca de prejudicis m’ha influenciat i en realitat tant hi fa les pel•lis que hagi fet abans el director amb el que vas a treballar, el que importa és el projecte que fareu plegats.

Sempre pots trobar-te amb un director que admires i que et proposi una pel•lícula que no t’agrada.
Exacte. Aleshores què has de fer? Treballar amb un director del que admires tot el que ha fet i participar justament a l’única pel•lícula que no t’agrada? En el fons fer una pel•lícula és un acte de confiança perquè ningús sap què passarà i què acabarà sortint de tot allò. Una pel•lícula no deixa de ser una història, i per què hi han històries que interessen més que d’altres és una pregunta que no té resposta.

És a dir, si et pregunto per què la gent va al cinema no sabries que contestar-me?
En aquest aspecte sí. La gent va al cinema perquè constantment s’està plantejant unes preguntes, com quin és el sentit d’aquesta vida, a les que no acaba mai de trobar resposta. Necessitem sentir-nos part d’alguna cosa, saber que no estem sols, i al mateix saber d’històries completament diferents al que ens envolta al nostre dia a dia.

Potser, a través de les històries que ens expliqueu a les pel•lícules, necessitem reafirmar-nos com a persones i corroborar que la nostra forma de comportar-nos, amb les nostres manies i petites bogeries, no són tan estranyes com podem creure.
Quan una pel•lícula està protagonitzada per un psicòpata, per què ens agrada? Perquè, conscientment o inconscientment, tots tenim fantasmes i parts fosques. Tot sabem que el que estem veient és ficció, que aquell personatge l’interpreta un actor que segueix les pautes d’un director i un guió, però hi ha alguna cosa que supera tot això perquè et projectes en coses que ressonen al teu interior. El que volem és que ens expliquin una història que ens emocioni per alguna banda i que no sigui el mateix de sempre. El que no crec és que la gent vagi al cine una hora i mitja només a distreure’s. La idea aquesta tan americana del cinema com a “entertainment” espero que duri quatre dies perquè és molt simplista.

Així que rarament et trobarem veient l’última superproducció de Hoolywood.
Si no veig les altres imagina’t aquestes (riures). Evidentment que es pot anar al cinema només a entretenir-se, de la mateixa manera que pots anar-hi a tocar-li la cuixa a la xicota, però no combrego amb la idea aquesta majoritària que la gent necessita anar al cinema a distreure’s. M’agrada pensar que la gent va al cinema amb la intenció que la pel•lícula que veu, ja sigui una comèdia o un drama, li digui alguna cosa.

Sents que tens una responsabilitat amb el públic i procures escollir amb cura les pel•lícules en les que treballes?
Sí. Al principi no era gaire conscient i amb el temps he anat adquirint certa responsabilitat. És evident que quan no tens feina i et proposen una pel•lícula, si vols ser actor l’has de fer, perquè si ets actor i no actues, no ets actor, en tot cas ets pensador. Jo, actualment, tinc el privilegi que m’ofereixen moltes coses i puc escollir quina pel•lícula faig i quina no. Però això que és un privilegi també acaba sent una responsabilitat, perquè cada cop sóc més conscient que tinc una relació amb la feina que faig que no és gens banal i cada vegada necessito estar més d’acord amb la història que interpreto.

Segurament sigui aquesta relació teva amb el cinema la que t’ha dut a participar en projectes que, tot i gaudir de ressò, s’allunyen en molts casos d’aquelles històries que en diuen per a tots els públics.
Cada cop em reconec més amb les històries rares i els personatges peculiars. He tingut molta sort, perquè des de l’inici de la meva carrera he interpretat papers que altres actors havien rebutjat. La primera pel•lícula que vaig fer a Catalunya, que va ser Carícies de Ventura Pons, hi vaig poder participar precisament per això, perquè l’actor que havia de fer el meu paper no el va voler. El curiós és que si hagués pogut triar el meu personatge a la pel•lícula, m’hagués quedat amb aquell que era el personatge més estrany de tot el repartiment. També he de dir que quan faig cinema necessito que estigui present l’autor, i no perquè m’expliqui de què va la història sinó per notar la seva presencia. Quan m’han proposat alguna cosa a Estats Units, sempre m’han vingut amb propostes molt etèries, em deien, per exemple, “el guió l’escriurà el que va escriure Traffic o el guionista de Titanic, i la pel•lícula la dirigirà el Cameron o l’Spilberg”, tot molt difús. Jo necessito tenir una implicació amb la persona que ha parit la història i que té una necessitat vital per rodar aquella pel•lícula.

Encara que els resultats merament econòmics no siguin els mateixos.
Exacte. Aquest estiu s’han estrenat a França dues pel•lícules en què he participat. Una es diu Les Derniers jours du monde, i és una pel•lícula que a mi m’encanta, la trobo brutal, en canvi s’ha fotut una castanya impressionant, no ha anat a veure-la ningú. L’altra pel•lícula es diu Partir, on actuo al costat de la Kristin Scott Thomas. Encara que m’agrada, aquí les expectatives artístiques eren més relatives, amb un història més simple, però ha estat l’èxit de l’estiu allà.

Explica’m això que has comentat que t’havien temptat per anar a treballar a Hollywood.
Alguna vegada m’han proposat fer alguna cosa, però mai m’ha acabat de fer el pes. No és un somni i com deia tampoc s’ha acabat de concretar mai res. M’és igual treballar a Hollywood que al Camerun, però si algun dia acabo fent alguna cosa allà serà perquè el projecte m’agrada molt. Anar allà simplement pel fet de dir que has rodat una pel•lícula a Estats Units no val la pena. Si vols treballar a Hollywood ho has de voler, com el Banderas, que per cert em cau molt bé, i traçar-te una estratègia. Jo mai he tingut estratègia, sempre he anat fent sobre la marxa, i com les coses m’han anat tan bé no vull canviar res.

Abans et preguntava per què la gent va al cine. I a tu per què t’agrada posar-te a la pell d’altres persones?
Són coses que m’he preguntat moltes vegades però són inexplicables. Els actors tenen alguna cosa fascinant. Tu veus al Marcello Mastroianni rebolcant-se en un platja amb la Sofia Loren i, encara que saps que tot és mentida, t’ho creus. És una cosa molt fàcil de sentir, però molt difícil d’explicar. Actuar té alguna cosa de mística. Després també estan els que volen ser actors per sortir a la tele, o simplement per egocentrisme.

Fins a quin punt els papers que has interpretat al llarg de la teva carrera han marcat la teva personalitat?
Segurament ho han fet de forma inconscient. Crec que era Picasso que deia que quan pintava no era ell, sinó que era algú altre qui s’expressava a través de la seva mà. Amb la interpretació és una mica el mateix. Evidentment si interpretes a un personatge que agafa una pistola i es fot a disparar trets a tothom que es mou, tu no acabaràs fent el mateix. Però el cos té memòria i algunes de les situacions que interpretes et poden acabar influint de a la teva vida. Per exemple, jo sóc un paio que xerra molt, però també sóc extremadament tímid, i en el cine m’he trobat fent coses que a la vida real no hauria fet ni borratxo, però que a base de fer-les constantment ben segur que em deuen d’haver transformat o canviat d’alguna manera.

Des del 17 de setembre et podem veure al TNC interpretant Non Solum, una obra que vas haver de cancel•lar l’any passat per culpa d’una faringitis. Necessites retrobar-te amb l’escenari cada cert temps?
Torno al teatre perquè és el que vaig començar fent, i per culpa del cinema vaig estar tres anys sense trepitjar un escenari. Al principi quan no em coneixia ningú i anava alternant el teatre amb el cinema, no passava res si feia una obra i em sortia una pel•lícula, perquè em podia substituir un altre actor sense que ningú em trobés a faltar. Però quan vaig començar a ser “famosillo” això es va convertir en un problema, perquè la gent volia que actués jo, així que al final ho vaig haver de deixar. Però amb el temps estava histèric i necessitava fer alguna cosa al teatre. El que té el teatre és que és molt transgressor, molt més que el cinema. Pots improvisar i deixar-te anar i arribes a llocs on al cinema no podries arribar mai. Non Solum és un espectacle en el que em reconec, ha quedat xulo i riem molt perquè és una comèdia.

Sempre se t’associa amb personatges de dolent però qui et coneix diu que tens una faceta còmica molt poc explotada.
Això dels papers de dolent em fa gràcia. Potser sí que les pel•lícules en què he treballat i que han tingut més repercussió he fet de dolent, però a la meva carrera professional he fet més de bon paio que de mal parit. Pel que fa a la meva vesant còmica és curiós perquè quan vaig començar a treballar a França on tot eren pel•lícules de cinema d’autor, la gent es sorprenia que a Catalunya fes teatre còmic, és a dir de pallasso. I els meus amics d’aquí es sorprenien quan veien les pel•lícules que rodava allà on tot eren personatges molt més seriosos.

Una de les teves altres grans passions és la restauració.
La interpretació és la meva afició convertida en professió i necessitava tenir una altra cosa amb la que identificar-me. Va ser així com amb dos amics més de Vilanova de tota la vida, un enòleg i un pagès, vam obrir un restaurant, que és un restaurant perquè té forma de restaurant, però on el nostre principal objectiu és reconèixer-nos a través de la cuina a nosaltres mateixos. Per exemple, la carta de vins és brutal però només hi ha vins dels Països Catalans, perquè ens sembla una injustícia que amb els vins tan bons que hi ha aquí no tinguin el reconeixement que es mereixen. Tot va una mica lligat amb la filosofia slowfood que intenta recuperar el lligam amb els productes autòctons de la terra.

Hi ha algun nexe entre la restauració i la interpretació?
Sí, fins a quin punt l’essencial no és el que es veu. Les dues coses tenen una profunditat que va més enllà del tangible.

Elegy, 2008, de Isabel Coixet

Lezioni d’amore (Elegy) è un film del 2008 diretto da Isabel Coixet, basato sul romanzo di Philip Roth L’animale morente.

La pellicola è stata presentata al Festival di Berlino

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Fui al cine a ver esta película de Isabel Coixet al día siguiente del estreno, sin estar muy segura de si iba a gustarme (cuando vi el trailer, me dio una sensación rara) y después de haber leído una crítica no demasiado buena. Sin embargo, sí tenía curiosidad de ver qué tal estaba la película.

Pero la curiosidad mató al gato. Antes de ver la película, puesto que tenía tantas dudas, decidí leer varias reseñas, para conocer al menos el argumento, y fue lo peor que pude hacer. En mi opinión, en este caso, si conoces el argumento de la película antes de verla, no habrá prácticamente nada que te sorprenda cuando la veas. Y es más: nada más empezar, ya con la primera frase que aparece, me dio por pensar en cómo podía terminar todo… y lo peor de todo es que acerté. Tengo que decir que la película no me gustó, pero no puedo decir realmente que fuera mala; simplemente, que a mi ese tipo de cine no me va: películas lentas, con poca trama, exceso de costumbrismo y abuso de aparición de pequeños detalles (que en algunos casos, no sirve más que para contradecir algunas cosas, o para que quieras buscar tres pies al gato a situaciones sin ninguna relevancia). Es una película en la que lo importante no es aquello primordial para el argumento, sino que se le da importancia a todo, hasta al más mínimo detalle (por ejemplo, ver de qué forma se come un bollo la protagonista).

Según me comentaron nada más salir del cine, ésta es una película muy del estilo de Isabel Coixet, con personajes y situaciones muy típicos de ella. Y que si te gustan sus películas, en esta disfrutas también. Por eso, la conclusión que yo saqué es que no me gustan ese tipo de películas. A eso hay que añadirle la importante componente de drama y tristeza que tiene la película, lo que me hizo a mi salir del cine un poquito hecha polvo. En este punto sí hay que reconocer que consigue muy bien su propósito.

De todos modos, aun partiendo de la base de que a mi no me guste este tipo de cine, creo que el argumento de la película es bastante flojito, y que en ocasiones se emplean recursos que no tienen mucho sentido para explicar situaciones importantes para el argumento (ejemplo spoiler: la forma en que se explica la muerte de la hija del señor Nagara es absurda y no tiene credibilidad ninguna; tampoco me gustó nada el personaje “narrador”… no le encontré ningún sentido). El único punto fuerte de la película en mi opinión (otro spoiler) es el momento en que David decide ir solo al karaoke y cantar Enjoy the silence de la misma forma en que lo hacía con su ex-novia. Fue un momento que a mi me llegó especialmente.

Por todo esto, mi calificación para esta película es un 4.5. Recomiendo verla en caso de que sepas que te gusta el cine de Isabel Coixet. En caso contrario, no la recomiendo, pero tampoco me atrevo a contraindicarla. Creo que sí tiene puntos objetivamente flojos, pero tampoco quiero ser radical.

Tres dias con la familia (2009) Mar Coll

Uff, se me acumula el trabajo. Me he quedado sin ver la nueva de Tarantino (casi no me lo perdono) y antes de la de Amenabar quería ver o la de Campanella o la nueva de  Sánchez Arévalo. Esto del cine de autor, la verdad es que es un fastidio. Como en lugar de ver la películas por el título, cómo hace todo el mundo, lo haces por el director… Pues tú me dirás.

Menos mal que esta semana ha comenzado el Cineclub. Ahí si que no me tengo que preocupar de cual ponen, cómo dicen algunos, o echan, cómo dicen otros. Este martes y miercoles se proyectaba “Tres días con la familia” de la jovencísima directora catalana Mar Coll. Premiada en el Festival de Málaga a la mejor dirección y las mejores interpretaciones; algo que sin duda alguna no le falta a esta película.

Nausicaa Bonnin y sobre todo Eduard Fernández, son dos interpretes que cuanto menos me gustan más creibles me resultan. Quizá por eso la película desprende cierto magnetismo hacia el espectador, gracias a una credibilidad y cotidianeidad, siempre tan dificil de conseguir en el cine. Parece mentira, que este trabajo de final de carrera en la ESCAC, se ha realizado con tan buen pulso narrativo, sin que tiemble la mirada, que si acaso podría pecar de parsimoniosa, pero nunca de frívola o vacía. El sabor afrancesado del cine catalán, se impone cada vez más como un gesto de rebeldía ante el solar patrio.

La historia; pues eso, tres días con la familia tras la muerte del abuelo. La vuelta a casa, el tanatorio o la masía del difunto son los escenarios para contar las virtudes y vanidades de un grupo de personajes dispares con el único vinculo de sus antecesores comunes. ¡Con qué poco se puede hacer cine! sobre todo si uno se propone hacerlo bien, con seriedad y honestidad con el espectador.

Pd: Ojalá hubiera podido escribir estas mismas lineas sobre la última película de Isabel Coixet, que por cierto estuve viendo hace poco. Pero como ya les dije alguna vez, antes que criticar en negativo, prefiero guardar silencio.

Leyendo la propuesta cartográfica que de Tokyo ofrece Isabel Coixet –ruidos de cuervos y chicharras, lonjas de pescado, locales de masaje y karaoke, fideos sorbidos en restaurantes, griterío de los apostadores de caballos, entre otros-, he recuperado algunas ideas en torno al viaje psicogeográfico.

La psicogeografía, en palabras de Guy Debord, planteaba el “estudio de las leyes precisas y de los efectos exactos del medio geográfico, conscientemente organizado o no, en función de su influencia directa sobre el comportamiento afectivo de los individuos”. Así, para el padre del situacionismo, había lugares tristes y alegres, como conducentes al ateísmo o el monoteísmo. Ello invitaría a reclamar una nueva cartografía de uso urgente como remedio a esas influencias a las que insumisos se rinden los consumidores, sea en forma de turismo, deporte o compra de crédito. Debord proclamaba así su interés hacia un nuevo tipo de descubrimiento o deriva.

Al rebufo de estas ideas primeras, han nacido en las últimas décadas, renovadores de estos mapas cartográficos como Iaian Sinclair, quien en London Orbital relató su trayecto a lo largo de la M-25, autovía de circunvalación de Londres así como de los inexplorados territorios adyacentes.

Novelistas como Will Self, quien ha escrito columnas bajo el nombre de   PsychoGeograpghy  en The Independent. Alguno de estos psicogeógrafos paseantes ha definido con nitidez sus intenciones de “descubrir un mundo pequeño como modo de descubrir el mundo entero”.

Hay quien se ha animado y trazado “emotimapas” a partir de los movimientos de un grupo de personas en un salón, o de manera más compleja, utilizando este instrumento como medio para el diseño social de espacios urbanos. Es lo que se ha hecho con el “Worcester Riverside Emotimap” donde se han analizado las emociones y reacciones de las personas ante un mismo paisaje, por medio de la grabación de sonidos, uso de fotografías y datos recopilados con GPS.

Estos mapas emocionales han sido referentes en el trabajo de artistas como Louise Bourgeois, arquitectos como Toni Gironés o urbanistas, centrados de uno u otro modo en la dimensión simbólico-cultural del habitar. Se relaciona este acercamiento al entorno con el concepto poli-sensorial del arte, tal como provocaba el happening o arte de la acción, donde se tendía una prueba a los límites del espectador, al que se invitaba a vivir la ciudad y la vida como una experiencia artística. En palabras de Italo Calvino, de “una ciudad disfrutas la respuesta que da a una pregunta tuya, o la pregunta que te hace obligándote a responder”. En suma, con el viaje psicogeográfico nos disponemos a alterar el espacio como forma de extensión de los propios límites de la identidad, retomando la razón ritual del peregrinaje como acto virtuoso.

Para terminar este paseo, una invitación a la “audio-deriva” es la que pueden disfrutar los visitantes del antiguo barrio de pescadores de Gijón, gracias al proyecto NoTours, una propuesta de psicogeografía sonora donde colaboran el colectivo Escoitar.org y Enrique Tomás junto al Centro de Arte LABoral.

Madrid, 29 sep (PL) La cinta El baile de la Victoria, de Fernando Trueba, fue seleccionada hoy por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas (AACCE) para representar a España en los Premios Oscar a la mejor película extranjera.  El baile de la Victoria también aspirará a los Coronas Ariel de la Academia de Cine Mexicana, cuyo presidente, el realizador Juan Carlos Rulfo, fue el encargado de revelar el nombre del filme español que optará a este galardón.  La obra de Trueba integraba la terna finalista a los Oscar y a los Ariel junto a Mapa de los sonidos de Tokio, de Isabel Coixet, y Gordos, de Daniel Sánchez-Arévalo, recordó la AACCE en un acto presidido por su presidente, Álex de la Iglesia . El filme español escogido para iniciar la carrera hacia los laureles de la Academia de Hollywood fue estrenado, fuera de concurso, durante la reciente edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde recibió críticas demoledoras. Protagonizado por el argentino Ricardo Darín y la actriz española Ariadna Gil, El baile de la Victoria esta basado en el libro del mismo título del chileno Antonio Skármeta. Cuenta cómo con la llegada de la democracia a Chile, se decreta una amnistía general para todos los presos sin delitos de sangre, entre ellos dos ladrones, de los que uno quiere regenerarse y otro dar el gran golpe. Trueba, quien ya ganó un Oscar por Belle Epoque, estrenará su producción en las salas comerciales el 4 de diciembre próximo.

La academia estadounidense dará a conocer el 2 de febrero de 2010 la lista definitiva de todos los candidatos, y siete días después será la gala de entrega de la 82 edición de estos premios, en el teatro Kodak de la ciudad de Los Ángeles. De momento, Hollywood realizará una primera selección de nueve cintas que develará en enero venidero. En tanto, los trofeos Ariel se harán públicos a finales de febrero del año entrante. Entre los rivales más fuertes y conocidos de Trueba estarán, por Francia, Un profeta, de Jacques Audiard, por Argentina, El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella, y por Alemania, La cinta blanca, de Michael Haneke. Volcado en los últimos años en la producción musical y los documentales, Trueba asegura que, tras su regreso a la ficción cinematográfica, lo más importante es que la película haya gustado a los miembros de la academia. Que les haya gustado a mis compañeros es una gran alegría y representar al cine español, un honor, confesó el director, quien agregó que los premios y candidaturas no dependen de uno, no son su trabajo.

Por Silvia García Jerez

Recientemente acabé de leer Desde mi cielo, conocida novela de Alice Sebold sobre una adolescente a la que su vecino viola y descuartiza sin que éste sea sospechoso de nada y ella, a lo largo de los años va viendo desde el cielo cómo su familia afronta su desaparición y el culpable se va deshaciendo de las pruebas con cada vez menos posibilidades de que lo atrapen.

Dicha novela es la nueva incursión de Peter Jackson en la dirección después de aquel fiasco de remake de King Kong y finalizar la lectura del libro me ha hecho reflexionar sobre las adaptaciones de textos literarios a la gran pantalla. Porque suele decirse que la novela es siempre mejor que la película, cosa con la que no suelo estar de acuerdo. Es verdad que una novela puede ser, y generalmente lo es, mucho más rica que las imágenes que vemos de ella. Y eso es porque una imagen, aunque valga más que mil palabras, es a menudo insuficiente. Una palabra es muy descriptiva y trasladarla a medio visual puede ser muy complicado. ¿Cómo traducir con facilidad el adjetivo suave? Como buenamente puedas. Ahí está la versatilidad del director, en saber trasportarnos a ese mundo que la palabra explica con sencillez y que todo un decorado puede no ser capaz de captar.

Pero hay una cosa que nos lleva inevitablemente a decidir que la adaptación es peor que el original y no solemos darnos cuenta de ello: lo que nosotros imaginamos al “ver” la novela no es lo mismo que imagina el director, y nos cabrea. No solemos coincidir ni con la elección de los protagonistas ni con el estilo visual elegido. Y salimos echando pestes. Hay excepciones claras, caso de la Lisbeth Salander de Millenium, que medio mundo ha alabado por su cercanía y exactitud con la descripción, pero lo lógico es que cada lector tenga su idea de lo que va a ver y ninguno la encuentre reflejada en la pantalla.

Yo soy partidaria de olvidarse de las adaptaciones fieles. Ir con la mente abierta al cine, a descubrir si la película se parece en algo a lo que yo leí. No al revés. Sólo así puedo encontrar parecidos más que razonables, como con Las horas. O una narración más plena y por lo tanto más completa y mejor que la que el autor me ofreció, por ejemplo, La tapadera, que para mí supera a la obra de John Grisham, o Elegy, que Isabel Coixet superó ligeramente con respecto a lo publicado por Philip Roth.

Así las cosas, y a la espera de que en enero podamos ver Desde mi cielo, le he echado un vistazo al trçailer que ya circula por la red. Y llego a la conclusión de que Peter Jackson ha mejorado el libro. Mucho. Muchísimo. Porque donde yo leo el posible guión de un  telefilme Jackson plasma una trama con fuerza. Si el malo es descrito como un pelele sin gracia ni personalidad, en las imágenes Stanley Tucci me parece perturbador y me asusta.  Y si el cielo me recuerda, literariamente hablando, a un sitio absurdo con tan pocas posibilidades narrativas que apenas aparece en la novela, en el celuloide se me antoja el único lugar posible para que esa niña cuente su historia. Habrá que ver el resultado final, pero todo apunta a que, una vez más, y no son pocas, la película será mejor que el libro. En este caso no sería ni siquiera complicado.

La inmensidad del mar no tiene pierde si lo que quieres es expresar belleza. Su sola imagen lleva consigo poesía pura. En “Elegy” (Isabel Coixet, 2008), Ben Kingsley y Penélope Cruz caminan en la orilla de la playa y el cuadro es hermoso. En parte por ellos, pero en gran medida por la imponente presencia del océano, que proporciona una sensación de libertad y absoluto sosiego.

El mencionado filme, estrenado hace unas semanas en las salas peruanas, constituye un buen pretexto para resaltar la perfecta pertinencia fílmica del mar. En muchas películas, éste ha sido utilizado no solo como elemento decorativo, sino como pieza fundamental de la historia. Me referiré brevemente a dos cintas que explican con acierto el sentido de mis palabras: “La habitación del hijo” (Nanni Moretti, 2001) y la obra maestra “Los 400 golpes” (Francois Truffaut, 1959).

En la película del director y actor italiano, el mar aparece en momentos claves y en él ocurren situaciones cruciales de la historia. Al inicio de la cinta, Giovanni (un psiquiatra que disfruta de la actividad física, magistralmente interpretado por Nanni Moretti) corre y la inmensa masa de agua solo se muestra como el fondo ideal para un encuadre excelente.

Sin embargo, cobra gran relevancia cuando Andrea (Giuseppe Sanfelice), el hijo de Giovanni, muere mientras practicaba buceo. La imagen de la muerte no existe porque es innecesaria y terminaría por “ensuciar” la presencia del océano que sobre el final resulta conmovedora y hasta curativa, cuando el psiquiatra, su esposa Paola (descollante Laura Morante) y su hija Irene (Jasmine Trinca) caminan en la playa, en direcciones diferentes, pero con el mar como punto de llegada.

En “Los 400 golpes”, la maravillosa película de Truffaut, el mar simboliza la libertad. Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud, el actor fetiche del genio francés) es un niño atormentado que decide huir de los maltratos de su madre y padrastro. Antes de lograr el sueño de su vida (conocer el mar), Antoine pasa por el reformatorio, del que termina escapando, porque el pequeño es lo que mejor sabe hacer. La escena final del filme es tan sencilla como brillante: Antoine corre, corre y corre hasta llegar al mar. Una vez allí, en la orilla, ante la inmensidad del océano, Doinel voltea, mira hacia todos lados (incluso hacia la cámara) y su rostro expresa una tristeza desgarradora, como si dejara atrás el amargo pasado y comenzara, con mucha ilusión, una nueva vida.

Aunque no se trate de una película, los invito a ver el video del tema “Oceans” de Pearl Jam, que sabe proyectar con mucha energía el poder del mar, la libertad y la naturaleza:

Mapa de los sonidos de Tokio, es la nueva película de Isabel Coixet, y ayer tuve la oportunidad de verla en el cine. La película que está dirigida y escrita íntegramente por la directora Barcelonesa, creadora de obras maetras como Elegy el pasado año y protagonizada por nuestra actriz más internacional, Penélope Cruz, La vida secreta de las palabras en 2005, y Mi vida sin mi en el año 2003, que le sirvió como consagración en su carrera cinematográfica. Además cuenta con varias películas más a sus espaldas, pero no tan exitosas como estas últimas.

En esta nueva película nos cuenta la historia de una joven japonesa que trabaja en un mercado de pescado y que vive una vida prácticamente en total soledad, que poco se sabe de ella, salvo que en ocasiones le acompaña un hombre, el cual le apasiona el sonido y que se siente atraido por la joven, aunque nunca nada más allá de una simple relación de amistad y compañía mutua.

La joven japonesa llamada “Ryu”, además de trabajar en el mercado de pescado, es asesina a sueldo, y se le encarga un nuevo trabajo. No os voy a contar nada más, para no desvelaros cosas importantes de la película, mejor que lo descubráis vosotros cuando la veáis, solo deciros que dicha decisión marcará su vida para siempre.

La película me ha gustado bastante en muchos sentidos, por una parte me ha encantado la escenificación, ya que la película ha sido rodada casi en su totalidad en la ciudad de Tokio, salvo la última escena, que está rodeada en Barcelona. Por otra parte, ha mostrado muchas cosas típicas de japón que desconocemos, y que iréis descubriendo a lo largo de la película. También ha hecho bastante hincapie en los sonidos, un tren que pasa, el sonido de unos pasos, todo aquello que nos pasa desapercibido, pero que es la banda sonora de nuestra vida al fin del cabo.

Pero sin duda lo que menos me ha gustado de la película, y que le ha quitado puntos, ha sido el actor protagonista, ya no solo por la interpretación, que no le pegaba nada, y que sin embargo lo hubiera bordado cualquier otro actor como Bardem, por poner un ejemplo, y por otra parte, y lo peor de todo, ha sido el doblaje con la propia voz del actor catalán, y con todos mis respetos a la población catalana, pero es que el acento ese que se le escapaba a bocanadas se ha cargado al resto de la interpretación de Sergi López, y que sin duda ha sido lo peor de la película.

Para finalizar, me gustaría decir que a pesar del intimismo de sus anteriores creaciones, quizás se echa de menos en esta última película, y que quizás esa pasión que siente la protagonista, Rinko Kikuchi, brillan por su ausencia, y pienso que Coixet ha querido darle al personaje un toque frio y calculador, en esta historia de amor.

La semana pasada pude leer en xatakaFoto que el cartel de la última película de Isabel Coixet “Mapa de los sonidos de Tokio” era un plagio de una fotografía de Javier Aramburu, (un fotógrafo de moda). La noticia original publicada en El Confidencial Digital me llamo bastante la atención, desde entonces lo que me ha llamado más la atención ha sido la falta de repercusión en los medios, sobre todo televisión, en donde no paraban de hacer publicidad de la película sin hacer mención alguna a este hecho. Supongo que todos comen del mismo plato.

Javier Aramburu se puso en contacto con la productora, Mediapro, para llegar a un acuerdo lo cual ha sido imposible, según publico El Confidencial Digital el fotográfo va a optar por la via judicial.

Pongo el cartel de la película y la foto original de Javier Aramburu:

VIA: xatakaFoto y ECD.

Este pasado fin de semana me he ido al cine a ver la nueva de Coixet. Que puedo decir, a part de que me encanto…??

Ambientada en Tokio este thriller-sentimental, tiene un poco de todo: intriga, suicidios, asesinatos, amor, sexo,… personalmente me enganchó enseguida y consiguió mantenerme interesada durante casi las dos horas que dura la película.

La historia principal gira entre la relación “sentimental” entre un español de pelo en pecho, David (Sergi López) y Ryu (Rinko Kikichi que ya pudimos ver en Babel, película por la cúal fue nominada a los Oscar) la chica solitaria y con una “profesión” un tanto obscura.

La relación es un tanto compleja entre nuestros dos protagonistas. Ella, una chica con un pequeño gran secreto, y él, el propietario de una tienda de vinos españoles en Tokio, cuya vida se ha visto truncada por un terrible acontecimiento… dos personas muy diferentes que se verán incompresensiblemente atraidos el uno por el otro.

Y para rematar, en todo este embolao, un curioso japonés empeñado en grabar,… todos los sonidos de Tokio… y en particular el sonido de Ryu comiendo Ramen.

Mejor os dejo con el trailer de la peli!

Después de haber leído las malísimas críticas a la nueva película de Isabel Coixet, no tenía demasiado interés en ver Mapa de los sonidos de Tokyo y, sin embargo, he decidido ir a verla simplemente porque Isabel Coixet siempre me ha gustado.

A mí me ha gustado mucho, a pesar de que la historia pueda ser más o menos creíble que es lo que menos me importa cuando voy a ver una película. Es cierto que es una película para escuchar, desde el primer momento no hay demasiadas palabras asi que los sonidos cobran importancia.

Me ha gustado especialmente el sonido del silencio. Existe una relación entre un hombre viejo y una chica jóven que se encuentran para comer o para ir a un cementerio los domingos, encuentros en los que apenas hablan, simplemente se hacen compañía, que no está nada mal, teniendo en cuenta que a su manera se entendían y querían estar juntos.

Y también me ha gustado la relación amorosa-sexual entre la protagonista japonesa y Sergi López, quien a primera vista no me atrae en absoluto y, sin embargo, me ha gustado en las escenas de sexo, a mí si me tranmitían sentimiento, aunque, ya he comentado que las críticas opinan todo lo contrario.

Bueno, conclusión, yo si la recomiendo. Me sigue gustando Isabel Coixet.