You see, if this had been released this year it would have been my album of the year but it wasn’t so you know, whatever. I love this but I am a little afraid of it. Now that may sound totally lame and it is but there is something really intimidating about Sheer Hellish Miasma. This is noise and drone in the hands of a master. The sound moves around like sand in a storm and from what I can make out is made from layers of tightly woven static which for the most part is pitched very low. The longest piece is The Inferno which is a fat slab of greasy drone punctuated with Merzbow-light electronic trickery. The opener Impotent Hummer is where my fear comes from. On the surface the tracks is a slowly moving, volume boosted drone track but when I concentrate I’m sure I can hear the sound of some sort of life under the impenetrable fog. Well at least I think I can because just when I think I can hear them they disappear. They’re either there, it’s a trick to the ears caused by the dense layers of drone or I have may a mild psychosis. Take your pick. The most fun track is the very short Turning Point which is what hard house sounds like played by John Wiese at 400 beats per minute. The whole thing is rounded out by the calm and beautiful Cloudy, which considering the power of what precedes it, is like having a nice sorbet after chewing through a raw piece of venison, well at lest until the track  eats itself whole in the last 20 seconds. Utterly compelling.

so as i lurch from one depressing personal tragedy to another i figured i need something ugly and harsh to soundtrack these rather grim days. and i figured what better fella to get involved in this than kevin drumm. the man who spawned, vomited, shat out, sheer hellish miasma. which at times provided the most gutjuddering ferocious noisemongerry (see the inferno for details) i’ve heard in long while. like burzum being fed legs first into an industrial shredder, recorded onto damaged tape and played down a long distance phone line on loudspeaker through amps the size of andre the giant.

but no. the fucker’s let me down. kindof. instead of an hour of self-flagellating aural brain scour i’m presented with an hour of thick-bliss melancholy, a slo-mo blizzard and the (un)welcoming sleep of a snow blanket.

y’see i haven’t heard anything of his since the miasma rerelease. haven’t heard imperial distortion, so i foolishly assumed he’d continued the loud sound (of a seven year old record, i realise…). not that miasma is entirely ugly, but it’s pretty far removed from this.

one track. just lay down and forget it. all the connotations that come with that title apply musically. how to describe something so inherently minimal, so utterly unwordy? why with my usual verbose prose, irritating hyperbole, iconoclastic phrasing and repugnant non-sequiturism of course.

be prepared to focus (on the hour of music, not this crumbling bilge), concentrate that mushy mulch of a brain of yours. there’s no point dipping in and out like some flitting, flittering, flighty a.d.d. haribo addict. you could play it in the background but frankly you’d zone out and think somebody next door’s hoovering. no i recommend a sit down, eyes closed, big headphones on. or go one better. on saturday i submerged myself in one of those isolation booths, you know where you float on salty water in a pitch black tank for an hour and feel yr consciousness bugger off to another place altogether. t’was an odd heaven. use this shit the same way.

it is quite frankly akin to substance abuse listening to just lay down…. it’ll alter yr mindwaves in a subtle hypno- way. reductionally it is nothing more than some ultra low frequency drone, a mildly fluctuating hum of submerged electrickerry, an all encompassing immersive wash of monotonic tone. but given time, zonked silence and a fortress of solitude, it offers a veritable pandoras box of minimalist delight.

drumm’s ouvre (man i dig that word…) inhabits some odd venn diagram overlap between merzbow (if his laptops voice broke) and popul vuh (at their most static). and like masami akita he’ll either test yr patience or deliciously warp yr fragile morrison-like wooly cotton infant brain.

it’s textured, smooth and cold and soft like someone playing wine glasses in a gentle snowstorm or delicate whiteout. notes, tones, sustained for seconds minutes hours, hang sometimes threateningly in the air. it undulates almost imperceptibly, unfurls indiscernibly, vacillates and mutates and fluctuates om-like. it gazes at you with the blank soothing terror of nietzsche’s void.

i dare you to stare back.

hospital productions

Imperial Horizon non inizia: prosegue. Parte che è già cominciato, non si sa quando né tantomeno da quanto, un buco nero in un punto indefinito nell’universo, un tunnel di cui non si conosce l’entrata ma strada facendo si arriva ad avvertire bene l’uscita (verrebbe da dire come la vita ma poi ci accusano di sciacallaggio). Un unico drone con minime ma ben percettibili variazioni tonali spalmate nel corso di un’ora e cinque minuti, Just lay down and forget il titolo, praticamente una dichiarazione d’intenti – in italiano sarebbe più o meno “limitatevi a sdraiarvi e lasciate perdere” – plateale sfottò rivolto a chiunque si senta particolarmente edotto e visionario di fronte a prove del genere. Perché questo è il classico disco funzionalissimo per costuirci sopra interminabili tragicomici pompini pseudofilosofici wannabeghezziani sul senso del tempo e dell’esistenza, proprio per il fatto che ognuno può vederci dentro esattamente quello che vuole; più interessante piuttosto rivelare la bellezza e la bontà del suono qui prodotto, e come miracolosamente riesca a mantenere vivo l’interesse e intatta la curiosità di vedere cosa c’è dopo nonostante non accada praticamente niente e l’intera composizione sia fatta – letteralmente – di nulla, o quasi. E non c’è traccia di arida speculazione intellettualoide né tantomeno di cinica presa per il culo dell’ascoltatore, tutt’altro; c’è più cuore qui che in legioni di stronzi con la chitarra al collo (o col sequencer tra le mani, non fa alcuna differenza). Ad oggi disco drone dell’anno e tra i migliori in assoluto nella sterminata, diversificata e metallante discografia dell’uomo.

No comment on this one ! Actually a little disappointed after first real listen, but the cover is worth it anyway !

Stephan Mathieu on Dekorder, two short tracks on a 10″ ! Absolutely Brilliant !

Haven’t heard it yet ! Yet also the cover is great !

The skaters, maybe too dark in these days and ages, will give it another shot soon !

Edgy, definitely demanding music but beautifully crafted and built !

Haven’t heard it yet !

Haven’t heard it yet !

Great compilation ! Get it !

Kevin Drumm with or without Leif Elggren, without from what I heard, but he did the drawing…

Dedicated to X G B

Three pieces of “classic” thai music

Not a test tone, more of a hypnagogic test… more infos on this here

Split between Emil Beaulieu & Jason Lescalleet, need to check it later…

Haven’t heard it yet !

A bit disappointed, should have read the cover better, the music of, not the words of.. doesn’t sing on this one, shite….

!! A heavy one !!

This was recommended by two older humans/friends, and it sounds so much from the 80’s…the worth part of those I mean !

Haven’t heard it yet !

Just brilliant, a little too ballads sometimes, but really good selection, I also found another cd with the track “Christine” which is my favorite from him

Three concrete compositions on the theme of childhood – Remarquable !

Really cool and groovy selection – Not Franco on every track though !

Amazing composition played live by Kasper T. Toeplitz

William Burroughs acuño el termino Heavy Metal en su novela de 1964 Nova Express, donde nombraba a uno de los personajes “Uranian Willy The Heavy Metal Kid”. El crítico de rock Lester Bangs tomó ese término, para describir el sonido de Black Sabbath, que incorporaba tambores que retumbaban como truenos, bajos plomizos, guitarras entrecruzadas y vocales de sirena, con letras que hablaban del lado oscuro de la humanidad. Su álbum debut de 1970 “Black Sabbath” dio origen a un género, que ha mutado desde entonces, en un imparable bacilo, sin cura conocida.

Para finales de los ’60 grupos como Cream, Blue Cheer, Steppenwolf, MC5 y The Stooges aceleraron el volumen y la energía de la música, pero el Metal era más extremo, tanto sónica como visualmente. En los 70 Blue Öyster Cult se acerco bastante a la forma en que le Metal sería forjado en el futuro con la trilogía de sus primeros álbumes, donde mezclaban las ideas del escritor H.P Lovecraft con imaginería histórica de la segunda guerra mundial. En 1975, en el London Hammersmith Odeon, sin embargo, BÖC tuvieron como soportes a una formación embrional de Motörhead, que serían los representantes del Metal en toda su salvaje gloria. En otro lado y a través de todo el Reino Unido otras cepas del género estaban siendo incubadas. En 1982 la banda de New Castle, Venom, lanzó Black Metal, un punto de referencia para los grupos de guitarra adoradores de cabras, que hicieron del Black Metal en género por derecho propio. Arrastrados, pateando y gritando dentro del movimiento denominado “New Wave of British Heavy Metal”, el acercamiento de militantes satanistas de Venom, fue causa de burlas entre los críticos, pero devorado por los devotos de la música extrema que consideraban la inflexible barrera de distorsión y caos de la banda, la única alternativa a las bandas mainstream como Def Leppard y Girlschool. Los himnos de Venom (descriptos por el bajista Cronos como “las canciones de amor de Satanás) como “Poison” y especialmente “Live Like an Angel, Die Like a Devil” fueron responsables de desatar hordas de extremistas escandinavos del Black Metal.

Punta de lanza del movimiento, fueron grupos legendarios como Mayhem, Burzum y Darkthrone, los grupos nórdicos convocaban oscuros y escalofriantes estallidos sónicos que consumían por completo al oyente y, como una ceremonia mágica, no ofrecían ninguna salida hasta que el hechizo/canción estaba completo/a.  

Igualmente importante en este punto fue el surgimiento del Death Metal y el Grindcore, un hibrido salvaje de Heavy Metal y Hardcore-Punk. El disco debut del grupo Napalm Death, Scum (87), le dio al Death Metal/Grindcore el OK para infectar a la nación. Otros participantes significativos en la propagación de la enfermedad fueron Extreme Noise Terror, Carcass, Entombed, Autopsy, Morbid Angel y Caníbal Corpse, todos los cuales se especializaban en tocar a velocidades inhumanas, con letras que se concentraban en los horrores viscerales de lo mortuorio, y los efectos posteriores de un ataque nuclear.

Aunque estaban completamente distanciados de la escena Metal, el grupo artcore de New York, Swans (Junto a Sonic Youth, y la sobreviviente de la No Wave Lydia Lunch) fueron igualmente responsables de despellejar al rock, para exponer los huesos. El disco de 1983 de Swans, Filth, proyectaba puro poder a través de episodios amplificados de sonidos vibrantes y ondas metálicas de guitarras afiladas. Los retratos violentos de dominación sexual y sumisión, tortura y aislamiento social, del  cantautor/vocalista Michael Gira, eran pintados aún más oscuros, por las explosiones de baja frecuencia del grupo, que amenazaba con absorber todo el aire del estudio. Como los primeros practicantes de ritmos abstractos, volumen colosal y letras con una imaginería desolada- factores que resuenan subliminales, en el trabajo de las huestes más jóvenes- Swans, también estaban concientes que, dentro de su capullo aparentemente impenetrable de hardcore noise, otra manifestación musical, más sutil y provocadora estaba tomando forma.

Bajando la velocidad y subiendo el volumen, el rock baboso de Swans alimentó los primeros movimientos de la escena Stoner Metal, aunque sus verdaderas raíces pueden ser rastreadas hasta los primeros discos de Black Sabbath y el grupo seminal de Dylan Carlson, Earth. El espíritu de la serie de estudios electrónicos, Drift Studies, del compositor minimalista La Monte Young, es detectable en el uso distintivo que hace el Stoner Metal, del uso de extensas resonancias desafinadas de guitarra y bajo, pulsando particularmente fuertes en los hipnóticos y poderosos zumbidos de Sunn O))).

Otros fuera de la jerarquía del Metal, lo están usando como una herramienta para canalizar sus ideas hacia áreas musicales más extremas. Esta categoría incluye a los artistas del sello electrónico Mego, Pita, Kevin Drumm y Russell Haswell. En Japón, el emperador noise, Merzbow, siempre ha apoyado al Metal como un medio para sus propias creaciones, junto con Masonna y el guitarrista Zeni Geva. El compositor y músico de New York, John Zorn, utilizó al Metal de manera consistente en sus gurpos/proyectos Naked City y Painkiller, alimentándose de la energía de la música y la imaginería tabú de sus carátulas de discos, mientras que el joven trío noruego Noxagt, acercándose a la herencia de su país en el Black Metal, en una variante más cuidadosamente ejecutada, usando una estructura instrumental, compuesta por bajo, batería y viola eléctrica, señala que el Metal, como género, se esta reconfigurando.

Combinado con el poder, intensidad y concentración que la música demanda, el otro atractivo del Metal para el no aficionado, es que, sigue siendo uno de los últimos bastiones de la música underground. Con su propia red social – que produce y distribuye discos (muchas veces en tiradas limitadas y en vinilo) y reúne a los fieles cuanto una banda en particular esta en el lugar – que sigue dentro de la tradición inaugurada por el Free Jazz y el Punk Rock. Hoy la escena Metal esta rebeldemente activa, mostrando ningún signo de cansancio.

EARTH

EXTRA-CAPSULAR EXTRACTIONS (SUB POP CD 1991)

EARTH 2 (SUB POP CD 1993)

PENTASTAR: IN THE STYLE OF DEMONS (SUB POP CD 1996)

Formada en 1990 en Olimpia, Washington, por el guitarrista y dronemeister, Dylan Carlson, junto al guitarrista y fundador del sello Kill Rock Stars, Slim Moon y el vocalista Greg Babior, Earth tomo su nombre de la primordial encarnación de Black Sabbath. Después de grabar su álbum debut Extra-Capsular Extractions en 1991 – con contribuciones de Kurt Cobain, el bajista Dave Harwell y el bajista/percusionista, Joe Preston – el grupo se dividió, dejando a Carlson y Harwell a cargo de la producción del segundo álbum, Earth 2, un apocalíptico ataque de guitarras drone que sentó las bases para el todavía no nacido Stoner-Rock. Entregado con la amenaza y velocidad de un bombardero stealth calentando sus motores, Earth 2, exitosamente confundió y enojó a todos los que previamente habían etiquetado a Sub Pop como un sello grunge,  desacelerando todo y reduciendo el moshpit a puré con una frecuencia de arrastre super-grave de una parte a otra de la barriga del rock, relacionando todo, desde “Iron Man”  de Black Sabbath, hasta los experimentos con drones de la Velvet Underground post-La Monte Young. En su momento Earth 2, fue considerado como una broma, pero con la llegada de grupos como Growing y Sunn O))), el álbum es ahora visto como una gran influencia. Desde su reedición, hecha por Sub Pop en “special low frequency versión” y como triple vinilo, es sin dudas su obra maestra.

En 1995 Carlson y el nuevo miembro de Earth, Ian Dickson, hicieron una breve aparición en Disobey, el club que el sello Blast First tiene en Londres, donde interpretaron “Ripped on Fascist Ideas”, una pieza para dos guitarras que luego fue editada en edición limitada, por Blast First. Sunn Amps and Smashed Guitars Live, contiene este track y agrega cuatro ejemplos más del primer Earthquakes de principio de los ’90, como bonus. El riff Metal de frecuencia grave evocado en SAASGL, también se asomaba en el álbum de 1996, Pentastar: In the Style of Demons, que Carlson grabo junto al guitarrista Shawn McElligot y el baterista Mike McDaniels. Aquí un versión estabilizada del grupo dio más énfasis a la producción un circulo de canciones cercanos a la perfección, el hotrod verde lima de su portada, era el perfecto indicador de donde se encontraba el estado mental de Earth como banda. Enterrado entre dos losas masivas de monumentales riffs, hay una serie de igualmente  estimulantes que van desde explosiones de amplificadores desmantelados, al Burzum de la última época Ambient-Drone, hasta la hostilidad de los experimentos de Fluxus con pianos rotos.

SUNN O)))

ØØ VOID (RISE ABOVE CD 2000)

THE GRIMMROBE DEMOS (HYDRA HEAD/SOUTHERN LORD CD 2000/2005)

FLIGHT OF THE BEHEMOTH (SOUTHERN LORD CD 2002)

WHITE 1 (SOUTHERN LORD CD 2003)

WHITE 2 (SOUTHERN LORD CD 2004)

WHITE 2 (SOUTHERN LORD CD 2004)

Originalmente formada por O’Malley y Anderson en 2000 como una banda tributo a Earth, el trueno de las resonantes guitarras del dúo Sunn O))), fueron diseñadas específicamente para revolver las entrañas de su audiencia. Tomando el nombre de la marca de amplificadores utilizada por Earth, las grabaciones y presentaciones de Sunn O))) se asemejan a rituales. Su álbum debut, ØØ Void, indicaba hacia donde se dirigían, sus cuatro extensos tracks, llenos de estremecedores zumbidos de guitarra eléctrica, despertaban los poderes dormidos de Earth y Swans. Más tarde ese mismo año, editaron The Grimmerobe Demos, que originalmente venía envuelto en una bolsa plástica negra, con el logo de la banda pintado en dorado, como un talismán secreto. Grabado en 1998 y más crudo que ØØ Void, Grimm Robe, despojó el sonido de O’Malley y Anderson, llevándolo de nuevo a las bases en las invocaciones sónicas como “Black Wedding (Lament For A Nordic Vision Buried By Time & Dust)” y “Dylan Carlson”. Su grabación más brutal hasta la fecha, es el portal perfecto para el emocionante umbral de dolor de Sunn O))).

Para Flight of the Behemoth, el grupo invito al alquimista noise Masami Akita (aka Merzbow) para que mezclara dos tracks. La movida dio como resultado el taladrante pulso del ruido blanco electrónico, ondulando la oscurecida barriga de su monstruosa creación.

Los invitados en White 1, incluyen al anticuario psicodélico Julian Cope aportando voces y a un ex miembro de Earth, el bajista Joe Preston, mientras que White 2 presenta los derroteros operísticos de Attila Csihar (vocalista de la legendaria banda noruega de Black Metal Mayhem, en el disco Mysteriis Dom Satanás). Es la constante atención a los detalles dentro del género – junto al contacto realmente físico que existe entre el artista y su audiencia, a través del sonido – lo que hace constantemente valuables los experimentos de O’Malley y Anderson con Sunn O))).

BORIS

ABSOLUTEGO (FANGS ANAL SATAN/SOUTHERN LORD CD 1998/2001)

AMPLIFIER WORSHIP (MANGROVE/SOUTHERN LORD CD 1998)

BORIS WITH MERZBOW

MEGATONE (INOXIA CD 2000)

Descriptos por Dylan Carlson como “la banda de sonido de dos babosas cogiendo”, el disco Absolutego, del trío japonés de Stoner Rock Boris, tomo el arte de las guitarras drone inspiradas en los Melvins, a nuevas alturas, en una sola canción de más de una hora de duración. Sin embargo su mejor logro, es canalizar el ruido abstracto del noise-rock, transformándolo en minimalismo eléctrico antes de finalizar con un efecto agudo de guitarra que suena como un piano electrónico tocado por Charlemagne Palestine. 

Amplifier Worship es más variado con canciones que van del himno al drone, explosiones a toda velocidad de electricidad que recuerdan a los primeros Boredoms, hasta trabajos más experimentales para guitarra y percusión. El hambre del trío por la experimentación los llevó a unirse con varias figuras claves del underground japonés. En Boris With Merzbow, la barrera noise electrónica de Masami Akita, actúa como un aleteo ambient de fondo y una fuente de poder para que Boris alce el volumen de sus amplificadores naranjas y juntos curven el aire.

KEVIN DRUMM

SHEER HELLISH MIASMA (MEGO CD 2002)

La pasión del músico electrónico oriundo de Chicago, Kevin Drumm, por el rock extremo en general y el Black Metal en particular, tuvo libre albedrío finalmente en Sheer Hellish Miasma, álbum producido para el sello austriaco Mego. Completo con una sutil cubierta diseñada por Tina Frank, con sus iniciales en letras goticas doradas sobre fondo negro, SHM es un destilado de cada disco de Metal que Drumm escuchó, que el devuelve como una serie de dañados estallidos de ruido blanco. En el momento de su lanzamiento SHM, represento el sonido del futuro Metal; siete años después, la personalizada interpretación del género a cargo de Drumm, todavía suena peligrosamente fresca. Pass:Robixxx.

Ce disque me fait penser à une plongée, à une vision de fonds sous marins. Non pas ceux des eaux turquoises peuplées de coraux et de poissons multicolores mais ceux des grandes profondeurs et des abysses où règnent le froid et le noir absolu. Il se dégage d’Imperial Distortion une impression d’infini et d’apesanteur mais aussi de claustrophobie et d’écrasement, la pression des tonnes d’eaux aux dessus ne votre tête. C’est comme flotter dans les ténèbres oppressantes, éclairé uniquement par une unique et faible lumière. Des particules en suspension traversent le faisceau lumineux. Le fond est tapissé d’algues verdâtres, de coquillages morts et de déchets, vestiges pathétiques de notre civilisation. Tout n’est qu’ éternité et désolation. Il n’y a rien d’autre à entendre que le silence pesant de l’immensité liquide. Mais pour qui sait entendre, le silence n’est que relatif. Sa musique est subtile, elle s’étire à l’infini, se dérobe, réapparaît, se dissout et évolue perpétuellement. Telle est la musique de Kevin Drumm, à la limite de l’immobilité mais en constante mutation. Chaque longue plage est comme un condensé de silence en suspension. Imperial Distortion m’évoque les Selected Ambient Works II d’Aphex Twin immergés en eaux profondes.

Vous trouverez des extraist en écoute ici et là

Kevin Drumm – Imperial Distortion, Hospital Productions, 2008.

Nascido em 1970 e oriundo da cena experimental de Chicago, Illinois, Kevin Drumm é um guitarrista e operador de eletrônicos que confunde a todos lançando discos inclassificáveis, que parecem superar as barreiras do heavy metal, do drone, do ambient, do noise, free improv e do minimalismo (apesar de, pontualmente, alguns discos chamarem mais certos gêneros que outros). Seus primeiros discos solo se baseiam na intervenção de barulhos intermitentes, mas foi com Sheer Hellish Miasma, de 2002, um disco entre sonoridades noise que lembram o metal mais extremo, que Drumm atingiu maior reconhecimento e atenção por sua carreira. Além de seus trabalhos solo, lançou discos e se apresentou em sessões improvisadas com artistas como Jim O’Rourke, Ken Vandermark, Mats Gustafsson, MIMEO, Taku Sugimoto, Phil Niblock, Tony Conrad, John Butcher, Ralf Wehowsky, Axel Dörner, Daniel Menche, Dan Burke e Prurient. (RG)

* # *

“Distorção imperial” depois de ter feito o “mero miasma infernal”; era de se esperar o mesmo tipo de vandalismo sonoro rigoroso que caracterizava o soberbo Sheer Hellish Miasma, um desses discos que servem como marcos definidores em campos artísticos (no caso, o noise). Kevin Drumm é um fanático pelo imaginário do metal e pelos seus sons, e isso fica claro nas escolhas de timbres de feedback que ele sempre faz, soturnos, guturais, como os cultores do death e do doom. Ouvi-lo é sentir que tem alguém processando detritos sonoros e utilizando um vocabulário musical distinto e mais abstrato, atingir por outros caminhos um similar reino de podridão – mas ao mesmo tempo algo mais. Esse algo mais, Imperial Distortion torna mais fácil conhecer. Ledo engano o daquele que preferir ver nesse trabalho novo de Drumm apenas uma guinada para suculentos drones encantadores de feedback: cada persistência de som, cada pausa intencional, cada variação assumem-se como posições conceituais, quase filosóficas, de encarar a passagem do tempo, as deteriorações provocadas pelo mundo, os aspectos randômicos dos encontros que podem orientar ou desorientar nossas vidas.

A própria capa do disco mostra uma visão de cima de coisas jogadas a esmo na relva. Um caos discreto, vários elementos heterogêneos aproximados mais por sua posição do que por sua adequação ao conjunto. Como as seis faixas de Imperial Distortion, a capa parece interpretar e defrontar-se com um mistério amplo da existência, a vida, e narrá-la não através de seu oposto (a morte, a deterioração total), mas das permanências e lentas variações letárgicas que carregamos conosco pelos dias, pelos meses, pelos anos. Se o noise em volumes inaudíveis é o miasma do inferno, o drone é a vida, em sua monotonia, em seu emprego do tempo e das tonalidades, em sua atividade. Sabemos que é perigoso interpretar em termos de substantivos nobres as expressões propostas pela arte (sempre tênues, fluidas, sem se deixar levar pelas precisões e objetividades da racionalidade), mas nesse caso Kevin Drumm parece não deixar outra hipótese: pelo trabalho visual, pelos nomes das faixas e pela imponência do projeto, há algo de definitivo e retumbante que parece ser orquestrado aqui.

Seis faixas entre 15 e 20 minutos. O volume é baixo, tornando delicadas as mudanças operadas nos contornos das distorções. Com as repetições o tempo parece se estender, e o ouvido reconhecer o mesmo como diferente e o diferente como o mesmo – em todo caso deixar-se perder na parede de ruído criada por Drumm. Os drones podem até ser envolventes, como em “Romantic Sores”, mas eles carregam consigo uma densidade, uma solenidade, um peso que recusa as interpretações ambient. O disco não se articula entre a dupla diferença/repetição, mas entre permanência/desaparecimento. Em “Guillain Barre”, a que abre o disco, três dinâmicas distintas aparecem em pedaços da faixa, uma com sonoridades de sinos bastante distorcidas, noutra um drone grave e espectral, e ao final um outro, mais agudo, que some e retorna, até acabar de vez. O decisivo aqui são as operações de tempo, e de dinâmica de faixa: os drones vão insidiosamente levando ao apego, a construir nossa percepção no ritmo que eles nos conduzem, e depois somos pegos pelo pé com sua alternância. Por mais de 100 minutos somos entretidos com esses sons inauditos, com esses sons lentos e pesados, com a música se construindo cheia de minúcias e delicadezas, até que ao fim de “We All Get It in the End” volte surpreendentemente o miasma do inferno, na figura de um ensurdecedor ruído de estática que domina a faixa por seus últimos minutos. Pela variação extremada do registro, depois de mais de 100 minutos de enlevo – como sair dos Selected Ambient Works 2 de Aphex Twin e entrar de cabeça em Merzbow –, somos sem piedade entregues à podridão, à deterioração, ao abrasivo do noise. Um final surpreendente, e que amplifica as ressonâncias temáticas do disco.

O que por vezes espanta é: como Kevin Drumm, ou como qualquer um veio a se interessar por isso? Um disco colossal com drones em volume baixo numa época em que vários parecem correr atrás do auditivamente inominável, seja na chave da estridência ou na da saturação de sons. Um disco que parece atentar para a inevitabilidade de todas as coisas mas que constrói seu discurso sonoro com um artesanato tão meticuloso e rico em opções que faz com que seu autor pareça mais um demiurgo do que um poeta niilista. É um disco com um vigor estupendo, que exige uma atenção tamanha, uma adesão mesmo. Um disco para poucos (mas para todos que se interessarem), mas uma obra única e distinta dentro do cenário musical contemporâneo. (Ruy Gardnier)

* # *

Da arte de se ouvir três vezes – Um dos procedimentos combinados aqui na Camarilha é o compromisso de ouvir cada disco pelo menos três vezes antes de escrever. De forma que os cem minutos deste Imperial distortion tiveram que ser negociados, bem como a caixa do Gas, Nah und Fern, escolhida para a próxima semana: são álbuns densos e longos, repletos de questões interessantes, mas que demandam uma disponibilidade nem sempre ao nosso alcance. O fato é que decidimos, sim, postar álbuns com duração acima da média, sendo o primeiro este do experimentador americano Kevin Drumm. E ai, devo dizer que me ocorre algo curioso com a prática de ouvir os álbuns da semana por três vezes: dependendo do enfoque e da pegada, alguns deles se revelam somente na terceira audição, como o Diario de Daisuke Myiatani, cujos detalhes emergiram tardiamente, mas com uma força inequívoca. Outros já me ganham de primeira, como o The Bug, London Zoo, que põe para dançar já na primeira faixa. Com Imperial distortion, Kevin Drumm me revelou a seguinte possibilidade: não só desde a primeira audição, mas desde a primeira faixa, fui tomado por um suspense, uma sensação eletrizante de curosidade pelo que viria a seguir. Aqui, a primeira audição se constitui inevitavelmente como nos filmes noir, que têm na surpresa seu trunfo maior…

Da arte de ouvir no fone – Apesar de extremamente desaconselhável para a saúde auricular, tenho o hábito de ouvir música no fone. Gosto de perceber as minúcias do intercâmbio entre a execução e a disposição dos sons – pois a forma como se grava também encerra uma dimensão criativa. É com os fones no ouvido que acessamos a materialidade do discurso musical. No caso de Imperial distortion, esta modalidade de audição permite compreender o papel do silêncio no trabalho de Drumm, uma particularidade deste álbum, já que o anterior, Sheer Hellish Miasmah, primava pela relação com a cacofonia. A duração das faixas reforça as articulações entre as pequenas variações de textura, intensidade e freqüência com o silêncio latente, já que após alguns minutos, o tom contínuo do drone acaba por evocar o vazio característico do silêncio…

Da arte de surpreender – Mas, ao mesmo tempo, a música de Drumm conduz o ouvinte como que por entre o labirinto: entramos por ele, tomamos contato com suas primeiras modulações, nos afeiçoamos com seu aspecto soturno, mas, ainda na primeira faixa, somo surpreendidos pela diversidade complexa que constitui as aparentes repetições. Tamanho preciosismo cria no ouvinte uma tensão pelo que virá: que tipo de manipulação, qual o clima com que Drumm construirá a seqüência? E aquele cenário que se tornara familiar desaparece para dar lugar a uma outra modulação, e assim será durante cem minutos de música. Dizem que Kevin Drumm é guitarrista, e isso faz com que fiquemos ainda mais intrigados, pois, se não me engano, a não ser pelas eventuais notas sintéticas que salpicam a segunda “Snow”, não há nenhuma evidência de trabalho de guitarra em Imperial distortion. E aqui, vale notar que, apesar da riqueza das alterações digitais, da inteligência característica deste trabalho minucioso, o tom e a relativa estabilidade de cada seqüência mantem-se intocado…

Das conclusões – A apavorante reviravolta que marca seus últimos minutos apenas confirma a tensão primordial que marca e caracteriza o trabalho. Imperial distortion tem mérito por sua concepção audaciosa, mas também por demonstrar como se produz com rigor e elegância no universo drone. O tamanho de suas faixas não impede que a música se torne, aos poucos, interessante e prazerosa, pelo contrário: é através de sua capacidade de criar ambientes e envolver o ouvinte, que a música de Drumm se impõe como uma das mais intrigantes da atualidade. (Bernardo Oliveira)

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Próximo a minha casa, uma construção tem atormentado meus dias. Aparentemente estão demolindo, com o uso de britadeira, um andar inteiro que haviam construído com concreto(!). Especialmente nas manhãs de sábado, quando posso dormir um pouco mais, o incômodo tem sido excruciante. Assim, costumo acordar já tentando identificar o barulho mesmo sem estar completamente desperto. No domingo, acordei tranqüilo, não havia barulho e o ambiente estava especialmente silencioso, fiquei algum tempo deitado e ao levantar percebi que o aparelho de som estava ligado. Ocorrer que apenas ao desligar o aparelho percebi que dele saia um zumbido uniforme e denso que eu não havia percebido antes e que preenchia o ar e consistia no suposto silêncio que até então ouvia. Passei então a ouvir alguns tímidos ruídos na casa e até o canto de alguns pássaros.

Seria essa a ligação perfeita entre e drone, o ruído branco e a música ambiente idealizada por Brian Eno? Acho que não. Mas ao lembrar que teria que escrever para a Camarilha um texto sobre a magnus opus (até agora) do Kevin Drumm, não pude deixar de fazer algumas conexões: o barulho atordoante e sem piedade da britadeira, e a densidade do drone confrontadas a Sheer Hellish Miasma e a Imperial Distortion e a capacidade de ambos em preencher o espectro sonoro de formas tão opostas e impregnantes; mas não apenas isso, também como mesmo distintos, ambos os discos parecem se complementar.

Me aproximei de Imperial Distortion com precaução. Ainda recordava da reação ao ouvir Sheer Hellish Miasma pela primeira vez, o mal-estar muito além da duração do disco (aliás, lembro muito mais da sensação do que da música em si, vez que apenas após uma segunda ou terceira tentativa consegui verdadeiramente ouvir o objeto que me causou tamanha reação). Mas tinha a recomendação de um amigo.

Imperial Distortion é outra coisa, mas ainda assim o dna é 100% Drumm e o maior deleite ao ouvir o disco foi que, apesar de toda a distância entre os discos, a primeira coisa que veio à memória após sua audição foi a primeira vez em que ouvi o Selected Ambient Works II do Aphex Twin. Poderia seguir pelo caminho fácil de comparações, ambos são discos duplos de longa duração e são exemplos de trajetos paralelos aos de maior sucesso de seus perpetradores em suas facetas mais agressivas. Mas o que enriquece a lembrança é o fato de ambos trabalharem com uma apreensão especial da música como textura, da música ambiente como algo diverso das idéias de Brian Eno: como algo que não desaparece mas que acrescenta e funde-se com o ambiente criando algo novo e inquietante. Imperial Distortion se coloca como a ovelha negra da irmandade formada por discos como o já mencionado SAW II, o The Disintegration Loops do William Basinski e o Tired Sounds of… dos Stars of the Lid.

O álbum começa repleto de pequenos ruídos envolvidos em camadas de drone; são intervenções de eco, reverberações, sinos, que aos poucos são reduzidos às camadas de drones estéreis sem cor, apenas variando pelo modo como as sobreposições são feitas, algo como o zumbido de vários eletrodomésticos. Os sinos, afogados no drone elétrico anunciam que o caráter imperial estará na dimensão da música e não no volume sonoro ou na quantidade de elementos. O anúncio de um fim, como o de uma procissão fúnebre.

Algumas faixas parecem organizada em torno de alguma forma de fading, onde a maior atividade inicial dá lugar a imobilidade do drone; algumas também parecem compor-se de distintas seções, como a transição ocorrida por volta de 06:20 em “More Blood And Guts”, com um respiro no drone e na volta, o acréscimo de elementos eletrônicos, para cair em doce placidez após os dez minutos.

Apesar de tratar-se de rigorosa música experimental com emprego de elementos escassos e “frios”, a forma como essas transições ocorrem e como cada mudança é introduzida não deixa de surpreender e emocionar, algo que esperaria de um Tim Hecker ou do Stars of the Lid, mas que sugere um novo olhar sobre a produção de Drumm, que aqui realiza um trabalho tão rico em nuances que consegue se destacar com distância em um ano repleto de excelentes lançamentos de mesma cepa.

Fora a segunda faixa, intitulada “More Guts and Blood”, todos os outros títulos evocam algo de uma lenta deterioração, menos por evanescência que por corrosão dolorosa; seja a decadência física da vítima de Guillain-Barre, o inverno e o fim do romance, ou pelo menos os machucados resultantes. É pouco alentador que a única faixa onde alguma agressividade escapa denomine-se “We All Get It in the End” e a catarse final, após cerca de 100 minutos de imersão assemelha-se justamente ao afogado sendo resgatado das do silêncio aquático e jogado de volta ao mundo dos ruídos atmosféricos.

Acaso Sheer Hellish Miasma seja o monumento impenetrável sendo implodido, Imperial Distortion nos deixa justamente nos escombros dessa suposta fortaleza. Essa distorção imperial que de início parecia grandiosa termina por parecer a trilha sonora para uma elegia, ou melhor, o resíduo sonoro (melancólico?) do fim do império, tão distorcido quanto destruído. (Marcus Martins)

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Difficile de faire moins estival, moins festif, moins ensoleillée que ce disque. Difficile aussi d’écouter autre chose – en tout cas dans cette catégorie-là, minimale, drone. Kevin Drumm est un musicien américain, qui réside à Chicago. Ses disques récents étaient tous plutôt très noise et l’un d’entre eux, Sheer Hellish Miasma (sorti sur Mégo) est l’un des parangons du genre, incroyablement guttural et fort, encore plus intense que du Merzbow. Ce disque se clôturait néanmoins sur un morceau tout en douceur, très calme et ambient. Titré Cloudy, on y entendait des nappes et des fréquences de synthétiseur, venant rêveusement conclure un disque de nervosité, d’acharnement physique. Depuis, il y avait comme l’espoir d’entendre tout un album de Kevin Drumm dans la même veine que Cloudy. C’est à peu près, mais aussi plus encore, qu’offre son Imperial Distortion. Ce double CD est une exploration des possibilités du drone, comme du LaMonte Young lo-fi, sans théorie ou discours pour habiller l’ensemble, mais avec une incroyable intensité musicale qui fait que, d’un bout à l’autre des deux disques, l’attention ne faiblit jamais. Ici, les morceaux sont titrés Snow, More Blood and Guts, We All Get it in the End, Guillain-Barre, Romantic Sores. Autant de titres qui donnent des pistes sur l’état d’esprit de l’auteur, qui permettent de saisir, peut-être, des nuances, des données insidieuses, implicites qui auraient pu échapper aux oreilles distraites. A moins qu’ils ne soient là pour donner de fausses pistes, des indices à ne surtout pas suivre ? Quoi qu’il en soit, Imperial Distortion est l’un des rares disques de minimalisme contemporain à pouvoir prétendre à la même puissance, à la même morgue, que les grandes compositions de LaMonte Young et Charlemagne Palestine. Avec peut-être en plus quelque chose de plus rock, de plus organiquement tourné vers des mélodies fantomatiques qui semblent naître entre les nappes, fébriles.  Pour faire bref, on n’avait pas entendu, dans cette veine profonde et monomaniaque, un disque aussi fort et renversant qu’Earth 2, il y a bientôt 20 ans.

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Insomnia-filled nights get me to thinkin’ about all sorts of random things. Tonight’s few hours of attempted-but-failed sleep got me on a nostalgic kick, thinking back to days of high school when my best buddy Jesse LeBus and I published a short-lived scandal sheet called The Recidivist (named for a Bastro song, natch). It only really lasted maybe one issue, and I vaguely recall it being a broadside against our high school administration’s perceived hypocracies — nevermind the fact that we were using the school’s computers to edit and publish the dang thing. Ah, the folly of youth. We got in some minor trouble (if that? I don’t recall much), and the whole thing blew over. Maybe if we had stuck with it, or had developed a sense of tact, we could’ve made it into a school paper-y thing, complete with stories and cultural reportage of the day (perhaps an essay or two on how Pearl Jam blows, dude?). But we never were ones for sticking with anything.

At some point in the early morning hours, as the birds started a-chirpin’, I started thinking of another, more worthy snapshot of a place and time even longer gone, that of Mr. Tom Johnson’s excellent book, The Voice of New Music, a collection of his music criticism that was originally published in the Village Voice from 1972 to 1982 (you can download the whole shebang here — ain’t the internet wonderful?). I read this worthy tome when an undergrad, workin’ on some Tony Conrad stuff, and this book was an incredible resource not only on the specifics of the changes that were taking place in the downtown NYC snooty music scene, but also of a general cultural context that’s sorta disappeared (even if I’d bet more people listen to weird music now more than they did back then).

Big whoop, sez you. All right, all right, so here’s the point: instead of trying to recreate some old feelings about music and cultural what-have-you that would just about be impossible, I thought I’d start a new thing on this blog dedicated to looking back at some music I probably haven’t listened to in a long time, and in the process I hope to share some ideas about the music, the time in which I first experienced it (and how), and just whatever other random stuff may bubble up to the surface. So here goes, episode one of Recidivist…

Autechre, Chiastic Slide (Warp)
Thomas Brinkmann, Klick (max.E.)

Funnily enough, I’ll begin the first installment with two records that have nothing to do with either my high school or college years, unlike the reminiscences that inspired this series. Though I certainly knew of and enjoyed many records on the esteemed Warp label through my college years, it probably wasn’t until I picked up Autechre’s Chiastic Slide sometime in the summer of 1998 (though it was released in 1997) that everything started to, uh, click (no pun intended). I was a fan of their previous records Amber and Tri Repetae, but Chiastic Slide was the one, maaaaan. Listening to it again last night while reading Milan Kundera’s The Book of Laughter and Forgetting, I was struck by how structurally this record fit with Kundera’s idea of the novel as an exploration of variations. That is, his novel consists of seemingly unrelated episodes which form a coherent summation of his once-an-insider, now-an-outsider-looking-in perspective on the totalitarian regimes of Central Europe in the 1970s.

Now, this connection isn’t explicit by any means. There’s nothing in Autechre’s music that suggests anything similar, thematically, to Kundera. There’s no politics, no laughter, nothing really even that “human.” What I mean is that Chiastic Slide takes some pretty distinct elements and fuses them into studied variations. And like Kundera is compelling to read (I finished The Book of Laughter and Forgetting pretty quickly, granted it’s short), Autechre hit upon what I think was the beginning of an incredible run of densely packed, seemingly-random-yet-not albums filled with intense variation. As Kundera writes about his father’s love of Beethoven’s later variations (Kundera’s father was a composer and teacher who studied with Janacek, btw), I couldn’t help but make the connection to what I was hearing while I was reading.

So Chiastic Slide: it’s a killer album, packed with crunchy, distorted tempos; the detritus of their soon-to-be-abandoned rote-techno melodies (which were generally more off-kilter than a lot of their IDM contemporaries anyway); and a lot of variation. Take one theme, expand on it until it’s worn down to a nub, then add something else in. It’s brilliant, and at the time it sounded FANTASTIC booming out of my car stereo (and it’d prompt some pretty funny looks, too). By the time I finally got to see Autechre (with Russell Haswell and Kevin Drumm!) at the Metro in 2001 (see photo below, swiped from Warp), I’d already moved on to more minimal moves…

At some point in 2000 or 2001, I can’t remember which, Jim Magas opened the long-gone (and sorely missed) Weekend Records and Soap in Wicker Park, a short walk from my pad down Division. I’d gotten increasingly into the more minimalist stuff coming out of Berlin and Koln (how, I don’t really recall, though I’m sure the less-austere Warp scene was somewhat of a gateway drug), and the location of Jim’s shop meant I could find stuff easily without having to run over to the always-annoying Clark Street corridor of Lincoln Park. Again, I don’t really recall, but I somehow got wind of what Thomas Brinkmann was doing, perhaps because it was similar — though different — from a lot of the other Profan/Studio 1/Kompakt axis (er…) around Mike Ink.

What I heard of Brinkmann was compelling, hard yet super-minimal techno of a sort that (at the time) wouldn’t have gone over at Chicago’s dance clubs AT ALL (indeed, the everything-but-the-kitchen-sink nights that Brandon Goodall, Greg Davis and occasionally Kevin Drumm and I’d do around town weren’t well received — and we were far more accessible despite eclecticism than the minimalist stuff), and I was intrigued. Jim would stock EVERYTHING in Weekend, and within the limits of what I could spend, I’d buy pretty much all of it. So imagine my surprise when, after far more straightforward “first-name” 12″s and Studio One releases, Brinkmann releases the Klick 12″ (to be fair he also released more abstract-y Esther Brinkmann stuff, but that was harder to find), followed by the Klick full-length. The methodology behind this new phase was simply described:

10 tracks made with two decks, an isolator, a mixer and some with a tc multieffect. About 15 endless groves, cut with a knife in the last groove of vinyl records, some voices from records as well, and feedbacks are the sound sources. The loops are cut between 1978 and 2000 like the one on Suppose 08 (Feran Loop).

But what I’m hearing is a crazy amount of variation (that word again) on the theme of music-as-recording, a sort of meta-statement about the seeming finality of vinyl being a starting point for a new music. Yeah, yeah, sampling has been a part of music long before Brinkmann (even John Cage fooled around with turntables), but there was something about this record, coming from the context of the Berlin techno scene, that really was something special. And it’s also fun to guess a little bit as to where and what specific contexts it comes from. That is, the rhythms of these pieces get stuck in your brain almost like “regular” pop music (indeed, for some reason the sixth track “0110″ reminds me of Can’s “I Want More”).

Download Klick here for a limited time.

Also, please send comments to hstencil at yahoo dot com, these comment boxes are busted.