Frankenstein 90 is a French comedy not a sequel to any previous Frankenstein, but rather film that melds elements of outrageous Horror of the 80s with Romantic comedy and a large touch of Young Frankenstein(1974).  Starring Jean Rochefort, Eddy Mitchell, and Fiona Gélin. Written by Alain Jessua and Paul Gégauff and directed by Alain Jessua.

Frankenstein 90

Plot: A scientist Victor, a direct descendent of the infamous Baron Frankenstein, assembles bodies parts to create a new kind of human being, animated with an electronic brain.  The creature, Frank, is well-mannered and affectionate, but is occasionally prone to acts of unintended violence.  Seeing that his creation is strongly attracted towards women, Victor creates a female companion for him.  But then, like his legendary forebear, humankind turns against Victor.  Distraught and alone, the creature takes sanctuary in the home of his ancestors, Castle Frankenstein…

DVD Available here!

Make Up Department
  Dominique Colladant … makeup artist
  Reiko Kruk … makeup artist

Special Effects Department
  Dominique Colladant … special effects
  Georges Demétrau … special effects
  Reiko Kruk … special effects

8 years ago, Alex’s wife was MURDERED. Today… She e-mailed him.

Tell No One was the talk of film critics such as Richard Roeper that it was one of the best films of the year. It was highly rated on Metacritic with a score of 82.

It took two years for this film to reach American shores. I can see why. It’s a generic thriller that drags in a snail’s pace. I need to discuss the effed up ending in the spoiler section of the review.

Based an the international best-selling novel by American Harlan Coben, writer/actor/director Guilliaume Canet adapted this thriller into “Ne le dis à personne” that went on to win four César awards, the French equivalent to the Oscars.

Alex Beck (François Cluzet) is practicing pediatrician that is still mourning the tragic loss of his beloved wife, Margot (Marie-Josée Croze) almost eight years previous. The bizarre circumstances around her death and him being thrust into a coma has the police placed suspicion on him.

Near the eighth anniversary of her death, Alex receives a link in his email account. He clicks on it and sees video of a woman that appears to be his dead wife.

Alex tries to see if that was Margot or his mind playing tricks on him.

The tricky thing about thrillers is that when you reveal every thread of the plot, you lose all the dramatic thrust of the story. The movie began in such on slow pace. I did not feel that it was a satisfying thriller. It was very generic with a “WTF” ending that makes you scratch your head.

Judgment: Maybe the remake coming in 2011 improves the pacing issues of this movie.

Rating: **1/2

(SPOILER SECTION)

I had a real problem with some the plot devices in this movie. Everything in this section is not in sequential order in the film. Bear with me.

I want to get to the “real” ending of the mystery when Margot is beaten up by the pedophile, Phillippe Neuville (Guilliaume Canet) and she shoots him. She didn’t go to the police to say that she was beaten and the shooting was in self-defense. She has to leave to get the heat off of her and her father, Jacques (André Dussollier).

Why did Jacques kill himself after the confession to Alex?

Are you telling me that Gilbert Neuville (Jean Rochefort) hires some thugs to kill the photographer, Charlotte Bertraund (Florence Thomassin), plant the gun in Alex’s house to frame him and then try to kidnap him in broad daylight? Say what?

What was up with Bruno and his partner? They happen to be following Alex and the creepy kidnapper van with guns drawn and shoots everyone, including that Amazon that takes two shots in the back and continues to walk down the sidewalk before collapsing?

What the hell is the foot chase? A man that smokes could out run a couple of cops? Are you kidding me? He goes into the middle of rush hour traffic, like Human “Frogger”, and comes out unscathed. The cops could not cross the same beltway. What?

Why did Alex when he gave the cops the slip? He calls Bruno in the dumpster. He doesn’t know if the cops are still in that alley.

Why the hell would Alex visit that gang of thugs with Bruno and that other guy? He goes to pick a fight with them. Is he insane? They could have popped a cap in his ass right then and there.

This movie was over-hyped to no end. It’s a shame.

Jeliza-Rose

I can’t remember having thinking ‘this is amazing’ and then ‘this is really fucked-up’ so many times watching a film before. Tideland is that sort of film.

Gilliam’s not exactly my favourite director though I always try and check out his work and at times – like with Time Bandits or Brazil he can be utterly amazing. Tideland doesn’t quite match his best work though it is interesting. He apparently made it during a hiatus from the very Hollywood-sounding The Brothers Grimm which was kind of a recovery film for him (more on that later).

Tideland is a low budget small movie that I had been anticipating on the back of the reviews. I had actually been expecting something a bit different from what I had read – it’s very much Gilliam’s typical style and not the departure into areas of Lynch or Eastern European cinema-style weirdness I was expecting. It’s weird but it’s Gilliam weird.

There had been a lot of fuss about the drug scenes but for me they seemed a natural development of the world as depicted in the film and not really shocking at all compared to other parts of the film.

Tideland centres on Jeliza-Rose, a girl who inhabits the vivid fantasy life of many a child (she obsessively reads Alice In Wonderland). Unfortunately she doesn’t have a typical child’s life. She lives in anarchic squalor with two junkie parents, and she’s the most adult of the three, cooking up their fixes. This doesn’t really shock me but after recently watching The Wire and The Corner I’ve got a bit hardened to how druggie parents effect their children.

Early on her mother dies and her father, Jeff Daniels playing a more extreme version of his Dude from The Big Lebowski, takes her away to his mother’s house in the middle of the prairie – which provides plenty of opportunities for some breathtaking shots of the scenery. Unfortunately, her father soon succumbs to an OD himself and Jeliza is left alone with her dolls (well the heads at least), descending further into fantasy/madness with the dolls talking back to her. She encounters two more eccentric characters, the witch-like Dell and her brother the mentally disabled and / or brain-damaged Dickens. Jeliza’s fantasies leave her vulnerable to the real dangers these two represent. This is where the film does become uncomfortable and not a little shocking, with down-right horror elements plus the burgeoning ‘romance’ between Jeliza and Dickens.

It’s not up to Gilliam’s best but if you don’t mind being led into some uncomfortable places, Tideland has its own rewards. Not least the simply astonishing performance of Jodelle Ferland as Jeliza-Rose.

It's all gone wrong

As mentioned earlier Brothers Grimm was a recovery film for Gilliam after the disaster in trying to get his film, The Man Who Killed Don Quixote, made. I’ve recently caught up with the documentary Lost in La Mancha which charts the downfall of that movie. Two documentary makers were hired to record the film-making process, presumably to end up as one of the extras of an eventual DVD. They ended up with a unique opportunity to film the implosion of the process in the creation of a major motion picture. Part of the dream was to make a film of epic scope with only European financing. Whilst a noble ambition this would leave the film-makers with a very tight budget with almost no room for manoeuvre if things went wrong. And they would soon go very wrong.

La Mancha is a great insight into the filmmaking process even before the disasters happen especially during the two months of pre-production as Gilliam goes from department to department overseeing the creation of his vision and we get a glimpse of the labyrinthine complexities of the financing.

When the filming starts then things get more entertaining… It appears the extras are unrehearsed, filming is taking place next to an air base with the almost constant noise of planes flying overhead. And to cap it all a storm of almost biblical proportions washes away a large amount of equipment and leaves the location unusable.

Then the leading man, the seventy year old Jean Rochefort, fails to turn up due to illness. Even when he makes a partial recovery it soon becomes obvious his poor health will make it impossible to film him on a horse. Yet more precious time is wasted.

Gilliam starts to look more and more distraught in his interviews, finally sitting in silence, his head in his hands. After only six days of filming the movie is shut down.

The film ends with Gilliam promising to resurrect Don Quixote out of the ashes, but this looks pretty unlikely. In the end it’s sad to see the all the props and costumes and sets plus the little footage that was shot and dream about what might have been.

Aujourd’hui on fait plaisir au CSA avec un peu de quota de film Français. J’avoue, c’est pas simple mais j’ai envie de faire ma bonne action. Y’a quelques mois on m’avait plus que conseillé de regarder Ridicule, comme quoi en fait c’est hyper bien et que ça me plairait. L’idée est tombée dans l’oubli jusqu’à ce que je remarque la sortie du Blu-Ray. Au pire si le film est mauvais j’aurais le décolleté de Judith Godrèche en haute définition. Ce n’est qu’après coup que je découvrais que Ridicule avait raflé quatre césars en 1997, dont celui de meilleur film et de meilleur réalisateur pour Patrice Leconte. En plus y’a plein de gens bien là dedans, à commencer par Charles Berling et Jean Rochefort, deux acteurs qui ont réussi l’exploit de ne pas se rendre insupportable au fil des ans. On ne peut pas en dire autant de Fanny Ardant, en plein surjeu. Mais il faut savoir prendre le mauvais avec le bon.

Grégoire Ponceludon de Malavoy est un jeune noble sans le sous. Ses terres englobent les marais de la Dombes, insalubres au point de tuer ses gens. Décidé à convaincre le roi de financer son projet d’assèchement, il monte à Versailles où il se heurte à la lenteur bureaucratique toute française. Le marquis de Bellegarde, sensible à Grégoire lui offre le gîte et lui fait rencontrer sa fille, promise à un vieil aristocrate. Il va enseigner à notre héros les us et coutumes de la cour de Louis XVI. Progressant à coup de bons mots et de coucheries plus ou moins flatteuses, Grégoire semble parvenir à ses fins, à obtenir une audience du roi. Mais à une époque où le ridicule tue et où l’honneur est aisément bafoué, il va réaliser que son ascension ne s’est pas faite sans concessions à la morale et l’apparition de nouveaux ennemis, bien résolus à le couvrir de ridicule.

Tout ça pour dire que Ridicule est l’histoire d’un candide qui monte sur Paris avec un noble projet, mais doit se résoudre à starfucker et à copiner à mort pour que l’on accepte de le considérer. En ces temps de disette méritocratique où des blogueurs font de leur aversion pour le système leur fond de commerce, aucun film n’aura été plus d’actualité. Le format cinémascope est superbement mis à contribution, accouchant de magnifiques plans. Je ne suis pas non plus insensibles à de beaux costumes et surtout, le plus gros atout du film, de fins dialogues. L’intrigue repose sur ces saillies et autres cassages vintage qui, brodés de vocabulaire précieux, m’ont offert des palpitations de plaisir. Tout ceci au point que je m’en veuille de ne pas avoir eu vent de ce film plus tôt, où quand la France est capable de se moquer d’elle-même dans un emballage faisant pour une fois honneur au cinéma. Un film qui n’a de ridicule que le nom.

N’empêche, faire des captures d’écrans depuis une vidéo haute def’ sur son ordi, c’est carrément plus simple et rapide que d’écumer google images à la recherche de ce que l’on cherche… Bon, par contre faudra compenser par des explosions dans le ciné club de la semaine prochaine, histoire de ne pas perdre de vue mes racines.
Demain, on parlera de démission intellectuelle.

TRAILER STAGE !!!

Foutus français, incapables de réaliser une bande annonce correcte, cela me désole mais qu’y puis-je ?

‘Le Mari de la Coiffeuse‘ es una preciosa película que, en 1990, rodó Patrice Leconte con Jean Rochefort (el que iba a ser el Alonso Quijano de Terry Gilliam) y Anna Galiena, italiana voluptuosa como las mujeres neorrealistas de ‘Arroz Amargo‘ o las películas de Fellini, que en España ha trabajado con Bigas Luna por ejemplo.

‘El Marido de la Peluquera‘, que así se llama esta deliciosa película en español, cuenta la historia de Antoine, que desde niño estaba obsesionado con la peluquera que le cortaba el pelo cuando era un crío y acabó casándose con Mathilde, la nueva peluquera, siendo ya un adulto.

Así, Antoine hizo realidad su sueño se casarse con una peluquera, sueño que mantenía desde que, a los 12 años, vio un pecho blanco asomar por el escote de una bata entreabierta por el calor y el sofoco y decidió que el hombre que se casara con una peluquera sería el más feliz del mundo.

Más tarde, el cantautor canario Pedro Guerra decidió escribir una canción sobre la historia de Antoine y Mathilde, a la que le dio el nombre homónimo de la propia película, ‘El Marido de la Peluquera‘, que es un concentrado de la película de Leconte en lo que dura una canción: 3 minutos.

Preciosa canción que ilustra, perfectamente, una preciosa película.

De niño bailaba canciones del moro,
el baile venía de adentro y así se inventaban los modos.
De niño soñaba olores profundos,
las mezclas de espuma, colonia
y sudor de unos pechos desnudos.

Y abrázame fuerte que no pueda respirar,
tengo miedo de que un día ya no quiera bailar conmigo.
Abrázame fuerte que no pueda respirar,
tengo miedo de que un día
ya no quiera bailar conmigo nunca más.

Film français / Comédie grinçante / 2008

Agathe Cléry est une cadre sup’ dynamique et efficace dans son travail. Agathe Cléry est méprisante et pourrit la vie de ses collègues de travail. Agathe Cléry est rasciste. Sauf qu’Agathe a une maladie et va devenir noire… Allons bon, avec un scénario pareil, on part droit dans le mur pour une comédie lourdingue comme en sont capables les pointures françaises de l’humour graveleux, indigeste et dont le niveau n’atteint pas celui des pâquerettes – j’ai nommé, au hasard, P.Timsit, G. Jugnot, C. Clavier ou Franc Dubosc. Mais ce serait se méprendre sur Etienne Chatillez et sous-estimer les capacités d’interprétation de l’incroyable Valérie Lemercier.

Valérie Lemercier a côtoyé les beaufs lourdingues de l’acabit des « acteurs » cités plus haut. Valérie Lemercier est loin d’être une imbécile donc elle sait parfaitement ce qu’il convient d’éviter de faire pour qu’un film soit plaisant à voir.

Etienne Chatillez quand à lui est un (encore) jeune réalisateur qui sait se défendre dans la catégorie de la satyre sociale. Alors il succombe lui aussi à la mode d’introduire des passages chantés dans le film mais… pas exactement de la même manière, et ça fait toute la différence. Le film propose un premier passage chanté et chorégraphié sur le quai de la gare du Nord, où des centaines de cadres sup’ européens rentrent de mission et défilent tels de fidèles soldats. Le tableau n’est pas fixe, on alterne des plans de face, de coté, des vues d’ensemble et des gros plans comiques. C’est dynamique, la couleur est belle, ça fonctionne bien. Les autres tableaux sont chacun aussi originaux et réussis (avec quelques bas de temps en temps, ce qui est compréhensible vu que les acteurs interprètent tout les chants et voix sans doublage). Chatillez s’inscrit ici en faux de réalisateur comme Christophe Honoré : chez Honoré c’est mièvre et rébarbatif (grâce aux interventions musicales lénifiantes de Beaupain) avec un casting de bobos-bios qui possèdent trois expressions à leurs répertoires ; chez Chatillez la musique n’est pas transcendante mais ne prétend pas l’être et les acteurs sont tout aussi connus mais sont choisis en fonction de leurs aptitudes et non de leur filiation.

Si Jean Rochefort (patron eugéniste) et Isabelle Nanty (meilleure copine d’Agathe, catho pleine de préjugés) tiennent parfaitement leurs rôles, le film doit tout à la performance époustouflante de Valérie Lemercier. La métamorphose est surprenante, soignée et on la préfère rapidement avec une boule Jackson Five et des fringues colorées plutôt qu’un cardigan gris et un brushing. La plus belle scène est sans conteste celle où Agathe est seule chez elle et se met à danser comme Mickael Jakson dans Thriller en jurant qu’elle récupèrera sa peau blanche. La scène où elle se déchaine sur le dancefloor en déclarant que maintenant qu’elle est noire c’est logique elle a le rythme dans la peau est également hilarante.

En creux, il s’agit d’un portrait au vitriol du monde de l’emploi où les minorités sont jugées sur tout sauf leurs compétences. Tous les poncifs du racisme sont abordés et balayés avec humour et poussés à l’extrême. Ainsi, une fois noire, Agathe est virée de sa boîte et retrouve du travail dans une société qui emploie tout… sauf des blancs.

Comportant plusieurs longueurs (vers la fin surtout), Agathe Cléry est une comédie cynique de qualité. Les passages de comédie musicale font un pied de nez à la tendance actuelle des cinéastes à mélanger tout et n’importe quoi en pensant que ça fera de leur œuvre un objet surprenant et original.

Une bonne comédie française, comme elles se font de plus en plus rares.

Note : 7/10 

Jean Rochefort est en tournée en province avec son dernier spectacle “Entre autres”. Le comédien rend hommage aux auteurs qui l’ont suivi au cours de sa vie. Accompagné de l’accordéoniste Lionel Suarez, Rochefort offre un moment de poésie, de rires et de tendresse.

Quand Rochefort déclare à son public: “j’aime partager, faire rire, voire émouvoir, faire connaître, [...] vous êtes mon seul médicament», tout est dit. L’âge et le charisme n’ont en effet rien enlevé à la légèreté, la générosité et la malice juvénile de l’homme qui fait rire les français.

Rochefort nous livre son univers au travers d’auteurs allant de Roland Barthes à Boby Lapointe, en passant par Primo Levi, Farnandel, Jean Yanne, et cetera… Ce beau pannel est ponctué des mimes loufoques et illarants du comédien, comme une immitation étrangement réussie du caméléon! Tout ceci sur fond musical de son complice Lionel Suarez…

Les angevins avaient déjà eu l’occasion de rencontrer Rochefort, dans l’univers du cinéma, au festival européen “Premier Plan”. Cette fois-ci c’est le théâtre qui le ramène. Et quelque soit son champs d’action, le public est au rendez-vous; le grand acteur sucite une sympathie intergénérationnelle.

“Entre autres” était présenté les 22 et 23 novembre à Angers, puis le 25 à Cholet. Il fera un petit tour vers le grand ouest avant de revenir à Carquefou en mars prochain.

Charlotte Brouard et Audrey Chometon

In trying to write a summary of Tell No One, I’ve decided, instead, to present the New York Times’ review of it. (Sorry for my laziness…)

In the shortcut language of a movie pitch, Guillaume Canet’s delicious contemporary thriller “Tell No One” is “Vertigo” meets “The Fugitive”by way of “The Big Sleep.” That is meant as high praise.

This French adaptation of Harlan Coben’s 2001 best seller is the kind of conspiracy-minded mystery almost no one seems capable of creating anymore, except David Lynch in his surreal way. Watching it is like gorging on a hot- fudge sundae in the good old days when few worried about sugar and fat. There are no bogus geopolitics weighing it down with a spurious relevance. Beautifully written and acted, “Tell No One” is a labyrinth in which to get deliriously lost.

The story, which involves murder and depravity in high places, is so elaborately twisty that about halfway through the movie you stop trying to figure it out and let its polluted waters wash over you, trusting that the denouement will reveal all. It does and it doesn’t. When the truth spills out, and ugly revelations pile onto one another in an extended final confession, the puzzle pieces fit more snugly than those of “The Big Sleep,” the granddaddy of impenetrable noirs. But one of the pleasures of both films is surrendering to a vision of corruption and evil that resists tidy explanations.

The protagonist, Alex Beck (François Cluzet), is a kindhearted pediatrician in Paris who goes out of his way to help the poor in the clinic where he works. He is also a spiritual cousin of Scottie Ferguson from “Vertigo” in his obsession with a woman who may or may not be dead.

As the story begins, he and his wife, Margot (Marie-Josée Croze), are revisiting the remote country lake where they spent summers as children and became sweethearts who carved their initials on a tree. Blissfully married decades later, they return to swim nude in the moonlight, then sprawl on the offshore raft where they have a minor squabble about real estate. Margot abruptly departs and disappears into the woods. A minute later Alex hears a stifled cry. Scrambling to shore, he is struck on the head while pulling himself out of the water. He remains in a coma for three days.

While Alex, who was inexplicably pulled to shore, recuperates, Margot’s father, Jacques (André Dussollier), an imperious police inspector, identifies his daughter’s body in the woods. In the film’s most wrenching moment Alex comes apart in a drunken reverie remembering her cremation, as Jeff Buckley’s version of the early-’50s torch song “Lilac Wine” is heard on the soundtrack.

On the eighth anniversary of Margot’s death, Alex, still numb with grief, is interrogated by the police after two bodies are unearthed near the site of her murder, along with a key to a safe-deposit box that contains incriminating photos and a bloodstained weapon that connects him to Margot’s death.

Simultaneously, Alex begins receiving anonymous e-mail messages directing him to a Webcam video of a woman who appears to be Margot, gazing anxiously into a surveillance camera. An attached message warns: “Tell no one. They’re watching.” He begins a desperate undercover search for the woman, suddenly believing Margot may still be alive.

“Tell No One” is the second feature film directed by Mr. Canet, whose 2002 satire, “My Idol,” examined the warped mind of a sadistic producer of reality television. In that movie Mr. Canet played the producer’s aspiring young assistant forced to be his boss’s court jester (and his wife’s part-time lover) at a sinister country estate with a carnivorous aviary. Mr. Canet also appears briefly in “Tell No One” as the debauched son of Gilbert Neuville (Jean Rochefort), a billionaire politician and horse-racing magnate whose tentacles extend in every direction. In the film François Berléand, who played the producer in “My Idol,” portrays a sympathetic police investigator in charge of Alex’s case.

The characters encompass a wide swath of Parisian society. Alex’s confidante and best friend, Hélène (Kristin Scott Thomas), is the wealthy lover of his secretive younger sister, Anne (Marina Hands), a competitive equestrian. Through Hélène, Alex acquires a high-powered defense lawyer (Nathalie Baye), who begins to doubt Alex’s innocence after he flees the police.

Just as Alex is about to be taken into custody, a gangster (Gilles Lellouche), whose hemophiliac son’s life was saved by Alex in the clinic, rescues him and spirits him to a safe hiding place in a working-class suburb where young toughs delight in foiling the police. The rescue follows a thrilling chase sequence worthy of “North by Northwest.” Like that 1959 classic, “Tell No One” is about an innocent man on the run with nowhere to turn. Mr. Cluzet may not be Cary Grant, but he is a convincing Everyman with a heart and soul stretched to the breaking point.

“Tell No One” is pure, nasty fun.

This movie was really enjoyable to watch… “Enjoyable” in the sense that I was constantly questioning what was happening and was left completely surprised and satisfied. A.

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Regia: Luis Buñuel

Interpreti: Bernard Verley, Paul Frankeur, Michael Lonsdale, Monica Vitti, Milena Vukotic, Adolfo Celi, Michel Piccoli, Adriana Asti, Julien Bertheau, Jean Claude Brialy, Jean Rochefort

Paese: Francia – Italia 1974

Le Fantôme de la Liberté è un film corale dove i personaggi si moltiplicano in uno spazio che diventa intensamente claustrofobico. Figure legate tramite affinità che come colori si fondono per delineare l’ultimo grande affresco della società secondo Buñuel. Il penultimo film del Maestro ci appare così: un ricco testamento colmo delle tematiche che hanno animato la sua opera fin dall’esordio con “Un Chien Andalou”. Proprio come il primo gioiello del regista anche questo diventa uno dei suoi film più surreali, densi di significati e soluzioni di lettura. Ma dall’esordio è passato quasi mezzo secolo e la società è radicalmente cambiata e così l’approccio di Buñuel ad essa. La chiave di lettura va allora ricercata nel titolo la cui presunta irrazionalità lo rende ambiguo fin da principio. E’ davvero insensato o cela i significati di tutta l’opera? Se il nonsense nell’opera diviene realtà allora è nell’irrazionale stesso che va cercata la logicità? Seguendo questo filo “fantasma di libertà” può essere insieme spettro che si aggira per l’Europa, fantasma perché inafferrabile, fantasma insito dentro l’uomo e celato agli occhi, ma anche la libertà che nella società moderna è scomparsa fino a diventare un fantasma. Unendo queste ipotesi, si finisce per leggere Le Fantôme de la Liberté come il ritratto disarmante di una società ormai prevalentemente borghese che si trova sull’orlo del precipizio, con i suoi spettri di libertà ma anche dove la libertà raggiunta è diventata solo un’illusione.

Buñuel ha creduto fin dall’inizio della sua carriera che il cinema, grazie alla sua forma naturalmente illusoria, alla possibilità che da di giocare con l’immagine e con il concetto di tempo fosse il miglior mezzo per rappresentare l’inconscio nella sua forma frammentata e apparentemente priva di logica. In questa pellicola, dove nel titolo compare proprio la parola “fantasma”, ci accorgiamo che, se in precedenza l’inconscio era rappresentato per come si mostra in natura cioè attraverso sogni, lapsus, amnesie trasposte poi nel cinema in forma soprattutto di analessi e prolessi, qua, la dimensione dell’Es, ha assunto la dimensione del reale: il significato ha sostituito il significante e l’immagine liberata si mostra nel racconto solo per ciò che è. Buñuel ci ha anche insegnato che nella pellicola, come nell’io dell’uomo, non ci sono momenti morti, ma tutto gioca alla riuscita e alla comprensione del quadro. Così fin dai titoli di testa vediamo comparire l’opera di Goya, Il 3 maggio 1808. Il dipinto è tra quelli che più risaltano l’amore per la libertà, concetto motore della filosofia di Buñuel. Il quadro si trasfigura in pellicola e ci ritroviamo nell’ottocento spagnolo, durante una fucilazione. Il condannato a morte grida: “Abbasso la libertà!”. 

Il film compie un salto temporale fino all’epoca contemporanea e da questo momento in poi può essere diviso in tre parti di cui la prima e l’ultima si collegano insieme in ordine di logicità, mentre la parte centrale -anche se ovviamente unita- si pone quasi a sé stante, e si svolge in un’unica unità spazio-tempo (una notte in una locanda). Nella prima parte è sostanziale la figura di Monsieur Foucauld (Jean-Claude Brialy) e della sua famiglia; assistiamo al primo “capovolgimento” in cui Buñuel mostra come il significante può cambiare il significato: delle inoffensive cartoline dei monumenti di Parigi, date da uno sconosciuto ad una bambina, diventano disgustose immagini tanto oscene da dover esser guardate di nascosto. Ma l’uomo sarà centrale anche perché espressione delle line guida di tutta la pellicola. Guardando i soprammobili posti in ordine in salotto pronuncerà la frase monito del film: “Bisogna distruggere le simmetrie”. M. Foucauld è anche un appassionato di ragni, uno dei tre animali presenti nel film con il loro bagaglio di valori simbolici. Il ragno, infatti, rappresenta gli istinti che avremmo ma che sono sedati a causa degli eventi esterni ed è insieme alla frase pronunciata da M. Foucauld l’input atto a introdurre ciò che vedremo in seguito. Allo stesso modo anche il suo momento onirico si trasforma in concreto: la passerella di personaggi che si susseguono davanti al letto (tra i quali compare uno struzzo secondo animale in ordine di apparizione e simbolo del peccato) non è un sogno ma un evento, come prova la lettera lasciatagli dal postino. La lettera di cui non conosceremo mai il contenuto è sia un escamotage di gusto letterario (come la famosa scatola del cinese in Belle de Jour), sia pretesto per la variazione di narrazione che ci condurrà insieme all’infermiera (Milena Vukotic), verso la parte centrale. Con la lettera il testimone passa quindi alla donna che adesso seguiamo mentre su una strada di montagna si reca dal padre malato. Un soldato fermo vicino ad un carro armato chiede alla donna se ha visto delle volpi attraversare la strada. La volpe che apre e chiude l’episodio della locanda è l’animale dell’ipocrisia e, avvicinato al soldato, ci rimanda alla polemica contro la guerra e alla convenzione che vuole le milizie come fiduciarie di legalità e quindi di libertà. A causa del maltempo l’infermiera è costretta a far sosta in questa locanda in mezzo ai boschi, dove assisteremo ad un ritratto della società borghese ormai non più pudica nelle sue ossessioni e passioni oscure. Forte della filosofia che l’idealizzazione del mondo altro non è che un residuo di cristianità nascosto nella mente dell’uomo, Buñuel disegna l’episodio come un sunto di tutti personaggi che hanno animato il suo cinema, in un defilè davanti alla macchina da presa che non risparmia nessuno: dai frati che dopo aver pregato giocano a carte con i santini bevendo e fumando, al commerciante dai gusti libertini ed esibizionisti fino, passando per la ballerina gitana (forse anticipazione del film che seguirà) all’amore tra un giovane studente ed un’anziana donna, probabilmente incestuoso (da piccolo ti ho tenuto sulle ginocchia – mia madre è stanca).

Con l’arrivo del giorno si chiude anche la parte centrale; l’infermiera cede il posto alla figura del professore (François Maistre), che ha il compito di istruire, insegnare “la legge” ai gendarmi. Questi che dovrebbero essere garanti dell’ordine, si dimostrano nell’aula discoli studenti dediti a scherzi infantili. E’ ancora una polemica verso le forme di potere dello Stato di coloro che si propongono come tutori della legge, mentre sono i primi a non rispettare neanche le più basilari regole di comportamento. Appare a questo punto Monsieur Legendre (Jean Rochefort) il doppio, se così vogliamo, di M. Foucauld cui è collegato tramite la figura del dottore. Torna il tema dell’infanzia non tanto come innocenza (poiché visione cristiana dell’infanzia) ma come libertà dell’istinto. In questo caso si è persa una bambina, ma la bambina in realtà è lì con i genitori che stupidamente ottusi negano l’evidenza e continuano a cercarla.

E’ nell’epilogo, come spesso accade nei film di Buñuel, che si condensa tutto il messaggio e dove le pedine tornano al loro posto. L’ultima figura in ordine è quella del prefetto e del suo doppio (che chiudono la sfilata dei mestieri per così dire borghesi). Il primo (Julien Bertheau) s’ invaghisce di una signora in nero (Adriana Asti) che incontra in un bar, scoprendola così simile alla sorella defunta. Ma la sorella forse non è morta, e il prefetto dopo aver ricevuto una strana telefonata corre a profanare la tomba alla sua ricerca rimandando all’immagine dell’ufficiale francese che profanava il tabernacolo e riesumava la bella Doña Elvira. Ricongiunti i due prefetti (il secondo interpretato da Michel Piccoli, ormai volto consueto di Buñuel), si studia come sedare la rivolta allo zoo, e il motivo in sottofondo riprende i titoli di testa mentre uno struzzo così innocente nella sua veste di peccatore e surrealista per natura sembra guardarci con lo stesso scherno con cui m’immagino Buñuel guardare i suoi spettatori sostenitori o detrattori che siano.

Alla fine del film è lecito chiedersi cosa in realtà abbia voluto lasciarci Buñuel; forse un grande affresco di una società diventata apertamente caotica senza il bisogno di cercare il disordine nell’inconscio, ma sarebbe troppo semplicistico; o forse che abbia voluto dirci che quella dell’istinto, di cui in questo film gli ultimi detentori sono rimasti i bambini e gli animali, è ormai l’unica libertà e anarchia possibile e che l’inconscio sia più dotato di senso di quanto non sia l’Io (che della psiche dovrebbe essere l’adulto)? Ma allora perché tra tanta libertà d’istinto risuona “abbasso la libertà” in un autore che ha fondato il suo pensiero su un’anarchia non intesa come mero ribellismo ai dogmi, ma come un’autonomia ponderata capace di scardinare i dettami della società? Può darsi che in fondo questo film sia più ragionevole di quanto Buñuel non abbia voluto far credere. Se la libertà è portata dalle milizie dello Stato e della Chiesa che nella loro indole sono invece corrotti, se la gente è così stolta da negare l’evidenza e se la società è così stupida da conferire un premio a colui che ha tentato da sempre di ucciderla … per coerenza si deve gridare “abbasso la libertà!”.

Monia

Terry Gilliam ( l’armée des 12 singes, brazil…) emet le souhait de retourner les aventure de Don quichotte avec toujours Johnny Depp à ses côté. Pour mémoire Gilliam avait commencer en 2001 le tournage avec Jean rochefort dans le rôle clé mais un vent misères et malchances de ecourta le tournage.

After watching Lost in La Mancha, it is clear why Gilliam despite being groovy and having been part of Monty Python struggles to get creative control and funding for his film’s – he’s a maverick with seemingly plague bringing bad luck – ask the crew chasing equipment in a flooded desert or the bleeding prostate of Jean Rochefort.

WHAT I’M WATCHING ON DVD:

Rowan Atkinson as Mr. Bean in “Mr. Bean’s Holiday.”  If you’re in need of a chuckle (and who isn’t these days) – watch this movie.

Read my review HERE.

Nel primo film della serie dedicata ad Angelica de Sancé  de Monteloup, intitolato Angelica marchesa degli angeli,abbiamo lasciato l’eroina creata da Anne e Serge Golon alla corte dei miracoli, dove si è rifugiata in seguito alla condanna al rogo di suo marito Joffrey de Peyrac. La donna ben presto, grazie al suo carisma, alla sua bellezza, diventa in qualche modo la regina dei clochard e dei disperati di Parigi, che popolano il sottosuolo della città. Ma anche tra gli straccioni esistono rivalità e invidie: così la donna si trova tra due fuochi, stretta tra lotte intestine a due fazioni rivali.

Nel corso della battaglia finale, Nicola, il suo primo amore, colui che le ha ridato una speranza, muore, mentre i figli di Angelica vengono catturati. La donna, caparbiamente, riesce a riottenere i suoi figli, e inizia a progettare un modo per poter riottenere la nobiltà perduta, il suo titolo e il posto che le spetta di diritto in società. Stabilitasi in una taverna, grazie all’intuizione di somministrare ai suoi avventori la cioccolata, praticamente sconosciuta in Francia, ridiventa ricca; ma i nobili, gelosi del suo successo, le incendiano la taverna, uccidendo uno dei suoi figli.

Angelica, disperata, decide di ricorrere ad un mezzo estremo per denunciare il misfatto: con l’aiuto di un giovane poeta, scrive dei libelli graffianti e ironici, denigrando la nobiltà e sopratutto gli autori del criminale gesto.
Ma ancora una volta il destino si prende beffe di Angelica: il giovane poeta rimane ucciso e solo per un caso riuscirà ad arrivare a corte, dove ben presto, con il suo charme e il suo savoir faire, diventerà la protetta del re Sole, Luigi XIV. Ora Angelica è ricca, ma vuole ancora di più: tornare ad essere una nobile. Perciò cerca di farsi sposare da Filippo de Plessis-Belliere, suo cugino, del quale è a conoscenza di un segreto terribile…..

Angelica alla corte del re, seguito del primo episodio della serie, Angelica marchesa degli angeli, è diretto da Bernard Borderie, che nel 1965 riprende le avventure della nobildonna francese creata dalla fantasia di Anne e Serge Golon; il ruolo è ovviamente affidato a Michelle Mercier, bellissima e affascinante come sempre. L’attrice francese, all’epoca del film ventiseienne, si cala per la seconda volta nel ruolo dell’affascinante Angelica, tratteggiandone al meglio il profilo di donna indomabile, avventurosa, che nemmeno il destino avverso riesce a piegare.

Un nutrito cast di ottimi attori fa da comprimario alle gesta di Angelica; troviamo Giuliano Gemma nel ruolo di Nicola ( o Nicolas, come è chiamato nel romanzo il re degli straccioni della Corte dei Miracoli), Jean Rochefort in quello di Desgrez, l’ufficiale della polizia francese che diventerà in pratica l’unico vero amico della donna, segretamente innamorato di lei; Jean-Louis Trintignant nel ruolo di Claude le Petit,Claude Giraud in quello di Philippe de Plessis-Bellières, dapprima sprezzante con la cugina, accusata di essere una cioccolataia, in seguito succube di quella donna così bella e ostinata, tanto da farla ridiventare nobile sposandola;

Robert Hoffman, nei panni del Cavaliere di Lorena, Jaques Toya in quelli del re Sole, Luigi XIV, in parti minori Rosalba Neri e Claire Mauirier.
Il fascino del film c’è tutto, c’è avventura, romanticismo, vendetta, i classici ingredienti del cappa e spada; ma Angelica alla corte del re non è un cappa e spada qualsiasi, è un film che avvince grazie ai continui colpi di scena, alla trama che, anche se dilatata, riesce sempre a coinvolgere. Difatti ancora oggi, a distanza di 45 anni dalla sua prima proiezione, il film continua a riscuotere un lusinghiero successo presso il pubblico, cosa riservata a davvero pochissimi esempi di film di questo genere.

Angelica alla corte del re, un film di Bernard Borderie. Con Michèlle Mercier, Robert Hossein, Jean Rochefort, Jacques Toja, Sami Frey.Estella Blain, Fred Williams, Pasquale Martino, Jean Paredes, René Lefèvre, Michel Galabru, Philippe Lemaire, Ann Smyrner, Carol Le Besque, Michel Thomass
Titolo originale Angélique et le Roy. Avventura,  durata 107 min. – Francia 1965.

Michèle Mercier: Angélique de Peyrac
Claude Giraud: Philippe de Plessis-Bellières
Jean Rochefort: Desgrez
Jean-Louis Trintignant: Claude le Petit
Giuliano Gemma: Nicolas
Claire Maurier: Ninon de Lenclos
Ernst Schröder: Il capitano du Châtelet
Charles Régnier: Conan Becker
Jacques Toja: Louis XIV
François Maistre: Prionce de Condé
Robert Porte: Monsieur
Denise Provence: Barbre
Noël Roquevert: Maître Bourjus, l’aubergiste
Rosalba Neri: La Polak
Elisabeth Ercy: Rosine
Patrick Lemaître: Flipot
Gino Marturano: Rodogone
Jacques Hilling: Molines
Henri Cogan: Cul-de-Bois
Serge Marquand: Jactance
Nadia Barentin: Jacqueline
Pietro Tordi: Le grand Coërse
Michael Münzer: Beau-Garçon
Robert Hoffmann: Chevalier de Lorraine
Malka Ribowska: La Brinvilliers
Le Nain Roberto: Barcarolle
Dominique Viriot: Linot

Regia:     Bernard Borderie
Soggetto:     Anne & Serge Golon
Sceneggiatura:     Claude Brulé, Bernard Borderie, Francis Cosne e Daniel Boulanger
Produttore:     Francis Cosne e Raymond Borderie
Casa di produzione:     Films Borderie
Fotografia:     Henri Persin
Montaggio:     Christian Gaudin
Musiche:     Michel Magne
Scenografia:     René Moulaert
Costumi:     Rosine Delamare

]]> http://filmscoop.wordpress.com/2008/05/15/angelica-marchesa-degli-angeli/ Thu, 15 May 2008 13:47:21 +0000 paultemplar http://filmscoop.wordpress.com/2008/05/15/angelica-marchesa-degli-angeli/

Angélique de Sancé il de Monteloup,(da noi semplicemente Angelica) è una splendida ragazza che vive nella Francia del Re Sole,Luigi XIV;libera,intelligente e poco propensa alla disciplina,viene inviata da suo padre in casa del cugino,dove,involontariamente,ascolta una conversazione tra persone che complottano contro la vita di Luigi XIV.La ragazza ruba la fiala del veleno che i congiurati avrebbero dovuto utilizzare,il principe di Condè,uno dei congiuati,fa in modo che la ragazza venga inviata in un convento,per metterla a tacere.

Angelica resta in convento 4 anni,ed esce solo perchè il padre ha deciso di darla in moglie al ricco e nobile Joffrey de Peyrac,dl quale Angelica sa soltanto che è molto più vecchio di lei,che è zoppo e che ha il volto deturpato da una cicatrice;la ragazza,disperata,si concede al suo unico amore,Nicola,ma viene sorpresa dal padre.

Così Angelica arriva a casa di De Peyrac,dove scopre che l’uomo che sta per sposare ha effettivamente i difetti fisici vociferati,ma che è anche una persona dal cuore gentile,pieno di premure per la sua bellissima sposa,e che è un uomo istruito e intelligente.

Un uomo che non esita a dare asilo ad un innocente ricercato dall’inquisizione;Angelica,così,scopre di amare il marito e l’unione tra i due è allietata dalla nascita di un figlio.

Ma il destino è in agguato:il re Luigi XIV,durante la sua visita al castello di Joffrey,si invaghisce di Angelica;da quel momento per suo marito la vita si farà difficile,fino al giorno in cui De Peyrac viene arrestato con l’accusa di essere un eretico ed uno stregone;inutilmente la donna tenta di convincere il re a liberare suo marito.

Che viene invece condannato a morte;Angelica,che ha avuto il secondo figlio,affida i suoi bambini alla sorella,e si rifugia nella Corte dei miracoli,dove incontra il suo vecchio amore,Nicola. L’uomo chiede ad Angelica di stringere un patto;la liberazione del marito in cambio della promessa di andare a vivere tutti e due in America. Angelica accetta,ma Nicola e i suoi arrivano troppo tardi in piazza De Greves;De Peyrac è bruciato sul rogo.

Angelica,disperata,decide di rimanere a vivere nella corte dei miracoli,e cambia il suo nome in Marchesa degli Angeli.

Tratte dai romanzi della coppia Anne e Serge Golon,le avventure della meravigliosa Angelica,com’era chiamata in Francia,altro non sono che un feuilleton di discreto livello. Il cinema si impossessò del suo personaggio,e grazie alla bellezza di Michele Mercier ne fece un personaggio conosciuto in tutto il mondo. Lei,la bellissima Mercier,interpretò anche i 4 film successivi,che restarono comunque di buon livello,grazie alla sapiente scelta di costumi e location,davvero ottimi,e sopratutto grazie anche al binomio amore/vendetta,un’accoppiata che al cinema paga sempre.

Un film di Bernard Borderie. Con Philippe Lemaire, Robert Hossein, Giuliano Gemma, Michèlle Mercier, Rosalba Neri, Jean Rochefort, Claude Giraud. Genere Avventura, colore 105 minuti. – Produzione Francia 1964.

De Vardès     Philippe Lemaire
Nicolas Merlot     Giuliano Gemma
François Desgrez     Jean Rochefort
Joffrey de Peyrac    Robert Hossein
Angélique Sancé de Monteloup     Michèle Mercier
Bernard d’Andijos     Bernard Woringer
Maître Bourié     Jean Topart
Il principe di condè de Condé     François Maistre
Jactance     Serge Marquand
Louis XIV     Jacques Toja
Philippe de Plessis-Bellières     Claude Giraud
L’arcivescovo di Toulouse    Jacques Castelot
Carmencita     Geneviève Fontanel
La Polak     Rosalba Neri
Le chevalier de Lorraine    Robert Hoffmann
Procureur Fallot     Yves Barsacq
Cul-de-bois     Henri Cogan
Barbe     Denise Provence
Margot     Noëlle Noblecourt

Désolé, mais là vraiment, je sature. Je craque quand j’entends que Nicolas Sarkozy est plus un sujet de conversation qu’un président. J’en ai assez du mot bling-bling, des bilans qui parlent de l’image Sarkozy et à peine de réalité. J’en ai assez des anniversaires présidentiels célébrés à répétition et de tous les commentaires sur “le culte de Narcisse”. Ce n’est pas de l’actu, c’est du gimmick. Je ne parviens pas à trouver le chef de l’Etat sympathique mais la rengaine médiatique ne sonne plus juste à mon oreille. Je bloque sur les sondages qui répètent tous la même chose et sur les analyses portant sur un cinquième de mandat de chef de l’Etat qui rejouent encore la soirée au “Fouquet’s” et le yacht à Malte. Comme une envie d’autre chose sur la politique, sur le quotidien des Français, sur les questions qu’ils se posent sur leur quotidien. Au secours, j’ai besoin d’air, d’autre chose !

Alors voilà, apprendre au détour d’un flash la mort à 89 ans de Lucien Jeunesse, l’animateur durant trente ans du “Jeu des 1000 francs” sur France Inter. Le bonheur de prononcer de nouveau le mot “franc”. Réentendre “Chers amis, bonjour” et le “Bonjour” du public en réponse. Se souvenir d’un enregistrement un jour au théâtre Bompard, à Marseille où j’avais découvert sa manière théâtrale d’accueillir le public “en vrai”. Il avait fait refaire son “Bonjour” au public et où il s’était gentiment moqué de moi parce que je participais pas. Sacrilège ! Penser avec nostalgie à la spécificité de ce jeu. Il redessinait jour après jour la géographie de la France, d’un pays réel et rural où chaque commune compte. Rendez-vous de salle des fêtes et de hall d’hôtel de ville.

Il nous faisait penser à cette culture fourre-tout à laquelle nous trouvons souvent du charme. Une encyclopédie pour repas en famille. Parce que notre mémoire fonctionne comme cela. Elle retient les anciens comptoirs coloniaux de la France (Chandernagor…), la chanson des supporters des Verts (“Qui c’est les plus forts…”), le nom des châteaux de la Loire (Chambord…), les paroles de “Du côte de chez Swann” (“On oublie l’air un peu trop sûr de soi…”), le détail d’un discours de De Gaulle (“Marcheramo la mano en la mano…”), l’apostrophe inventée par notre imaginaire de Marchais à Elkabbach (“Taisez-vous…), la capitale de la Mongolie extérieure (Oulan-Batour), une citation de Napoléon sur la Chine (“Quand la Chine… ) et un procédé mnémotechnique concernant le nombre 3,14116 (zut, j’ai oublié ! “).
Nous n’avons pas tous les jours l’occasion d’être candidat du “Jeu des 1000 euros” – il est désormais présenté par Louis Bozon- mais tout ce fourbi intellectuel et sentimental, ce grenier dessiné par quelques rais de lumière, nous rassure, comme un cortège d’amis familiers. Alors, “Chers amis au revoir”. Lucien est parti. Le souvenir fugace de son apparition dans une pub pour une “convention-obsèques”. Son patronyme nous avait fait croire qu’il était éternel.

Et puis Lucien Jeunesse a inspiré un superbe film de Patrice Leconte : “Tandem” avec Jean Rochefort et Gérard Jugnot. Rochefort incarnait avec superbe un animateur lâché par sa station qui ne veut pas vieillir même s’il n’était pas dupe de sa “célébrité”. C’était une belle parabole sur la solitude masculine.

Le petit carillon de la vie joué au xylophone s’est arrêté pour Monsieur Lucien. Jeunesse enfuie. Encore une fois, c’est un peu la nôtre.