According to the New Testament, the Rapture is the transporting of believers to heaven brought about by second coming of Christ. Not sure about the carpenter from Galilee, but Monday’s night second coming of the Jesus Lizard certainly proved a rapturous occasion for believers and nonbelievers alike. As far as I am concerned music can come to a screeching halt after Monday’s show. Anything additional would be superfluous and at worst in the context of this miraculous reptile, blasphemous. At one point between songs David Yow said, “We’re 65 years old and we’re still the best band in the world.” Penned against the stage barrier, I asked aloud, “What about the Melvins?” With a grin, David Yow conceded that the Jesus Lizard were at least the second best band in the world.

Aside from the Melvins or Fugazi there isn’t another band belonging to the loosely independent music scene of the 1990s even worth mentioning. Their last studio record, Blue, came out in 2000 and only in the last year have they started playing shows after having taken off the first decade of the new century. I saw them Monday night at the Fillmore New York at Irving Plaza and though vocalist David Yow’s a year shy of a half century, he stage dove with abandon a half dozen or more times. Can you imagine another 49-year-old musician doing this? What about Bono? Please. Yow’s face was bleeding by the third song and yet he just kept singing, diving into the crowd, and generally running riot on stage. Picture a louder, drunker Harry Dean Stanton and you’re close to the sort cinematic effect of David Yow. What’s remarkable about this band that released most of its albums on Touch & Go (save Shot and Blue, released on Capitol in 1996 and 2000 respectively) is the forcefulness of what is essentially just rock & roll. This deceptive normalcy gives their music an almost American Gothic quality like there is to many of David Lynch’s movies.

I am not sure if another band like the Jesus Lizard could emerge from the present music scene(s), independent or otherwise. I frankly don’t even care. You can be sure David Yow doesn’t have his own blog and if he does, then so what, the point is he didn’t have one before his first 12″ EP dropped in 1989. Revisiting them a decade later is a reminder of all the changes that have taken place in music for better or worse. Ten years from now when _____ reunites, then perhaps its audience will recall fondly their quirky iPhone application and their music only second. Thankfully the Jesus Lizard will never suffer this ignominy.

David Yow & the Jesus Lizard © Damien Neva

David Yow & the Jesus Lizard © Damien Neva

David Yow & the Jesus Lizard © Damien Neva

Friday Night Fun!

Although a wide variety of official pre-fest events were offered, there was also plenty of other stuff to do:

Unsanctioned Friday Fun #1: Bats!

The Congress Avenue Bridge is the home to the world’s largest urban bat colony. Kate and I decided this would be a good way to kick off the weekend. We found a spot on the bridge at dusk, just as the critters launched their attack on Austin’s bugs.

As I was watching this happen, some old man put a button in my hand and walked away. It said “I love the bats” or something like that. It also said that I was supposed to donate money to the old man, because he was deaf and making buttons was how he supported himself. Whatever. I handed the button back. He called Kate a bitch or, more accurately, a screeching “Bith!” I gave him some sign language and we took off.

Unsanctioned Fun #2: The Stars of Aqua Teen Hunger Force Live!

You know what is weird? Seeing cartoon character’s voices coming out of real life people. It’s like you’ve entered some weird alternate dimension. You start to think, if Meatwad is actually a person, am I a cartoon? Have things gone topsy turvy? I don’t know. Give me a watermelon soda!

Essentially, this show was Dana Snyder (Master Shake) and Dave Willis (Meatwad and Carl) fucking around for a couple hours. They played a bunch of never-before-seen episodes and weird short films about evil telephones and butt massages. They also sang a Christmas song and gave everyone in the audience kazoos, allowing us to make enough racket to annoy the people watching The Box in the theater next door. It was fun.

It also cost us a shit ton to get to, because we didn’t realize it was at a theater that was actually way out in the suburbs. $40 cab rides each way. Our Greek cab driver, Zack, spent the ride back gushing about how in love with San Diego was. Now, I’ve never been there, but apparently it is a sunny wonderland filled with lemon trees that give off a soothing aroma that can be smelled throughout the city. Oh, he also mentioned that he didn’t like Austin as much because all the Mexicans call him an amigo and he is not an amigo. “I am as white as you are!”

Unsanctioned Fun #3: Mojo Nixon!

Zack dropped us off at the Continental club. We were still giggling from the show and from the cab driver’s crazy stories as we walked in to catch the tail end of the New Duncan Imperials.

Dash Rip Rock came up next. Midway through their set, they played a song called “Let’s Go Smoke Some Pot,” sung to the tune of “Let’s Go to the Hop.” Now, this would be no big deal ordinarily, except that earlier in the day, Kate had been singing that very song. “I have this stupid song in my head and I have no idea why!” she had said. Now we knew the reason!

Some fat old guy in jean shorts got up on stage next. “I know what you’re thinking. You’re thinking, ‘Mojo, you got old! You got fat! Why don’t you go on a diet? Why don’t you dye your hair! Why don’t you get yourself a pair of long pants? Why don’t you make nice music?” When the rant concluded, Mojo Nixon stomped right into “Debbie Gibson is Pregnant with My Two Headed Love Child.” The hootin’ and hollerin’ continued, as the rambunctious band spit out all the hits: “Tie My Pecker to My Leg,” “Elvis is Everywhere,” “Are You Drinking with Me Jesus” and a rollicking rendition of “You Can’t Kill Me.”

All in all, we got a hilarious start to a killer weekend.

Saturday Fun Fun Fun!

After a leisurely stroll to Waterloo park, conveniently located in downtown Austin, we completely ignored the blue stage (that’s the stage where the hip-hop and dance stuff goes down), walked right past the orange stage (that one’s saturated with indie rock), didn’t even consider going to the yellow stage (comedy and acoustic) and went straight for the black stage (punk and metal, baby) for Coliseum.

With the sun shining down, I found a spot in the shade while Coliseum kicked out some mean, but surprisingly catchy, metal. They made some bad jokes about headliner Danzig’s height and clothes, unfortunately setting the stage for every other damn band to come up with their own Danzig joke. It was already tedious, but there were more to come.

After Coliseum, I wandered over to the Yellow stage to catch some of the Altercation Comedy show. I didn’t catch the name of the first guy, who didn’t so much tell jokes as spew stupidity about how he told his girlfriend that because they both had wide-set eyes they would have a hammerhead shark baby. JT Habersaat opened with the same material he used last year, which wasn’t all that funny then, so I headed back to the black stage for the Night Marchers.

The Night Marchers were dicks. Their singer’s between song banter included statements like, “We’re really happy to be here, and I’m only kind of lying about that” and “I had thought I was going to Boston up until I got off the plane. I have to say I’m pretty disappointed.” Maybe it’s his schtick. Maybe it’s brutal sincerity. Either way, it didn’t diminish the fact that the band rocks.

Things didn’t really kick in for me until I caught Shonen Knife on the Orange stage. If you can listen to this legendary Japanese trio without smiling, you are probably an ork. After playing a song about sushi, the singer mentioned that she had heard that Texas was known for its barbecue. They kept the food theme going by playing “BBQ Party,” which, incidentally, mentions deep fried tofu, which I’d love to see more of at Austin’s barbecue joints. My favorite: “Muddy Bubbles Hell,” Shonen Knife’s interpretation of Priest and Dio style metal. This is when the sets started feeling way too short.

I went back to the black stage to watch the Sword. After finding a seat on the not-so-swank PIP (pretty important person) viewing platform, I caught sight of a two-year-old perched on his dad’s shoulders. The little guy was playing drums on his pop’s head, which wouldn’t have been a big deal, except that he was keeping perfect time with the sludgy metal coming from the Sword. When mom stood next do dad, suddenly the kid had two drums, and man that little dude was rockin! The sword were fine, but that little guy really kicked ass.

Melt Banana were up next, starting their set by playing what looked like video game controllers. I’m always in awe by this band and the crazy noises they make. The fact that their songs actually have melodies and can still involve a guitar player who makes his instrument sound like an exploding squeaky toy blows my mind. After getting over the confusion that this band inevitably invokes, the crowd started moshing a bit. Spazzy, awkward, fast, bouncy moshing… the only kind appropriate for this band.

Oh yeah. Here’s where it really kicked in. 7 Seconds is one of my faves, but I haven’t seen them in a decade. I found a spot close to the stage and got ready for the circle bit action. Kevin Seconds and the gang bolted through a set that focused primarily on the classics like “Diehard Youth,” “Committed for Life,” “Red and Black” and “The Crew.” The tunes they drew from the more recent Good to Go seemed to fit in nicely. Of course, they’re nearly a decade old now, so they aren’t exactly new. “We’re Gonna Fight,” my favorite 7 Seconds tune, arrived mid set and I shouted along just a little louder to that one. They closed things out one of my favorite sets of the weekend with “99 Red Baloons.”

One of the other cool things about Fun Fun Fun Fest is that there is a lot of gushing going on on stage. Seems like every band said something about how great it was to be sharing the stage with so and so. As for Fucked Up, their singer gushed about the upcoming Negative Approach show. He also made a great joke about babies being receipts for sex, requesting that the crowd not tell his wife that he said that. Fucked Up kept it intense. Mentally, I was still back at the 7 Seconds performance.

Dinner time. With the fancy PIP passes Kate and I sprung for, we were entitled to free food. Unfortunately, that food was vegetarian chili on fritos. So that cloud of butt stink hovering over the crowd at the black stage? Yeah.

As we at and drank, we watched Les Savy Fav freak out on the orange stage. From the PIP area, it looked like the singer was wearing a big white dress. Kate said it was a space suit. Either way, he stripped pretty quickly. Each stage is actually two stages. A band plays on one while the next band sets up on the other. That’s why there’s only five minutes between bands. Efficiency rules. This setup gave the singer of Les Savy Fav the opportunity to wander over to the adjacent stage midsong and harass the sound guys as they tried to set up for Ratatat. He played their drums and goofed around for a minute before spazzing back to his own stage.

“This is gonna be good,” David Yow of the Jesus Lizard said, pacing around the stage as his bandmates grabbed their instruments. I suspect he was thinking more about himself than the crowd. With “Give me something to stop the Bleeding,” the opening words of “Puss,” he launched into the crowd, where he would spend the majority of the show riding on top of the hands of sweaty fest-goers.

Yow is a professional crowd surfer. You’ll see none of that sloppy microphone-dropping, verse-missing nonsense when the Jesus Lizard is in action. Even toppling end over end, he’s singing every word. It goes without saying that the intensity level is off the charts. Questioning the man’s sanity wouldn’t be out of order, especially when he pauses between songs to get emo about how he crowd surfed to where his sister was standing and gave her a kiss before following the natural motion of the crowd back to the stage. With the gentlest Texas breeze rolling through to cool off the crowd, the Jesus Lizard frenzied through tunes like “Mouth Breather” and “Gladiator” before wrapping up. I was sad that the fest was over for the day, but the night still had more to offer.

Saturday Post-Fest Fun!

Kate and I headed over to Red 7 for the aftershow. We caught Naw Dude, who were fine, but totally upstaged by Trash Talk. This band is intense. I love watching bands that are so violent, so insane, that I start to wonder if I’m at risk of physical harm. When the singer of Trash Talk swung his microphone, hitting the heads of people in the front row, he clearly didn’t give a shit, and the music reflects this. This is music to draw blood to.

I’m pretty sure that, at one point during their set, one of the guys from Christ on Parade shouted, “Yeah! 1984!” It was obvious that they were reliving it. I just wish they could have done it in private, because they were fucking boring. Beyond that, I couldn’t tell if the singer was trying to be rockabilly or the bride of frankenstein with his ridiculous hair. Fuck.

Negative Approach only has a limited pool of songs to draw from, and they played most of them. They started with “Lost Cause.” John Brannon sang this one so fast that words disappeared. It was just that gut-rattling growl of his, pounding on my ears. The crowd moshers had trouble staying on their feet. They tumbled over each other. Out of the nowhere, one guy appeared pushing another in a shopping cart. That came to a quick end.

“This is the only love song we ever wrote,” Brannon announced before the band bashed its way through “Ready to Fight.” As violent as the music was, there were no fight. Actually, I mostly saw smiles. I was sure the fuck wearing one. Two of my favorite bands in one night? What are the chances. Only at Fun Fun Fun!

Sunday Fun Fun Fun!

I woke up Sunday and looked out the window. Rain. Uh oh. Kate and I debated our options. Should we stay at our hotel until the evening? Should we go to the fest as planned? We decided to get a late start, not getting to the black stage until about 3, clad in weird orange rain ponchos we had hastily purchased from the hotel gift shop. We arrived just in time for Mika Miko.

Supposedly, that was the end for Mika Miko. Of course, they were playing at a fest with about half a dozen bands that had ended at least once before, so who knows if that will stick? Either way, they requested moshing and they got it. They requested crowd surfing and they got it. I liked the saxophone. Their brand of poppy, no-wave was a lot of fun.

Then it was back to the yellow stage for Metallagher. A Metallica cover band fronted by a Gallagher impersonator? You can’t go wrong. “You have some crazy fruit down here,” Gallagher said, smashing open some kind of melon. “What is this? Ant eggs or something?” he asked, looking at the insides of the fruit before tossing it at the crowd. The last time I saw Metallagher, it got messy, and not necessarily in a good way. Today, though, no bleeding. No problems. Well, they did require the management to shut their sound off and kick them off the stage as they were covering “Last Caress” (technically not a Metallica cover, although Metallica covered it, so they’re safe), but that’s really to be expected.

I got back to the black stage in time to catch the end of Youth Brigade. While I still maintain that Youth Brigade is a bunch of dicks, they’re music is pretty cool. And their guitar player was wearing a Riot Fest Sucks shirt, which I highly endorse. After chastising some kids for using records as umbrellas (Crystal Castles or some other indie rock band was actually selling their LPs as umbrellas at the merch stand), they wrapped up their set with “Sink With California.”

“Danzig is going to be flying in at dusk with the bats from the Congress Avenue Bridge.” And with that, the best Danzig joke of the fest had been made by the Street Dogs. They also got the crowd whipped up into a decent frenzy, regardless of the rain. The Street Dogs are one of those road warrior bands that are always out there, always putting on awesome shows and making crowds shake their fists in the air. Today was no different.

I didn’t watch Coalesce, but I heard them from the portajohn that I was in and it made me worry that the blue capsule was going to be blasted violently into the air, set afire and ripped apart while I was trying to pull up my pants.

I checked out some Riverboat Gamblers, some Lucero and some Torche. Unfortunately, as Danzig’s set grew closer, I had trouble concentrating on any of these bands. Also, I was getting hungry. I ran up to the PIP area to see what they were serving. Whatever it was, the line was way too long. As much as I wanted to eat for free, I didn’t want to miss bands for it. I opted for a bunch of cookies from one of the vendor. After giving one to Kate, I ate two of them and stuck the other one in my pocket. Not hungry for it, but sure it wouldn’t make it until I was.

As D.R.I. was doing their soundcheck, one of the most intense mosh pits of the weekend broke out. It kept going when the band took the stage, opening with “Who am I?” As tight as these guys sounded, it was hard to believe that they were just coming off a multi-year hiatus from playing live. Their set was brilliantly structured, alternating between the old old stuff – the 30 second long songs – and the merely old stuff – the full on thrash assaults that went on for a few minutes. The rain died down, thrashed away.

Gorilla Biscuits carried the moment with their old school New York hardcore. They opened with “Stand Still,” moving through “Cats and Dogs” and others, throwing in a curve by playing Civ’s “Do Something.” The sound went weird about halfway through, but the energy level stayed constant. Some of the worst stage diving I had ever seen was going on though. Big guys jumping out into empty spaces. Little girls going knees first. Yikes.

After the shitty sound during Gorilla Biscuits and obvious problems during sound check, I started to get worried. I’ve seen what happens when Danzig has bad sound, and it’s not pretty. Last year’s Blackest of the Black stop at the Myth was proof. I couldn’t stand to see a repeat of that. Thankfully, the sound guys got it taken care of. It took a while, and I heard some grumbling from the crowd, but when Danzig took the stage to sing “Skin Carver” and everything sounded fucking perfect, it was worth the wait and then some.

I love Danzig. I’m not saying that in some ironic, hipster, retro bullshit way, either. I’m serious. Not to get all “I’m a bigger fan than everyone else,” but I’ve probably listened to Danzig 7 more than most people in the crowd have listened to Legacy of Brutality. That’s just the way it is. This is my favorite band that we’re talking about. Always has been. So part of me is a little weird that all the sudden he’s getting love from Spin magazine and all these other places that didn’t haven’t mentioned Danzig in years. Still, if it packs in the fans like it did tonight, then it can only be a good thing.

While I wasn’t surprised that I was the only one singing along to opener “Skin Carver,” I was caught off guard by how many people joined in when Danzig started going through the timeline chronologically with tracks from Danzig 1. The shouting along didn’t really start to fade until well into the set, when Danzig dug into material from 4 and later. Still, the crowd’s energy carried through, and it seemed like everyone noticed that “Black Angel, White Angel,” the penultimate song of the set, is absolutely amazing and easily one of Danzig’s best. The fists kept pumping.

The crowd at Fun Fun Fun fest is great. Everyone is positive. You don’t hear complaining. You don’t see boredom. You see smiles everywhere you look, that is if you can focus on faces as you see people running frantically from one stage to the next. Then, when you’re in front of a stage, everyone there seems to be totally psyched by whatever band is playing. While the crowd at Fun Fun Fun fest is a huge part of why Danzig’s set was so awesome, the weather was important too.

After constant rain all day, the precipitation finally stopped just before Danzig started. I can’t think of a more perfect environment in which to hear “How the Gods Kill” than under the black sky, the slightest post-rain chill in the fresh Texas air. Of course, Danzig took credit for this: “I heard you guys were having a drought, so I brought the Danzig black clouds of rain with me.”

Of course, the bulk of the credit has to go to Glenn Danzig and the band. They were tight, the tightest I’ve ever seen them. They went nuts. As Danzig sang about “Blood, like a crimson highway, spreading out from his forehead to the ground,” he charged across the stage, before holding the microphone out to the crowd to sing along. When he yelled “Go fucking crazy” during “Bringer of Death,” people did. When he hit the last song, “Mother,” it didn’t seem like there was a single person who didn’t know the words. The music boomed into the night, gripping everyone, pulling them in. I’ve seen Danzig many times, and this was quite possibly the best.

As the crowd dispersed, Johnny Kelly tossed his drumsticks from the stage. I’m not one to fight for shit thrown from stage, but one of his drumsticks bounced off the back of the girl in front of me (she ducked) and landed at my feet. I figured it was mine. I picked it up and immediately saw a set of hands grabbing for it. After seeing such an awesome show, it was hard for me to conjure up a pissed off face for the guy, but I did my best. He got the message, awkwardly withdrawing his hands, saying “Those are just like the drumsticks I bought yesterday.” I shrugged my shoulders and walked away, replaying the set in my head. Here’s how it went down:

• Skin Carver
• Twist of Cain
• Am I Demon
• Tired of Being Alive
• Long Way Back from Hell
• Her Black Wings
• How the Gods Kill
• Do You Wear the Mark?
• Brand New God
• Satan’s Crucifiction
• Bringer of Death
• Unspeakable
• Black Angel, White Angel
• Mother

Despite slamming around a few rows back from the stage, I checked my pocket and the cookie I had stowed away earlier was still in one piece. Evil doings, man! Tasty evil doings!

Sunday Post-Fest Fun!

Ah! Why did it have to end? Couldn’t it go on forever? Oh well. There was still one last nugget of fun to squeeze out of the weekend. Kate and I wandered to Beerland. Eagle Claw wrapped up and Easy Action took their turn. Easy Action, if you don’t know is John Brannon’s other band. His voice is just as soul-crushing and angry as it is in Negative Approach, only more depressed. Easy Action is rock ‘n’ roll for suicides. They ran through “Friends of Rock & Roll,” a Cheap Trick cover and some others while some annoying punk scenesters stood in front of the stage and waved at their friends in the back of the room. Bah. I grabbed the set list and we wandered over to Red 7.

We walked past King Khan & BBQ, who actually sounded so tight that I thought they were a recording at first, and went outside to see the Forgetters, featuring that weiner from Jawbreaker. This is the only dude in the world who would check the microphone at a punk show by reading poetry. “How does that sound?” the sound guy asked. “It sounds like John Keats, which always sounds good.” I rolled my eyes. I continued rolling my eyes through the first song, trying to fight off the fact that it was actually pretty awesome. Pretentious as fuck, but awesome. I imagine the weiner slaving over those lyrics deep into the night. The work paid off. It was a great set, and he didn’t make any fucking Danzig jokes.

The Stars of Aqua Teen Hunger Force Live took place at the Alamo Drafthouse Lake Creek. Mojo Nixon played at the Continental Club. Fun Fun Fun Fest took place 11/07/09 and 11/08/09 at Waterloo Park in Austin, TX. Afterparties were at Red 7 and Beerland.

Every Friday, we will be bringing you this bite sized guide to things going on that we find interesting for the next seven days to follow.

Saturday, November 14th

Craig Finn, Tad Kubler of The Hold Steady, and some guy named Chuck Klosterman are doing a 1PM happy hour at Le Poisson Rouge.  Ten bucks.

Another Hold Steady member (and guy soon to be published on Julius Singer Press), Franz Nicolay plays with one of our favorite bands, The Shondes, and also Soft Power, featuring Mary Timony for a night called Hartzveytik! A Heartbreak Survival Society Social.  @ Southpaw, 8PM. Ten bucks.

Sunday, November 15th

If you have 35 bucks and want to schlep out to the the 92nd Street Y on Upper West Side, then by all means, go listen to Max Brenner talk about chocolate, and his new book about…chocolate.  Be advised, I don’t think there will be chocolate, but I could be wrong.

Monday, November 16th

The Jesus Lizard got back together for whatever reason.  Just watch this video, and don’t ask questions.   At the Fillmore at Irving Plaza, 25 bucks.

Tuesday, November 17th

Chris Leo hosts a night of  “lyrics vs. poetry” at Lolita Bar in NYC.  Appearing are Danny Leo (yes, he is related to the host), poet Chelsea Hodson, and more.  It’s free, and there are five dollar margaritas.

Jonathan Lethem will make a trek from Park Slope to Williamsburg to appear at Spoonbill and Sugartown at 8PM.  Free.

Elvis Costello is appearing at Barnes and Noble in Tribecca to pimp out the DVDs from season one of his show, “Spectacle: Elvis Costello With…“.  Free.

Wednesday, November 18th

WORD presents a reading of the book State by State by editor Sean Wilsey and writer Jed Lipinski at 7:30PM.  Free.

Thursday, November 19th

Our very own Vol. 1 Brooklyn Storytelling series will takeover Bar Matchless for one last time in 2009 with what we gotta say is a pretty phenomenal lineup featuring Porochista Khakpour, Aaron Hartman, Tobias Carroll, Clay McLeod Chapman, and Claire Shefchik.  Starts at 8PM, and is free.  Facebook invite is here.

Friday, November 20th

We are gonna guess tUnE-yArDs are going to be huge. Go see them free in Greenpoint at Permanent Records.

Cover to Girl Groups, Girl Culture (Routledge, 2007); image courtesy of routledgemusic.com

For financial reasons, I was only able to swing one day of Fun Fun Fun Fest so I’m blogging while many in this fair city are catching some good music in Waterloo Park. Although, admittedly, if you’re gonna do one day of the festival, I think yesterday was the way to go. I got to check several bands I’ve never seen before off my list: No Age (who I’ve missed by a marrow margin at least three times), Jesus Lizard, Pharcyde, Les Savy Fav, and Death.

But if you have the scratch, please make sure everyone sees one of Mika Miko’s last shows ever on the black stage at 2:55. I might try to get down there later just to hear it from the other side of the fence.

Mika Miko’s exceptional presence on this year’s bill seems as good a place as any to remember that, as Melissa at GRCA astutely pointed out in her recent post, this year boasts a very dudecentric line-up. So I’ll review Jacqueline Warwick’s book Girl Groups, Girl Culture: Popular Music and Identity in the 1960s book in the hopes that at least one historically significant girl group or all-female band will reunite for next year’s FFFF like Death did this year. And like the Shangri-Las did at CBGB’s in 1977.

As much as I hate comparing women’s work so as to pit them in opposition, Warwick’s book is a tremendous example of how effective it can be to narrow the scope of the cultural moment being covered, something I wish Charlotte Greig would have considered when penning her book on girl groups. While Greig truncates the history of the girl group era in order to broaden the definition of what a girl group is, Warwick focuses primarily on this brief but important moment in history (roughly between 1958 and 1965), considering its ongoing influence as an epilogue.

By taking this approach, Warwick considers the girl group era and its participants from several different, often surprising, areas of inquiry. As a result, she proves the cultural signficance of a popular form dismissed by many as superficial, polished, and phony who instead tend to favor rock music’s supposed transcendent raw authenticity, and argues strongly that this binary construction is inherently gendered. Duh, and amen.

Warwick posits that one of the most important things about the girl group era was its insistence on putting girls and young women in the spotlight, introducing a complex, celebratoryn and at times contradictory performance of what the author calls “girlness”. Often, these ladies were working class, and of African American or mixed racial and ethnic heritage. They had few options for financial mobility and minimal career prospects being marriage, motherhood, clerical jobs, and day labor. Forming vocal groups together and cutting records gave them access to other opportuntities toward professional advancement and personal growth, expanding the idea of girlhood as an identity across race and class lines. 

Sometimes these groupings resulted in the cultivation of considerable, devoted fan bases that, in The Supremes and The Ronnettes’ cases, were comparable to Beatlemania. Some of those fans were even other male-only rock bands, like The Beach Boys, The Beatles, and later, The Ramones. Take that, pop-rock, girl-boy binaries!

In other words, I’m telling you to read this book.

One thing I appreciate about Warwick’s book from the outset is the celebration of the female voice. As I’ve long believed and argued extensively in this blog, we cannot give short-shrift to singers. While they can assuredly be tokenized and objectified, but they can also be empowered, embodied, and forge their own agency. Heartenly, she finds much going on with the voice, a distinct instrument no matter how it may have been manipulated or homogenized by label owners like Motown’s Barry Gordy and producers like Phil Spector and his overwhelming wall of sound. She hears the genteel precision of Diana Ross’s soprano, the urgent purr of Ronnie Spector’s husky alto, the untrained wavering of Shirelle Shirley Owens’s pitch, the gutteral inflections on Supreme Florence Ballard’s tone, the put-on nasal affectations of Broadway-trained groups like The Angels, the racial dimensions of Dusty Springfield’s blue-eyed soul, and the teenaged monotone of Shangri-La Mary Weiss.

She also hears these girls singing to one another, often in their own forms of feminine dialect and for the purposes of providing support and advice. On record, acts like The Dixie Cups, The Crystals, Betty Everett, and The Velvelettes would pepper their songs with seemingly nonsensical words and phrases like “iko iko,” “da doo ron ron,” “shoop,” and “doo lang doo lang,” often provided by backing vocalists as a means of support for the lead vocalist, who might be intimating her feelings about burgeoning romance or her conflicted feelings in the aftermath of a break-up.

Often, these girls were providing one another moral support and providing advice as well. While Warwick notes that advice songs tended to be the domain of girl groups with African American members like The Velvelettes, The Shirelles, The Chiffons, and The Marvelettes, they often imparted wisdom to their audiences that they learned from their mothers or their sisters, as well as sharing what they’ve learned from their own experiences. In doing so, these songs provided a counterargument to the assertion that girl groups only sang about boys and also expanded female discourse in popular music by including the words and experiences of generations of women into then present-day pop songs by girls.  

It cannot be ignored that while many girl group songs were written by men, not all of them were. As mentioned elsewhere, Brill Building stalwarts like Cynthia Weil, Ellie Greenwich, and Carole King were of paramount importance to the era. Many of these women, like Greenwich, wrote about seemingly teenage issues like young love and treated it as legitimate, at times giving it life-and-death importance, as she did on The Shangri-Las’ “Leader of the Pack.” 

King is a particularly interesting case as well. Before striking out on her own as a solo artist, she wrote many important songs for girl groups. Some songs, like The Crystals’ “He Hit Me (And It Felt Like a Kiss)” address the troubling and dangerous aspects of patriarchy and oppression, and have been covered to harrowing effect by bands like Hole and Grizzly Bear.

Other songs King penned gesture toward the era’s prescience regarding shifting cultural attitudes toward feminism, female agency, and sexual autonomy, as on The Shirelles’ anthemic “Will You Love Me Tomorrow?” 

Girl groups were also clearly singing with one another, as girl groups often were comprised of siblings and relatives who wore matching outfits and performed intricate choreography to suggest that these girls were a unit, despite at times having clearly defined lead singers and stars who (especially in Diana Ross’s case) were thin and had a more conventional look and sound.

It was this image coordination that made The Ronnettes able to ingratiate night clubs when they were underaged, gave them the confidence to perform at those night clubs, and provided them with a sense of belonging that made them tough enough to brave any New York City street. It also makes this sense of actual or engineered sisterhood and camderadie seem especially fragile when success encroaches on it, as the tragic dimensions of Estelle Bennett and Florence Ballard’s post-girl group lives remind. 

Warwick shies from making any explicitly queer connections to girl groups beyond passing references to Springfield and Lesley Gore’s orientations and their relationships with the closet. I would have liked a bit more discussion of the queer dynamics of the groups’ homosocial bonding both on- and off-record. A brief appraisal of queer fandom (seemingly most pronounced among certain circles of gay men, though not exclusively) would also have been appreciated.

That said, I do appreciate Warwick reminding her readers of girl groups’ continual impact. As this is the section of the book that gets less focus, it would be worthwhile to read Warwick’s and Greig’s books together to get a larger sense of how punk, hip hop, and contemporary pop music were influenced by girl groups.

I would hasten to add country music to the list of genres that were shaped by this era. Given last night’s Saturday Night Live, which featured crossover star Taylor Swift as both host and musical guest (a rare opportunity for most pop stars, unless they are Justin or Britney). Watching her play a brace-faced teenager in a skit about parents who are worse drivers than their kids and her performance of “You Belong To Me” complete with careful, song-appropriate gestures, it was clear to me that the girl group era continues. As Mika Miko performs one of their last shows later today, I’ll wonder where it’ll permeate next.

Did everyone have a nice Halloween? Mine felt like it had been planned for too far in advance. It resulted in a night of stressful bike riding from one crowded punk show to another.

Despite having RSVPed and received invitations to the vice Bad Brains / Jesus Lizard show, there were still typical vice problems. About a million people showed up. It’s like the vice marketing staff found a way to exchange $1 bills for one obnoxious hipster each showing up at their party.

Here’s a couple of the DON’Ts that waited to get into that show. Seriously though, did anyone get in besides rich people I don’t know from Manhattan? I’m jealous of how artfully that magazine sold out, rich people fucking love it!

Anyway Halloween was rad and I got liquid latex in my eye. I was a RETWEET of the AndrewWK (no link), and I better have won his costume contest because he keeps blowing off the results.

First, since not all of you are familiar with Tomahawk, a bit of background information may help explain their off-kilter brand of rock music.  The group was founded by vocal legend  Mike Patton (of Faith No More and Mr. Bungle fame) and cult guitarist Duane Denison of  The Jesus Lizard.  Rounded out by  John Stanier of Helmet fame on drums, the album Anonymous is their first release without a bassist.

Without a fourth member for this release,  the group set out to make a highly ambitious record: taking ancient Native American songs and reinterpreting them with modern rock instrumentation.  But this is hardly your standard world music album.  Dark soundscapes ring out in the track Ghost Dance, distorted guitars frequently make themselves prominent  and a number of songs have the frantic stop-start dynamics Patton’s other group Fantomas is often known for.

When I first heard this strange album, I wasn’t sure what to make of it.  On the one hand, I was clearly dealing with talented musicians and knew I should appreciate what I was hearing.  On the other, I felt I might be dealing with self-indulgent oddities from musicians tired of playing for the masses. After repeated listens, something clicked.  I  found myself walking through town humming Crow Dance to myself and I realized the genius.  I decided to delve back again and found everything I’d been looking for but had failed to see.  If you want to be taken to another time and place by an album, you should check it out for your own sake.

If you want to hear more of this  album, please purchase it at your local independent record store or directly from the artist. Please leave me love letters and comments  regarding this album if you found it of interest.

Listen to the track Antelope Ceremony from this album.

Go to the artist’s official site.

Pitchfork è sicuramente il centro nevralgico della musica “”"”alternativa”"”" su internet, o almeno il centro da me conosciuto, il che non è una cosa di secondaria importanza.
In ogni caso la crew di questa mecca della musica su internet (ma non solo, siccome organizzano anche uno dei migliori festival al mondo in quel di Chicago) [lettore meno esperto impara a commuoverti a comando ogni volta che leggi il suddetto nome mentre si parla di musica, due nomi a caso usciti da un paroliere di tutti rispetto: Touch and Go e Jesus Lizard] ha deciso di compiere una certosina lista di tutti gli album, singoli, ristampe, EP e DVD a venire in questo autunno 2009.

Nella lista compaiono oltre ai, guardacaso, Jesus Lizard, Kraftwark, Alela Diane, Nirvana, Built to Spill, Neutral Milk Hotel, Misson of Burma, Port O’Brien, No Age, Editors, Fuck Buttons (presto in italia!!), David Bowie, Morrissey e tanti tanti tanti tanti tanti altri (immagino non riusciate neanche ad immaginare quanti).
Quindi dateci un’occhiata che non fa mai male: the lunghissima lista.

DARK NOUVEAU – USA TOUR 2009

MALLEUS, will be returning to San Francisco this year under the tour banner DARK NOUVEAU. The following events are a celebration of “DARK NOUVEAU,” a return to the roots of poster creation. DARK NOUVEAU evokes equally the fin de siècle style of Toulouse-Lautrec and 1960’s San Francisco Psychedelia – and operates here as a manifesto of reinvention and revision – aimed at connecting to the poster movement of the Decadent Period to the Belle Epoque and folding it into the Psychedelic Period to the present modern global silkscreen movement.

DARK NOUVEAU opens at 7pm • Saturday, October 10 at ARTROCK GALLERY • 893 Folsom Street in San Francisco New works by MALLEUS • Alan Forbes • Chuck Sperry and Ron Donovan of the Firehouse

DARK NOUVEAU opens at 7 pm – VARNISH FINE ART GALLERY • Friday, October 23 MALLEUS • Alan Forbes • Chuck Sperry and Ron Donovan of the Firehouse • Dave Hunter

DARK NOUVEAU at WEST FEST
A limited edition silkscreen series celebrating the 40th Anniversary of Woodstock will be presented by artists: MALLEUS • Chuck Sperry • Ron Donovan • Dave Hunter – look for our table at Speedway Meadow, Sunday afternoon, October 25

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TRPS
The Rock Poster Society’s Festival of Posters 2009 at the Hall of Flowers • Golden Gate Park • Saturday, October 10 • 10 am to 6 pm
Exhibiting this year will be:
PNE (Post New Explosionism: Emek, Justin Hampton, Jermaine Rogers), Malleus (from Italy), Drowning Creek Studios (Jeff Wood with Johnny Thief), Burlesque of North America, The Firehouse (Chuck Sperry and Ron Donovan), Wes Wilson, David Byrd (of Fillmore East fame), Stanley Mouse, Brad Klausen, Victor Moscoso, Dave Hunter, Gary Houston, Lee Conklin, S.F. Rockposters, David Singer, Randy Tuten, Alan Forbes, Justin McNeal, Marq Spusta, Billy Perkins, Paul Imagine, David D’Andrea, Bob Cohen (Avalon co-founder), Chris Shaw, Alex Fischer, Eric King, Carolyn Ferris, Tea Lautrec Litho, John Seabury, Gregg Gordon, John Howard, Cahoots Graphics (Dennis Loren), Ryan Kerrigan, fillmoreposters.com, Jim Pierce, Pat Ryan, Perry Pfeffer, Dano Kuhlken (DKNG Studios), Connected Music, Larry Freeman, Cliff Yamasaki, Vince Dugar, Political Gridlock, Sherwood Donahue, Helie Robertson, Tom Hill, Kris Mikkelson and Ron Schaeffer.

Ketsueki, our brand new artprint ready for TRPS in San Francisco. Ketsueki, our brand new artprint ready for TRPS in San Francisco. We’ve prepared a lot of posters for the events we’ll be attending. We’ll have the brand new Art prints (Tomorrow never knows, Watching You, Ketsueki, Dark Nouveau and the unveiled ‘Ombra’), some old rare posters, some new ones (like the Jesus Lizard and NIN) and some very limited edition AP (design only versions of posters, like MOGWAI on black paper, Jesus Lizard on polypropilene and more).

Then there’s a last artprint for the show at Artrock.: “OMBRA”
We’ll keep it secret, and we won’t say a word about the other prints we’ll have for this show.

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“AMERICAN ARTIFACT: The Rise of American Rock Poster Art” Screening at The Roxie Cinema • 3117 16th Street • San Francisco Sunday night • October 25 • 9:15 pm Q&A with special guests Chuck Sperry Ron Donovan of the Firehouse • Winston Smith • Chris Shaw • Dennis Loren • Paul Imagine • Malleus

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UFOMAMMUT 2 EXCLUSIVE GIGS!!!!

Moreover we’ll be also playing 2 exclusive gigs with Ufomammut, the band featuring 2/3 of Malleus plus Vita.

- October 16th Live@NOMAD , 1993 Blake Ave, Los Angeles, CA 90039 – USA
- October 24th Live@ Varnish, 77 Natoma St., San Francisco, CA 94105 – USA

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WATCHING YOU!

Handmade Silkscreen – 7 colors on heavy white paper – 70×70cm – LTD of 95 pieces

This poster was originally realized for a carnival party, so we imagined the cow of the famous cover of Pink Floyd’s “Atom Heart Mother” masked as Gene Simmons of Kiss. We’ve always loved this image, so we decided to realize it in a large size as a handmade silkscreen. First of all for hanging it in our living rooms… ahaha It’s a 7 colour print  of about 70 x 70 cm (that is, if I’m not wrong, 27 x 27 inches) on heavy paper. We’ve used a light blue metallic ink, a deep green, a prismatic gold/pink for the shadow on the cow and a metallic black. Well, apart from red, brown and green. We’ve recorded all the printing process and You can see all in the video below. It’s been fun, we usually print on smaller sizes, so we had to change some of our “printing habits”. We’re also working with new inks, so the colours are more vivid and metallic comes out of the paper.

TOMORROW NEVER KNOWS

There’s a new Beatles museum in Hamburg, celebrating the Beatles formative days on the Reeperbahn.
It’s called the Beatlemania Museum. It has five floors, 1300 square meters of Beatles stuff, a yellow submarine… it’s a huge tourist attraction, right on the Reeperbahn near where Flatstock Europe is located.They have exhibition space, and they’ll host a show of Beatles-themed art prints before, during, and after Flatstock. The show begins on September 24th, with an opening event at 7:00 PM. Thereafter, it will be open from 10-10 and is free to anyone with a Reeperbahn Festival pass. We’ll be a part of the event and we’ve create an art print, as a visual interpretation of one of our favourite Beatles song: “Tomorrow never knows”, from the album “Revolver“. The poster is a 6 colour handmade silkscreen on heavy cardboard and it’s a big size one: cm 60 x 90 (23 x 35 inches). Run is 100. It’s obviously inspired by the lyrics of the Beatles song and from the Timothy Leary words “Turn off Your mind, relax and float down stream”. There are 4 ‘Acid Beetles’, like blotters, on the tongue and hand of the woman coming out from the third eye that is like a pool of ink. Eye is linked to the sky descending from the brain on top.At the bottom of the poster there’s the infinite symbol, like a loop “to the end of the beginning”, like the song itself, an incredible drone song of the ‘66. It’s been amazing for us to work on this poster, Beatles are one of our favourite bands ever and ‘play’ one of their songs with our inks has been great.

AVAILABLE NOW!!!  —-> INCOMING CEREBRAL OVERDRIVE ‘CONTROVERSO’

ONLY 300 copies handmade silkscreened and numbered

L’interview, ses joies et ses peines. Parfois, tu y vas en super-héro de la rock attitude, les mains dans les poches et la mèche au vent, comme si tu savais par avance que le plan allait se dérouler sans accrocs. Ce qu’on dit moins, c’est qu’il y a des fois où sans crier gare, l’insécurité linguistique te colle un trac pas croyable et le trac redouble quand tu réalises que tu es en route pour aller cuisiner (et cuisiner, c’est souvent emmerder) en face à face l’un des groupes de rock qui t’a le plus considérablement marqué au même titre que Captain Beefheart, Public Image ou les Melvins, le groupe le plus emblématique de la scène dite « noise-rock » de Chicago et d’Ailleurs, un groupe cité à tout bout de champ (à tort ou à raison) par ses pairs et par la critique et dont Steve Albini a dit « Dans quelques années Jesus Lizard, en terme d’impact, sera l’équivalent de Led Zep ou des Stooges », un groupe dont l’ombre irrévérencieuse plane sur un gigantesque pan du rock indépendant depuis le début des 90’s jusqu’à nos jours, enfin, une véritable bête de live qui vient de rempiler pour une trentaine de dates inespérées en formation originale après plus de dix années de silence radio. Alors quoi ? Alors rien bon Dieu. Tu colles tes mains moites au fond de tes poches, tu prends l’air dégagé et tu le fais, c’est tout. En arrivant au café de la musique de La Villette, David Yow et David Wm. Sims sont encore occupés avec Tracks. On en profite pour prendre discrètement la température avec Duane Denison, le renard gris. Euh, ça t’emmerde les interviews ? « Je serai emmerdé le jour où on ne nous posera plus de questions. On en profite tant qu’il y a encore des gens qui s’intéressent à nous ». Bien, c’est noté. Sauf qu’il manquait quand-même une précision de taille : SURTOUT, NE LEUR PARLEZ PAS DE LEURS PROBLÈMES.

Comment se passe la tournée ?

(Silence… Soupir général, les yeux au ciel. Tout le monde feint d’en avoir déjà plein le dos.)

David Yow : Allez, Duane…

Duane Denison : En fait, ce n’est pas vraiment une tournée. On joue par petits groupes de deux ou trois dates ici et là. On a fait trois concerts en Angleterre. Ensuite, on a eu pas mal de temps libre et là on enchaîne à nouveau avec deux ou trois dates. Donc je n’appellerais pas ça une tournée mais plutôt une sélection de concerts choisis. Jusqu’à présent c’est génial… Que du bonheur. Le premier concert (le 9 mai dernier au ATP festival à Minehead, en Angleterre) a été particulièrement intense et chargé en émotions. C’était vraiment bon de se retrouver sur scène ensemble. Ça faisait 10 ans, 15 ans qu’on était passés à autre chose et ce concert m’a vraiment rappelé pourquoi j’aimais tellement ça à l’époque (Ils font tous semblant de pleurer).

Ça vous manquait ?

D.Y. : Plus maintenant (Rire général). Ça y’est, ils me fatiguent déjà.

Quand on s’était eu au téléphone pour Qui l’année dernière, tu m’avais dit qu’une des choses les plus tristes dans ta vie, c’est que ça faisait dix ans que tu n’avais parlé à Mac.

D.Y. : C’est vrai. Je n’avais pas parlé à Mac depuis dix ans et ça faisait douze ans qu’on ne s’était pas vus. Quand on s’est reparlé au téléphone, on se disait que le jour où on allait se revoir on se mettrait sûrement à pleurer comme deux gros bébés. Et finalement quand on s’est revus, on n’a pas pleuré, on s’est marré, on gloussait, c’était bon. Toute à l’heure, on discutait des surnoms qu’on se donnait entre nous – David en a fait une liste sur son blog. L’un des surnoms de Mac était Laffy The Tallest Elf.

D.D. : Il y avait aussi Merrymac, Monitoring Merrymac…

David Wm. Sims : …The Mystical One, The Malingerer (Ndlr : Parmi les meilleurs de la liste, on trouve aussi Sawed-Off Alcoholic Midget ou Constant Comment pour David Yow, Silver Fox ou Half a Woman pour Duane Denison et Four-String Napoleon pour David Sims. Liste exhaustive ici : http://davidwmsims.wordpress.com/2009/05/05/back-to-blighty).

D.D. : Tiens, voilà Mac justement.

Est-ce que vous diriez que cette tournée, c’est « comme au bon vieux temps » ?

D.D. : C’est un peu différent. On a tous vieilli et quand tu vieillis, tu as automatiquement plus de responsabilités. Tu ne peux plus te permettre d’être aussi insouciant qu’avant, d’être constamment défoncé, bourré, enfermé dans ton petit monde.

(Mac McNeilly arrive. Je lui explique le principe de l’interview : un tour de la discographie du groupe, de Pure jusqu’à Blue. Yow se bidonne…)

D.Y : Haha super, Mac n’était sur aucun des deux !

1989 : PURE (Touch & Go – EP)

(À David Sims et David Yow qui jouaient tous les deux dans Scratch Acid) Au moment où Scratch Acid splitte en 87 et que d’Austin, vous déménagez à Chicago, est-ce qu’il vous parait évident que vous allez rejouer ensemble un jour ?

D.W.S. : Non, pas quand on déménage à Chicago. En fait, on répétait déjà à Austin de temps en temps – je dois encore avoir des enregistrements 4-pistes de ces répètes (Yow lâche un rot phénoménal). Ensuite quand on a déménagé, je faisais pas mal d’allers-retours à Austin pour voir Duane et finalement c’est lui qui est venu s’installer à Chicago.

Je croyais que vous aviez rencontré Duane à Chicago.

D.W.S. : Non, David, Duane et moi, on s’est rencontré à Austin.

D.Y. : Il y a plein d’erreurs sur le net à ce sujet, même sur le site de Touch & Go. Je crois qu’ils disent que le groupe a commencé à Chicago. Ça n’est pas vrai. On a commencé à Austin.

D.D. : David (Sims) a déménagé à Chicago pour jouer dans Rapeman et David (Yow) l’a suivi. J’ai dû les rejoindre un an et demi après. David a toujours été bon pour garder le contact alors que moi je suis particulièrement doué pour déménager et faire splitter les groupes (rires). J’ai donc déménagé à Chicago et Rapeman a splitté.

D.W.S. : Bien joué !

D.D. : C’est vrai, quand j’ai déménagé à Austin les Big Boys se sont séparés. Enfin… On a donc commencé à répéter à Austin dans une maison abandonnée. Et puis les deux David sont partis et j’ai suivi un peu plus tard. À ce moment-là, ils connaissaient déjà Mac qui venait d’Atlanta. Je ne l’ai rencontré qu’après.

Mac McNeilly : Oui, j’avais rencontré David (Yow) deux ans auparavant.

Donc vous connaissiez déjà Mac quand vous avez enregistré Pure (Ndlr : le premier EP de Jesus Lizard a été enregistré en trio avec une boîte à rythme avant l’arrivée de McNeilly dans le groupe).

D.W.S. : Oui, on s’est rencontrés avant de former The Jesus Lizard. Mac jouait dans un autre groupe à l’époque.

D.Y. : Si je me souviens bien, au moment où Scratch Acid s’est séparé, Mac était en tournée avec un groupe qui s’appelait 86. Ils jouaient à Austin et un copain m’a conseillé d’aller les voir. J’étais épaté. Le groupe était vraiment bon mais Mac était particulièrement bluffant. Après le concert on s’est assis au bar et on a discuté un moment. Quand l’enregistrement de Pure a été terminé, on a décidé de voir ce que ça donnerait si on jouait avec un batteur. J’ai repensé à ce mec d’Atlanta et on lui a envoyé de jolies petites cassettes.

M.McN. : C’était très différent de ce que j’avais fait avant mais c’était vraiment le genre de truc que j’avais envie de jouer. Les morceaux de Pure avec la boîte à rythme donnaient une idée assez nette de ce qu’ils pourraient devenir avec une batterie. J’aimais ces morceaux, en particulier ceux qu’on a fini par jouer régulièrement ensemble et qu’on joue toujours aujourd’hui.

« Bloody Mary » ?

M.McN. : Oui, et « Blockbuster ». On a donc commencé par jouer les morceaux du EP avec la batterie – ça fonctionnait plutôt bien – et on a fini par écrire des morceaux ensemble.

Sur Pure, certaines de vos influences sont très nettes – la boîte à rythme fait fatalement penser à Big Black, le son de guitare à Birthday Party, les lignes de basses répétitives à Public Image – comme si ce EP était une sorte de brouillon de ce qui deviendra plus tard LE son de Jesus Lizard.

D.D. : Ce que tu dis est aussi valable pour l’album suivant (Head). Tu peux presque prendre chaque morceau séparément et dire « celui-ci ressemble à tel groupe, celui-là sonne comme tel autre ». Ceci dit, on joue encore deux des cinq morceaux du EP, et quelque-part, ça veut dire que ce disque a bien tenu la route.

1990 : HEAD (Touch & Go)

D.D. : Head est encore un disque qui manque d’originalité. C’est le son d’un groupe qui se cherche, avec les influences dont tu parlais toute à l’heure. Je crois que c’est à partir de Dudley (« Then Comes Dudley » sur Goat) que le son de Jesus Lizard a vraiment pris forme et que nous avons commencé à sonner comme personne d’autre.

D.W. S. : Sur Head, nous avons presque tout écrit à deux Duane et moi alors que Goat a vraiment été composé à quatre. Il y a beaucoup de morceaux que j’avais écrits au moment de la séparation de Scratch Acid et qui trainaient depuis cette période. C’était un genre de vide-grenier : est-ce que je vais pouvoir me débarrasser de toutes ces vieilleries ? On était encore en construction, à essayer de voir ce qui marchait et ce qui ne marchait pas.

D.D. : L’avant-Head est aussi le moment où on a commencé à faire des concerts régulièrement.

D.Y. : Ce qui est intéressant dans la façon dont ça s’est passé, c’est qu’on se connaissait tous les trois depuis le Texas alors que je n’avais rencontré Mac qu’une seule fois. En fait on ne le connaissait pas vraiment. Et je crois que le seul ingrédient indispensable dans n’importe quel groupe, c’est l’alchimie entre les membres du groupe. Par chance, ça a fonctionné à merveille avec Mac. Je veux dire, (tendrement) regarde sa frimousse… Donc au départ il fallait non seulement apprendre à se connaître et dans le même temps écrire des morceaux ensemble. Ça retarde un peu la maturation.

M.McN. : Ça m’a paru vraiment facile de jouer avec eux, même au tout début. Je n’avais pas besoin de fournir des efforts démesurés pour que les morceaux sonnent bien. Travailler ensemble allait de soi.

David, tu peux raconter comment le morceau « Metropolis » a été rebaptisé « Tight N Shiny » ? (Ricanements)

D.Y. : La première fois qu’on a joué tous les quatre en public, c’était dans un club à Chicago qui s’appelait Edge Of The Looking Glass. Avant ça, on n’avait fait que des concerts plus ou moins privés dans des soirées, sur le toit de la maison d’un copain ou dans un magasin de disques. Ce soir là, quand ils ont commencé à jouer « Metropolis » qui est un morceau instrumental, je ne savais pas trop quoi faire de moi. Je me dis qu’est-ce que je fais ? Je vais faire un tour ? Je fume une clope ? Je m’assoie ? Alors je décide de prendre le micro, de le baisser et de poser mes couilles dessus tout en fumant ma clope. Notre vieil ami Steve Albini était là. Il nous a dit que c’était le truc le plus drôle qu’il avait jamais vu. J’étais content d’avoir rendu Steve heureux. Et c’est comme ça que nous avons rebaptisé ce morceau « Tight N Shiny ».

1991 : GOAT (Touch & Go)

D.D. : Comme David le disait tout à l’heure, c’est la première fois qu’on composait vraiment à quatre. On s’asseyait avec des guitares acoustiques, un métronome, Mac tapait sur la table et on voyait ce qu’on pouvait faire de toutes ces idées. C’était très viscéral. C’est comme ça qu’un groupe devrait toujours travailler.

D.Y. : Il faut dire qu’on habitait tous dans le même appartement à l’époque.

D.D. : Oui, il y a eu une période où on ne se quittait pratiquement jamais sauf quand on dormait. On était ensemble pendant la journée et quand on rentrait à la maison le soir, on était encore ensemble. Il nous est même arrivé d’avoir des boulots au même endroit. Je crois qu’on a passé plus de temps ensemble que n’importe quel groupe d’hommes adultes ne l’a jamais fait ! (Rires) C’était assez extraordinaire.

D.Y. : Et tout ça sans jamais se pénétrer les uns les autres (rires).

D.D. : Donc oui, ce disque est un effort à quatre et le résultat est une musique très directe.

Pour moi, c’est avec ce disque que les lignes et le son de guitare sont vraiment devenus la patte Denison.

D.D. : Sur ces morceaux, le son de guitare devient particulièrement clair et agressif et je crois qu’on peut dire que globalement, les parties de guitare sont très simples. Je pense aussi que la façon dont Steve Albini nous enregistrait a contribué à cette simplicité : deux micros face à l’ampli et c’est parti. Ce disque était fait pour ça.

J’ai lu cette histoire quelque-part : Led Zeppelin ou plutôt Jimmy Page est en studio avec Albini. Albini lui passe Goat et la seule chose qu’il trouve à dire à propos de ce qu’il entend c’est « trendy ».

D.D. : Je ne sais pas quoi te dire. Goat était sorti depuis au moins cinq ans. Et bon, j’aime beaucoup Led Zeppelin mais Jimmy Page, merde. Franchement, c’est immonde… Oh et puis laisse-tomber (rires). Tu sais qu’il vit en Amérique, à Nashville, comme moi ?

1992 : LIAR (Touch & Go)

Goat et Liar se ressemblent sur beaucoup de points. Le son, le côté urgent et extrême des morceaux…

D.Y. : Oui, je suis d’accord avec ça. On aurait presque pu en faire un double album.

D.D. : Je pense qu’à ce moment-là, on était de meilleurs compositeurs et de meilleurs arrangeurs. Je trouve personnellement que Goat sonne mieux que Liar mais qu’en revanche, le songwriting et les arrangements sont plus sophistiqués sur Liar.

J’ai l’impression qu’il y a eu un travail différent au niveau de l’enregistrement de la voix.

D.Y. : Je ne sais pas. Il faudrait que je me souvienne des titres de l’album. Peut-être que Steve avait utilisé des techniques d’enregistrement différentes. Il avait des idées délirantes sur la manière d’utiliser les micros. Par exemple sur « Nub» – je ne sais plus s’il est sur Goat ou Liar (Ndlr : sur Goat) –, il y a un moment où je dis « But I have got to hand it to you, you’re taking this extremely well », je le dis comme ça : (s’ensuit une longue flatulence vocale) « we-e-ee-eeee-ee-ll ». À ce moment-là, il avait placé deux micros en face de moi. L’un des deux était fixé et l’autre pendouillait et se balançait d’avant en arrière. Au bout du compte, le produit fini n’est pas forcément plus subtil et je ne dis pas qu’il serait meilleur ou pire si on avait fait autrement, mais ce qui est sûr, c’est qu’on s’est vraiment marré avec ces expérimentations et toutes ces techniques bidon. C’est vrai, quoi de plus drôle que de coller sa tête au fond d’une gigantesque poubelle ?

Une partie de vos die-hard fans estiment que ces deux albums, Goat et Liar, représentent l’âge d’or de The Jesus Lizard. Qu’est-ce que vous en dites ?

D.D. : S’ils le pensent, ça n’est pas moi qui les contredirai.

D.W.S. : On a fait tellement de concerts à cette période. On se connaissait par cœur. On arrivait en studio en ayant beaucoup travaillé les morceaux et on les maîtrisait tellement bien qu’on n’avait aucune difficulté à les enregistrer.

D.Y. : On répétait déjà énormément en temps normal mais on travaillait vraiment comme des brutes avant un enregistrement. Quand on arrivait en studio, on était déjà complètement claqués !

D.D. : Pour nous c’était un mode de fonctionnement normal, un acquis : écrire les morceaux, travailler les arrangements, les répéter encore et encore jusqu’à ce qu’on arrive en studio et là, c’était plié. C’est valable pour tous nos disques. Je crois qu’on n’a jamais enregistré aucun morceau en plus de deux ou trois prises et la plupart étaient dans la boîte dès la première prise. À l’époque on croyait que tous les groupes fonctionnaient comme ça mais ensuite, j’ai réalisé que ça n’était pas du tout le cas. Il y en a qui arrivent en studio avec deux idées qui se battent en duel et qui sont incapables de jouer un morceau du début à la fin. Mais Pro Tools est là, donc c’est pas grave, tu peux réparer ! Il y a des gens que j’ai même dû convaincre de répéter d’abord : « On va prendre quelques jours pour travailler et après seulement on va enregistrer, okay ? ». (Rires) On arrivait à boucler un album en quoi… deux week-ends ? Parfois même en un week-end.

D.Y. : D’une part on bossait beaucoup et on avait les idées très claires sur ce qu’on voulait. Et puis Steve aussi savait travailler très vite. On était donc terriblement efficaces par rapport à un groupe qui va commencer à penser aux arrangements une fois en studio. Rentrer en studio pour répéter…Non sérieux…

D.D. : Et puis ça coûte cher.

Quand tu enregistres avec Albini, tu as quand même intérêt à être bon tout de suite.

D.D. : Oh non, pas forcément…

Ok, il a aussi enregistré des merdes. Ce que je veux dire, c’est que sa façon d’enregistrer t’oblige à être efficace dès les premières prises.

D.D. : Ce qui sûr, c’est que ça n’est certainement pas lui qui prendra des pincettes et qui te dira : « oh c’était super » ou « t’en fais pas, on va réparer ça ». Non, ça serait plutôt le genre de mec à te dire (sec) : « t’aurais surtout dû apprendre à jouer tes morceaux avant de venir ici ! » (rires), ce que je trouve très bien. Il y a des mecs qui ont besoin d’entendre ça même si encore une fois, la plupart des gens s’en foutent pas mal parce qu’ils ont Pro Tools. J’étais à Berlin et je suis tombé sur une grosse émission sur la musique électronique. Ils filmaient ce type, un Allemand, dans son home-studio studio et quand on lui demandait de jouer un de ses propres morceaux, il était incapable de reproduire une pauvre mélodie à un seul doigt. Et le pire, c’est qu’il y avait quand même des types assez cons pour lui dire : « Putain mec, t’assures trop ! ».

Tu te rappelles de son nom ?

D.D. : C’était… Air. Non ils sont français. C’était… Daft Punk. Non ils sont français aussi. (Rires)

À cette époque, vous sortez votre split 7’’ avec Nirvana (Puss/Oh The Guilt, 1993, Touch & Go). Nirvana est alors sur Geffen et vous toujours sur Touch & Go. Comment les gens de Geffen réagissent-ils en apprenant que The Next Big Thing veut partager un 45 tours avec un petit groupe indépendant pour le sortir sur un petit label indépendant ?

D.Y. : En fait, ils étaient encore sur Sub Pop au moment où on a eu l’idée de faire ce split.

D.D. : Je pense qu’à ce moment-là, Nirvana était encore en position de le faire.

D.W.S. : Geffen a été obligé d’accepter même si ça ne leur plaisait pas du tout. Ils nous soutenaient qu’on était bloqués, que ça allait poser des problèmes légaux et si Kurt ne s’était pas battu et s’il n’avait pas été jusqu’au bout, ce disque n’aurait pas pu sortir.

D.Y. : C’est Geffen qui a imposé une édition limitée. Je crois que c’était 50.000 exemplaires pour les États-Unis et autant pour le reste du monde ce qui était énorme pour nous mais franchement ridicule pour Nirvana. C’est la seule chose un peu négative dont je me souviens de la part de Geffen.

Est-ce que la sortie de ce split vous a apporté quelque-chose en termes de public, de ventes, de notoriété ?

D.Y. : Ça n’a pas été si tangible que ça. Je ne crois pas que ça ait fait une grande différence comme les gens l’imaginent souvent.

D.D. : On avait peut-être un peu plus de visibilité à l’époque. Par exemple, on a fait quelques apparitions à la télé en Grande-Bretagne…

D.Y.: (Sarcastique) Oh oui, Top Of The Pops !

D.D. : En tout cas en ce qui concerne le public et les ventes d’album, on n’a jamais observé de pic particulier à ce moment-là.

D.Y. : Et tant mieux parce notre intention n’a jamais été de profiter de leur notoriété pour devenir plus populaires. L’histoire c’est qu’on jouait avec eux dans le New Jersey à Hoboken dans un club local qui s’appelait le Maxwells. Ils étaient vraiment très bons ce soir là. Après le concert, je discutais avec Kurt et je lui ai dit : « Sonic Youth a sorti un split single avec Mudhoney sur Sub Pop ». Alors je ne sais plus qui a suggéré : « Pourquoi on ne ferait pas aussi un split ensemble mais pour Touch & Go ? – Ok, excellente idée ! ». On rejouait ensemble quelques temps plus tard à Denver dans le Colorado et on était à peine sortis du van que Kurt arrive en courant et nous demande : « Bon alors, on le fait ce putain de single ? ». Ensuite, ça a pris un certain temps, pendant lequel ils ont signé sur Geffen… Oui, ça a pris du temps.

D.D. : Je me souviens de ce concert à Denver. Nevermind n’était pas encore sorti mais ils jouaient les morceaux de l’album. Et c’est le seul concert que j’ai jamais vu pendant lequel je me disais : quelque-chose d’énorme est en train de se passer.

D.Y. : Quand on a fait ce concert avec eux à Hoboken, ils avaient joué « In Bloom ». Je n’avais jamais entendu ce morceau avant mais le lendemain, je ne pouvais pas m’empêcher de chanter « He’s the one, who likes all our pretty songs… ».

1993 : LASH (Touch & Go – EP)

En 1993, vous sortez Lash (un 6-titres qui était sorti sous forme de triple 45 tours et qui contenait deux nouveaux titres enregistrés en studio et quatre morceaux live) mais pas d’album studio cette année-là…

D.D. : On était constamment sur la route. Je crois même qu’en 1991, on a passé neuf mois sur la route.

D.Y. : C’est vrai ?

D.D. : Oui.

D.Y. : Putain ! (Rires)

D.D. : Oui, on ne faisait que ça. On devait bien essayer de composer des morceaux sur la route, trouver un riff par-ci par-là… Pour en revenir à Lash…

M.McN. : Je ne me souviens plus, il y avait des morceaux live et une paire de nouveaux morceaux, c’est ça ?

D.D. : Oui, j’aime encore beaucoup ce disque. Je me souviens que pour « Deaf As A Bat », je voulais faire un riff à la Suicide.

M. McN. : Est-ce qu’on parle de Liar ? (Aïe)

D.Y. : Non non, c’est déjà fait. Je crois qu’on parle de Goat ! (Ouch)

D.D. : Mais non enfin, c’est Down. Down maintenant ! D.o.w.n ! (Oui oui j’ai compris, vous en avez plein le cul…)

D.Y. : Oh et puis de toute façon Mac ne joue pas sur ce disque ! (C’est facile de se moquer)

1994 : DOWN (Touch & Go)

(On enchaîne ?) Est-ce qu’après Goat et Liar, ça vous semblait difficile de faire un disque sans vous répéter ?

D.D. : Très honnêtement oui. D’un côté, tu as ton propre truc et ça fonctionne bien. De l’autre, tu ne veux pas refaire ce que tu as déjà fait. Tu te retrouves donc dans une position difficile. Si tu refais la même chose, on va dire que tu te répètes. Et si tu pars dans une autre direction, on va dire « Oh ces mecs sont des vendus, ils sont désespérés, ils avaient de bonnes idées pourtant, mais là… »

Est-ce que vous n’avez pas eu le même genre de problèmes avec Shot et Blue ?

D.D. : Wow, wow, wow ! (Rire général. Et de plus belle :) Wow, wow, wow, wow ! Ne me parle pas de mes problèmes ! Tu ne me connais pas assez (Rires. Yow a du mal à s’en remettre. Moi aussi. Je veux ma maman). À ce moment-là, on n’habitait plus ensemble et le temps qu’on passait à composer ne suffisait pas.

Vous vous étiez maqués entre-temps, c’est ça ?

D.D. : Ah je vois, les femmes créent des problèmes !

D.Y. : (En français) Cherchez la femme ! (Rires)

D.W.S. : Oui, Mac et moi on s’était mariés. Lui avec Yoko et moi avec Oh No. (Oulah)

D.D. : (Caustique) Oh oh oh oh ! Disons que pour chaque nouvel album, tu as le noyau des morceaux dont tu peux dire « là, c’est bon. Ça fera un bon morceau » et tu construits le reste à partir de ce noyau. Mais parfois, tu sais que tous les morceaux ne seront pas bons. Alors tu essayes d’aller vers ce que tu penses être le plus consistant et cohérent. Down était un album difficile mais il y a toujours des morceaux de l’album que j’aime et qu’on joue sur scène, « Fly », « Destroy Before Reading »…

D.W.S. : Oui, ça a été un album difficile à enregistrer, laborieux. Je crois que c’est le disque de Jesus Lizard que j’aime le moins.

D.D. : En fait, je n’aime pas trop le son de ce disque. Je trouve qu’il ne sonne pas aussi bien que les autres. La voix n’est vraiment pas à son avantage, il y a beaucoup choses qui sont un peu étouffées ou trop basses. Écoute « One Evening » sur Head. La voix est bang !, claire, forte et percutante. Et maintenant écoute les voix sur Down, elles ne vont nulle part !

David ?

D.D. : Oh, il écoutait pas de toute façon.

D.Y. : Est-ce que j’étais stone ?

D.D. : Parfois.

1994 : SHOW (Collision Arts/Warner – Album live)

Sur scène, il y a cette dichotomie totale entre David (Yow) et vous…

D.Y. : Tu parles de Liar ? (Oh no…) Oui, je prends autant d’espace que trois hommes réunis.

… presque comme si vous vous en foutiez complètement et qu’il pouvait se passer à peu près n’importe quoi.

D.Y. : (Denison-esque) Wow, wow, wow. Ne me parle pas de mes problèmes ! (Maman ?)

D.D. : On ne s’en fout pas mais je vois ce que tu veux dire. Il y a cette sorte de machine qui avance toute seule et à côté il y a cette espèce de… de singe savant (Rires). (Théâtral) Il y a les génies en blouse blanche et il y a le clown de cirque ! Il y a l’orchestre de chambre et il y a l’opéra-bouffe ! (Tout le monde se marre et parle en même temps).

Vous n’avez jamais eu envie d’intervenir quand ça commençait à dégénérer ?

D.D. : Pourquoi faire ? (Il se bouche le nez) Pour devenir un clown moi aussi ? Pour me la donner tellement à fond que je m’évanouis et que j’oublie tous les morceaux ? (Rires) Non, merci ! Pour ce qui est d’essayer de le tenir un peu, si, ça nous est arrivé bien sûr. Ça se passait comme ça : « Tu la vois cette bouteille de Whisky là ? T’EN AS EU ASSEZ ! ».

D.Y. : On avait un petit jeu avec Duane. Avec les riders, on savait exactement combien de bières et de bouteilles de whisky on allait avoir et Duane s’amusait toujours à planquer le whisky. Je trouvais ça très drôle sauf quand je ne trouvais pas la bouteille.

D.D. : J’étais obligé de planquer la bouteille dans la loge, c’était la règle. Pas dans le parking ou je ne sais où, toujours dans la loge et à force, il m’est arrivé d’avoir de bonnes idées. Je crois que mon meilleur coup, c’est quand je l’ai cachée à l’intérieur du distributeur de serviettes en papier.

D.Y. : Ils ne m’ont jamais vraiment fliqué sauf quand j’avais vraiment trop picolé et que je dépassais les bornes. C’était pas bon pour le groupe. Ils se contentaient de m’en parler après-coup mais ils n’ont jamais essayé de changer quoi que ce soit à la manière dont je me comportais.

Ça t’est déjà arrivé d’être sobre sur scène ?

D.Y. : Oui, il y a un moment où j’avais arrêté de boire. J’ai dû faire trois concerts en étant sobre et j’ai détesté. Au bout d’un moment, j’ai arrêté de boire tous les jours. Je buvais seulement pour les enregistrements ou les concerts.

Quand tu étais sobre, ce qui te gênait c’est que tu avais l’impression de faire semblant ?

D.Y. : Exactement. Je ne sais pas si ça en dit long sur qui je suis mais… je suis un faible.

D.D. : On est tous un peu comme ça, on a tous besoin d’un remontant avant de jouer, c’est plus marrant. Quand tu vas voir un concert, tu es sobre du début à la fin toi ?

Non.

D.D. : Voilà. Ça enlève un peu de gravité à la situation parce que dans le fond, ça n’est pas si sérieux.

1996 : SHOT (Capitol)

Vous signez donc sur Capitol. La maison de disque vous laisse-t-elle une liberté artistique totale ?

D.D. : Oui, on a fait exactement ce qu’on voulait. On a demandé à Garth de produire le disque.

Vous vouliez vraiment bosser avec Gggarth dès le départ ou est-ce qu’Albini a jeté l’éponge quand vous avez signé sur Capitol ?

D.W.S. : Non pas du tout. On a embauché Garth parce qu’on voulait vraiment que ce soit lui qui produise le disque. On aimait particulièrement ce qu’il avait fait avec les Melvins (Ndlr : Stag, Stoner Witch, une partie de Houdini). Je crois que c’est Houdini qui m’a mis la puce à l’oreille. En tout cas, on n’a pas changé notre façon de bosser.

D.Y. : Toute à l’heure, Duane parlait de la manière dont on arrangeait les morceaux et il faut dire qu’avec Garth, c’était la première fois qu’on faisait ce qu’on appelle de la pré-prod. Il venait chez nous, il assistait aux répètes, il écoutait les morceaux. Je me souviens qu’une fois ou deux, il nous a arrêtés en plein milieu en disant (en bégayant) : « c-c-c-c’est b-b-b-bien m-mais je-j-je pense que vous devriez j-j-j-ouer cette partie p-p-p-lus longtemps avant de passer à la su-u-suite ». Il a essayé de réarranger certains morceaux – en particulier « Blue Shot » qu’il voulait refaire du début à la fin. On n’était pas contre le principe, on a essayé des choses, sauf qu’aucune de ses idées n’a jamais marché. Donc on a fini par faire exactement ce qu’on voulait faire.

D.D. : Ce que tu entends sur l’album, c’est exactement la façon dont on joue les morceaux.

D.Y. : On n’a jamais fait les trouducs avec lui. En fait, il était d’accord, il approuvait totalement le fait qu’on refuse ses arrangements.

D.D. : Je me souviens, quelques jours avant qu’on commence, il voulait absolument qu’on aille faire du shopping pour acheter du matos, des effets, ce genre de trucs. Mais pourquoi faire ? On sait comment on veut que ça sonne. Oui, on peut essayer des choses mais je vais pas essayer ce truc simplement parce que ça sonne différemment. Certains groupes ne peuvent pas s’empêcher d’utiliser tout ce qu’ils ont sous le nez en studio : « Oh, un Dulcimer ! Et si on l’utilisait. Et le cithare là ? ». Non, il faut s’en tenir à ses propres idées et le plus important, c’est au contraire de savoir ce que tu ne vas pas utiliser. Si tu veux que ça rock, il faut te restreindre et pas rajouter… des tablas ! En tout cas Shot est pour moi un véritable bond en avant par rapport à Down.

D.W.S. : C’est l’album que je préfère. C’est le grand disque qu’on essayait de faire depuis des années.

D.D. : Je sais qu’il y a des gens qui pensent que cet album est trop sophistiqué, que le son est trop chiadé et ma foi, c’est exactement pour ça qu’on y a passé du temps. Ça m’avait frappé l’année où on a joué au Lollapalooza. À ce moment-là, les radios de Chicago passaient régulièrement les groupes qui étaient à l’affiche du festival. Un jour ils avaient passé un extrait de Down au milieu d’une série de morceaux d’autres groupes et je me souviens avoir été consterné par le son qu’on avait par rapport aux autres. C’était petit, faible et terne.

1998 : THE JESUS LIZARD (Jetset, EP)

1998 : BLUE (Jetset)

Mac quitte le groupe après Shot et James Kimball le remplace à la batterie…

D.Y. : Je crois que l’interview est terminée. Je ne veux pas parler de ce mec.

D.D. : Si parlons-en. Quand Mac est parti, ça n’était plus comme avant. L’alchimie n’était plus la même sans lui. Et c’était quand même marrant de travailler avec Andy Gill (Ndlr : Membre de Gang Of Four et producteur pas toujours « heureux ». Il a produit Blue ainsi qu’une partie du EP).

D.W.S. : Oui, c’était vraiment cool de bosser avec lui. Ce disque aussi a été incroyablement difficile à faire, notamment à cause de tous nos problèmes personnels. Ça n’est pas mon disque préféré mais je suis quand même fier du résultat. Il y a beaucoup de morceaux que j’aime et je regrette qu’on n’ait pas pu les faire avec Mac.

D.D. : Blue est le seul disque qu’on ait fait pour lequel le producteur participait vraiment aux arrangements. Andy Gill faisait le boulot typique du producteur. On respectait beaucoup ses idées.

D.W.S. : Oui, mais il était aussi musicien. Il était très cool et très coopératif par rapport à notre musique. Et le truc qui me surprend le plus quand je le réécoute aujourd’hui, c’est à quel point je le trouve bien.

D.Y. : Il y a quand même une chose que j’aime bien, c’est que c’est un excellent disque à écouter au casque, il a une vraie texture.

Pour beaucoup de gens, Blue est l’album des compromis, celui sur lequel on sent le plus le travail en studio, les samples, les claviers…

D.Y. : Si tu es AC/DC ou les Ramones, tu n’as pas le droit de changer quoi que ce soit. Mais si tu conçois les choses à la façon punk-rock, tu fais ce que tu veux.

D.W.S. : Je crois qu’il y a beaucoup de gens qui ont eu un avis sur Shot et sur Blue avant-même de les avoir écoutés. C’est le cas à Chicago ou dans le Mid-Ouest, il y avait un tas de gens qui étaient incapables de se détacher des années Touch & Go et qui à priori avaient décidé de haire tout ce qu’on pouvait faire après.

D.D. : On s’est fait traiter de lâches, de traîtres, on a dit qu’on avait signé sur une major uniquement dans le but de vendre plus, ce qui était plutôt drôle parce qu’en réalité on vendait moins. À ce moment-là, les gens nous ont tourné le dos.

Et vous, vous aviez l’impression d’avoir fait le tour de la question, que le moment était venu de passer à autre chose ?

D.Y. : En ce qui me concerne, à partir du moment où Mac est parti, c’est devenu un job. C’est ce que je te disais toute à l’heure, le plus important pour moi, c’est l’alchimie entre les membres du groupe.

Mac, qu’est-ce que tu as ressenti en entendant Blue à l’époque ?

M.Mc.N. : C’était très difficile d’être objectif. J’avais été tellement impliqué dans le groupe que j’ai eu beaucoup de mal à écouter ce disque et c’est toujours le cas. Je n’ai pas vécu ce moment avec eux, avec ces trois types avec lesquels je jouais. C’était très étrange d’autant plus que je n’avais pas participé à l’écriture des morceaux. Pour moi aussi, c’était fini au moment où je suis parti. Je n’avais aucun ressentiment parce qu’ils avaient continué sans moi, mais c’était juste… étrange. Et quand on s’est enfin retrouvés après tant d’années, tout ça a instantanément disparu. Ça s’est fait tout seul.

Vous êtes toujours en contact avec Kimball ?

D.Y. : Non. Un jour, on a arrêté de jouer avec Mac et le lendemain, c’était 15 ans plus tard.

Nota bene (1) : Dans le feu de l’action, nous n’avons pas pensé à demander au groupe s’il comptait reprendre du service en dehors de cette tournée de reformation. La réponse de David Yow dans une interview pour clashmusic.com : “Même si le concert de reformation de Scratch Acid m’a appris à ne jamais dire jamais, je peux dire qu’en novembre, à la fin de cette tournée de Jesus Lizard, ça sera définitivement terminé ».

Nota bene (2) : Difficile de rendre compte sur le papier de la complicité quasi-fraternelle entre ces quatre types.

Nota bene (3) : Duane Denison préfère de loin Charles Aznavour à Johnny Hallyday.

Francoise Massacre

Publié dans: NOISE MAG #11 (août/septembre 2009)

The National:

Jesus Lizard 1991:

Fugazi:

Tiny Vipers:

Today Jesus Lizard will play in Roma, at Circolo degli Artisti.
As You’ll know we’ve done a poster for their show, it’s a part of the serie Secret Serpents has worked on for them.
Probably the exact name is “THE jesus lizard”, but we’re italians, we’ve mafia and we can do whatever we want. Ok?
We won’t be in Roma, sorry, we’re in Belgium and we’ve no super powers, but the posters we’ll be there for selling at the band merchandise, so check them.
Moreover they’ll be on sale from tomorrow on our webstore and obviously our resellers will have them too, so check around and You’ll find them easily.
Here are some pics of details.
This is the numbering, 166 pieces.
And this is the sign. There’s one in the drawing and one with pencil.
You can also notice the roses.
The keys…
… and the magic wand.
And finally the sleeping fairy.
Ok, it’s all for now.
I’m also happy to tell You our friends of “Edible Woman” will open the show for THE Jesus Lizard and Lorenzer of Lento will play with them tonight. It sounds cool, a pity not to be there!

Finally, don’t forget to run to Leuven now, this evening we’ll have a show.
Check the previous post to know more!

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Listening to Nick Cave and Warren Ellis – “White Lunar”

Was JT at Indie-music fest, All Tomorrow’s Parties in Monticello, NY this weekend.  It sure looks that way!

Timberlake a Jesus Lizard fan?

The Family Curse … good god. When people tell me a band is “crazy” I usually chuckle to myself heartily and think about Edward Ka-Spel. That makes me feel better, usually …

But in this case “crazy” is actually a fairly apt descriptor (hear it for yourself; listen to all 6 minutes of “Bodies in Rooms” for free over there —->). The Family Curse are dollars-to-donuts one of the kookiest combos around, dealing in an unseemly din of death loops, car-crashing crescendos and hyper-banshee shrieks.

Roll Karen O and Get Hustle into a nice little spliff and you have the right idea, but that’s only the beginning. Sprinkle in a liberal dose of Albini (song title “Big Black Mark” is a dead giveaway), along with some PRE, Jesus Lizard, Death Sentence: Panda, Blood Brothers, San Francisco’s Pigeon, AIDS Wolf and maybe even some Sneaker Pimps every so often.

You’re getting close but you’re still not there. Thirteen-minute mega-jaunt “Back in the Water,” in all its fireworks-in-your-face fury, is redolent of none of these bands, nor is “Exodus from the Birds in the Night,” a picturesque drone with pics and hum-bars all over the place.

And Megan Tweed; a lot of times frontwomen of her stripe end up doing more harm than good, but she is an exception. There are times when the Groove calls for more room, room Tweed isn’t willing to give, yet she never ceases to pull new rabbit tricks from her gorilla larynx.

Same goes for her band. All told, The Family Curse should probably tour with Gay Beast if they haven’t already. There’s a lot of creative synchronicity going on here. Not that they sound alike at all, more that they’re both heavy without being metal, hardcore, punk or noise.

Let’s call it post-junk.

http://en.wikipedia.org/wiki/Common_basilisk

On the 21st September Jesus Lizard will play in Roma, here in Italy and we’ve realized a poster for their show.
We’ve thought about the Basiliscus basiliscus, the reptile able to run on water and we’ve imagined a “fairy lizard” looking herself “sleeping” in a pond. She has a bunch of mysterious keys in one hand and a magic wand in the other one.
Moreover, it’s a homage to Ophelia, the character in the play Hamlet by Shakespeare. Well, it’s quite clear, I guess

The poster size is cm 50 x 70 (19 x 27 inches) and it’s on heavy white paper.
It’s a 4 colours handmade silkscreen, as You’ll see in the video below.
We’ve used lots of metallic inks on this one.
The run is 165 pieces.
The poster will be on sale at the gig in Roma and then, after the show on our webstore.
We’ll have it at Flatstock Europe in Hamburg too.

By the way, we’ll announce all the dates of the upcoming european tour very soon
We’re also waiting for the final confirmation of our Californian appearence.
Our friend Chuck Sperry has worked hard to make it happens, just wait a few days and we’ll let You know.
Hope to make it to Los Angeles too and we’re also thinking about coming with Ufomammut. Never knows…
Well, for now, enjoy this new poster!

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Listening to SLEEP – “Holy Mountain”
And it’s always an incredible timeless masterpiece