1974, dir. Jorge Grau

Let Sleeping Corpses Lie (also called The Living Dead at the Manchester Morgue) is the story of boy meets girl meets zombies. Edna (Christine Galbo) backs her car into George’s (Ray Lovelock) motorbike at a gas station, then agrees to drive him to his destination in the countryside while he leaves his bike at the garage over the weekend. Along the way, they decide that George will drop Edna off at her sister’s house, then borrow the car to get where he’s going. He never makes it, however, because they soon encounter zombies!

This movie is slow and a little boring, but I love the zombie bits. They are fantastic! And goodly suspenseful — especially the scenes in the crypt and graveyard.

There’s an enjoyable, and very 1970’s, youth vs. authority dynamic between George and the chief police inspector. Also, the ending is pretty fun, but the real reason to watch this film is the zombies. There’s really nothing more to say about it. Here’s the preview to give you a taste (please try to ignore the awful trailer music):

El terror se convierte plano a plano, en algo sumamente abstracto: es la angustia ante lo desconocido.

Sigourney Weaver.

“ALIEN“ es un film muy british a todas luces, con ello quiero decir que no sólo es que esté realizado en Gran Bretaña, no, con ello quiero decir que está realizado muy al gusto de los británicos, aterroriza pero prácticamente sin una gota de sangre, eso es porque profundiza en la narrativa de Alfred Hitchcock, por eso funciona tan bien como thriller o largometraje de suspense, como queráis denominarlo. Así que pasemos a analizar diferentes aspectos de la película que son muy importantes, esos pequeños detalles que están ahí, que parecen irrelevantes, pero no dejan de ser lo que le otorga mayor enjundia al film de Scott.

Saul Bass, gran maestro de ceremonias, y genial introductor, por no decir, diseñador y creador de los más famosos títulos de crédito del cine norteamericano, supo entender muy bien los diseños de Hans Rudi Giger y eso se deja ver en los rótulos iniciales del largometraje a pesar de que no está acreditado. En tan sólo dos minutos nos hará un gran resumen de lo que será el núcleo de este particular viaje espacial. Los motivos por los que no está acreditado, no nos interesan, para mí son meramente anecdóticos, pero lo verdaderamente curioso es la estructura que poseen. Comienza de la forma más inquietante que puede arrancar una película con una pantalla casi en negro, porque nos pone el universo de fondo, comenzamos el viaje de lo general a lo particular, porque acabamos viendo un planeta de fondo.  Todo ello acompañado por la suite creada, por Jerry Goldsmith para marcar este efecto, con instrumentos de viento y cuerda para ir de la mano con Bass e ir de lo dulce y placentero a lo estridente y peculiar.

Gran amante de la geometría, este diseñador apuesta por una tipografía mecánica, que realza el sentido de ciencia-ficción y futuro, y juega con ellas para ir desvelando poco a poco el título del film, juega con la idea de suspense, y nos va adentrando poco a poco en el universo del largometraje. Pero es más, va jugando con otra regla de oro del diseño, la simetría. Pensad que un rostro simétrico es bello, ese es nuestro canon.

La simplicidad otra de las reglas de oro del diseño se deja ver claramente en estos rótulos porque sólo hay un movimiento de cámara, es un travelling, que va de izquierda a derecha, en un plano americano que no deja ver por completo la forma real del planeta que aparece en el fondo de la imagen, homenaje al gran maestro Alfred Hitchcock, obliga al espectador a imaginar si es un planeta o un huevo, así de esta manera llegamos a otra de las características de los rótulos de crédito de Bass y es que es capaz de resumir absolutamente el espíritu del film en dos minutos. Pero no olvidemos que el cine es Gestalt, luego hay que hablar de aspectos psicológicos, nosotros leemos de izquierda a derecha, la música comienza con sólo instrumentos dulces de viento, todo para que el espectador se sienta cómodo a pesar de estar viendo una pantalla casi en negro. Pero el tono de los acordes irán cambiando a medida que el travelling sobre el ecuador del planeta llegue a la mitad del movimiento, allí nos toparemos con a medio camino de un increíble in crescendo que lleva de la mano al espectador. Y es el momento en el que ya tenemos todos los instrumentos (cuerda, viento y percusión), que se correlaciona con el momento justo donde tenemos en pantalla el punto de origen de la criatura. Y cuando Bass nos desvela el título del largometraje por completo, en ese mismo instante nos hallaremos en el clímax del crescendo de la suite de Goldsmith, a caballo entre lo romántico y lo barroco, entre la belleza, el misterio ante lo desconocido. Creando un paroxismo curioso, que se difumina rápidamente a medida que volvemos al universo en general y mediante un encadenado aparece la Nostromo en cuadro en la parte izquierda del fotograma y arranca verdaderamente la película.

No puedo evitar contaros una coincidencia cósmica, Saul Bass había coincidido con Helen Horton, que en “Alien” presta su voz al ordenador central a “Madre”, en un film que dirigió en 1974 llamado “Sucesos en la cuarta fase” e intepretaba en esa ocasión a Mildred Eldridch, y también coincidiría con John Barry, el director de fotografia no el músico, del que hablaremos en “los hijos bastardos”.

LA LARGA MANO DE JOSEPH CONRAD

Józef Teodor Konrad Korzeniowski, más conocido como Joseph Conrad, es un célebre autor de novela de aventuras, y cuya bibliografía ha conocido más de una adaptación cinematográfica. Tanto Gordon Caroll como Ridley Scott son dos grandes admiradores del autor, eligió para su debut en la pantalla grande “Los duelistas”, que realizó de la mano del célebre productor David Puttnam, todo un cazatalentos, y la acción nos trasladaba a las guerras napoleónicas donde podíamos asistir a un duelo sin fin protagonizado por Harvey Keitel y Keith Carradine. Así que ponerle el nombre de “La Nostromo” a la nave es un homenaje más en su filmografía a la obra de Conrad. Esta novela de Conrad ha conocido alguna ambiciosa adaptación televisiva, en la que actores de la talla de Colin Firth, Albert Finney,  Brian Dennehy, Joaquim de Almeida, Lothaire Bluteau o Claudia Cardinale, acompañaban a Claudio Amendola que daba vida al famoso personaje que da nombre a la serie y a la novela, pero que en su momento pasó sin pena ni gloria. Lo verdaderamente curioso es que la novela se centra en un país imaginario sudamericano llamado Costaguana, y Sulaco es el nombre de la ciudad portuaria, y no podemos dejar de pasar por alto que el nombre de la nave en “ALIENS”, segunda parte de esta franquicia dirigida por James Cameron, no es otro que el de la citada urbe ribereña, y en la novela es donde se centra la vida de los personajes y la acción fundamental. Y Ridley Scott no deja de construir un relato de terroríficas aventuras espaciales de siete personaje, en la que el viaje sideral marcará a fuego al personaje principal. Pero hay coincidencias con el universo de Conrad. Un importante dato es que el escritor ucraniano vivió la época álgida del colonialismo, la lucha contra las corporaciones y el capitalismo, y todo ello se haya como telón de fondo de esta aventura peculiar. Idea barajada tanto en Nostromo como en ”El corazón de las tinieblas”, donde reflejará la barbarie del universo colonial africano del siglo XIX, y en el que veremos como el personaje realiza un viaje y lucha contra una corporación. Francis Ford Coppola la adaptó libremente al cine en su célebre film bélico “Apocalypse Now”.

LO COTIDIANO

Scott juega con la vida cotidiana al igual que pasa en alguno de sus antecedentes, pero el lo lleva un paso más allá. Así, en primer lugar elimina el machismo de versiones previas e introduce otros problemas como las reivindicaciones salariales, como cuando Brett le comenta a Dallas durante el desayuno que no está de acuerdo con lo que van a cobrar o cuando le pide una gratificación monetaria por ir a investigar la señal desconocida llegando a una acalorada discusión con el capitán de la nave.

Inclusive las actitudes de los trabajadores, como la que muestra personajes como Parker, absolutamente insubordinado, crítico con las decisiones de los mandos, mostrando una actitud cínica hacia la empresa,  llegando incluso a tomarles el pelo, diciendo que tiene que emplear más horas de lo debido para terminar de arreglar la nave.

El racismo, como en la escena en la que Parker le hace levantar a Ash de su asiento y lo limpia con la mano o la introducción de terminología marítima como cuando utilizan los términos virar a babor o a estribor en la escena del aterrizaje o aeronáutica, en la anterior escena podemos escuchar ”llegando al apogeo orbital”, “recoger el tren de aterrizaje”, “conectar la gravedad artificial” o “turbulencias”.

Otro ejemplo lo encontramos cuando están tratando de averiguar en que punto del espacio Kane manda a Ripley que contacte con control de tráfico:

Esta es la astronave comercial “Nostromo”. Número de registro 180924609. Me reciben. Astronave comercial “Nostromo” de las Islas Solomon. Me reciben. Número de registro 180924609. Espero contestación…llamando a Antártica, control de tráfico.

NARRATIVA FÍLMICA

El film arranca con múltiples travellings de carácter descriptivos, con amplios planos generales que nos ubican en el entorno, nos describen con todo tipo de detalles como es la nave por fuera, por dentro, nos muestra sus largos corredores. Así Scott, saca partido a todo el diseño de Jean Giraud, más conocido como “Moebius” y Ron Cobb, creadores de todo este particular universo de aspecto industrial, recordad que los personajes de la trama no dejan de ser mineros espaciales. Moebius procedía del mundo del cómic y escribía para la revista “Metal Hurlant”, mientras que Cobb  procedía de la serie B y había colaborado previamente con Dan O’Bannon en una inmensa gamberrada espacial dirigida por John Carpenter llamada “Dark Star“, para la que hizo los diseños y los efectos especiales. Os dejo enlace a un gran artículo sobre los diseños de Cobb aparecido en Microsiervos.

Para pasar a primeros planos, todo dentro del mismo travelling, y mostrarnos la recepción del mensaje, que hará despertar a la tripulación, y les embarcará en esta barroca aventura.

Scott da mucho dinamismo a la cámara, sobre todo cuando los personajes suelen tender a estar estáticos en el espacio y viceversa. Así suele fusionar  panorámicas a los travellings, y todos son a contra lectura, para generar desasosiego en una escena cotidiana de la vida mediante la incomodidad física de la lectura. Eso da idea de la exquisita planificación que posee de la escena, al margen de sus conocimientos como cineasta. Así, la secuencia del desayuno se erige como todo un gran ejemplo de la técnica narrativa del director británico afincado en EEUU. Hace un barrido del comedor de izquierda a derecha para acabar centrando el foco de atención en Kane, que posee una línea de diálogo muy profética, al decir que se siente que está muerto.

Uno de los múltiples aciertos de Scott frente a sus predecesores es dotar a las transiciones en las que podemos ver como pasa la nave por delante del encuadre, de un verdadero sentido narrativo dentro del largometraje. Así pues, serán verdaderos puntos y seguidos, que otorgan un cierto alivio a la intensidad de la narración, pero que no dejan de otorgar dinamicidad a la narración. Llegados otra vez  a este punto debemos de hace hincapié en el desarrollo de movimiento. La nave siempre ira a contra lectura, con lo que el alivio es menor, porque inconscientemente marca un stress de lectura al espectador, generándole una cierta ansiedad.

Pero será tras la muerte de Kane que estas transiciones se harán de otra manera, esto es debido que ahora servirán para dar respiros en la intensidad de la narración realmente, pero siempre marcando un punto y seguido. Para ello, siempre veremos pasar la nave pero ya no será un movimiento a favor o en contra de la lectura, es decir de derecha a izquierda o viceversa, ahora será de atrás a delante, siempre alejándose en el sentido del eje de la x espacialmente, bien sea viendo la superior a vista de pájaro o…

la parte inferior de la nave.

Esta película posee una narración muy intensa, por todo lo anteriormente expuesto más que su director abusa intencionadamente de dos recursos: primeros planos y los planos americanos. Es como si en un texto comenzara a poner muchos adjetivos y adverbios tanto a los sustantivos como a los verbos. Puede llegar a ser extenuante, pero que en este caso es eficaz. Pero además le sirve por un lado para no mostrar completamente a la criatura, por otro juega con el fuera de campo, lo que se encuentra fuera del cuadro, obligando de estas dos maneras al espectador a usar la imaginación, y a veces aterroriza más lo que uno se imagina que lo que uno ve realmente. Pero, quiero destacar que usa de una manera muy hitchcockniana los primeros planos calificando a la criatura mediante una herramienta de montaje llamada efecto kuleshsov, y que gracias a Redrum podréis acabar de entender en que consiste.

HITCHCOCK EXPLICA EL RECURSO DEL PRIMER PLANO

Pero que sea intensa no quiere decir que sea rápida, y es ahí donde encontramos otro de los grandes aciertos, el ritmo pausado de la narración que le permite a Terry Rawlings montador y a Scott, poder elegir cuándo y cómo asustar al espectador, y crear así un ambiente idóneo donde sustentar el thriller.

Así pues, es prácticamente imposible que el espectador desconecte del film, aquí hay que hablar del montaje realizado por el siempre genial Terry Rawlings, montador de las tres primeras partes de la franquicia, y que en este particular caso hace un trabajo soberbio al saber gradar muy bien los momentos de tensión que había planificado con anterioridad el director al otorgarle toda una serie de elementos con los que poder jugar, porque no debéis olvidar que en la sala de montaje no puedes rodar lo que no tienes, ese momento ya pasó. Y a veces, sobran cosas, que no aportan mucho más y pueden hacer perder ritmo al film. Así llegamos a la versión del director, que particularmente opino que nunca debería haber existido, las nuevas escenas, eliminadas por Rawlings en su momento, están bien quitadas, porque hacen perder ritmo al metraje y tampoco es que aporten nada novedoso, como si lo hizo Cameron con la idea de la Reina. Sobre todo, porque este film juega un poco a ser un relato de Agatha Christie, y al igual que “La cosa” de John Carpenter, juega a ser una variante de “Los diez negritos”, porque desde el principio sabemos quién es el asesino, pero al final sólo quedan la víctima y el verdugo, Ripley y Alien llevándonos a un duelo espacial muy particular, en el que los personajes apenas carecen de armas, y deberán jugar con la astucia, sobre todo la teniente para poder defenderse.

El recurso de la grúa en el film sólo lo usa en una ocasión, se trata de la secuencia que tiene lugar en el interior de la nave alienígena, con el que consigue pasar de un plano americano de Kane a un plano general del interior en contrapicado para realzar más la idea de lo pequeños y vulnerables que son los tres protagonistas.

El lector y espectador de esta magnífica película no debe olvidar que está gestada a finales de la década de los setenta, los gustos narrativos dentro del género estaban en plena evolución, y la corriente del gore cobraba cada vez más fuerza, como ya habíamos visto en películas como “No profanar el sueño de los muertos”, de Jorge Grau. Pero Scott en un giro de tuerca, llega a estilizar el gore, y mostrarlo con una gran dosis de asepsia quirúrgica. Las pinceladas son escasas pero contundentes, tres serán las escenas donde podamos apreciar planos que podamos catalogar como gores. Para la primera esperará hasta el minuto 49 de metraje de la versión del director para ofrecérnosla en una verdadera orgía hemoglobínica cuando irrumpe en escena el octavo pasajero procedente del interior de Kane…

, y los otros dos planos se hayan en la muerte del Brett y Parker.

La bibliografía es extensa y variada que avala esta idea, pero el mayor testigo de todo ello es Ivor Powell, productor asociado del film y mano derecha del realizador británico, reconoce en el documental de Lauzirika que el cineasta impuso al equipo ver “La matanza de Texas” de Tobe Hooper realizada en 1974, máximo referente del género gore y obra de culto, sin albergar la menor duda.

THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE-TOBE HOOPER-1974

Puedes continuar leyendo el monográfico en:

• LA CRIATURA PERFECTA 
• ANTECEDENTES

Portada

Hace un par de días, recibíamos información sobre el próximo lanzamiento de Cine Zombi de la Editorial Calamar. Hecho que nos sorprendió, puesto que tan sólo llevamos 4 meses y pico de vida, y no siempre dedicamos el contenido del blog al mundo zombi, aunque es una de nuestras debilidades, claro está. Nosotros lo hemos tomado como algo muy significativo, algo tenemos que estar haciendo bien, y tal y como se suele decir en estos casos, poco a poco, pero con paso firme.

Cuando una mano surge de la tierra de un cementerio avisa que los muertos están a punto de salir de sus tumbas. Es esta una imagen clásica que el cine se ha encargado de explotar a lo largo de su historia. Zombis víctimas de los hechizos del vudú, cadáveres que resucitan por los experimentos del científico loco de turno, o por causas tan variadas como desconocidas; en cualquier caso se trata del terror que nace de los misterios de la muerte.

El cine de horror es prodigo en personajes de esta índole, pero no solo abundan las películas que imitan a la noche de los muertos vivientes de George A. Romero. Esta temática es mucho más variada y compleja de lo que pueda sospecharse en primeras instancias. Con más de 400 películas analizadas y profusamente ilustrado, Cine Zombi, es una obra que capitula la evolución del personaje desde sus inicios, deteniéndose en las grandes escuelas, en los realizadores más implicados y en las obras claves del género.

Atrévase a entrar, amigo lector, y puede que descubra una verdad más espeluznante que sus íntimas pesadillas.

Cine Zombi de Ángel Gómez Rivero

Ángel Gómez Ribero. Escritor especialista en literatura y cine fantástico, es el autor de los ensayos Drácula en el cine, Christopher Lee – el regreso de las tinieblas, Fantaterror italiano, La marca del hombre lobo, La marca del vampiro, La marca de la momia, Drácula versus Frankenstein, Casas malditas – La arquitectura del horror y El vampiro reflejado.

Una de las principales garantías de este libro la encontramos en el prólogo, escrito por el Maestro Jorge Grau, toda una institución en el cine de Zombies… No hace falta que os diga nada más de él, tan sólo que fue el directo de No profanar el sueño de los muertos o The Living Dead at Manchester Morgue (1974).

DEDICADO A BLOGUER IN THE SHADOWS Y A ZOMBI

Como se cumple el 35 aniversario del film “NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS” de Jorge Grau, Videodromo quiere sumarse a la celebración, y dar debida cuenta de un film que marcó mi adolescencia, ya que la primera vez que pude verla fue en televisión dentro del programa de Narciso Ibáñez Serrador “Mis terrores favoritos”. Os prometo que al día siguiente en el instituto nadie hablaba de otra cosa que no fuera de este largometraje. Así que sirva este monografico de homenaje a una película que marcó posiblemente a una generación de españoles y que hoy en día sigue tan vigente como entonces. Y que en la X Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Estepona la ha programado en una versión restaurada que se proyecta el próximo viernes 11 de septiembre en el centro cultural Padre Manuel a las 18:30 horas.

LA TRAMA
El film arranca cuando Edna sin querer avería la moto de George. Edna va camino de Southgate a ver a su hermana, al llegar se pierden y George descubre que el departamento de agricultura está llevando a cabo un experimento en una granja aledaña para exterminar los insectos y los parásitos de las cosechas mediante radiaciones ultrasónicas (sic), ya que actúan sobre su sistema nervioso enloqueciéndolos y haciendo que se devoren unos a los otros. Lo que no saben es que posee un efecto secundario esta máquina, pronto serán testigos de cómo los muertos de una abadía cercana cobran vida y acaben matando al cuñado de Edna. Lo malo es que el detective que lleva el caso de la muerte de Martin sospecha de su mujer, Katie, que es heroinómana, y piensa que las hermanas se están encubriendo.

DESGLOSE DEL FILM POR SECUENCIAS:
Secuencia 1: Presentación del personaje de George.
Secuencia 2: Títulos de crédito
Secuencia 3: Crítica medioambiental
Secuencia 4: Encuentro accidentado entre Edna y George en la gasolinera.
Secuencia 5: Viaje a Windermere
Secuencia 6: Disputa
Secuencia 7: Viaje a South Gate.
Secuencia 8: Llegada al cementerio de South Gate
Secuencia 9: George descubre la máquina en la granja que comienza a funcionar.
Secuencia 10: Edna es perseguida por el “vagabundo” muerto.
Secuencia 11: Huida de Edna y encuentro con George y el granjero.
Secuencia 12: Presentación de Martin
Secuencia 13: Martin va a la casita del jardín..
Secuencia 14: Martin discute con su mujer Katie
Secuencia 15: George y Edna perdidos por South Gate de noche.
Secuencia 16: Martin hace fotos en la cascada .
Secuencia 17: Se descubre el lado oscuro de Katie
Secuencia 18: Ataque del “vagabundo” muerto a Katie en la casita del jardín.
Secuencia 19: Huida de Katie a la cascada.
Secuencia 20: Muerte de Martin en la cascada a manos del vagabundo.
Secuencia 21: Rescate de Katie por George y Edna.
Secuencia 22: Presentación del inspector en la escena del “crimen”.
Secuencia 23: George y el inspector discuten.
Secuencia 24: Interrogatorio del inspector a Katie y Edna.
Secuencia 25: Vuelven a discutir Goerge y el inspector en el comedor de Katie.
Secuencia 26: George roba el carrete de fotos de la cámara de Martin.
Secuencia 27: George lleva a revelar el carrete de fotos.
Secuencia 28: Se instalan en el hotel George y Edna.
Secuencia 29: Edna y George acuden a ver Katie al hospital.
Secuencia 30: Ataque del bebe a la enfermera
Secuencia 31: George y el médico se plantean el origen del problema.
Secuencia 32: George y el médico acuden a la granja a ver la máquina.
Secuencia 33: George y Edna recogen las fotos y son pillados por el inspector.
Secuencia 34: George lleva a Edna al cementerio.
Secuencia 35: Llegada y búsqueda del guarda del cementerio.
Secuencia 36: Edna y George quedan encerrados en la cripta.
Secuencia 37: Huida de la cripta.
Secuencia 38: Encerrados en la casa del guarda del cementerio.
Secuencia 39: El policía trata de buscar ayuda.
Secuencia 40: Huida del cementerio.
Secuencia 41: Ataque de Martin al policía que está en su casa.
Secuencia 42: George trata de parar la máquina de la granja.
Secuencia 43: Katie en el hospital.
Secuencia 44: El juez y el inspector tratan de explicar los hechos.
Secuencia 45: Edna acude a casa de su hermana y es atacada por Martin
Secuencia 46: Edna huye.
Secuencia 47: Encuentro de George y Edna en la carretera
Secuencia 48: En la gasolinera
Secuencia 49: George regresa para quemar el cadáver de Martin.
Secuencia 50: El cadáver de Martin llega al hospital de Southgate.
Secuencia 52: Martin ataca al forense
Secuencia 53: Interrogatorio del juez y el inspector a George
Secuencia 54: Huida de George y trata de hablar con el médico del hospital.
Secuencia 55: El médico seda a Edna.
Secuencia 56: Ataque a la telefonista del hospital.
Secuencia 58: Katie y el médico acuden a ver a Edna
Secuencia 59: Katie ataca a Edna.
Secuencia 60: George intenta salvar a Edna.
Secuencia 61: El inspector llega al hospital.
Secuencia 62: El inspector llega al hotel.

CONTEXTO HISTÓRICO:
Para entender el tour de force que Grau hace en este film primero debemos contextualizar históricamente el largometraje. Estamos en los últimos estertores de la dictadura de Franco que sigue siendo el Jefe del Estado, y Carlos Arias Navarro es el Presidente del Gobierno. El ministro de información es Pío Cabanillas Gallas, que era el encargado de la censura cinematográfica.
En el Congreso de Suresnes, elige a Felipe González como Secretario General del PSOE, que sigue siendo ilegal en España. La población mundial alcanza los 4000 millones de personas en ese año. Los países occidentales celebran una conferencia sobre la energía en Washington en la que deciden la creación de la Agencia Internacional de la Energía. India detona su primera bomba atómica, siendo la sexta nación con poder nuclear.
Quiero finalizar con un dato curioso el 1 de octubre de ese año se estrena en EEUU “La matanza de Texas” de Tobe Hooper. “El padrino II” arrasa en la ceremonia de los Oscars, y “El exorcista” de William Friedkind se alza con el Globo de Oro a la mejor película dramática y a la mejor dirección. Y en el festival de Eurovisión gana Suecia con la canción “Waterloo” compuesta e interpretada por ABBA, que por aquel entonces eran unos perfectos desconocidos.

LOS PROTAGONISTAS:
Cristina Galbó interpreta a Edna. Esta actriz madrileña bien puede merecerse el título de scream queen, sólo que en versión cañí, como en la década de los ochenta lo ostentó Jamie Lee Curtis en la industria norteamericana. Galbó gritaba como los ángeles, por eso hizo mucha producción dentro del género, dentro y fuera de nuestras fronteras, es más hasta la eligió Narciso Ibáñez Serrador para su inquietante “La residencia”. Su última película hasta el momento es “Suéltate el pelo” de Manuel Summers, producto a mayor gloria del grupo madrileño “Los hombres G”.

Grau le buscó todo un guaperas italiano para darle la réplica, hablo del actor Ray Lovelock, que da vida George, cumple perfectamente con el arquetipo de héroe del film, y es personaje con el que se identifica la audiencia desde el principio. Posteriormente apareció en producciones italianas del género como “Autopsia” o en otras con presupuesto más holgado y de corte catastrofista como “El puente de Cassandra” de George Pan Cosmatos. Luego acabó en el mundo catódico.

La sorpresa en el casting es, sin duda, que contara con Arthur Kennedy para interpretar al inspector de policia. En aquel momento era muy típico que actores norteamericanos participaran en coproducciones con capital italiano, como por ejemplo Henry Fonda y sus apariciones en los Spaguetti Westerns.

El matrimonio tormentoso integrado por Martin y Katie Madison fueron interpretados por Jeannine Mestre y José Lifante, será casualidad pero sus trayectorias han ido parejas, ya que han sobrevivido a caballo del mundo catódico y cinematográfico, con más fortuna o asiduidad este último, ya que la ultima aparición cinematográfica de Jeannine fue “Incautos” y la de Linfante “La conjura de El escorial”.

Y para finalizar quiero hablaros de unos de los descubrimientos de Grau, me refiero a por aquel entonces un jovencísimo, Joaquín Hinojosa,  que no habla pero angustia un montón dando vida al zombi de la sala de autopsia. Este fue su segundo trabajo, y se haría muy famoso con películas como “Pascual Duarte” o con el cine de la movida madrileña como “Tigres de papel” de Colomo. Sigue activo en la actualidad, y hace tanto productos televisivos como “23 F: historia de una traición” como cinematográficos, su última aparición fue en el film “Salvador”.

UN PRODUCTO ATÍPICO
Se trata de una coproducción entre Reino Unido, Italia y España. La mayoría del metraje está rodado en los estudios de Cinnecitta (Roma), los exteriores iniciales pertenecen a la ciudad de Manchester, y el resto se rodó en los estudios de Cine Arte (Madrid). Podemos decir que es un producto atípico para la época por muchos motivos. Empezando una factura fuera de los estándares españoles del momento, seguido por su estructura narrativa o por la planificación muy al uso de los largometrajes norteamericanos de aquella época, donde el uso del sonido y del fuera de campo juegan un papel importante, sobre todo en la primera mitad del metraje.

El guión es obra de Sandro Continenza y Marcello Coscia, aunque también participaron, a pesar de que no estén acreditados en los rótulos del film, Juan Cobos y Miguel Rubio, y es a mi modesto entender quienes son responsables de la mejor parte del guión, la crítica sociopolítica y a los que debemos que esta obra va más allá del mero homenaje a “La noche de los muertos vivientes” de George A. Romero, porque el resto se trata de un thriller muy a la americana, con todos los arquetipos. Además, se nota que es una película hecha con pocos medios, sin grandes pretensiones, pero dentro de los gustos internacionales de la época, y que no se deja traslucir en su impecable factura, aunque sí un poco en el departamento artístico., muy heredera en algunos momentos del metraje de las típicas películas de terror de la británica  Hammer, sobre todo hasta que se transforma en una cinta gore. Pese a todo, se puede y debe considerar como una pieza clave del género, una obra maestra de nuestro cine de terror.

LOS MIEDOS DEL MOMENTO
El film arranca con exponiendo la tesis central que vertebrará toda la trama y que posee marcados tintes ecologistas. Es por ello que estamos ante todo un alegato contra la polución industrial, contaminación en términos generales, la tecnología, el crecimiento desmesurado de la población y la destrucción del medio ambiente. Temas que ya podíamos encontrar en otros largometrajes del género del momento como “Soylent Green” de Richard Fleischer, que en España se tradujo como “Cuando el futuro nos alcance”, y que se estrenó tan sólo un año antes, en 1973. Así que podemos concluir que Jorge Grau expone los grandes temores del momento de una manera concisa y brillante, resueltos en una única secuencia.

Energía nuclear

Polución

Contaminación industrial

Crecimiento demográfico desmesurado

Daño medioambiental

CRÍTICA SOCIO-POLÍTICA

Este película llegó a realizarse porque se trata de una producción externa, ya que es una coproducción,  y eso le otorgó a los guionistas y al realizador un gran margen de maniobra frente a la censura, sobre todo porque se vendió como un producto típicamente italiano. Los desnudos que se pueden ver en el film en las secuencias 3 y 24, al espectador actual le pueden parecer carente de todo sentido, pero en 1974 lo tenía por completo. Estos desnudos son una manera de reivindicar desde el exterior una libertad de la que no se gozaba en nuestro país, y en aquellos momentos nuestros padres si querían ver uno se tenían que trasladar a la localidad fronteriza de Perpiñán. Por eso no es que se le perdone, sino que se comprende la necesidad de este autor por reclamar una libertad de expresión.

El desnudo injustificado

El desnudo justificado

Pero el film posee más carga socio-política, porque se erige en todo un alegato contra la dictadura, el poder y la autoridad. Estos valores están encarnados en el personaje del inspector interpretado con eficacia por Arthur Kennedy. Frente a él se erige la libertad de expresión y la democracia, que podemos ver representados en el papel de George, que inclusive en la secuencia 1 se le describe como un intelectual, que valora la historia, ya que es un anticuario. Aquí hay que destacar la gran labor del departamento artístico, maquillaje y vestuario, al presentarnos a ambos personajes. El inspector viste de manera sobria, gabardina, y perfectamente peinado hacia atrás. Mientras que con el personaje de George no hacen de él un hippy melenudo al uso. Todo lo contrario, le dan un aire intelectual y racional, con esas camisas y chaqueta de cuero negro. Ambos personajes estén en constante conflicto, como se puede ver en las secuencias 23, 25, 33, 49, 53, 61 y 62.

La dictadura

La democracia

Jordi Grau siempre presenta a lo largo del film tanto a la autoridad como a la justicia siempre ciega ante los hechos y no son capaces de ver más allá de lo que acontece en el momento, interpretando lo que quiere interpretar, siempre desde dentro de su marco de valores y creencias, lo que les lleva a tomar decisiones equivocadas. Esto se puede ver en la secuencia 44, cuando llega el inspector y el juez al cementerio tras la masacre zombi.

Les veremos ejercer su gran poder sobre el resto de los personajes en la secuencia 53, en la que tiene lugar el interrogatorio a George en presencia del juez, por más que explica los hechos, las razones que esgrime no son válidas para la autoridad, y encima le pide el inspector que se confiese culpable de delitos que no ha cometido para acabar con todo el asunto. Lo más curioso tiene lugar al finalizar este momento del film porque la justicia le dice al inspector que desaprueba los medios, y la autoridad le replica que tampoco le gustan los suyos porque el se tomaría la justicia por la mano. Aunque el momento más provocador, sin duda alguna, tiene lugar en la secuencia 33, cuando en la tienda le despide George al inspector con un “Heil Hitler”.

Para muchos espectadores actuales, el largometraje es absolutamente previsible, pero creo que todos se lo perdonamos porque vemos en el una suerte de justicia poética, los guionistas le dan a cada personaje lo suyo, y lo que aparentemente es un final trágico, no deja ser irónico y que deja un gran sabor de boca, sobre todo en aquellos momentos, porque ahora nuestro contexto histórico y político se haya en las antípodas.

HOMENAJES
Tras desarrollar la tesis de la cinta realiza un homenaje a “La noche de los muertos vivientes”, ya que las secuencias 8 y 10 se desarrolla en los mismos parámetros que en la inicial del clásico de Romero. Tenemos a los dos protagonistas, ella sola que ve al muerto mientras él está trata de averiguar como ir a la granja. Es más sus zombis están totalmente alejados de los que nos propone actualmente el norteamericano Zack Snyder, influenciados por los videojuegos. Mención aparte se merecen los actores que los dan vida, todos muy conocidos inclusive en el panorama cinematográfico actual.

Pero también la trama le sirve para homenajear a otro clásico de la ciencia ficción y terror, hablo de “La invasión de los ladrones de cuerpos” de Don Siegel en las secuencias 42 y 49, en la que George trata de advertir tanto a los miembros del departamento de agricultura y al inspector infructuosamente. En ambos casos están rodados al más puro estilo apocalíptico y Lovejoy es una suerte de Kevin McCarthy.

MECANISMOS GENERADORES DE TERROR
Algunos son de la opinión que uno de los fallos del film es que Grau no dirige a los actores. Disiento totalmente de esta afirmación. Se nota que uso indicaciones precisas porque todos los personajes ateinden a las mismas pautas, así que podemos concluir que existe una dirección de actores firme. La técnica usada es que los personajes se quedean paralizados por la sorpresa y el miedo, es ahí donde los zombis de movimientos lentos y toscos generan ansiedad por lo que va a acontecer.
También hay que destacar el uso instrumental del sonido, bien sea el procedente de la máquina, que nos da indicio de que la apocalipsis zombi va a tener lugar, o bien integrado en la banda sonora creada por Giuliano Sorgini a base de respiraciones entrecortadas, sonidos de sintetizador, tan típicos de las cintas de género italianas del momento, aunque todo sea dicho pasa desapercibida gran parte del metraje. Salvo la suite creada para la secuencia 2 que posee unos marcados tintes psicodélicos y tribales, y como no puede ser de otra forma, el violín es la estrella.
De todos es sabido que genera más ansiedad lo que uno no ve, porque la imaginación es más poderosa y rellena la informació. por este motivo en la primera parte del largometraje Grau juega con el fuera de campo, con lo que el espectador intuye porque no se muestra en el fotograma. Así el ataque del vagabundo en la secuencia 20 es un claro ejemplo, inclusive ni en las fotos que se pueden ver en la 33.

EL LADO MÁS GORE
Así la película funciona en términos generales como una cinta de suspense, thriller y terror, y hay que esperar hasta el minuto cincuenta de metraje para ver las verdaderas pinceladas gore del film, es cuando Grau lleva el film al límite de las posibilidades presupuestarias, hablo de la secuencia de la cripta del cementerio, cuando el zombi vagabundo está reviviendo a los otros muertos, allí tiene lugar las escenas más gore del film. Por aquel entonces era difícil ver un plano como el de la traqueotomía con el mango de la pala de cavar, o cuando el policía trata de pedir ayuda es devorado por los zombis en una película española, creando una auténtica orgía carnibal, y es en este momento del metraje cuando podemos ver gore explícito rodado al más puro estilo Romero.

No profanar el sueño de los muertos en una peli que recuerdo con especial cariño, porque, y si la memoria no me falla, fue mi Desvirgue Zombi.

La historia se remonta al año en que el videoclub más mítico del pueblo tuvo que cerrar por problemas económicos. Recuerdo que para poder tirar, su dueño combinó durante un tiempo la venta de armas de fuego y accesorios de pesca, con el alquiler de películas… recuerdo que esta decisión me pareció cuanto menos inquietante, aunque bueno, supongo que lo sería también para cualquiera que se acercara a la estantería Disney, y viese que al lado del Ratón Superdetective podía elegir entre varios tipos de rifle para cazar renos.
El caso es que ni había renos en Orense, ni se alquilaban las películas… así que el videoclub se fue sumiendo poco a poco en una intensa bancarrota.

Aunque antes de que eso sucediera, el dueño, que se llevaba bien con mi padre y en su defecto conmigo, según él era como una especie de hijo adoptivo… nos arregló una venta al peso con buena parte de stockaje. Ese repentino desembarco despertó en mi sentimientos enfrentados, por un lado estaba el regocijo y entusiasmo de tener en casa más películas de las que podría ver en muchos años, y por otro la angustiosa situación que pondría fin a lo que había sido durante mucho tiempo un refugio fascinante. Ya en casa tirado y llorando sobre una montaña cintas, me quedé parado sobre la portada de esta peli en cuestión. Era como de un verde fosforito, y tenía por delante una chica rubia con la mirada perdida que me pareció tremendamente atractiva. La chica estaba relamiendo lo que parecía ser un corazón crudo.

Nunca llegué a saber la cantidad de cintas que incluyó este lote con certeza, pero sí que daban y sobraban para construir una importante trinchera. De hecho todavía hoy, cuando voy a casa de mis padres y coincido con mi madre en esa habitación, puedo ver como se refleja en sus pupilas una fina grieta de fatiga. Pero bueno, lo que sí que había era una interesante y dilatada variedad de estilos, entre los que estaba la obra del catalán Jorge Grau. Aproximadamente calculo que tendría unos nueve o diez años, así que obviamente ni puta idea de fantaterror, ni gore, y si me apuráis ni zombis (excepto por cierto video de Michael Jackson que me tuvo una semana sin mear)… así que el único registro que se guardaba por aquel entonces era que unas portadas acojonaban más que otras. Con lo que las conversaciones que tenía con los colegas eran del tipo:

- Ostiá! Viste la de la macheta clavada en la puerta?
- Sí! Joder… te jiñas un huevo… tienes que pillar la de la tía que tiene las manos en la cara y se le ven los ojos.

El caso es que ordenando por estilos, terminé debatiéndome por cual ver primero, si esta, o una titulada El alquimista, que también tenía una chica con la mirada perdida en la portada, y lo que parecía la mano del diablo acariciándole la cara… sin saber muy bien por qué, me decanté por los muertos.

De aquel primer visionado apenas conservo muchos detalles. Solo recuerdo lo brutalmente cagado que me dejó la escena de la cripta, con los zombis tambaleándose y gruñendo, mientras los dos protagonistas subían por los nichos. Me pareció todo terroríficamente real y perturbador. También el hecho de encontrarle similitudes geográficas a los exteriores, amplió ese pánico y me hizo enterrar la cinta hasta un buen tiempo después. Bien, el caso es que dando ayer la vuelta de rigor por los pasillos de la Fnoc me di contra el dvd. Sabía que lo habían editado hace algún tiempo aunque nunca me había dado por comprarlo. Hecho.

De nuevo en casa y reviviendo esta ahora ya cult-movie, solo puedo añadir y corroborar la mayoría de apuntes que se hacen sobre ella. Es una producción que sobretodo intentó ser seria… con un argumento interesante, bien narrado, y personajes atractivos que mantienen una sugerente relación. Las situaciones y efectos especiales son todo lo dignos que se le puede pedir a una co-producción italo-española de los 70, que va de una empacadora roja que mata hormigas y resucita muertos en base a radiaciones ultrasónicas.
Es una historia que recopila abundantes escenas míticas, y que todos los aficionados al género disfrutarán con nostalgia y el buen hacer del equipo. El dvd tiene una breve pero curiosa entrevista con Grau y poco más. Tanto la imagen, como el sonido y los menús son correctos. En su día se la llamó La noche de los muertos vivientes española… y tiene sentido.

Título Original: No profanar el sueño de los muertos
Fecha de estreno: 1974
Director: Jorge Grau
Guión: Juan Cobos, Sandro Continenza, Marcello Coscia
Música: Giuliano Sorgini
Reparto: Arthur Kennedy, Cristina Galbó, Jeannine Mestre
Productora: Flaminia Produzioni Cinematografiche

Let Sleeping Corpses Lie

A woman, Edna, on her way to meet with her sister, Katie, accidentally runs into a motorcylce belonging to George, wrecking it. They make their way together and after getting lost they stop for directions at a farm where they are testing a new agricultural device. The device uses radiation to destroy insects but has the unexpected side effect of bringing the dead back to life. After one of the zombies kills Katie’s husband, the police chief suspects the trio of the crime. With the police chief on their trail and the bodies piling up, will George and Edna be able to stop the zombies.

Starring – Cristina Galbo, Ray Lovelock, Arthur Kennedy, Aldo Massasso, Giorgio Trestini, Roberto Posse, Jose Lifante, Jeannine Mestre 

Directed by Jorge Grau

I wasn’t expecting too much from this flick. Made in 1974 I was a little worried that the effects would be terrible but was surprised at how well done they were. Granted they aren’t on the same level as something that might be done today but they satisfied my hunger for gore. The acting was passable but might have been better if not for the over the top dubbing that had been done. I don’t really get why it was dubbed in the first place but I’ve heard worse before.

The plot is pretty simple. Radiation is bringing the dead back to life but the cops think that our main characters are the culprits. That’s it. Even with such a simple idea, the ending still plays well and there’s a great little twist at the end. It’s a really well done zombie movie and I’d put it up there in my favorites for sure. Easily the best part of the movie is the main character George. He’s funny even while he’s being a douche to everyone and I was really cheering for him the whole time. If you’re looking to have a zombie night, this is a good place to start. A great classic that every zombie fan should see.

Under the marquee – Will

sehr unschön, aber es ist schwül und ihr müßtet das mal erleben….

Ich hasse diese Kombination aus Gejammer, Gehetze und Impertinenz.

Presentación en los cines Golem de Madrid de SciFiWorld, la nueva revista de cine fantástico y de ciencia-ficción dirigida por Luis M. Rosales, en un evento organizado por José Manuel Serrano Cueto y Javier Tolentino, aprovechando sus ciclos de Dialogue Cinema. Por allí se dejaron ver Jorge Grau, Nacho Cerdá, Paco Cabezas, Carlos Tejeda, Víctor Olid y muchos otros cineastas comprometidos con el género fantástico. Por ejemplo éstos:

Carlos Atanes y Marta Timón con el primer número de SciFiWorld

Leer la crónica del evento en Tantas Cosas Por Decir, Tantas Cosas Por Callar.

Non si deve profanare il sonno dei morti.
Jorge Grau. 1974. VEnglish
dvd: 28
imdb: 6.8