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What?

Regan MacNeil is haunted by dreams of flying. She has visions. She is in psycho-analytic therapy. It has been four years since a priest of the Catholic Church exorcised a demon from her, and yet…there are still the dreams. Father Lamont and Dr. Gene Tuskin work together, trying to clear the last corners of Regan’s spiritual disorder. They trace the evil back to Africa and the cult of the locust…

Where?

At home.

With?

That same massive headache.

Why?

As I said yesterday, I’m making my way through the saga and this is next on the list. I have to say though, the reviews have been awful for this so I’m expecting a speed bump already. Honestly, the one I’m looking forward to most is Dominion.

But holy crap, the trailer for this is hilarious! *DOW NOW NOW NOW, NOW NOW NOW, NA NA NA NA NA NA NOW*

Worth It?

What an absolute clustercuss of a movie. The reviews didn’t lie, the trailer didn’t lie, IMDB didn’t lie.

This is a terrible, nonsensical, poorly acted/scripted/directed movie that I hope never to poison my eyes with for as long as I shall live. I am literally in shock that the same man who directed this heap of excrement, is the same man who brought us the absolutely immense ‘Deliverance’.

I’m not saying anymore. This piece of awful doesn’t deserve my typing or your reading.

God.

Please let part 3 be an improvement, I’m struggling to think how it can’t!

1.5/10

Deliverance, 1972 – Direção: John Boorman – Elenco: Jon Voight, Burt Reynolds, Ronny Cox

John Boorman dirige esta obra-prima como um filho da puta que não tem nada a perder: joga a violência na tela do modo mais explosivo, poético, bizarro, psicológico, doentio e delicioso. A esquematização do diretor em compôr cada situação é algo tão soberbo que fica díficil enxergar o filme como uma mera peça de aventura.

Sabendo que as perigosas corredeiras do Cahulawassee River estão prestes a serem inundadas e transformadas em represas, quatro amigos decidem descer o rio, em busca de aventuras e um lado mais próximo/ligado à natureza. Porém, no que começam sua viagem por canoas, eis que surge problemas nos quais os protagonistas lembrarão para sempre em seus pesadelos.

O filme começa com um duelo de banjos magnífico, entre um dos amigos e o “garoto” mais sinistro que já vi na minha vida. É tão genial que nós, espectadores, não sabemos se devemos rir da situação extrovertida, ou termos medo da lugubridade do menino. A seguir, segue-se a tão esperada viagem – inundada de água e dos mais amargos acontecimentos. Boorman estoura a mente quando dois homens rendem dois dos amigos, e um deles estupra o gordinho. É o ápice da violência psicológica – ao lado de Straw Dogs, do Peckinpah, este é o melhor filme sobre isso.

Aquilo que poderia ser apenas mais um filme sobre a amizade, ou somente um “Stand By Me” adulto, torna-se algo muito perturbador e radical nas mãos de Boorman, que emprega um ritmo delicioso à narrativa sobreposta às relações de heroísmo e confrontos entre os amigos – intricados num jogo selvagem de vida ou morte.

Nesse contexto sobre a violência, Boorman – que alguns anos antes havia dirigido o famoso Point Blank – escala um elenco composto principalmente por Jon Voight (eterno Joe Buck!) e Burt Reynolds. Ambos, perfeitos demais, participam de toda a perversidade proposta por Boorman para tornar seu filme mais arrebatador e sombrio. E, sempre humanos, os atores redigem atuações fantásticas; a mescla perfeita do lado psicológico com o lado explosivo de cada personagem.

O final é a coisa mais genial do mundo. É a lembrança de tudo o que passou, a aterradora verdade, que os personagens levarão para sempre. Assim como nós, que levaremos o filme conosco por toda vida; e agradeceremos eternamente a Boorman pelo presente cinematográfico.

5/5

I can be described as decent, logical being. Most people can. However, the person who is responsible for Zardoz may be the weirdest, most scatterbrained human that ever existed.  Instead of the usual tirade, I will start with summarizing the film immediately and I’ll also do it in one word – confusion. In fact, a more apt description would be “utter bloody confusion”. Why? I’ll explain it in the next few paragraphs, trying to painfully, with surgical precision, remove every ounce of the film from my poor, tortured mind.
There are so many inconsistencies and problems with this film that I could write an entire book the length of War and Peace just by making every scene I had a problem with into a chapter. However, before I get on with the rampaging rhinoceros that I like to call critique, I’d like to first tell you the positive aspects of the film. One is that it is unintentionally hilarious at quite a few parts, which really makes it a somewhat worthwhile experience. The sets are quite good for their time too, even if they do give me the impression that this film was shot in Switzerland, in some abandoned town.
The first thing that is wrong with this film is, perhaps, the inclusion of Sean Connery, who I hail as one of the greatest actors in the 20th century. I have to ask why. Why Sean Connery? Why the greatest James Bond? I don’t understand why would Sean Connery even took this. From the first page of the script (where they list the cast), this film is already terrible.  It’s so confusing and so illogical that it makes my brain shut down repeatedly even thinking about it.
Now, onto the incredibly confusing plot of this science fiction horror we do not even mention. (Especially in the context of Sean Connery’s greatest work). The film takes place in AD 2293. How do I know this? I checked Wikipedia just after watching the film, because I apparently missed a tiny bit of text that says that in the most awful position possible, also known as the bottom right hand corner, obscured by the corner of the screen. It’s also a post-apocalyptic Earth, but we’re never given an explanation as to what happened, why, how, when, who and so many other questions are left completely ignored and out in the cold.

There are social classes in the world that are called the “brutals”, also known as normal people; the “exterminators”, who have the express permission the “eternals” to kill all the “brutals”, because the “brutals” multiply. Why is this bad, we are never given an explanation. All I understood is that Zardoz thinks that the penis is evil and the gun is good. No, really. That’s a paraphrased quote directly from the film itself.  So, somehow, Sean Connery gets inside the giant stone head we know as Zardoz, which is filled with grain and naked people in plastic wrappers.

If you can stomach that, I applaud your tolerance for stupidity. Ahem. As you can see, this plot is, even without spoiling it too much,  quite insane and incoherent. Not only is the film filled with obscenities (such as a 15 minute sequence of studying Sean Connery’s genitalia), but it also makes no sense, gives no explanations and leaves us completely cut of from anything this film may have meant in a philosophical context. It is so immensely difficult to wrap around and enjoy that I would call the plot of Transformers 2, a film that had no plot what-so-ever,  superior, because at least it isn’t there for me to not be able to comprehend.

I have to say that I despised the costumes. They are, by far, the worst I’ve ever seen. They’re not only increasingly disgusting and filthy, but they are also some of the most revealing or, in other cases, are completely not befit the gender they are assigned to. Just by seeing a picture of this film, we are almost always given the still shot of Sean Connery in bright red underwear in thigh-high leather boots and with two bandoleers across his chest, also bright red. That is probably the single most demeaning costume that great actor ever wore. This isn’t just disgusting, this is on the edge of becoming an obscenity. However, seeing as this is an adult (possibly?) film, I’m going to halt the demand for censors.

The actors, apart from Sean Connery, are the ugliest I’ve ever seen, making me cringe whenever any one of them is on screen and not only are they physically unattractive, but they are also some of the most wooden, stilted and sans personality humanoids I have ever had the displeasure of seeing. The women in the film are also what I like to call the black hole, since it seems that they completely tear away and destroy any talent that could have entered the scene, but, in fact, didn’t and was merely, once more, thrown outside as something unnecessary to this, er, piece of “art”.

The direction is also very, very poor. The only thing the director effectively manages to film is probably the landscape scenes, which are somewhat passable, even though I would still consider about one fourth to one fifth of them being just terrible. He also seems to have trouble focusing on the action, as we are constantly changing views, shifting and moving and, again, completely unable to understand what is going on in this film. I would argue that even Uwe Boll, a man I despise greatly, has better directorial abilities and potential than John Boorman, the visionary director, writer and producer of Zardoz.

The sound is also quite awful, with most scenes having incredibly poor sound quality and some just having no sound at all, even though we can see that sound is necessary to understand what is going on.

In the last 30 minutes, I suppose, the film just gets in the back seat and takes a lot of mescaline, as it goes completely of the rail of boredom into the realm of toying with the viewer’s mind, as the film becomes a lot more confusing, a lot more fast-paced and, while I will admit that the effects are quite good and the action is decent, it’s just so confusing that I cannot fathom what kind of brain thought this up. It seems inconceivable that a human with an ordinary, even a visionary mind, could make this pile of manure on the pavement.

Now, the evaluation. I have only a few words for the viewer who wishes to see Zardoz – DO NOT SEE THIS FILM. I apologise that I had to type in what young people these days call caps, but I had to get your attention.

Oyez, oyez. La Maison de l’Image, à Aubenas en Ardèche (voilà pour le rappel géographique) organise depuis 1999 les Rencontres des Cinémas d’Europe. Durant une semaine en novembre, une cinquantaine de films sont programmés dans les 6 salles des cinémas Navire et Palace d’Aubenas. Cette manifestation (sans compétition) a pour vocation de porter un éclairage particulier sur les films réalisés et produits dans les différents pays du Vieux Continent (qui ne manque pas de talents neufs en revanche), en diffusant une cinématographie peu connue et peu médiatisée.
De nombreuses figures du 7e Art européen ont déjà fréquenté l’événement, de plus en plus prisé (près de 15 000 visiteurs l’an dernier !) : Jacques Audiard, John Boorman… Ils seront encore nombreux pour cette onzième édition, où sera entre autres célébré Ingmar Bergman.

La programmation suit les axes suivants :
- Hommages ;
- Panorama de films européens de l’année ;
- Rétrospective (cette année, donc : Ingmar Bergman) ;
- Films jeune public ;
- Débats quotidiens ;
- Activités en relation avec le travail à l’année de la Maison de l’Image : documentation, librairie, stage de réalisation audio-visuelle, accueil et encadrement de scolaires et d’étudiants.

VERSUS est partenaire de la 11ème édition des Rencontres des Cinémas d’Europe du 15 au 22 novembre prochain.
Rendez-vous très bientôt au cœur de ce carrefour culturel incontournable !

 En 1981 el director John Boorman ofreció la mejor interpretación del mito del Rey Arturo. Por lo menos para mí, que igual hay alguien que le encantó la película que hicieron con Clive Owen y Keira Knightley. La cual, aún llegando a ser entretenida, no le llega ni a la suela de los zapatos a la que nos ocupa. Boorman puso toda la carne en el asador en una estética y una ambientación prodigiosa. Incluso las batallas, como la del final, no necesitaba de miles y miles de soldados. No era lo importante. Lo verdaderamente vital era reflejar a los personajes. Con sus dudas, sus ambiciones, su maldad, su devoción, su respeto, su traición, su madurez. Evidentemente será algo que dudo mucho veamos en el remake que podrán ofrecernos de aquí a un tiempo. Y es que de nuevo van a intentar revisionar un clásico. Porque “Excalibur” lo es, por méritos propios.

Hace poco ya se habló de que Bryan Singer podría dirigir una película sobre “Battlestar Galactica” (de momento ya estaría en las labores de producción). Pero ahí no acaba la cosa, los proyectos se le van sumando y sumando. Con lo que la mayoría pueden quedarse en el trastero y sólo acabar haciendo unos pocos. Así que no es tan descabellado que su nombre aparezca tambien en este remake que se ve en el horizonte. No hay datos concretos de ningún tipo. Es decir, ni protagonistas, ni como orientaran la historia, ni nada de nada. Ahora bien, a ver como nos hacen olvidar (que lo dudo) al reparto de la película de John Boorman. En el cual había rostros bien conocidos como el de Patrick Stewart, Gabriel Byrne, Liam Neeson, Hellen Mirren o Nicol Williamson (ambos geniales)entre otros. Ah! Os aviso. Una de las notables diferencias que veremos en este remake (cuando se lleve a cabo), será que meteran a miles y miles y miles de soldados digitales. Y digo yo, ¿realmente hace falta hacer eso para ver una película épica y con calidad?. Como diría Mafalda, “¡Paparruchas!”

Trailer de “Excalibur” (1981) 

Fdo: Snake  

Bela Fleck interpretiert sehr eigenständig das zentrale Thema aus John Boormans Meisterwerk “Beim Sterben ist jeder der Erste” – im Duett mit einem Mac! Der Film ist imo ein “Must”, die Besetzung ist toll und die “Dueling Banjos” gibt es jetzt hier:

Enjoy!

We recently reported Bryan Singer’s involvement as director on a “Battlestar Galactica” feature film.  Now CHUD is reporting that Singer has his eye on  several other projects.  In addition to “Battlestar”, he’s also looking at remaking John Boorman’s King Arthur epic Excalibur, a new “dark” version of Jack the Giant Killer, and X-Men: First Class another mutant outing which examines the early days of Professor Xavier’s “School for Gifted Youngsters.”

There’s no clear indication about which of these projects he’s likely to take, but none seem fast-tracked.  We bet another project will strike his fancy before any of these above go before the lens.

Una de las escenas de la película de Excalibur

Siguiendo con los remakes, se cree que la película de Excalibur, aquella que saliera en 1981 y que fuera dirigida por John Boorman, tendrá como posible candidato a ser liderada por Bryan Singer.

Según el Variety, la Warner y Legendary Pictures han trabajado por meses para obtener todos los derechos del film el cual Singer produciría en compañía de Julie Yorn.

Excalibur es un clásico donde se explora el mito del Rey Arturo además de los caballeros de la mesa redonda, el mago Merlin y la búsqueda del Santo Grial para salvar la vida del Rey Arturo… de los actores originales se encontraban: Helen Mirren (Morgana), Liam Neeson (Sir Gawain), y Patrick Stewart así que Bryan Singer si se anima a hacerla, más le vale que no sea un Supermán Returns porque si se le aventarían encima miles de fans de la película original.

By Borys Kit – HollywoodReporter.com

Warner Bros. and Bryan Singer are unsheathing “Excalibur,” redoing the 1981 John Boorman movie about King Arthur and the Knights of the Roundtable.

The project is still in the early stages, with Warners only tying up the remake rights, which it shares with Boorman. Singer’s involvement is still in the talking stage and Legendary Pictures may come aboard the project.

If deals are made, Singer would produce with Julie Yorn. Former Warner exec Polly Johnsen (formerly Cohen) would also produce.

Matt Reilly is overseeing for Warners while Erik Olsen, who instigated the project by contacting Boorman, shepherds for the Yorn company.

Alex Garcia, an executive at Legendary and Singer’s former partner at Bad Hat, was instrumental in bringing in Singer. If Legendary comes aboard, Garcia would oversee.

The 1981 movie starred Nigel Terry as Arthur and Cherie Lunghi as Guenevere and featured early performances from Liam Neeson, Patrick Stewart and Gabriel Byrne. The movie told the well-known myth, in a gritty and dramatic fashion, of the young man who draws the sword Excalibur from a stone, is mentored by Merlin, establishes Camelot, loses his wife, Guenevere, to his best friend, Lancelot, and engages in the quest for the Holy Grail.

Singer’s “Excalibur” will be a more epic and fantasy version compared with the more earthy Clive Owen-starring “King Arthur” movie released by Disney/Touchstone in 2004.

“Excalibur” is not Singer’s next movie. The candidate for that is shaping up to be “Jack the Giant Killer,” New Line’s action fantasy about a young farmer who leads a rescue mission to the kingdom of giants when a princess is kidnapped. No offer has been made, though Singer has taken meetings.

The director, repped by WME, is coming out of hibernation, and “Excalibur” joins Universal’s big-screen version of “Battlestar Galactica” as one of his projects in development.

Amazon Specials!

Warner Bros. has closed a rights deal to remake the 1981 Excalibur, with Bryan Singer producing and developing the picture as a potential directing vehicle.

Deal comes as Singer gets serious about making the New Line-Legendary co-production “Jack the Giant Killer” his next directing effort, according to sources.

WB and Legendary Pictures have labored for months to pull together the rights to the film, which Singer will produce with Julie Yorn. Polly Johnsen, who was Polly Cohen when she was the WB exec who presided over the Singer-directed WB/Legendary collaboration “Superman Returns,” will also be a producer.

“Excalibur” is the quintessential myth-of-King-Arthur film, complete with the enchanted sword, the Knights of the Round Table, Merlyn the wizard and the quest for the Holy Grail to save Arthur’s life. The original film was directed by John Boorman and adapted from the Thomas Malory book by Rospo Pallenberg and Boorman.

Boorman’s film broke talent such as Helen Mirren (who played the evil Morgana) and Liam Neeson (Sir Gawain) as well as Gabriel Byrne, Patrick Stewart and Ciaran Hinds. WB had some of the rights as a library title; the rest were secured from Boorman.

Singer hasn’t set a writer yet. Matt Reilly is overseeing for WB, Erik Olsen for Yorn and Singer’s former partner Alex Garcia is overseeing for Legendary.

Singer recently signed on to develop to direct and produce “Battlestar Galactica” at Universal, a project he’d been eyeing since he originally made a deal to godfather a series revival in 2001. At the same time, Singer has been flirting with directing “X-Men: First Class,” a 20th Century Fox spinoff that got a first script draft by “O.C.” creator Josh Schwartz.

It looks like his next directing assignment could well be “Jack the Giant Killer,” a riff on the Jack and the Beanstalk legend developed by New Line with scripters Darren Lemke and Mark Bomback and producer Neal Moritz. The story revolves around a young farmer who leads an expedition into the land of the giants to recover a kidnapped princess.

I am going to have to say that I don’t think Singer is the right choice for Excalibur. Usual Suspects was brilliant but more and more I get the feeling he should stay away from fantastical films. X-Men was good but rewatching it I the action is sub-par and it feels very sketchy in places. Then Superman Returns shows that if he is too close to the subject matter then it can be a bit empty. He should stick with character pieces set in the real world. Just my opinion of course.

Source: Variety

Lataa Ohjelma (MP3)

Erikoistyyppisemmässä jaksossamme Juha kertoo Sodankylän elokuvajuhlista, näkemistään elokuvista ja kuullaanpa jopa vierailevien ohjaajien omia kommentteja paikan päältä elokuvistaan.

Katsotut ja kommentoidut elokuvat:
Liitutaulut (IMDb)
Wendy and Lucy (IMDb)
The silence of Lorna (IMDb)
Taivaan Reunalla (IMDb)
Of Time and the City (IMDb)
Grill Point (IMDb)
Mid-August Lunch (IMDb)
Goodbye Solo (IMDb)

When film started, of course, the process was much simpler. Cameras were placed like an audience in a theater, and you just had a static shot of the action on stage. So you can imagine what happened when Griffith started moving the camera and the camera became a sort of of God’s eye view, an omniscient view that could move anywhere. This gave cinema another dimension altogether. It brought cinema, I think, close to the condition of dreaming. When I spent some time living in the Amazon with a primitive tribe, trying to explain what film was like, and how you could travel from place to place, look at things from different angles, and cut both in space and time, I remember the shaman of the tribe said, “Oh yes, I do that too. When I go into a trance, I travel like that.” So I think the power of cinema has to do with the way that it connects to people’s dream experiences. Particularly if it’s in black and white, because we tend to dream in black and white. So when we set the camera down, I think what we’re accomplishing is nothing short of trying to make a dream concrete.

- John Boorman, filmmaker

(pic by BeViewed)

There was a movie from the mid-1980’s that I always loved as a little kid. It was a futuristic sci-fi movie, and it featured a human pilot who crash lands on a planet along with an enemy combatant – who happens to be an alien. These two seem to be alone on the planet and eventually have to depend on each other for their survival. This movie, is ENEMY MINE and stars Dennis Quaid as the human and Louis Gossett, Jr. as the alien.  The Wolfgang Petersen directed movie, is excellent, but is actually just a sort of remake of the actual movie I wanted to talk about.

The original that I just watched is called HELL IN THE PACIFIC, and is directed by John Boorman. His second movie after having directed the classic POINT BLANK. This is notable, because the star of that movie had so much faith in the director that he backed the decision for Boorman to direct this brave movie. The star was Lee Marvin – one of the most well-known and idolized movie tough guys in cinema history. Going from these two to movies like THE DIRTY DOZEN, THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE and THE BIG RED ONE.

In the movie his sole companion and sworn enemy on the island that the movie opens on is another tough guy type, also well idolized. Toshiro Mifune plays the Japanese soldier, who at the beginning of the movie has seemingly already worked out his survival on the island. He’s got a trough created with drinking water, bamboo cut out as spears and traps in the water to catch fish.

The two characters, whose names I don’t seem to have caught, first encounter each other on the beach. There’s a fantastic moment where we see each one imagine killing the other, only to then cut back to them stuck in a stand-off. From there, is a cat and mouse game, of Marvin trying to get the water – to eventually have the trough destroyed when they both fall on it. The one character gets the upper-hand, tying the other to a giant branch and blind-folding him; only for him to escape and in a quick cut we see the other tied up.

Obviously neither character is able to thoroughly communicate with the other -even when Marvin is trying to teach Mifune’s character how to fetch a stick. And it’s only when they are able to mutually figure out how to build a raft together than their combativeness disappears. Leading to a great line, later in the movie when Marvin’s character is startled by Mifune and says, “Oh, for a second there, I thought you were a Jap.”

The movie ends with both characters pretty much where they started from after the lack of communication rears it’s ugly head again, only to then be surprised by something neither we, or they, see coming.

The movie seems dialogue-less for the most part, but really most of the dialogue in the movie is in Japanese – which is not subtitled – so the only words we understand are what Marvin says. Which isn’t much, and I would assume for a native Japanese speaker, who might not speak English, it would seemingly play out the same way. (Although, I guess they wouldn’t see it as so sparse in dialogue.) But, this is not to say we don’t know what each of the character means, by the way that both Marvin and Mifune’s posture and body language represent their meanings. Both characters also show a good bit of humor (not to each other). Whether it’s Marvin’s previously mentioned attempt to get Mifune to fetch, or the look on Mifune’s face as he see Marvin sneaking toward his water reserve. There is also a good deal of pathos from each man.

The movie itself is beautifully shot, with the dense forests, steep beach and beautiful, crisp water. Each of the men’s faces show sunburn and weariness. Marvin’s ruggedness and Mifune’s intensity. The men build a raft and the time they spend on the ocean is filled with water overtaking them, and shear hopelessness as they lay collapsed beside one another.

It all adds up to a fantastic movie, with only two actors and the way that they adapt to life together despite being on opposite sides of a war that’s bigger than both of them. I highly recommend it.

Here is a short scene from the movie (couldn’t find the trailer), featuring Mifune’s character with the upper-hand in a rain storm. While it’s not violent, these two are merciless to each other and this short scene goes a little way in showing that.

Deliverance.

Director: John Boorman.

Guión: James Dickey, basado en su propia obra.

Intérpretes: John Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, Ed Reamey, Seamon Glass, Randall Deal.

Fotografía: Vilmos Zsigmond.

EEUU. 1972. 110 minutos.

Los añorados setenta

Hay quien mira extrañado cuando digo que ya no se hacen películas como las de los setenta, pero es incontrovertible que la industria americana ya no puede concebir (y mucho menos ensalzar con Oscar) películas tan poco asépticas (en sus diversos ámbitos) como fueron The Godfather, The French connection, Badlands, The Texas Chain Saw Massacre, Taxi Driver… O como la bella y terrible pieza de John Boorman que nos ocupa. Deliverance es una película que sorprende por su rareza argumental, por su pulcra resolución visual, por la espectacularidad de sus imágenes, que casa a la perfección con un discurso sociológico que acaba imponiendo sus reglas en la resolución cinematográfica.

Paraísos perdidos

Con esta película, Boorman cimentó su imagen de cineasta comprometido con su tiempo, porque el filme, despojado de su corsé de trepidante thriller, no deja de ser un retrato del canto de cisne progresivo de la deep América de bosques, ríos y naturaleza viva, a manos de grandes empresas cuya coda de actuación es el interés crematístico, el business. En esta coyuntura que la película retrata con toda tosquedad (dejan sin aliento los personajes marginados que moran en las casas desahuciadas), los cuatro protagonistas (magníficamente encarnados, los cuatro, por Voight, Reynolds, Beatty y Cox) no dejan de representar la (errónea) visión cosmopolita del espacio natural como una reducción del beatus ille, espacio paradisíaco donde practicar la aventura entendida como entretenimiento. En Deliverance, estos personajes se enfrentarán a una aventura que supera aquellos sus parámetros, y cuya (perniciosa) trascendencia hará mella en sus mentes y cuerpos, que nunca regresarán a esa convención prefabricada de la aventura. De hecho, Deliverance franquea en varias ocasiones el límite entre la aventura con toques naturalistas y las enseñas -en aquel momento en construcción- del espacio rural como campo para el horror, el llamado american gothic.

Psicopatologías

Lejos de la poesía visual de Malick, me atrevería a decir que Boorman se atreve a escarbar más allá, en la psicología de los personajes, en la sinrazón en la que se ven enfrentados (ensordecedor ejemplo es la secuencia de la violación de Beatty, pero hay muchos otros, como las últimas imágenes de Ronnie Cox, o el miedo que preside el regreso a la “civilización”). Entrados en este siglo de altas velocidades, parece que el cine americano ya no encuentra su sentido del espectáculo en algo que no sea inmediato, vacuo. Y no hablo de infografía, hablo de asepsia, hablo de miedo de la cámara a acercarse al mundo y mostrarlo con toda su fiereza y podredumbre, cosa que las películas de antaño, las que he mencionado ad exemplum al principio de esta reseña sí que hacían, y que hogaño –salvo honrosas excepciones, v.gr. Mystic River, Zodiac- cuesta más encontrar. Quizá la crisis económica y las secuelas de la Guerra de Irak, la cierta alineación de coyubturas entre los dos periodos históricos también sirva para alinear – o al menos acercar- posturas éticas y estéticas a la hora de rubricar películas. Después ya será el momento de desgranar el talento de los nuevos nombres y ver si pueden compararse con el de los viejos, lo cual, debe decirse, es tan deseable como complicado. 

http://www.imdb.com/title/tt0068473/

http://www.pasadizo.com/portada.jhtml?ext=1&cod=372

http://alternativereel.com/includes/articles/display_article.php?id=00024

http://en.wikipedia.org/wiki/Deliverance

Todas las imágenes pertenecen a sus autores.

The tailor of Panama.

Director: John Boorman.

Guión: John Boorman, Andrew Davis y John Le Carré, basado en la novela de éste último.

Intérpretes: Pierce Brosnan, Jamie Lee Curtis, Geoffrey Rush, Leonor Varela, Brendan Gleason, Catherine McCormack, Jon Polito.

Música: Shaun Davey.

Fotografía: Philippe Rousselot.

EEUU-Irlanda. 2000. 105 minutos.

Mixtura

Al indómito John Boorman – y al parecer, en uno de sus últimos coletazos como realizador- se le encomendó la realización de este The taylor of Panamá, adaptación de una obra del reputado novelista John Le Carré, que –en la línea del autor- plantea una suerte de mixtura entre la narración de ínfulas políticas (por momentos, pocos, aparece un hálito de cierto toque social, de denuncia) y la trama de espionaje pura y dura (puedo hasta bormear y decir que es una trama al más puro estilo James Bond, considerando que, amén de la mayor calidad del guión, Pierce Brosnan se presta a un encomiable juego paródico, y su personaje tiene más punch todavía que el agente secreto, probablemente porque hace las veces de villano). A todo ello se añaden algunas dosis de humor soterrado, o más bien del género cínico. El cóctel está servido.

De Le Carré a Boorman

  Bien servido por Le Carré, Andrew Davis y Boorman: el filme resulta de agradecible visionado. Merced de un guión muy acerado (y sazonado con diálogos cuya inteligencia supera con creces la media a la que los espectadores estamos acostumbrados), la trama se presenta y desgrana de un modo muy atractivo, y Boorman hace gala de un gran sentido de la concisión, y por tanto del ritmo. La ambigüedad de los personajes protagonistas, que también nos recuerda de forma notable las temáticas de Graham Greene, hacen que el filme bordee constantemente una tierra de nadie, ese debate entre lo grave y lo anecdótico, lo sórdido y la complacencia, o, como hemos dicho, la equidistancia cambiante pero constante entre la crítica social, la comedia negra y el relato de espías.  Finalmente, en el último cuarto de metraje, las cartas se destapan, y el filme opta por lo más fácil, el puro divertimento, que para nada desmerece el empaque narrativo precedente, pues no hace olvidar la originalidad y calidad de la propuesta.

http://www.imdb.com/title/tt0236784/

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Tailor_of_Panama

http://www.metacritic.com/film/titles/tailorofpanama

Todas las imágenes pertenecen a sus autores.

UK, 140 min

Realität ist beliebig.

Wer bei einem Film von Jim Jarmusch allen Ernstes auf eine Schlusspointe hofft, die für Aufklärung oder gar Katharsis sorgt, ist entweder unbelehrbar oder weiß nicht, worauf er sich eingelassen hat. In aller Regel hält der amerikanischste aller Independent-Regisseure sich ja aus dem Mainstream raus und kommt so gar nicht erst in Verlegenheit, die falsche Zielgruppe zu verwirren. Umso gemeiner geriet mit „Broken Flowers“ sein vorübergehender Ausflug in seichtere Gewässer, der konsequenter Weise alle neugewonnenen Zuschauer am Ende so ratlos und unbefriedigt zurückließ, dass der eine oder andere sicher gerne sein Geld zurückverlangt hätte. Bei Jarmusch ist eben der Weg das Ziel, und so bewegen sich seine Figuren mit einem Minimum an äußerer Handlung beständig von einer Station zur nächsten. Sein aktueller Film bildet da selbstverständlich keine Ausnahme, ist darüber hinaus aber im direkten Vergleich zu seinem Vorgänger ein so radikal-archetypischer Beitrag zum Gesamtwerk seines Machers, dass nur eingefleischte Fans problemlos der Versuchung widerstehen können, die rund zwei Stunden Spielzeit lieber für eine gesunde Runde Kinoschlaf zu nutzen. Der Vorteil: Wer nach den ersten zwanzig Minuten einnickt und etwa eine Stunde später wieder aufwacht, hat überhaupt keine Chance, den Eindruck zu bekommen, entscheidende Handlungselemente verpasst zu haben. Denn „The Limits of Control“ funktioniert vor allem nach musikalischen Regeln und erklärt die Variation zum ordnenden Erzählprinzip. Wer das nicht ertragen kann, macht um diesen Film besser einen weiten Bogen. Findet man einen derartigen Ansatz jedoch reizvoll, bekommt man ein Musterstück meditativer Ästhetik zu sehen, das sich haarscharf am Rand einer Videoinstallation auf 35mm bewegt.

Es macht gar keinen großen Sinn, das Wenige nachzuerzählen, was dem Film als Plot dient. Gerade einmal fünfundzwanzig Seiten Drehbuch hatte Jarmusch zu Beginn, vieles hat er mit den unterschiedlichen Beteiligten vor Ort entschieden und improvisiert. Dialoge, so sagt er selbst, habe er erst einmal gar keine gehabt. Umso forcierter und künstlicher wirken sie im fertigen Film – auch wenn der Anteil des gesprochenen Wortes verschwindend gering ist. Im Zentrum steht ein namenloser und äußerst schweigsamer Protagonist (Isaach De Bankolé), den allem Anschein nach ein nicht näher bestimmter Auftrag auf eine vorgegebene Spur setzt. Jedes Ziel seiner Reise wird ihm (offensichtlich) über codierte Nachrichten mitgeteilt, übergeben von skurrilen Informanten, die ein (gänzlich? teilweise?) codiertes Gespräch mit ihm führen. Eine Frau in Weiß (Tilda Swinton), eine Frau ohne Kleidung (Paz De La Huerta), ein Violinist (Luis Tosar), ein Gitarrenspieler (John Hurt), ein Gitarrensammler (Gael García Bernal) und eine vorbeihuschende Japanerin (Youki Kudoh aus Jarmuschs „Mystery Train“) – sie alle scheinen einem gemeinsamen Ziel zu dienen, doch über ihre jeweilige Funktion erfährt weder die Hauptfigur noch der Zuschauer das Geringste. Überhaupt erfährt eigentlich niemand nichts über Irgendwas. Natürlich, der Namenlose weiß die ihm überreichten Informationen zu deuten (vielleicht) und zumindest Elemente der (codierten?) Gespräche zu entschlüsseln. Im Wesentlichen aber regieren die Leerstellen, und die kann man als solche hinnehmen oder selber zu füllen versuchen.

Letzteres wird allerdings ein beliebiges Interpretationsspiel bleiben, denn Jarmusch interessiert sich nicht für eine Geschichte hinter den Andeutungen. „The Limits of Control“ ist ein Film über Codes, für die es keine immanenten Decodierungsschlüssel gibt. Wie in den Modellen sprachlicher Imitation von Léon Ferrari (etwa die „Letters to a General“) ist alle konkrete Bedeutung mit der Beschränkung auf die rein physische Existenz von Sprache in Wort und Schrift ausgeschlossen. Jede unterstellte Sinnhaftigkeit wird lediglich impliziert, erlaubt aber keine Kommunikation über die internen Grenzen der künstlichen Enklave (in diesem Fall des Films) hinaus. Oder einfacher formuliert: Überall dort, wo der Zuschauer nach einem verborgenen Sinn innerhalb der Geschichte suchen könnte, wird er keinen finden.

Nun ist das weder intellektuelle Wichtigtuerei, noch gar ein erzählerischer Trick. Bei Jarmusch steht das ästhetische Erleben eben immer im Vordergrund. Bis heute hallt in seinen Filmen das Echo des No Wave Cinema nach, das den New Yorker Underground bis in die Mitte der 80er Jahre hinein bestimmt hat. Struktur und Stimmung herrschen immer noch über die Handlung, und vielleicht ist dieser Film ja eine besonders forcierte Rückbesinnung auf die Einflüsse, die einst Jarmuschs Ausrichtung als Künstler am stärksten geformt hatten.

Es ist also nur eine Frage der Konsequenz, dass er seine Bilder diesmal von Christopher Doyle hat einfangen lassen, der mit seinem speziellen Blick für die Farblichkeit komplexer Emotionslandschaften bekanntlich über Jahre hinweg den Look eines anderen großen Filmemachers mitdefiniert hat, für den die Ästhetik der Stimmung grundsätzlich über dem Inhalt steht. In acht Langfilmen hatte er das künstlerische Konzept von Wong Kar-Wai gar so präzise auf den Punkt gebracht, dass Darius Khondji bei „My Blueberry Nights“ nichts anderes übrig blieb, als die Herangehensweise seines Kollegen möglichst genau zu kopieren. Doyles visuelle Dramaturgie fällt unter Jarmusch zwar weniger künstlich aus, aber die Abstimmung der Farbtemperaturen ist doch (ohne digitale Einfärbung) auffällig genug, um das Auge in der bloßen Optik verloren gehen zu lassen.

Nicht anders setzt Jarmusch die Tonspur ein. In der Hauptsache verwendet er bestehendes Material der japanischen Band „Boris“ und sorgt damit nicht selten für einiges Unbehagen. Überhaupt ist der pointiert beunruhigende Einsatz der Musik das erste, was irgendwann an David Lynch denken lässt, und während sich der Film immer tiefer in Mysterien bewegt, wird die Nähe zum Großmeister existenzieller Dunkelheit immer spürbarer. Jene zwischenweltlichen Mächte, die im Lynch-Universum die Fäden allen Daseins zusammenhalten und dabei meistens selber nicht so genau wissen, was sie tun (weil ihr Verstand einer ebenso unbekannten wie unsteten Logik folgt), scheinen ein paar Abgesandte in Jarmuschs melancholisch-traumwandlerische Welt geschickt zu haben, um dort für die nötige Verstörung zu sorgen, die „The Limits of Control“ bedrohlicher erscheinen lässt, als man es sonst von diesem Filmemacher kennt. Wer sich etwa bei einer sparsam ausgeleuchteten Flamenco-Sequenz an jenen äußerst beängstigenden Varieté-Besuch der beiden Hauptfiguren aus „Mulholland Drive“ erinnert fühlt, ist mit großer Wahrscheinlichkeit nicht alleine.

Jarmusch mag Burroughs (für die Titelwahl) und Boorman (dessen „Point Blank“) als Auslöser gewählt haben, für den Film selber ist das jedoch ziemlich irrelevant. Spricht er im Interview ausführlich davon, dass kein Kontrollsystem ohne Worte funktioniert (einem Essay von Burroughs entnommen), reduziert er diesen Gedanken in seinem Film auf bloße Mechanik. Wenn sein namenloser Protagonist zu Beginn seine Instruktionen erhält (und das ausgerechnet in Gestalt von Alex Descas, der zuletzt für Claire Denis in „35 Rum“ eine Figur verkörpert hat, die in erster Linie durch ihren weitest möglichen Verzicht auf Sprache charakterisiert ist), sind es codierte Inhalte, die im späteren Verlauf lediglich dadurch Sinn erhalten, dass sie als Wegmarken wieder auftauchen. Sprache kontrolliert hier nicht als Träger von Inhalten, sondern als positionsbestimmendes Zeichen.

Es muss also kaum wundern, dass (scheinbare und echte) rituelle Handlungen zum Bauplan der Geschichte gehören. Mal sind sie (möglicherweise) bloße Codierungen (etwa der sich wiederholende Gesprächsaufbau eines jeden neuen Informanten), mal individuelle Handlungsmuster (Tai-Chi-Übungen und prinzipieller Sexverzicht während der Arbeit), mal nichts davon oder beides oder echte Zwangsneurosen (zwei Espressi in getrennten Tassen, von denen immer nur eine benutzt wird), mal alles zusammen, gepaart mit einem assoziativem Hauch von Religion (das Verspeisen von gelesenen Nachrichten). Die Liste lässt sich fortsetzen, aber das Grundprinzip ändert sich nicht.

Oft gibt es den Namenlosen zu sehen, wie er auf einem Bett liegt, nie aber hat er die Augen geschlossen. Das mag damit zu tun haben, dass in der Beliebigkeit seiner Realität der Schlaf keine Funktion hat. In jedem Fall nimmt seine Wahrnehmung konkreten Einfluss auf die Entwicklung der realen Verhältnisse. Erst etwa, wenn er im Museum ein bestimmtes Bild entdeckt hat, kann auch die zugehörige Person (ein Informant) auftauchen. Insofern fungiert er für den Fortlauf der Handlung als echte conditio sine qua non. An anderer Stelle wird er auf die Frage, wie er an einen Ort gelangen konnte, an dem er eigentlich gar nicht sein dürfte, mit einem Verweis auf seine Vorstellungskraft („imagination“) antworten. Das kann man wörtlich nehmen (wie die deutsche Übersetzung), muss es aber nicht. Vielleicht ist Jarmusch endgültig bei seiner ganz eigenen Form von magischem Realismus angekommen. Wer die End Credits bis zur allerletzten Sekunde durchhält, wird in vier Worten lesen können, warum das so ist.

Artikel © 2009 Thomas Lenz. Alle Rechte vorbehalten.
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That’s right Ned Beatty, you squeal your heart away!

Screenplay By: James Dickey
Directed By: John Boorman

Over the years Deliverance has become an infamous movie, both for the Ned Beatty squeal like a pig scene and for its supposed take on modern man versus nature and the need to survive. The Beatty rape scene is as disturbing as advertised, however I can’t help but feel that most people missed the point in regards to man and nature. Deliverance isn’t saying that modern man has learned to survive in the wild or that modern man can’t handle the forest. Nor is Deliverance saying that mountain men are the scum of the Earth and got their just desserts. Rather, what Deliverance is saying is that nature doesn’t matter, whether your location is nature or the city it is just a backdrop for what is the real problem, humanity.

Evil is in all of us, those who want to deny that are only lying to themselves. Deliverance shows us evil in the mountain men and it shows us evil in the city men. It sets up a scenario where the audience naturally associates with the city men and one wherein the violence of the attack on Beatty scars us. But what that attack mainly does is give us something to think about in regards to our reaction and what comes after. If the mountain men were truly evil for what they did, then what does that make Ed, Lewis, Bobby and Drew for covering up what happened, killing others and disposing of three different bodies? Not only that, but in the case of Lewis, blatantly lying about what happened to Drew in order to make sure the others do what you want. Evil is on both sides, and Deliverance wants to ask if we are comfortable with that fact, if we were quick to jump to the same intolerant assumptions that the city men did? Nature isn’t the enemy, the mountain men aren’t the enemy, the city men aren’t the enemy, humanities inherent evil is the true enemy.

The tone and visual style of Deliverance goes along with the above interpretation. It is a slow moving film, one that gives you the time to think about what you are seeing. The serene setting counter acts the ugliness of the violence, but most of all it shows that even in a setting of beauty true evil and ugliness can reside. Once again this is Deliverance working against the natural assumptions we make in life, just because something is beautiful it must be benign, correct? The forest is a beautiful setting, clearly no evil can take place in a locale such as that? But evil and ugliness is hidden behind the true beauty of the forest, and it is brought there by humanity. The wild doesn’t make men savage, men bring their own evil nature into the wild and turn it on its ear.

For any of the above to be true you need good acting, and Deliverance, uh, delivers. Burt Reynolds is spot on as the macho leader who will do anything to protect his macho image, Ned Beatty and Ronny Cox are pitch perfect as the men way out of their element from the moment the movie starts. Most impressive is Jon Voight, the man who has to straddle the fence. He has to be a man with a bit of machismo in him, but one who is a bit out of his element at the same time. Ed ends up the most dangerous of all the men, because he combines the two extremes of human nature and uses them towards nefarious means that may save his skin and the skin of those left alive in his party, but that doesn’t change the fact that they are still what society would deem morally wrong.

For some reason violence has always been a hard subject for critics to understand, any study of violence ends up lambasted by them. Sometimes thinking outside the box, realizing the truth of what you are being shown is needed, and a lot of critics, and people in general, aren’t willing to see anything beyond the compartmentalized views that society accepts. Deliverance doesn’t fit into any compartmentalized view of the world and it is a movie that certainly throws society under the bus. Deliverance is a movie that requires you to think, or if you choose not to there’s always the oddity of Ned Beatty squealing like a pig, I think that will haunt me for years to come!

Rating:

****

Cheers,
Bill

Laufzeit: 113 Minuten – Land: UK – Empfehlung: Ab 12 Jahren

England, im Jahre 1939 – der zweite Weltkrieg trifft nun langsam aber sicher auch Großbritannien, beziehungsweise England. Der 9-jährige Junge Bill Rowan (Sebastian Rice-Edwards) lebt hier mit seiner Familie in einer Allee, welche eigentlich gar keine ist… im Laufe der Monate erreicht der sogenannte “Blitzkrieg” England schließlich in voller Stärke. Auch Clive (David Hayman), Bill’s Vater; wird zum Krieg eingezogen – glücklicherweise in einer nicht sonderlich gefährlichen Position. Die Familie bleibt alleine zurück, und so schlagen sich Sue (Geraldine Muir), Grace (Sarah Miles) und Dawn (Sammi Davis) mit ihrem neuen “Mann im Haus” durch den Alltag. Welcher einerseits geprägt ist von den stärker werdenden Schrecken des Krieges – aber andererseits durch eine gewisse, englische Lebensfreude und den Willen; all das mögliche Grauen unbeschadet zu überstehen. So sehen wir – inmitten den Wirren des Krieges – einen Alltag, welcher all die Geschichten bereithält, die das Leben so schreibt. Erste Liebe, Familienprobleme, und ganz besonders: das Aufwachsen eines jungen Mannes.

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Eines ist ganz klar: “Hope And Glory” ist ein Film der gemischten Gefühle. Wir haben den zweiten Weltkrieg als groben Handlungsrahmen, stets bedrohlich im Hintergrund schwebend – noch mit der Ungewissheit, in welcher Stärke der Krieg England letztendlich erreichen würde. Doch auf der anderen Seite haben wir einige überaus lebensfrohe Engländer, die an dieser “Heimatfront” verharren, und versuchen; das Beste aus ihrem Alltag zu machen. Der Film bedient sich hierbei zusätzlich einigen technischen Mitteln, um diese Ambivalenz der übertragenen Gefühle noch deutlicher zu machen. Man glaubt stellenweise gar, eine Familienkomödie zu sehen – wenn nicht einige Augenblicke später erneut die Sirenen des Luftalarms durch die Strassen hallen würden. Die Macher verstehen hierbei sehr gut, weder die eine noch die andere Seite der Medaille zu vernachlässigen. Mehr noch, die große Verzweifelung und der allgemeine Unmut, die Hilfslosigkeit wird so nur noch deutlicher – indem man Menschen zeigt, die schlicht das tuen, was sie können. Und das ist in diesem Fall: das Leben so normal zu leben, wie es nur irgendwie möglich ist – vor allem in Bezug auf die Kinder, die möglichst wenig vom Krieg mitbekommen sollen. Dies ist selbstverständlich kaum zu verhindern, da wir auch in diesem Städtchen direkte Auswirkungen des Krieges zu sehen zu bekommen – doch macht der Film deutlich, dass man versuchte; sich den Spaß am Leben nicht nehmen zu lassen.

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Soweit es möglich war – voll steter Hoffnung und stillem Bangen nach einem raschen Ende des gar nicht so weit entfernten Krieges. Viele Szenen bleiben in Erinnerungen, ganz besonders aber wohl zwei spezielle, bis heute einzigartige. Nämlich zum einen die Szene, als der deutsche Pilot abgeschossen wird und inmitten der englischen Provinz notlanden muss. Es ist einfach unglaublich, wie dieses Ereignis hier porträtiert wurde – nämlich erneut mit dieser unglaublich aussagekräftigen Ambivalenz. Klar ist es witzig zu sehen, wie der deutsche Soldat nur eine winzige Bewegung machen muss um alle umherstehenden Menschen zu verschrecken – wohl wissend um den eigentlich Hintergrund dieser Wirkung. Das macht im Sinne des Films Spaß, regt zum Nachdenken an; und ist voller verstecktem Gehalt. Die zweite Szene, die ich hier speziell erwähnen möchte, ist die “Marmeladenszene”. Ist es unpatriotisch, in Zeiten des Krieges eine Marmeladenbüchse des “Feindes” zu vertilgen ? Und ist sie möglicherweise vergiftet… ? Eine der humorvollsten, intensivsten, bewegendsten Szenen des Films. Soetwas bleibt lange in Erinnerung – so liebevoll gestaltete Szenen wie diese sind es, die den Film so einzigartig machen.

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Das größte Augenmerk gilt insgesamt gesehen wohl jedoch dem jungen Bill Rowan (Sebastian Rice-Edwards), einem Kind des Krieges mitten zwischen unschuldiger Kindheit und dem möglichen Grauen, welches seine Eltern stets von ihm fernzuhalten versuchen. Es ist unglaublich, mit welcher Ausdrucksstärke der junge Darsteller Sebastian Rice-Edwards diese Rolle spielt; man muss leider feststellen dass dies bis heute seine einzige Filmrolle überhaupt war ! Für mich absolut unverständlich. Dieser leichte Einschub einer kindlichen Perspektive jedenfalls ist es, der zu einer weiteren interessanten Charakteristik des Films führt. Es handelt sich hier nicht wirklich um die klassische Kindheitsperspektive in dem Sinne – da wir das Geschehen eher aus einer allgemeinen Erzählperspektive dargeboten bekommen. Dieser besondere Blick für den Jungen aber macht deutlich, dass es hier ganz besonders um das Erleben einer solchen krisenbehafteten Zeit aus einer anderen, “unschuldigen” Sicht geht. Deshalb finden sich auch kaum ausführende historische Fakten, beziehungsweise Informationen zum Kriegsgeschehen – wir sehen, wie die Familie ihren Alltag bewältigt, und bekommen dabei genauso wenig Informationen wie sie – nämlich dass, was durch Radioübertragungen vielleicht ansatzweise durchsickert. Großes Lob für diese Machart !

Die örtliche Kinderbande lässt sich ihren Spaß ebenfalls nicht verderben…

Der technische Part weiss, in Anbetracht des Produktionsjahres, durchaus zu überzeugen. Selbstverständlich darf man hier kein glasklares Bild erwarten, auch die Farben wirken insgesamt eher etwas zu schwach – andererseits scheint man (auch durch die schwarz-weiss Einblendungen) sich ohnehin einer zeitgemäßen Optik bedient zu haben – zeitgemäß im Sinne der Zeit, in dem das Ganze spielt. Besonders gelungen sind die Szenenaufbauten, sowie die Wahl und Ausschmückung der zahlreichen Schauplätze. Hier wurde mit viel Liebe zum Detail gearbeitet ! Überaus stimmig ist auch der Soundtrack, welcher mal hier und mal da die ein oder andere klassische Note einstreut wenn es etwas melancholischer wird – oder aber den guten alten Swing präsentiert, wenn es gilt; die kriegsfreien Zeiten zu durchleben. Großes Lob auch an die Darsteller – wie bereits erwähnt natürlich besonders an das junge Talent dieses Films. Doch auch die anderen Mitglieder der Darstellerriege wissen durch ihr Können und großartiges Talent zu überzeugen – sowohl in emotionalen, als auch situationsbedingt witzigen Momenten. Das ist eine Gratwanderung, die gar nicht so einfach zu bewältigen ist – hier jedoch klappt es mit Bravour.

Bill sieht und erlebt viele Dinge auf seinem Weg ins Erwachsenendasein…

Schlussendlich: hier handelt es sich um einen wirklich ungewönlichen, da insgesamt sehr lebensbejahenden und frohen Anti-Kriegsfilm. Der jedoch nicht den gewissen ernsten Unterton beziehungsweise Hitergrund vermissen lässt ! Einer der wenigen Filme, die ein sehr unbequemes, schreckliches Themenfeld behandeln – dabei aber richtig Spaß machen. Geht das, beziehungsweise ist das überhaupt erlaubt… ? Ich sage: ja ! Denn man sieht hier wunderbar, wie gut das funktionieren kann. “Hope And Glory” ist ein zeitloses Meisterwerk, welches ein wahres Plädoyer für Menschlichkeit und das Leben an sich ist. Und dabei noch ausserordentlich gut unterhält ! Von mir gibt es dafür 9.2 von 10 Punkten, sowie einen Award:

Auch in schlimmen Zeiten gibt es immer Hoffnung…

– Für das Halten des Versprechens in Anbetracht des Titels – das ist “Hope And Glory” ! Ein wunderbares filmisches Kleinod.

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