Bad Boys II è un film d’azione del 2003 interpretato da Will Smith e Martin Lawrence. È il sequel di Bad Boys.

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16th century King Philip II of Spain is a significant historical figure for me, although I enjoyed more of Cate Blanchett’s 1998 “Elizabeth” than the 2007 sequel “Elizabeth: The Golden Age”, I’m  amused to watch one of my favorite actor Jordi Mollà on the latter playing the part of the king where my country of birth was named in his honour.

With the holy water, I got baptized into Christianity, my spanish name Navo, my mother Elvira and my father Cesar, both names of spanish origins, unlike me, the Philippines has more name changing than a witness on a protection program, the ancient Greeks called the archipelago of 7,107 islands “Maniolas”, Chinese traders named it “Ma-yi”, which means “Land of Gold”, the Portuguese born-Spanish explorer Ferdinand Magellan baptized it “Archipelago of St. Lazarus”,  few years after and another explorer of mother Spain Ruy López de Villalobos renamed the colony “Felipinas” in honor of Prince Felipe (later crowned as King Philip II), later evolved to “Filipinas”, the Americans called it “The Philippine Islands” and at present time “Republic of the Philippines”.

Most people familiar with my work are surprise I’m not a “60 yr old overweight blond caucasian dude” the first time they meet me, another creative or a model, or someone I bump into a line for my venti iced caramel macchiato in starbucks, the top inquiry is, “where is that accent from?” Il’d reply-“Philippines”, they’ll say- “Oh, Manny Pacquiao“, suddenly it hit me, the modern world has renamed the island of my ancestors “Republic of PACMAN”. The ancient Greeks will see the “Maniolas” renamed after the gladiator PACMAN, as America “the United States of Britney Spears” to the middle east, as far as I remember when I was living there. But this is not about Filipino gladiators in the world history of Sports, but the Filipinos who made a name and headlines in the world of Fashion.

It’s fascinating and sometimes appalling to read or watch the news to know that a visionary magazine editor, a notable fashion designer, an iconic first lady, a groundbreaking model, and a controversial Versace murderer has altered and continue changing the course of the world’s fashion history as we speak. Quoting the author Hodding Carter “There are two lasting bequests we can give our children: One is roots, the other is wings.”

Stephen Gan

Creative director at Harper’s Bazaar, co-founder of Visionaire, editor-in-chief of V Magazine and Vman magazine.

Born (1966) and raised in the Philippines, arrived in New York City when he was 18, immediately becoming a prominent NYC club kid Gan studied at Parsons School of Design and began his career as a photographer. In 1986—while he was still a student—legendary Times lensman Bill Cunningham shot a photo of Gan on the street in SoHo, took him for coffee and a cookie, and gave him a quarter to call Annie Flanders, the soon-to-be editor of Details. Gan’s meeting with Cunningham proved fortuitous: Flanders later offered him the position of fashion editor at Details. After the magazine was sold to Condé Nast and Gan was kicked to the curb, he used $7,000 of his severance pay to print 1,000 copies of Visionaire with co-founders James Kaliardos and Cecilia Dean.

In 1999, he launched V Magazine, an offshoot of Visionaire focusing on young art, fashion, and culture. His day job, though, is at Harper’s Bazaar, where he was named creative director in 2001, one of Glenda Bailey’s first hires as editor-in-chief. Gan is also director of Dream Project, a creative powerhouse, with advertising clients such as Calvin Klein, Dior, Fendi, Shiseido, Olay Colour Europe, Tommy Hilfiger, D&G and Missoni.

Monique Lhuillier

Born (1971) and raised in Cebu, Philippines, fashion designer based in the United States. She’s the daughter of Michel Lhuiller, a successful businessman of mixed French Filipino descent, and Amparito Llamas, a society figure & former model of Spanish-Cebuano Filipino descent. Lhuillier’s family is prominent in Philippine society. Lhuillier demonstrated good taste and great imagination at an early age. At 15, she was an outstanding student in Lausanne, Switzerland and hoped to become successful in the fashion industry. Her parents sent her to the Fashion Institute of Design and Merchandising (FIDM), where she met the man she married, Tom Bugbee. Lhuillier and Bugbee, a young, dynamic husband and wife team, founded their company in 1996 and launched their first bridal collection. The line was extremely well-received by fashion-savvy brides, editors, and celebrities.

The breakthrough came after Monique designed the gowns for her wedding entourage. These captured the fancy of couture circles. Having had a difficult time finding her own gown, Lhuillier, a 23-year-old newlywed at the time, decided to begin sketching her own line of dresses. She made the news with two high-profile celebrity weddings in a row. She designed Christine Baumgartner’s wedding dress for her Fall, 2004 wedding to Kevin Costner shortly after designing both of Britney Spears’s dresses for her wedding to Kevin Federline. She’s also designed the wedding gown of US former Vice President and former Second Lady Al and Tipper Gore’s youngest daughter, Sarah G. Lee, for her marriage to Bill Lee, and also Heidi Montag’s wedding dress to Spencer Pratt. Also, one of her gowns is used by Hilary Duff when she plays Sam in A Cinderella Story. Subsequently Lhuillier added evening wear to her line, and several of her efforts showed up on red carpets before awards shows. For the Fall, 2007 season she branched off into more typical runway collections. http://en.wikipedia.org/wiki/Monique_Lhuillier

Anna Bayle

Born (1959) and raised in the Philippines, a Filipina model who achieved success in the late 1970s and 1980s. She became one of the highest paid models of her time.

Bayle worked for numerous New York designers and became a design consultant to some established fashion houses. She did national and international campaigns for fashion houses and major department stores, as well as calendars for Elite Modeling Agency and Shiseido Cosmetics. She was featured in numerous fashion books, such as Mugler, Chanel, Scaasi, Valentino, Versace, YSL, Dior, Fashion Illustrations by Antonio, etc. Bayle was photographed by fashion photographers including Helmut Newton, Norman Parkinson, Sante D’ Orazio, Peter Beard, David Seidner, Olivero Toscani, Arthur Elgort, Patrick Demarchelier, Peter Lindbergh, Skrebneski, Alex Chatelain and Paolo Roversi. http://en.wikipedia.org/wiki/Anna_Bayle

Andrew Cunanan (1969 – 1997)

An American spree killer who murdered at least five people, including fashion designer Gianni Versace, during a three-month period in 1997, ending with Cunanan’s suicide, at age 27. On June 12, 1997, Cunanan became the 449th fugitive to be listed by the FBI on the FBI Ten Most Wanted Fugitives list.

Cunanan was born in National City, California, the youngest of four children to Modesto Cunanan and Mary Anne Shilacci.

In 1981, his father enrolled him in The Bishop’s School in the La Jolla neighborhood of San Diego, California. At school, Cunanan was remembered as being bright and very talkative, testing with an I.Q. of 147, but he was often bullied. As a teenager, he developed a reputation as a prolific liar, given to telling fantastic tales about his family and personal life; he was also adept at changing his appearance according to what he felt was most attractive at a given moment. After graduating from high school in 1987, he became a student at University of California, San Diego, where he majored in American history.
 After graduating from UCSD, he settled in the Castro District of San Francisco. There, he frequented high-class gay bars and prostituted himself to wealthy, older men. http://en.wikipedia.org/wiki/Andrew_Cunanan

“Still, there was a lot of surface masquerade going on. There was a lot of Andrew Cunanan that Andrew Cunanan did not like. He began to, using author Clarkson’s word, “reinvent” himself almost as a cause celebre. Glamour became the keyword; he wanted to be glamorous. Firstly, he did not like being Filipino, so he suddenly became Latino and acted out the part with the verve of an Antonio Banderas. At the bars he was known as either Andrew DaSilva or David Morales. A chameleon, he changed faces and figures with a pair of stylish glasses or a trim of his sideburns, or through the transformation from a suited Clark Kent to a T-shirt wearing Superman. Even though he was Personality A on Friday night, he could be Personality B at the same spot on Saturday and get away with it. Those who spent hours with him at the bar one night would not recognize him the next.” http://www.trutv.com/library/crime/notorious_murders/mass/cunanan/index_1.html

Imelda Marcos

The widow of former President Ferdinand Marcos, and is herself an influential political figure in the Philippines. Imelda was born on July 2, 1929 in Manila. Her own branch of the family was not political. Her father was a scholarly man more interested in music and culture than in public life. Her mother, Remedios Trinidad, a dressmaker who grew up in an orphanage in Manila, said to have been an illegitimate offspring of a friar.

Marcos’s extravagant lifestyle reportedly included five-million-dollar shopping tours in New York, Rome and Copenhagen in 1983, and sending a plane to pick up Australian white sand for a new beach resort. She purchased a number of properties in Manhattan in the 1980s, including the $51-million Crown Building and the $60-million Herald Centre; she declined to purchase the Empire State Building for $750m as she considered it “too ostentatious.” Her New York real estate was later seized and sold, along with much of her jewels and most of her 175 piece art collection, which included works by Michelangelo, Botticelli, and Canaletto.

After the Marcos family fled Malacañang Palace, Marcos was found to have left behind 15 mink coats, 508 gowns, 1000 handbags and 3000 pairs of shoes. In February 2006, Marcos insisted that her husband acquired his wealth legitimately as a gold trader. By the late 1950s, she claimed, he had amassed a personal fortune of 7,500 tons of gold, and after gold prices climbed in the 1970s, the Marcos family was worth about $35 billion. However, the Bureau of Internal Revenue has no record of the Marcos family declaring or paying taxes on these assets, and the source of their wealth remains open to investigation. http://en.wikipedia.org/wiki/Imelda_Marcos

Hace millones de posts, creo que fue como en el segundo que escribí, me inventé una sección, “Uds son odiosos” que estaba claramente copiada de la famosa “Cárcel de papel” del semanario humorístico La codorniz donde se condenaban a diversas penas a los famosos, a los intelectuales y demás personajes de la época que habían soltado joyas por la boca. Nunca volví a retomar esa sección porque como habrán comprobado aquí el único que se encarga de decir estulticias soy yo. Sin embargo, como explorador aficionado de la naturaleza humana, y de las cosas que hace para entretenerse, no puedo dejar de sorprenderme de como el reino de la imbecilidad humana aún tiene amplias zonas por descubrir. ¿Y que mejor National Geographic de la estupidez que el suplemento de moda de El País?.  El País que es el periódico de mayor tirada en España saca regularmente un suplemento de moda bajo el epígrafe de “Hombre”, “Mujer” o “Niños” (las mujeres y los niños primero), que es la típica publicación que uno encuentra en el water de casa de los amigos o en las salas de espera de los dentistas, quizás por la cosa de que tontería es eterna y por ello son revistas que te pueden aguantar seis meses sin perder ni una pizca de su frescura. En el caso del suplemento de “Moda Hombre”, y exceptuando un par de magníficos artículos que escribió Kiko Amat (de “La escuela moderna”), exceptuando eso, como decía, la “Moda Hombre” repite siempre el mismo patrón: un grupo de articulistas y estilistas terriblemente gays afirman machaconamente que “vuelve el hombre”. El asunto de que el hombre de verdad vuelva no sé si a ciencia cierta si es una afirmación, un anhelo o directamente una amenaza, pero la cuestión es que cada seis meses el hombre de verdad vuelve: cuando estrenaron Brokeback Mountain pusieron muchas fotos de vaqueros y hablaron como el pantalón vaquero era la prenda eterna de la masculinidad, ahora con Mad Men ponen a muchos hombres serios con trajes de chaqueta serios (¿de verdad algún hombre con algo de sentido común puede tomar a los personajes de estas películas como referentes, aunque sea en la ropa?). Junto a todas estas coloridas fotos hacen entrevistas a hombres guapos y triunfantes, no sabemos si además virtuosos, el escritor hemingwiano, el arquitecto filántropo, el diseñador austero, el modelo concienciado… en fin, nuevos modos de ser hombres en esta compleja sociedad moderna. También, ay, está el director de culto, ay. Precisamente en el último número de “Moda Hombre” de El País se trataba el tema de la fuga de talentos cinematográficos españoles, a Hollywood principalmente. Junto algunas entrevistas interesantes como a Jaume Balagueró, Carlos Fresnadillo, o si me apuran, a Jordi Mollá que está a punto de estrenar una peli en la que da vida a Jaime Gil de Biedma, dirigida por Sigfrid Monleón (esperaremos con un poco de susto a ver qué tal está esto). Y junto a todos ellos, Albert Serra, ay, que es el típico afeminazi que ansioso de ser un genio se quiere comportar como uno, siguiendo las descripciones de un libro de secundaria al respecto. Por ello dice unas tonterías grandisimas en las que se compara ni más ni menos a Pasolini, y no por la cosa de que vaya a los sitios más lúgubres a comer pollas, sino porque va con un rollo de realismo poético, cogiendo actores no profesionales, en fin, me callo porque esta perla se retrata a si mismo y a toda su gran colección de terribles miserias hablando por esa boca, que nunca mejor dicho, le ha dado Dios:

-          ¿Por qué apenas aparecen mujeres en sus películas?

-          Como me gusta trabajar con actores no profesionales, sólo puedo trabajar con hombres, porque todas las mujeres, incluso las que no han actuado nunca, son actrices profesionales.

-          ¿Por qué aparcó su “biopic” sobre Fassbinder?

-          Estaba tan seguro que sería un éxito, que perdió la cosa del reto.

-          ¿Y ahora qué?

-          Para que no me acusen de conservador tras tratar El Quijote y los Reyes Magos, haré una sobre el libertinaje. Sobre Drácula. Con J.M. Flotats, un actor de quien nadie ha sabido aprovechar su artificiosidad en el cine.

-          ¿Es creyente?

-          Sí. Estudié en el Opus y, aunque lo aborrezco, soy fanático de la tradición católica. Me encanta el Papa y cualquier cosa que no se amolde a este mundo consumista y burgués.

-          ¿Envejecerá bien su cine?

-          No lo sé, pero mejor que la totalidad del cine español actual y que el 99,8% del cine mundial, sí.

Vaya, este chico que se deje de dirigir pelis como  El cant dels ocells (2008) o Honor de cavalleria (2006), que tanto gustan a Cannes, y que se dedique a dar entrevistas, porque las pelis no sé como serán pero las entrevistas son obras maestras, de verdad de la buena. Para terminar: haciendo ese canto al anti-consumismo Serra llevaba a la sesión de fotos unos anillos de Bagués y un reloj Cartier, propios suyos, con lo del consumismo probablemente se refiera a hacer la compra de la semana en el Carrefour, que eso sí que es malo.

En fin…

2001: Blow di Ted Demme

Tratto da una storia vera (il regista ha incontrato ripetute volte il protagonista), un mediocre lavoro il cui titolo è il termine americano con cui si indica l’effetto esplosivo della cocaina.

Il film di Ted Demme (contrariamente a quanto recitato dalla pubblicità e giudicato da alcuni critici) non è “una movimentata gangster story” (altrimenti perché ci si annoia a morte?) e neanche “un affresco storico sugli intensi e amorali anni Settanta” (se non fosse per i capelli lunghi del protagonista la storia si potrebbe svolgere benissimo oggi non essendoci alcun riferimento all’epoca, tranne qualche canzone… Rolling Stones, Cream, Bob Dylan, Nikka Costa…).

E’ una buona inchiesta su come la droga dalla Colombia si espande negli USA: ma da un film si pretende qualcosina in più.

Il racconto non coinvolge, si ammira solo la confezione che è patinata, lussuosa e ben recitata: soprattutto da uno straordinario Jordi Mollà nel ruolo di Diego (il socio del protagonista), da una intensa Penelope Cruz (che benché venga ostinatamente presentata come “una bomba sexi” dimostra di avere ben altre frecce nel suo arco) e da un insolito Ray Liotta finalmente in un ruolo non da mascalzone. Johnny Depp, al contrario, appare un po’ sotto tono.
Il difetto del film è comunque un altro.
Blow presenta un trafficante di droga come un bravissimo ragazzo, generoso, affettuoso, buon figlio, buon padre, fedele agli amici… E’ la celebrazione di un santino a cui purtroppo le cose vanno poi male perché tradito: nel film non c’è un accenno (dico uno) agli effetti del suo traffico: ma insomma, ‘sta droga è nefasta o no?

Da sottoscrivere quanto affermato da Lietta Tornabuoni su La Stampa (28 Settembre 2001): “un film… molle, fiacco, flemmatico, senza etica né energia”.

Pubblicato su Cineocchio
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Regia: Ted Demme
Sceneggiatura: Nick Cassavetes, David McKenna
Cast: Johnny Depp, Penélope Cruz, Jordi Mollà, Franka Potente, Ray Liotta, Max Perlich, Rachel Griffiths, Ethan Suplee, Paul Reubens, Miguel Sandoval, Michael Tucci, Emma Roberts, Tony Amendola, Dan Ferro, Ted Demme, Cliff Curtis, Jesse James, Kevin Gage, Bobcat Goldtwait, Jaime King
Fotografia: Ellen Kuras
Montaggio: Kevin Tent
Musiche: Graeme Revell
Produzione: New Line Cinema, Avery Pix
Distribuzione: Nexo
Paese: USA (2001)
Genere: Drammatico
Durata: 120’ circa
Uscita Italia: 21 Settembre 2001
Uscita Usa: 29 Marzo 2001

Trama:
Ascesa e caduta di un figlio di un operaio spesso in lite con la moglie che ritiene guadagni troppo poco: diviene il primo grande trafficante americano ad importare cocaina negli Stati Uniti, durante gli anni ‘70 e ‘80.
Note:
Il film è ispirato alla autobiografia (scritta da Bruce Porter) di George Jung, condannato a una pena destinata a tenerlo in carcere sino al 2014.

Sito ufficiale

CHE (THE ARGENTINE & PART TWO Estados Unidos, Francia, España 2.008, 251 Minutos, Drama)
Dirección:Steven Soderbergh.
Guión: Peter Buchman, sobre “Pasajes de la Guerra Revolucionaria” y “El Diario Boliviano”, de Ernesto Guevara .
Reparto: Benicio del Toro, Demián Bichir, Santiago Cabrera, Elvira Mínguez, Julia Ormond, Jorge Perugorría, Edgar Ramírez, Victor Rasuk, Armando Riesco, Catalina Sandino Moreno, Rodrigo Santoro, Unax Ugalde, Yul Vázquez, Carlos Bardem, Joaquim de Almeida, Eduard Fernández, Marc-André Grondin, Óscar Jaenada, Jordi Mollà, Rubén Ochandiano, Gaston Pauls, Franka Potente, Lou
Diamond Philipps, Mark Umbers.
Fotografía: Peter Andrews.
Música: Alberto Iglesias. 

Valoración Che – El Argentino: 8/10
Valoración Che – Guerrilla: 6/10

Sinopsis: En 1.956 un grupo de ochenta hombres liderados por Fidel Castro, se embarca hacia Cuba con la intención de derrocar el gobierno de Batista. De ellos sólo sobreviven doce, entre los que está Ernesto Guevara, un médico argentino de profundas convicciones políticas que se convertirá con el paso de los días, en un líder ideológico y militar imprescindible para su grupo. Tras años de arduos combates contra las tropas gubernamentales, en 1.959 los guerrilleros entran en La Habana. La revolución había triunfado y Guevara, apodado el Che por sus compañeros, se convertiría en un símbolo de la rebelión.

Años después, en la cumbre de su fama, el Che desaparece misteriosamente dejando su cargo en el gobierno cubano. Sus intenciones no son otras que trasladar la revolución a otros países del mundo. Para ello se introduce de incógnito en Bolivia para ayudar a la guerrilla a derrocar el gobierno de Barrientos. Sin embargo, los medios son ínfimos y en contra de lo ocurrido en Cuba, el alzamiento no cuenta con demasiados apoyos entre los campesinos. A pesar de ello, la tenacidad del Che llevará a sus compañeros a intentar lograr sus objetivos por todos los medios aunque eso suponga su propia muerte.

Crítica: Si esta crítica abarca extraordinariamente dos películas en una es porque estas son, sin lugar a dudas, un conjunto indivisible al que sólo los cánones de la exposición cinematográfica comercial han logrado separar. Ante el dilema de si recortar o partir su obra, Soderbergh ha optado sabiamente por la segunda opción para así no prescindir ningún detalle en beneficio de –como le pedían sus distribuidores- una visión más sintética. Dicho de otro modo, El Argentino y Guerrilla son juntas una sola película sobre el Che pero sin embargo, existen entre ellas tantas diferencias como similitudes. Soderbergh es consciente de estar retratando a una de las figuras más representativas, mediáticas e influyentes del siglo XX y también a un hombre que ha suscitado grandes odios y un profundo rechazo en algunos sectores de la sociedad. Esta aversión se hace principalmente patente en los Estados Unidos donde, simplemente leyendo algunos comentarios sobre el filme, se evidencia el escepticismo y la indiferencia –en el mejor de los casos- con la que Che es acogida en suelo norteamericano. Pero en los últimos tiempos, un tanto alejado del cine puramente comercial, Soderbergh ha optado por asumir todo tipo de riesgos. Entre ellos, ni más ni menos, el de rodar una película sobre un personaje al que gran parte de sus conciudadanos considera casi un terrorista y al que por simples principios ideológicos, muchos rechazarán incluso ver. Esta negativa influencia política no debería incidir en la percepción, puramente cinematográfica, que deberíamos tener como público de este proyecto. Pero sin duda lo hace, y es en ocasiones un abismo insalvable. Los admiradores de este revolucionario la verán como un retrato justo que no evidencia tanto su heroísmo; y sus detractores, como una biografía sesgada que no muestra las calamidades causadas por este líder rebelde. El entusiasmo con el que a priori cada uno reciba esta película, marcará sin duda la diferencia en su percepción final. Sin embargo Soderbergh ha optado por un biopic que roza, tanto en su exposición formal como en su fondo, la imparcialidad. Soderbergh ha elegido al hombre y se ha olvidado por completo del mito. La narración se hace a través de un repaso diario de la revolución que desprovee de glamour y épica a sus protagonistas, para convertirlos en simples individuos embarcados en una misión costosa y agotadora en la que los éxitos y los fracasos ocurren sin previo aviso. Soderbergh convierte la cámara en un elemento vivo que nos hace sentirnos como espectadores privilegiados de aquellos momentos, con planos muy cerrados sobre sus actores y un gran minimalismo en la escenografía y el dibujo del contexto. Esas selvas cubanas y bolivianas parecen haberse quedado detenidas en el tiempo y sólo en la meticulosa representación del discurso ante las Naciones Unidas, es cuando vemos realmente el impacto histórico de Ernesto Guevara. Este es probablemente el punto clave que marca las diferencias entre ambas partes. En El Argentino vemos a un hombre normal, un guerrillero más vagando lastimosamente por la selva, devoto de sus ideas y fiel compañero, al que ese viaje a los vecinos Estados Unidos convirtió, de cara a la opinión pública internacional, en un ideólogo revolucionario y en un símbolo mediático. Ese momento, aunque breve, es el que nos demuestra la verdadera magnitud de su protagonista, colocándolo por fin, en un contexto histórico reconocible. En Guerrilla, sin embargo, la biografía del Che se limita a una adaptación de sus diarios de la jungla, convirtiendo su lucha en algo desconocido y anónimo y a la película en una representación repetitiva y un tanto tediosa de aquellos momentos. El ritmo es impecable y Soderbergh es muy fiel a esa idea inicial de mostrar los acontecimientos con todo el rigor posible, pero en ocasiones se echa en falta una visión más poética que logre inmiscuir más al espectador en la escena. Por eso esta labor queda casi exclusivamente en manos del reparto, liderado por un enorme Benicio Del Toro –un Che clónico- acompañado por la mayor representación de actores hispanoamericanos que hemos visto en tiempos, rindiendo todos ellos como escuderos de lujo de esta reivindicación del cine hispanohablante. Como se anunciaba, este biopic se ubica lejos de los cánones comerciales ya que Soderbergh ha intentado huir de una visión maniquea de Ernesto Guevara, evitando colocarle como héroe o como villano y optando por acercarse, al menos, a una versión literal de aquellos sucesos que marcaron la vida del rebelde y ocuparon un importante lugar en nuestra historia.

Estreno en España de Che: Guerrilla: 27 de Febrero.

Cartel del film

Julia es una alta ejecutiva treintañera en paro. Es rechazada en su última entrevista de trabajo por estar demasiado cualificada y por su edad… buscan gente más jóven y con menos experiencia. Julia se está desmoronando moralmente… Con su marido y los niños (dan a entender que son de un matrimonio anterior de su marido) se mudan a vivir a una urbanización lejos de los altos edificios, en el campo, una zona residencial en las afueras. Un sitio dónde su marido la augura que se sentirá en paz y relajada y sobre todo segura. Pronto las cosas empezarán a desencadenarse con extraños acontecimientos. Lavadoras que se ponen solas, mesas que se ponen y se recogen solas, etc… y sobre todo gente que ve y que desaparece cuando les da la luz… lejos de ser entendida por su familia, la situación se va tornando cada vez más hostil, sobre todo con el niño mayor y con el marido. Mientras que el pequeño, más falto de cariño, la adora.

La película comienza bien, buenos propósitos de hacernos pasar un buen e interesante momento cinéfilo, pero a medida que avanza el film la consistencia del argumento se va desmoronando por pretencioso, perdiendo credibilidad en los roles de los personajes, en algunos de ellos llegando a una “exageración” que se acentúa más cuando llega el final y entiendes la cinta. Una vez que ves el final, hay momentos anteriores en los comportamientos de sus personajes, que podríamos hasta tildar de ridículos, totalmente sin sentido en la trama.

Me da la sensación que Daniel Calparsoro ha querido buscar tanto el impacto de terror y suspense en el impacto visual en las interpretaciones de algunos personajes que ha minado la consistencia de la trama, creando (una vez que has visto el final) situaciones anteriores totalmente absurdas y faltas de sentido argumental alguno… Amén de utilizar “recursos inquietantes” que luego no vienen a cuento ni inciden en la trama, con lo que da la sensación que solo buscaba visualmente el impacto, creando vacíos en el argumento.

Por otra parte, ha habido cosas que me han gustado. La interpretación de Ariadna Gil, cargada de angustia y paranoia. La idea en sí del film, que es buena, aunque pierda originalidad frente a otros films de terror que tan de moda están en los últimos años. Ubicar el escenario en una urbanización de lujo con sistemas de seguridad y cámaras por todas partes, utilizando la luminosidad como arma de terror frente a la clásica oscuridad, la sensación de soledad, de angustia, de paranoia se transmiten con fluidez y la banda sonora de Carlos Jean acompaña bien.

En fin, nada nuevo bajo el sol, pero me entretuvo durante la modorra dominguera en el sofá y llegó a agradarme visualmente en algunos momentos, aunque luego que haya quedado un tanto “vacío” ante la insostenibilidad del guión.

WHAT I’M WATCHING ON DVD:

“Elizabeth: The Golden Age”

Read my review HERE.

No suelo ponerme por norma en contra de nuestro cine, ni detracto una película de su factura antes de verla, pero si reconozco un cierto recelo cuando la película trata un tema histórico, y que es debido a las malas experiencias.

Teniendo una historia tan rica y documentada, con una lista interminable de reinos y reyes, y plagada de personajes carismáticos, habría miles de argumentos que con tan sólo reunir a un buen guionista con un buen director, podrían dar resultados excelentes, pero está visto que esa fusión guionista-director, está todavía a años luz de nuestras pantallas.

Historias trastocadas y expuestas con una visión actual, que más las integran en nuestros días que en su época, como esa “Juana la loca” que hace unos años tuvo la mala ocurrencia Vicente Aranda de ofertarnos, y que aunque contenía algún elemento apreciable, degeneraba en el aburrimiento más absoluto, del que se encargaba de sacar al género masculino la anatomía de Pilar L. de Ayala (las féminas seguíamos aburridas), y “Los Borgia”, de Antonio Hernández una ambiciosa superproducción sobre la tan traída y llevada históricamente, familia de procedencia levantina, a la que asesinaban sin piedad, sobre todo, las nefastas interpretaciones de unos actores mayormente inadecuados, y dejados a su libre albedrío, y un guión perfectamente mejorable si hubiera estado documentado, leyendo tan sólo libros como “Lucrecia Borgia”, de Cecil St. Laurent, “la Roma de los Borgia”, de Apollinaire, “Los Borgia”, de Mario Puzo, o “Lucrecia Borgia”, de John Faunce, con cuyas aportaciones históricas se hubiera conseguido un acercamiento a las correrías de la familia mucho más fiel y menos aburrida, son los decepcionantes precedentes, que explican los recelos que llevo al cine cuando se trata de ver una película española de corte histórico.

SPOILER a partir de aquí, para los que no hayáis visto “La conjura de el Escorial”, y tengáis intención de verla.

Esta vez, cuatro guionistas, entre los que se encuentra el propio director (Manuel Mir, Juan Antonio Porto, Antonio del Real, y Marta Rivera de la Cruz), son los que han desaprovechado la buena historia de intriga palaciega que tenían en sus manos, cayendo en el error de incluir en el argumento, elementos tópicos y trasnochados, más propios del cine de aventuras que se realizaba en los años 50-60, destinado al mero entretenimiento de niños y militares, en las sesiones de las 5 de la tarde de los sábados y domingos, que de una película realizada en la actualidad, y ateniéndose a un cierto rigor histórico.

Lo que tendría que haber sido el centro de la historia, (las intrigas que genera la petición de dinero por parte de Don Juan de Austria) queda diluido por la de los amoríos entre Espinosa (Jürgen Prochnow) y Damiana, una morisca (personaje, imagino, creado para alargar el metraje, y que se encarga muy bien de destrozar, la hija del director Blanca Jara del Real, en una de las más horribles interpretaciones que he podido ver en el cine), que nos persigue a lo largo de toda la película.

Secuencias innecesarias, como la de la alargada pelea en el mercado de un pueblo, entre el personaje de Jordi Mollà y el de Prochnow, con el grupo que pretende asesinarlos, y que contiene todos los tópicos trasnochados a los que antes me he referido, se entremezclan en una trama que pretende ser seria. Para enmarcar, el momento en el que uno de los “malos” embute la cara de Mollà entre un montón de tomates.

Innecesario también el efecto especial que se incluye en esa secuencia, y que prefiero pensar, está hecho en aras de la exportación del film a otros lares. Descolocado totalmente en esta película, vemos el trillado “vuelo” efectista de una flecha, que tuvo su debut en el “Robin Hood” de Kevin Reinolds.

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Si el guión es muy flojo, las interpretaciones adolecen de una buena dirección. Se nota constantemente que detrás de la cámara hay alguien que se contenta con todo, y al que no se le ocurre aconsejar a los actores sobre la expresión que requieren sus personajes en sus diversas escenas. En el caso de su hija, casi es comprensible que del Real babee con todo lo que haga su vástaga, aunque con ello no le ayude mucho a mejorar, pero no se puede dar campo libre al resto de los actores. Alguien le tenía que haber dicho a la Ormond en su papel de la princesa de Éboli, que para interpretar a la “mala” de la película, hay que tener otros registros aparte de torcer la boca con gesto de desprecio. A Jason Isaacs, (Antonio Pérez), el otro protagonista de la trama, que no es precisamente hombre de muchos registros faciales, en otras películas se le ha sacado mejor partido si se le ha dirigido bien. Lo mismo ocurre con casi la totalidad del elenco, salvándose por los pelos Fabio Testi, en su papel de duque de Alba. Sale poco, pero parece asumir los cambios necesarios para su personaje. Salvaría también a Puigcorbé, que aunque para interpretar al taciturno y reflexivo Felipe II, abusa de la mirada baja, ofrece momentos brillantes (siempre comparándolo con el resto de sus compañeros de reparto). Y más por los pelos salvo a Prochnow, que intenta salir a flote con un personaje que naufraga por todos los lados, pero que se le nota, intenta currarse.

Interpretaciones y registros al margen, buena parte del balance negativo en el apartado actores españoles, lo tiene el doblaje que se hacen así mismos. La película se rodó en inglés para su mejor salida al mercado internacional, lo que ha hecho que los participantes nacionales tuvieran que doblarse para la exhibición en España de la película. Los doblajes son realmente nefastos, átonos, carentes de los matices necesarios para hacer creíbles los diálogos, y a años luz de los dobladores profesionales que han puesto voz a los actores extranjeros. Una pena más a añadir a las muchas que contiene la película.

Los 14 millones de presupuesto, una cantidad por cierto, muy respetable para nuestro cine, parecen haber ido directamente al diseño de producción. Impecable la recreación de la época, a través de un logrado vestuario, y unas localizaciones puntuales (El Escorial y Toledo). Eso al menos hace que se nos recree la vista, aunque no salva el resto de los fallos. La fotografía es “limpia”, sin más, y la banda sonora cumple, no molesta, pero tampoco es para no olvidar.

Esta “conjura” se queda en un quiero y no puedo, o no sé hacerlo. Un ejemplo de lo que no hay que hacer con una buena historia, para los directores españoles que tengan en mente abordar el rodaje de otra película de época, y, ante todo, una lástima de inversión, cuando no se aúnan el dinero y el talento.

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Swanson  

Mejor podría haber sido titulada “La Conjura del ESPERPENTO”, puesto que eso es lo que es: la película más ridícula y grotesca que he visto en mi vida. Vaya tino el de Antonio del Real, que lleva años disfrazando historias nada interesantes en películas, véase el ejemplo de su ‘obra maestra’ Y decirte una estupidez, por ejemplo te quiero, destinada a aumentar el odio que muchos ya sienten por el cine español, y en este caso con razón.

Menudo atrevimiento el de este director, que ha pensado que con una película de estas características podía ganarse al público y pedir perdón por todos los sacrilegios que ha hecho con nuestro cine. ¿Acaso no ha visto la acogida que tienen en España las mal llamadas películas de época?, da igual quien las dirija y quien las interprete, el resultado siempre es el mismo: “decepción tras decepción”. Lamentablemente, en el caso de “La Conjura de El Escorial” no solamente toca hablar de un triste ejemplo más que añadir a la lista, sino que con toda probabilidad estamos ante la peor muestra de todos ellos.

Antonio del Real narra a través de esta película un drama de época donde el poder y la muerte se dan de la mano en la Corte de Felipe II. Ahí se cuecen intrigas políticas y policiales, y una fuerte disputa por el poder entre, la casa de Alba y sus fieles, por un lado, y la Casa de los Mendoza, con Antonio Perez y la Princesa de Éboli, por otro. El filme es una especie de thriller histórico y político en el contexto de las cortes del rey Felipe II.

La película ha contado con un presupuesto de 14 millones de euros, procedente de muy diversas manos: españolas, italianas y norteamericanas. Y esto se aprecia, a parte de en el gran reparto con el que cuenta, en  el que destacan estrellas nacionales e internacionales, en la cuidada ambientación que se ha procurado hacer de la España del S.XVI. Aunque los resultados no podría tildarlos de excelentes, sí es cierto que debo reconocer el magnífico trabajo que han hecho los sastres y maquilladores de la cinta, puesto que gracias a ellos la película resulta vistosa, sobre todo en escenas como las del baile de máscaras que se organiza en la corte y en la que se puede apreciar el magnífico trabajo artístico.

Poniendo fin a los escasos elogios que se podría merecer la cinta, me gustaría sacar mi lupa y ofreceros una visión pormenorizada de la historia y de lo que en ella se cuenta. Empezando por su guión, basado en hechos reales pero con una estructura tambaleante en muchos pasajes del largometraje.  Transcurre mucho metraje hasta que arrancan las primeras acciones que afectan a los personajes. Hay una línea argumental sustentada  en la disputa entre las dos familias (Alba y Los Mendoza) pero que carece de profundidad argumental y emocional como para poner al espectador en alerta, de hecho hay aspectos claves de esta disputa que no se cuentan y que no ayudan en absoluto a la total inteligibilidad del filme, aspecto clave que lleva a ver más de un bostezo entre el público, a la espera de que se cuente algo interesante.  Tampoco ayuda para nada a su guión, y a su conjunto, una increíble y cómica historia de amor entre el personaje del alguacil y la niña pobre.

Si algo sorprende es que con el magnífico reparto con el que cuenta, la película no llega a alcanzar unos mínimos que podríamos considerar aceptables. Entre los actores españoles destacan: Juanjo Puigcorbé, Jordi Mollá, Concha Cuetos y Pablo Puyol. Y entre los actores internacionales nos encontramos con: Julia Ormond, Jasón Isaacs y Fabio Testi. Todos ellos mermados en esta película a actores de segunda y con interpretaciones más propias de actores de escuela que de estrellas como las que ya son. Probablemente el problema resida en el guión poco sólido con el que cuentan, diálogos que te sacan de situación por lo esencial y evidente de su contenido, y por la poca naturalidad con que se expresan. El único que sale bien posicionado de los obstáculos mencionados es, desde mi punto de vista, Juanjo Puigcorbé.

Otro elemento que no ayuda a tener una opinión favorable es su doblaje. El largometraje fue rodado en inglés, al tener un reparto internacional, y con la intención de distribuir el título fuera de España, de ahí que se haya optado finalmente por esta decisión que tan mal sienta al filme y que tanto daño hace al oído.

En resumidas cuentas, “La conjura de El Escorial” representa a la perfección uno de esos ejemplos por los que el cine espeñol está tan mal considerado. No se puede creer que con un presupuesto ajustado y una dirección mediocre se puede hacer la película del año y mucho menos que el público, que en definitiva constituye la masa crítica, se lo crea y acepte estafas como la que esta película constituye.

Em tempos de fotografar Segunda Pele (Segunda Piel, Gerardo Vera, 1999)

Por fin viernes. En unas horas nos vamos de fin de semana y qué mejor plan para esta noche que una buena cena con amigos y un cine. Las opciones son jugosas esta semana, camaradas…

Título: ‘EL TREN DE LAS 3:10′
Dirección: James Mangold.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 117 min.
Género: Western, drama.
Interpretación: Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy), Vinessa Shaw (Emma Nelson), Alan Tudyk (Doc Potter), Luce Rains (Weathers), Gretchen Mol (Alice Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield).
Guión: Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas; basado en un relato corto de Elmore Leonard.
Música: Marco Beltrami.
Sinopsis an Evans (Christian Bale) es un típico ranchero de un pueblo de Arizona y veterano de la Guerra de Secesión que, para aliviar sus penurias económicas, decide escoltar al peligroso forajido Ben Wade (Russell Crowe) mientras llega el tren que tiene que llevarlo ante la justicia. Pero no todo saldrá bien y la violencia no tardará en aparecer. Se inicia una dramática lucha psicológica entre ambos hombres mientras los compañeros del forajido intentan liberarle. Remake del clásico “El tren de las 3:10″ de 1957, dirigida por Delmer Daves y protagonizada por Glenn Ford.

¿Cómo le ponemos al niño?: Inocencio, faltaría más. Porque hay que ser muy inocente ( o tener pasta de sobra) para ir a ver esta peli al cine, y no precisamente porque sea mala. Un año de retraso entre el estreno americano y el español, ahí es nada. El que no la haya visto ya en dvd es porque no le ha dado la gana.

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Título: ‘CHE: EL ARGENTINO’
Dirección: Steven Soderbergh.
Países: USA, Francia y España.
Año: 2008.
Duración: 131 min.
Género: Drama.
Interpretación: Benicio del Toro (Che), Demián Bichir (Fidel Castro), Santiago Cabrera (Camilo Cienfuegos), Elvira Mínguez (Celia Sánchez), Julia Ormond, Jorge Perugorría (Joaquín), Edgar Ramírez (Ciro Redondo), Victor Rasuk (Rogelio Acevedo), Armando Riesco (Benigno), Catalina Sandino Moreno (Aleida Guevara), Rodrigo Santoro (Raúl Castro), Unax Ugalde (Pequeño Cowboy), Yul Vázquez (Alejandro Ramírez).
Guión: Peter Buchman; inspirado en “Pasajes de la guerra revolucionaria” de Ernesto “Che” Guevara.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: Peter Andrews.
Sinopsis:En 1952, el general Fulgencio Batista orquestó un golpe de estado en Cuba, tomó el control del gobierno del país y suspendió las elecciones. Su corrupta dictadura estaba respaldada por un ejército de 40.000 hombres, pero un joven abogado llamado Fidel Castro intentó incitar a la rebelión popular asaltando el cuartel Moncada el 26 de julio de 1953. El ataque no tuvo éxito y Castro pasó dos años en la cárcel antes de ir al exilio en México. Entre tanto, un joven idealista argentino llamado Ernesto Guevara se había involucrado en la actividad política de Guatemala. En 1954, cuando el gobierno legítimo de Jacobo Álvarez fue depuesto por una operación militar organizada por la CIA, Guevara escapó a México. Un conocido de Guatemala le puso en contacto con un grupo de revolucionarios cubanos en el exilio. El 13 de julio de 1955 tuvo lugar un evento silencioso pero con grandes repercusiones en la historia de la Revolución Cubana. En un humilde apartamento de la ciudad de México, se conocieron Ernesto Guevara y Fidel Castro, presentados por Raúl Castro, el hermano pequeño de Fidel. Guevara se alistó inmediatamente en una misión de guerrilla destinada a derrocar al dictador cubano. Los cubanos apodaron al joven rebelde “Che”, una conocida expresión argentina. El 26 de noviembre de 1956, Fidel Castro navegó a Cuba con ochenta rebeldes, de los que sólo sobrevivieron doce. Uno de ellos era el Che, que se había unido al grupo como médico acompañante. El Che se familiarizó rápidamente con el arte de la guerra de guerrillas y demostró ser un combatiente indispensable. Se lanzó de lleno al conflicto y recibió el apoyo de sus camaradas y del pueblo cubano. La película termina en los albores del Año Nuevo de 1959, con el Che celebrando la victoria revolucionaria en Santa Clara. Los rebeldes habían derrocado a Batista.

¿Cómo le ponemos al niño?: Pues Oscar, evidentemente. Tan sólo tenéis que echarle un vistazo al tráiler para ver que lo han montado (musiquita emotiva incluida) para que el regreso de Soderbergh vaya de cabeza a la próxima ceremonia de los premios. Desde luego, la caracterización de Benicio del Toro y las masas que mueve un personaje como el Che hacen de esta peli el estreno de la semana.

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Título: ‘LA CONJURA DEL ESCORIAL’
Dirección: Antonio del Real.
País: España e Italia.
Año: 2008.
Duración: 130 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jason Isaacs (Antonio Pérez), Julia Ormond (princesa de Éboli), Jürgen Prochnow (Espinosa), Jordi Mollà (Mateo Vázquez), Joaquim de Almeida (Juan Escobedo), Juanjo Puigcorbé (Felipe II), Blanca Jara (Damiana), Fabio Testi (duque de Alba), Rosana Pastor (doña Juana de Coello), Pablo Puyol (Insausti), Concha Cuetos (doña Bernardina), Anthony Peck (Tiépolo).
Guión: Manuel Mir, Antonio del Real, Juan Antonio Porto y Marta Rivera de la Cruz.
Producción ejecutiva: María José Muñoz.
Música: Alejandro Vivas Puig.
Fotografía: Carlos Suárez.
Sinopsis: “La conjura de El Escorial” es un thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado, y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez (Jason Isaacs) y la princesa de Éboli (Julia Ormond) por otro. La noche del lunes de Pascua de 1578, unos asesinos a sueldo emboscan a Juan de Escobedo, dándole muerte. “La conjura de El Escorial” es una película histórica basada en hechos reales, donde el poder y la muerte conspiran en la Corte de Felipe II.

¿Cómo le ponemos al niño?: Goya, cómo no, porque estoy seguro que más de uno le caerá en la próxima ceremonia de los premios del cine español. Personalmente no espero nada de esta producción y la temática no es de mis preferidas. Me la reservo para cuando salga en dvd, que la vida está muy cara.

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Título:‘LA ISLA DE NIM’
Dirección: Jennifer Flackett y Mark Levin.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 96 min.
Género: Aventuras, comedia.
Interpretación: Abigail Breslin (Nim), Jodie Foster (Alexandra Rover), Gerard Butler (Alex Rover/Jack).
Guión: Jennifer Flackett, Mark Levin, Paula Mazur y Joseph Kwong; basado en la novela de Wendy Orr.
Música: Patrick Doyle.
Fotografía: Stuart Dryburgh.
Sinopsis: Cualquier cosa puede pasar en la isla de Nim, un lugar donde todo crece a lo loco, sobre todo la imaginación. Aquí, una niña con mucho carácter llamada Nim (Abigail Breslin), rodeada de sus exóticos amigos animales, de libros y de leyendas, lleva una increíble vida tropical que refleja la de su personaje literario favorito: Alex Rover, el primer aventurero del planeta. La niña idolatra a Rover. Cuando un peligro inesperado se cierne sobre su padre, que es científico, y la isla secreta en la que viven, Nim pide ayuda al creador de su admirado héroe. Pero Nim no sabe que el aclamado autor de la serie de aventuras es Alexandra Rover (Jodie Foster), una mujer tímida y nada valiente que vive recluida en un piso de una gran ciudad. Alexandra se atreve a aventurarse en el mundo real y Nim se enfrenta al mayor reto de su corta edad, para lo que ambas deberán imitar al modélico y ficticio Alex Rover, además de apoyarse mutuamente, para conquistar la isla de Nim.

¿Cómo le ponemos al niño?: Dolores, porque tiene que ser doloroso ver a Leónidas vestido como un Indiana Jones del todo a cien y a Jodie Foster participando en semejante ñoñada. Hasta el talento de Abigail Breslin está por encima de este tipo de productos. En fin, todos tendrán letras de yate que pagar…

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Título: ‘PALABRAS QUE VIENEN DEL MAR’
Dirección y guión: Ángel Amigo.
País: España.
Año: 2008.
Duración: 70 min.
Género: Documental.
Música: Álvaro Fernández Gaviria.
Fotografía: Klara Intxausti.
Sinopsis: Verano de 2007, el velero “Urdaneta” navega por aguas del Golfo de Bizkaia. A bordo de la embarcación se ha puesto en marcha una experiencia de reinserción de jóvenes problemáticos en cuyo tratamiento se incluye el mar como terapia. A lo largo del documental, los propios jóvenes, la tripulación y el equipo directivo y de terapeutas desgranan los sentimientos y experiencias surgidas de una convivencia forzada tan gratificante como, a veces, insoportable.

¿Cómo le ponemos al niño?: Mira, entre tú y yo, a este lo doy en adopción y que le ponga nombre otro.

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Título: ‘VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA’
Dirección: Eric Brevig.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 92 min.
Género: Aventuras, fantástico.
Interpretación: Brendan Fraser (Trevor Anderson), Josh Hutcherson (Sean Anderson), Anita Briem (Hannah), Seth Meyers (profesor Alan Kitzens), Jean-Michell Paré (Max Anderson), Jane Wheeler (Elizabeth), Frank Fontaine (hombre mayor), Giancarlo Caltabiano (Leonard), Kaniehtiio Horn (chica Gum-Chewing).
Guión: Michael Weiss, Jennifer Flackett y Mark Levin; basado en la novela “Viaje al centro de la Tierra” de Julio Verne.
Música: Andrew Lockington.
Fotografía: Chuck Schuman
Sinopsis: Durante una expedición científica en Islandia, el visionario científico Trevor Anderson (Brendan Fraser), su sobrino Sean (Josh Hutcherson) y su hermosa guía regional, Hannah (Anita Briem), quedan atrapados en una cueva. La única posibilidad de escapar de allí es adentrándose en las entrañas de la Tierra. Recorriendo mundos jamás vistos, el trío se encuentra cara a cara con criaturas increíbles. Pero la actividad volcánica del lugar es cada vez más intensa, por lo que deberán encontrar urgentemente una manera de poder volver a la superficie antes de que sea demasiado tarde.

¿Cómo le ponemos al niño?: Julio, aunque apuesto a que Verne volvería a meterse en la tumba si viera esta adaptación de su obra. Brendan Fraser vuelve con otro producto familiar mientras ‘La Momia 3′ aún colea en nuestras carteleras, lo que no sirve de mucho aval para pagar la entrada de esta nueva aventura “con niño”, por mucho que también la exhiban en 3D.

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*Puedes consultar la cartelera de tu localidad pinchando aquí.

Fuente: LaButaca

Fdo: Stan

No he podido ir al pase de prensa de La conjura de El Escorial, pero como el lugar de las fotos estaba cerca de donde tenía que ir al mediodía, me he pasado por el photocall y he intentado hacer fotos con una cámara no muy espectacular.

Una pena porque mi brevísimo intercambio de palabras con Julia Ormond “Can you say hi?” le dije yo, y ella me dedicó un “Hi” con sonrisa fundidora; no se ha podido captar con una cámara de calidad, pero en ese momento la cámara, o quizás este fotógrafo , ha fallado.

Julia Ormond


Blanca Jara


Jürgen Prochnow


Pablo Puyol


José Conde


Jordi Mollà


Fabio Testi


Juanjo Puigcorbé


Antonio del Real, director del film

Woody Allen’s latest movie entitled, “Vicky Cristina Barcelona” premiered last night in Los Angeles. The movies beautiful stars, Penelope Cruz and Scarlett Johansson, Rebecca Hall and Javier Bardem were in attendance.

Scarlett wore a “surprisingly comfortable” orange chiffon gown by Monique Lhullier. “I liked the color and it’s midsummer and I thought we needed a little Hollywood glamour.” The color looks gorgeous on her. Didn’t like her necklace though, too much going on really. Where was her fiance Ryan Reynolds? I haven’t seen pix of them together in the longest.

When Scarjo was asked about her wedding plans she protested, “I just got engaged!” “Give me a little time!”

Penelope Cruz and her honey Javier Bardem star in this movie together but opted to walk the red carpet separately. The most famous scene for the movie is when Penelope and Scarjo share a kiss but don’t ask Penelope about it!

“She and I have been asked that question a thousand times, and we are sorry that we don’t have any funny stories to tell you about it,” she told disappointed reporters. ::YAWN::

Also there for support, Penlope’s BFF and recent mommy Salma Hayek!