John Carpenter está considerado a día de hoy como uno de los mejores directores de terror y suspense. Su estilo se caracteriza por la importancia que da al desarrollo de sus personajes y al componente crítico hacia la sociedad que se desprende en muchas de sus historias por muy desviadas de la realidad que estén. Es el director de la película de culto La Cosa (1982), a día de hoy considerada como una de las mejores películas de terror de la historia. Junto a la actriz Jamie Lee Curtis creó la conocida saga de terror Halloween, una de las más importantes y que inauguró el género slasher. Con otro de sus actores fetiches, Kurt Russell, dio lugar a uno de los personajes más carismáticos de la historia del cine, el anithéroe Serpiente Plissken en las películas 1997: Rescate en Nueva York (1981) y 2001: Rescate en Los Ángeles. Su última gran obra maestra en el género del terror fue En la Boca del Miedo (1994), prueba de que el buen cine de terror puede fascinar también a los adultos. Abordó otros géneros como el policíaco en Asalto a la Comisaría del Distrito 13 (1976), que era una revisión del mítico western Río Bravo de Howard Hawks, y también la comedia en la divertida Golpe en la Pequeña China (1986), de nuevo junto a Kurt Russell, o incluso el drama en Starman (1984). Actualmente, se encuentra trabajando en la post-producción de su nueva película: The Ward.(extraído de su perfil en Imdb)

Hoy, cine de mierda.

“Si La Cosa Funciona” (2009) por Woody Allen.

“Si La Cosa Funciona” es, sin duda alguna, la mejor película de Woody Allen en muchos años. Claro está, que lo mismo les sucede a las tres anteriores y también son unos truños de mucho cuidado.

Encontramos en SLCF los mismos diálogos ingeniosos, los mismos fogonazos de genio, los mismos personajes entrañablemente neuróticos, las mismas situaciones cotidianas con un brillo de magia. El gran problema es que los diálogos no son tan ingeniosos, los fogonazos son chispas aisladas en un mar de aburrimiento, ver a Larry David haciendo de Woody Allen choca menos que ver a Leo Di Caprio pero sigue siendo Larry David haciendo de Woody Allen y las situaciones ya empiezan a cansar.

Un brillo justito en el guión y unos recursos que ya han sido utilizados con anterioridad no evitan el bostezo, el hastío y el desinterés en el espectador. Lo verdaderamente preocupante del asunto, no obstante, es la obstinación en un positivismo sin sentido y la reciente obsesión (¡una más!) del director por las actrices jóvenes rubias y buenorras y las escenas de sexo en grupo. Tal vez esté tratando de enviarle un mensaje subliminal a Soon Yi, quién sabe.

Ahorren su tiempo, ahorren su dinero, ahorren su bando de ancha, ahorren su amor e inviértanlo en mi.

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En otro orden de cosas, la Reina Zombie cumple años hoy, con lo que le rendimos debido homenaje. Long Life The Zombie Queen!.

Este fin de semana me he vuelto a enamorar. Una vez más. Y las que me quedan.

Número de familiares en el extranjero: 1. Tal vez te llame hoy…

E via con il puntuale appuntamento del mercoledì. Latveria meets dISPENSER, (Radio rai 2. Lu – Ve. 23,00 – 00,00). Il nostro fine dicitore è quell’elegante del Costantino della Gherardesca che, dopo questa performance, pare sia stata chiamato al prossimo Festival di Mantova per leggere tutti, ma propri tutti, i libri che verranno presentati.

ALICIA MASTERS

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I supereroi esistono principalmente per due ragioni. La prima: difendere il mondo dai terribili piani di morte e distruzione dei cattivi. La seconda: trarre in salvo belle ragazze bionde e indifese. Alicia Masters è forse il più classico esempio di fragile donzella in pericolo. Cresciuta insieme al patrigno Philipp Masters, fugge da lui quando scopre che quest’ultimo è in realtà il supercriminale meglio noto come il Burattinaio. È sempre lui il responsabile del tragico incidente che cambia per sempre la vita di Alicia: a causa di un esplosione di materiale radioattivo, la giovane perde infatti la vista. Fortunatamente per lei però, la Natura – oltre ai capelli biondi e gli occhioni da cerbiatta – le ha donato un senso del tatto incredibilmente sviluppato e una memoria fotografica. Grazie a questa particolarità, la timida biondina diventa una scultrice di fama mondiale ambita dalle gallerie d’arte di tutto il mondo. I soggetti delle sue opere sono – inutile dirlo – i supereroi. Per lei è facile: le basta toccare il viso di qualcuno per averlo indelebilmente impresso nella mente. Non solo: sempre grazie a questo fugace contatto fisico, Alicia instaura un rapporto più profondo con il suo modello. Potremmo quasi dire che ne “vede” la personalità e ne “percepisce” l’anima. Sarà proprio questa sua seconda “vista” a farla innamorare dell’eroe dall’aspetto più spaventoso di tutti: Ben Grimm, ovvero La Cosa dei Fantastici 4. Il loro amore durerà fino a quando La Cosa non la abbandonerà per rimanere su un pianeta alieno nel disperato tentativo – ovviamente fallito – di riacquistare la sua forma umana. Una volta tornato sulla Terra, troverà Alicia in procinto di sposarsi con il suo compagno d’avventura, la Torcia Umana. Bionda, indifesa, buona ma anche un po’ stronza.

La cosa. Luisa Valenzuela (Micro-cuento)
Él, que pasaremos a llamar sujeto, y quien estas líneas escribe (perteneciente al sexo femenino) que como es natural llamaremos el objeto, se encontraron una noche cualquiera y así empezó la cosa. Por un lado porque la noche es ideal para comienzos y por otro porque la cosa siempre flota en el aire y basta que dos miradas se crucen para que el puente sea tendido y los abismos franqueados.
Había un mundo de gente pero ella descubrió esos ojos azules que quizá –con un poco de suerte- se detenían en ella. Ojos radiantes, ojos como alfileres que la clavaron contra la pared y la hicieron objeto –objeto de palabras abusivas, objeto del comentario crítico de los otros que notaron la velocidad con la que aceptó al desconocido. Fue ella un objeto que no objetó para nada, hay que reconocerlo, hasta el punto que pocas horas más tarde estaba en la horizontal permitiendo que la metáfora se hiciera carne en ella. Carne dentro de su carne, lo de siempre.
La cosa empezó a funcionar con el movimiento de vaivén del sujeto que era de lo más proclive. El objeto asumió de inmediato –casi instantáneamente- la inobjetable actitud mal llamada pasiva que resulta ser de lo más activa, recibiente. Deslizamiento de sujeto y objeto en el mismo sentido, confundidos si se nos permite la paradoja.

Visión de reojo.
La verdá, la verdá, me plantó la mano en el culo y yo estaba a punto de pegarle cuatro gritos cuando el colectivo pasó delante de una iglesia y lo vi persignarse. Buen muchacho después de todo, me dije. Quizá no lo esté haciendo a propósito o quizá su mano derecha ignore lo que su izquierda hace o. Traté de correrme al interior del coche –porque una cosa es justificar y otra muy distinta dejarse manosear- pero cada vez subían más pasajeros y no había forma. Mis esguinces sólo sirvieron para que él meta mejor la mano y hasta me acaricie. Yo me movía nerviosa. Él también. Pasamos frente a otra iglesia pero ni se dio cuenta y se llevó la mano a la cara sólo para secarse el sudor. Yo lo empecé a mirar de reojo haciéndome la disimulada, no fuera a creer que me estaba gustando. Imposible correrme y eso que me sacudía. Decidí entonces tomarme la revancha y a mi vez le planté la mano en el culo a él. Pocas cuadras después una oleada de gente me sacó de su lado a empujones. Los que bajaban me arrancaron del colectivo y ahora lamento haberlo perdido así de golpe porque en su billetera sólo había 7400 pesos de los viejos y más hubiera podido sacarle en un encuentro a solas. Parecía cariñoso. Y muy desprendido.

“Una advertencia: decidle al mundo entero, vigilad el cielo, no os descuidéis, vigilad, seguid vigilando el cielo”
Scotty, “El enigma… de otro mundo” 1951.

“Nadie confía en nadie y todos estamos agotados. No puedo hacer nada más, sólo esperar. Mc Ready. Piloto. Puesto fronterizo número 31”.
Mc Ready, “La cosa” 1982

Con estos dos diálogos quiero poner de relieve lo distintas que son entre sí estas dos adaptaciones de la novela “Who goes there?”, que podríamos traducir como ¿quién va?, escrita por el padre de la ciencia ficción moderna John W. Campbell Jr.  La primera fue realizada por Christian Nyby y producida por Howard Hawks para la RKO Pictures. La segunda, dirigida por John Carpenter y producida por el famoso tandem de los ochenta Lawrence Turman y David Foster, ¡qué grandes películas nos dio!, en compañía de Larry J. Franco, Stuart Cohen y Wilbur Stark para Universal Pictures.

LA VERSIÓN DE 1951

 Contexto historico y social:
Esta película al igual que otras producciones de serie B del momento, realizadas con escasos recursos pero con guiones muy sólidos como por ejemplo, la primera versión de “La invasión de los ladrones de cuerpos” de Don Siegel o “Them!” de Gordon Douglas, pertenece a la corriente de largometrajes de género que se hicieron dentro de “la guerra fría” que mantuvieron norteamericanos y rusos hasta la caída del muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989 y también dentro del pánico atómico que nació tras el bombardeo del 6 de agosto de 1945 sobre la ciudad de Hiroshima. En 1951 Estados Unidos y la Unión Soviética están dentro de la mayor contienda propagandística, la carrera espacial.

Pero no hay que olvidar la caza la brujas promovida por el senador republicano Joseph Raymond McCarthy, que creo el Comité de Actividades Antiamericanas. En febrero de 1950 lanzó una acusación pública contra 205 supuestos comunistas infiltrados en el Departamento de Estado. El macarthismo fue símbolo de la feroz persecución anticomunista que sufrió la comunidad intelectual norteamericana desde 1950 hasta alrededor de 1956, ya que en 1957 dejó su cargo. Fue una lucha ideológica contra lo que se llamó el peligro rojo, el comunismo. Y que se verá reflejada en mayor o menor medida en estas cintas de ciencia ficción.

 El guión
Charles Lederer se encargó de adaptar el libro a la gran pantalla en este caso, aunque según IMDB, Hawks también participó de forma no acreditada en las labores de guión y dirección. No por ello deja de ser un producto muy curioso. Podemos ver como entre las situaciones más terroríficas como las del acecho del extraterrestre o las de sus posteriores intentos de caza, se intercalan otras con un carácter más humorístico, en el caso del periodista Scotty posee un carácter más cínico, y en el de McFerson y Eddie que se basan más en los juegos de palabras.

Además serán ellos los que dimensionen el grado de camaradería que existe entre ellos y el capitán Patrick Hendry. Pero también hay otras más románticas, en esta línea argumental es importante el personaje de Nikki, la secretaria del doctor Carringhton, que posee una historia de amor con el Patt.

La línea argumental de base enfrenta a dos comunidades la científica y la militar, encarnadas en el doctor Carrington y el capitan Patrick Hendry. El primero es famoso por haber obtenido el premio Nobel de ciencia y haber participado en los experimentos del atolón de Bikini. Pat por su parte es famoso por su camaradería, compañerismo, siempre buscando el bien común, defendiendo a todos los que están bajo su mando. Es divertido y fiel. Mientras que para el científico este encuentro es un momento fascinante y quieren realizar contacto, compartir conocimiento.

Los aspectos argumentales más relacionados con la carrera espacial los encontramos en los diálogos de la secuencia en la que el doctor Carrington les cuenta que ha caído un avión, y Patt plantea la posibilidad de que sean los rusos, si su tecnología puede estar tan avanzada. Por lo tanto no es descabellado concluir que la tesis del film es muy macartista y conservadora. Que denosta la ciencia y el mundo intelectual. Pero que posee momentos muy brillantes como cuando todos están sobre el hielo y tratan de determinar la forma y el tamaño. A muchos en su momento esta secuencia les tuvo que parecer terrorífica.

El alienígena
Se trata de un claro exponente de una raza invasora. El papel recayó en el actor James Arness, posee un aspecto visual muy antropomórfico, muy típico de las producciones de esta época, y cercano a la figura de Frankenstein interpretado por Boris Karloff en algunos aspectos visuales, como su comportamiento y forma de andar. Aunque existen diferencias, porque nos cuentan que sus células son como las de una planta o árbol. Por eso dispararle balas carece del menor sentido, por eso tratan de exterminarlo por otras vías. Pero lo más curioso es lo emparentado que está con otro hito del terror del momento, hablo de “Drácula” de Tod Browning, ya que se alimenta de sangre. Eso le daba un carácter feroz.

El aspecto más espeluznante del film es cuando el doctor planta las esporas obtenidas de la mano del alienígena y surgen plantas que son alimentadas con plasma fresco. Y es aquí donde conecta esta cinta con el posterior clásico de 1956, “La invasión de los ladrones de cuerpos”, los alienígenas son plantas que surgen de unas vainas. Como dice el doctor Carrington al carecer de corazón, carecen de emociones y eso hace que su raza sea superior a la nuestra. Y cuando parece que la trama se pone apocalíptica, en la secuencia en la que los científicos empiezan a plantear hipótesis sobre velocidad de reproducción, podemos ver que sólo es con el fin de justificar que hay que exterminar al alienígena, quedando claro que los guionistas no buscan explorar esta vía.

Otras curiosidades
En cuanto a Christian Nyby había ejercido con anterioridad a este film como montador en otros largometrajes de Howard Hawks como “Tener o no tener” de 1944 o “El sueño eterno” de 1946. Pero su carrera acabó en el mundo catódico haciendo capítulos para series de la talla de “El fugitivo”, “Kojak” o “Las calles de San Francisco”.

LA VERSIÓN DE 1982

Introducción
En el otoño de 1982 llegó a las pantallas españolas esta gran versión sobre el clásico de Nyby, porque pese a lo que pese, como tal hay que tratarlo. El lanzamiento de la versión de John Carpenter se vio un tanto eclipsado, tal y como le pasó a “Blade Runner”, por una visión más amable de los alienígenas procedentes del espacio exterior, hablo de “E.T.: El extraterrestre” de Steven Spielberg, película de ciencia ficción de tintes más infantiles y familiares, se convirtió automáticamente en el fenómeno cinematográfico del año batiendo todos los récords mundiales de recaudación, y consagró a su director. El largometraje fue denostado e incomprendido en su momento, tanto por crítica y público, pero con el tiempo ha convertido en todo un fenómeno de culto, y que ahora vamos a analizar.

Antecedentes:
El proyecto inicialmente estuvo en manos de Tobe Hooper y Kim Henkel, pero quedó en un cajón de la Universal hasta que tras el inesperado éxito de “Alien”, decidieran los directivos desempolvar el proyecto, y Carpenter fue el director finalmente escogido tras cosechar un enorme éxito con “Halloween”, cuando le pidieron los directivos de la productora que si se hacía cargo de hacer una nueva versión, este se hallaba inmerso en la postproducción de “La niebla”.

El contexto histórico y social
Este largometraje está claramente marcado por una enfermedad, el SIDA, que se reconoció oficialmente el 5 de junio de 1981, cuando el Center for Disease Control and Prevention (Centro para la prevención y control de enfermedades) de Atlanta (Estados Unidos) convocó una conferencia de prensa donde describió cinco casos de neumonía por Pneumocystis carinii en la ciudad de Los Ángeles. En cuestión de meses gran parte de la comunidad cinematográfica de la costa oeste de Estados Unidos quedó arrasada por este virus, y tenía alarmada a toda la población, más a los grupos de riesgo, que por aquel entonces eran homosexuales, adictos a drogas por vía parenteral y hemofílicos. Además, la URSS lanza la estación espacial MIR al espacio.

Los aciertos de un gran guión
El productor y actor Bill Lancaster, hijo del genial Burt Lancaster y que le perdimos a la temprana edad de 50 años de un infarto de miocardio, firma un guión que según algunos autores es más fiel al relato original y nos llevará hasta los lejanos parajes de la Antártida, a diferencia de su predecesora que está situada en Ancorage, Alaska.  Con una espectacular escena de persecución en la que un helicóptero quiere dar caza a un perro. De  este modo nos adentra en un paraje inóspito y en una trama de aires gélidos y apocalípticos, en la que el espectador desde el primer minuto sabe que no podrá hacer nada, y nadie les puede ayudar.

Este libreto hay que leerlo en claves sociales y no políticas. Se aleja de las claves típicas que son sello de identidad del realizador Howard Hawks, tales como, la camaradería, los elementos desdramatizadotes como los personajes graciosos, los flirteos entre adultos; abandonando por completo también a los militares salvadores y las tesis macartistas conservadoras de la versión original. El gran acierto del guionista es centrar todo el relato en una historia de terror de tintes apocalípticos, donde los conflictos sociales y sanitarios sean todo nuestro foco de atención.

Esta expedición científica integrada por doce miembros no deja de ser una representación de la sociedad norteamericana del momento. Y es aquí donde este film entronca con un hito predecesor, hablo de “ALIEN, el octavo pasajero”. Así por ejemplo Nauls y Childs, son los dos únicos miembros de raza negra en la expedición científica, y poseen las profesiones que nadie quiere: cocinero y mecánico. Además, les aplica todos los estereotipos posibles, van sobre patines, poseen un lenguaje soez, escuchan música disco. 

T.K. Carter es Nauls

Keith David es Childs

El resto de los miembros que integran este equipo son blancos y tenemos a dos pilotos (Mc Ready y Palmer), radio operador (Windows), un médico (Cooper), biólogo (Blair), asistente del biólogo (Fuchs), el perrero (Clark), geólogo (Norris), meteorólogo (Bennings) y Garry que está al mando de toda la estación. No existe cohesión entre ellos, así las disputas raciales se dejan ver a lo largo de todo el metraje, por ejemplo en la secuencia en la que Garry cede el mando de la estación y Childs trata de hacerse con él, pero el resto de los miembros prefieren a Mc Ready, es más el llega a decir que hay que tener un carácter más templado para ser líder. 

Kurt Russell es Mc Ready

Wilford Brimley es Blair

David Clennon es Palmer

Charles Hallahan es Norris

Richard Masur es Clark

Richard Dysart es Cooper

Thomas G. Waites es Windows

Peter Maloney es Bennings

Joel Polis es Fuchs

Donald Moffat es Garry

El segundo acierto es explorar lo que nos incomunica como individuos sociales, me refiero al lenguaje, al idioma. Eso nos puede aislar, y en el film hasta matar. Eso lo apreciamos muy bien en la secuencia del piloto noruego que quiere matar al perro al inicio del film. Posee unas líneas de diálogo muy bien declamadas, porque le da un aire absolutamente apocalíptico y desquiciado, a pesar de que no le comprendes ni una sola palabra, sabes como espectador qué dice y qué pasa por su mente. Llegados a este punto, es de ley decir que este personaje está interpretado por Larry Franco, uno de los productores de la cinta y primer ayudante de dirección. Aquí además se sirve de los estereotipos, ya que el perro es el mejor amigo del hombre, y como un animal tan bello va a ser un ser tan vil que merezca morir a sangre fría y a balazos.

Larry J. Franco haciendo de científico noruego desquiciado

Lancaster acertadamente bucea en los aspectos más psicológicos del drama, que todo sea dicho están muy bien trabajados, y de forma paralela al desarrollo de la acción busca o indaga en aquellos elementos que nos hacen ser más humanos, por ejemplo, las adicciones (marihuana, alcohol), la vehemencia en el carácter o las pulsiones, el espectador a medida que avanza el metraje verá como estas cualidades irán despareciendo de los personajes, y así podremos ir detectando quién es humano todavía y quién ha sido asimilado.

Hay que fijarse en detalles como los canutos, las botellas de vodka o whiskey, la secuencia de la partida de ajedrez, etc. Además, explora la idea del individualismo, que se supone que nos hace más humanos y marca la diferencia entre unos y otros, frente al colectivo y la masa, tesis apoyada en “La invasión de los ultracuerpos”. Pero en “La cosa” les lleva a la perdición, porque es ahí donde arraiga el valor de la desconfianza, y eso les llevará a la destrucción. Desconfianza que nos rodea en nuestro día a día. ¿En quién confiáis? Por eso es tan vigente la trama del film.

Dentro de las emociones bucea en el miedo, así veremos que transforma a algunos de los miembros del equipo en seres más mezquinos, mientras que otros optan ante esta emoción por el suicidio como salida. Donde la timidez o el no ser tan extrovertido como el resto de miembros de la expedición te lleva a la muerte como le pasa a Clark y convierte a una buena persona, Mc Ready en asesino, porque piensa que está matando al extraterrestre sólo porque no muestra sus sentimientos en momentos de gran tensión.

Y termina de tensar esta línea del guión cuando juega con la necesidad del individuo por socializarse, tras el encierro de Cooper en el cuarto de las herramientas, y todas sus secuencias a partir de ahí juegan con el suicidio (la soga que vemos colgada dentro del encuadre) y con la idea de que él alberga en su interior el extraterrestre y necesita socializarse para seguir asimilando individuos, es así como llegamos al tercer gran logro, y lo que la hace verdaderamente terrorífica, la idea del contagio.

La forma de vida alienígena sobrevive no parasitando otras, sino que las asimila. Es aquí donde el guionista trabaja sobre la idea del contagio sanguíneo, para llevarlo al paroxismo en la magnifica y muy recordada secuencia en la que todos los miembros de la estación se someten a la particular prueba sanguínea. Ahí es donde explora los temores a dar positivo, y desvelar que tu eres uno de ellos, un alienígena.

Así se aleja por completo de utilizar el camino ya andado por Scott en Alien, sobre la idea del intruso, y centrar aquí todo el núcleo fuerte de la trama. Y generando un final antológico, de los más apocalípticos que se habían visto hasta el momento, el último que recuerdo cronológicamente de la misma talla es “La invasión de los ultracuerpos” de Phillip Kauffman de 1978. Este final está protagonizado por Mc Ready y Childs, uno frente al otro, pasándose la botella de J&B, teniendo como telón de fondo la estación completamente destruida mirándose, y preguntándose que hacen ahora, y Mc Ready le contesta tan sólo podemos esperar, y cierne la duda sobre el personaje de Childs ¿estará contagiado?

Lancaster acierta una vez más al transformar el relato en un thriller al uso, en una novela de misterio como por ejemplo “Los diez negritos” de Agatha Christie, así Mc Ready no deja de ser una suerte de Hércules Poirot, que juega a averiguar ¿quién es quién? y va tras la pista del alienígena que se esconde, que por supuesto le va tendiendo toda suerte de trampas, y ha de ir solventándolas con mucha imaginación, y a veces usando la fuerza, como por ejemplo la escena de la dinamita. Y me recordó mucho a ese relato de la famosa escritora británica en la medida que los personajes van muriendo de uno en uno. Hasta que sólo quedan dos, curiosamente el investigador y el asesino.

El fuego es, una vez más, un elemento importante al igual que en “El enigma … de otro mundo”, será el método elegido para destruir al alienígena, no porque sea una planta como en el original, sino porque no deja rastros y es un elemento purificador.

Objetivo: aterrorizar al espectador
Para ello el astuto Carpenter juega por un lado con el fuera de campo, lo que no te muestra, ahí vuelve a entroncar con “Alien” ya que nuca vemos por completo al extraterrestre, y sobre todo porque no tiene una forma definida. Es aquí donde hay que destacar la labor de Rob Bottin, que crea una criatura extraña, informe pero a la vez reconocible, y se agradece que se aleje de las figuras antropomórficas tan típicas de este género, y que se aleje por completo de la imaginería del film de Nyby. Otro ejemplo lo encontramos en la escena de Bennings en el almacen.

Otra de los grandes aciertos es el sonido, poniendo planos con muy pocos elementos, pero que con el sonido incrementa la tensión y exacerba la imaginación del espectador. El gran ejemplo es la secuencia de la perrera, es más lo que se oye que lo que se ve. Pero el resultado obtenido es tensión máxima.

El tercer mecanismo, que la hace heredera del momento en el que surgió, son las pinceladas gore con las que Carpenter salpica el metraje. Están bien usadas, porque realza la trama y están plenamente justificadas, como por ejemplo en la secuencia de la autopsia realizada por el doctor Cooper.

Y la última herramienta usada es, y obviamente la más explotada por Alfred Hitchcock, esconder algo, quién, al verdadero motor de la trama a la bestia llegada del espacio en seres reconocibles y amistosos, empezando por el perro y pasando luego por los miembros más venerables y cándidos de la expedición, el científico mayor y el veterinario.

La puesta en escena:
La apuesta del director es fuerte, alejándose de ambientes familiares y cálidos. Así que se traslada a las antípodas y realiza una puesta en escena sobria, minimalista y gélida. Pero también se pueden apreciar pinceladas expresionistas, como en la secuencia en la que el perro va eligiendo cuarto y encuentra el de Palmer abierto y vemos como se aproxima a él jugando con las sombras.

Y es en la planificación y en la explotación de los recursos, como por ejemplo la escena en la que Bennings es incinerado en el exterior de la base, en la que dispone a los actores en círculo en torno a la figura en llamas, creando una magnífica metáfora en la que podemos entender que el aliengena ha roto el círculo de confianza y está entre ellos, es uno más, en donde apreciamos el oficio de este gran director.

Un trabajo artesanal

 Este film está realizado en una época donde no se hacían las películas por ordenador. Donde los creadores jugaban con la imaginación del espectador, haciendo sus productos más interesantes. Así, nuestro particular alienígena está realizado con animatronics y es más real, que si lo hubieran hecho por ordenador, nos tratan de vender que es mejor, lo cierto es que sale más barato, pero no es mejor, y encima gana en verosimilitud. El gran merito en este campo se lo debe llevar Rob Bottin, pero Stan Winston también merece ser mencionado por su gran labor desarrollada en la escena de la perrera realizada a petición de Bottin.

Estando estos a la altura del que sin duda podemos decir que es el gran mago, hablo del rey de las pinturas mate, no es otro que el gran Albert Whitlock, que recibió el Oscar en 1974 por las 70 pinturas realizadas para el film de catástrofes “Terremoto”. Este artesano puede jactarse de haber trabajado con los grandes desde David Lynch al mago del suspense, Alfred Hitchcock. Pero siempre nos quedará su enorme talento, en dos escenas del film podemos ver las claves de su enorme trabajo, de su maestría en una técnica que parece desaparecer con la llegada de la era del ordenador, y la aportación a la industria del trucaje; no son otros que manejar de forma correcta la paleta de colores, determinar que tono se desea, la luz que es necesaria, y sobre todo saber colocar de forma correcta a los objetos y los personajes en el lugar preciso. Esto que puede parece una afirmación simple, es más compleja de lo que parece, porque requiere ir más allá del trabajo en dos dimensiones, que es en lo que consiste un dibujo, para tener claramente definido en la mente el resultado en tres dimensiones, y verlo proyectado en una pantalla otra vez en dos dimensiones pero con perspectiva. Y no cabe la menor duda de que también requiere una gran coordinación con el director de fotografía, en este caso se trataba de Dean Cundey, porque los de cómo rodara a los elementos sobre la pantalla azul determinaría el resultado total sobre el mate. Para que os quede claro ásí funciona este tipo de trucaje.

La banda sonora:
Firmada por Ennio Morricone es un tanto bipolar, ya que oscila entre los acordes minimalistas generados con el sintetizador, con clara influencia del Carpenter más cercano a “Halloween”, y los acordes más clásicos generados con instrumentos de cuerda como el violín, acompañados de grandes orquestaciones, como los que se pueden escuchar en el momento en el que descubren la nave.

Paralelismos y homenajes:
Es innegable que existen ciertos paralelismos en la planificación de algunas escenas o planos, en este caso se trata de un gran homenaje porque las tramas son paralelas y sólo poseen un nexo común que es la figura del invasor, que va desde los rótulos de crédito iniciales

pasando por el inicio del film…

o la mostrarnos el lecho donde yace el extraterrestre…

 o el intento fallido de exterminar al alienígena

Incluso en la escena que podemos ver en el monitor de vídeo cómo el equipo de noruegos da forma a la nave enterrada en el hielo, que nos traslada a cómo resuelve Nyby el problema de dimensionar el tamaño y la forma de la nave. Así queda claro que no es un avión, y obviamente no realiza ningún ejercicio de metáfora con la figura obtenida.

Pero Carpenter homenajea a otros clásicos del género, como por ejemplo “La invasión de los ultracuerpos” de Kauffman cuando Bennings es asimilado por el extraterrestre, y cuando es destruido en el hielo, ahí hasta el técnico de sonido homenajea ese película al ponerle un grito muy parecido a que daban los ultracuerpos al reconocer a un humano.

En tercer lugar a “Alien” con el tratamiento que le da a los personajes de Palmer y Nauls, que son como Parker y Brett.

John Romita Jr. è figlio (John Romita Sr.) di uno dei disegnatori di Spider Man più conosciuti e riconosciuti nel tratto e nella sensibilità con cui ha saputo realizzare e far vivere il nostro affezionatissimo ragno di quartiere sulle pagine dei comics.

John Romita Jr. è un artista che con Spidey ha ancora a che fare perché da anni lo disegna, da anni ne conosce i più intimi segreti e i problemi più profondi, uno dei pochi che ci puoi realmente parlare del futuro di questo supereroe che in Italia festeggia il suo numero 500 con un’edizione speciale della Panini.

Dopo trent’anni di carriera, a Roma, mi trovo davanti un vero e proprio mito che scherza sul fatto di essere famoso, racconta il suo modo di concepire l’arte e il lavoro, ci parla delle sue origini ma soprattutto dichiara tutto il suo amore per un padre incredibilie e una famiglia per la quale si muove tutta la sua vita.

Benvenuti nel fumetto inedito della storia dello Stupefacente John Romita Jr.

Quanto leghi la parola eredità al tuo Jr.?

E’ una parola molto importante, doppiamente legata a me come artista e come figlio di un grande arista.
La cosa meravigliosa tra me e l’eredità che ho ricevuto, tra me e mio padre è che non c’è mai stata un’imposizione, mai un conflitto, uno scontro.
Per me è sempre stato solo un meraviglioso rapporto tra padre e figlio. Semplicemente questo. Non ho vissuto nessun tipo di costrizione grazie al tesoro che mio padre ha fatto della sua esperienza. Mio nonno (originario di Bari dove costruiva le bare) infatti era un uomo duro, concreto, che ha cresciuto il figlio con un regime molto autoritario. Una mentalità che neanche lontanamente pensava all’arte che si è ritrovata con un figlio che dal nulla ha dimostrato di viverne. Un talento naturale che è spuntato fuori così!
La vena artistica di mio padre era mal vista, come una “stranezza”. Ecco io sono cresciuto completamente distante da tutto ciò, grazie alla profonda intelligenza e sensibilità di un uomo che continuava a dirmi che mi avrebbe aiutato in qualsiasi modo, che mi avrebbe consigliato sempre, solo se lo avessi chiesto. “Chiedimi figliolo e io ti dirò tutto quello che vuoi sapere, ma da me non avrai nulla che possa influenzarti in qualche modo a fare questo lavoro o ad avvicinarti all’arte” continuava a ripetermi. La cosa fu semplice: iniziai ad osservarlo e a chiedere.
Lui si è sempre rifiutato di trattarmi come è stato trattato.

Quali sono gli artisti che al tempo ti hanno influenzato e quelli che continui ad ammirare anche grazie al modo in cui hanno rotto le regole?

Sono cresciuto osservando opere italiane, francesi. Amo gli impressionisti, Matisse. Tra gli illustratori Gibson, J.C. Leyendecker e molti altri che avevo in un grande libro di cui non ricordo il nome e che sfogliavo continuamente.
Tra i cartoonist mio padre, John Buscema e Jack Kirby. Per quello che riguarda la mia professione sono loro tre i nomi più importanti, le influenze più grandi e i maestri da cui imparare. Hanno avuto la capacità di raccontare le storie, di dare un taglio quasi cinematografico alle sequenze sapendole immaginare nella loro testa con la stessa precisione con cui poi l’hanno disegnate.
Forti di una espressività narrativa innaturale.

E come vedi l’influenza di un giovane talento, negli anni 90 soprattutto, come Rob Liefield nello sviluppo del disegno e dell’attitudine a questo?

Agli inizi degli anni novanta ha influenzato moltissimo i giovani che si stavano avvicinando al nostro lavoro con il suo tratto caratteristico, irriverente e la sua età. Io però non sono d’accordo su una cosa, pur rispettando Rob e la sua arte, un artista (soprattutto se giovane) deve formarsi con i grandi maestri, con la grande arte come dicevo anche all’inizio e non da altri esordienti.
Mio padre mi ha fatto studiare al College insistendo molto sulla mia educazione scolastica, ripetendomi che prima sarei dovuto diventare un artista e poi un cartoonist. Mio fratello ed io siamo delle buone persone grazie ai grandi insegnamenti di mio padre e grazie al suo amore smisurato…naturalmente anche grazie alla mamma! (ride).

Come definisci il tuo lavoro in tre aggettivi da quando hai iniziato ad oggi?

Wow, sono trent’anni… ho un po’ di tempo??? Nei primi vent’anni: veloce, attento, sopravvivente. Negli ultimi dieci invece ho semplicemente imparato come imparare. Dai miei errori del passato, dai miei successi e c’è ancora così tanto da imparare. Se penso di non aver più niente da imparare penso che sia finita è come per i musicisti: più pratica fai più cresci.
In tre aggettivi oggi? Pieno di pensieri, medio… figo.
Mio padre poi mi ha sempre detto che se anche penso di essere bravo è meglio non dirlo, perché significa che sono quasi arrivato, che non ho più niente da imparare e che mi manca quella modestia per andare avanti. Per questo ha sempre consigliato di dire e pensare che sono nella media, in un livello “giusto”, così da non cadere anche nella trappola dell’ego e finiva dicendomi “Ricorda che ci sarà sempre uno più forte, più in gamba e bravo di te”.

Cosa pensi quando finisci un tuo lavoro e lo consegni?

Pwee… un’altra fatta!!! È un lavoro davvero molto duro, fatto di lunghe ore di concentrazione, meticolosità, attenzione. Difficilmente si fa questo mestiere per anni e infatti molti nel mio ambiente preferiscono farlo per un periodo, guadagnando molto così da godersi il frutto di tanta fatica. Altri diventano pieni di sé e si lanciano in progetti assurdi. Molti, semplicemente impazziscono! (ride).

Agli inizi gli eroi si scontravano con super criminali lontani dalla nostra realtà l’unico problema era sconfiggere un nemico con un costume colorato e dei super poteri. Poi è arrivata la droga, l’alcolismo, la prostituzione, le guerre e gli eroi hanno cambiato il loro sguardo. Cosa è successo?

Eccellente domanda. Stan Lee è stato tra i primi a bilanciare fantasia e realtà e credo che la risposta sia proprio qui, in questa capacità. Questa è la vera ricchezza di un fumetto.
Molti preferiscono creare scenari fantascientifici, lontani dal reale, allontanando troppo il lettore dalla storia perché manca un legame concreto. Altri hanno invece hanno realizzato personaggi molto drammatici che però, non hanno più permesso di far godere l’aspetto fantastico del comics.
Spider man ha molto successo per questa sua dimensione equilibrata: Peter è un ragazzo qualsiasi, un newyorkese che tutti i giorni fa i conti con i problemi più umani, ritrovandosi però poi a fronteggiare minacce sensazionali.
Un nome, secondo me, che è riuscito a coniugare fantasia e realtà in maniera stupefacente, è Neil Gaiman.

Ma chi è oggi il nemico? E in un certo senso anche il “nostro” nemico?

I cattivi sono una rappresentazione ingigantita, ma neanche tanto, della corruzione umana. Kingpin ne è l’esempio calzante: avido, infido, crudele, vuole soltanto possedere e dominare. I problemi reali vengono spesso calati nei personaggi dei fumetti: ad esempio l’antisemitismo che subiva da ragazzo Stan Lee, sono stati riportati ne Gli Incredibili X-Men. Mutanti, emarginati, diversi che decidono comunque di proteggere gli umani.
Ecco, tutto viene riversato nelle storie per poter essere anche affrontato, denunciato in un certo modo, reso comprensibile anche dai più giovani.

L’uomo ragno nasce dalla frase “Da grandi poteri derivano grandi responsabilità”… quali sono i tuoi poteri e la tua responsabilità.

Il mio potere? Avere pazienza. La mia responsabilità? Avere più pazienza.

Chi senti più vicino tra Peter Parker e l’Uomo Ragno?

Ogni padre, ogni figlio, ogni famiglia è un supereroe. Anche io ho una doppia vita: sul lavoro sono come Peter, alla presa con i problemi quotidiani, ma è con la mia famiglia che divento Spider man e uso i miei poteri per proteggerli, sostenerli.

Spider man è famoso per le sue battute, per l’umorismo che scaglia contro i nemici durante i combattimenti: quanta ironia c’è nella tua vita?

L’ironia la ritrovo nella mia insicurezza che fa capolino nella mia vita, nella mia carriera. Ci sono stati momenti e ci sono tutt’ora dei momenti in cui sono stato colto da questo sentimento. Una cosa di cui non ho parlato mai con mio padre perché si sarebbe arrabbiato da morire come fa la moglie quando capita. Non è un retaggio paterno, ma semplicemente a volte mi sento così e lo trovo ironico visto quello che faccio.

Qual è l’abilità di Spider man che potrebbe aiutarti nel lavoro?

Oh! Sicuro la velocità!

Il personaggio più complicato che ti sei trovato a disegnare?

Spider man. Pensa soltanto a tutte le ragnatele sul costume… Scherzi a parte. È un eroe con il volto coperto da una maschera eppure ha una serie infinita di espressioni da comunicare… ecco questa è ironia!

Qual è l’incarnazione di Spider man che preferisci?

Il classico, senza dubbio. Per me l’originale è quello che dovrebbe essere.

Hai mai vissuto o rivissuto un tuo dolore, un tuo problema con i personaggi che disegni?

Sì. Con Iron Man. Tony Stark è un alcolizzato ed io avevo due amici molto cari che soffrivano di questo problema. Uno di loro si è ucciso, con mio grande dolore. L’altro ne è uscito definitivamente. Ecco, in questo caso ho di nuovo vissuto quella situazione, mi sono tornati in mente tutti i momenti difficili. E sono riuscito ad addentrarmi di più nel personaggio che disegnavo
Con Peter Parker invece ho vissuto il problema della crescita, anche se da ragazzo non ho vissuto l’emarginazione del nerd, dell’immaturo, perché comunque disegnavo ed ero interessante. Però da adulto quando mi sono trovato di fronte a grandi uomini, mi sono sentito un po’ immaturo, insicuro. Come Peter.

Tu hai disegnato oltre a Spider: Thor, Cable, Iron Man, Devil, The Punisher. A quali ti senti più legato?

Mi piace molto Daredevil, ma adoro disegnare The Punisher… anche perché molti miei parenti sono simili a The Punisher. (ride)

Hai disegnato anche World War Hulk. Hulk è rabbia, cos’è per te la rabbia?

Nel mio lavoro è la voglia di fare, di farcela. Con la mia famiglia è prendersi cura di loro e non farli mai essere arrabbiati.

500 numeri in Italia, festeggiati con questo volume. Il futuro di Peter?

Negli Stati Uniti, Peter dovrà decidere tra la vita di zia May e la cancellazione di ogni ricordo con Mary Jane Watson a causa del demone Mephisto. Qui torna il discorso dell’equilibrio, perché ci deve essere un bilanciamento tra chi era Spider man all’inizio e chi è diventato. Dal matrimonio con M.J. c’è stato un allontanamento dalle difficoltà esistenziali di Peter e questo lo aveva distanziato anche dal lettore “sfigato” che si riconosceva nel Parker degli esordi e non in quello sposato con una top model meravigliosa. Per ri-bilanciare si è pensato a questo, a questa nuova verginità che sarà anche una nuova forza per il tessiragnatele.

Chi sceglieresti per una birra: Thor, Ercole, Hulk, la Cosa o She Hulk?

Niente donne! c’è mia moglie. Assolutamente Ben Grimm… è di Brooklyn, come me!

Alex Pietrogiacomi

Nome: Gaard (Vangaard)

Vero nome: Johnny Storm, ebbene si è il Johnny Storm di Terra-A, la dimensione parallela di Terra 616 .

Genesi e storia del personaggio: Se nasci Johnny Storm su Terra 616 sei un fighetto pieno di te, se lo nasci su terra-A sei uno sfigato colossale.

Lo Storm di Terra-A non prese parte a nessuna missione spaziale, non divenne uno spericolato stronzetto infiammabile, non ebbe nessuna spiderina da rimorchione. Venne  invece sbattuto a calci in Vietnam e quasi ci lasciò le penne. Lo scienziato Polemachus del pianeta Akron lo raccose e decise di usare il suo corpo in fin di vita per creare un supersoldato ottuso che combattesse per l’impero Akron (Fantastic Force 12). Lo dotò di un costume da deficente e lo lanciò allo sbaraglio. Hurrà.

Ora accade che Akron cerca di far scoppiare una guerra interdimensionale (Fantastic Four 162-163) che coinvolga Terra A e Terra 616, aprendo un varco dimensionale a guardia del quale viene messo appunto Gaard: una specie di giocatore di Hockey stellare, a guardia di una porta che è un buco dimensionale. Per chiudere il buco i fantastici Quattro inviano la Cosa a lanciarci dentro… Un dischetto! L’avreste mai detto?!

In sostanza La Cosa e Gaard per un intero numero si fronteggiano in un ridicolo scontro di hockey spaziale che si conclude con La Cosa che fa tunnel a Gaard, gli infila il dischetto, chiude il varco, lo piglia per il culo e Gaard si arrende perchè è stato sconfitto. Umiliato molla l’impero Akron, la guerra e tutto il cucuzzaro perchè ha un codice d’onore dello sport e finisce così la sua carriera di supercattivo… Bella cazzata eh?!

Ad aggravare il tutto c’è che la Cosa per pattinare nello spazio usa delle speciali pattine costruitegli da Reed Richards.

Una guerra interdimensionale risolta con due ceffoni, due passaggi di hockey e delle pattine stellari.

True story.

Aspetto: Un giocatore da Hockey con la livrea del Mago Galbusera. Che poi uno pensa al Black Racer di Jack Kirby, che di base è un negro spaziale a bordo di un paio di sci e ridimensiona la bruttezza della faccenda… Però  ecco, a Kirby lo si perdona.

Superpoteri: Pattinare nelle galassie e ha una mazza da hockey spaziale. Per la cronaca è pure una pippa a giocare a Hockey visto che viene battuto da un ciccione su delle pattine e senza mazza.

La fine: Battuto da Ben Grimm decise di arrendersi e confinarsi nel grande spogliatoio della vita. Mai più riapparso.

Impresionante este sketch que, aunque era la presentación del programa cómico “La Cosa” de TV Azteca, fue hecho para el último programa nocturno que hizo Luis Carbajo (padre de la tv nocturna) llamado “Comenzamos” y que yo no me perdía nomás por las cortinillas, ahora que las veo son realmente fresas.

Por cierto, aquí les dejo unos sketches del programa “La cosa”, antesala de “Puro loco” y que, de verdad, son disfrutables.

Y finalmente, esta rutina del genial Fernando Arau de 1997 del programa de Ortíz de Pinedo “Al ritmo de la noche” al que me tocó ir 3 veces. Veanlo completo, vale la pena, pueden morir de risa:

Nunca he llegado a comprender qué significa exáctamente “cosa” ¿Qué es una cosa? De pequeño, en el colegio, el mundo me lo organizaron en tres categorías: persona, animal o cosa. Los dos primeros eran relativamente fáciles de entender, pero… ¿cosa?

Aunque aprobé mis exámenes sin problemas, cada vez que me obligaban a unir la flechita que iba de categoría hasta elementos, no estaba nada convencido de que un coche o una puerta fueran “cosas”. Un coche es un coche, nunca he escuchado a nadie llamar a un coche “cosa”. Algo no cuadraba. Alguien mentía, eso era seguro, pero… si un coche o una puerta no eran “cosas”, ¿qué cosas serían “cosas”?

Y hace unos meses , sin buscarlo, conseguí darle la razón al niño incrédulo. Descubrí lo que es una “cosa”. Estaba hablando por teléfono, y no sé bien de dónde salió ni desde cuándo tenía en la mano la cosa. Era azul. Parecía una de esas plastilinas que sirven para pegar posters en las paredes sin que quede marca, pero no estoy seguro de que fuera eso. Estaba como reseca. Supongo que habría salido de los restos de alguna fotografía retirada de la pared. Mientras hablaba por teléfono la iba aplastando, dándole forma circular, la estiraba, la hacía trocitos pequeños que después volvía a juntar…

Desde ese día, la cosa va apareciendo en mi mano cuando menos lo espero. Y en lugares distintos de la casa. Yo no la busco, pero ella aparece como un superhéroe cuya función fuera que no me mordiera las uñas o algo así. No parece importarle la indiferencia, su condición de momentánea, su poco importancia teórica. La aplasto, le doy la forma que se me antoja, y cuando vuelvo a centrarme plenamente en cualquier actividad, la abandono en cualquier sitio sin importarme demasiado si volveré a verla. En la cocina, en mi habitación, en el baño, al lado del teléfono fijo… siempre vuelvo a encontrarla. La cosa no es bonita, ni es útil, ni tiene nada especial. Por no tener, no tiene casi adjetivos aparte de azul, reseca, inútil… y sin embargo, ahora que me he dado cuenta de que existe, ahora que de algún modo le he dado vida escribiendo sobre ella, me inquieta pensar que nuestra relación cambie.

José Saramago su ElPaìs.com scrive di papi. [disponibile in italiano grazie a italiadallestero.info]

Dice che non sa più come chiamarlo. Questo mi ricorda il famoso striscione rivolto contro la sua squadra dall’interista disperato di alcuni anni fa (“non so più come insultarvi”) ma è solo un’assonanza. Il tentativo di Saramago non è animato dall’intento di lanciare degli epiteti verso questo simpatico primo ministro, no.

È piuttosto una resa incondizionata nella sfida di trovare un termine per definirlo. Così, l’editoriale di Saramago inizia, si svolge e si conclude nella arresa definizione di papi come una “cosa“. C’era anche un film, degli anni ‘80, ricordate?

"La cosa" (John Carpenter - 1982)

Nell’ameno film di cui sopra c’è un orrido alienazzo che prende le sembianze delle persone con le quali viene in contatto per meglio potersi dedicare al vivi-spolpamento indiscriminato di tutti gli umani che gli capitano a tiro.

Forse che anche da noi  la nostra cosa ha la capacità di diventare, o anche solo di essere, come quelli dai quali vuole farsi votare [per spolpare un po' tutti]?

La lettura di Saramago mette tristezza, ecco. Abbiamo dovuto ricorrere all’offshoring anche per i basilari compiti di critica che le migliori penne/tastiere (e menti, si spera) di un paese dovrebbero svolgere… Da noi non si trova più nessuno disposto a scrivere a tono una ventina di righe così.

Forse perché nessuno le pubblicherebbe? O per qualche altro motivo? Intanto allegramente stiamo andiamo in malora, direttamente e senza passare dal via…

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Suggerimenti per l’uso: se lo spagnolo risultasse faticoso da decifrare con una traduzione maccheronica fai-da-te c’è Google Translate che è in grado di restituire un testo in italianoide, delirante e semicomprensibile. Per un livello di indecenza minore è possibile metterlo in competizione nella traduzione in inglese con il vecchio Babelfish (vedi anche qui), attualmente di proprietà di Yahoo. Possiamo farcela.

Desde que en 2001 John Carpenter realizara “Fantasmas de Marte”, nada más de este director, que con bajos presupuestos y escasos efectos especiales, nos ha ofrecido desde la década de los 70 excelentes películas,  ha llegado a las pantallas.

Involucrado en un proyecto televisivo, “Masters of horror”, creado por Mick Garras, quien quiso reunir a los mas representativos directores del género de terror, y en donde han firmando capítulos de la serie, nombres como: Tobe Hooper, Dario Argento, y Joe Dante, entre otros, Carpenter dedicó su tiempo al rodaje de dos capítulos.

Para la primera temporada de “Masters of horror”, dirigió “El fin del mundo en 35mm” (que con una duración de alrededor de una hora, y aunque confeccionado para el medio televisivo, participó a concurso el año 2006, en el Festival de Cine de Sitges, en la sección oficial “Fantastic”). La segunda temporada (en 2006), realizó “Pro-life”.

Acabada, o aparcada de momento su colaboración con la serie, ha vuelto con nuevos proyectos para la pantalla grande, lo que es una buena noticia para los que hemos seguido su no muy extensa, pero fructífera filmografía.

En pre-producción tiene “Riot”, protagonizada por Nicholas Cage (que no se lleven las manos a la cabeza los “amantes” de Cage-peluquines, y piensen en que quien dirige es Carpenter). El film, en un principio iba a titularse “Scared Straight”, pero es de suponer que ha tenido que cambiarlo por algún tipo de problema con los derechos legales, al coincidir ese título con el de un documental de bastante renombre, realizado en 1981.

(Este teaser poster que lleva un tiempo circulando por Internet, tiene su “chispa”)

La película, sobre un guión escrito originalmente por Joe Gazzam, y reescrito por Ron Brinkerhoff, cuenta la historia de un joven problemático al que se envía a un centro de reclusión para que se integre en un programa especial creado para la prevención de la delincuencia. Durante una revuelta es tomado como rehén por otros prisioneros, y será el personaje de Cagé el que tendrá que ayudarle.

Ha comenzado a preparar también un título que se ha confirmado estos días: “The Ward”.  Un thriller de terror psicológico, para el que ya tiene protagonista: Hamber Heard (cuyo nombre parece igualmente confirmado, para protagonizar al lado de Johnny Depp, “Rum Diary”), más conocida hasta ahora a través del medio televisivo en USA, pero que parece haber dado el salto a la gran pantalla, y se ha podido ver en estrenos como, “Superfumados”, o “Rompiendo las reglas”.

Hamber Heard interpretará en el film a una joven, que ingresada en un centro psiquiátrico, sufre el acoso de un fantasma.

La película puede ser que comience a rodarse este próximo mes de mayo.

Dos films más tiene en la reserva John Carpenter, anunciados ambos hace ya unos meses: “L.A. Gothic”, cuyo argumento gira alrededor de un ex sacerdote que tiene que proteger a su hija de diversos entes sobrenaturales, y “The Prince”, también del género de terror.

Esperamos impacientes (seguro que seremos muchos) a que una de estas películas este lista, para ver si el pulso de Carpenter sigue siendo el mismo que le permitió ofrecernos títulos como “Asalto a la comisaría del distrito 13”, “Halloween”, “1997: rescate en Nueva York”, “La cosa”, o la magnífica versión de la novela de Stephen King, “Christine”, por citar sólo algunos de los films que lo han convertido en director de culto de los géneros suspense- ficción-terror.

Noticia “The Ward” vista en: The Hollywood Reporter

Swanson 

Il produttore di Battlestar Galactica realizzerà un prequel/remake del classico horror di John Carpenter La Cosa, ma anche le fonti ufficiali non sembrano avere le idee chiare.

Dopo anni di rumour, l’annuncio è finalmente arrivato su Variety: la Universal produrrà un remake de La Cosa, celebre horror di John Carpenter del 1982.
Lo studio ha affidato il progetto a Ron Moore, produttore di Battlestar Galactica, che ha il compito di scrivere la sceneggiatura, mentre la regia è affidata al regista pubblicitario Matthijs Van Heijningen (Toyota, Pepsi, Heineken).

Il nuovo film non sarà un vero e proprio remake, ma un prequel/remake, basato più che altro sul racconto breve di John W. Campbell Jr. Chi va la?, da cui hanno tratto spunto sia Carpenter che il regista Howard Hawks, il quale aveva già portato questa storia sul grande schermo nel 1951 con il film La cosa dall’altro mondo.

Variety riporta che la storia sarà ambientata nella stazione di ricerca norvegese dove il mutevole alieno viene scoperto e sconfigge gli abitanti della base.
Niente di strano a prima vista, ma gli attenti redattori di Cinematical hanno notato una piccola incongruenza: che senso ha dichiarare che il nuovo film intende recuperare il racconto originale, quando nel racconto originale non esisteva alcuna base norvegese? La Norvegia è entrata a far parte della trama solo nel film di Carpenter, e alla luce di questo le spiegazioni fornite dalla produzione sembrano solo giri di parole per non ammettere che si tratta di un remake bello e buono (ormai va di moda parlare di reboot, e i remake non sembrano visti di buon occhio).

Comunque, va detto che se molti hanno accolto l’annuncio di questo film con scetticismo, come avviene sempre per i remake di horror cult, c’è invece anche chi è più fiducioso visto il lavoro svolto da Ron Moore per Battlestar Galactica…

www.badtaste.it

Driving this road until death sets you free è il video clip realizzato da Simon Gesrel e Xavier Ehretsmann per gli Zombie Zombie, electro-duo francese composto da Etienne Jaumet e Cosmic Neman. Il video, remake-recup in stop motion di The Thing di John Carpenter, è interamente realizzato con i GI Joes e si è classificato secondo al GI Joe Film Festival 2008 dove ha vinto anche il Best Photography Award.

La cosa sorprendente è scoprire l’esistenza di un festival interamente dedicato ai film di animazione fatti con i GI Joe!

Tal y como se había anunciado hace meses, la precuela de La Cosa ya está en marcha. Para hacerse cargo de este nuevo preludio al clásico de John Carpenter, se ha contratado al especialista en anuncios comerciales Matthijs van Heijningen quien se encargará de la dirección. El guión está en manos de Ron Moore, un viejo conocido gracias a la serie Battlestar Galactica. En la película veremos el primer contacto del ser humano con el extraño ente metamorfo que aterrorizaba a los miembros de una estación Antártica en la original de 1.982.

El mundo está plagado de horror. Horror natural  nos dicen los autores (y para entenderlo solo hace falta una suscripción al cable o un tiempo prudente de navegación) en contraste al horror artístico (uno que comparte elementos de varios tipos de arte, ya sea como una narración escrita o fílmica o en la pintura, la escultura y/o la música) aunque este término si me pone los pelos de punta con una emoción negativa, no precisamente por un “sentimiento intenso causado por algo terrible y espantoso” sino por la sorpresa y algo de repulsa ante tal desvirtuación hedonística.

Para comenzar aprendo que el horror y el terror no son sinónimos, por lo menos en lo que concierne a terminología fílmica. Ambos géneros provocan miedo o angustia a quien los consume pero la diferencia entre uno y otro es el motivo de esa angustia. En el horror se trata de un evento sobrenatural o propio de la ciencia ficción (pero no toda historia de ciencia ficción pertenece al género del horror, solo hablamos de un subgénero) mientras que en el terror hemos de identificar una exacerbación de fenómenos naturales (como la sociopatía) o una explicación naturalística de lo aparentemente “oculto” como suele ser el caso en lo gótico. Así mucho de lo gore que vemos ahora es terror y no horror en tanto las desdichas de los protagonistas se deban a la participación humana. Las historias con monstruos o seres fantásticos tampoco son estrictamente historias de horror, la diferencia radica en la amenaza que percibimos ante la aparición de seres que se situan por fuera de los límites físicos de nuestra realidad. En la “Historia sin fin” abundan los monstruos pero no todos nos provocan pánico. Para Atreyu (el niño protagonista) es cosa de casi todos los días ver engendros que en el ámbito fantástico son personajes extraordinarios en situaciones ordinarias.

En cualquier otro tipo de historia el tiempo narrativo del personaje o personajes es bastante distinto de nuestro tiempo de lectores. La diferencia entre uno y otro puede ser enorme (así pasa en “Guerra y Paz”). En contraste en el horror el tiempo narrativo y el tiempo de lector se funden: seguimos trepidantemente y pendientes de un hilo los eventos. Además la visión del monstruo nos provoca miedo mezclado con repulsión. Este miedo que siente el protagonista y que compartimos proviene de la posibilidad de daño percibido. Sentimos repulsión y repugnancia porque muchas veces el monstruo es sucio, se arrastra, es viscoso o deja un rastro de secreciones que presumimos pestilentes. En fin: la historia de horror exitosa consigue despertar mecanismos psicológicos de verosimilitud.

Escribo esto pensando en “La cosa” (película estrenada en 1982, dirigida por Carpenter y protagonizada por Kurt Russell) que ví la semana pasada. Sin duda uno erige templos para honrar la memoria y vuelve a ellos con devoción e ingenuidad pero es evidente que “veinte años no es nada” solo se aplica para el tango.  

Aún así, la película tiene secuencias memorables y una banda sonora compuesta por Morricone a la que se debe buena parte del efecto atemorizante, sobretodo “humanity, part II” (link para descargar).

Es difícil entender porque alguien puede querer consumir emociones negativas, sobretodo tan extremas como ahora se acostumbra. Además, si la posibilidad de verosimilitud es tan difícil de lograr el efecto del horror se presume episódico y ligado a estridencias y sordidez. Quizá algunos temas característicos del horror afinquen con mayor facilidad en ciertas mentalidades propensas al esoterismo pero no es fácil justificar el consumo voluntario del sadismo. Por otra parte, si se asumen las cosas en clave de broma incluso es posible la fusión del horror con el humor como ocurre en Beetlejuice (1988), El joven manos de tijera (1990) u Hombres de negro (2002).

Para Andrade y Cohen (Journal of Consumer Research, 2007) existen tres posibles explicaciones del gusto por el horror:

1) Diferencias en el umbral de “excitación” (el malestar de uno puede ser el bienestar del otro).

2) Enfocarse en el alivio: sufrir con las emociones negativas y luego ser rescatados por el “placer” del bienestar recuperado y

3) La posibilidad de experimentar sentimientos mixtos o coactivación (presenciar horror y sentir placer, como quien dice “tener sentimientos encontrados”).

¡Qué horror!

Tarda un poco en arrancar pero merece la pena. Es un vídeo del grupo francés Zombie Zombie llamado “Driving this road until death sets you free“. Un tributo por partida doble por un lado al film The Thing de John Carpenter y por otro a George Romero mítico creador de terror zombie en formato stop-motion con muñecos GI Joe, que te guste la canción va en cada uno, pero es una frikada elevada al cubico infinito, disfrutala.