BRÛLE CE SCENARIO SANS PLUS TARDER!!!

Ahem. Pardon. Laissez moi reprendre depuis le début.

Cher Quentin,

J’ai déjà évoqué il y a quelque temps dans un article centré sur Inglourious Basterds les grosses réserves que j’avais à ton sujet, mais si je m’adresse à toi aujourd’hui, ça n’est pas en tant que détracteur, mais en tant qu’ami.

Il semblerait que tu sois en train d’écrire un scénario pour Johnny Hallyday.

A moins qu’il existe un autre Johnny Hallyday, un obscur acteur américain dont je n’aurais pas entendu parler, dois-je comprendre que toi, le cinéaste star, pour qui tous les acteurs du monde rêvent de tourner (sauf cette rabat-joie d’Isabelle Huppert, apparemment), tu as décidé d’écrire un rôle pour la momie orangée aux lèvres de mérou qui fait ses adieux à la scène tous les six mois au pied de la Tour Eiffel ? La vieille chose tirée jusqu’à l’agonie qui pose à côté de Laetitia en couverture de Paris Match une semaine sur deux, qu’on prend d’abord pour sa grand-mère avant de réaliser qu’il s’agit de son époux ? Le clown en décomposition avancée qui a fait 70 ans de carrière en traduisant (mal) en français des tubes américains ? L’ex-mari croulant d’une des Filles d’à Côté ? La muse fossilisée d’Optic 2000 ?

Alors oui, tu parles beaucoup, et les trois-quarts de tes projets ne voient pas le jour, mais rien que le fait d’y avoir pensé est déjà un vaste problème.

Quentin, dois-je te rappeler que tu es le papa de Reservoir Dogs et de Pulp Fiction ? Que tu as une responsabilité envers ces films ? Et qu’à chaque faute de goût, tu jettes un peu plus d’ombre sur tes glorieux débuts ? Parce que Jackie Brown avait la classe, et parce que Kill Bill Vol. 1 avait le mérite d’être rock’n'roll, on t’aurait presque pardonné ton obstination Madonnesque à vouloir faire l’acteur, bien que tu sois franchement indécent de nullité lorsque tu commets l’imprudence de passer devant la caméra. Avec Kill Bill Vol. 2, le vide émotionnel et intellectuel du grand attardé que tu es commençait à se faire douloureusement sentir. Idem pour Death Proof, où ta propension à t’écouter bavarder pour ne rien dire virait à l’indigence masturbatoire. D’autant que son jumeau Planet Terreur, enfanté par ton pote Robert Rodriguez, moins prétentieux, moins célébré, pas sélectionné à Cannes, lui mettait sa race sur le terrain de la jubilation débile assumée.

Puis il y a eu Inglourious Basterds, sur lequel j’ai dit ce que j’avais à dire.

Et maintenant, Johnny. Qu’avons nous fait pour mériter ça? N’est-ce pas suffisant qu’un Clint Eastwood grabataire se compromette avec une volaille, et qu’un Woody Allen sénile soit au bord du discrédit en invitant la femme la plus cauchemardesque de France à tourner pour lui ? Doit-on en plus assister à la chute irrémédiable de ce qui reste de Quentin Tarantino ?

Je me doute que Vengeance de Johnnie To t’a fait mouiller ton pantalon et donné tout plein d’idées, mais l’as-tu bien regardé le Johnny ? L’as-tu déjà entendu parler ? Sais-tu à quelle genre de musique apocalyptique il est associé ? Et surtout, l’as tu déjà vu chanter Le bon vieux temps du Rock’n'Roll en duo avec Sylvie Vartan?

J’en viens à me demander si la récupération systématique des ringards de tous bords qui est depuis toujours ton fond de commerce n’est pas un prolongement de ta mégalomanie croissante (comme l’a très justement fait remarquer le génial compositeur Alexandre Desplat au sujet de ton refus d’utiliser de la musique originale). Si ta résistance de plus en plus persistante à faire tourner des grands acteurs/noms (non, Brad Pitt et Uma Thurman ne sont pas des grands acteurs) n’est pas la manifestation d’une peur panique de partager tes précieux lauriers. Si le fait de choisir des tocards, des has-been ou des inconnus n’est pas tout simplement pour toi la meilleure façon de t’approprier le succès de leurs performances, ou du moins la primeur de leur découverte. Imagine: si tu tournais Reservoir Dogs aujourd’hui, tu offrirais sans doute les rôles principaux à Treat Williams, Tom Berenger, ou même David Hasselhoff, juste pour faire ton malin. Et crois moi, ça serait beaucoup moins bien.

Alors laisse-moi te donner un conseil d’ami: descend de ton putain de piédestal, souviens toi de l’époque où Tarantino rimait avec Harvey Keitel, Tim Roth, Steve Buscemi, Samuel L. Jackson ou Christopher Walken, et essaie de nous donner un peu envie.

Parce que Johnny Hallyday, même avec toute la bonne volonté du monde, comment te dire?

Non.

La Blanche est tant le nom d’un groupe lyonnais que celui de son créateur et chanteur. Enfin, un surnom, à peine un pseudo. Chômeur à trente ans, Éric La Blanche crée alors un groupe et chante les bienfaits du RMI qui lui permet de vivre. Logique donc qu’il baptise son premier opus Michel Rocard en clin d’œil au créateur du revenu minimum d’insertion. Mine de rien, ça fera son raisonnable buzz et lancera le groupe. Le deuxième disque aurait pu faire fortune, non parce qu’il est excellent (il l’est) mais qu’il contient une petite perle, La Mort à Johnny, imaginant avec luxe de détails le jour fatal où l’icône défunctera. Mais aucun programmateur censé ne peut diffuser ça, se permettre un tel crime de lèse-majesté envers Hallyday et la sacro-sainte puissance discographique qui régente et édicte ses lois (la preuve, même les Fatals Picards, creusant le même sillon, se feront taper sur les doigts). Les pleutres remballent le disque. C’est foutu pour la gloire même si, prémonitoire dérision, il se nomme Disque d’or.
Le troisième opus de La Blanche, Imbécile heureux, vient tout juste de sortir. C’est du beau, du bon encore, toujours avec cet humour froid, distancié, pince-sans-rire, qui le caractérise. La Blanche sait vous glacer le sang, vous mettre mal à l’aise, en chantant les froides restructurations industrielles : « Je nettoie je renvoie / je vire je licencie les gens / c’est utile c’est sympa / je m’occupe des encombrants ». Malgré les cuivres, la musique de La Blanche est tout aussi glaciale, accentuant le malaise, remuant le couteau dans le play. Pareil quand il nous chante Un monsieur sans histoire, ou Le Forcené (« Je suis le forcené / je suis votre visage / J’ai pas choisi la haine / toute seule elle est montée ») ou des amours partis qui ne reviendront pas… Avec sa voix qu’on dirait parfois empruntée à Gainsbourg, avec mots et musiques (pop-rock) redoutablement bien écrits, La Blanche est, il me semble, une des valeurs sûres d’une chanson bien plus qu’estimable, somme de mini dramaturgies qui en disent long sur l’état de notre société.

La Blanche, Imbécile heureux, 2009, autoprod distribué par L’Autre Distribution

Les premiers fans sont arrivés dès 2 heures du matin, mercredi 11 novembre, pour assister à ce qui pourrait être l’ultime concert bordelais de Johnny Hallyday. Car pour être juste en bas de la scène, à quelques centimètres de la star, c’est « premier arrivé, premier servi ».

16 heures d'attente pour 2 heures de show : pour les fans de Johnny, passion rime avec patience.

Jean-Louis, lui aussi, est arrivé à 2 heures… mais la veille. Dans quelques heures, il passera sa deuxième soirée consécutive en compagnie de son idole : après le show de mardi, il a repris sa place, en bas des marches de la patinoire Mériadeck, pour une nouvelle journée d’attente.

Une cigarette à la main, emmitouflé dans son anorak gris, Jean-Louis alterne les bières et les cafés. Il est 15 heures, et derrière lui, des centaines de capuches et de parapluies se rassemblent déjà. L’homme a payé 110 euro pour les deux soirées, et sera à Clermont-Ferrand dans dix jours pour un nouveau spectacle de son idole. « Je suis un fan à 90%, confie-t-il. 100% c’est impossible, à cause de mon métier, les gosses… On dit qu’un type a vendu sa boulangerie pour suivre toutes les dates de la tournée, mais bon, quand même…»

Jean-Louis a retrouvé Daniel, son « ami de concert » depuis des années. Pas besoin de se téléphoner, ils savent qu’ils se retrouveront ici, comme à chaque fois. Blouson en cuir à franges, le quarantenaire a lui aussi passé la nuit « juste là », à même le sol, sans sac de couchage. Sur les carreaux ocres du parvis qu’il montre du doigt, la pluie ruisselle toujours.

« Le p ‘tit, par contre, il a dormi dans la voiture » précise-t-il, comme pour rassurer tout le monde. A ses côtés, le pré-ado, léger duvet au dessus de la lèvre et déjà 17 concerts au compteur, affiche un sourire radieux. « C’est parce qu’il a pris des photos des musiciens à leur hôtel. J’envoie le môme, ça passe mieux », explique Daniel, les traits tirés par le manque de sommeil. « Avec ma femme on l’a appelé Johnny. C’est la relève ! »

« Ça ne finira jamais »

Aux quelques klaxons complices des conducteurs, la foule répond par des éclats de voix et des signes de mains. Mais à maintenant deux heures de l’ouverture des portes (prévue à 18h30) pas de karaoké improvisé. Alors que la pluie a cessé, il y règne même un calme certain. « On s’économise pour être au top pour soutenir Johnny », explique Chantal, tout en repliant son immense bâche kaki.

Coquette et souriante malgré dix heures d’attente, elle a passé la journée avec son amie Raymonde, assises sur des poches poubelle. De son sac s’élève soudain un air connu. « Ça ne finira jamais » de Johnny Hallyday. « Ma sonnerie de téléphone, sourit elle, mais je décroche toujours au dernier moment. Des fois, je ne décroche même pas pour avoir la chanson jusqu’à la fin. ».

"J'aimerais mourir avant Johnny" avoue Jacky, au centre, entouré de Raymonde et Chantal.

Ça ne finira jamais ? C’est aussi la réponse que l’on reçoit lorsque l’on évoque les soucis de santé de la star. Jacky, devenue la mascotte de la bande grâce à sa casquette « Allumez le feu », veut toujours y croire : « Johnny, c’est un héros, notre héros, alors il durera jusqu’à 100 ans». Plus lucides, les deux copines déclarent ne pas vouloir y penser, et préfèrent se remémorer leurs souvenirs, nombreux en 40 ans : les bouts de cravate et de chemise pour lesquels « il a fallu se battre », les dizaines de concerts, les quelques fois où elles ont pu lui parler, lui toucher le bras. Elles ne comptent plus les objets qu’elles collectionnent, « de toutes sortes sauf les figurines, car quand on les regarde, c’est pas lui ».

« Plus que dix minutes !» La nuit est maintenant tombée, et la file est longue de plusieurs centaines de mètres. En tête, la petite bande se plaque contre les barrières, leur billet à la main. Chacun a pris soin de découper légèrement le haut et le bas du talon, le long des pointillés. Une technique infaillible et bien connue des habitués. « Premièrement, ça va plus vite, mais en plus, ça évite que le gars qui les check ne nous les abime. C’est pour la collection après… » me glisse Jean-Louis.

Une collection qui pourrait donc bien s’achever le 9 février à Bercy, point d’orgue de la tournée. Et les fans s’y sont déjà donné rendez-vous, rien que pour avoir le ticket.

Julie Urbach

Il est des batailles qui durent des années, des décennies, … Elles ont lieu sur des points de vue idéologiques, artistiques, … A un tel point que le marketing peut  se servir de la discorde dans les campagnes de publicité. On peut penser que c’est le cas avec nos deux célébrités françaises du milieu de la musique : Johnny et Antoine.

Rappelez vous en 1966 (si vous étiez nés;) ), Antoine, hippie de son époque, et Johnny Halliday s’envoyaient des fleurs par chansons interposées. Antoine chantait « les élucubrations », auxquelles Johnny répondait par “cheveux longs et idées courtes”.

Aujourd’hui, les grands esprits du marketing se sont amusés à reprendre ce dialogue par chanson interposée. En effet, ce n’est pas pour rien que les opticiens ATOL et OPTIC 2000 se sont appropriés les services des 2 chanteurs dans leurs publicités respectives. La discorde entre les deux artistes est reprise implicitement à travers ces deux campagnes publicitaires.  Inconsciemment, nous associons une campagne à l’autre ce qui renforce leur impact.

D’autres entreprises ont utilisé ce phénomène de mémorisation par association avec une autre marque : Coca Vs Pepsi, Apple Vs Microsoft, …

Philippe GRAVEZ – Directeur associé

Double XL – Conseil en Marketing

Lundi 19 octobre. Paris, le Zénith. 20h. Concert de PHOENIX.

Après une première partie: Chairlift et son horrible volume sonore, aux fréquences basses et saturées, insoutenable, désolée c’était vraiment pas possible… NEXT!

On arrive enfin aux Versaillais de Phoenix.
C’est parti. Six sur scène cette fois. Premières 30 minutes à enchaîner les tubes de leur dernier album ‘Wolfgang Amadeus Phoenix’ sans un mot.
Mise en scène et son hyper léchés, comme si on écoutait l’album dans son salon. Aie! On a un peu peur sur le moment, mais tout va se bousculer juste après Litztomania; avec un Thomas Mars, le chanteur, qui nous lâche un « On a jamais eu autant de monde à Paris. Merci Charly », le public se réveille enfin, il saute ( si, si, on Pogote sur du Phoenix, j’vous jure!), chante et se balance au son de Fences, Lasso, Consolation Prizes. Des jeux de lumières fous:  néons multicolores, stroboscopes et tutti quanti.

Ils nous ont sortis le grand jeu, The big show, les petits Versaillais!

Puis vient le rappel après 1h de set ( Mouais !), avec du Too Young, du If I ever feel better (en version Rock, s’il vous plaît), et un final sur 1901 assez grandiose! Tout le Zenith est debout, les gens sont en parfaite communion avec le groupe… ils ressentent, quoi !

Perso, j’ai aimé le concert, n’étant pas la fan ultime de Phoenix, l’ambiance y était, on peut dire qu’ils ont mis le ‘Feu’ (comme Johnny!!! Heu … ouais, bof!).

Le passage guitare/voix de Everything is Everything était à tomber. Mais pour certains puristes Rock, qui n’apprécient guère ce genre ‘POP’,(mon boyfriend en somme), ce concert fût une mauvaise idée cadeaux!A en croire son impatience et son jugement, Phoenix est un groupe pour midinettes, bien poli, bien léché, sans fioritures. Soit un concert beaucoup trop clean musicalement.

Il se contentera désormais du disque.

Nous dirons que son amour envers Phoenix restera ‘platinique’!

Singer Johnny Hallyday is going through a difficult period of his life. After a short time ago confessed he lost his voice and his retirement from the music scene at least a year is obligatory, the 66 year old artist announced that next month he will be operated for herniated disc.
However, the singer denied the rumors about a possible divorce from his wife, Laetitia, saying that he will spend the holly days at Gstaad with the family.

VENTES DE CDs EN FRANCE/Chiffres Ozap : Selon Ozap (dont le groupe M6 est actionnaire à presque la moitié du capital), l’artiste idole des jeunes Johnny passe une deuxième semaine en tête des ventes avec son album live “Tour 66 : Stade de France 2009″, qui devance Dany Brillant et Tokio Hotel, les deux meilleures entrées de la semaine. En revanche, c’est un petit démarrage pour Mariah Carey… Quant à David Guetta, le DJ français reste indétrônable et est toujours le leader incontestable de la musique digitale ! C’est donc encore pour un bon bout de temps “le roi du digital”… [D'après OZAP.com]

Un film del 2009, regia di Johnny To, con Simon Yam / Johnny Hallyday / Anthony Wong Chau-Sang / Sylvie Testud. Prodotto da ()

Azione / Poliziesco / Thriller

Frank Yuma, killer da tempo in forza presso un sindacato del crimine organizzato, è sospettato di essere divenuto un informatore dell’FBI. Il sindacato ordina di eliminarlo ai suoi stessi uomini, ma sfortunatamente per loro Frank sopravvive.

1.

He perdut una estrella [1]

Hay una cosa especialmente mágica en la poesía de Joan Brossa, una luz intermitente que surge de lo cotidiano,

de la representación teatral del día a día, que me asombra.

Tiene algo de pantomima, también de danza, y de engaño ilusorio de los sentidos;

un matiz léxico y sintáctico que es profundamente catalán.

Se consigna esto en cierto encantamiento que parece benigna locura, y que no es despreocupación, pero lo parece. Y que no es celebración, pero podría serla.

Lo resumiría su poema “Fascinació”, de 1955:

“la meva mà

somia un altre braç i meravelles

que altres mans s´entretinguin a agrupar” [2]

(mi mano / sueña otro brazo y maravillas / 
que otras manos se entretengan en juntar)

2.

El mirall es l´alfabet [3]

La primera noticia que tuve de Joan Brossa fue a los nueve o diez años.

A los once, tal vez.

Vivíamos en un dúplex, cuyo tercer piso contenía una buhardilla/estudio dividida en dos partes, una con una gran cristalera a través de la que entraba la luz natural que utilizaba mi padre para pintar,

y la otra parte que contenía una mesa de trabajo a rebosar de revistas, catálogos de exposiciones, postales, libros de artista, fotografías, amuletos y… sí, varias Penthouse y Playboy escondidas.

Los niños tienen como un afortunado radar para localizar estas cosas.

3.

Pólvora al buit de l´ànima! [4]

Los niños de nueve o diez años, u once, lo que no tienen afortunadamente es alma, sino un agujero del tamaño de un puño, que se les va llenando de lo que les va cayendo en suerte.

A mí me cayeron Joan Brossa y Picasso y y me encendieron la pólvora tardoinfantil para llenármela de poesía, fantasía, hermosa violencia y verdad.

Es curioso cómo se alían las cosas, pues a mí me gustaba mucho una Playboy de mi padre (y que cada vez éste iba escondiendo en lugares diferentes)

que perfectamente podía ser de finales de los 70. Y me gustaba porque había un reportaje en el que salía una chica (desnuda, claro) haciendo una especie de show en el horno de una panadería.

Esa mezcla de glassé, harina, fuego y desnudez me impactó. Y recuerdo que de todas las fotografías que integraban el reportaje, lo que menos me interesaba era la chica.

Ahora que escribo esto caigo en la cuenta de que el origen de la escena de la panadería en la novela “Alytzia [Abbondanza] hay que buscarla ahí, en esa Playboy que mi padre escondía entre decenas y decenas de suplementos dominicales de El País Semanal.

Y claro,

por fuerza, siempre le daba un ojo al suplemento de la semana en cuestión (el de El País), porque claro, no siempre disponía del tiempo y la astucia suficientes para encontrar el nuevo escondrijo de la Playboy.

Y héte aquí que me sobresaltó un día un reportaje sobre un así llamado poeta visual catalán que hacía unas cosas preciosas, sorprendentes e irónicamente supersencillas.

Recuerdo dos hojas secas, caídas del árbol. Unidas por un clip.

El poema era este:

Joan Brossa, "Burocracia" (1967).

En ese momento, sin saberlo,

se me hizo claro el sentido de la siguiente frase del propio Joan Brossa:

“La poesia visual no és dibuix, ni pintura, és un servei a la comunicació“

(La poesía visual no es dibujo, ni pintura, es un servicio a la comunicación)

4.

Son meus desert i oasi / metall i pedra [5]

La poesía visual es serlo todo,

dominarlo todo,

para poder retornar a lo esencial aplicado al sentir contemporáneo e ir comunicando con lentitud y  tino cada uno de esos certeros descubrimientos.

Lo mismo sucede con el novelista, aunque a éste le lleva un poco más de tiempo; la comunicación, digo (y la génesis). Y esto por ser más morosa la palabra que la imagen, pero sólo por esta razón.

Veamos, la lección es muy sencilla,

tanto el artista visual como el novelista se escriben las cosas para explicarse la vida a sí mismos, escriben o crean poemas visuales como forma de entendimiento personal.

Y esa conciencia de la letra o la imagen a través de la que se nos revela el mundo

debe haber acontecido bien pronto, en algún momento de la infancia, para que haya podido ir laboriosamente haciendo un poso fructífero.

Puede que acontezca más tarde, es cierto, la vocación, que se lo digan sino a San Agustín, y fíjense lo pródigo que resultó para el cambio de paradigma literario su revelación.

Pero esto suelen ser excepciones que se cuentan con los dedos de una sola mano.

El escritor, pues, debe serle fiel a las revelaciones de la infancia, dado que de ellas depende el estilo que con tesón, esfuerzo y renuncia conseguirá ya en su madurez.

——-CONTENIDO EXTRA——-

-y agradecimiento-:

Ya que estos días de caída de la inversión publicitaria en la prensa, está ésta loca por ganarse empáticamente a sus lectores,

y ya que se han inventado esa campaña de

Yo leo El País Semanal

Pues sirva este post para agradecerle a mi padre su síndrome de Diógenes.

Y  también para agradecerle a Hugh Hefner aquella edición de finales de los setenta que logró insertarse subrepticiamente en mi primera novela.

- – - – - – - – -

Canción del día:

Le diable me pardonne – Johnny Hallyday

- – - – - – - – - -

[1] Joan Brossa. “Marge”, de El poeta presenta quinze pantomimes (1956).

[2] Joan Brossa. “Fascinació” de El pedestal son les sabates (1955)

[3] Joan Brossa. “El molinet de confetti (Dansa)”, de Vint-i-una odes, uns goigs, una dansa i un sonet (1958).

[4] Joan Brossa. “Foc i sort”, de Els entrebancs de l´univers (mena d´epopeia – 1956).

[5] Joan Brossa. “Jove Drac”, de Poemes de Paris (1956)

[1], [2]. [3], [4] y [5] incluidos en Joan Brossa, Poesía Rasa (II) [1955-1959]. Edicions 62. Barcelona. 1991.

Aujourd’hui je souhaite faire la lumière sur une nouvelle qu’on a tenté de passer sous silence. Ce week-end j’apprenais que Johnny Hallyday, l’idole des jeunes, aurait fait l’objet d’une intervention chirurgicale.

Farouche combattant des légendes en tout genre, je profite de ces lignes pour rappeler qu’il n’y a pas de petit cancer. Johnny lui-même a rassuré tout le monde en parlant d’une opération pénible, confirmant ainsi que ça n’a pas été de la tarte.

Je condamne cette habitude bien française de vouloir toujours tout sous-estimer.

Nos grands-parents se gardent souvent de nous prévenir de leurs accidents cardiovasculaires.

J’ai fait un infarctus. Je ne t’ai rien dit, je ne voulais pas que tu te fasses de souci.

J’ignore encore si c’est par fierté, par pudeur ou par précaution.

L’équipe de France de football se voit déjà en barrages alors que mathématiquement rien n’est encore joué. Christine Lagarde élude la question du déficit, peu importante face à la croissance économique. Nous sommes peut-être des enfants de La Fontaine et il ne faut pas se prendre pour un bœuf quand on n’est qu’une grenouille, il n’empêche qu’à un moment, je rappelle quand même que Mini-mir, mini-prix, mais il fait le maximum.

Ayons un peu le courage de nos ambitions. Et n’ayons pas peur de dire les mots. Car il est une autre minimisation qui m’agace profondément et qui concerne l’arrestation de Roman Polanski.

Personne n’ignore que le cinéaste a été victime de la grande lessive suisse dimanche dernier. Après avoir donné des comptes en banques, c’est le réalisateur du Pianiste que les Helvètes ont balancé aux autorités américaines. (Précisons quand même qu’il est sous le coup d’un mandat d’arrêt international depuis 2005)

Roman Polanski a été accusé de viol sur la personne de Samantha Geimer, 13 ans à l’époque lors d’une séance photo réalisée pour Vogue. Il a rejeté l’accusation de viol mais plaidé coupable de relations sexuelles avec une mineure. Ce qui est passible de 20 ans de prison aux États-Unis. Il prit la fuite en 1978 alors qu’il était sur le point d’être jugé.

Aujourd’hui l’histoire le rattrape. Mais le monde prend sa défense. L’UMP monte au créneau, dénonçant la mise en scène d’une arrestation regrettable. Hervé Temime son avocat parle d’une affaire de mœurs vieille de 30 ans. Tandis qu’outre Manche on parle de viol. On pourrait même parler de viol sur mineur. En fouillant un peu, je crois qu’on pourrait peut-être même parler de pédophilie.

Mais Polanski n’est pas Dutroux. Et non on ne reparlera pas de Michael Jackson.

Je repense alors à mon Johnny Hallyday et son petit cancer. Et je m’interroge. Jack Lang rappelle qu’il n’est pas dans l’intérêt des narines que de remuer la merde. Mais je me demande comment on peut affirmer regretter que la prescription n’existe pas aux États-Unis. Je réalise à quel point la vie est plus juste envers ceux qui ont la chance d’avoir des bons amis. C’est vrai Polanski n’était pas chauffeur de bus, mais de là à l’appuyer uniquement pour son cinéma… il y a des limites. Parce que la nouvelle vague polonaise merci bien quoi.

Je me prends à imaginer les raisons pour lesquelles Polanski est soutenu si massivement. Il devait être plus qu’un bon compagnon de beuverie. Il y avait l’argent certes, mais quoi d’autre? Quels services pouvait-il bien rendre? Peut-être était-il très doué en plomberie? Et un plombier à Paris ça coûte cher, alors à Hollywood…

D’accord à l’époque c’était la fête. D’accord c’est le show-business. D’accord Polanski n’a pas eu une enfance facile. D’accord il y’a eu Sharon Tate. D’accord la victime a passé l’éponge depuis. Mais est-ce que ça excuse tout?

Un film del 2009, regia di Johnny To, con Simon Yam / Johnny Hallyday / Anthony Wong Chau-Sang / Sylvie Testud. Prodotto da ()

Azione / Poliziesco / Thriller

Frank Yuma, killer da tempo in forza presso un sindacato del crimine organizzato, è sospettato di essere divenuto un informatore dell’FBI. Il sindacato ordina di eliminarlo ai suoi stessi uomini, ma sfortunatamente per loro Frank sopravvive.

Who has not once said: “It was better before! ?
Moreover, countless shows “60 Years”, “Rock’n'Roll”, “70 Years”, “80 Years”, etc.. clearly demonstrate that the nostalgia that recipe. The organizers of such events do not only surf the wave, not just a matter of marketing. They actually respond to a request to an appropriate audience. Artists supposedly “has been” are also amazed at their new success.
As said one of them during a recent interview: “We’ve gone from star status to one of ‘has been’ and now we worship! “
The songs are good triggers memories. This song reminds Johnny Hallyday surprises-parties of the 60s. This allows slow to remember her first kiss. This song Piaf makes us remember our first love. And you? There are certainly worship songs that reflect key moments in your life.
This need to relive the past has been fully identified by Radio Nostalgie. But this need, what is it?

In a world where the future seems uncertain and where this is not always rosy, people feel the need to cling to their past because it is moments lived. There is no uncertainty about what will happen. It’s like watching a movie we’ve seen: there is no suspense or anxiety, we already know the end.
They look at good moments they have experienced at times, certainly not always happy, but they were more complacent because of their young age.
Moreover, the brain tends to obscure the difficult times, it seems quite natural to want to relive happy moments.

But today, everything is not an excuse for nostalgia, music, clothing, furniture, marketing, etc.. ? All this is not done to make us forget the daily realities of this life? Is not this a way to infantilize people?
He did not let the desire to relive the past becomes an obsession. It’s nice to occasionally remember good memories of this kind. But it’s dangerous for his personal evolution to abuse. Especially since the past that we are present at every turn is usually embellished, smooth, sterile. It is more a dream than reality.

By living together continuously in the past, we are preventing us from projecting into the future. We know very well that every great achievement can not succeed without viewing the result we desired. Do not deny the past but do not try to reproduce it as is. We must learn to use it intelligently. Do not regret the past but obtaining experience, positive or negative, to avoid making the same mistakes.
It is not constantly looking behind us we can move forward. We must go forward, turning to the future if we want to succeed.

Who has not once said: “It was better before! ?
Moreover, countless shows “60 Years”, “Rock’n'Roll”, “70 Years”, “80 Years”, etc.. clearly demonstrate that the nostalgia that recipe. The organizers of such events do not only surf the wave, not just a matter of marketing. They actually respond to a request to an appropriate audience. Artists supposedly “has been” are also amazed at their new success.
As said one of them during a recent interview: “We’ve gone from star status to one of ‘has been’ and now we worship! “
The songs are good triggers memories. This song reminds Johnny Hallyday surprises-parties of the 60s. This allows slow to remember her first kiss. This song Piaf makes us remember our first love. And you? There are certainly worship songs that reflect key moments in your life.
This need to relive the past has been fully identified by Radio Nostalgie. But this need, what is it?

In a world where the future seems uncertain and where this is not always rosy, people feel the need to cling to their past because it is moments lived. There is no uncertainty about what will happen. It’s like watching a movie we’ve seen: there is no suspense or anxiety, we already know the end.
They look at good moments they have experienced at times, certainly not always happy, but they were more complacent because of their young age.
Moreover, the brain tends to obscure the difficult times, it seems quite natural to want to relive happy moments.

But today, everything is not an excuse for nostalgia, music, clothing, furniture, marketing, etc.. ? All this is not done to make us forget the daily realities of this life? Is not this a way to infantilize people?
He did not let the desire to relive the past becomes an obsession. It’s nice to occasionally remember good memories of this kind. But it’s dangerous for his personal evolution to abuse. Especially since the past that we are present at every turn is usually embellished, smooth, sterile. It is more a dream than reality.

By living together continuously in the past, we are preventing us from projecting into the future. We know very well that every great achievement can not succeed without viewing the result we desired. Do not deny the past but do not try to reproduce it as is. We must learn to use it intelligently. Do not regret the past but obtaining experience, positive or negative, to avoid making the same mistakes.
It is not constantly looking behind us we can move forward. We must go forward, turning to the future if we want to succeed.

He pasado tras la iglesia, alli donde se abría la pequeña puerta de madera hoy desaparecida que comunicaba con la sacristía; era donde nos reuníamos los viernes para ensayar, los sábados para cantar en la misa y después para celebrar el guateque de todas las semanas. Eran tiempo de la bella francesa que nos hacía bailar con sus dulces canciones, Silvie era el icono fundamental de las jóvenes de aquellos tiempos, bien vestida a la última que para eso era francesa, recatada, con una cara de ángel y por supuesto hablando en francés, porque entonces la cultura tenía acento francés o italiano.

El padre Francisco habría la pesada puerta de madera antigua, entrábamos con esas risas propias de quienes descubren el mundo en cada rincón de la parroquía con cuatro siglos a sus espaldas. Los rincones oscuros donde se amontonoban viejos confesionarios, alguna que otra alfombra errollada y sobre la pared cuadros tan negros por el humo de las velas que dificilmente podríamos distinguir. Se podía subir al primer piso donde estaba el coro de los agustinos, donde sonaba el órgano todos los sábados, donde los balcones todavía abiertos daban una pespectiva distinta de la parroquia y precisamente desde uno de esos balcones, aquel que se escondía tras una columna era el que permitía ver al crucificado de Montañés de una manera magistral.

Era mi lugar favorito cuando los demás ensayaban los cánticos de la misa, me quedaba allí con los ojos fijos en ese semblante oscuro que apenas cuatro cirios rojos podian iluminar. La muerte se había llevado la vida de madera pero dejaba impresa la majestuosidad de la muerte y su serenidad. Siempre lo mismo… desde el fondo del pasillo se escuchaba mi nombre: comenzaba lo mejor… el guateque.

Y todas esas horas pasadas ante la radio escuchando los discos de la semana, los que estaban en los principales tops de Europa se podían escuchar en el viejo tocadiscos porque siempre había alguien  que se había hecho con una copia de cualquier éxito del momento, es como me enamoró esta chica francesa llamada Silvie con su Poupé de cire… bailes separados desde luego, pues siempre la atenta mirada del religioso hacía que no hubiese tentación de más en ese acercamiento que la iglesia tuvo con los jóvenes de aquellos finales de los 60´s, y así con tragos de  Fanta de naranja o limón pasábamos las tardes de esas semanas llenas de actividades en la que daba tiempo a todo y eso que el horario era bien férreo. Las clases por la mañana y por la tarde y los sábados por las mañanas, volver a casa los fines de semana antes de las 22 horas, las 25 pesetas para el cine y alguna chuchería, los vestido inspeccionados antes de salir pero que no traían mucho problema puesto que casi todos estaban hechos por las madres; no mucho maquillaje aunque los ojos se pintaban con ganas, los labios con un simple brillo y a recoger amigas para irnos al paseo o al guateque de la parroquia.

Y Silvie cantando, y cuando se casó con Johnny, el rockero francés con un modelo que nos enamoró a todas…. qué tiempos. Soy una muñeca de cera decía pero tengo alma y quiero ….y se quedó para siempre en mi pensamiento. Amo esos tiempos que fueron mis tiempos porque los pude disfrutar lo mismo que ahora disfruto el presente. No soy una muñeca de cera soy una mujer de ahora.

Flashes de mi memoria histórica……….

DAMADENEGRO 12/9/2009

Détective marks the end of an era for Jean-Luc Godard, in that it is the final piece of his oeuvre that bears the hallmarks, or is at least a recognizable form of narrative drama. That’s not to say that Détective is in anyway generic of the genre from which it takes it title.

Throughout the film’s 95 minute running time we follow the activity that goes on inside the Hotel Concorde St. Lazare in Paris over the course of several days; a couple break up, having been dragged apart through money issues led by a boxing promotor, who is under the thumb of a gangster. A pair of detectives investigating a two-year old murder oversee these interweaving scenarios. The events collide together in a finale worthy of the genre to which Godard pays homage.

“We’re not in some little French film where actors belive that talking is thinking.”

The cast of the film is exquisite, with Godard knowingly referring to the pedigree of each relevant actor by splitting their names into one of two categories in the films opening credits; actor and star. As a result we see the likes of Nathalie Baye and Johnny Hallyday deemed “stars”, with the rest of the cast, led by Jean-Pierre Leaud having to make do with the title of “acteur”. These shifts in “importance” are marked by the first strains of the imposing score that soundtracks Détective, which is made up of familiar overtures courtesy of Wagner and Debussy. It’s a striking use of music, and one that works incredibly well. This jarring of video and sound would go on to become the norm with Godard’s later work.

With Détective Godard plays with many of the conventions of the medium of film. The most obvious of these manipulations comes with the handling of the concept of the detective story. The way in which the material is handled and projected to the audience, whereby minute pieces of the story are revealed irreverently, or the way in which the typical ending comes out of nowhere in the eleventh hour, sees Godard turning the conventions on their head. As does the manner in which the eponymous hero (or heroes) of the title are presented. They are incompetent and bruised characters, with Leaud’s Inspector Neveu downright slapstick at points. The hotel genre itself is a familiar one to film in general, with Edmund Goulding’s Grand Hotel and F.W. Murnau’s The Last Laugh being just a few examples of early film restricted to the locale. Let’s not forget Godard’s own foray into the world of the airport, with his Une Femme Mariee being set largely in one, and its use dictating a heavy amount of the story.

“We don’t have to rush, just because we’re mortal.”

As a piece of work within a body of work, Détective straddles the line between early and late Godard nicely. The manipulating and slowing down of the video in the early scenes reminds heavily of Godard’s trademark stylistic tick that he brought to the fore in Scénario du film ‘Passion’ and perfected with Histoire(s) du Cinema. The manner in which the god-like narration of the off screen detectives accompanies the scene brings to mind the opening section of the earlier Tout Va Bien, with its analytical tone echoing the ultimate “feel” of the detective movie, which in turn brings to mind Godard’s earliest work. I’ve already mentioned how the use of sound was a sign of things to come with regards to Godard’s later work. Speaking of signs Godard’s traditional adoption of the colours of the French flag are evident within the neon AGFA sign that adorns the roof of the hotel.

The as to be expected references towards cinema are highly evident, with the most overt being that of the name of the character played by Johnny Hallyday, Jim Fox-Warner. Jean Cocteau’s La Belle et La Bete is seen on a television screen, with the actions of the film eerily reminiscent of the film we are viewing (with Belle’s cries of “let me go home”), as is the use of George Archainbaud’s The Lost Squadron, in which the actions of the on screen director portrayed by Erich Von Stroheim said to mirror that of Godard’s own attitude on the set of Détective. The film is dedicated to John Cassavetes, Clint Eastwood and Edgar Ulmer, the production designer for many Murnau and Fritz Lang films (including the hotel ground The Last Laugh), and while the similarities between the three men are coincidental at best, I wouldn’t be surprised to discover that Godard had chosen the three names for that very reason. Cassavetes’ human dramas are reminiscent in the story of Emile and Francoise, the married couple at the end of their relationship, Eastwood’s detective roles share obvious parallels with that of the intended core narrative of Détective, and one must presume that the Ulmer dedication is in reference to The Last Laugh, although it is probably something much different.

I found the film to be much more interesting as a technical exercise, as opposed to actually enjoying it as a narrative piece. The manner in which much of the on screen action was shot with obstruction worked really well, which was complimented well by the manner in which many characters were left unexposed onscreen, with their backs to the camera for the most part. Indeed the character of William Prospero isn’t actually seen face on until around 27 minutes into the film. All manner of other obstructions appear, be it a window frame, a staircase banister or even the hair of a pianist. This avoidance of the facts is somewhat representative of the onscreen tone, with the most memorable point being that of the way the camera focuses solely on Baye’s Françoise in the scene where Fox-Warner bares his heart to her. The film was shot in the decidedly un-cinematic ratio of 1.33:1, lending a claustrophobic accent that compliments that of the locale nicely.

While Détective won’t be remembered as one of Godard’s masterpieces, as an exercise in his culpability as a filmmaker it is an interesting foray.

Tout Eddy sur Mitchell-City. com que nous vous avons mis dans la rubrique “liens” pour votre plus grand plaisir sous l’intitulé suivant “Tout est dit sur Mitchell-City. com”…