This link was send today, and  we had such a laugh when we saw it. Impressive stuff!

setanddrift.org/blog/2009/08/giant-pink-bunny/

The Andy Warhol Museum in Pittsburg, Pennsylvania, is now featuring an exhibition of photos of 12 modernist landscapes. According to the museum, the George Eastman House, in conjunction with The Cultural Landscape foundation, the organizers of the exhibition, examine 12 “important modernist landscapes” through the lens of ten photographers. The project is as much about ”photography as it’s about landscape.” 

Landscape projects in the exhibitition include: Lake Elizabeth (Allegheny Commons, Pittsburgh, Pennsylvania), Boston City Hall Plaza (Boston, Massachusetts), Estates Drive Reservoir (Oakland, California), Heritage Plaza (Heritage Park, Fort Worth,Texas), Kaiser Roof Garden (Kaiser Center, Oakland,California), Manhattan Square Park (Rochester, New York), Mill Creek Canyon Earthworks (Kent, Washington.), Miller Garden (Columbus, Indiana), El (Hato Rey, Puerto Rico), Pacific Science Center Courtyard (Seattle, Washington), Parkmerced (San Francisco, California), and Peavey Plaza (Nicollet Mall, Minneapolis, Minnesota).

The photograhers represented in the exhibition are Sam Sweezy, Debra Bloomfield, Lupita Murillo Tinnen, Heather F. Wetzel, Rick McKee Hock, Christopher Rauschenberg, Tyagan Miller, Marisol Diaz, and Tom Fox.

Go to the Warhol Museum web site, or check out the online exhibition from the Cultural Landscape Foundation.

Also, the Cultural Landscape Foundation has just issued a call for nominations for its well-known “Landslide” program. Nominations are due March 31, 2010. 

“Since its inception in 2003, the Landslide initiative has spotlighted more than 150 significant at-risk parks, gardens, horticultural features, and working landscapes. This year’s theme will again do so by calling attention to the places that embody our shared landscape heritage.”

Image credit: The Cultural Landscape Foundation, Landslide 2008. Mill Creek Canyon, Earthworks

Więcej zdjęć na Playscapes. Na stronie Patricka Dougherty zamieszczono bardzo ciekawe filmiki prezentujące pracę artysty, zarówno w terenach otwartych, jak i we wnętrzach.

Le duo d’artistes Christo&Jeanne-Claude travaille ensemble depuis Novembre 1958, quand ils se sont rencontrés à Paris (il y a 51 ans). A partir de ce moment, ils ne se sont plus quittés et ont réalisé beaucoup de travaux dans le monde entier. Leurs installations temporelles sont très caractéristiques par leur grande taille et leur impact visuel.

Normalement, ils travaillent dans la planification de leurs projets avec des spécialistes de la construction et des ingénieurs. Avant de commencer la construction, ils font beaucoup d’esquisses et ils commercialisent et vendent les idées à des investisseurs privés et publics, et avec cet argent ils font de grandes installations. 

En 1979, ils ont commencé à travailler avec ‘The Gates’, une installation à Central Park New York. Ils ont trouvé l’investisseur et ont fixé les autorisations et les détails techniques pour la construction (toiles, structures etc.). En 2003, le maire de New-York a fait l’annonce officielle de la construction de l’installation. Deux ans après, en février 2005, elle a été inaugurée et après, toutes les toiles ont été recyclées.

La même chose s’est passée avant, avec le bâtiment du gouvernement en Allemagne (1971-1995). Ils ont fait ‘Wrapped  Reichstag’ avec l’aide de 90 professionnels de l’escalade et 120 installateurs. Cette installation a eu une grande signification politique et a été financée aussi par les artistes ; ils n’acceptent pas de donations économiques par leur travail.

            Christo and Jeanne-Claude ont travaillé ensemble, jusqu’à ce dernier mercredi 18  novembre, quand Jeanne-Claude est morte suite à des problèmes cérébraux.

Cet article est un petit hommage pour son travail, et pour la regrettable perte de Christo, son époux, collègue et artiste qui continuera à travailler en mémoire de Jeanne-Claude.

(Plus d’information sur http://www.christojeanneclaude.net/)

 Abril Sanchez Gzz., étudiante mexicaine, 4ème année art

1.A great tutorial from a fellow blogger

2. Heh

3. The Universe.
I could sit and stare at these pictures all day

4. Vintage-y Love

5. Inspirational video on some great art

6. Land Art for Kids.
New website from Richard Shilling.

7. Another inspirational video

8. More and More everyday I love Bloglines. Great site to keep all the blogs I follow in order

9. Some beautiful jewelry from some my fellow Etsy sellers

10. More cute looking animals

I hope you all had a great week!

Arte moderno es un término que se opone al denominado arte académico, el cual representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.

-Expresionismo abstracto (1940): Movimiento pictórico contemporáneo que surge en EEUU dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

-Informalismo (Mediado de los 40): Movimiento artístico que surgió en Europa a mediados de la década del 40, como respuesta al cubismo y al abstraccionismo geométrico. En el lenguaje informalista priman los materiales como elementos fundamentales de la obra.

-Tachismo (década de 1940 y 1950): Estilo de pintura en el que priman los brochazos o las manchas de color.

-Art brut o arte marginal (1945): Arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica. Sirvió a aquellos artistas al margen de la sociedad para expresar sus inquietudes y sentimientos.

-Pintura matérica (finales de los 40 y principios de los 50): Tendencia del informalismo que se desarrolla en Europa hacia finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Su característica principal es ser una pintura abstracta que se realiza con materias diversas a las tradicionales, incluyendo en el cuadro arena, madera…

-Abstracción postpictórica (década de los 60): Movimiento artístico de la década de los años 60. Reaccionó contra el expresionismo abstracto produciendo composiciones grandes, frías, impersonales y de colores ordenados.

-Arte Óptico (1958): Movimiento pictórico nacido en Estados Unidos. Es una corriente abstracta basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

-Arte cinético (1954): Arte contemporáneo creado para producir una impresión de movimiento.

 -Nuevo realismo (1960): Movimiento artístico que tomaba para sus obras imágenes del mundo.

 -Pop art (1954): Movimiento artístico que desafió  la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación también puede estar entre las bellas artes. 

-Minimalismo (1960): El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art.  Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte.

-Hiperrealismo (finales de los 60): tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Foto realismo pero este es menos radica radical.

-Happening (1950): Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, caracterizada por la participación de los espectadores.

-Performance (años 60): práctica artística que consiste en “representar” o llevar a cabo (generalmente ante un público y en directo) una obra de arte, es decir, considerar simplemente el evento que constituye esta representación como una creación en sí misma.

-Instalación (1970): Arte contemporáneo que incorpora cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.

-Arte conceptual (finales de los 70):  Corriente artística caracterizada por el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista.

-Arte povera o arte pobre (1967):  corriente estética aparecida en Turín como reacción frente al arte tradicional. El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, triviales y ajenos a denominaciones como bello, hermoso o exquisito.

-Body Art (finales de los 60): El artista investiga su propio cuerpo como materia de arte y medio expresivo. La obra de estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos.

-Land Art (Década de los 60): El principio fundamental es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador.

-Arte ambiental (1960): Arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiete natural

I decided to take my birdcage out for a walk the other day

Preview for a longer film by Thorolf Lipp and Tobias Wendl from Germany about the work of South African Media Artist Johan Thom

Terrorizing the Concept of Meaning
Documentary about South African media artist Johan Thom
Directors: Thorolf Lipp & Tobias Wendl
Camera, Editing & Postproduction: Thorolf Lipp
English, 45 minutes
Produced by: Thorolf Lipp
Produced for: IWALEWA-Haus & DFG (Federal German Research Council)

Weblinks:

Arcadia Film: http://www.youtube.com/user/arcadiafilm

Thorolf Lipp, Cultural Anthropologist and filmmaker: http://www.thorolf-lipp.de/

Tobias Wendl, director of the Iwalewa-Haus, the Africa Centre of Bayreuth University: http://www.tobiaswendl.com

Gustafson Guthrie Nichol and Allied Works won a design competition to create a park that will span an Interstate and connect a two-block section of Washington State’s Fort Vancouver national historic site with the City of Vancouver’s downtown. The design will include a ”landscape cap” that will extend south from the existing “Evergreen Boulevard” span over the interstate.

According to The Oregonian, “a central walkway would connect downtown to the historic area. Smaller wood pathways would branch out to various pockets of the park, such as the Northwest Meadow and the reflective pond. Native plants would fill the park, basalt stone paving would create the paths, and recycled auto glass would form transparent fissure walls.” The Columbian added that the design will include “a water wall and ‘Sound Grove’ artwork. Curved steel boughs would swivel on steel posts as wind passes through the artwork. As the boughs move, they would emit low tones and create a harmonic sound.” 

The Daily Journal of Commerce Oregon writes that the design is part of the broader plan to replace an Interstate-5 bridge, a “multibillion-dollar Columbia River Crossing project whose future is unclear.” If the bridge does get built, federal rules require the additional landscape cap. 

Kathryn Gustafson, ASLA, researched the geology to create a plan for rebuilding what I-5 had destroyed. Gustafson told the Daily Journal of Commerce: “It’s all about the land. When you look at the land of Washington state, it has one of the most diverse geologies in the world.” According to Daily Journal of Commerce, Gustafson examined the “Mount St. Helens lava tubes, violent acts of simultaneous creation and destruction, for inspiration. In the winning concept, the freeway below becomes a grotto, with the forces of nature reshaping the landscape above.”

The design competition jurors said of the winning design: “The design by Gustafson Guthrie Nichol/Allied Works Architecture Team best responds to the vision of the Community Connector. It appropriately respects and celebrates the cultural history of Vancouver, truly connecting the Fort Vancouver National Site to the City. The design concept shows an understanding of the cultural history and significance of this Site. An adaptable design, it enhances the amenities on both sides as they are currently and as they could evolve into the future. The design concept provides a clarity and richness worthy of the vision of the project. It shows a spirit of place that is specific and appropriate for the Northwest. It honors the seasons and biology of the Pacific Northwest landscape and includes an elegant, yet practical, use of water.”

The mayor of Vancouver, Washington State, Royce Pollard, said the design would reconnect the historic site and local community, and undo the damage caused by the highway. “They cut a hole right through the heart of our community. They disconnected our history.”

Read more on the project

Image credit: Fort Vancouver, Washington State. Wikipedia Commons

Souriant, Marc Chicoine semble s’amuser tout en travaillant. Il soulève des grosses pierres, rigole avec un ami venu l’aider, embaume l’air ambiant d’un odeur de betteraves en ébullition dont il se servira pour maquiller ses pierres en improbables pommes. Bien camouflées à l’aide d’écorce ses gigantesques «pommes» semblent presque possibles – peut-être qu’une anomalie génétique s’est glissée dans ce pauvre pommier qui ne produit que des fruits sur lesquels on se casse les dents. Au pied de cet arbre, des petits bateaux de «pierres-fruits» en forme de flèche nous invite à parcourir un trajet qui mène plus loin, plus loin, plus loin…

Marc Chicoine - un artiste souriant

Originaire de la Gaspésie, Marc Chicoine habite depuis longtemps la région de Mont-Saint-Hilaire. Il a complété une formation en scénographie et un Baccalauréat en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Il a exposé ses oeuvres internationalement et a présenté il y a quelques années une exploration mémorable des multiples facettes de la nature en duo avec les peintures de Suzanne Joubert au Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire.

Artiste au travail

Le pommier aux énormes fruits...

Détail de 2 pierres-fruits

Cliquez ici pour le reportage complet sur les oeuvres de chacun des artistes qui ont participé à Création-sur-le champ 2009

MISE À JOUR NOVEMBRE 2009

Quelques semaines plus tard les fruits  perdent tranquilement leur couleur vive… au fil du temps.

Sylvie Gosselin est une artiste multi-dimensionnelle.  Originaire d’Ottawa et diplômée du Conservatoire d’art dramatique de Montréal en 1977, elle ajoute à son arc les «Studio Arts» à l’Université Concordia en 1992 et complète son baccalauréat en Arts Visuels à l’Université du Québec à Montréal en l’an 2000. Son partenaire Luc Prairie, maître de la lumière et professeur d’éclairage à l’École Nationale de Théâtre, collabore de manière active depuis 2002 à la lumière des productions de Sylvie Gosselin avec qui il cosigne le projet «Mémorial – suites lumineuses» qui se voit décerner une bourse de la SODAC de la Ville de Longueuil.

Sylvie Gosselin et Luc Prairie

Choeur à coeurs, l’oeuvre de ce duo pour cette édition de Créations-sur-le-champ 2009 est une installation organique qui s’articule autour des symboliques de l’arbre, des abeilles et de la pomme. Dans la pure tradition du Land Art les coeurs de pomme proviennent du verger où l’installation est présentée, les «aiguilles» d’aubépine aussi (pour fixer les coeurs de pomme sur les arbres) et même la cire d’abeille avec laquelle on a traité les pommes vient des rûches du verger.

Pommes de pin

Coeurs de pommes encaustiques - momies rouges (gros plan)

Un coléoptère cherche sa nourriture...

Cliquez ici pour le reportage complet sur les oeuvres de chacun des artistes qui ont participé à Création-sur-le champ 2009

P.S.: Sylvie Gosselin jouera prochanement dans Romances et Karaoké du 1er au 12 décembre 2009 au Théâtre d’Aujourd’hui situé au 3900 rue Saint-Denis à Montréal

MISE À JOUR – NOVEMBRE 2009

Quelques semaines plus tard la nature fait déjà son travail et défait graduellement cette oeuvre éphémère – une autre caractéristique du Land Art.

Le temps fait son oeuvre...

Now famous for its Frank Gehry-designed Guggenheim building, Bilbao continues to come up with unique ideas to revitalize its city center through urban design. According to Metropolis POV, the city commissioned a master plan seven years ago for the Abandoibarra area in the city’s downtown. Bilbao then sponsored BilbaoJardín 2007, “a contest that solicited designs for garden plots of up to 80 square meters (about 860 square feet), to be built on scattered sites throughout the city.” The first competition received some 132 proposals and a total of 27 projects were built. The design competitition was renewed in 2009.

For 2009, Balmori Associates, a firm that worked on the downtown master plan, submitted a park, The Garden That Climbs Stairs. “Sited between two Arata Isozaki towers, the miniature urban park is an arresting combination of native and exotic plants sidling up the steps leading to Santiago Calatrava’s Nervion River Footbridge. (Seen from above, it kind of looks like a cross between The Blob and the High Line.)”

Read the article and view the 31 other winning projects at BilbaoJardín 2009.

Image credit: Metropolis POV. Iwan Baan/courtesy Balmori Associates

Originaire de Phoenix aux USA, Ashley Miller a d’abord fait ses études en Arts à l’Université d’Arizona en 1978 et a poursuivi avec une maîtrise en Louisiane en 1981. Aujourd’hui elle enseigne dans le département «Fibres» à l’Université Concordia à Montréal et donne le cours de «Creative Arts» au CEGEP Champlain de Saint-Lambert.

Ashley Miller au travail

“Le temps passe, les choses changent et de nouvelles vies s’ajoutent aux générations passées, chaque cycle nourrissant le suivant, chaque étape étant importante. Chacun d’entre nous possède un héritage ou des souvenirs qui tissent les liens qui nous définissent. L’être humain et la nature sont intimement interreliés.”

Un travail délicat et minutieux

L’ambitieux travail qu’elle nous a présenté pour cet événement à Mont-Saint-Hilaire est à la fois minutieux et imposant – une aile d’insecte géant fait d’une mosaïque de couleurs d’automne qui vire-volte au-dessus d’un petit lac au gré du vent.

L'aile

Vue d'ensemble de l'aile au-dessus du lac

Cliquez ici pour le reportage complet sur les oeuvres de chacun des artistes qui ont participé à Création-sur-le champ 2009

Nie, to nie nasze . Delikatna, inspirująca praca Richarda Shillinga. Pozostałe na jego blogu.

Jesienne popołudnie… Na krzewach krwistoczerwone owoce… Aż się prosi, żeby coś z nimi zrobić.
Na zdjęciach: głóg jednoszyjkowy, róża dzika (i parę sztuk wielokwiatowej), dereń jadalny i śnieguliczka biała.

I am in love.

With Land Art, that is.

What is land art?
A bit of an art history lesson for the people:
Land art (also known as Earth Works or Earth Art) is an art movement that began in the US around the 1960’s-1970’s, in which landscape and the work of art are inextricably linked. Sculptures are not placed in the landscape; rather the landscape is the very means of their creation. The works exist in nature and are left to change and alter with natural conditions.

A few very famous Land Art arists include: Andy Goldsworthy, Robert Smithson and Christo and Jean-Claude among others. One current Land Art artists that I love is Richard Schilling (also known as escher).

I’ll stop boring everyone with the history of it and just say….
this is something I intend to pursue.

On the grounds of Boughton House in Northamptonshire, UK, Kim Wilkie Associates, a landscape architecture firm, created Orpheaus, a modern composition and excavation in “one of the great English houses with one of the country’s most powerful landscapes,” writes Building Design. The 7-meter deep composition create a visual narrative of the descent of Orpheus, “recalling the image, from the Cocteau movie, of Jean Marais stepping into the Underworld by dissolving a mirror with his fingertips.”

Building Design adds that the changing landscape of Boughton House reflects the evolving political fortunes of the Montagus. “The impression they leave on the visitor is of a complicated layering: periods of power and of diffidence, of neglect and immense activity, of great plans not completed, of enthusiastic focus, of disdain for fashion and, occasionally, of decline. To some extent this pattern reflects the political and social fortunes of the Montagus as they came and went over 300 years, but also the distractions presented by three other family houses, all in Scotland. It is at least possible that the odd duke never himself visited Boughton, and certain that many never thought of it as home.”

Kim Wilkie’s work is both hidden and monumental. “Orpheus may be at its best on one’s own: it is not then just an elegantly proportioned piece of furniture in a very big park, however good it is in this role. That anything so monumental should in fact need to be discovered, and best on foot, is disarming; and as the ground yawns on approach, there is the sharp, impossible recognition that the void of Orpheus has been literally expressed to form the half-pyramid beyond the canal. This is the key effect.”

Read the article

“Art too has a chance if the museums open themselves to the electrician who makes the fuse-board and the metal worker who makes the screw. Wonderful things happen outside art and the galleries should be open to these things”

Pese a que mucha gente concibe la creación artística como una forma de espectáculo producido en las grandes urbes e  integrado como un engranaje más dentro de una maquinaria de naturaleza económica, política y/o turística, dicha perturbadora visión resulta, cuanto menos, incompleta. La relación entre lo artístico y lo social emerge inevitablemente para reivindicar el arte como el contexto idóneo en el que articular un discurso social y antropológico que resulte inspirador para todo aquel que  lo sepa o quiera entender. Dicho discurso social subyacente en muchas obras de arte se ve en ocasiones contaminado, ensombrecido o difuminado por lecturas ideológicas de diverso calado que impiden que el mensaje sea transmitido correctamente y sin tergiversaciones. Muchas veces esos filtros ideológicos se encuentran en el público, quien puede rechazar o aborrecer una obra de arte por no sintonizar con su canon estético o por ignorar ciertas fronteras que el espectador no esta dispuesto a sobrepasar.

Sin embargo no son estos los filtros que nos interesan a la hora de explicar la obra del artista israelí Avital Geva, sino aquellos provenientes del  artista en la realización de su obra. Admitiendo que la individualidad del artista y la autonomía de su arte son considerados bienes a proteger en sí mismos, Geva propone alterar estos principios aparentemente inmutables para sustituirlos por la idea de colaboración. Dicha colaboración entendida en su sentido más amplio, entre gente de distintos ámbitos y disciplinas (no únicamente del campo artístico) servirá para crear sistemas de organización alternativos a los dominantes hoy en día. Una vez que se limita convenientemente el ego del artista/creador el arte tiene la potencialidad de convertirse en un canal de unión ya que posibilita la creación de potentes sinergias para la colaboración.

No cabe duda de que este enfoque tan conceptual y político del arte proviene del hecho de que Geva aún viva y trabaje en el kibbutz de Ein Shemer, que lo vio nacer en 1941. Los kibbutz son esencialmente comunas agrícolas que ideológicamente suponen el máximo exponente de la utopía comunitaria. Surgieron sobretodo en base a las ideas de retorno a la tierra de Aarón David Gordon y el Sionismo Socialista de Dov Ber Borojov y Sirkin. Gordon, inspirado a su vez por Tolstoi, insistía en que un pueblo no puede ser libre si no produce su sustento por sí mismo, empezando por la producción agrícola, con lo que la redención del pueblo judío, debía pasar necesariamente, no por la formación de un Estado o el retorno a la tierra de Israel, sino sobre todo, por el retorno a la actividad agrícola. Con estas ideas neo-marxistas en la cabeza, el joven Geva cursó estudios de arte en Tel Aviv, donde organizó manifestaciones políticas y realizó obras de arte públicas con estiércol, llegándose a convertir en uno de los puntales del arte conceptual israelí de los ‘70. Para una de sus obras llegó a conectar el Museo de Israel en Jerusalén con su kibbutz mediante una serie de señales de carretera.

Sin embargo, tras quejarse del exceso de retórica y la falta de acción y pragmatismo de sus colegas, en 1978 Geva llegó a la conclusión de que el concepto tradicional del arte que manejaba era totalmente incapaz de solventar los problemas de la sociedad. Esto le hizo alejarse de los circuitos tradicionales del arte, y abandonar su carrera artística por completo. Durante varios años boicoteó exposiciones y museos, para crear posteriormente, bajo el patronazgo de la institución educativa Mevo’ot Iron la obra cumbre de su carrera, el Greenhouse Project, al que viene  dedicando  la mayor parte de su vida hasta la actualidad. Debido a la realización de este proyecto de índole profundamente social, son muchos los que dudan si Geva encaja efectivamente dentro de la definición de artista, a lo que el propio autor alegó que si bien es cierto que él no se considera a sí mismo un artista en la actualidad (puesto que considera más importante la educación y el medio ambiente), toda la inspiración para iniciar y llevar a cabo este proyecto fue fruto de una evolución en su actividad como artista, y que por lo tanto el  Greenhouse Project debe considerarse como una auténtica creación artística ya que recoge la propia esencia de su modo de entender el tratamiento de las ideas y materiales en el arte.

Through the sense of partaking in the agricultural processes explored, I have opened up to the notion of seasonal time that I connect to a type of spiral, a cycle that also moves forward.

El proyecto en sí consiste en un auténtico invernadero experimental en funcionamiento instalado en el kibbutz de Ein Shemer que pretende hacer realidad una entidad utópica. Es a la vez un centro de estudios, un laboratorio, un punto de encuentro y un foro en el que desarrollar ideas que servirán como motor para la cultura del mañana. Se trata en definitiva, de un espacio agradable y socialmente útil, que a la vez debe considerarse como una gigantesca pieza de arte hiper conceptual que reflexiona sobre temáticas tan relevantes en Oriente Medio como son la tierra y el medio ambiente.En sus instalaciones grupos de especialistas en distintos ámbitos científicos, como la física, la ingeniería agrícola o industrial o la microbiología, trabajan codo con codo grupos de artistas y de jóvenes provenientes de otros kibbutz con el fin de lograr identificar los problemas dentro de la complejidad de los procesos sociales actuales. La realización de estos proyectos de investigación permiten atraer la financiación necesaria para mantener el proyecto funcionando, junto con una pequeña aportación del Ministerio de Educación israelí y algunas donaciones a título individual. Esto permite la incorporación de participantes provenientes de suburbios urbanos y áreas marginales, con el fin de que desarrollen su talento en un entorno lo más propicio posible. En el interior de este invernadero se han  llegado a realizar investigaciones sobre la cría de diferentes especies de peces, el reciclado de agua, el uso de la energía solar, el empleo de fertilizantes en las cosechas… En un entorno tan especial como este, los investigadores pueden combinar teoría y práctica con el fin de encontrar, a través de su trabajo, las soluciones a los problemas sociales, medioambientales y comunitarios más graves a los que se enfrenta nuestra sociedad. Todos los proyectos y prototipos experimentales desarrollados tienen una aplicación práctica en nuestro día a día y se  basan en la premisa de llegar a soluciones de alta tecnología y calidad a través de unos recursos cada vez más escasos.

La vertiente social del proyecto es tanto o mas importante que la cuestión medioambiental. El kibbutz Ein Shemer, donde se encuentra la obra de Geva se encuentra en la localidad de Wadi Ara, poblada mayoritariamente por árabes israelíes. En una zona tan conflictiva como esta la contribución del Greenhouse Project para la convivencia resulta sorprendentemente efectiva. Los gestores no se entretienen en hablar del conflicto ni de las bondades de la coexistencia y de la tolerancia, sino que esta se pone en práctica directamente a través de proyectos de participación conjunta entre niños árabes y judíos. También se pretende integrar a jóvenes con autismo, a los que se les otorga unas nociones básicas de jardinería con el fin de que puedan vender en el kibbutz las plantas que cultivan.

“In The Greenhouse, we don’t speak about coexistence, but we are doing it. Arab and Jewish kids work together and through their mutual projects, they create something good. The children, who are young, don’t know about the conflict and they don’t care about it really…”
Noam Geva, hijo de Avital Geva y guía de The Greenhouse

La presencia de una réplica del Greenhouse Project (o Hamama, en hebreo) representando a Israel en la Biennale di Venezia de 1993 supuso un rotundo éxito. La propuesta de Geva de convertir el pabellón israelí en un invernadero experimental de 1.700 metros cuadrados en medio de un contexto artístico fue visto por muchos como el retorno de un modelo de artista comprometido con una ideología/utopía y con una misión eminentemente social, cosa que no se había visto durante la postmodernista década anterior. La obra también servía como una romántica y nostálgica seña de identidad del laborismo cooperativista sionista de Israel en un año caracterizado en lo económico por un acelerado proceso de privatizaciones de acuerdo con una ideología neoliberal predominante, y en lo político por la firma de los Acuerdos de Oslo entre el estado de Israel y la Autoridad Nacional Palestina.

Aunque la descontextualización de la  obra dentro de un entorno artístico la privaba de muchas de sus funciones, los asistentes pudieron comprobar la existencia de un cosmos orgánico, capaz de unir cultura y naturaleza, dentro del invernadero. Además de una plantación de una variedad de trigo cuyos efectos terapéuticos están siendo estudiados, había plantas creciendo en tuberías huecas que habían sido recicladas como maceteros y cuyas flores y frutos colgaban en cascada en un notable espectáculo estético. Toda la flora era regada por un mecanismo de goteo instalado en el techo especialmente diseñado para el ahorro de agua. Las instalaciones también contaban con un pequeño estanque con cinco variedades de carpas, las cuales además de constituir una excelente fuente de proteínas servían para eliminar cualquier larva de mosquito en el agua, lo que ayudaba a prevenir las enfermedades y plagas provocadas por estos insectos.

La participación del invernadero de Geva en la Biennale atrajo la atención de numerosos agentes políticos y económicos de Europa y Japón, quienes le intentaron convencer para crear invernaderos de este tipo fuera de Israel. El artista se opuso en todo momento, ya que en su opinión es necesario que el mantenimiento de su obra sea un proceso lento, rutinario y reposado con el fin de lograr un correcto equilibrio entre todos los componentes del proyecto. Por ello un cargo como mero administrador burocrático de “franquicias” de su obra era una idea que no le atraía en absoluto al no ser compatible con el concepto que el artista tenía en mente. Además los gestores de un colegio de San Diego llegaron a visitar el invernadero en Israel, con el fin de implementar ciertas ideas para el sistema alternativo de educación High Tech High de California. 

“My ability to take part in the agricultural and biological processes in the Greenhouse involves a quasi-naive concentration on them as the only way to study them. Thus I find new types of aesthetics, language, in other words – art that is revealed through practice… The research I am currently interested pertains to the plankton layer, a plant nourished by the process of photosynthesis. The nets that are hanged on top of the pond become a potential colony the moment they will be washed by water. That algae inhere the potent appearance of such places in which time has left its mark; places that embrace tiny life forms, (green) evidence of the sun’s constant presence and the traces of time that has already passed, and that is passing right now, from here onward… “

Este Greenhouse Project plantea un desafío dentro de los rígidos y cerrados circuitos interdisciplinares del mundo del arte, ya que actúa fuera de los convencionalismos del mercado artístico y de las estructuras academicistas. Esta obra no constituye un bien intercambiable ni valorable cuantitativamente; tampoco creará valor para un potencial inversor especulativo. Su intención es otra, el redefinir (o más bien borrar) la frontera entre el arte y la vida y la distinción entre el trabajo del artista “sofisticado” y el del granjero.

Esta es precisamente la idea que el artista quiere transmitir en las escasas obras que expone anualmente. En 2005, por ejemplo, Geva formó parte de la exposición Here Comes the Sun celebrada en el Magasin 3 del Stockholm Konsthall. Su obra Biofilters and Communities consistía en pequeñas plantaciones de trigo durante distintas etapas de su crecimiento, desde unos diminutos brotes hasta el momento de la recogida. La obra revela una noción primitiva y cíclica del tiempo expresada a través de las labores agrícolas necesarias en cada momento del año. La obra artística y botánica de Geva se complementaba con Alga Pool,  una verde capa de plankton en un estanque. Estos microorganismos actúan como filtros biológicos, purificando el agua y mejorando la coexistencia entre los peces y las plantas que conviven en este ecosistema.

Es posible que espíritu social de la obra de Geva haya sido recogido en la actualidad en diversos ámbitos artísticos, entre los que vale la pena señalar la obra desempeñada por el colectivo danés SUPERFLEX, cuyos trabajos siempre adoptan la forma de maquetas que, cuando se amplían y se instalan en su sitio, poseen una función práctica y un propósito social. Al igual que las de Geva, sus obras plantean un modo muy pragmático de  de promover la reflexión sobre las actuales estructuras político-económicas, realizando una ayuda al desarrollo entendiéndola como un proyecto artístico.

Thought this was interesting

 A more artistic form of directing people than the orange street lights I feel…

looks a bit like the trees are wearing leg warmers!

Pour ceux qui ont eu la chance de pouvoir déambuler dans le Parc des Buttes Chaumont lors de la Nuit Blanche 09, vous serez assez surpris de voir ce spot.

En effet, tellement proche de l’oeuvre réalisée par l’artiste Noël DOLLA, pour cette nuit laissant place à la création contemporaine et au Land Art dans les lieux de la capitale, nous sommes en mesure de nous demander si Travelers Insurance n’a pas été mécène de la Nuit Blanche 09.

Son dernier spot exploite les parapluies rouges à la perfection… Ils auraient pu tout à fait se poser sur les Buttes Chaumont!

via / Crédits Photo : Aline Arneiro (Pipoka.com : en cours de création)

The night before last, I was told to “go and make some art” by James, my husband. It is great to have such encouragement to do the things I really want to do but often don’t do on my own.  I have been thinking about the land art project we are doing along the walking routes in the Burren and North Clare, so I went over to the turf basket and started playing around with bits of turf! (one of the walks is on a bog road) First I created this peace sign inspired by James. I have been reading the children “The Little Prince”. I really love the book, it influenced the little stars which I cut out of banana skins.

Banana skin stars on turf in the Secret Gallery between Doolin and The Cliffs of Moher.

Some of the reasons that I put little yellow stars on turf may be because:

I have been reading “The Little Prince”.

The following day we had a conversation with our friend, she was talking about it being the time of stars, as they have more effect on us, maybe because we see the stars more as it gets dark earlier. It is also the time of year that there are more shooting stars.

Stars are very big compared to pieces of turf yet they are similar; the turf is a tiny nugget of the earth which is a planet too.

I remember night time bog walks as a child looking up at the stars.

Apparently there may be some moon dust on the earth after they crash into the moon. I hope it does not upset things too much on the moon or for us as a consequence of us interfering with the mighty Moon.

Maybe because it was playful, and I liked the contrast of the smooth banana skins and the rough turf. Who knows!

Peace to all

PHOTOGRAPHY MARKET TRENDS

At a seminar held in London in September 2009 organised by ArtInsight three London-based photography market experts from a fund, a gallery and a major auction house shared their views on the most promising opportunities and interesting trends in photography today.

We attended the seminar and have teased out surprising facts and intriguing assertions for you to mull.

Background to the photography market

• First photography auction was held in 1971 initiated by Sotheby’s.
• Over the past 15 years, this medium has out-performed every other major medium including sculpture, prints, painting and sculpture.

In its early history this sector of the art market encountered resistance with buyers concerned that the works were not unique and therefore were not a viable investment. The development of controlled limited editioning in the seventies helped allay fears and the market saw steady but modest growth.

This all changed in 1989/1990 which marked the 150th anniversary of the introduction of photography and the market experienced a 45% leap in sales. Further steady growth marked the next 15 years until 2005 after which sales took off. 2006 saw the highest price ever paid for a photograph …US$2.6m.

• Today photography accounts for 2% of total auction sales compared with 75% for painting and 11% for drawing and watercolour.
• Photography has proved to be one of the least volatile sectors in the art market.
• 9 photographs have broken the US$1m level including work by Japanese-American Hiroshi Sugimoto.

Why has interest in and sales of photography increased?

Nobody know for sure but various reasons have been offered including relative affordability, the introduction of controlled editioning, a loyal customer base and increased market transparency.

Photography trends

There is growing interest and, arguably, opportunities in the following four subsectors of photography:

• fashion and celebrity photography
• reportage-style photography
• phot0graphs recording ephemeral art forms such as performance art and land art
• “slice of life” photography – a vernacular style dealing the everyday real life as its subject

Brett Rogers of the Photographers Gallery noted the development of a sub-genre she called “constructive fiction” which blurs the boundaries between fact and fiction crossing the techniques of the photo-journalist and fine artist.

In an interesting twist she forsees gains for collectors of photography books and advises buying first editions and examples of rare, early books. Explaining that books usually feature the very best of an artist’s work, photography books can deliver enormous joy as well as potential financial dividends.

Matt Carey-Williams, Director of Christies Post-War and Contemporary Art recommended photographs from the 1930s to 1950s – a seminal period in the development of photography as an art form – and which he believes are “massively undervalued”.

Global opportunities in photography

During question time, the panel was asked where they saw opportunities in emerging countries and the following recommendations were made.

• Visit Sharjah and Biennial and Art Dubai to see interesting work from the Middle East and Iran.
• Explore Central Asian countries.
• Korea has huge potential.
• Female Indian artists are producing some interesting work.

It was agreed that Chinese photography seemed “a little old” though Matt Carey-Williams said that it would look “remarkably fresh again in twenty years”.

Current challenges facing the market

Conservation of photographs- One of the most pressing challenges today is developing guidelines for acceptable conservation work. Colour photographs fade and some artists and galleries will ”refresh” (reprint) the works and some refuse. As museums are beginning to collect contemporary photography on a large scale, panellists felt that it was likely that this issue would be resolved

Is photography a separate genre? – Recognising that artists now work in many media. there are questions about whether it is appropriate or useful to dedicate parts of the market such as galleries or funds exclusively to photography. Matt Carey-Williams explained that as an auctioneer he regards artists as artists first and photographers second. Brett Rogers noted that this trend away from a specialisation in photography is due to a change in the way art schools teach. A consequence of a broadening of focus though is that less attention is given to technique. Image is more important than technique for young photographers today.

(Editor’s note: It is may also be a sign of market maturity – specialist focus marketing and promotion is necessary for an emerging section of the market. Today many if not most contemporary art galleries show photography as a matter of course. Just as photography is integral to and fully-accepted in today’s art world on equal terms with other media we at Art Radar are looking forward to the day Asian art is given equal weight with other geographies in art media and we can drop Asia from our name).

Related posts:

• Surprising new direction taken by Saatchi stars Sun Yuan and Peng Yu – interview – Sep 09 – Chinese artists discuss their version of “slice of life” photography on show in HK
• Abu Dhabi art – a major new art calendar event just announced – July 09
• Hiroshi Sugimoto – 4 fascinating video interviews – May 09 – see his fact merging with fiction work in his photographs which mimic paintings of real historical figures
• Who are the top artists at art fairs?- Mar 09 – The extent to which Asian artists is excluded is painfully evident and explains why Art Radar chooses to focus on Asian art in a small attempt at redress.
• Making the art market transparent – the Artprice story video – Apr 09
• Sotheby’s inaugural sale of contemporary Turkish art - video of 5 artists – Feb 09 – Nasif Topcuoglu is a photographer who reconstructs Baroque paintings with contemporary youths replacing the original figures – a good example of the trend of crossing fact and fiction.

Subscribe to Art Radar Asia for market news and trends