Côte d’Azur, hôtel luxueux, roulette, craps, bijoux, robe de soirée, malchance, veine, voiture de sport, fauché, enfer, réalité, amour, drogue, risques, Michel Legrand, carpe diem, millionnaire, inconscience, clochard, rêve.

Tous ces mots font références à La baie des anges, filmée en 1963 par Jacques Demy. Jeanne Moreau et Claude Mann, une sorte d’alternative à Belmondo, y jouent un couple qui tombe dans l’enfer du jeu. De casinos en hôtels, ils vivent au grès de leur chance et nous emportent au fond du gouffre à leurs côtés. L’assistant-réalisateur est un certain Costa-Gravas.

Il s’agit de notre “Classique” du vendredi dont voici la scène finale (qui ne révèle rien de très important si ce n’est un très beau plan composé de miroirs).

De l’existentialisme et de l’ennui dans le cinéma français

Pour Joe Queenan du Guardian, les films policiers français pêchent trop souvent par un excès d’intellectualisme… un peu creux : “Si une scène devait résumer l’essence du film policier à la française, on la trouverait à peu près au milieu du classique de 1954 Touchez pas au grisbi, de Jacques Becker. Serrée de près par la police, en disgrâce auprès de ses semblables des bas-fonds parisiens moins recommandables encore, le vieux virtuose du braquage joué par Jean Gabin décide de se mettre quelque temps au vert. S’installant dans un pied-à-terre secret qui prend la forme d’un appartement étonnamment chic, ce fumeur compulsif revêt un élégant pyjama sorti de nulle part avant de s’assurer que René Dary, son complice des mauvais coups, est lui aussi à l’aise dans ses vêtements d’intérieur. La leçon de cette scène est limpide : aussi précaire que soit la situation, aussi incessante que soit la traque de la police, un homme ne doit jamais renoncer à son confort, à commencer par son pyjama.

Les enjeux de qualité de vie sont une des marques récurrentes du film policier français, qui parle autant de joie de vivre* que de joie de tuer*. Qui d’autre qu’un Français pourrait faire un film (Classe tous risques, réalisé par Claude Sautet en 1960) sur un malfrat qui cherche un foyer comme il faut pour ses gamins alors que toutes les polices sont à ses trousses ? Qui d’autre qu’un Français pourrait faire un film (Rien ne va plus, Claude Chabrol, 1997) sur une artiste de l’escroquerie, incarnée par Isabelle Huppert, qui cherche à s’émanciper de son escroc de père en s’engageant dans une relation amoureuse avec un escroc plus jeune et plus séduisant, qu’elle a bien l’intention de plumer ?

Les réalisateurs français ont toujours été obsédés par les malfrats, mais leurs films n’ont pas grand-chose à voir avec ceux qui se tournent aux Etats-Unis ou en Grande-Bretagne. Les films de gangsters américains sont palpitants, mais manquent souvent de profondeur ; les Britanniques, eux, mettent surtout en scène des petits voyous et manquent toujours de profondeur – ce qui explique que les cinéphiles anglophones trouvent souvent les gangsters cool, mais les voient rarement comme des exemples à suivre. Les Français, en revanche, aiment les gangsters philosophes et les films offrant une analyse de la société au sens large, comme si la société avait besoin de l’expertise des réalisateurs français.

Je ne dis pas que les films policiers français sont marqués par une authentique profondeur, mais c’est en tout cas ce qu’aiment à penser les réalisateurs français. Leurs films regorgent de répliques creuses du type “les temps changent, pas les hommes” – ou encore “l’homme naît innocent, mais ne le reste pas”. Le niveau a baissé depuis Voltaire, c’est certain. Le message classiquement délivré par un film policier français est que le plus minable des hors-la-loi est tenu par un code moral qui échappe à la compréhension du citoyen lambda respectueux de la loi – et qu’à leur manière les malfrats ont plus de principes que les policiers. C’est le thème de Mesrine (réalisé par Jean-François Richet, 2008), mais aussi du classique de 1937 de Julien Duvivier Pépé le Moko, d’A bout de souffle (1960) de Godard ou encore du très remarqué Du rififi chez les hommes de Jules Dassin, sorti en 1955. 

L’idée d’un code d’honneur dans la pègre est l’une de ces incongruités qui, depuis toujours, passent pour de la sagesse en France, où un fond d’anarchisme de pacotille cohabite bon an mal an avec des comportements profondément bourgeois à l’égard de toute chose. Dans les films français, les gangsters ont toujours un charme étrange, sont avant tout des gars épatants qui ont perdu le contrôle de leur personnalité quelque part en chemin.

Mais, comme le cinéma ne cesse de le démontrer, les films n’ont pas besoin d’être cohérents ni logiques pour être excellents. Surtout quand ils sont aussi beaux que Le Cercle rouge (Jean-Pierre Melville, 1970), Le Samouraï (Jean-Pierre Melville, 1967) ou Pépé le Moko. Abstraction faite de leurs absurdités philosophiques, les excellents films policiers français sont remarquablement nombreux.

S’ils sont si bons, c’est parce que tout le monde veut en être : tous les réalisateurs – de François Truffaut à Claude Lelouch, en passant par Claude Sautet ou Claude Chabrol – se sont adonnés au genre au moins une fois, et les meilleurs films mettent en scène la fine fleur des acteurs français, de Jean Gabin à Jean-Paul Belmondo, en passant par Lino Ventura, Jean-Louis Trintignant, Vincent Cassel, Yves Montand, Alain Delon, Jeanne Moreau, Gérard Depardieu, plus tout une ribambelle d’acteurs magnifiques mais méconnus hors de France. Vous en avez donc pour votre argent, et cela vaut le coup.

Il serait fâcheux de conclure cet exposé sans parler de l’existentialisme et de l’ennui. Ces deux indissociables pierres angulaires de la civilisation française moderne jouent un rôle clé dans le succès de la version hexagonale de ce genre cinématographique. Avant même la théorisation de l’existentialisme, au début des années 1940, et avant même que l’ennui ne soit inventé et breveté par Jean-Paul Sartre, en 1944, les malfrats français étaient déjà souvent en proie au tourment et à un ennui profond. C’est l’ennui qui précipite Pépé le Moko vers son destin, lorsqu’il abandonne stupidement l’enceinte protectrice de la casbah pour vivre son amour pour une Parisienne aisée et sophistiquée. C’est l’ennui qui conduit au désastre l’étincelant mais effacé Delon, aussi bien dans Le Cercle rouge que dans Le Samouraï. L’ennui, encore, qui laisse Belmondo mort sur le pavé parisien à la fin d’A bout de souffle. Vivre chaque jour comme si c’était le dernier, mais le faire sans enthousiasme, tel est le cocktail de presque tous les films français que j’ai vus. Le seul film policier français dont je me souvienne dans lequel tout le monde semble déborder d’énergie est La Balance, récompensé par une avalanche de césars en 1983. Mais La Balance a été réalisé par Bob Swain – un Américain.”

Joe Queenan – The Guardian – 27/08/09

I love Louis Malle.  And I am so glad that I’ve started going through his films.  Because he really made some fantastic movies.  The Fire Within is probably my favorite, but Elevator to the Gallows was pretty awesome as well.  Stylistically he has a really strong thing going, and his films are extremely watchable.
I was pretty excited for his movie called The Lovers.  It is an awesome title, and carries with it a pretty big weight.  Unfortunately, this film isn’t quite able to carry that load.

The movie certainly starts out interestingly enough.  Hot chick married to boring dude in French countryside runs off to Paris fairly often and gets involved with a total dude polo player.  Husband starts to get a little jealous, and forces wife to have her Paris friends over to their country house for a weekend.  Overall, these people are worthless boring and banal, with fleeting interests and few redeeming factors.

But on her way back to the country house, wife’s car breaks down and she is picked up by some obnoxious superior dude who knows and dislikes all of her frivolous friends.  He ends up joining everyone that weekend for dinner.

Then wife falls madly and deeply in love with the pretentious dude and runs off with him?  Right……

I just didn’t really get it.  Where did this love spring from?  No where, as far as I can tell (unless you firmly believe in love at first sight, but it wasn’t even that!!!).  At first they argued a bit and didn’t really get along, then they meet at night and are magically in love.  It’s nice, but less than realistic.  And even more so, they were presented as two people who would never really get along.  So what’s going on!?  I don’t know.
Visually, the film was gorgeous.  And the whole obscenity case is really interesting.  And you see boobs, which is always a big plus, especially in older films.  But at the end of the day the film is wholly unsatisfying.  Louis, I still love you though.

“Age does not protect you from love.  But love, to some extent, protects you from age.”

— Jeanne Moreau

FilboidSludge

Jeanne Moreau chante “Le tourbillon de la vie”

dans le film de François Truffaut, “Jules et Jim”, 1962.

"Le tourbillon de la vie"

Elle avait des bagues à chaque doigt,
Des tas de bracelets autour des poignets,
Et puis elle chantait avec une voix
Qui sitôt m'enjôla

Elle avait des yeux, des yeux d'opale
Qui m'fascinaient, qui m'fascinaient,
Y avait l'ovale d'son visage pâle
De femme fatale qui m'fut fatal

On s'est connus, on s'est reconnus,
On s'est perdus de vue, on s'est r'perdus d'vue
On s'est retrouvés, on s'est réchauffés
Puis on s'est séparés

Chacun pour soi est reparti
Dans l'tourbillon de la vie
Je l'ai revue un soir, aïe, aïe, aïe !
Ça fait déjà un fameux bail 

Au son des banjos, je l'ai reconnu
Ce curieux sourire qui m'avait tant plu
Sa voix si fatale, son beau visage pâle
M'émurent plus que jamais

Je me suis soûlé en l'écoutant
L'alcool fait oublier le temps
Je me suis réveillé en sentant
Des baisers sur mon front brûlant

On s'est connus, on s'est reconnus,
On s'est perdus de vue, on s'est r'perdus de vue,
On s'est retrouvés, on s'est séparés
Puis on s'est réchauffés

Chacun pour soi est reparti
Dans l'tourbillon de la vie
Je l'ai revue un soir ah la la
Elle est retombée dans mes bras 

Quand on s'est connus,
Quand on s'est reconnus,
Pourquoi s'perdre de vue,
Se reperdre de vue ?
Quand on s'est retrouvés,
Quand on s'est réchauffés,
Pourquoi se séparer ?

Alors tous deux, on est repartis
Dans l'tourbillon de la vie
On a continué à tourner
Tous les deux enlacés

Recuerdo que Charles Denner moría asaeteado en ‘La novia vestía de negro’ y estrellado contra el suelo tras despeñarse desde la torre de una catedral en ‘Una chica tan decente como yo’.

Rainer Werner Fassbinder, criticou a história do seu país com uma série de filmes: «O Casamento de Maria Braun» (1978), «A Terceira Geração» (1979), «Lili Marleen» (1981), «Lola» (1981) e «A Vida Secreta de Veronika Voss» (1982).

Adaptado do romance de Jean Genet, «Querelle» (1982) foi o seu último filme. Querelle (Brad Davis) amava, manipulava e sofria com o seu irmão, madame Lysiane (Jeanne Moreau), o marido desta e o seu superior, Seblon (Franco Nero).

Fassbinder faleceu, em 10 de Junho de 1982, sem reallzar duas  adaptações que pretendia – «Azul do Céu» de George Bataille e «Cocaína» de Pitigrill – e um filme sobre a revolucionária Rosa Luxemburgo.

Forced Israeli evictions from the Gaza Strip yield tremendous personal strife for a pair of cross-cultural lovers in Disengagement, director Amos Gitai’s meditation on the complex relationship between interpersonal and national politics in the Middle East. Juliette Binoche stars as Ana, a woman of mixed Dutch and Palestinian origin residing in Avignon, where her biological father has just died. Newly arrived in town is her adoptive brother, the Franco-Israeli Uli (Liron Levo), with whom Ana shares a relationship so passionate that it consistently transgresses sibling boundaries. While Uli comes to terms with his foster father’s passing and prepares for an upcoming work assignment that involves aggressively shuttling Israeli settlers out of Gaza, Ana visits her father’s attorney (French screen legend Jeanne Moreau), takes the steps to end her unfulfilling marriage, and hopes to make contact with her long-abandoned daughter, currently residing in the Israeli settlement of Gaza. To achieve this goal, Ana insists on accompanying Uli during his trip — but doesn’t count on numerous complications that arise, including a forced separation from Uli and lengthy travels with the settlers themselves, who have grown doggedly certain that God would never allow their geographic displacement to occur.

FILME: A NOITE

Título Original: La Notte
Gênero: Drama
Duração: 122 minutos
Ano de Lançamento: (Itália) 1961
Estúdio: Nepi Film/Silver Films/Sofitedip
Distribuidora: United Artists
Direção: Michelangelo Antonioni
Roteiro: Michelangelo Antonioni, Ennio Flaiano e Tonino Guerra
Produção: Emanuele Cassuto
Elenco
Marcello Mastroianni (Giovanni Pontano)
Jeanne Moreau (Lidia)
Monica Vitti (Valentina Gherardini)
Bernhard Wicki (Tommaso Garani)
Rosy Mazzacurati (Rosy)
Maria Pia Luzi (Paciente)
Guido A. Marsan (Fanti)
Vincenzo Corbella (Sr. Gherardini)
Ugo Fortunati (Cesarino)
Gitt Magrini (Sra. Gherardini)
Giorgio Negro (Roberto)
Roberta Speroni (Beatrice)
Sinopse: Em meio a festas, traições e flertes, Lídia e Giovanni começam a repensar a relação e a questionar o que os fez chegar a tal ponto, depois de dez anos de casamento.

Comentário: interessante filme, meio parado no início mas aquece depois de um tempo. Não é o melhor do Antonioni, mas vale ser visto.

MÚSICA: BOB DYLAN – LIKE A ROLLING STONE

Louis Malle,meu diretor inspiração do dia! ;}

No rio, a lendária atriz francesa, Jeanne Moreau.

Jeanne Moreau

De acordo com o portal Terra, a veterana atriz Jeanne Moreau aproveitou a passagem pelo Rio de Janeiro durante o Festival do Rio 2009 para conhecer a arte feita pelo grupo Nós do Morro:

Ela foi até a sede da entidade neste domingo [27.09.2009], no Vidigal, na Zona Sul do Rio de Janeiro.

Ela assistiu a uma apresentação dos artistas da comunidade carioca ao lado do diretor Cacá Diegues. Ele sentou-se na primeira fileira e aplaudiu muito o espetáculo.

Leia mais clicando aqui.

            Mais uma vez os cinéfilos poderão desfrutar de 15 dias da mais pura alegria e angústia: começa hoje o Festival do Rio, que se estende até o dia 8 de outubro.

            Realizado desde 1999, o Festival do Rio é fruto da união de dois antigos festivais de cinema, a “Mostra Banco Nacional de Cinema” e o “Rio Cine Festival”. Desde então, o nosso festival internacional de cinema tornou-se o mais importante da América Latina, apresentando filmes premiados em outros festivais de renome (Sundance, Veneza, Cannes, Berlim…) e sendo palco de estréia tanto para diretores iniciantes quanto para os já consolidados.

            O grande destaque da edição de 2009 é a vinda do nosso brutal Quentin Tarantino. O diretor de “Cães de Aluguel”, “Pulp Fiction” e “Kill Bill” I e II vem ao Rio de Janeiro no dia 7 de outubro para a exibição do seu novo filme, “Bastardos Inglórios”. Os ingressos para essa sessão acabaram em singelos 20 minutos.

            Mas não só de Tarantino é feito o Festival. Ang Lee abre as sessões com o seu “Aconteceu em Woodstock” e Almodóvar traz “Abraços Partidos”, formando uma dupla de filmes disputados e comentadíssimos. “Les Herbes Folles”, de Alain Resnais e o brasileiro “Bellini e o Demônio” também prometem encher as salas de exibição.

          Sem contar na presença da Diva do cinema francês, Jeanne Moreau. A estrela de “Jules e Jim” ganhou uma mostra só dela no festival e irá participar de um debate aberto ao público, neste sábado (dia 26) no Odeon. Imperdível (quem for perder, pode se unir a nós e chorar)!

            Além dos filmes, vale a pena dar uma olhada na programação do Cine Encontro (no site: http://www.festivaldorio.com.br), que promove debates com profissionais envolvidos em diversos filmes e nos seminários organizados pelo RioMarket (http://www.riomarket.com.br), responsável pela área de business do Festival do Rio.

            Deixando a parte informativa de lado, agora vamos listar aqui o nosso Top 10 de filmes que queremos ver no Festival. Sabe a angústia mencionada no primeiro parágrafo? Então, foi simplesmente dolorido reduzir a dez filmes o infinito de possibilidades da programação. De qualquer maneira, seguem alguns filmes que simplesmente nos interessaram:

“Histórias de amor duram apenas 90 minutos”, de Paul Halm.

“Aconteceu em Woodstock”, de Ang Lee.

“Nova York, Eu Te Amo”, de Mira Nair, Fatih Akin, Yvan Attal, Allen Hughes, Shekhar Kapur, Shunji Iwai, Joshua Marston, Natalie Portman, Brett Ratner, Wen Jiang e Randall Balsmeyer.

“A falta que nos move”, de Christiane Jatahy.

“Fluidos”, de Alexandre Carvalho.

“Brilho de uma Paixão”, de Jane Campion.

“The Burning Plain”, de Guillermo Arriaga.

“Coco antes de Chanel”, de Anne Fontaine.

“As praias de Agnes”, de Agnès Varda.

“A Criada”, de Sebastian Silva.

Está dada a largada, que a loucura se inicie!

Escrito por Natasha Ísis e Taís Bravo

O Festival do Rio promove um encontro no Odeon, sábado, às 10h45, com a atriz francesa Jeanne Moreau, musa de cineastas como Antonionni (A noite) e Françoi Truffaut (A noiva estava de preto), apresentado pelo cineasta Cacá Diegues, com quem Moreau fez Joana Francesa. Imperdível.

Criança gosta de ouvir toda noite a mesma história antes de dormir. Eu também. Não precisa ser sempre do mesmo jeito, desde que seja bem contada. Eventualmente até conto minha própria história pra mim mesmo, sempre de um jeito diferente. Mas as vezes encontro minha história nas palavras ou nas películas – de algum gênio. O gênio da vez é Truffaut, e a história é o clássico Jules et Jim.
Jules et Jim conta a história de um triângulo amoroso na França, no início do séxulo XX. Com essa fórmula eu poderia apresentar Os Sonhadores, mas esqueça a sonolência cult e ao mesmo tempo hiperativa deste: Truffaut é sensível, poético e trágico. Jules et Jim é uma história sobre amor, fidelidade e fracasso. Sobre liberdade também. E uma das coisas que mais gostei foi ver que é uma história sem vilões, onde qualquer julgamento moral exige a adoção da perspectiva de um dos três personagens principais, com quem o espectador provavelmente se identificará em algum momento – até porque os personagens encarnam certos estereótipos humanos muito gerais, ainda que por vezes suas condutas sejam um tanto excêntricas.
A história é simples: Jules e Jim são dois amigos inseparáveis. Jim é um sedutor e Jules um fracassado com as mulheres. Até que Jules encontra Catherine, por quem se apaixona e com quem decide viver. Mas sobre essa linha de história tão simples Truffaut enriquece infinitamente a narrativa através de um bombardeio poético de sutilezas. Sim, os personagens são riquíssimos e seus modos de responder às situações criam uma trama delicada onde valores como “amizade”, “fidelidade”, “amor” e “respeito” vão se  chocar, se transformar e aparecer sob diferentes perspectivas nas quase duas horas de filme (onde, por pelo menos uma hora, os mais românticos estarão engasgados de angústia).
Através das relações dos personagens Truffaut impõe a reflexão ao espectador: é necessário refletir, junto com Jim, Jules e Catherine, sobre a natureza do amor. Jules e Catherine se casam e vão viver longe do mundo. Tem uma linda filhinha chamada Sabine. Mas o que parece ser um quadro típico de felicidade conjugal e amorosa – que é o clima transmitido na cena em que Jim visita o casal pela primeira vez – é, por força da complexidade dos personagens, uma situação bem mais delicada. Jules é irremediavelmente ingênuo e compassivo. “A solicitude de Jules” conquistou Catherine. Mas como todo ingênuo, Jules é tolo e magoa Catherine sem perceber. Assim, Jules assiste com resignação sua amada Catherine adentrar por um caminho de traição que lhe serve como catarse do ressentimento: quando ofendida, Catherine trai. E se Jules é um tolo, sempre ofende Catherine o suficiente para mantê-la plena de pretextos para a traição.
A reaproximação de Jim e Jules (que haviam se afastado durante a guerra) insere um terceiro elemento fixo que instalar-se-á liquidamente na vida do casal. Até, finalmente, instalar-se também em sua casa e passar a viver como amante de Catherine. Com o beatífico consentimento de Jules que, por amor, cede a própria dignidade.
Catherine, contudo, é uma mulher de difícil convívio. É plenamente lúcida dos próprios desejos, mas completamente fria no que tange ao respeito para com seus dois cônjuges. Assim, é com frieza que ela lidará com o ciúme de ambos, embora ao próprio ciúme ela permita uma manifestação passional. Mesmo Jim começará a ser julgado na balança do ressentimento de Catherine: quando este lhe ofende, é pago com traição.
Jim, finalmente, é o elemento mais razoável do trio. Não é nem o santo nem o libertino. Tem uma espécie de namorada em outra cidade e passa pelo menos metade do filme resolvendo a própria angústia: deve ficar com Catherine ou com sua outra amante? É também através de Jim que compreendemos, em um dos últimos e mais brilhantes diálogos, de que maneira podemos ler essa história de um modo racional: Catherine tem um compromisso consigo mesma e sua aversão à hipocrisia da convenção da monogamia à levou a inventar uma forma de amor. Que também fracassou. Assim, Jim diz à Catherine que não se casará com ela, pois ela não lhe oferece o que pede em troca. Entrevemos, então, como será o final do filme: Catherine tenta matar Jim. Este escapa. Mas não por muito tempo. Em um inocente passeio de carro, Catherine atira o veículo em um rio, suicidando-se e levando Jim consigo.
O filme é riquíssimo e preenchido por reflexões – sempre presentes nos diálogos dos personagens – e narrativas paralelas. Como, por exemplo, a história que Jim conta sobre um soldado que foi seu colega na guerra e que apaixonou-se perdidamente por uma mulher à quem vira uma vez e com quem trocou intensa correspondência nas trincheiras. Esse homem ficou noivo por correspondência e seus sentimentos respeitosos se transformaram em uma paixão avassaladora. Infelizmente ele morreu nos campos de batalha antes de poder viver o amor.
De qualquer forma, vale comentar que no início do filme tive a impressão de que não iria gostar do filme. Que talvez fosse injustificada sua presença em algumas listas de “maiores filmes da história”. Mas a sutileza de Truffaut e sua delicada forma de contar uma história onde a moralidade esteja em um segundo plano diante dos projetos e desejos dos personagens individualmente considerados definitivamente valem as duas horas de atenção – e muitas outras de reflexão.