Juan Carlos Onetti

A los pocos días de entrar en la fábrica, cuando pasaba para ir al baño, oyó que algunas compañeras murmuraban y del murmullo le quedó el desprecio:
–La leprosa.
Por su mano enguantada, la que durante años anteriores al guante supo esconder en la espalda o en la falda o en la nuca de algún compañero de baile.
No era lepra, no había caído ningún dedo y la intermitente picazón desaparecía pronto con el ungüento recetado. Pero era su mano enferma, a veces roja, otras con escamas blancas, era su mano y ya era costumbre quererla y mimarla como a un hijo débil, desvalido, que exigía un exceso de cariño.
Dermatitis, había dicho el médico del Seguro. Era un hombre tranquilo, con anteojos de vidrios muy gruesos. “Le dirán muchas palabras y le recetarán nombres raros. Pero nadie sabe nada de eso para curarla. Para mí, no es contagioso. Y hasta diría que es psíquico”.
Y ella pensó que el viejo tenía razón porque, sin ser enana, su altura no correspondía a su edad; y su cara no llegaba a la fealdad, se detenía en lo vulgar, chata, redonda, ojos tan pequeños que su color desteñido no lograba mostrarse.
Así que para el baile de fin de año que ofreció el dueño de la fábrica para que los asalariados olvidaran por un tiempo sus salarios, consiguió comprarse un par de guantes que escondían las manos y trepaban hasta los codos.
Pero por miedo o desinterés nadie se acercó a invitarla a bailar y pasó la noche sentada y mirando.
Al amanecer, ya en su casa, tiró los largos guantes a un rincón y se desnudó, se lavó una y otra vez la mano enferma y en la cama, antes de apagar la luz, la estuvo sonriendo y besando. Y es posible que dijera en voz baja las ternuras y los apodos cariñosos que estuvo pensando.
Se acomodó para el sueño y la mano, obediente y agradecida, fue resbalando por el vientre, acarició el vello y luego avanzó dos dedos para ahuyentar la desgracia y acompañar y provocar la dicha que le estaban dando.

Con la conducción de Juan Ignacio Incardona, Laura Cañupan y Esteban Del Campo, dedicamos este programa a tratar un género periodístico dedicado al rock y analizamos cómo se desarrolla la profesión en este ámbito.

Para entrar en tema charlamos con el periodista, productor y musicalizador Alfredo Rosso, que escribe en diversos medios gráficos, como la revista La Mano y el suplemento Radar de Página 12, y que conduce el ciclo La casa del rock naciente, en Rock & Pop.

Luego, en el Segmento Semanal, Camila Bonetti nos contó la denuncia realizada por Reporteros Sin Fronteras sobre la grave  situación que viven los periodistas en México.

A continuación, Camila y Laura Garzón nos informaron sobre las últimas novedades en Tres Minutos de Noticias del Medio.

Volvimos al tema central y entrevistamos  Sergio Marchi,  uno de los periodistas de rock más destacados de Argentina que escribe para La Mano y diario Perfil y dirige un portal en internet sobre música.

Antes de finalizar el programa, Eugenia Barrionuevo recordó en Huellas que Perduran al periodista Julio Ramos,  fundador de Ámbito Financiero, quien falleció en 2006.

Voici en avant-première la programmation jeune et tout public de la MJC de Persan, programmation que j’ai voulue plus audacieuse que les saisons passées, en réponse à la fidélité et à la confiance que me font les spectateurs, que je remercie au passage.

“100 kilos et ses éléphants” de la cie L’Yonne en scène ouvrira la saison avec un air fellinien et ravira les nostalgiques du passé et du cirque à l’ancienne. Tel la madeleine de Proust, ce spectacle nous renvoie à nos doux souvenirs d’enfance…

Plusieurs contes classiques sont dépoussiérés et revisités à l’instar du “Petit chaperon rouge” qui, avec “Faim de loup” d’Ilka Schönbein, subjugue et fascine le spectateur tant les métamorphoses surprennent par leur étrangeté et leur inventivité ; “La belle au bois dormant” se transpose ici sous l’ère Thatcher et transforme les quenouilles en seringues avec une Colette Garrigan délicieusement déjantée. “Sleeping beauty” s’inscrit dans la programmation du festival théâtral du Val d’Oise.  Dernier conte que celui de “La reine des neiges” d’Ombline de Benque, où l’expressionnisme allemand marque fortement l’esthétique de cette création très attendue.

Habituée de la programmation, la Fabrique des arts d’à côté présentera le jubilatoire “La véritable histoire d’un petit bonhomme carré qui ne tournait pas rond”, une création sans paroles qui fera rire petits et grands…

La Bretagne s’exporte bien avec 2 spectacles. “La mano” de la cie Tro-héol, une réflexion marionnettique sur la greffe d’une main qui réclame son indépendance (!!) et “La chambre 26″  de la cie À qui a joué tout récemment sa dernière création “Mauvaise graine” à la Biennale des Arts de la Marionnette.

Enfin de l’audace que la cie AMK affectionne tant avec “Gingko parrot (dans mon arbre il y a)”, une exposition/spectacle déambulatoire où les enfants pourront se laisser physiquement submerger par un dispositif tout autant sonore, visuel que textuel. Evoquant la famille et les enjeux émotionnels possibles, cette balade s’articule en 7 univers reliés par un ensemble de passages, de fils rouges invitant les spectateurs au coeur d’une histoire familiale fictionnelle et onirique.

La cie AMK animera également un atelier de manipulation de marionnettes pour se replonger dans son univers et ses créations dans le cadre de “TAM-TAM les saisons de la marionnette”.

Je rappelle que les tarifs défient toute concurrence : 2 euros pour les Persanais et 3 euros pour les extérieurs, c’est ce qu’on appelle une politique tarifaire démocratique !

Très bonne saison à toutes et à tous !

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On the corner of Jorge Luis Borges and Paraguay in the Buenos Aires neighborhood of Palermo at a cafe, I found the most curious magazine. The publication is called La Mano (The Hand) and the April 2009 issue sported, on its cover, a splendid photo of Miles Davis in all of his musical glory. Amongst the magazine’s many articles of Miles Davis and his life of drugs, is an article on the minimal social effects of marijuana versus other, more illicit drugs, like alcohol and cocaine. Pipo Lernourd, in Spanish, explains this awesome tidbit on cocaine…

Es bueno recordar que la cocaína, que es elaborada con solventes y quimicos tóxios en laboratorios truchos, es la droga que se consume en el Congreso Nacional, la droga de los políticos, de los torturadores, de las fuerzas de (in)seguridad y de todos los personajes que navegan en el gran mundo de currupción y violencia, pasados de rosca y dispuestos a todo.

WORD

This is the quote translated…

It is important to remember that cocaine, which is manufactured with toxic solvents and chemicals in bootleg laboratories, is the drug that is consumed in the National Congress, it is the drug of politicians, of torturers, of the forces of (in)security, and of all the characters that navigate the great world of corruption and violence, shameless folks capable of anything.

Sad, that in such a beautiful place like Buenos Aires such a horrible drug like cocaine is not only popular but cheap and readily available. Come on Latino América, its time for a chemical change, something that can actually benifit society and the environment.

After a long and hard 10 months of graduate studies and the hardships of tasting wine and visiting vineyards in Europe, I earned four months of vacation.  Well actually as I mentioned in the previous “vacation notice” posting, I’ll be spending July through September in Bordeaux and the Southern Rhone, working in the wine industry (details to follow in July posts).  However, June is all about rest and relaxation, and well a ton of fun as well.

I spent the first half of June with the family.  After one week back home in Worthington, Ohio, we all headed to Corolla, North Carolina to spend a week on the beach.  Corolla is part of the greater region known as the Outer Banks.  There were 13 of us!—Mom (Shirley), Dad (Ken), Sister (Kelly), Brother (Kyle), 3-year-old niece (Sarah Catherine), 4-month-old niece (Daphne Irene), brother-in-law (Randy), and the rest of the Liddil-Ruffel clan (Rick, Ricky, Katy, Dustin, and baby Garret).

To get us through the grueling week on the beach, I picked out a selection of 7 bottles of wine from Wine Library.  The focus was mainly on value plays below 10 bucks.  However, I splurged on two of the bottles, which unfortunately proved to be disappointing on the price-quality ratio.  Although it should be noted that both bottles were imports and the price-quality ratio will be distorted, especially considering the weak dollar to euro exchange.

Here’s what we drank, ranked from first to last …

TIED FOR FIRST PLACE
2007 Chateau St Michelle, “Dr. Loosen Eroica”
Blend: 100% Riesling
Appellation: Columbia Valley, Washington
Tasting Notes: Straw yellow in the glass.  A crisp, fleshy, grassy, rich nose of wet rocks and peaches and mild spiciness.  This wine is off dry and medium-bodied with a prickly texture and a nice balanced and quenching acidity.  There are flavors of apple, peach, apricot, mineral, grapefruit and overall citrus notes throughout the midpalate and finish.  12% ABV
Rating: 15/20 (WS 91)
Price: $17 @ Wine Library
Fun Fact: Wine Enthusiast’s American Winery of the Year in 2004, Chateau St. Michelle is the oldest winery in Washington State and is the largest single producer of Riesling in the world.  Eroica, named for Beethoven’s Third Symphony, is the result of a partnership between German winemaker Dr. Loosen from the Mosel and Chateau St. Michelle’s winemaker Bob Bertheau.

TIED FOR FIRST PLACE
NV Cantine Riondo “Spago Nero Vino Frizzante”
Blend: 100% Prosecco
Appellation: Veneto IGT, Italy
Tasting Notes: Light straw in the glass.  A very fruity, floral and refreshing nose with aromas of white peach and peach skins, grapefruit, and very light doughy bread in the background.  This wine is semi sweet, light-bodied and lightly effervescent, expressing a very balanced acidity and mouth watering finesse.  There a creamy-glazed fruit flavors of white peach and apple.  This Prosecco is a must buy.  10.5% ABV
Rating: 15/20 (Robert Parker 90)
Price: $9 @ Wine Library
Fun Fact: Prosecco designates the style of wine and also the name of the grape varietal.  Prosecco is typically a sparkling wine, although unlike the Champagne method, which undergoes a secondary fermentation in the bottle, Prosecco’s bubbles result from a process known as Metodo Charmat.  The secondary fermentation takes place in a stainless steel tank, which is one reason why Prosecco is typically much more affordable than Champagne.  Frizzante is a lightly sparkling style, whereas spumante is fully sparkling.  (Jancis Robinson, Oxford Companion to Wine)

SECOND PLACE
2004 Viñedos de Páganos, “El Puntido”
Blend: 100% Tempranillo
Appellation: Rioja DOC, Spain
Tasting Notes: Dark ruby red in the glass.  A big, fruity, and ripe nose with aromas of black cherry, beef jerky, bacon and minerality.  This wine has a strong palate with big ripe black fruit, bitter tannins and a forward acidity.  It is balanced, full-bodied, thick and juicy.  There are flavors of black cherry, blackberry, graphite, coffee, and smoke, with heat and spiciness on the finish.  14% ABV.  4,000 cases produced.
Rating: 14/20 (Wine Enthusiast 96, WS 90)
Price: $45 @ Wine Library
Fun Fact: Wine Enthusiast’s Wine of the Year in 2007.  (Shocking and very undeserving if you ask me.)  “Rioja red wines are classified into four categories.  The first, simply labeled ‘Rioja,’ is the youngest, spending less than a year in an oak aging barrel.  A ‘crianza’ is wine aged for at least two years, at least one of which was in oak. ‘Rioja Reserva’ is aged for at least three years, of which at least one year is in oak.  Finally, ‘Rioja Gran Reserva’ wines have been aged at least two years in oak and three years in bottle.” (Karen MacNeil, The Wine Bible)

THIRD PLACE
2005 Domaine des Baumard “Clos du Papillon”
Blend: 100% Chenin Blanc
Appellation: Savennières, Loire, France
Tasting Notes: A crisp, mineral nose with aromas of apple.  Full-bodied, dry and a little flabby, lacking the expected acidity, resulting in a slight imbalance.  Thick and almost syrupy.  There are ripe fruity flavors of apple and melon.  13% ABV
Rating: 14/20 (Wine Enthusiast 95 / WS 91)
Price: $32 @ Wine Library
Fun Fact: Wine Enthusiast’s #6 Wine of the Year in 2007.  (Once again I’m shocked and should probably look into where these rankings come from.  Both wines were fairly good, but far from a top ten list.  In both cases Wine Spectator blew away Wine Enthusiast in the precision of their ratings, in my humble opinion.)  Clos du Papillon is located on the hillside just above the village of Savennières, on the North Bank of the Loire Valley.  Papillon means butterfly in French; and “Clos du Papillon” refers to the partitioning of the vineyard parcels, oriented North-South, that resemble the shape of a butterfly.

FOURTH PLACE
NV Cinquante-Cinq
Blend: 100% Viognier
Appellation: Vin de Pays d’Oc, Languedoc, France
Tasting Notes: Light straw yellow and crystal clear in the glass.  Light minerality on this Spring-like nose with aromas of citrus, apple, peach skin and white flowers.  Although the nose was very pleasant Wine Library was way off with there comment, “knock-you-out nose that you can only get from Viognier” … far from it, as this particular viognier fell a little short on the standard aromatic scale so characteristic of the varietal.  Medium-bodied, dry and light acidity in the mouth with a silky, velvety, and supple texture.  There are flavors of apple.  12.5% ABV.
Rating: 13/20 (Wine Library 90)
Price: $10 @ Wine Library
Fun Fact: “The origin of the Viognier grape is unknown. Most experts agree that Viognier is an ancient grape that may have originated in Dalmatia and was brought to Rhône by the Romans.” (enjoyingviognier.com)

FIFTH PLACE
2007 Bodegas Castaño “C”
Blend: 100% Monastrell
Appellation: Yecla DO, Murcia, Spain
Vinification: No ageing in oak.
Tasting Notes: Ruby red in the glass.  A tight and green nose, opening up to fruitiness, black fruit, black cherry, raspberry, and spice.   Full-bodied and a little unbalanced in the mouth with moderate acidity, light, bitter tannins and an inky texture.  There are flavors of spice, black raspberry, and blueberry. 13.5% ABV
Rating: 13/20 (Jay Miller 90)
Price: $8 @ Wine Library
Fun Fact: Widely agreed to be identical to the French Mediterranean varietal Mourvèdre, “considerable confusion has resulted from Internet reports that DNA fingerprinting had confirmed that Monastrell was not the same grape as Mourvèdre. These reports were the result of the mis-reading of a UC Davis analysis that a particular sample had been misidentified.” (wikipedia.org)

SIXTH PLACE
2006 La Mano, “Mencía Roble”, Castilla y León
Blend: Mencía
Appellation: Bierzo DO, Spain
Vinification: Aged in American oak 3 months
Tasting Notes: Violet in the glass.  A nose of oak, black fruit, black cherry, lightly meaty, raspberry, white pepper, and mineral.  Dry, light acidity, light-bodied, with strong tannins in the mouth.  This wine is unbalanced, thin and watery with a leathery astringency.  There are red fruit flavors and a green sour apple after taste.  Nothing to write home about, however, this wine is quaffable.  12% ABV.
Rating: 10/20 (Jay Miller 90)
Price: $8 @ Wine Library
Fun Fact: “Plantings (of Mencía) exceed 9,500 ha in the Bierzo and Ribeira Sacra regions of Spain, but confusingly, the same name can be used for a local strain of Cabernet Franc introduced to Galicia in the 19th century.” (Jancis Robinson, Oxford Companion to Wine)

Places full of beauty….places and destinations still to discover and enjoy!!!! My friends will have a ball!!!! and their mothers will enjoy and never forget this Mothers Day ever!!!!!! It is quite an itinerary the one they will be following…I dont know in which order though…so far we have Honduras, Cuba and now…..Uruguay…….great beaches, easy going cities and lively nightlife……Punta del Este is called the Riviera of South America!!! a very luxurious vacation spot…..walking along the shore line will lead you to a great sculpture called ” La Mano”…the hand…..spectacular!!!

Wong kar wai es la mano encargada de dirigir esas películas intimistas, delicadas, que se mueven al son de una banda sonora soberbia, que perdura en el tiempo siendo capaz de traer a la memoria esas escenas de fotografía singular y aire oriental. ”La mano” es sin duda el mejor de los tres capítulos que componen la película “Eros“, y el último metraje que he visto de este director honkonés. 

Después de “Deseando amar“, “Chunking Express“, “My Blueberry Nights” y “2046“, es ésta última la que merece una entrada. 

Sabato sera sono uscita con P., alla fine. Mi son detta: “E’ un uomo per bene, discreto, gentile. Non sarà di certo una cattiva serata”. Così andiamo in trattoria e beviamo del buon vino. Poi decidiamo per un cinema e in quel momento penso perfino che P. non è poi così male. In più il film è bellissimo. Solo che al secondo tempo P. mi piazza una mano proprio laggiù, senza dire nè a nè ba.

Ma la mano – mi chiedo – a coppa o di taglio?

O que tambem me move para visitar algum lugar pode ser a arte, e eu conheci um lugar cheio de cultura e esse lugar se chama Medellin que é um lugar rico em atividade cultural, gastronomia, calidez e com muito que ver. As ruas de Medellin transpiram arte e cultura, nos 700 metros quadrados que mede a praça Botero se exibe, de maneira permanente, uma mostra representativa da obra desse escultor-pintor antioquenho, considerado uns dos mais importantes artistas conteporaneo  e aqui se pode contemplar algumas de suas obras como La mano, Hombre a caballo, Maternidad, Gato y soldado Romano e varias outras. Sao 23 esculturas monumentais que somadas ao impacto urbanistico que gera esse espaço, inaugurado em 2002 e faz do lugar uma praça atrativa.

Mosquito hace el resumen del año en La Mano de diciembre. La que tiene al Sr. Solari en la tapa.

La única página del Granjero en el 2008.

Mosquito es grosso.

Mosquito es bueno.

Mosquito es peronista.

¿Qué vas a leer? ¿La Papparazzi?

Por: Matías Morales

Los Beatles y Violeta Parra como grandes modelos formativos. Los Jaivas como el maravilloso encuentro de dos mundos musicales y, a partir de ellos, la necesidad imperiosa de sumergirse en la sonoridad latinoamericana, para luego -con el rock argentino mediante- reencontrarse con el rock y el pop anglosajón. Es el recorrido por algunos de los discos significativos para Lalosky, guitarrista de La Mano. Un viaje donde siempre ha existido la búsqueda de una continuidad para nuestros sonidos originarios, pero sin dejar de poner atención a lo que ocurre más allá de Chile y latinoamérica.

The Beatles – Let It Be (Capitol, 1970) // Gilbert O’Sullivan – The Best of Gilbert O’Sullivan (Rhino, 1991)

-“The Long and Winding Road”, una canción del disco Let It Be, de los Beatles, es la canción más antigua de la que tengo recuerdos; es una canción que me ha acompañado toda la vida y que de alguna forma define mi relación con la música, la define sin palabras, sin cabeza, solo sensaciones, ideas que cruzan, es un modelo. El Let It Be es, al mismo tiempo, un disco significativo porque fue el último de los Beatles antes que quedara la cagada, y representa el final de un ciclo.

La segunda canción que recuerdo es “Alone again (naturally)”, de Gilbert O’Sullivan. En mi familia bromeaban porque supuestamente la cantaba en inglés, pero en inglés de un niño de tres años, de Santiago de Chile, proveniente de una familia que nunca estuvo en Inglaterra, Estados Unidos o país anglosajón alguno, ni en colegio bilingüe.

Violeta Parra – Canto y guitarra El folklore de Chile, Vol. I (EMI Odeon, 1956)

-Uno de los grandes discos que estaba en mi casa era el Canto y guitarra. El Folklore de Chile Volumen 1, un disco del año ‘56, con una portada verde, donde sale la Violeta tocando la guitarra así como yo he visto que la tocan los poetas populares – porque yo soy hijo y nieto de poetas populares – que no la agarran con la posición de guitarrista clásico, sino que parada, apoyada sobre las rodillas, con las rodillas juntas, y con el mango hacia arriba, apuntando hacia el cielo.

Yo era melómano desde chico, y ese disco lo tocaba con el horror de mis papás porque se podía rayar, pero apenas se descuidaban yo pescaba el LP y lo hacía sonar en el tocadiscos. Escuché canciones que se metieron en mí y que constituyen los primeros rayones sobre ese pizarrón en blanco que uno tiene cuando niño – o en negro, dependiendo de la tecnología del pizarrón, si es con tiza o con plumón – y ha sido tan significativo que, de hecho, cuando agarro la guitarra de palo una de las primeras cosas que se me vienen para tocar son las “Tres cuecas punteadas” que salen en ese disco.

En mi casa, Violeta Parra era un personaje casi familiar y se hablaba de ella como una amiga, como una amiga muy admirada pero cercana. Ella es el canto popular, y quisiera sacarle todo el contenido demagógico que esta afirmación arrastra pero, tal vez, a estas alturas, ya ni sea necesario hacerlo. Más allá de la mirada política de los hechos de entonces y de los hechos posteriores, la figura de Violeta Parra, una mujer, que también pudo ser un hombre, con una guitarra, cantando, convirtiendo en canciones el sentir de un grupo de personas, es una cuestión de una trascendencia que uno no puede ignorar. Ella es el canto tradicional chileno y nos enseñó, además, a reencontrarnos con nuestra tradición cuando nos habian mostrado, o habian querido hacernos creer que el folklore de Chile eran Los Huasos Quincheros, con sus canciones patronales, canciones inventadas por músicos cultos, con temáticas bucólicas, donde no existía el conflicto, el dolor, la pobreza, el abuso, el desamparo.

Los Jaivas – Los Jaivas (EMI Odeon – 1975), Canción del Sur (EMI Odeon – 1977), Alturas de Macchu Picchu (CBS, 1981)

-Encontrando maravillosas las canciones de los Beatles, me fui dando cuenta que no entendía las letras. Entonces fue surgiendo esta idea de lo que significaba hacer música para nosotros, y a partir de ahí hubo en mí una apertura a lo chileno y latinoamericano donde me encontré con Los Jaivas. Es curioso, Los Jaivas hoy suenan como viejos, pero en esa época eran los juveniles, eran una nueva expresión que juntaba estos dos mundos, que juntaba a los Beatles con Violeta Parra.

Pienso en los discos Los Jaivas, que algunos conocen como El Indio, Todos Juntos, o la Canción del Sur, como una invención de Chile, como un modelo de la nueva latinoamérica, de la latinoamérica que había sentido el impacto de los Beatles, y fue un fenómeno que pasó efectivamente en toda nuestra región, en Brasil pasó con el tropicalismo, y en Argentina con el rock argentino. Los Jaivas son músicos que, teniendo un pie bien puesto en su propia tradición, se apropiaron de toda la influencia Beatles y de otros grupos similares. No dejaron de tener un pie acá para estar abiertos al mundo. Y esa debiera ser una forma, estar acá y mirar afuera, estar acá y no mirarnos solamente a nosotros mismos.

“La conquistada” es, para mí, una de las canciones más maravillosas de la historia de la música popular chilena. Y de paso afirmo que es la historia de la música popular chilena, y no la historia del rock chileno como se trata de hacer creer muchas veces en los medios; el rock chileno es una pequeña parte de la historia de la música popular chilena. Canción del Sur también tiene esa energía que significaba viajar por lo latinoamericano, y de alguna forma prepara el camino para la tremenda obra que es Alturas de Macchu Picchu, que suma toda la potencia significativa que tiene un poeta como Pablo Neruda para la cultura ya no solo chilena sino que universal. Alturas de Macchu Picchu debe ser una obra cumbre de la cultura latinoamericana y del mundo, por el encuentro que se produce entre la obra de Neruda y la expresión musical de Los Jaivas, que yo considero tremendamente lograda.

Silvio Rodríguez – Días y flores (EGREM, 1975), Al final de este viaje… (EGREM, 1978), Mujeres (EGREM, 1978)

-Todos los creadores deben pasar por periodos extraordinarios y ordinarios de creación. Y dentro de sus periodos extraordinarios, Silvio Rodríguez tuvo desde el año ‘75 al ‘78 una seguidilla de discos tremenda, que siguen el modelo de cantautor iniciado por Violeta Parra. Alguien me preguntaba alguna vez, ¿por qué tanto con Violeta Parra?, y yo respondí “porque antes no existía la forma de cantautor, de una persona tocando la guitarra y cantando canciones con solo ese acompañamiento, era muy pobre, y pararse así y construir un mundo, construir una poética literaria y musical, es una obra de titanes”. Hay unos cuantos valientes que dan el salto, pero no siempre salen bien parados, Silvio Rodríguez sí es uno de los que salen bien.

En La Mano – donde tal vez por ninguna parte se note la influencia de Silvio Rodríguez – hicimos una encuesta y lo elegimos el compositor de nuestras vidas, o sea Silvio Rodríguez está, aunque no se note, en todos nosotros, en el Yiyi, en la Francia, en el Ale Ugarte, en el Edgar, en el Waldo y en la Pame.

Eduardo Gatti – Eduardo Gatti (SyM, 1982) y Eduardo Gatti 2 (RCA Víctor, 1983)

-Siguiendo en la linea de los cantautores, otro que me pareció especialmente significativo fue Eduardo Gatti y sus discos Eduardo Gatti, del año ‘82, y Gatti 2, del ‘83. Por ese entonces yo seguía con algo que para mí fue un desafió y que de alguna forma sigue siéndolo, que es encontrar una expresión contemporánea para la música tradicional chilena, y no quiero decir con esto disfracémonos de huaso y toquemos cueca, etc., sino que démosle continuidad a nuestro sonido. Nuestra música está creada a partir de todas las circunstancias que nos rodean, la música chilena se debe a nuestro paisaje, a nuestro clima, a nuestra cultura, a nuestros orígenes españoles-mapuches. Todo lo anterior funda nuestro sonido, y otras corrientes como los ritmos negros o el rock llegarían después. Esta cosa originaria de lo chileno me ha inquietado siempre, y que Eduardo Gatti, por ejemplo, hiciera versiones arpegiadas de los ritmos folklóricos de Chile y de latinoamericana me parecía tremendamente interesante. Bueno, también dentro de esto estaban Los Jaivas, Gatti y el grupo Congreso, no en vano ellos son una generación. Pero precisamente los discos de Gatti, el primero del año ‘82, donde venía “Quiero paz, “Naomi”, “Sambayé”, todas grandes canciones, me parece una fuente digna de ser revisada por las nuevas generaciones para seguir construyendo.

Charly García – Yendo de la cama al living (Interdisc, 1982), Clics modernos (Interdisc, 1983), Piano Bar (Interdisc, 1984) // Pescado Rabioso – Artaud (Microfón, 1973) // Invisible – Invisible (Microfón, 1974), Durazno sangrando (CBS, 1975), El jardín de los presentes (CBS, 1976) // Luis Alberto Spinetta – Kamikaze (BMG, 1982)

-Como yo estaba con la mirada puesta sobre lo latinoamericano dejé de estar influido por el rock anglo, hasta que conocí a Charly García y a Spinetta. Ellos dos, teniendo carreras bien paralelas, son dos mitades de un mismo mundo, y dos mitades bastante distintas. Charly García como cronista y Spinetta como lírico, como poeta.

De Charly García siempre me sorprendió su capacidad de darle al pop un contenido, un contenido en lo musical, siendo un pop muy simple. Entre los año ‘82 y ‘84 presentó tres discos y con ellos una colección de veintitantas canciones imprescindibles. Él es un tipo híper lúcido que fue derivando en este excéntrico personaje que conocemos hoy, pero pagando el precio y mostrando el precio que pagó.

Por otra parte, Spinetta, más lírico, y en lo musical creativamente más sorprendente. Él y Charly dividieron mi alma en dos polos, era el clásico ser o no ser, caluga o menta, Colo Colo o la Chile, Boca o River, esas divisiones existenciales, dos muy distintos pero al final complementarios, porque sin el Colo y sin la Chile no existiría el fútbol chileno, no habría clásico.

Spinetta, a mi gusto, tiene una obra más… no sé, es difícil, a veces pienso que Charly García es más grande, y otras que Spinetta lo es, y en el fondo me doy cuenta que no vale la pena. De Spinetta puedo mencionar los discos que más me impactaron, como el Artaud, que fue un álbum que sacó como Pescado Rabioso pero donde en realidad cantaba solo, con músicos invitados. Ese disco me mostró una forma increíble de hacer canciones, una cosa impensada, yo recuerdo que le mostraba canciones de Spinetta a mis amigos y se cagaban de la risa, y yo como poseído del alma. Mis amigos de decían “¡cómo podis escuchar eso, esa cosa tan rara!”, y, claro, porque en si no era pop, Spinetta hacía una música que era para el auditor de la sed verdadera.

Después del Artaud vienen los álbumes de Invisible y yo creo que esa es su gran banda, cuando estaba en el apogeo de su quijotada. El álbum Invisible es extraordinario y después con Duraznos sangrando, que tiene ni más ni menos que “Duraznos sangrando”, una de las grandes canciones del rock argentino, y el ‘76 aparece El jardín de los presentes, donde viene “El anillo del capitán Beto”, tremenda, también tiene otra que a mí me vuelve loco, “Niño condenado”, y “Los libros de la buena memoria”.

Yo me pegué el rayón con Charly García y Spinetta como con pocos músicos, al punto de seguir toda su discografía. El año ‘82 Spinetta remató con el Kamikase, un álbum acústico lleno de notables canciones y con esa poética de alto vuelo, que tiene pocos símiles en la música mundial. Siempre me pregunto qué habría pensado un gringo al escuchar a Spinetta en ese tiempo. ¿De dónde salió? ¿Spinetta es un marciano? Musicalmente, quizás. Porque tiene una complejidad armónica sorprendente para alguien que no tiene estudios de música y que se formó como autodidacta.

Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (Capitol, 1973) y The Wall (Capitol, 1979)

-Uno de los grupos que me impactó, una vez reconciliado con el rock anglo gracias al rock argentino, fue Pink Floyd. Cuando los escuché sentí que había que parar oreja y, sobretodo, a dos de sus álbumes fundamentales, El Lado Oscuro de la Luna y el The Wall. Ambos son discos conceptuales, con una creación que siempre te tienta y, en el caso El Lado Oscuro de la Luna, fundacional en tantos sentidos, con tanta experimentación sonora, con nuevos instrumentos, y las letras también, a partir de lo que me podía informar en las traducciones porque no soy bilingüe, pero sin duda encontraba un amparo. De repente escuchabas una buena canción de Led Zeppelin y cachabas la letra gracias a la traducción y te daba risa. En Pink Floyd había algo un poquito más intencionado en las letras, y la música era realmente alucinante. Pa’ que decir The Wall acompañado de la película.

The Cure – Three Imaginary Boys (Fiction, 1979) y The Head on the Door (Elektra, 1985) // The Clash – London Calling (Epic, 1977) y Sandinista! (Epic, 1980)

-Avanzando en los ‘80, dos bandas a las cuales me tiré de cabeza a conocer fueron The Cure y The Clash. The Clash con el Sandinista! y el London Calling, porque tenía también una correspondencia con el gusto político, y, además, una diferencia con el punk de grupos como Sex Pistols, que era un punk decididamente anarco. A mí me interesaba el punk con dirección, además los Clash musicalmente eran mucho más creativos, más variados, más finos, más músicos. El punk es un movimiento de actitud, un movimiento casi anti artístico, y The Clash estaban un poquito más allá, estaban haciendo música.

The Cure me mostró una infinita gama de posibilidades de hacer música, después del impacto de Pink Floyd, desde una vereda diametralmente distinta. Yo siempre andaba detrás de la creatividad, mirando y tratado de descubrir dónde estaba este bichito de la creatividad, dónde estaban la razón y el sentido. Y de repente descubro en The Cure que la creatividad podía estar en estructuras armónicas muy sencillas, repetitivas, pero con unas atmósferas envolventes, densas, significativas. Cuesta describir la música en palabras porque, bueno, es la música y no la poesía, pero cuando descubrí a The Cure me tiré de cabeza en ese mundo un poco depresivo y sentí que había una forma de reinventar, de retomar la creación desde otra vereda, y que el pop también era una vía.

Tom Waits – Swordfishtrombones (Island, 1983)

-Por ese tiempo conocí también a Tom Waits, especialmente el disco Swordfishtrombones, una palabra compuesta. En ese tiempo, Tom Waits tenía tres lineas: una de canción blues, otra de balada, y una de canción experimental, de experimentación sonora, con mucha percusión e instrumentos inusuales, no usaba una banda clásica, con batería, bajo y guitarra.

Como The Cure me resultaba una música muy pictórica, Tom Waits era un poco más literario, pa’ mí era como Kerouac, como Bukowski, como la banda sonora de esa gente, aunque por lo menos con Kerouac ya habían muchos años de distancia. Tal vez Bukowski lo conoció, y me imagino que si hubiese cantando lo habría hecho como Tom Waits.

Leonard Cohen – Songs of Leonard Cohen (Columbia, 1968) y Songs of Love and Hate (Columbia, 1971)

-Y en esta relación entre poesía y música de repente se me apareció alguien que no tenía nada que ver con los anteriores, Leonard Cohen, pero lo conocí entrando a los ‘90. Mauricio Redolés me regaló un cassette de Leonard Cohen con estos dos álbumes, y los encontré tan despojados, de lineas melódicas tan simples, desprovistos de aparataje instrumental, era todo lo contrario a Pink Floyd o a los mismos Jaivas, era algo puro, solo la letra de un tipo cantando con una voz nada del otro mundo, acompañado con una guitarra de palo.

Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (Warner Bros, 1991), One Hot Minute (Warner Bros, 1995), Californication (Warner Bros, 1999) // Nirvana – Never Mind (DGC, 1991), In Utero (DGC, 1993) // Smashing Pumpkins – Mellon Collie and the Infinite Sadness (Virgin, 1995)

-Otra vez de vuelta al rock me encontré con tres grandes bandas, dos de ellas indiscutidas y la tercera no sé que tanto la considerarán los medios o los críticos. Primero, los Red Hot Chili Peppers. Yo empecé a darle duro a la guitarra eléctrica por entonces y trataba de sacar con mayor o menor éxito sus canciones. Cuando empezamos con La Mano tocábamos muchas cosas y con algunos integrantes del grupo, con el bajista, por ejemplo, tratábamos de tocar a los Red Hot. No sé por qué, otra vez, los ligué a la estética de Jack Kerouac, bueno, tienen algo de ese mundo que representa al gringo aprovechando la extensión de su territorio, es como un fenómeno cultural de allá, que es atravesar el país con un auto, el viaje por la vida representado en el viaje a través del país, que está en “En el camino”, de Kerouac, y en el video de “Scar Tissue”, pero no sólo estaba en ese video, yo lo sentía de mucho antes y cuando vi el video era como la materialización de algo que yo me imaginaba sin entender las letras, sin tener idea de lo que hablaban. La música de los Red Hot me sonaba a eso, a esa poética sucia, de mendigo, de andariego, de tipo que anda colgado de tren en tren y en la vida. Yo escuchaba a los Red Hot y las ganas de desaparecer y salir a recorrer me quemaban.

La otra banda que me impactó fue Nirvana, con toda la potencia y la simpleza que tenía Kurt Cobain y su guitarra, demostrando que no es necesario tanto. Nirvana y Cobain tienen, además, todo un contenido dramático, cuando aparece el Unplugged y luego él se suicida. Era como la novela de García Márquez, “Crónica de una muerte anunciada”, todos sabíamos que Cobain se iba a matar y nadie podía hacer nada para que no se matara y, al mismo tiempo, todos hacíamos todo para que se matara, sin duda todos lo matamos, nosotros lo matamos, entre otras cosas. Pero al parecer era esa fama que él no quería lo que finalmente lo mató, esa imposibilidad de ser una persona que sólo toca su canción y opina, sin que te endiosen. Había pasado Nevermind, había pasado In Utero, y de repente empezamos a darnos cuenta que había un hombre en la tragedia. Pienso hoy, quizás, en la Amy Winehouse, no sé, no la conozco, pero también es una persona que está al borde del abismo, tremendamente talentosa, y nos reímos de sus excentricidades, no sé si nos reímos realmente, pero las comentamos, cualquier día se muere, y luego pienso en Rodrigo Lira, pienso en artistas suicidas que son admirados, y ellos justamente se suicidaron porque esa admiración no les servía, necesitaban otra cosa que estaba entre lineas y nosotros no la vimos. Nirvana es una cumbre. Kurt Cobain es una cumbre. Es como entiendo habría dicho Ulises al borde del mar mediterráneo, non plus ultra, no más allá, no vayan más allá.

Bueno, y después, el disco doble de Smashing Pumpkins, el Mellon Collie, que me pareció extraordinario, otro de los grandes discos de los ‘90. Extraordinario porque tal vez me siento representado por esa exquisita diversidad que tiene, que va desde temas absolutamente sucios, rockeros, con guitarras, con toda la ganancia, a baladas, a canciones casi de época. Me pareció un disco notable.

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Por Alfredo Rosso, revista La Mano (sección”¿Cómo se hizo?”).

En 1967, Bob Dylan editó John Wesley Harding, después del período de reclusión y convalecencia que siguió a un accidente motociclístico del año previo. Uno de sus temas fundamentales era “All along the watchtower”, que parecía aludir, en forma oblicua, a la frutración que sentía con su manager y grabadora, que al parecer le estaba pagando un porcentaje de regalías mucho menor al de su status artístico. En la letra hay un diálogo entre dos personajes: el joker, o sea el bufón, y el thief, el ladrón. “Debe haber alguna manera de salir de aquí” dice el primero, “hay demasiada confusión, nada que me alivie”. Y se queja de los “hombres de negocio”, que beben de su vino y de los labradores que aran su tierra, y agrega “ninguno de ellos sabe lo que vale todo esto.”

El ladrón le aconseja no preocuparse demasiado, ya que ambos están por encima de semejantes cuestiones materiales. “No hay razón para excitarse”, le responde, “muchos aquí piensan que la vida no es sino una broma, pero vos y yo hemos pasado ya por eso, y ese no es nuestro destino. De modo que no hablemos en vano, que se está haciendo tarde.” La impaciencia del ladrón es coherente con su idea de que hay cuestiones más importantes y urgentes de que ocuparse en la vida. Y como contraste final están las imágenes de la última estrofa: por un lado la placidez y el conformismo cortesano de esa especie de castillo o torre de vigilancia. Por el otro percibimos una especie de incierta amenaza en el panorama que se divisa a lo lejos, expresada en las dos líneas: “… a lo lejos, un gato montés gruñó/ Dos jinetes se aproximaban y el viento comenzó a aullar.”

Jimi Hendrix era un gran fanático de Dylan y quizás se identificó con estas metáforas, ya que el también tenía un lío managerístico por haber firmado contratos poco claros. Ni bien la escuchó, decidió incluirla en el albúm Electric Ladyland. Partiendo del original acústico, hizo un arreglo eléctrico, añadiendo color y dramatismo (ya desde su comienzo casi marcial, con una percusión bien marcada) para alcanzar un climax en la parte central con unos solos devastadores. Se destacan especialmente los efectos de la guitarra slide (obtenidos con la ayuda de un encendedor), el arreglo de wah-wah y el alarido final de la guitarra.

El propio Dylan reconoció el poder de la versión de Hendrix y para su gira con The Band en 1973 diseñó un arreglo más denso que quedó registrado en Before the flood. Incluso llegó a confesar:”Es extraño como, cuando canto ‘All along the watchtower’ siento que es un tributo mío a Hendrix, en lugar de ser a la inversa.”

Cómo y cuando se le ocurrió la idea de grabarlo no está del todo claro. Dave Mason, de Traffic, que tocó guitarra acústica en el tema, afirma que Hendrix escuchó por primera vez John Wesley Harding en Londres, en una fiesta íntima con pocos amigos. Por su parte, Andy Johns, ingeniero de los estudios Olympic, sostiene que en más de una ocasión Hendrix había llegado al estudio con cintas de temas de Dylan. La cuestión es que se grabó el domingo 21 de enero de 1968. Hendrix había discutido con su bajista Noel Redding, de modo que se hizo cargo de las partes del bajo, en un instrumento que había sido de Bill Wyman, de los Stones. Se hicieron 24 tomas, hasta que todos los presentes estuvieron satisfechos con los resultados.

La versión que Dylan grabó en John Wesley Harding (el video está hecho en base a dibujos de un tal Giovanni Rabuffetti):

Versión furiosa que Jimi Hendrix grabó en Electric Ladyland.

All Along The Watchtower

“There must be some way out of here,” said the joker to the thief,
“There’s too much confusion, I can’t get no relief.
Businessmen, they drink my wine, plowmen dig my earth,
None of them along the line know what any of it is worth.”

“No reason to get excited,” the thief, he kindly spoke,
“There are many here among us who feel that life is but a joke.
But you and I, we’ve been through that, and this is not our fate,
So let us not talk falsely now, the hour is getting late.”

All along the watchtower, princes kept the view
While all the women came and went, barefoot servants, too.

Outside in the distance a wildcat did growl,
Two riders were approaching, the wind began to howl.

Oliver Stone, excombatiente de la guerra de Vietnam, comenzó en esto del cine como uno de tantos aficionados que aspiran ha hacer de el su profesión: Rodando un corto.

Ese corto de 12 minutos, se titulaba “Last Year in Viet Nam”, y lo rodó en 1971. He encontrado un video de el, de una duración de poco más de seis minutos, pero puede darnos una idea de ese trabajo.

En 1974 realizó su primera película, “Seizure” (en español “La reina del mal”), un film de terror en el que un novelista que está trabajando en un libro de ese género, sufre durante un fin de semana una continua pesadilla en la que se le presentan tres finales alternativos a su novela. El sueño llega a tomar cuerpo y se convierte en real.

Tenía archivados algunos recuerdos de esa película, que han despertado al ver el pequeño trailer que voy a colgar aquí. Probablemente la vi en video, pero no puedo determinar la fecha, y desde luego, mucha impresión no debió de causarme, cuando los recuerdos a los que me he referido, permanecían dormidos.

Otro corto fue su tercer trabajo como director, este en 1979. Dura 17 minutos, y su título es: “Mad Man of Martinique”.

La verdad, lo desconozco totalmente, y no he encontrado ese corto por ningún lado.

Y llegamos a “La mano”, que presentó en 1981 para la pantalla grande.

El guión de “La mano”, lo escribió Stone basándose en la novela de Mark Brandel “La cola de la lagartija”, y trata sobre un dibujante de comics que viajando en coche con su mujer, pierde la mano derecha en un accidente al sacar esta por la ventanilla del automóvil. El accidente pone fin a su carrera, y enturbia las relaciones con su mujer. La mano cortada aparecerá físicamente y con su aparición dan comienzo unos escalofriantes asesinatos.

“La mano”, a la que yo siempre he considerado la ópera prima de Stone, aunque evidentemente no lo es, con ese argumento aparentemente sencillo, desarrolla una trama compleja con visos surrealistas, que se aleja de la simple película de terror, adentrándonos en un thriller psicológico, en el que lo irreal puede ser real, o solo parecerlo.

Un inmenso Michael Caine protagoniza la película, ofreciendo un recital de expresiones y miradas memorables, conforme sus miedos o su locura avanzan.

A pesar de no ser una obra totalmente redonda (se le pueden criticar algunos fallos), contiene los suficientes valores para apreciarla. Los diálogos y las escenas familiares son convincentes y cercanos, tanto como la actitud del protagonista ante la pérdida de su mano, y los escenarios en los que se mueve la trama. Puede que el guión zozobre en algunos momentos, pero eso lo ves más tarde, porque mientras transcurre la compleja historia, el interés que te crea no te permite prestarles atención, y eso ya es un punto positivo.

Un relevante manejo de la cámara, y la excelente música de James Horner, que remarca la tensión del film en los momentos apropiados, son otros de los logros de este film, que aunque atípico en lo que luego ha sido la filmografía de Stone, nos ponía en la pista de que era un director principiante de los que en un futuro podía dar que hablar.

Así ha sido. Entre sus películas posteriores encontramos un abanico de argumentos que en nada se relacionan con “La mano”, y dar que hablar, si que ha dado (es un provocador nato), a veces para alabarlo, y otras para retractarlo. No todo lo que ha hecho es bueno, pero en los años transcurridos desde aquel 1981, nos ha ido entregando algunos títulos muy dignos, que quedarán reflejados para siempre en la historia del cine.

Y todo empezó… con una mano.

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Filmografía completa pinchando aquí

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“Last Year in Viet Nam”

“Seizure”

“La mano”

Swanson  

Sin duda, esta tiene que ser lasemanamásverde en lo que llevamos de año. Ruper Stadler, director ejecutivo de Audi, ha comentado al rotativo alemán Handelsblatt que planea lanzar un modelo eléctrico prácticamente al mismo tiempo que Volkswagen, lo que situaría su fecha de comercialización en algún momento del año 2010 (asumiendo que no haya retrasos). Ahora mismo no tenemos demasiado claro si con “eléctrico” don Stadler quieren decir en realidad “híbrido”, pero teniendo en cuenta la presión de los fabricantes japoneses, suponemos que tendremos muchos más detalles dentro de poco. Tal vez el Salón de París, en octubre, sirva para empezar a conocer la estrategia de VAG.

En cuanto al A1, a pesar de la creciente popularidad de los modelos de los segmentos B y C, Audi no cree que merezca la pena vender el primo rico del Polo en los Estados Unidos. La explicación oficial es que aunque los consumidores norteamericanos están cada vez más interesados en reducir sus visitas a la gasolinera, su amor por los vehículos de grandes dimensiones está lejos de desaparecer. Viendo cómo está evolucionando el mercado no nos atreveríamos a poner la mano en el fuego por esta clase de predicciones, aunque seguro que Audi ya ha realizado sus propios estudios.

REVISTAS

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Rock&Pop: Cuál es? – Lunes 09/06

-> Bajá el especial sobre Viva La Vida (20 min):

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-> Bajá el audio original (en mejor calidad) del programa (59 min / 10 mb):

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DIARIOS

Clarín: Espectáculos – Domingo 08/06

Clarín: Espectáculos – Domingo 15/06

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Les informamos que este post se irá actualizando con más material hasta lograr tener todas las notas posibles que hayan salido este mes en revistas, radios, tv y en más medios argentinos. Saludos!

PD: Si hay alguna nota que nos esté faltando… avísennos! Desde ya, gracias!

Our good friend Mitch is moving to Brooklyn today- so last night Michelle and I took him to J.P. Licks for some yummy ice cream and a mini going away party.

Good luck in ny- we will miss you!

xo kim & michelle

]]> http://herakleya.wordpress.com/2008/05/08/il-kamasutra-della-mano/ Thu, 08 May 2008 21:30:22 +0000 herakleya http://herakleya.wordpress.com/2008/05/08/il-kamasutra-della-mano/

Nuestro novel colaborador Janchez ha publicado en el último número de La Mano un par de páginas de su notable “McKosher”.

Es posible ahora aprender técnicas de bromatología al ritmo de la música progresiva.

Por: Matías Morales

Tuvieron que pasar siete años de ensayos y presentaciones en vivo para que el conjunto La Mano editara su primer EP, Carta de Ajuste; un efectivísimo disco promocional, no sólo porque enmienda la carencia de un registro del excelente sonido que los seis músicos y amigos de barrio que integran La Mano venían desplegando en sus shows, sino, además, porque representa un contundente apronte para un largaduración que debiera ver la luz durante el primer semestre de 2008.

La variedad de estilos musicales que confluyen en el sonido de esta agrupación oriunda de Pedro Aguirre Cerda, y que ellos mismos confirman al autodefinirse como una banda “cumbiarockbluessanova, pachanguera e íntima”, se pasean con soltura a largo de las cuatro pistas que integran Carta de Ajuste (grabado en los estudios Madera y Agua, bajo la producción de Quique Neira).

“La Patá” inaugura el vacilón con sonido de cumbia e, inmediatamente, queda en evidencia la amplia extensión que tiene La Mano para jugar con distintos ritmos que propician el movimiento de caderas. “De Reojo” suspende momentáneamente la fiesta e introduce la sonoridad íntima del grupo. El segundo tema de Carta de Ajuste pareciera incorporar el aura universal de esa canción romántica respaldada por una instrumentalización suave, pero la voz gruesa (y no tosca) de Francia Molina confiere a la canción una intensidad cautivadora. El inmediato cara y sello que se da entre el primer y segundo tema de este EP ya son suficientes para incentivar la curiosidad en relación al potencial despliegue de sonidos que puede alcanzar La Mano, más aun cuando la interpretación de estilos diversos está acompañada por la solvencia instrumental de los músicos. La segunda mitad de Carta de Ajuste trae consigo el retorno de los ritmos festivos. “Voy a Cantar” se llena de a poco hasta explotar en una fiesta ska, y “Televisión”, tal vez el tema con mayor riqueza instrumental – y, por lo mismo, el más inclasificable -, atrapa con un sonido que tiene atisbos de reggae y de salsa, y que se refuerza con una amplia gama de percusiones.

La versatilidad musical y la calidad interpretativa que exhibe La Mano se funde con letras directas y de rápido enganche. El acecho y acoso de los pacos (La Patá), la liberación del agobio que provoca una vida sistematizada (Voy a Cantar) y la denuncia a la intromisión ofensiva de una televisión siliconeada, son cantadas con vítores festivos, volviendo risibles algunas situaciones lastimeras.

Poco importa que hayan pasado siete años cuando el resultado tiene la calidad de Carta de Ajuste. El poderoso combo discursivo-instrumental de La Mano tiene su fuerza en los aportes individuales que cada miembro ofrece al conjunto, y la síntesis da muestras de ese placer innegable que se desprende al hacer buena música con los amigos de toda la vida.

Para escuchar Carta de Ajuste visita el MySpace de La Mano.