The Gropius House

Last week I had an opportunity to tour the house Walter Gropius designed for himself in Lincoln, Massachusetts.  Fleeting from Nazi Germany, Gropius immigrated along with much of his personal belongings to Boston, a circumstance that eventually led him to become Professor at the Graduate School of Design at Harvard University and established the architectural firm The Architects Collaborative (TAC), which forever changed the story of Modern architecture in Boston.

Gropius became the founder and first director of the Bauhaus, one of the world’s most important and influential design schools established in 1919 in Weimar, Germany. The school takes its name from Bau meaning “to build” or “building” and haus meaning “house.” Having attended the Rhode Island School of Design (RISD) for a short period of time, I realized how much of an influence the Bauhaus had on other design schools in the world.

The curriculum at RISD and the Bauhaus share many similarities, including the “six month trial period” whereas those who were not “destined” to become true artists were weeded out of their respective program. Although I made it past the six month weeding out period and continued on to the winter session to take classes in film studies, I left RISD for personal reasons, but enough about me, and let’s learn more about the Bauhaus and the Gropius House in Lincoln.

Teachers at the Bauhaus consisted of masters like Wassily Kandinsky, Joseph Albers, Lyonel Feininger, Johannes Itten, Laszlo Moholy-Nagy, Paul Klee, Marianne Brandt and Marcel Breuer among others. Its principles were drawn from the Arts and Crafts Movement, but whereas William Morris and his circle rejected the machine, the Bauhaus embraced it in order to provide everyone in society with access to art and good, affordable design. There is no such thing as a “Bauhaus style,” each and every one of the masters at the school encouraged the experimentation in all the arts.

The influence of the Bauhaus still resonates with us today. The furniture we see for sale in stores like Target, Walmart, Ikea and others have all been influenced by the school. The Gropiuses owned an important collection of furniture designed by Marcel Breuer, Saarinen, Aalto, Marianne Brandt and others. Some of the artwork was created by artists like Spanish Surrealist Joan Miro, Lazlo Moholy-Nagy (whom I’ve fallen in love with), Henry Moore and Ati Gropius Johansen; Walter’s daughter.

 This semester in my seminar on Boston Architecture, I have been learning that Massachusetts was a hot bed for Modernism. This was somewhat surprising to me because when I think of Modernism I think of New York City, California or the Midwest.  The Gropius House speaks to the eloquent vocabulary of modernism created in the New England region.  Lincoln is home to a few outstanding examples of Modernist houses as are the surrounding towns of Lexington, Arlington, Belmont and Cambridge. Sadly, these modernist treasures are threatened by demolition on a daily basis and as recent as last year, we lost an excellent modern house by Eleanor Raymond, one of Boston’s leading modern architects.

The house is owned by Historic New England  and is open to the public for tours.

Today we had a lecture on Modernism and the Bauhaus. Modernism does NOT mean ‘modern’, the key elements of this style/ movement is that it is a deliberate departure of tradition. Artists in this movement believe in using present day materials. It is also known as ‘the machine age’ because of the industrialization. The overall single most important goal of Modernism is the creation of a better society. This movement all started when an art and design school was created in Germany, known as ‘The Bauhaus’. Some of the famous artists from this movement were Johannes Itten (1888 – 1967), Moholy Nagy (1895 – 1946), Joost Schmidt (1893 – 1948) and Herbert Bayer (1895 – 1946).

Untitled, Mixed Media.

Pre Sense Form
(Jeffrey Isom)
The Art of Pre Sense Form

6-9 p.m.

Wonder Fair Art Gallery & How!
803 Massachusetts
Lawrence, KS
406.360.5875

Hours after opening reception: Noon-9 p.m. Thursday-Saturday, Noon-6 p.m. Sunday
Runs through: Aug. 2

Artist’s site: http://www.presenseform.com
Gallery site: http://www.wonderfair.com

Time for another road trip to Lawrence, and not for a college football game. What’s important here isn’t blocking form, running form or tackling form … it’s Pre Sense Form.

That’s the nom d’arte of Jeffrey Isom, who regional music fans will also know as the founder of Lawrence’s Range Life Records. His  show, The Art of Pre Sense Form, opens tonight at Wonder Fair Art Gallery & How!

Or is it their show? The distinction between personalities shows up in Isom’s statement, where he (or Pre Sense Form) refers to himself (or Isom) in the third person:

Between World War I and World War II the demand for change and the search for a new aesthetic created groups of like minded creative people — Modernists. This period in time marked a significant shift in how art, design, and architecture would impact and influence the world.

The original art Isom has created for this show reflects the direct influences of some of the foundations of the Modernist Movement — Constructivism [1] and Concrete Art [2] . However, the media he has chosen to use introduces a more contemporary presence to the work, thus creating a bridge from the beginning of the Modernist Movement to that of the present. Such media includes; fluorescent, flat, and metallic spray paint, cosmetic make-up, along with more traditional medias such as acrylic paint, watercolor, markers, graphite and colored pencils.

That’s direct … to the point … and utterly devoid of emotion. In other words, it’s perfect for Isom/Pre Sense Form’s work.

Note: “Direct” does not equate to “simple’, or to “boring.” Isom’s mixed media works — the untitled mixed media piece above, for example — might be cool, angular products of his left brain, but there are enough strong visuals and splashes of color to keep even the most right-brained viewer engaged.

To borrow a football image — because after all, this is a fall Saturday in a college town — Isom can bring it hard up the middle but knows when to mix things up and cut outside. And there’s not a fumble or missed snap in the bunch.

Cover by Max Bill for Johannes Itten’s Die Farbe.

Via Reference Library.

To me, one of the most interesting things about beading and websites is how they use color.  When I first began designing websites, I realized that all ‘blue’s are not created equal. I was overjoyed to find out that some the colors on the web had codes to tell the computer that I a certain blue.

In searching the web, I have found some beautiful and useful sites that helped me understand how color works and how to tell my computer to give me that exact color.

Learn about the physical characteristics of color:

• Real Color Wheel:  Learn about color from a painter.  Colors mix differently in physical pigments than they do with light.  Don Jusko has made extensive studies of the physical properties of paint, and then translated the paint colors into the codes we use on our computers.

• Handprint: Learn about color and color theory from another painter, Bruce MacEvoy.  His extensive website is a comprehensive resource for watercolor painters, papers, brushes, color theory, painting techniques, and more.

• Color Schemer – This color scheme maker is based on the the color theories of Johannes Itten – one of the founding fathers of color theory.

Next Post:  My Favorite Color Sites – Part Two

Peter Knapp, Angelo Cirimele y Michel Mallard en la Galerie Anatome     ©2009 Maite Díaz

KNAPP/MALLARD /CIRIMELE

¿La publicación de autor existe? La creación gràfica y la transmisión de la información. La fotografía de Moda y las revistas femeninas. La proliferación de publicaciones, la calidad visual y de contenido. Conferencia en la Galerie Anatome sobre la edición de prensa femenina en París

Cae la tarde de invierno, París lluvioso y húmedo, la lluvia es fina, invisible, los charcos y las luces de noche en la Bastille. Para llegar a la galería Anatome, subo por el boulevard hasta la rue Sedaine, a ambos lados de la calle se suceden los almacenes de prêt-à-porter, son tiendas de mayoristas, la venta al detalle està prohibida. La ropa es horrible, no sé cómo funciona éste comercio, todos los dueños son chinos. La iluminación con tubos de neón, y los dorados budas, barrigones, situados en cada tienda de frente a las puertas son los únicos que sonríen.Voy andando y mirando éstas vidrieras terroríficas, hay horror frívolo también en las calles de París. A las siete de la tarde comenzarà una conferencia que reunirà a dos directores artísticos que han trabajado para revistas de moda en París, para las revistas màs elegantes e innovadoras. Durante el encuentro estableceràn un diàlogo sobre sus experiencias creativas.

 Los invitados  a la conferencia son, Peter Knapp, director artístico que comenzó a los veinticuatro años en las Galerías Lafayette, luego trabajó de 1960 a 1966 para la revista ELLE y otras publicaciones parisinas y casas de edición. La exposición sobre su trabajo renovador en la prensa de moda puede visitarse hasta el 14 de febrero en los espacios de la galería.

El segundo director artístico es Michel Mallard, ha trabajado con diferentes publicaciones de moda rehaciendo las maquetas de VOGUE homme international, JALOUSE, L’OFFICIEL, BIBA y creó Colors pour Benetton. Como animador de la conversación estarà Angelo Cirimele, filósofo de formación, es el editor y redactor jefe de MAGAZINE revista en la que cada número es concebido y maquetado por un director artístico diferente. Colaborador de diferentes revistas independientes, 101, Prétextes, Don Quichotte, Vendredi, es ademàs crítico de cine para France Culture y Nova Magazine.

 La galería Anatome a las seis de la tarde està vacía, aprovecho para volver a ver la exposición sobre Peter Knapp, hojear nuevamente los números preciosos de ELLE, realizados en blanco y negro y en la planta superior ver en detalle la joya editorial de su libro sobre Giacometti, para el que realizara también las fotos. De fondo la música de presentación del programa DIM, DAM, DOM que resume toda una época, Gainsbourg que canta Elisa, Elisa, Elisa saute moi au cou, Elisa, Elisa, Elisa cherche moi des poux… Angelo Cirimele ha llegado temprano y recorre las obras antes del conversatorio. Bajo pocos minutos antes y la sala està repleta, profesionales y jóvenes estudiantes de diseño gràfico fundamentalmente. Logro quedarme de pie bastante cerca de los invitados, la puerta està abierta y hay personas que escuchan desde el patio interior, entre el pequeño bosque de bambues. Peter Knapp es un monumento del grafismo europeo, Mallard es un joven que comenzó editando entre tres amigos una revista que realizaban en una cave (sótano) en París.

Peter Knapp es suizo, tiene 78 años, es un hombre delgado, habla pausadamente con el característico acento suizo, sus respuestas son reflexivas, buscando la palabra exacta para expresar sus ideas. Mallard nació a fines de los 60, es mexicano de origen, expansivo, habla ràpido y haciendo chistes y anécdotas todo el rato. La conferencia comienza, estàn de pie los tres y al fondo en una pantalla proyectan realizaciones gràficas de Mallard.

La primera pregunta que hace Angelo Cirimele a Knapp es sobre el grafismo suizo, sus características, qué lo diferencia del resto del grafismo europeo. Knapp como aclaración primera responde que el grafismo suizo no lo inventaron los suizos. A Suiza emigraron todos los artistas y profesores de la Bauhaus huyendo del nazismo y Knapp estudió en Zurich con Johannes Ittem entre otros profesores. Hay una razón pràctica, los diseñadores suizos siempre han estado confrontados a tres lenguas diferentes, francés, alemàn e italiano, con extensiones diferentes en el tamaño de los bloques de texto, esto ya conforma una estructura de tres columnas y un gusto por lo asimétrico. Mientras en el mundo visual gràfico latino los caracteres sérif eran privilegiados, para los suizos y alemanes los caracteres sans sérif tuvieron màs aceptación. Estas características pràcticas han dado forma a un estilo de organizar la información.

Angelo Cirimele les pregunta sobre asuntos generales entorno a la experiencia de trabajo, los medios, el tiempo de creación, la relación del equipo de trabajo, la relación con el redactor jefe, la función del contenido en una revista y la relación de lo visual en la concepción. La función de la tipografía y la fotografía. Las opiniones sobre la gràfica que se realiza actualmente en la edición de la prensa femenina. En las paredes estàn montadas varias pàginas dobles, Peter Knapp recuenta su trabajo, él va a trabajar a ELLE porque Hélène Lazareff a su regreso de New York, donde había pasado la guerra, decide crear una revista femenina, con un concepto visual de vanguardia que trae aprendido de su época de trabajo con Brodovitch en Harper’s Bazar. La complicidad entre la redactora jefe y el director artístico privilegian una publicación en la que el contenido, su calidad, marcarà la pauta y lo visual funcionarà como un cincuenta porciento del valor general de la revista. Knapp define que una revista es un objeto que debe seducir, debe estar concebida como un buen espectàculo, sorprender, donner l’envie de feuilleter, de detenerse en sus pàginas para leer y para disfrutar, ademàs debe ser imprevisible, cambiar, jugar con los ritmos, con el movimiento.

En los años 60 existían aproximadamente 9 revistas en París, hoy se editan 159, la competencia y la proliferación han creado una sensación de ahogo, de repetición. Peter Knapp rotundo define, en aquella época había ideales y teníamos dinero, había con qué sufragar un equipo creativo de 20 personas, no existían los ordenadores todo se hacía a mano. Knapp cuenta que él no entregaba una maqueta rigurosa a sus maquetistas, había un espíritu y él dejaba la libertad creativa a sus diseñadores maquetadores para crear en cada doble un evento gràfico, eso sí, era riguroso y exigente seleccionando a su equipo. La tipografía se dibujaba a mano o se ampliaba por métodos fotográficos. Se disponía de tiempo, ahora ese sentido reflexivo, inteligente, se ha perdido, funcionamos en la velocidad y, para realizar creaciones como éstas, nos dice, señalando al muro, hace falta tiempo. Sus juicios sobre la fotografía definen también dos épocas, en su opinión el hecho de que las modelos hayan devenido estrellas ha sido algo negativo para las revistas de moda. Antes la modelo y el fotógrafo mantenían una complicidad que se ve en las fotos, el fotógrafo pasaba tiempo para realizar una serie de imàgenes y seleccionar después, en opinión de Peter Knapp, hoy, las fotos de moda son hechas por los estilistas de moda, no por la sensibilidad de un fotógrafo.

Escucho cierta melancolía en sus ideas, una añoranza por los tiempos de reflexión sobre el papel, del trabajo con las herramientas que conectan las ideas y la sensualidad de un trazo. Una profesora le pide que describa la importancia de ésa etapa antes del ordenador, antes de pasar a la realización, la necesidad  del trabajo de complicidad con el papel, con el objeto que ofrece otra aproximación, otra relación. Knapp se vuelve al muro y muestra les chemin de fer y explica que hoy es imposible no visualizar sobre papel la suite de las pàginas dobles que conforman una revista, es necesario el trabajo en la mesa para tener una visión del conjunto.

Luego a petición de Angelo, Peter Knapp narra la anécdota de la lectrice suivie de la revista ELLE. La revista tenía personas encargadas de analizar el comportamiento de las lectoras, (esto parece una pieza de Sophie Calle). Un hombre, el perseguidor encuestador, acecha en un quiosko de la Gare du Nord, a la espera de una lectora de ELLE, llega la primera, compra la revista y se dirige hacia los andenes de los trenes que van hacia el norte. Monta en un tren que va en dirección a Bruselas. Suben al vagón, el perseguidor encuestador se sienta en diagonal a la lectora y la observa, cronometra el tiempo  que emplea en hojear la revista, una hora aproximadamente y una media hora de lectura. Llegan a destino, bajan en Bruselas. El encuestador, le pregunta a la señora si le regalaría la revista o si se la vendería pues ya ha terminado la lectura. La lectora le responde que no ha terminado de mirar la revista y que de ninguna manera se la vendería. Knapp concluye que una revista debe seducir y dejar la sensación del deseo, la posibilidad de continuar el disfrute. Ademàs añade otra anécdota concerniente a la redactora jefe de ELLE que tenía para la revista una lectora profesional que leía todo, si el tiempo de lectura era menor de una hora, Hélène Lazareff introducía màs contenido en el número de la revista.

 Mallard muy simpàtico contó sus experiencias en Francia, comenzó con la anécdota típica del artista que llega con sus books y llama a todas las puertas y nadie le hace caso. Michel Mallard comenzó en un sótano creando un proyecto de revista, luego la buena estrella le fue proporcionando encuentros y comenzó sobre todo a rehacer revistas conocidas. Explicó el mundo profesional polivalente de los diseñadores franceses en oposición a la especialización rigurosa de los Estados Unidos. Durante un viaje a  New York visitó varios estudios donde se realizan diferentes revistas. Todo està bien definido, existen los maquetistas creativos que trabajan la creación con texto falso y luego los maquetistas que emplanan definitivamente, una especialista que va verificando todos los pantones es la encargada del color, un director tipogràfico encargado de la unidad tipogràfica del conjunto, en fin, resume Mallard, yo les dije que nosotros somos màs fuertes porque lo hacemos todo y muchas veces en condiciones bastante difíciles.

Cuando las condiciones creativas cambiaron en la revista ELLE, Peter Knapp abandonó y trabajó entonces para la edición de libros, continuó su trabajo personal creativo como fotógrafo y se ha dedicado también a la enseñanza, su balance de las publicaciones de revistas de moda no es muy positivo en la actualidad, elogió el trabajo de Angelo Cirimele para la revista MAGAZINE como el proyecto editorial màs interesante en éste género actualmente en París.

© 2008 Maite Díaz 

Peter Knapp a la entrada de la Galerie Anatome. Foto Galería Anatome

PARIS DESIGN

La galería Anatome es el único espacio de exposiciones en París especializado en diseño gràfico. Lo descubrí hace algunos años, visitarlo es una sorpresa agradable, una cita sorprendente, de sus muros cuelgan siempre imàgenes gràficas seleccionadas con gran cuidado y expuestas con la mayor simplicidad, es un espacio protegido, un punto luminoso, escondido en un patio interior, rodeado de bambues que cubren la fachada del antiguo atelier reconvertido en galería.

El espacio entre semana puede darnos la alegría de disfrutar de una exposición magnífica sin el trasiego de visitantes que encontramos en los museos, o en las galerías de arte contemporàneo màs a la moda. Entrar a la galería Anatome implica, un poco, el acto de un ritual secreto, o el acceso a un lugar selecto, protegido y a la vez cercano. Abrimos una puerta, como podría ser la puerta de casa y, en el interior, los misterios de lo impreso, los objetos impresos… de la edición, de la prensa, de las grandes revistas, de los afiches, libros, catàlogos proyectos y las grandes ediciones de arte, de las imàgenes y de las palabras, esas materias del tiempo.

Esta vez el encuentro es con un conocido, hace dos años estuve en una conferencia en la Maison Européenne de la Photographie que reunió a editores, fotógrafos y directores artísticos conversando en torno al tema de la maquetación de la fotografía, la mise en page, la mise en scéne de las imàgenes fotogràficas en diferentes objetos:  libros, revistas, anuncios de prensa, allí descubrí a Peter Knapp, el pionero de los Art Director parisinos, un excelente diseñador que es ademàs un excelente fotógrafo, un creador amante de la imagen y del signo tipogràfico, de las mujeres y de las palabras. Un apasionado del espacio bidimensional como representación, lo que le ha llevado durante toda su vida a experimentar y expresarse con todos los medios, desde el dibujo, la pintura, el diseño gràfico, la fotografía, la concepción cinematográfica realizando cortos sobre la moda y emisiones de televisión en los años 60 como el programa DIM, DAM, DOM que revolucionaron la concepción documental, gracias a “la utilización de sus planos cortos, sus movimientos ràpidos de la càmara aportando una nueva línea visual, transformando los desfiles televisados de las presentaciones de las colecciones de prêt-à-porter en acontecimientos mediàticos.” La càmara se acerca, acaricia, fragmenta la imagen y describe con precisión el movimiento, ofrece la posibilidad de la libertad, esa nueva mirada que trae Peter Knapp y que revolucionarà la revista ELLE en la que trabajarà como director artístico de 1960 a 1966.

Realiza sus propias imàgenes y una gran cualidad y calidad de Knapp «como orquestador», es saber rodearse de un equipo creativo y renovador, así colaboran con él los mejores fotógrafos, desde una óptica en la que, « la manera de estar de las modelos es tan imporante como los diseños que muestran »

La revista ELLE se transforma y se convierte en ‘la publicación màs leída en el mundo’, màs que una revista de moda se convierte en un suceso cultural, « publican críticas literarias, teatrales, cinematogràficas, crónicas sociales y culturales, reportajes, biografías y consejos pràcticos ». En la sala baja de la galería Anatome, se exponen en libre acceso, para ser hojeadas, ediciones de los números de ELLE de los años 60 en los que, cada doble pàgina, es pensada como una pieza gràfica, Peter Knapp rompe con la idea suiza de una maqueta rígida y geométrica y entra a experimentar con las ilustraciones, fotografías, los títulos creando elegantes bloques de texto e imagen, el signo gràfico, tipogràfico invade la pàgina y se convierte en sujeto en el espacio, leo sobre el muro:« las palabras imàgenes florecen en los títulos »

Hay una gran luminosidad, la joie de vivre en ésta explosión creativa, en ésta renovación constante en la que, como premisa, Knapp se plantea a cada nuevo tema una nueva familia tipogràfica, la letra es, la materia con la que se expresan los sueños.

Lo màs sorprendente de la muestra son las planchas, (les chemin de fer), los papeles de màs de dos metros de altura en los que, en viñetas dibujadas a làpiz y a la acuarela, Peter Knapp organiza las maquetas, las pàginas dobles de la revista que alcanza las trescientas y tantas pàginas, un trabajo de orfebre, de miniaturista oriental definiendo con cada pequeño gesto el ambiente gràfico de cada emplane. Todo cuidado, el màs mínimo detalle en referencia al ritmo, al espacio, a la concepción gràfica de cada doble pàgina como una composición plàstica dotada de una energía y personalidad propias. No en vano su trabajo se verà recompensado por 17 medallas de oro otorgadas por el ART DIRECTOR’S CLUB.

La redactora en jefe Hélène Lazareff enferma y deja la dirección en 1966, los nuevos directores deciden que tener 20 personas para la realización de la revista es una pérdida de beneficios, no compartiendo ésta nueva concepción, Peter Knapp abandona ELLE para regresar años màs tarde de 1974 a 1977 tras la petición de la nueva redactora jefe, antigua periodista de los tiempos creativos, Daisy de Galard. Su trabajo es difícil de resumir en una columna, trabaja para la edición de arte en colaboración con los editores André Saurte y Raymond Lévy; la edición de GIACOMETTI para el que realiza ademàs las fotografías, es premiado mejor libro de arte del año 1991, sus búsquedas tipogràficas aparecen en las ediciones de la colección  CONTEMPORAINS  que edita el Centre Pompidou en la década de los 80.

Sus  ideas acerca de los proyectos gràficos se resumen en tres palabras que son “las lecciones de su trabajo inicial : movimiento, modernidad y conjunto interdisciplinario.”

Su talento para la concepción gràfica, aporta  riqueza y versatilidad desde el punto de vista plàstico, gracias a sus estudios de bellas artes en París y a sus pràcticas de la pintura y la fotografía. A todo el rigor suizo aprendido a fines de los años cuarenta en la KUNSTGAWERBESCHULE de Zurich, dirigida por Johannes Itten, profesor de la BAUHAUS, Peter Knapp añade, sintetizando, rigor y fantasía, rigidez geométrica y fluidez de movimiento. Sus capacidades creativas se han expresado en la prensa, la edición y la publicidad. Su mirada y su talento han concebido la armonía, el equilibrio y han contribuido a modelar nuestro mundo visual, nuestros valores estéticos en relación a la prensa. Sus creaciones se han convertido en bienes públicos portadores de belleza, serenidad, elegancia y progreso.

©2008 Maite Díaz

   Texto e imàgenes fotogràficas

Color Wheel From Wikipedia

Judy Coates Perez has been mentioned in my blog a number of times. I appreciate her creative talents, her energy, and her generous spirit. So I bought one of her DVDs during the Christmas season as a gift to myself, and I enrolled in her Color Theory online class. That class begins today, and already I have declared mysef a Color Devotee. What do I mean by that?

Well, it was a quote by Mark McCauley, from his book COLOR THERAPY AT HOME: real-life solutions for adding color to your life (Rockport Publishers Inc., 2000) that got me started:

Ultimately, we don’t color our home, color is our home. Color impacts every waking second of our lives. (Introduction p.5)

We all know color because, as McCauley said, we live in it, it’s our home. We know it like a fish knows water. Just because we are constantly immersed in something doesn’t mean we are consciously aware of it, however. In fact, we often tune out what is always there, take it for granted.  Johannes Itten, a famous color theorist whose profound insights into color have influenced artists and art schools everywhere, said:

Color affords utility to all, but unveils its deeper mysteries only to its devotees.

I am declaring myself a Color Devotee (that sounds so much better than groupie)! I have spent some time studying it, but I am always open to revelations of its deeper mysteries. I especially love color surprises: when several, or many, transparent color washes produce some hues that would be a tremendous challenge to reproduce!

Itten also said:

Color is life; for a world without color appears to us as dead. Colors are primordial ideas, the children of light.

That is definitely a statement to file under the “deeper mysteries” category. No wonder color moves us so profoundly.

And as a clipping for the Itten trivia file, you can buy a Mondaine Johannes Itten Watch with a color wheel on its face.

By the way, for an EXCELLENT color resource, see Katherine Tyrell’s Colour~Resources for Artists on Squidoo.

The Elements of Color: A Treatise on the Color System of Johannes Itten, Based on His Book "The Art of Color

I looked for this book or it its parent when I was recently in England, at Foyles. But the only one I saw was it’s ‘parent’ The Art of Color, but too expensive for what was left on my credit card.

A foray into a local secondhand book shop when I came home and I found ‘The Elements of Color’.

So now it’s my current bedtime reading. A good book, simple to read.  I’m trying to find some theory on colour to help me with my transparent layers.

Till now I have layered them with opposite colours, but since a workshop with artist Lois Perry last weekend, I have tried layering with adjacent colours e.g. blue then green, then yellow etc.

This is another interpretation of the artist retrospective assignment for HNGD 002. Michelle took a look at the life and work of Swiss colour theorist Johannes Itten. She chose Tate Modern as the venue for her exhibition.

Along with a sizable binder full of printed research materials, Michelle submitted a colourful, fold-out booklet measuring approximately 4 x 6 inches and her bibliography as follows:
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I’ll try to post Michelle’s decade assignments tomorrow.

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Dieser Eintrag stellt einen Versuch dar, dem persönlichen Farbempfinden folgend Ittens Farbkreis digital nachzugestalten. Besonders schwierig ist für mich die Einschätzung der Farbigkeit von »Rot«, »Blaugrün« und »Gelbgrün« sowie die Definition einer Dunkelheit des »Violett«. Den Photoshop-Farbwähler im RGB-Modus beobachtend, stelle ich fest, dass zumindest meinem Empfinden nach die Farbbeziehungen einer gewissen numerischen Gesetzmäßigkeit folgen. Die Zahl 32 bzw. ihr Vielfaches scheint eine Struktur in mein Vorhaben zu bringen.

Es bleibt trotzdem schwierig. Das RGB des Gelb (Rot/Grün/Blau) von 255/255/0 erscheint mir einleuchtend, da 255/255/255 das »Weiß« darstellt und Blau nun eben auf 0 gebracht wird. Ebenso geht es mir mit dem »Blau« (0/0/255), doch beim Rot (255/0/0) ist meine Wahrnehmung verunsichert … In Bezug zum Itten’schen Farbkreis erscheint es mir zu hell, zu strahlend …

Vergleiche einmal selbst mein Ergebnis mit zwei anderen Farbkreis-Darstellungen und deren RGB-Werten hier auf der Wikipedia-Seite und bei FARBCODES, einem Diplomprojekt an der Filmakademie Baden-Württemberg.
Ich bringe in Erfahrung, dass es in diesem Zusammenhang noch die hilfreichen »Farbtabellen« gibt. Besonders die Tabelle der Uni Magdeburg zeigt fein differenzierte Farbabstufungen für die Gestaltung im Web.

Nun könntest Du eigentlich die »Farbkugel nach Itten« digital weiter bearbeiten, wobei für den Anfang das »Rot« nun von mir etwas abgedunkelt erscheint (von 255/0/0 habe ich R um 32 auf 223 vermindert) und das »Violett« durch das »purple 4« der Farbtabelle der Uni-Magdeburg ersetzt ist (RGB gleich 85/26/139). Darin ist nun allerdings nicht mehr meine zu Beginn hilfreiche »32« zu entdecken … So ist das mit der Subjektivität …

… doch ganz subjektiv ordne ich jetzt meinem geliebten Pariser Blau, »jenem Blau, das keinen Boden hat« die folgenden Werte zu: 0/0/64 = Farbdarstellung – digital

Literatur: Johannes Itten: Kunst der Farbe, Otto Maier. Ravensburg 1961. (Nachauflagen)

➢ Download als PDF »Ittens-Farbkugel (Farbstern)-leer«

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Bauhaus and the “Modern” or “International” Style

The Bauhaus school was established in 1919 in Dessau, Germany by a group of architects, engineers, and artists led by Walter Gropius. The ideals of this group were social and political as well as aesthetic. They sought solutions for the problems faced by the working classes in the depression years of Post World War I Germany. Their concerns included urban planning, housing, and the development of high-quality, utilitarian mass production of consumer goods.

A unique feature of their program was the melding of handicraft and industrial production methods. Crafts were thought to be the necessary first step in the training of engineers, architects and industrial designers. In this they differed from the theoreticians of the Arts and Crafts movement, who resisted the use of industrial methods and materials; yet the Bauhaus designers shared the Arts and Crafts veneration of the hand crafts. All engineering and design students took craft courses as well as painting, drawing, and theoretical studies in design and color.

The design style of the Bauhaus group owed a great deal to the de Stijl group, some of whom joined the school as teachers. The ideal of form following function was also emphasized, emphasizing the honest and direct use of materials as the most “functional” way to design. The result was spare, rectilinear forms– in architecture, for example, the structural components of steel, glass, concrete, and other industrial materials were to be used directly and honestly, without imitative form.

The Bauhaus style and teaching methods would become very influential in the teaching of design throughout Europe and the United States, since the teachers emigrated to other universities and design schools in other countries when the Bauhaus was closed by Hitler in 1933. This link will take you to a selection of works by Bauhaus artists and designers. By the outbreak of World War II most were in the United States teaching in major institutions, where they would influence a whole generation of artists and designers. To this day, Bauhaus methods strongly influence the teaching of design in many schools.

Among the most important figures in the Bauhaus school are the architects Walter Gropius , designer of the Pan Am Building in New York; Mies van der Rohe, who designed the modernist classic, the Barcelona chair, and a number of important buildings as well. Among the artists associated with the Bauhaus are Wassily Kandinsky, Paul Klee, Joseph Albers, and Johannes Itten, all of whom published and taught their philosophies of art and design.

Following World War II the style broadened into what became known as the international style, or modern style . The pure form and honest use of materials continued to define architecture and interior design following World War II. However, some designers began to explore the broader structural design potential of industrial materials, and broke with the strict rectilinear forms of the pre-war era.

Among the architects associated with the international style are Le Corbusier, Eero Saarinen, and Marcel Breuer.

Source: Art, Design and Visual Thinking

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Hmm, I think that I need to teach this class a little bit about the history of contemporary type styles and this is a good place to start.

Children, Helvetica did not come onto the type market until 1957, designed by Max Miedinger and as I remember, it was originally called Haas New Grotesk, based on Akidenz Grotesk, a san serif designed in 1896 (and still used today in various versions). It was a product of the Haas typefoundry, a Swiss company, but was later picked up by another foundry and named Helvetica. It came out in the US around 1961, and the local printing company just bought the face in 8, 10, and 12 point cast type and that was when I was first introduced to it. I worked with a graphic designer who also designed type who drew up a large size of Helvetica and then had it printed. I would get an assigment from other designers who needed Helvetica headings and other large type projects. I got a dollar a word for pasting up Helvetica until the foundries came out with a larger selection of Helvetica type sizes.

Not all san serif typefaces that we set tightly were Helvetica. In fact, as you can see by the illustration, setting san serif in a compact format was used much earlier by the Bauhaus, the Constructivists in Russia, DaDa and the Netherlands graphic designers, even going back to the turn of the century. One very popular face from the 1920’s was Futura, designed by Paul Renner and the European version came in 15 versions, but all were more abstract than the one introduced in the US. It was a design face that did not set as well in text as Akindenz Grotesk. The lowercase a looked like the o, and the lowercase t did not always carry well when printed, especially in smaller point sizes but it was great as a display type.

My favorite san serif is Univers, designed by Adrian Frutiger for the Deberney & Peignot foundry in 1956. It has a little more “zing” to it than Helvetica but I did have a difficult time thinking with Frutiger’s numbering system rather than visualizing and ordering by point size. Always change creeping in.

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Photograph of Walter Gropius, first Bauhaus administrator and a faculty member.

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This was build in place of the old academy of fine art (Weimarer Malerschule) by Henry Van de Velde, who founded the academy of applied art opposite in a smaller buiding 1907.

In 1919 both schools came together as the Bauhaus under the direction of Walter Gropius. Due to political reasons they had to move on to Dessau in 1925.

An academy of art contiued in Weimar, later called University for architecture and now Bauhaus-Universität Weimar.

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A break in the weather. Berlin Bauhaus Archive Museum.

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I love the Berlin Bauhaus Archive Museum. when it raining, when it’s pouring.

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Bauhaus Archive Museum, color memorial by Max Bill. Taken in pouring down rain.

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Berlin Bauhaus Archive Museum, built according to plans drawn up by Walter Gropius.

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Dining courtyard of the Berlin Bauhaus Archive Museum.

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1914

Designed by Walter Gropius and Adolf Meyer, office building at the exhibition of the German Werkbund in Cologne 1914.

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1919

Title page for Staatliches Bauhaus Weimar 1919-1923 designed by László Moholy-Nagy.

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Bauhaus Weimar catalog covering the teaching of form and printing workshops 1919-1923.

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Bauhaus Weimar catalog page covering the teaching of form and printing workshops 1919-1923.

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1922

Bauhaus instructor Oskar Schlemmer’s costume designs “Goldkugel and Taucher” for the “Triadischen Ballet” 1922. I visited the museum in Stuttgart when it was presenting an exhibit of his work where I got to see them in three dimension. Photo from Staatsgalerie Stuttgart.

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Oscar Schlemmer costume design “Der Abstrakte” for the “Triadischen Ballett” 1922. Photograph from the Staatsgaleri Stuttgart.

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Oskar Schlemmer’s costume “Drahftigur” for the “Triadischen Ballett” 1922. Photograph from the Staatsgalerie Stuttgart.

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Oscar Schlemmer Bauhaus ballet costumes. I was most fortunate to visit the museum in Stuttgart, Germany when his ballet costumes were on exhibit.

We take short skirts for granted today, but this costume was designed in the 1920’s.

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1923/1924

Roots of contemporary lighting. Desk lamp designed by K. J. Jucker and Wilhelm Wagenfeld as a master journeyman project in the Bauhaus Metal Workshop, 1923-24. Bauhaus-Archiv-Darmstadt.

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1924

Designed by Marianne Brandt 1924. Photograph from the bauhaus archiv museum, Berlin. She also created many exciting photomontages that are not as well known as her metalwork.

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Tea strainer by Wolfgang Tumpel 1924. Photograph from the bauhaus archiv museum, Berlin. I think that there was a whole series of tea strainers.

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Bauhaus Weimer teapot by Kenne,1924. Photograph from bauhaus archiv museum, Berlin.

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1925

Marcel Breuer chair, one of the very first tubular steel chairs, designed in 1925. Bauhaus archives.

I once read a story about the original tubing that was used for those first chairs. Money was in extremely short supply at the Bauhaus and the school put out a call to local industries to please contribute any materials that they could for the students to work and learn from, so one day a tubing company truck dumped a load of steel tubing on the Bauhaus lawn and drove off. Thankful to get anything to design and work with, Marcel Breuer and his students took the tubing into the Cabinet Workshop and brainstormed for a solution and this is what Marcel came up with, the very first tubular chair. I don’t know if it’s a true story or not but I like to think that it is. I can just see those students lugging in a truckload of pipe and sitting down to figure out some solution for using it, in of all places, the Cabinet Workshop.

“Let’s see, what mask shall I wear today?”

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1926

Sample of the Universal alphabet by Herbert Bayer, Bauhaus teacher and graphic designer 1926, described as the Bauhaus style.

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1927

Chair designed by Marcel Breuer 1927. Photograph from the bauhaus archiv museum, Berlin.
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Woven linen and cotton by Gunta Stolzl, 1927.
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1928

Another Marcel Breuer chair 1928/29. Photograph from the bauhaus archiv museum, Berlin.

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The book cover On Cubism, designed by Bauhaus instructor Moholy-Nagy 1928.

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Magazine cover designed by Bauhaus instructor Herbert Bayer 1928.

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1929

I think this was designed by Herbert Bayer 1929.

1929, the year that the U.S. stock market crashed and the Great Depression began.

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Roots of contemporary lighting. Bauhaus lighting design from the Metal Workshop.

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Herbert Bayer, Bauhaus typographic layout.

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Herbert Bayer

After serving in the German army during WWI, Herbert Bayer (born 1900 in Austria) enrolled in an arts and crafts studio, then worked for a designer. In 1921 he studied at the Weimar Bauhaus and then taught there, starting in 1925, teaching typography & advertising effects. Bayer then worked full-time for advertising agency Dorland International and as art director for Vogue magazine.

In 1938 Bayer emigrated to the US and worked in New York until 1946 for such clients as Dorland International, Thompson, Wanamaker’s, and developing exhibitions and general graphic design for large corporations.

In 1946 He moved to Aspen, Colorado and continued as consultant to firms such as Container Corporation of America.

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Furniture designed by Gerrit Rieveld.

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German stamp commemorating Bauhaus teacher and artist Joseph Albers.

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German stamp commemorating Bauhaus teacher and artist Moholy-Nagy.

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Note: Komentar dari kolektor (Marryellen Mcfadden, pengajar desain grafis) – yang terkadang tercantum pada deskripsi masing-masing karya – sengaja tidak dihapus, karena bisa merupakan informasi yang berguna untuk melakukan penelitian yang lebih mendalam.

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To be continued.