Monolith Cocktail 009 -  An Experiment On A Bird In The Air Pump,  Fuck Buttons,  Amon Duul II ‘Live In London’

Posting 009 comes round early this time with a pre-release special review of An Experiment On A Bird In The Air Pumps new EP, which is out in November.
This will be the first release on their very own recently set up label Buy A Life Records and was produced by former Charlatans front man Tim Burgess.

We also have a review of the new Fuck Buttons LP, a delicious slice of trance, electro and heavy doses of Klaus Schulze and La Düsseldorf. ‘Tarot Sport’ is a dance album of progressive rock ambitions that will appeal to the more spiritual electronic fans amongst us.

Finally we have part six of the German Music Odyssey featuring Amon Duul II ‘Live In London’ LP from 1973. There seems to be a lot of attention drawn towards this period lately, with a BBC 4 documentary being aired next Friday (October 23rd) on the rebirth of German music from 1968 to 1977. They interviewed the usual suspects from Can, Neu! and Kraftwerk but also spoke with members of Amon Duul II and Faust. From what I’ve been told and seen of early footage they will be concentrating more on the synth based material as this programme is a companion piece to the recently shown Synth Britannia show.
It remains to be seen what sort of job they will do of it, but expect the usual interviews with bands and artists who seem to re-write their own history have that all knowing hindsight recollection.
Also there will be the usual talking heads that surface to discuss how cool they are and muse on music they don’t actually really know sod all about. I mean to be honest it wasn’t until much later that this music became known outside Germany. It was down to the likes of Bowie and Eno who drew attention to it, and this was most people’s initial exposure to what we term Krautrock.

I expect to being cursing at the screen next Friday!

An Experiment On A Bird In The Air Pump

An Experiment On A Bird In The Air Pump

Taster of the new E.P to be released in November

Released on Buy A Life Records

Tracks:-
1.    Smear
2.    Silent Hour
3.    Only In The Death

Now let me just say before we start that the band sent me this pre-release taster to review not because I’m that important or because I carry that much sway or influence. No they passed it on because I’m foremost a big fan of the group and their nice like that. In fact they are one of the most down to Earth bands I’ve corresponded with, of course they hope to some degree that my review will be positive and give them some kudos.
Well fear not ladies, this the first release on their new label imprint is a riotous slice of post punk influences and Bow Wow Wow, produced by the Charlatans man about LA Tim Burgess.
Now if you haven’t had the pleasure of seeing these ladies live let me give you a quick paragraph of summary, imagine the combination of Return To The Thunderdome ascetics with the sound of Jesus And The Mary Chain being banged out by an exotic trio of instrument swapping sirens.
Two bass guitars and a set of primitive drums, played standing up, are their only tools with which to do battle as each secretly titled member, only known as C, D and X Bird to add a shroud of mystery, take it in turns to sing.
I hope that does some justice for the trio though really you need to see them for yourselves. Right now lets move on to the EP.

This new set of songs are slightly more polished then their previous efforts, though it’s pretty close in style to last years ‘These Sins’ EP.
Sounding like The Strangeloves era 60’s garage pop crossed with Sonic Youth the opening track ‘Smear’ begins with a trebly screeching bass before a raw tribal drum beat kicks in. D-Bird supplies the vocals, which are at their most serene and vulnerable as she sings of having no one to reject and cutting away the tears and smears of the title. Grunge influenced but far too cool in comparison with those Seattle losers.
‘Silent Hour’ has a swap around with a moodier and more paced tempo as X-Bird now takes on vocal duties. The drum beat in all its primitiveness is straight out of Ben Hur, imagine our main character chained to the oars of a Roman galleon as the beat keeps up a rhythm of strokes for the poor unfortunates to row with. A harsh wall of sound is built from the fuzz and phaser heavy duo of basses, which brings to mind a looser Spaceman 3.
Our final track ‘Only In Death’ is a more up-tempo number, which sounds like a steroid pumped Karen O, as C-Bird yelps her way through.
Plenty of noisy and distorted bass lines with all their slides create an infectious and powerful slice of edgy grunge, the highlight of the EP.
The sound of discourse on this track has been delivered at this a most opportune moment. As our bleak landscape of Capitalist market failure slowly rebuilds into the same as it ever was depressing inevitability.

AEOABITAP are the perfect band to feel angst with.
At least for a while they rally the troops for a brief but encouraging moment in these bleak times if nothing else.
Purchase this record and soak up the non-conformist nature of the UK’s best and most uncompromising underground band.

Dominic Valvona.

Fuck Buttons – ‘Tarot Sport’

Fuck Buttons - 'Tarot Sport' 2009

Double LP Vinyl Gatefold version reviewed.

ATP Records. 2009.

Track list:-
1.    Surf Solar  (10:32)
2.    Rough Steez   (4:44)
3.    The Lisbon Maru   (9:19)
4.    Olympians  (10:54)
5.    Phantom Lab  (4:50)
6.    Space Mountain (8:45)
7.    Flight Of The Feathered Serpent  (9:32)

Fuck Buttons seem to be listening to some very interesting records of late, the odd Sven Vath LP and E2-E4 by Manuel Gottsching instantly spring to mind on what can only be described as a move towards prog-rock dance!
It is full of analogies and references from the Euro pop direction found in Krautrock heroes like La Düsseldorf to the titles that bare homage to Ash Ra Tempal, Klaus Schulze and Tangerine Dream.
In the same way that Brit artist Glenn Brown re-appropriated the fantasy science fiction art of Chris Foss so Fuck Buttons in a similar fashion tip their hat to the best of the Seventies trance pioneers.
Further guidance can be found in Sven Vath’s 1995 LP ‘The Harlequin, The Robot and The Ballet Dancer’, which acts as a natural spiritual guidance to the album.

‘Tarot Sport’ echoes a similar sound palate and driving concept throughout, the opener ‘Surf Solar’ and the track ‘Space Mountain’ set up an ambitious pathway of fuzz, toms and acid scuzz all interlocked with the ever present vintage synthesiser and brooding pulsing bass lines.
On these tracks especially the build up harks at their more grown up presumptions, an attempt to being taken seriously perhaps?

Some of the shorter tunes on display such as ‘Rough Steez’ use the darker influence of Faust as the complex beat takes its time to eventually loop into time. On ‘Phantom Lab’ they come across more in step with Canadians Holy Fuck, especially their track ‘Echo Sam’.

Highlights include the mesmerising ‘The Lisbon Maru’, which crosses Ash Ra Tempal and Black Neon to make what sounds like the Beach Boys riffing on Talking Heads ‘Road To Nowhere’.
Another highlight is the heroically named ‘Olympian’, a Florian Schneider fronted Joy Division circa Trance Europe Express before the Euro pop sound of ‘Viva’ era La Düsseldorf steers it away from sounding too moody and punches the air for the sheer hell of it.

Closing epic the opulently fantastical titled ‘Flight Of The Feathered Serpent’ is a slow building barrage of deep space exploration and trance fuelled floating melodies that builds into a version of Can on their later albums, I’m thinking of ‘Out Of Reach’ and ‘Can’ albums. A slow grower as I they say, as it keeps up a regular momentum throughout its nine minutes.
This takes the duo into some potential goldmines of exploration as their points of reference have rarely been used, especially in a successful way like this.
A great attempt that should be encouraged, it remains to be seen how well this album tours though critically it has gone down pretty well.

As I was listening through my headphones to this record it suddenly dawned on me that this would be the perfect soundtrack to the spaceman from another planet theories of Erich Von Daniken, especially his Seventies published book ‘Chariots Of The Gods’ which proclaimed that signs in the deserts of Central America were left for beings from another World. Either that or the last album I’ll play if the Mayan prophecies come true in 2012!

Dominic Valvona.

A German Music Odyssey Part Six

(The best albums from 1968 to 1975)

Amon Duul II – ‘Live In London’

Background: -

Amon Duul II are caught live in a blinding haze of Psychedelic bluster on this 1973 release, recorded on their 1972 tour of the UK. Though it states London it is in fact Croyden, which isn’t technically the capitol, but we can forgive them.
Consisting of the highlights from ‘Yeti’ and ‘Dance Of The Lemmings’, it seems slightly out of step with the material the band released that year. Maybe the English crowd wanted to hear the early albums more or the band felt they had to play these earlier incarnations.
The show itself harks back to 1968 with its acid soaked light show and summer of love pretensions that had more in common with Jefferson Airplane and early Pink Floyd.

The bands close knit core are all present and correct on this performance with the added touch of two drummers, shared duties from Danny Fichelscher and Peter Leopold add a percussion heavy maelstrom to proceedings, which never losses its way.
All of the songs are played to a high standard and sound mostly exhilarating though I’m amazed at how many critics moan about the quality, yes their early LPs always have a certain live sound to them anyway but I believe that it is further enhanced on this recording.
Certainly tunes like ‘Archangels Thunderbird’ and ‘Eye Shaking King’ both sound infinitely better played at a faster pace and with a heavier tone. Believe me these guys sound tight and the stand out, the musicianship of Lothar Meid on bass and Chris Karrer on guitar, violin and sax really make a difference. John Weinzierl and Renate sound great most of the time on vocal duties.

Side two of the recording is handed over to ‘Dance Of The Lemmings’, which is hastily rushed through as if they are on a timer.
Some of the dynamics get lost as they pummel through most of the original double LP in twenty minutes flat, there certainly isn’t any room for space and to take a breather.
But it has to be said they manage to discard some of the more mediocre parts and bulk up the rest in a much heavier rock style, they cut out a lot of the light and shade work.

Falk U Rogner provides the alum cover as usual; he also plays synth and organ on this tour. Looming over London, a menacing proto alien creature wearing what looks like a World War II helmet grabs the famous Post Office Tower in its claws. Whizzing above it is a group of flying saucers, which might be the preferred tour bus of choice for our cosmic band.
Like something that’s sprung from the pen of H.P Lovecraft this serpent from another dimension literally tramples the city beneath its feet.

‘Live In London’ in essence was a showcase for fans across the Channel; it falls short in some respects as the band was essentially born of a free spirited improvised scene. On this record they play it slightly safe, but then they weren’t sure of the welcome they would get and probably needed to focus on delivering a well-rounded set.
It’s defiantly worthy of adding to any collection.

Live In London’  (1973)

United Artists.

Recorded live at the Greyhound in Croyden on December 16th 1972.

Track List

Side 1.
1. Archangels Thunderbird   (3:20)
2. Eye Shaking King   (6:19)
3. Soap Shop Rock   (8:19)
4. Improvisation   (3:42)

Side 2.
1. Syntelman’s March Of The Roaring Seventies   (8:06)
a) Pull Down Your Mask
b) Prayer To The Silence
c) Telephonecomplex

2. a) Restless Skylight – Transistor Child – Landing In A Ditch   (7:43)
b) Dehypnotized Toothpaste
c) A Short Stop At The Transylvanian Brain Surgery

3. Race From Here To Your Ears   (5:04)
a) Little Tornados
b) Riding On A Cloud
c) Paralized Paradise

Personal

John Weinzierl – Guitar/Vocals
Lothar Meid – Bass/Vocals
Chris Karrer – Guitar/Violin/Soprano Sax
Falk U Rogner – Organ/Synthesiser
Renate Knaup – Krotenschwanz – Vocals
Danny Fichelscher – Drums
Peter Leopold – Drums

A quick introduction of the band is swept aside as the first bars of ‘Archangels Thunderbird’ take off, a blast of brooding bass and effects driven guitar set the agenda.
More powerful, emotive and heavy then its original counterpart on ‘Yeti’, this sounds more like a dose of heavy metal as it takes Sabbath and runs them out of town.
Renate high priestess of some Teutonic version of Hammer Horror has never sounded better as her soaring pronunciations of Edgar Poe and Gomorrah add some well-needed emotive feeling to the menacing march.
Handclapping ensues but is met with a short gasp of breath before two drum rolls herald the beginnings of ‘Eye Shaking King’.
Triumphant in all its glory, a much improved on the original version as the vocals are left clean and actually audible. The backing continues on a heavy footing and rocks out during the middle section as the band pull off a tight psychedelic jam stomper.
Lothar Meid on bass lays down a Ten Years After performance as his busy playing style complements Weinzierl and Karrer on lead.
Falk U Rogner adds a level of mystery and misty graveyard atmospherics on the organ and synth.
This one ends with a big applause from the audience who’ve now adjusted themselves and settled in for the night.
‘Soap Shop Rock’ impatiently lurks in the background, both the drummers hunched over their kits ready to continue with the barrage. Meid again on bass lays down some funky octave rundowns as Renate with Weinzierl share profound evocative vocal duties.
The eight-minute suite bounces along buoyed by Grateful Dead riffs before the middle section slows the pace down and Renate opens with a poetic ode whilst an emotive melody accompanies her. It ends in an impromptu final rock out that is stopped in its tracks by an improvised number.
Falk U Rogner is given a free reign as the rest of the group take a rest. His synthasiser has just enough room to show off as its whirling and oscillating loops build up before Meid daintily toys with adding his bass to the cosmic sounding brew.
Some harsh bird like calls and screeches are added before it all fades out to nothing.

Side 2 is handed over to ‘Dance Of The Lemmings’, a pared down version of the whole album in just twenty minutes flat.
‘Pull Down Your Mask’ sounds more theatrical and benefits from this rockier played out version as does ‘Prayer To The Silence’ which is more West coast freak out then subtle soundtrack.
On ‘Telephonecomplex’ we are propelled at speed to this three part acts climax without time to take it all in, a short shrift shock of a version that fits more ideas into its brief time then most bands managed in a whole career.
‘Restless Skylight’ is hurried but sounds like it means business whilst ‘Transistor Child’ and ‘Landing In A Ditch’ are radically sped up; there is no time to rest on your laurels here.
‘Dehypnotized Toothpaste’ is all worked up with more of the cosmic rock before it gets immersed in some doom and dread theatre of horrors.
Wohoo! ‘A Short Stop At The Transylvanian Brain Surgery’ has arrived; I love this messy Gothic opera track. Though the vocals get lost in the smothering effects and at one point it all nearly falls apart as I picture them all looking at each other in a nervous way. Nice try though and we honour you for it.
The final suite of songs starts with ‘Little Tornados’, a tip toeing cymbal and delicate bass riff is helped along by both Weinzierl and Renates stirring vocals.
‘Riding On A Cloud’ and ‘Paralized Paradise’ are worked through, though quite delicate in contrast, all this before a last three-minute workout brings the set to a close.

It is a shame they never made more live albums, it would have been great to hear the likes of ‘Wolf City’ and ‘Carnival In Babylon’ played out in their entirety. Especially with this same line up and atmosphere.

Part 7 :‘Viva La Trance’ – The now more glam influenced Amon Duul II adopt a different direction and style reaching into new sonic landscapes but sounding more structured. A maligned but affectionately loved LP that finds our heroes taking a messy, but rewarding in some aspects, journey through 1973. Next time we shall explore in detail this strange but decent enough LP in all its glory.

This was the sidebar to the Krautrock feature (see above), and I made a Spotify playlist to go with it. Click here for that.

The Horrors

FOREVER: THE MOTORIK PLAYLIST

THE SOUNDTRACK TO ENDLESS VOYAGES ON THE AUTOBAHNS

1. Neu! – Für Immer (1972)
In English, the title translates as ‘Forever’, and it couldn’t be more apt. Essentially a beefed-up retelling of ‘Hallogallo’ from the first album, this track is motorik perfected.

2. Primal Scream – Shoot Speed/Kill Light (2000)
XTRMNTR is one of the finest records of the decade, a speed-fuelled, dystopian nightmare of an album, and this is one of many key moments. The rhythm section of Darrin Mooney and Mani has a good go at blasting your face off with its relentless power.

3. The Horrors – Sea Within A Sea (2009)
Co-produced by Geoff Barrow, this eight-minute single starts out with some unsettling gloom before channelling Portishead’s ‘The Rip’ as it builds to a beautiful, synth-led conclusion.

4. Holy Fuck – Lovely Allen (2007)
The exact opposite of The Horrors’ gothic stylings, here Canadian synth fetishists Holy Fuck direct their motorik energies towards a joyously explosive finale.

5. Can – Mother Sky (1971)
Can were known more for their robotic funk and edited-down (up to 10-hour) jams, but this was one occasion where they indulged their linear side, motoring ahead for over 14 mind-altering minutes as Damo Suzuki intones spookily over the top.

6. Queens of the Stone Age – Regular John (1998)
Stoner rock is one of many genres owing a huge debt to the Krautrock pioneers, starting with Hawkwind. The opening track on QOTSA’s debut features a huge one-note riff, a locked-in rhythm section and Josh Homme’s smooth croon over the top. Rock and roll bliss.

7. Fujiya & Miyagi – Knickerbocker (2008)
Fujiya’s appeal lies in the way they combine their love for Kraut, Nineties electronica and psychedelic pop. The lead single from their third album Lightbulbs does that expertly and adds in a seriously odd lyric about tragic child star Lena Zavaroni.

8. La Düsseldorf – Time (1976)
La Düsseldorf was Klaus Dinger’s commercially more successful venture, overlapping with the end of Neu! This track from the self-titled debut shows a sensitive, delicate side to him that the rest of the record kept hidden.

9. LCD Soundsystem – Get Innocuous! (2007)
James Murphy ingeniously cops the synth bassline from Kraftwerk’s ‘The Robots’ and turns it into a disco-punk anthem.

10. David Holmes – Holy Pictures (2008)
This was the album where Holmes took himself right out of his comfort zone, embracing rock songwriting, lyric-writing and even singing. But among the many influences, one in particular shines through in the driving, propulsive rhythm of the title track.

11. Fuck Buttons – Sweet Love for Planet Earth (2008)
Layer upon layer of synths that hum and then roar, twinkling bells and screamed vocals. An absolutely monumental track that shows you don’t need beats to do motorik properly.

12. Kraftwerk – Trans-Europe Express (1977)
Another apt title, as the robots turn their gaze from the autobahn to the railways. The drum pattern is uncanny as it echoes the infinite chug of a night train to, well, anywhere.

¿Recuerdas a Neu? ajá, esa “banda” que se formó después de que Michael Rother y Klaus Dinger se salieron de Kraftwerk e hicieron toda una revolución dentro del llamado Krautrock [me cagan los subtítulos éstos] por ahí de los 70’s.
Pues este fin de semana escuché un álbum que, merecidamente, al fin le rinde tributo. Oh no, no te espantes: no es otro disco de covers … es más bien un disco tributo por definición.
Más allá de traer nuevas versiones de rolas de Neu! el tracklist se compone de canciones que , sin la existencia de el dúo alemán, jamás habrían visto la luz.
Así, el disco comienza con la gran experiencia de Two Cool Rock Chicks Listenin’ to Neu! a cargo de Ciccone Youth, amos y heroes del ruido.
Shoot Speed / Kill Light, la expansiva pieza de Primal Scream que teletransporta a cualquier ser vivo sobre la pista (siempre que las luces sean intermitentes) hace pensar en un poco en el por qué del sonido kasabianesco, pero no nos adelantemos.
Pets with Pets aportan We Only Found this Place, esa melodiosa y colorida transmisión que se sincroniza increíble con su sucesora: I Can See It Now de Oasis: rola descomunal que sacó de onda a algunos fans pero ni modo, que se aguanten, la voz de Noel suena espléndida y cohesiona perfecto en el ambiente del disco.
Luego sigue Foals con Titan Arum, un poco más técnica-clínica pero eficiente.
El gran Cornelius, que hace poco estuvo en la ciudad y nadie lo peló, se hace presente con Wataridori y las armonías toman un poco más de fuerza. Holy Fuck con Super Inuit y su muy reconocible ritmo acelerado y algo esquizofrénico nos recuerda al LCD SoundSystem que apenas lo mencionamos llega para quedarse en el track 8 con Watch the Tapes.
Mi momento favorito: ¿te acuerdas de On the Run de un álbum que se llama Dark Side of the Moon? Pues momentáneamente pareciera que entramos a ese oceáno, sólo que las olas están más agitadas. Hablo de Stuntman (Kasabian): es de esas canciones que tienen de todo; es inútil evitar subirle al volumen y mover la cabeza como histérico; tenía que ser ésta o Reason is Treason. No importa.  Para apaciguar las aguas, la School of 7 Bells aparece con Device Fuer M… una de las más tranquilitas del disco. Sigue Electro Karaoke que es bien engañosa: aún asi Fujiya y Miyagi son harto reconocibles apenas suenan los primeros beats. They’ll get your head (Hook & The Twin) es quizá, la rola más facilita del paquete aunque no le quita brillantez al pulido: hay sintetizadores y esas guitarras no son casualidad (prestar atención, por ahí del 1:45, brillante!)
Vamos a sacudir la pollila con La Düsseldorf y su Sketch 1_08… nunca nada es demasiado ochentero ¿o si? Bueno, si no te late, aún queda el último track: Neurotics 98 de Michael Rother: ¿la más dificil del album? Depende: si ya llegaste hasta aquí no tienes nada que perder, es más: has ganado más de lo que tenías pensado.
Bravo por Neu! y por quien tuvo la gran idea de esta amalgama de plata.

La de Oasis

La de Kasabian

La de La Düsseldorf

las demás consiguelas tú. ni modo que qué.

La Düsseldorf is an all time favorite of mine and their three LPs just got reissued, so there is truly no better time to become acquainted with one of the coolest bands you’ll ever come across. Follow the link over to the fantastic EggCityRadio posting of all three albums. You will not be disappointed, kids.

This tune takes me back to my childhood days of listening to DJ Nicky Horne’s show on London’s Capital Radio. The show was called Your Mother Wouldn’t Like It and was probably the only place at that time where a ten minute Pink Floyd tune would be played back to back with the Clash. There was a weekly chart compiled from listeners’ phone votes of their current favourite albums, and La Düsseldorf’s Viva was popular for a while in 1979, when it was issued in the UK. That was purely on the strength of this track – I don’t recall Horne ever playing any of the others on the record!

The band was more or less Klaus Dinger, previously of Neu, and his brother Thomas. There was an invented keyboard player called Nikolas Van Rhein who was simply there to make it look more like a band rather than Klaus and a drummer. Viva is an odd, but likeable album. The lyrics are a mixture of German, English, French and Italian and there is an epic twenty minute track called “Cha Cha 2000″, a couple of two minute punky tunes, a minute and a half of bird song called, unsurprisingly, “Vögel”, and a dreadful tune called “Geld” (with the memorable lines “love is all you need / geht ein altes Beatles Lied“) with a hackneyed anti-money message.

“Rheinita” was always the one, though. It’s an instrumental, so there are none of the mangled Franglais-Italideutsch banalitites. That’s a major plus point. In the end, though, it’s just a very beautiful track. It starts with what sounds like a snatch of a church service, before launching into a big primary-coloured synth and piano melody which is underpinned by a very Neu-like motorik beat. The tune is simple, but with an anthemic feel with big piano chords - rather like Rachmaninov goes krautrock. It still sounds great nearly thirty years on: epic and unsubtle, but at the same time quite moving in its way.

CAN

Monster Movies (1969); Soundtracks (1970); Tago Mago (1971); Ege Bamyasi (1972); Future Days (1973)

«Seule la musique compte, et non le Musicien. (…) Can était un être vivant. Un organisme, comme une fourmilière. L’âme du groupe n’était pas celle de nous quatre, elle était celle d’un être surnaturel nommé Can, c’est important» Michael Karoli

De tous les groupes de la scène Krautrock, Can est incontestablement celui qui eut l’impact le plus considérable sur l’évolution du rock. En explosant tous les formats musicaux préexistants, il ouvrit la voie royale au free-rock, au post-rock, mais aussi à la musique électronique et à tous les genres hybrides et aventureux de la fin du XXè siècle.

Can naît en 1968 de la rencontre entre Irmin Schmidt (pianiste et chef d’orchestre de formation) et Holger Czukay (bassiste et ingénieur du son), tous deux émules du compositeur contemporain Karlheinz Stockhausen, rejoints par Michael Karoli, jeune guitariste passionné par la chose Rock, la Soul et la Beat Music, et par le batteur de free-jazz Jaki Liebezeit. Bien qu’issus d’univers musicaux très différents, tous sont cependant subjugués par la puissance du White Light du Velvet Underground ou de certains morceaux des Beatles de l’ère psychédélique (« I Am The Walrus »). Très vite, le groupe installe son propre studio, l’Inner Space, dans un château à Cologne.

La même année, ils rencontrent le sculpteur noir américain Malcom Mooney. Celui-ci s’improvise chanteur le temps d’un premier album officiel magistral, Monster Movies (1969), qui pose d’emblée les jalons de l’esthétique mutante de Can : un goût prononcé pour l’expérimentation et l’improvisation («composition spontanée»), un sens harmonique et rythmique inouï, un groove hors du commun et des lignes de voix quasiment sexuelles : une musique pour le corps et l’esprit, mélange de rock psychédélique, d’expérimentations électroniques combinées à l’héritage bruitiste du Velvet et au principe de répétition emprunté à Terry Riley et Steve Reich. «Yoo Doo Right», morceau de bravoure construit à partir d’une longue improvisation de 12 heures témoigne de cette force visionnaire, et montre l’incroyable puissance rythmique et la sensualité de crooner d’un Mooney pourtant dilettante, en osmose constante avec le jeu rythmique de Liebezeit.

Le disque suivant, Soundtracks (1970), est une compilation qui rassemble diverses musiques écrites pour le cinéma. Un disque hybride et éclaté qui compte néanmoins des chansons surprenantes et fiévreuses. Mais il marque surtout le passage de relais entre Malcom Mooney (en pleine dépression, il retourne aux États-Unis) et son impétueux successeur japonais Damo Suzuki, qui entre avec fracas par la grande porte en faisant irruption sur scène lors d’un concert du groupe à Munich.

Avec Tago Mago (1971), double-album et double-chef d’œuvre, la puissance incantatoire de Can atteint des sommets. Damo est un inventeur de mélodies. Avec lui, tout devient plus souple et plus libre. Sa façon modale de chanter, en déposant de légères et curieuses dissonances sur les harmonies raffinées s’intègre si bien que les cinq musiciens ne forment plus qu’un seul instrument. La systématisation de la technique du sample et du collage participe également à la fulgurance novatrice de pièces comme « Mushroom », «Halleluhwah» et «Aumgn», d’une intensité rarement égalée.

Puis vient le plus pop et le plus accessible des albums de Can en même temps que leur plus grand succès commercial : Ege Bamyasi (1972) reste un album époustouflant, inspiré et d’une grande qualité artistique comme en attestent la magnifique ballade «Sing Swan Song» et les deux seuls véritables tubes du groupe, le frénétique «Vitamine C» et le single «Spoon» qui se vendra à 300 000 exemplaires.

Enfin, le dernier album important de Can, Future Days (1973) est aussi le dernier album sur lequel le courant demeure et passe du début à la fin et le dernier disque avec Damo Suzuki, qui, ne souhaitant pas devenir rock star deviendra, à défaut, témoin de Jehova. Considéré par Czukay comme leur premier album d’ambient, Future Days est un disque vaporeux et atmosphérique splendide. Mais leur âge d’or est déjà derrière eux. En même temps que le groupe se professionnalise, la magie sauvage des débuts disparaît et laisse place à une musique plus civilisée, synthétique et conventionnelle. Can se désagrège à la fin des années 70 après quelques albums passables et se reforment brièvement à la fin des années 80.

KRAFTWERK

Kraftwerk 2 (1971)

Injustement éclipsés par le gigantesque succès remporté par Autobahn et tous les albums suivants à partir de 1974, les premiers opus de Kraftwerk, plus expérimentaux, méritent pourtant leur place dans une discographie idéale du Krautrock. En 1971, après la sortie d’un premier album éponyme, Ralf Hütter et Florian Schneider se retrouvent seuls aux commandes de Kraftwerk lorsque Michael Rother et Klaus Dinger quittent le groupe pour former Neu!. Le parc instrumental de Kraftwerk ne comporte encore que des instruments traditionnels (orgues, basse, cloches, flûte, guitares, violon) excepté quelques percussions électroniques bricolées par Schneider. Sur Kraftwerk 2, cette simple boîte à rythme sert de base répétitive binaire à des expérimentations instrumentales contemplatives, hypnotiques ou bien libres et dégénérées, créant déjà cette sensation métronomique et mécanique alors totalement insolite, et préfigurant du même coup le son Kraftwerk à venir. Le plus terrestre et le moins cosmique des groupes de Krautrock.

À écouter aussi :

Organisation (pré-Kraftwerk) Tone Float (1970); Kraftwerk (1970); Ralf & Florian (1973); Autobahn (1974); Radio-Aktivität (1975); Trans-Europe Express (1977)

NEU!

Neu! (1971); Neu!2 (1972); Neu!75 (1975)

«Il y a eu trois groove majeurs dans les 70’s : l’Afrobeat de Fela Kuti, le Funk de James Brown et le Neu! Beat de Klaus Dinger». Cette affirmation d’un triumvirat du Groove par le pape de l’Ambient, inventeur du Glam Rock et théoricien Brian Eno fit voler en éclat l’idée d’un monopole afro-américain en la matière. Il existerait donc un Groove allemand caractéristique et le groupe Neu! en serait dépositaire… Eno avait raison.

En 1971, non contents de l’orientation musicale vers un « tout à l’électronique » imposée par Florian Schneider au sein de Kraftwerk, le batteur Klaus Dinger et le guitariste Michael Rother quittent le groupe pour former Neu!.

Assistés du talentueux producteur Conny Plank, Rother et Dinger enregistrent en seulement quatre jours l’éponyme et séminal Neu! sorti sur Brain en 1972. À eux deux, ils installent une pulsation binaire métronomique, rudimentaire, primitive, robotique et pourtant inédite, carrément visionnaire. Entre le beat mécanique de Dinger et les accords répétitifs irradiés de Rother, l’alchimie s’opère à l’évidence ; une alchimie entêtante de l’essentiel et de l’hypnose qui deviendra l’archétype inégalé de la Motorik Musik.

En 1973, Rother et Dinger retournent en studio. À court d’argent et de temps, n’ayant produit que 20 minutes de matière sonore neuve pour leur nouvel album Neu!2, ils décident de finir la face B en trafiquant les bandes déjà enregistrées avec les techniques de la musique concrète : accélération, ralentissement, effets divers, découpages, montages. Il résulte de cette économie de moyens un disque génial, un manifeste ovni à la pochette d’une sobriété désarmante. Il faut écouter «Für Immer», cette longue montée progressive et contemplative si belle et si évidente qu’il fallait y penser.

En 1975, après un hiatus de deux ans, Rother et Dinger, occupés à leurs projets parallèles respectifs (Harmonia avec Moebius et Roedelius de Cluster et La Düsseldorf) se réunissent à nouveau pour honorer leur contrat avec Brain et pouvoir y mettre un terme. Plus mélancolique, tout en préservant le style Motorik cher à Dinger, Neu!75 clos l’aventure Neu! en beauté… jusqu’à leur revival pas très heureux au milieu des années 90.

FAUST

Faust (1971); So Far (1972); Tony Conrad With Faust Outside The Dream Syndicate (1972); Faust Tapes (1973); Faust IV (1974)

Aussi incroyable que cela puisse paraître, le groupe le plus atypique de la scène Krautrock est au départ un pur produit de maison de disques. Polydor avait chargé le producteur Uwe Nettelbeck de recruter des musiciens pour former un groupe afin de parer au succès de Can et d’Amon Düül II, et de les encourager dans la voie de l’expérimentation. Une mission plutôt louable de la part d’une maison de disques. Les deux batteurs Werner Diermaier et Arnulf Meifert, Hans Joachim Irmler (claviers), Gunter Wüsthoff (effets, saxophone), Rudolf Sosna (guitare) et le français Jean-Hervé Peron (guitare, chant) se réunissent alors dans une ancienne école désaffectée de Wümme et là, ils y inventent un son unique aux frontières de la tradition teutonne, du rock et de l’avant-garde, très loin des poncifs du modèle anglo-saxon. Ainsi naît Faust. Leur premier album Faust (1971), malgré son caractère révolutionnaire et une grosse campagne de pub orchestrée par Polydor, est plutôt mal accueilli en Allemagne. Sur les trois longues plages largement improvisées qui composent l’album, l’esthétique déjantée, chaotique et noisy du proto-punk côtoie les délires cosmiques de l’acid-rock sur fond d’expérimentations, de musique concrète, d’effets, de collages à la Burrough, de reliques sonores et de mélodies pastorales. Le DJ britannique John Peel, séduit par la géniale bizarrerie de ce joyeux bordel teuton commence à le diffuser sur les ondes de la BBC. Ainsi, bien que confiné à un public relativement confidentiel, Faust devient culte.

Moins ardu et chaotique que le précédent, le second album, So Far (1972) ouvre sur le joyau «It’s A Rainy Day…» (cérémonie païenne à la gloire de la Pluie et du Soleil martelée jusqu’à la transe, que n’auraient par reniée John Cale et Moe Tucker) et prouve que Faust excelle aussi dans les formats plus traditionnels.

Passés maîtres dans l’art de l’incongruité, des superpositions et combinaisons improbables, Faust s’associe alors au minimaliste américain Tony Conrad. Ensemble, ils livrent l’un des albums les plus mirifiques de l’histoire du rock (semi) teuton. Outside The Dream Syndicate (1972) résulte du mariage halluciné des drones de cordes de Conrad avec le martèlement régulier des toms-basses de Faust. La répétition jusqu’à la transe, encore et toujours.

Fait à partir de diverses chutes d’enregistrements, The Faust Tapes (1973) est un disque insolemment dadaïste en forme de collage de 26 segments, sans doute le plus expérimental du groupe.

Dernier album avant la séparation et la reformation dans les années 90, Faust IV (1974) est peut-être le plus sage. Fort de l’expérience avec Tony Conrad, Faust récupère le procédé du bourdon[1] et l’applique à un mur de guitares électriques dans «Krautrock». Pour la première fois, des éléments empruntés au space-rock viennent calmer les ardeurs de l’expérimentation pour atteindre un équilibre parfait entre apaisement et folie.

Faust se dissout en 1975 après l’échec commercial de Faust IV. En 1992, le groupe reprend du service et enregistre 2 nouveaux albums en 1996 sous l’impulsion de Jim O’Rourke. Une collaboration hasardeuse avec le DJ/rappeur Dälek a même vu le jour, aboutissant au ep Nummer 3 (2003) et à l’album Derbe Respect, Alder (2004).

ASH RA TEMPEL

Seven Up (1973) (avec TIMOTHY LEARY)

Ash Ra Tempel est un collectif à géométrie variable dont le noyau dur est formé par le guitariste Manuel Göttsching, le bassiste Hartmut Enke et l’ancien batteur de Tangerine Dream, Klaus Schulze. Seven Up, le troisième et le plus hallucinogène de leurs albums (et pour cause) tire son titre de la bouteille de soda panachée aux acides que les musiciens se passaient de main en main durant la session d’enregistrement dûment organisée par Rolf Ulrich Keiser dans le but de véhiculer, via son nouveau label Kosmischen Kuriere, les idées du prophète du LSD Timothy Leary alors recherché par la CIA. L’expérience aboutit à une formidable débâcle d’acid-blues psychédélique déliquescent coupé aux délires post-baba débiles, voire, dans les meilleurs moments, de digressions space-rock empruntées au Velvet ou aux Stooges de 1968. Et puis surtout, Seven Up est en soi un document sonore historique, ne serait-ce que par et pour la présence vocale de Tim Leary, incantatoire, chamanique et sacrément défoncé.

À écouter aussi :

Schwingungen (1972); Join Inn (1973)

CLUSTER

Cluster II (1972)

Sous l’entité Cluster (d’abord orthographié Kluster) se cache le duo Hans-Joachim Roedelius et Dieter Moebius. Ensemble, ils forment l’un des groupes les plus novateurs et inspirés du mouvement Krautrock avec Can, Faust et Neu!. Brian Eno ne s’y était pas trompé, et sa grande admiration pour les deux musiciens aboutira d’ailleurs à de multiples et brillantes collaborations. Enregistré par Conny Plank, l’album II, le plus sombre et le plus envoûtant de leur discographie, préfigure largement tout le courant Space Rock de Hawkwind à Spacemen 3. De longues nappes de guitares électriques déchirantes s’étirent à l’infini dans un lointain magma de rythmes organiques obsédants et de sonorités électroniques cosmiques. La version allemande vibrante et polaire du raga indien.

À écouter aussi :

Cluster’71 (1971); Zuckerzeit (1974); Cluster & Eno (1977); Eno, Moebius & Roedelius After the Heat (1979); Moebius & Plank Rastakrautpasta (1981)

GURU GURU

UFO (1970)

Avant de devenir une communauté ambulante pluridisciplinaire regroupant musiciens, comédiens, femmes, chiens et enfants, le groupe Guru Guru était un remarquable trio formé sur l’initiative du batteur de free-jazz Mani Neumeier, aux côtés du bassiste Uli Trepte et du guitariste d’Agitation Free Ax Genrich. Grâce à l’immense liberté artistique accordée par leur label Ohr, ils purent accomplir deux premiers albums totalement affranchis des contraintes et des formats habituels de l’industrie du disque. 1970, UFO ou la libération par le son : jam furieux de free-rock psychédélique sabbatho-hendrixien, pièce improvisée sauvage, épique et excessive, grand bordel galactique, guitares écorchées d’Ax Genrich, fuzz, wah-wah, hurlements sans fin, batterie folle, murmures possédés et collages barbares.

À écouter aussi :

Hinten (1971); KänGuru (1972); Guru Guru (1973)

HARMONIA

De Luxe (1975)

Harmonia est l’association entre le duo Cluster (Moebius et Roedelius) et Michael Rother de Neu!. Avec leur second album De Luxe (qui compte également la présence de Mani Neumeier du groupe Guru Guru à la batterie et celle, cruciale, du producteur Conny Plank), ce super combo a livré à l’Allemagne l’un de ses très beaux albums rock inspiré, fécond, généreux, à la frontière entre le style Motorik de Neu!, le Kraftwerk de la période Trans Europe Express (pour les sonorités électroniques feutrées et les mélodies sirupeuses au premier abord) et la puissance primitive velvétienne des guitares de Rother. Cet alliage, augmenté de digressions cosmiques et psychédéliques est particulièrement probant dans l’entêtante et lumineuse pièce maîtresse « Talky Walky ».

À écouter aussi :

Musik von Harmonia (1974); Harmonia 76 Tracks & Traces (1997, avec Brian Eno)

TANGERINE DREAM

Electronic Meditations (1970)

Tangerine Dream est généralement associé à l’un des courants les plus calamiteux de la musique du XXème siècle, la New Age. Pourtant, avant de s’engluer dans les méandres écœurants d’une soupe de sons filandreuse, TD avait livré quelques albums dignes de ce nom. Premier de la série, Electronic Meditations avait déjà l’avantage d’un line-up redoutable, sainte trinité, qui changea radicalement dès l’album suivant : l’organiste et guitariste Edgar Froese, le batteur Klaus Schultze (incroyable en son temps, puis qui se fourvoya avec Jean-Michel Jarre et autre Vangelis dans les années 80) et Conrad Schnitzler, pilier de la scène musicale berlinoise. Ensemble (et sans synthétiseurs !), ils enregistrent des sessions qui seront quelque peu modifiées par Froese et sorties sans concertation préalable avec les deux autres. Quoi qu’il en soit, la version finale d‘Electronic Meditations reste une pièce majeure de rock transcendantal exploratoire et spontané, symphonie de guitares piquantes comme des aiguilles, de violoncelles gémissants et de batteries en mille morceaux.

Et aussi :

- AGITATION FREE Malesh (1972); Second (1973)

- AMON DÜÜL II Phallus Dei (1969); Yeti (1970)

- LA DÜSSELDORF La Düsseldorf (1976); Viva (1978)

[1] Bourdon ou Drone: note tenue ou son continu en-dessous ou au-dessus duquel évoluent les autres parties de la polyphonie. Généralement à la basse, le bourdon est constitutif de certaines musiques traditionnelles (cornemuse, râgas indiens). Récemment étendu aux sphères du rock, le drone est devenu un genre musical à part entière (Tony Conrad, Earth, Sunn O))))
Francoise Massacre
Publié dans: VERSUS MAG #4 (Eté 2005)

Le terme “Krautrock” (littéralement “Rock Choucroute”) apparaît pour la première fois en 1972, dans un article du magazine anglais Melody Maker consacré au rock allemand alors en pleine mutation et en pleine expansion. L’expression, qui prend sa source dans le titre du groupe Amon Düül « Mama Düül und Ihre Sauerkrautband » (« Maman Düül et son orchestre choucroute ») paru en 1969, sera très vite récupérée par la critique musicale et la presse internationale pour désigner l’ensemble des tendances du rock allemand de l’époque (il est généralement admis que l’âge d’or du Krautrock s’étend grosso-modo de 1968 à 1975). Sous cette bannière multidimensionnelle et bariolée aux limites parfois floues seront alors réunis des groupes tels que Can, Faust, Amon Düül II, Cluster, Kraftwerk, Ash Ra Tempel, Popol Vuh, Neu! ou Tangerine Dream, qui, aussi différents soient-ils, donneront pourtant à la RFA, dans un élan commun et pour la première fois, une musique à l’identité spécifiquement teutonne, un son allemand, un rock cosmique du paradoxe, avant-gardiste, anti-conformiste, ouvert sur le monde, parfois visionnaire, à la fois unique et multiple, sérieux et déglingué, méthodique et empirique, et ce en l’espace d’une décennie.

DES HÉROS POUR L’ALLEMAGNE DE L’OUEST

Depuis le début des années 60, l’hégémonie musicale du modèle pop anglo-saxon était à son paroxysme et rien ne semblait pouvoir l’en détrôner. La jeunesse européenne fascinée suivait donc tête baissée la voie royale tracée par l’Angleterre et les États-Unis, multipliant les tentatives de clonage des Beatles, des Stones et des Who sans jamais s’en démarquer vraiment.

Après le séisme de la seconde guerre mondiale, dans une Allemagne de l’Ouest en pleine reconstruction, les bases américaines et anglaises établies après la capitulation avaient non seulement apporté les chewing-gums et le Coca-Cola, mais également le mythe Pop & Rock’n’Roll que la jeunesse allemande vivait alors soit par procuration, soit par le biais de la Beat Music et d’avatars teutons qui n’échappaient pas non plus à l’influence anglo-américaine.

À cette époque, les travaux du compositeur contemporain Karlheinz Stockhausen marquèrent considérablement la vie artistique allemande et les esprits, notamment ceux d’Irmin Schmidt et de Holger Czuckay de Can, qui furent un temps élèves du compositeur. Stockhausen devint même une sorte d’icône de l’underground et une grande source d’inspiration au moment de la création de son œuvre « Hymmen » en 1966, petite révolution qui scandalisa l’Allemagne bien-pensante en malmenant l’hymne national sur fond d’expérimentations électroniques et de collages.

Mais le vrai déclic se produisit véritablement dans la deuxième moitié des 60’s, avec d’une part le raz de marée psychédélique qui fit s’échouer sur l’Europe entière des groupes comme Pink Floyd, les Doors, Zappa et les Mothers Of Invention, le Jefferson Airplane, Hendrix, Cream, les Pink Fairies, le Greateful Dead, Hawkwind, Iron Butterfly, King Crimson ou les Yardbirds, et d’autre part, l’émergence de ce groupe de rock à la fois arty et sauvage, le Velvet Underground, qui fit l’effet d’une bombe souterraine bien au-delà de l’Atlantique parce qu’il préfigurait un avenir musical où tout restait à réinventer. Peut-être aussi parce que le déclin du « Beat-boom », la diversification des influences (les Allemands découvraient également le MC5, le free jazz cosmique de Sun Ra et de Coltrane, les raga indiens, le mouvement Fluxus et les minimalistes américains comme Steve Reich, John Cage, La Monte Young et Tony Conrad…), le contexte politique des années 67/68 et le vent libertaire qui soufflait alors furent perçus comme l’occasion de s’émanciper et de prendre enfin la distance vitale avec l’héritage anglo-saxon, l’underground allemand s’empara alors du psychédélisme, et non seulement se l’appropria mais le dépassa et le transcenda en le combinant avec tout ce que la musique avait eu à offrir à l’Allemagne depuis près d’une décennie. Dans le même temps, les musiciens allemands furent réellement les premiers en Europe à réagir comme il se doit à l’ouragan Velvet et à essayer d’y trouver une réponse expérimentale et aventureuse spécifiquement teutonne (Can, Monster Movies, 1969).

Ce fut alors le commencement de la grande aventure de la Kosmische Musik rebaptisée Krautrock quelques années plus tard, de cette démarche musicale libératrice et novatrice d’absorption des genres et de re-création, de ce mélange idéal entre rock primitif et expérimentation.

ÉMERGENCE DE LA KOSMISCHE MUSIK

Au départ, les premiers foyers du Krautrock sont multiples et isolés et ne convergent pas immédiatement en une véritable scène.

Les premiers groupes à émerger sont Tangerine Dream et Agitation Free à Berlin-Ouest, Popol Vuh et le collectif Amon Düül (qui se scindera en deux entités distinctes, Amon Düül I et Amon Düül II) à Munich, Organisation (futurs Kraftwerk) à Düsseldorf, Floh de Cologne et Can à Cologne.

Fin 1968, l’un des personnages-clef les plus controversés et également architecte de la Kosmische Musik entre en scène. Le journaliste rock hollandais au doux nom de Rolf-Ulrich Kaiser est alors l’un des organisateurs de l’Internationale Essener Songtage Festival où pour la première fois, des groupes comme Guru-Guru, Amon Düül I et II, Floh de Cologne et Tangerine Dream sont réunis sur une même scène.

La même année, le magistral premier album de Can Monster Movies et le très psychédélique Phallus Dei d’Amon Düül II sont propulsés et révélés à la face du monde et de la critique, tels deux OVNIS en provenance de RFA.

Mais l’émergence d’une scène se cristallise pour de bon avec la création du label Ohr (littéralement « oreille ») par le producteur Pieter Miesel et Rolf-Ulrich Kaiser qui souhaite alors imposer sa vision quasi-prophétique, globale et globalisante de ce rock expérimental germanique. Ainsi, en label-défricheur de la Kosmische Musik, Ohr commence à publier une série d’albums hétéroclites, déglingués, originaux, bizarres, épiques et novateurs (UFO de Guru-Guru, Fließbandbaby’s Beat Show de Floh de Cologne, Paradieswarts Düül d’Amon Düül I, Electronic Meditation de Tangerine Dream enregistré par trois musiciens incontournables, Edgar Froese, Conrad Schnitzler et Klaus Schultze, les premiers Embryo ou Ash Ra Tempel). Et jusqu’en 1973, Ohr ne cessera d’apporter de l’eau au moulin cosmique.

En 1971, Polydor monte de toutes pièces sa propre formation-maison, Faust, qui deviendra pourtant l’un des groupes les plus personnels, libres et novateurs de la scène.

Quelques mois plus tard, excédés par la personnalité autocratique du Kaiser, deux employés d’Ohr partent fonder leur propre label, Brain Records, en emmenant avec eux le groupe Guru Guru. Grâce notamment à l’immense talent de Conny Plank, producteur/ingénieur et façonneur du son allemand, Brain deviendra le premier concurrent sérieux pour Ohr, avec des références aussi exaltantes que Neu! (fondé par deux membres dissidents de Kraftwerk), Guru Guru, le duo Cluster ou Harmonia.

Dès lors, devant l’engouement et l’effervescence suscitée, les maisons de disques allemandes emboîtent fiévreusement le pas de Brain et d’Ohr, créant leur propre label cosmique (BASF recrute Kaiser et Meisel. Ils montent alors le sous-label Pilz qui abritera notamment Popol Vuh), sortant leurs propres groupes-maison. On assiste alors à une véritable orgie créative et à une éclosion pléthorique de groupes et d’albums, à raison de plus de 150 disques par an. Dans le même temps, la presse internationale commence à s’intéresser au phénomène, désormais consacré par l’expression « Krautrock ».

L’une des particularités de cette scène est qu’elle se fabrique alors sa propre mythologie, plus passionnante en Allemagne que partout ailleurs en Europe. Le Krautrock est devenu une extraordinaire aventure musicale incestueuse, avec des musiciens mobiles qui gardent un formidable esprit de liberté. Chaque groupe majeur possède alors son propre studio (l’Inner Space pour Can, un château converti en cinéma puis en studio, le Wümme pour Faust, le Starstudio de Conrad Plank à Hambourg, etc.) son propre producteur de génie (Conny Plank, Dieter Dierks), son propre label, sa propre identité graphique et sa propre esthétique musicale. Le résultat est un insolent kaléidoscope de sons, d’émotions et de couleurs, qui au départ paraissaient pourtant incompatibles. Les groupes allemands poussent plus loin les possibilités du studio : l’utilisation de l’électronique s’aiguise peu à peu, la production devient rythmiquement et structurellement plus sophistiquée et complexe, tout en préservant la sève élémentaire du rock.

TAROT, LSD ET SEVEN UP

Début 1973, alors qu’un nombre considérable de disques sidérants et sidéraux continuent à alimenter le marché allemand (les Faust Tapes, Futures Days de Can, Ralf & Florian de Kraftwerk, l’éponyme de Guru Guru, Neu!2, etc), Rolf Ulrich Kaiser est, lui, sous influence et en pleine montée d’acides. En effet, depuis sa rencontre avec le pape du LSD Teamothy Leary (condamné à 10 ans de prison aux États-Unis et exilé en Suisse) et son acolyte Brian Barritt, Kaiser, accompagné de sa muse et cartomancienne Gille Letmann, est obsédé par la volonté de mener à bien le dessein illuminé des deux « messagers cosmiques » américains : ouvrir la conscience du monde par le LSD.

Il fonde alors « Die Kosmischen Kuriere » (« Cosmic Courriers », également appelé « Kosmische Musik ») qui devient un sous-label de Ohr, et s’attèle à organiser de longues sessions d’enregistrement aussi nébuleuses qu’éprouvantes avec plusieurs musiciens du label : Ash Ra Tempel, Klaus Schultze et Manuel Göttsching de Tangerine Dream, Dieter Derks, Agitation Free feront tous partie de ces grands jams dopés et embrumés. Leary lui-même posera sa voix prophétique sur l’album 7up d’Ash Ra Tempel. Au nez et à la barbe des musiciens concernés, Kaiser édite et mixe les sessions, et sort ainsi une poignée d’albums planants et dégoulinants sous le nom de Cosmic Jokers. Il se voit alors intenter une série de procès par les artistes de ses labels Pilz et Ohr. Les contrats seront finalement annulés par la justice allemande, ce qui entachera sérieusement la réputation de Kaiser et minera pour de bon ses deux labels : ce sera la fin d’Ohr et de Cosmic Courriers.

L’histoire ne s’arrête pas là et il reste aux musiciens allemands d’excellents albums à accomplir. Des groupes comme Faust, Neu!, Can, Cluster, Harmonia ou La Düsseldorf sont toujours dans le circuit et continueront à sortir des albums de qualité jusqu’à la fin des 70’s, bien plus longtemps pour certains. Kraftwerk remporte un gigantesque succès international avec Autobahn en 1974, puis avec RadioActivity, Trans Europe Express et The Man Machine les années suivantes, et deviendra, au fil des albums, la légende que l’on connaît, avec un rayonnement et une influence considérables sur les nouvelles générations de musiciens, acquerrant au passage le statut discutable de « pères de la musique électronique».

RÉSONANCES ET HÉRITAGE : LES ENFANTS-CHOUCROUTE

Peu à peu, la majorité des productions se mue en une dégoulinade ambient new-age et peu de musiciens réussiront à conserver la grâce des 70’s. Oubliés, boudés, les trésors du Krautrock seront déterrés au milieu des années 90, grâce à la sortie consécutive de trois livres consacrés au sujet : Krautrocksampler du gallois Julian Cope, The Crack in the Cosmic Egg des frères Freeman, et Cosmic Dreams at Play de Dag Asbjørnsen, qui redonnent au Krautrock la place qu’il mérite: entre autres, avoir été un genre majeur et le chaînon manquant entre la britpop des années 60, le psychédélisme naissant, et l’avant-garde post-punk et new-wave. PIL, The Pop Group, Père Ubu, This Heat, Siouxsie, Wire, les Buzzcocks, Mark Bell, tous possèdent une filiation directe ou indirecte avec Faust, Can, Kraftwerk ou Neu!. Par ailleurs, les collages bruitistes de Faust avaient préfiguré le mouvement industriel des années 80 : Nurse With Wound, Einstürzende Neubauten… En 1985, sur l’album de The Fall This Nation’s Saving Grace, le dégénéré Mark E. Smith proclame « I am Damo Suzuki», en hommage au second chanteur de Can. « Two Cool Rock Chicks Listening to Neu! » est un titre de l’unique album de Ciccone Youth (1988), l’un des side-projects de Thurston Moore et Lee Ranaldo de Sonic Youth. Brian Eno, qui collabora avec Moebius et Roedelius de Cluster, et plus tard David Bowie contribueront également au revival des années 90 et à la réhabilitation du genre qui précéda un déluge de rééditions, incessant jusqu’à aujourd’hui. À ce moment-là, des groupes comme Stereolab, Tortoise, Boredoms, Mouse On Mars, Spacemen 3, Spiritualized, Pram ou Moonshake commencèrent à s’intéresser au mouvement Krautrock et à en donner leur propre réinterprétation. Mais le meilleur représentant actuel et héritier de l’esprit Kosmische reste sans doute le collectif japonais Acid Mothers Temple – fort d’une discographie en dents de scie de plus d’une centaine d’albums – ; l’un des rares groupes à avoir réactivé avec tant de superbe le paradoxe absolu d’une liberté totale combinée à une incroyable maîtrise, le mélange d’ambitions visionnaires avant-gardistes et de freakitude psychédélique et dadaïste nourrie aux acides, la rencontre entre un besoin d’expérimentation, et un retour aux forces libres, primaires et primitives de la création artistique, de la célébration païenne et de l’exploration de l’inconscient.

Francoise Massacre
Publié dans: VERSUS MAG #4 (Eté 2005)