Anke Gröner macht sich in ihrem Blog kluge Gedanken darüber, warum sie momentan lieber Comics liest und TV-Serien guckt als Filme anzusehen. Ich kann das mit dem seltener ins Kino Gehen sehr gut nachvollziehen. Mich zu einer bestimmten Zeit aus dem Haus bewegen zu müssen, stört mich zwar nicht so sehr. Die anderen Zuschauer mit ihren Nachos und Popcornkübeln aber schon. Und dieses Gefühl “Kenne ich schon, habe ich schon mal besser gesehen” wird mir mit zunehmendem Alter auch immer vertrauter. Der erste Woody Allen war damals mit 16 halt doch was Anderes als der 25. mit Mitte 30, um mal ein Beispiel zu nennen.

Irgendwie bleiben die Lieblingsfilme ab einem bestimmten Alter doch weitestgehend dieselben, neue Filme können einen meistens nicht mehr so einfach faszinieren wie früher. Ich lasse mich inzwischen auch häufiger von anspruchsvollen US-Serien wie BSG oder “West Wing” fesseln als von irgendwas, was so im neu ins Kino kommt. In Videotheken habe ich mir dieses Jahr auch überwiegend Serien-DVDs ausgeliehen und höchstens eine Handvoll Spielfilme. Und für Comics habe ich mich schon immer begeistert, was auch weiter anhält.

Irgendwie scheint mir das aktuelle Kino ziemlich vorhersehbar geworden zu sein. Das Mainstreamkino ist eh zu 95 Prozent uninteressant geworden. Mit wenigen Ausnahmen – dem neuen “Star Trek” etwa – werden da die immer gleichen Konzepte schablonenhaft kopiert, Franchises ohne einen Funken von Inspiration zu Tode geritten (Beispiel par exellence: “Terminator 4″). Aber auch das so genannte Arthouse-Kino hat inzwischen seine Klischees, die munter bedient werden. Man muss sich nur mal die Trailer angucken, wenn man im Programmkino sitzt: Da gibt es dann einen Kostümschinken à la Jane Austen oder “Effie Briest”, eine lockere Liebeskomödie aus Frankreich oder Italien und irgendeinen Oscar-Kandidaten, in dem es auf dramatische Weise um einen Behinderten oder sonstwie Benachteiligten geht. Wirkliche Überraschungen sind selten geworden.

Zum Glück gibt es noch Regisseure wie Lars von Trier, die es schaffen, einen mit jedem neuen Film wieder zu überraschen, und auch nicht davor zurückschrecken, ihre Zuschauer auch mal vor den Kopf zu stoßen. Bei TV-Serien hab ich da schon öfter das Gefühl, da etwas geboten zu bekommen, was ich in dieser Form noch nie gesehen habe. Was wahrscheinlich daran liegt, dass sich diese Gattung ja erst seit etwa zehn bis 15 Jahren als Kunstform neu erfindet. So wie der Comic es vor etwa 40 Jahren getan hat.

A musa da Balenciaga, Charlotte Gainsbourg, lança em janeiro de 2010, IRM, seu novo álbum com produção do Beck (que esta lindo de cabelo curtinho). A canção título é também a escolhida para divulgar o cd. A inspiração da composição veio de uma série de exames de ressonância magnética a que Charlotte teve que se submeter ao ser diagnoticada com hemorragia cerebral. A música você pode baixar gratuitamente no site oficial da cantora.

Para quem não ligou o nome a pessoa, Charlotte tem dna poderoso no sangue: é filha do pai da contracultura francesa, Serge Gainsbourg, e da atriz, cantora e musa Jane Birkin, que emprestou seu sobrenome as famosas bolsas da grife Hérmes (a mais barata custa 4.700 euros!).

Jane Birkin & Serge Gainsbourg

Além de cantora, a moça é atriz, ótima e premiada. No seu currículo filmes como The Science of Sleep, onde foi dirigida pelo Michel Gondry, e dividiu a cena com Gael Garcia Bernal, 21 Gramas, do mexicano Alejandro Gonzalez Iñarritu, ao lado de Sean Penn e o polêmico Anticristo, do dinamarquês Lars Von Trier, que lhe rendeu a palma de ouro em Cannes este ano.

I wanted to wait a few days after seeing Antichrist before I actually put down my thoughts on it.

The thing I first must make clear is that I stayed away from spoilers before see the movie. I knew it was going to have some graphic images, but I had no idea what to expect.

!!MAJOR SPOILERS BELOW!!

The movie, which is directed by Lars Von Trier, is about a couple whose son, Nick, falls out of the window while they have sex. The grief of the nameless mother (Charlotte Gainsbourg) takes an abnormal turn and the nameless father (Willem Dafoe) tries to help his wife get through her grief since he is, quite conveniently, a psychiatrist.

Thus begins the slow progression into the depths of the mother’s grief. Along the journey we meet a deer giving birth, a talking fox (chaos reigns!), a black bird and witness about five too many angry sex scenes. Anyway, we learn that the mother is terrfied of this cabin in the woods where she and Nick spent his last summer before dying. It was at this cabin that the mother was writing her thesis. So they go to the cabin in the woods. The thesis was about the genocide of women, but as she did her research she began to believe that women deserved to suffer because they were of nature and nature was Satan’s church. So what I think the movie is trying to say is that women are the Antichrist.

Anyway the mother goes crazy. Like really crazy.

She destroys her husbands penis with a block of wood, which knocks him out, drills a hole through his leg and anchors a very hefty grindstone to the hole in his leg.

She runs off.

He wakes up.

He crawls out of the cabin, and manages to hide in the woods.

She comes back.

Sees that he’s gone.

Bitch goes crazy.

She runs through the woods trying to find him. Eventually she does. He’s hidden in a hole underneath a tree that they had previously had very angry sex on.

She screams at him to get out.

He won’t (duh, this bitch is crazy).

She tries to dig him out from the top, but can’t.

She calms down.

He comes out.

She tells him it isn’t time for him to die because the three beggars haven’t arrived (Huh?). She then loses her mind again and performs a, um, um, um, um, a, uh, uh, uh… clitoridectomy on herself. I know, right?!!?

Anyway he finds the wrench used to anchor the grindstone on his leg and takes the grindstone off, the three beggars show up (the deer, fox and black bird it turns out were the three beggars), and then he strangles the bitch.

SPOILERS END HERE

To say that this movie was a pleasant experience would be a lie. The idea that this woman believes that women deserve to suffer because they are of nature was a huge stretch. I know Lars Von Trier admitted that the movie only has the bare essentials of what most people would consider a plot, but that doesn’t mean that it’s okay, whether or not it is on purpose.

Having said that, the film was visually pleasing. The cinematography was fantastic, and at times extremely gorgeous. And Gainsbourg gave a star-making performance. The problem with giving such a great performance in such an adult film is that no one is going to see it. So despite her best actress win Cannes, she will still go unknown among the general population.

The movie is extremely flawed, but it is an experience. An experience that the majority of people would be turned off by, which is probably a good thing. I can’t see myself sitting through it again, but I also don’t regret sitting through it once. Graphic to the point of absurdity, with a plot that could be fully thought out on a sticky note elevated by a singular great performance and visually arresting camera-work, Antichrist is a big mixed bag.

**1/2

elaborar una obra que –intencionalmente o no– esquive los juicios de valor (al menos los más elementales) no exime a su autor de confrontar parámetros rigurosos de formalidad, de congruencia narrativa y de compromiso con el espectador. ni modo: el arte es técnica, y las ideas más radicales, espesas, dolorosas, subversivas o provocadoras deben ser ejecutadas bajo los requisitos que exigen las obras memorables, las verdaderas obras de arte.

anticristo no logra pasar del todo esa prueba: olvidó superar la última barrera, la de la condescendencia; lo único necesario para superarla era poner en práctica la máxima chejoviana: saber escribir es saber borrar. me parece que tal condescendencia proviene de una culpa –no necesariamente injustificada–, que es la misma que experimenta el artista frente a la hoja en blanco cuando, con una vida cómoda o relativamente cómoda, sabe que todo es miserable. de haber franqueado esa culpa, podríamos tener en anticristo una de las grandes defensas del derecho a estar hundidos en la mierda.

se me ocurren dos ejemplos (que, además, van encadenados) de la falta de rigor de esta película:

1) la secuencia inicial nos muestra cómo a una pareja, por coger escandalosa y ciegamente, le pasa por desapercibido que su bebé escapa del corral y cae por una ventana que olvidaron cerrar. la cámara se dedica a cumplir una tesis de licenciatura del ccc y no tanto a demostrar el costo del descuido. son cinco minutos hipnóticos, delicados, cuidadísimos cuadro por cuadro y, además, alentados por una pieza de händel que ilustra la dicotomía de dulzura y tristeza, pero nadamás. cierto, no es poca cosa, pero para eso tenemos a tarantino. supongamos que la secuencia nos importa y luego pasemos al siguiente inciso:

2) ella se hunde en el fango del duelo, vive en una especie de coma espiritual, empastada en el hospital, sin poder moverse, y no es capaz de controlar ningún aspecto de su estado anímico. (charlotte gainsbourg, absolutamente sensacional en esos minutos). su psicoterapeuta –que es también su esposo– busca ayudarla organizando una expedición al lugar que ella teme más –un bosque llamado edén: llamado así con fines alegóricos–. él cree que la desensibilización conductista funcionará: si ella le teme a caminar en la hierba, él la cargará hasta que no tenga otro remedio que caminar descalza sobre la hierba, y el punto estará claro: no pasa nada. entre éste y momentos similares la película exhala minutos de vida importantes: si el máximo miedo de una pareja es perder a su hijo –sí, ¿no?–, entonces no veo la forma detenernos en fobias menores, indignas de la cámara –muy bien colocada, por cierto–. no cabe duda de que los cinco minutos iniciales jamás importaron realmente.

la huella que deja un salto de intereses así es ésta: que la historia comenzó en una dolorosa crisis de angustia solipsista, y que para traducirla a un guión, von trier pensó necesario involucrar una gran tragedia, pues parece –en nuestra mente contemporánea– que un vacío absoluto sólo se puede justificar con una gran pérdida. ¿qué pasa cuando tal pérdida no existe?

el recurso que queda es superlativo o, mejor dicho, superlativista: recurrir a todos los medios posibles para justificar el compromiso con la tragedia inexistente. esto no es malo, es sólo una rabieta y, aquí sí, von trier puede ser un director desquiciado, alucinante y con una mano bien firme. (bueno: cuenta la leyenda –von trier es experto en crear leyendas– que esta historia nació de un largo periodo de depresión y debilidad, y que su mano quedó literalmente temblorosa, por lo que en esta ocasión ya no fue él quien tomó la cámara en sus manos, sino el mismo anthony dod mantle, su cinematógrafo) (y se agradece: esta década le ha tenido demasiada fe a la cámara en mano).

en sus buenos momentos, anticristo es una fábula salida de control pero con un registro potente y doloroso encargado de demostrar que –en verdad–, “la naturaleza es la iglesia de satanás”, como una suerte secuela de el despertar del diablo sin los ya de por sí escasísimos tapujos que le quedaban a el despertar del diablo: la mamá que corre con bambi ensangrentado, a medio parir; el fantástico señor zorro que se alimenta de sus propias entrañas; el polluelo que nadie rescatará de las hormigas. eso, en sus buenos momentos: una película de horror, si es que el horror consiste enacuchillar la realidad de lo referido: la naturaleza idílica de bambi y del fantástico señor zorro.

en sus momentos más hermosos, anticristo es sólo un sueño:

pero en sus mejores momentos, en el delirio –que es lo que realmente importa– anticristo recuerda línea por línea y palabra por palabra el soneto 129 de shakespeare:

th’expence of spirit in a waſte of ſhame
is luſt in action, and till action, luſt
is periurd, murdrous, blouddy full of blame,
sauage, extreame, rude, cruell, not to truſt,
inioyed no ſooner but diſpifed ſtraight,
paſt reaſon hunted, and no ſooner had
paſt reaſon hated as a ſwollowed bayt,
on purpoſe layd to make the taker mad.
made in purſut and in poſſeſſion ſo,
had, hauing, and in queſt, to haue extreame,
a bliſſe in proofe and proud and very wo,
before a ioy propoſd behind a dreame,
all this the world well knowes yet none knowes well,
to ſhun the heauen that leads men to this hell.

y la traducción de alonso:

coger es despojarse del espíritu,
tirarlo al basurero de la pena,
el deseo asesina, es un salvaje,
es cruel y es mentiroso, es una mierda,
coger es en el gozo despreciarse,
desear es ser frenético, estar loco,
coger es ser frenético, estar loco,
es morder un anzuelo voluntario,
desear es perseguirse como idiotas,
tener, haber tenido, ir a tener,
venirse como un loco en sombra en sueño,
venirse de locura en polvo en nada:
no jodas, ¿quién ignora estas verdades?
carajo, ¿quién se libra de este infierno?

el verso 3 es literal en, al menos, una cogida: periurd: ella: ‘pégame, te digo que me pegues’. murdrous, y ella le pega con un tarugo en los güevos. blouddy: él se desmaya y ella lo masturba hasta que llega: sale sangre, no semen. full of blame: ‘perdóname, ¿estás bien?’ y le perfora la pierna para atornillarle una pieza industrial de acero para que no pueda abandonarla. salvaje, extremo, rudo, cruel, mentiroso: el sexo es una mierda. ¿qué no lo sabían?

la luz –“tenía que serlo”– es como de caravaggio:

por cierto: buscando a caravaggio en un librito, encontré esta cita de un tal bellori:

atrayendo esta facilidad a los demás, sólo los viejos pintores quedaban espantados por este nuevo estudio del natural, y no dejaban de increpar a caravaggio y su manera de pintar, divulgando que no sabía salir fuera de los sótanos y que, pobre de invención y de dibujo, sin decoro ni arte coloreaba todas sus figuras con una sola luz y sobre un plano, sin degradarlas.

bueno,pues hagan de cuenta que está hablando de anticristo.

tenía que serlo: así vive el drama en la imaginación. en la vida real, dios y otras luces se encargan de iluminarlo.

I am going to warn you that for today and tomorrow you’re going to be treated to reviews on French comedy.  I know what you thinking:  ”Miseur FilmWipe this is le horrifique.  The French are non humorous”.  Well my doubting army of followers I disagree with you.  I am not entirely sure about the horror that is tomorrow’s film Le Diner de Cons, which i am hoping is as funny as plot synopsis suggests (essentially it sounds like a cross between Lars Von Triers The Idiots and today’s film in question Francis Veber’s Tai-Tois!). But the film we focus on today is a comedy magnifique (for non French speakers among you that means magnificent film (if you’re stupid enough to have taken my French seriously then I will ask you politely to close down your computer and then book a trip to your local mental hospital)). Anyway lets focus on the here and now.  As I said today is Tai-Tois and you’re in for a treat.  Not only is this one of the funniest films to have come out of France in the naughties, but it is also a film that Hollywood producers should look at with a certain sense of trepidation.

The film follows Quentin (Gerard Depardieu), a kind hearted simpleton thief who inadvertently annoys every person he meets to the point that either consider killing him or themselves.  He finds himself in prison with Ruby (Jean Reno), a brooding outlaw.  Ruby attempts a solo escape but finds himself lumbered with Quentin.  What ensues is a race to find the other criminals that Ruby was involved with before he went to jail in order to find the person responsible for the murder of his lover.

The film is made by two of the best leading male performances in recent comedy history.  The pair play off each other wonderfully.  Reno is the straightest of straight men.  This contrasts superbly with Depardieu who creates one of the most lovably annoying and outlandish characters seen in film.  Earlier I mentioned Von Triers The Idiots, and frankly it is as if he stolen moments from that film but dramatically accentuated them.  The break out from the prison will leave your sides so split that you will be wandering if your liver is about to collapse on to the floor.

Conveniently writer/director Francis Veber also performed his acclaimed double act on tomorrow nights film.  He is clearly an ageing director of some talent.  Now in his early 70s (he is probably one of the few directors who gives Clint Eastwood a run for his money in the elderly stakes) Veber is still knocking out films like a girl from Essex fires out children in her attempt to overpopulate the world.    However, he is possibly one of the finest comedy directors still working.  His control over the film is remarkable.  His comic timing is exemplary.  This is the type of film that could quite easily have run out of control but he manages to stop it becoming silly and annoying.  The invention that he allows is second and his reminiscent of classic Hollywood comedy’s.

Overall I recommend this as one of the finest films that you can beg, borrow or steal from your local video store.  If you’re a Jean Reno fanatic (like me) then you will gobble this up like Richard Blackwood rediscovering food after his coffee enema.

8/10 – Enjoy

Things couldn’t get much worse, so I got on a plane and just flew. I’m sitting now on the edge of the amazon river in the  little town of Iquitios in an odd corner of Peru. I don’t know if it was the two days of nightmares following the Antichrist thing, but my inner Herzog seemed to have crawled out and left me with no choice than to make a run for the jungle. Actually to call where I am a jungle is a bit of an overstatement.  I’ve secured a choice spot on the sprawling boardwalk about 50 feet from the legendary river, ice cold Antartica in my hand, content to watch the families stroll the promenade, not a raincloud or mosquitoe in sight.

DD twisted my arm, and walked me to the IFC to catch the 12;55 showing of Von Trier’s Antichrist. The fuss is well deserved, however not for the reason everyone’s talking about. Nobody seems to have noticed that the whole mess was lifted from the work of Grimble Twine, the early 20’s aesthetic who lived and died exclusively in the world of  dreams. Although Grimble’s musings have never been formally set to paper, screen or stage, they have been persevered in the word of mouth of campfire hobos who stake claim to the railway lines running from North Harlot to New Orleans.  To quote my ex-landlord, a reformed loner and self confessed Grimblephile, “Grimble’s dreams are a simmering compost of carnal disengagement,  guilt,  emotional asphixiation, and (spoiler alert) talking taxidermied foxes. The Von Trier kid, should stop basting his chicken skin with Cannes gravy, and give Grimble at least a nod”.

Grimble aside, the picture does reset Lars back to Great Dane status. I am already exploring how I will be able to replicate the light forms in the opening sequence and deny how their invention is not my own.

Apesar de toda pretensão de “Dogville”, o filme muito me cativou e me fez ficar atento ao diretor Lars von Trier. Desde o lançamento e trailer estava pensando em assisti-lo, mas estava resistente ao fato de assistir coisas potencialmente fortes. Até que um certo dia algo “estranho” ocorreu e me motivou a encara-lo. E logo de cara fui pelo pela “alma” com a obra Handel enquanto corpos penetravam em extremo slow-motion. Tive que redefinir a palavra intensidade e demorei para escrever o post, deixando as primeira impressões morreram e tambem lendo alguns reviews para buscar o meu proprio ponto de vista.

A história é basicamente de um casal que tenta superar uma crise, apos seu filho morrer enquanto eles faziam sexo. O interessane é que daí poderia surgir um filme de “drama”, mas ele segue uma linha intermediaria com o terror/suspense. A atmosfera, imagens que remetem constantamente a sexualidade, uma especie de “psycho freud from hell”. Mas não consigo evitar o uso da palavra belo e perfeição, é certamente um filme de meticulosidade neurótica. Lar teve a idéia em um momento de crise e enquanto fazia terapia. E para mim foi o invejável insight: “como seria a psicanalise, ao seu puro e sendo praticado por toda a pureza de quem ama?”. Obviamente desastroso, mas aqui encontrou uma perfeita justificativa para que tal coisa ocorresse: o proprio terapeuta em negação, tentando superar a propria a culpa enrustida curando sua esposa.  Eu poderia falar minuciosamente dos momentos chaves do filme, mas ficaria por anos aqui..

Estou ainda por ver uma versão em alta resolução, pois as imagens valem a pena e camera tem uma maneira estranha de movimentar, me lembra documentario. E tem esse “trilho” que do genero suspense/terror a qual ele caminha, com momentos de surpresa, reviravoltas e isso nos mantém presos por todo o filme. O filme tem somente Wilem Dafoe e Charlotte Gainsbourg (a garota de delicisoso sotaque britânico do filme 21 gramas) e eles realmente se entregaram, com cenas de sexo e nudez fora do padrão. Tem as cenas de mutilação tambe fortes e realistas.

Mas todo o “exagero” é na verdade o tom de fábula que o filme busca, uma alegoria da natureza humana e no caso especifico, da psique humana. O filme sequer é misógino como muitos proclamam, mas coloca o tema no conflito da personagem. Se proclama a morte da psicanalise, é toda a psicologia que temos hoje, como uma nova negação dos instintos; aonde acredita que o amor pode dar tudo o que alguem realmente precisa e a  que razão irá nos livrar da animalidade. Mas não ainda não somos capazes de ver que atrás dos conceitos e filosofias, o caos reina.

Ficha técnica:

I saw Lars von Trier’s Antichrist last night, and it was fucking incredible. I say that despite having had to actually leave the theatre for a few minutes at one point because I fully thought I’d toss my cookies: Charlotte Gainsbourg does something I hope never to see anyone ever do again, and I find myself experiencing the same symptoms of physical shock that come with being tattooed or pierced. I’ve never had such a reaction to a film. But that’s beside the point. I’d like to blog a lengthier review of the film, because there was a lot going on, it was very intelligent, and gets better the more I think about it.

Right now, what’s most on my mind is Slayer. “Antichrist” is the name of a classic 1983 Slayer tune from Show no mercy, the kind of thing that spawned genres but is totally laughable now. Many of the visuals associated with the film – the posters, the title cards, and the sloppy, finger-painted lettering – are evocative not only of the design style of Slayer’s 2006 disappointment Christ illusion, but also of the whole evil-as-demented-child trope of horror flicks, goth, and cheeseball suburban angst-metal. If you see the film, too, you’ll understand how metal it is, but I can’t say more without giving away one of the best moments in the film.

Given this preamble, all I really want to say is that I still think Divine intervention is the best Slayer album and I really can’t understand why this album gets no or little respect.

Oh, and:

• I disagree with the interpretation of Antichrist as an essentially misogynistic film;
• I don’t think I can justify spending money on the latest Slayer album, but I’m strongly tempted;
• I have the biggest crush on Charlotte Gainsbourg.

lars von trier’s new film antichrist stars charlotte gainsbourg and willem dafoe is

a beautiful and incredibly dark look at the human’s reaction to loss.

Not sure what to make of the movie “Antichrist,” Minneapolis Star Tribune movie critic Colin Covert says “‘Antichrist’ is not a film to be enjoyed.” And yet, he gives it 3 1/2 stars out of 4. Is that a riot or what? Watching the Lars von Trier flic “is to experience unrelenting pain, shading into revulsion,” he reveals. Perhaps best seen when in a state of extreme masochism then. One must be drunk on something, as Baudelaire says, so why not a cinematically-induced haze of masochism? At any rate, Covert does say that it is a “fiercely gorgeous” movie that “compels our attention and respect.” Really? Well, it sounds as if it’s worth seeing on the same grounds that “Last House on the Left” is worth seeing. Feels so good to feel so bad.

La bella y talentosa hija de Serge Gainsbourg y Jane Birkin ha tenido un excelente año. Primero ganó la palma de Oro en Cannes por su actuación en Antichrist y además la intensa experiencia que vivió en el rodaje de la cinta la llevaron a hacer su tercer disco, titulado IRM, y producido por Beck (este carajo en serio no para)

El primer video promocional está dirigido por Keith Schofield (vean en su página las genialidades que ha hecho), se titula Heaven Can Wait y es una JOYA!

pd: Es idea mia o a Beck se le están notando los añitos ya?

“Melyik vagy? Dogville vagy Grace? Akarod-e tudni? Mered-e tudni? Megérdemled, amit kapsz a végén? Akár Grace vagy, akár Dogville? Azt hiszed, hogy te egyik se vagy? Mersz röhögni, amikor k*rvára fáj? Hiányzik a Menedék, amit a film nyújtott Neked valaha azzal, hogy Lars von Trier a földgolyó átellenes oldalára helyezte a történetet, nyolcvan évvel ezelőttre? Láttad egyáltalán, vagy Te is mindig mindennel kevered? Mered-e azt mondani a Bűnre, hogy nem, mikor azt mindenki Erénynek nevezi? Mered-e?! Egyáltalán eszedbe jut-e? Vannak-e törvények, amelyek nincsenek leírva? Vajon le kell-e írni egyáltalán? Ettél-e húst éhedben kutya elől a csontról? Ennél-e? Van-e vágy, melyet le lehet küzdeni? Vajon le kell-e egyáltalán? Ha leküzdöd, mit vársz cserébe? Voltál-e már láncon? Raktál-e láncot valaki nyakára? Milyen kémiai folyamat indul meg a testedben, ha csak leírom ide: egy meztelen női láb? Lehet-e élni valakivel? Az Ember mindig magányos marad? Vagy talán bizony társas lény? Akarsz-e ölni? Vagy csak néha…? Csak egy kicsit…? MIT, AKARSZ, TE? Vagy, aki vagy? Vagy olyanok leszünk mind, mint amilyennek majd elmesélnek bennünket? Megéred-e a holnapot? Vagy azt hiszed, hogy minden örökké tart? Látsz te egyáltalán? Vagy inkább titkolod, hogy vak vagy? Miért pont én? Mije fáj annak, aki alatt máglyát gyújtanak? A levágott fejnek futja-e még egy utolsó pillantásra? Mit gondolsz, meddig mehet ez még így tovább? Mikor tanuljuk meg, hogy amit nem látunk, az attól még van? Vagy az sincs, amit látunk, csak nem akarjuk észrevenni? Voltál-e már csak egy izé, aki nem tehet róla, hogy hova született? Vagy arról se tehet, hogy kinek született? Lehet-e születni valakinek? Csak azért mert az apám, azért már mindjárt az apám? A gonosz gyerek csak gonosz szüleit bosszulja? Jobb hely lenne a világ nélküled? Vagy a világ olyan, amilyen? Vagy olyan, amilyenné tesszük? Nincs visszaút? Vagy az is előre van? Te is az erőszakolós jelenetet várod a legjobban, holott az csak természetes, hogy neked ilyesmi eszedbe sem jutna? Vettek már el tőled olyat, amit nagyon nem akartál adni? Adtál-e már valamit, amit elvenni sem bírtak tőled soha? Tudsz-e függeni? Ér-e annyit az Élet? Függeni, láncon akár, csak élni? Mit adnál oda az életedért? És az Övéért? És Ő a Tiedért? Akarod-e tudni? Vagy elég csak kijelenteni, hogy mi mindent odaadnánk egymásért, mert tudod, hogy úgyse kell majd odaadni? De ha mégis? Akkor megint csak, és először is, hogy miért pont én? Ki az az Én? Van-e az egyedül is, vagy csak miattunk, többiek miatt leszel-e Én? Van-e megváltás? Mi dolgunk egyáltalán? Mér’ van ennyi kérdés? Kell-e válasz egyáltalán? Van-e? Belevágod-e a hamutálat a monitorba, ha véletlenül lefagy a gép, pedig azelőtt másodpercenként milliószor millió kérdésre válaszol igent vagy nemet? De elvárod a türelmet, ha nincsenek azonnali válaszaid? Fel tudod sorolni a hét főbűnt? És a tíz parancsolatot? A hétből melyiket cserélnéd le súlyosabbra? A bujaságot? Azzal a vállvonással, hogy ma már, ugyebár? És melyiket enyhítenéd a tízből? A faragott képet, mert úgyis ott a feszület a szobád falán, meg a visszapillantó tükrödre akasztva, meg aztán ezt sosem értetted?

Volt ez már színház a moziban, most csinálunk egy mozit a színházban:

Anger Zsolt – a rendező”

Bárka – Dogville

Kritika - Itt.

Clase magistral con Lars Von Trier

Entrevista Laurent Tirard

Transcripción by muzderauli

El motivo por el que empecé a hacer películas, al principio, fue que veía imágenes mentalmente. Tenía esas visiones y me sentí obligado a traducirlas mediante una cámara. Y supongo que es una razón tan buena como cualquier otra para empezar a hacer películas. Sin embargo, hoy en día, es completamente diferente; ya no tengo imágenes mentales y, de hecho, hacer películas se ha convertido para mí en una forma de crear esas imágenes. Lo que ha cambiado no es el motivo que tengo para hacer películas, sino mi planteamiento al hacerlas. Sigo viendo imágenes pero son imágenes abstractas, al contrario que antes, cuando eran muy concretas. No sé cómo sucedió; creo que es simplemente, una consecuencia de hacerse mayor, de madurar. Supongo que cuando eres más joven, la cinematografía consiste en ideas e ideales, pero luego, a medida que te vas haciendo mayor, empiezas a pensar más en la vida y te planteas tu trabajo de una forma distinta, y eso provoca el cambio.

A pesar de esto, y lo digo por mí, el cine siempre ha consistido en emociones. Lo que percibo en los grandes directores que admiro es que, si me pones cinco minutos de una de sus películas, sé que son suyas. Y aunque la mayoría de mis filmes son muy distintos, creo que puedo reivindicar lo mismo, y creo que es la emoción lo que liga todo.

En cualquier caso nunca me propongo hacer una película para expresar una idea en particular. Entiendo que alguien lo vea así en mis primeras películas, porque pueden parecer un poco frías y matemáticas, pero, incluso entonces, en el fondo, siempre se ha tratado de emociones. La razón por la que las películas que hago actualmente puedan parecer más fuertes, hablando desde el punto de vista emocional, creo que simplemente, es que, como persona, he conseguido transmitir mejor las emociones.

Escribo mis propios guiones. No tengo un punto de vista particular respecto a la teoría del autor, aunque el único film que he adaptado de un guión escrito por otra persona es una película que ya no me gusta. De manera que supongo que existe diferencia entre escribir tu propio material o adaptar el de otro. Sin embargo, como director tienes que ser capaz de tomar el trabajo de un escritor y hacerlo completamente tuyo. Y, en el otro extremo, se podría afirmar que, incluso cuando escribes algo tú, siempre está basado en algo que has visto u oído, así que de todas formas no es tuyo. Para mí, es todo un poco arbitrario.

No obstante, lo que sí me parece muy importante es que tienes que hacer la película para ti y no para el público. Si empiezas a pensar en un público, creo que te vas a perder e irremediablemente, fracasarás. Por supuesto debes seguir un cierto deseo de comunicarte con los demás, pero basar toda la película en esto nunca va a funcionar. Tienes que hacer una película porque quieres hacerla, no porque creas que el público la quiere. Es una trampa y es una trampa donde veo caer a muchos directores. Veo una película y sé que director la hizo por razones equivocadas, que no la hizo porque lo deseara por convicción.

Eso no quiere decir que no puedas hacer películas comerciales; sólo significa que la película tiene que gustarte a ti antes que al público.

No existe una gramática del cine. Cada filme crea su propio lenguaje. En las primeras películas que dirigí, todo estaba previsto con detalle en el storyboard. Me parece que en Europa, por ejemplo, no había ni un plano que no estuviera en el storyboard, porque era mi apogeo como maniático del control. Estaba haciendo películas muy técnicas y quería controlarlo todo, cosa que convertía al proceso de rodaje en algo muy doloroso. Y los resultados no eran forzosamente mejores; de hecho, quizá sea Europa, la película que menos me gusta actualmente.

El problema que tiene querer controlarlo todo es que cuando has hecho el storyboard de todo y lo has planificado todo, rodarlo sólo se convierte en una obligación. Y lo terrible de ello es que acabas consiguiendo el setenta por ciento- con suerte- de lo que soñabas; por eso la manera que tengo ahora de hacer las películas es mejor. Por ejemplo en un film como Los idiotas, no pensé ni un segundo en cómo iba a rodarlo hasta que me puse a hacerlo. No planeé nada. Simplemente estuve ahí y filme lo que estaba viendo. Cuando haces eso, realmente, empiezas de cero y cualquier cosa que suceda es un regalo. Así que no hay lugar para la frustración. Por supuesto todo se debía a que estaba rodando yo mismo y con una cámara de video pequeña. Así que en realidad ya no se trataba de una cámara, era mi ojo, era yo observando. Si un actor decía algo a mi derecha, simplemente me volvía hacia él y después me volvía al otro actor cuando contestaba y, después, igual me giraba a la izquierda si oía que pasaba algo a ese lado. Por supuesto hay cosas que te pierdes con esta técnica, pero hay que elegir. Una de las grandes ventajas de rodar con video es que dejas de pensar en el tiempo. Algunas escenas que acabaron con una duración de un minuto en la película duraban una hora cuando las rodé. Cosa que supone una estupenda manera de trabajar. Así que por ahora sigo con el video. Simplemente es fantástico poder filmar y filmar sin parar. Hace que los ensayos no tengan sentido. Empleo los momentos previos al rodaje para comentar a los personajes y, luego los actores saben cual es la acción por el guión y empezamos a filmar. Y tal vez lo filmemos veinte veces; y no tienes que preocuparte de si tiene sentido o no, visualmente hablando hasta que estás en la sala de montaje.

Parece que mucha gente piensa que las reglas del dogma 95 se crearon como reacción a como estaban haciendo películas otras personas, como si tratara de poner distancia entre ellos y yo, para demostrar que yo era distinto. No fue así. De hecho no podría haber sido así, porque sinceramente, no tengo in idea de la manera que tienen otros de hacer películas. Nunca voy a ver películas; desconozco por completo lo que se está haciendo en otros sitios. Así que estas reglas, en realidad, surgieron más como reacción a mi propio trabajo. Fue una manera de provocarme para hacer cosas que supusieran un reto mayor. Puede que suene pretencioso, pero es como si fueses un malabarista de circo que hubiera empezado con tres naranjas y, después de estar haciendo lo mismo un par de años, empezaras a pensar: “ummm, no estaría mal si me colocara en una cuerda floja al mismo tiempo…”. Así que fue un poco ese tipo de situación. Me imaginé que, al establecer esas reglas, surgirían nuevas experiencias, y eso fue precisamente lo que ocurrió.

A decir verdad, siempre he sido muy estricto a propósito de lo que sentía que podía o no podía hacer. Y, en realidad, las reglas del dogma no son nada en relación a las reglas no escritas que me creé, digamos, en una película como El elemento del crimen. Me había prohibido a mi mismo hacer eso. Sólo utilicé planos con dolly y con grúa, y sólo separados, nunca mezclados. Había muchas reglas como esas, que, no sé, surgían de una mente enferma; ¡lo siento!, bueno hablando más en serio, sé que suena muy mecánico, pero creo que establecer reglas constituye un planteamiento necesario en cualquier película, porque el proceso artístico es un proceso de limitación. Y limitación significa establecer reglas para ti mismo y para tu película.

La diferencia con el dogma 95 es que decidimos plasmar en papel esas reglas y por eso la gente se sorprendió más. Pero creo que la mayoría de los directores consientes de ello o no, tienen sus reglas no escritas. Y, en cierto modo, creo que plasmarlas en papel crea una cierta honestidad, porque personalmente –y supongo que esto va en contra del punto de vista de muchos directores- me gusta ver como se hace una película. Como espectador me gusta sentir de algún modo, domo si estuviera observando el proceso creativo por el que ha pasado la película.

Hace unos años, todo el mundo te habría dicho que era el peor director de actores de toda la historia del cine. Y todos hubieran razón; aunque en mi defensa, diré que se debía al tipo de películas que hacía. Por ejemplo, en una película como El elemento del crimen, era necesario que los actores, simplemente se quedaran de pie y no dijeran nada, o que su comportamiento pareciera un poco mecánico. En películas como ésa, el marco era más importante que los actores realmente. Pero ahora he cambiado la manera de plantearlo. Trato de introducir más vida en mis películas y supongo, también, que ha mejorado un poco la técnica como director. Me doy cuenta de que la mejor manera de conseguir algo de los actores es darles libertad. Darles libertad y animarles es todo lo que puedo decir. Es como todo en la vida; si quieres que algo se haga bien, tienes que mostrar una actitud sumamente positiva sobre ello y sobre la capacidad de la gente para conseguirlo.

Al principio de mi carrera, vi un documental sobre cómo dirigía Igmar Bergman a sus actores. Después de cada toma se acercaba al reparto y decía: “¡oh, ha estado genial!, ¡precioso!, ¡fantástico! Quizás podrías mejorarlo un poco pero bueno, maravilloso”. Y recuerdo que me entraron ganas de vomitar. Lo encontraba todo tan excesivo y exagerado, y bueno… le parecía falso al joven cineasta cínico que era yo. Sin embargo hoy me he dado cuenta de que tenía razón, que era el planteamiento correcto. Tienes que animar a los actores, tienes que apoyarles. Y que no nos dé miedo el tópico; tienes que quererles de verdad. Sé que por ejemplo en una película como Los idiotas, llegué a querer tanto a mis actores que me volví sumamente celoso, porque habían desarrollado una relación tan estrecha entre ellos, habían creado una especie de comunidad de la que me sentía excluido. No podría haber durado mucho más, porque, al final, me afectaba tanto que ya no quería trabajar. Hacía pucheros como niño porque estaba celoso. Me sentía como si todos se estuvieran divirtiendo y yo tuviera que trabajar, como si todos fueran niños y yo tuviera que ser el profesor.

Es importante que un director evolucione, pero mucha gente confunde evolución y mejora, que son dos cosas diferentes. Yo he evolucionado en mi trabajo, porque siempre he avanzado hacia cosas distintas. Pero no siento que haya mejorado; y no estoy tratando de parecer modesto al decir esto. De hecho es lo contrario, porque –y esto puede resultar insoportable de oír- el único talento que tengo como director es que estoy totalmente seguro de lo que estoy haciendo. Estaba seguro de mí mismo, cuando hice mi primera película… nunca he dudado cuando se trata de mi trabajo. Por supuesto, puede que haya dudado de cómo iba a reaccionar la gente, pero nunca he dudado de lo que quería hacer. Nunca he querido mejorar, y no creo que lo haya hecho. Y nunca me ha dado miedo lo que estaba haciendo. Cuando veo cómo trabajan muchos directores, puede decirse que hay cierta dosis de miedo en relación con su trabajo. Pero esa es una limitación que yo no podría aceptar. Tengo muchos miedos en mi vida privada, muchos; pero no en mi trabajo. Si sucediera eso, dejaría de trabajar de inmediato.

Dancer in the Dark

muzderauli.wordpress.com

Click here to listen to the show.

On tonight’s show:

- Antichrist (2009)

- Cirque du Freak: The Vampire’s Assistant (2009)

- Mad Men: Season 3, Episode 12, “The Grown Ups” (2009)

- Mad Men: Season 3, Episode 13, “Shut The Door.  Have A Seat.” (2009)

- The Mad Men Article BK talked about can be read here.

- Interesting Death of the Week with B.K.: Anthony[sic] – Oregon trailblazer, peperony and chease; Earl Cooley – Original smokejumper

- Tonight’s score: Duke Ellington’s Piano in the Foreground

Do: Cinema com Farofa

Em “Anticristo”, Willem Dafoe (“Homem Aranha”) e Charlotte Gainsbourg (“Sonhando Acordado”) interpretam um casal que, para tentar se recuperar da morte do filho, se isolam em uma cabana na floresta. Entretanto, coisas terríveis e misteriosas começam a acontecer, transformando a vida dos dois em um verdadeiro inferno.

"Antichrist" Movie Poster

Apparently, on at least one occasion during the publicity blitz for his latest film, “Antichrist,” Lars von Trier has referred to himself as the world’s greatest living director. Really. Not only is this a mistaken opinion, it’s just plain factually inaccurate, and “Antichrist” is ample proof of this, because the world’s greatest living director would, presumably, have at least something to say, and von Trier quite clearly does not.

This is not to say that the film doesn’t have some things going for it. It’s almost painfully beautiful to look at at times, and almost each and every shot is worth framing as a museum piece. Unfortunately, it’s exquisite craftsmanship in service of nothing, as the “deep” and “meaningful” themes that von Trier spends the entire film announcing at top volume that he’s purportedly exploring are, in fact, nowhere to be found. von Trier has pretentiously dedicated this film to Tarkovsky, but has apparently only absorbed the techniques of surface visual majesty mastered by the Russian great while learning nothing from him of the art of truly exploring dark and harrowing subject matter. It’s rather like tracing an outline of the Mona Lisa and having the temerity to “dedicate” the finished “product” to da Vinci.

The most consistent criticism of von Trier’s previous work is that he’s used shock value to cover for the fact that his material is actually painfully superficial and half-understood, and while that’s an accurate enough summation of the inherent weaknesses of films like “Dancer in the Dark” and “Breaking the Waves,” it’s double, triply, quadruply true for the masturbatory, self-indulgent mess that is “Antichrist.” Never, in this reviewer’s memory,  has so little been insistently and vociferously packaged as being so much. von Trier’s stilted and hackneyed dialogue, so wretched it makes Ed Wood’s worst excesses seem naturalistic,  literally screams “Look at me! I’m important!” from start to finish, but announcing one’s importance and actually having any are far from being the same thing, a lesson that von Trier has, painfully and obviously, not yet learned.

And truth be told, that’s the damned thing not only about film, but about all art in this fallen world of ours — yes, cinema, novels, poetry, painting, all forms of artistic self-expression are important — unfortunately, in this day and age, the overwhelming majority of people with the free time, financial resources, and wherewithal to produce it aren’t. It’s wonderful that folks have something to say and a well-nigh endless variety of mediums in which to say it, but that doesn’t mean that most of those who are doing so are worth listening to. Self-absorbed, self-indulgent, overwrought pretentiousness is crap no matter how skillfully it’s communicated or how boisterously it declares its own perceived greatness. von Trier has a definite gift at the art of visual communication, but to date the messages he’s conveyed have bordered on complete worthlessness, and with “Antichrist” he finally crosses that border without trepidation. It’s a giant headfirst leap into complete and utter pointlessness, a madman laughing with abandon as he pisses in his audience’s face for no other reason than he can,  and then has the temerity to tell them they’re not worthy to drink it.

von Trier’s trajectory is clear from the get-go, as first we get his name splashed across the screen (not “a film by Lars von Trier,” or “a Lars von Trier film,” just “Lars von Trier”), then we get the movie’s title card, then we get thrust into the “epilogue,” a scene of black-and-white operatic beauty as the lead characters, He and She (they’re never given names, and frankly don’t do anything in the film to deserve them, although both roles are tackled with consummate professionalism by Willem Dafoe and Charlotte Gainsbourg, respectively, who both deserve far better material than they’re given here), fuck in the shower while their toddler-age son, Nic, tumbles out an open window to his death. Yes, we see some quick full-on sexual penetration here, but the real “pornography” here is von Trier choosing to film a child’s death in slow-motion elegance. It’s the first of countless instances of him trying to be “shocking” and “transgressive” that completely miss the mark and end up being more cheap and exploitative than even Shaun Costello or Zebedy Colt on their worst days.

Quickly we learn that He is a therapist, though not a Ph.D., and She is, or was, a graduate student working (when she does) on her thesis, the topic of which is, I kid you not, “gynocide.” And like the filmmaker himself, their trajectory is also painfully plain to see from the outset, as they are trapped in a downward — hell, a doomward — spiral right out of the gate. She can’t cope with the loss of their son while He, at least on the surface, is coping all to well and seeks to “cure” her not only as her husband/lover (whether or not they’re actually married is never spelled out), but also as her therapist. They try to work through things at their posh artist loft-type home, but when that doesn’t work out, it’s off to the wilderness and isolation when they retreat to a cabin they presumably own in a deep, dense forest called — yawn — Eden.

Let’s be honest, we don’t need von Trier to hit us over the head with the idea that city folk who head out to the woods are fucked, it’s been a constant theme in horror cinema for years, and von Trier, for all his visual aplomb, doesn’t do the concept nearly as much as justice as, say, James Bryan did in “Don’t Go In The Woods,” to pick just one example out of literally hundreds.

Oh, but von Trier has so much more to say here than just that. Doesn’t he? Why, just ask him. And therein lies the problem. Underneath all the overstated psychodrama — is He really looking to help She, or is He seeking to draw her more deeply into his web of manipulation and control? Is She really imbalanced, or does She merely accurately sense the threat He poses to her freedom? Does He even really care about She, or is He merely seeking to gratify his own ego by “curing” her? Are both of them merely stand-ins for the silent tyranny that underscores all male-female interpersonal relationships? — there just isn’t much there. It’s as if von Trier thinks the act of stating that he’s “delving into” these larger themes is tantamount to actually doing so. Sorry, Lars, bot no amount of grandiloquence can disguise the fact that the median temperature of this film is ice cold and that the “passions” at its core are pure plastic.

He is never shown to be anything more than a two-dimensional manipulative bastard and She is a raw, emotionally imbalanced basket case who only feels alive when being fucked, being hurt, or both at once. He is pure calculation, She pure emotion, and both are out of control in their own respective fashion. Of course, She is the one we’re supposed to have some modicum of sympathy for, being that von Trier is an enlightened type of guy, and even when She’s screwing a 20-pound wight through the flesh and bond of He’s ankle in order to hold him down, the message is that She is fighting back, asserting her control and independence through the only avenue He has left her, namely by imprisoning him physically in the same manner he has imprisoned her psychically and emotionally. There’s this supposedly bold, anti- misogynist (wow, talk about going out on a limb — misogyny is bad? Why, I had no idea. What tough stand will he take next? Is genocide evil, too? Murder? Rape? Torture? Damn, talk about gutsy!) statement at the heart of the proceedings here, you see.

Or maybe you don’t. You could be forgiven for missing it, certainly, since the overall tone of the film is, in fact, relentlessly misogynistic and even downright sadistic. Not that your reviewer is necessarily averse to the idea that hitting an audience over the head with an idea, and indeed even incorporating the worst excesses of said idea, is often the best way to expose that idea and to subvert its power. On the contrary, one of my favorite films of all time is “Cannibal Holocaust,” which deftly and expertly incorporates the techniques of “mondo” or “shockumentary” filmmaking in order to to lay bare its grotesque excesses (incidentally, this is a movie that has only gained power and resonance over the years with the advent of “reality” television and DIY, “YouTube”/handheld-style filmmaking, but I digress), but Deodato was willing to throw caution to the wind and to cross the very lines he was condemning in order to communicate his point — to make himself a hypocrite in order to make his film both honest and genuinely harrowing. It’s shocking not only for what it shows but for the power with which it shows it, power that can only come from absolute authenticity.  von Trier hasn’t even got the guts to give his “deep and resonant” themes anything more than the most cursory glance. He gives us a story of two bourgeois characters “inflicted” with shallow bourgeois problems  and thinks he’s addressing universal themes when, in truth, we actively want both of these people to die, and the sooner the better, their “inner turmoil” be damned. And therein lies another missed opportunity — in order to give a fuck about these people’s problems, we’ve got to give a fuck about these people in the first place, and we’re never given a reason to do so. Two upper-class, self-absorbed slimebags have tragedy visited upon them? Too bad for the kid,absolutely, but given that von Trier himself chose to film his death in such an artistically prurient and, yes, pretentious manner, we never feel too much heartache or loss there — in fact, the child and his death are just a tool to be used for the filmmaker to get at the “meat” of the purported psychodrama that plays out between the couple themelves, a means to an end, nothing more.  But that end is nothing but the cinematic equivalent of a lifeless suburban cul-de-sac — traveled to in style, I’ll grant you that, but it still doesn’t mask the barren worthlessness of the destination itself.  Sure, von Trier’s knock-out punches connect on occasion ( the talking fox, for instance, actually works), but they’re delivered with weighted gloves — his actual fists themselves have no power.

And so “Antichrist” is testament to nothing more than the power of artifice. It’s pretense declared as meaning, gutlessness self-proclaimed as bravery, the US invading Grenada in order to declare the world “safe for democracy,” all delivered by a filmmaker who’s gotten in deep over his head without ever leaving the shallow end of the pool. The stated intent of “Antichrist” is to challenge the viewer every single fucking step of the way, but in the end the only challenge is to sit through the whole thing to the end.

There’s symbolism aplenty, delivered time and time again, in the form of a pregnant doe and the aforementioned talking fox and the fictional “three beggars” constellation, and acorns falling on the roof of the cabin, but in order to interpret it successfully, or even unsuccessfully, first you have to actually actively care about what it all might mean. “Antichrist” never gives you reason to. It’s just two solid hours of celluloid navel-gazing for its own sake. Apparently von Trier was emerging from a — yawn — long, deep depression (oh, the unique existential pain that must come from being a wealthy, self-obsessed “indie” filmmaker) when he conceived of this flick, and is attempting to engage some of the issues he dealt with while in said — yawn again — depression without crossing the line into full-blown on-screen therapeutic release. I dunnno, if I were him, I’d be a hell of a lot more depressed now, if I had faced the “long, dark night” of my soul and this was the best I could come up with.

There’s a scene in the film that could effectively stand in for the entirety of “Antichrist”  as a whole :  He, knocked unconscious by She, is lying on the floor with a monster erection, and She takes takes said hard-on in her hands and yanks on it until it ejaculates blood all over her. That’s all von Trier is doing here — jerking us all off, collectively, until we cum more as a means of registering our disgust than anything else.

Perversely, the inherently nihilstic undertones sledgehammered away at throughout “Antichrist” are proven to be true not by anything said by the film itself, but by its mere existence. Yes, we are a hopelessly fucked lot in general, and yes, all is lost, and yes, existence itself is quite likely pointless — any species that can produce even one member as shallowly self-absorbed as von Trier proves himself to be with “Antichrist” is well beyond any hope of redemption. All of our efforts at nobility, altruism, generosity,  and kindness aside, the fact that even one human being could come up with anything this wretchedly egotistical is, I’m afraid, enough to damn us all. So if there is indeed any higher power at work in the universe who sits in judgment over all of creation, I’d like to apologize on behalf of the entire human race for the fact that one of us made this film. I hope you won’t hold it against us as a whole, but really, if you decide to do so, I can’t say that I’d blame you.

The first piece of research that we were advised to look at was from a video, which was produced by Jorgen Leth.  The clip comes from the film ‘The Five Obstructions’, which was directed by Lars Von Trier. 

The film is a documentary, but also includes lengthy sections of experimental films that were produced by the filmmakers. The proposition that Lars Von Trier has created for his friend  Jørgen Leth who was another filmmaker is that Leth must produce five remakes of his favourite film The Perfect Human  each time with a different ‘obstruction’ (or obstacle) given by Von Trier.  Listed below are the five obstructions that Von Trier gives Leth in which he must produce the remakes:

• Leth must remake the film in Cuba (but with no set) with no shot longer than 12 frames, and he must answer the questions posed in the original film; Leth successfully completes this task.

• Leth must remake the film in the worst place in the world but not show that place onscreen; additionally, Leth must play the role of “the man”. The meal must be included but the woman is not to be included. Leth remakes the film in the red light district of Bombay, only partially hiding it behind a translucent screen.

• Because Leth failed to complete task 2 perfectly, Von Trier punishes him, telling him to either remake the film in any way he chooses, or redo obstruction 2 in Bombay again. Leth chooses the first option and remakes it in Brussels using split-screen effects.

• Leth must remake the film as an animation. He does so with the aid of Bob Sabiston, a specialist in rotoscoping, who creates animated versions of shots from the previous films.

• The fifth obstruction is that Von Trier has already made the fifth version, but it must be credited as Leth’s, and Leth must read a voice-over narration ostensibly from his own perspective but in fact written by Von Trier.

After watching the piece of film (above) I felt like I had watched a piece of video that was filmed in a style of which I had never seen before.  Basically, the style was that every one or so seconds the picture would jump (either to another thing or the person that they were filming at the time would move in a different direction).  It kind of reminded me of a DVD that is slightly scratched as you watch it.  This effect made me keep watching every second of the piece, just in case I missed anything.  I also found the person who was narrating the video interesting, this was because his voice was at a very slow tempo while the visual side of the production was very fast paced.

Overall, I found this video quite interesting in terms of the editing side of things ( because it was a new way of viewing a video), but I also think that the whole video could have lasted three minutes instead of the five that it did.  This was because in my opinion seemed to drag on slightly.

After watching this video, I decided to do some research on these two influential filmmakers, and so I looked on the internet and found some information on them both:

Lars Von Trier

Lars Von Trier was born in Copenhagen is known for being a poet and a documentary film maker. He was tutor to Lars Von Trier and to this day make films together and they have one that is soon to be released called ‘The Erotic Man’.  Lars Von Trier was the man who set Jorgen Leth the five obstructions (that I discussed earlier in this blog entry).  Leth has never been shy of public attention and has a lot of controversy surrounding him, especially in Denmark, when he included a graphic account of his sexual relations with his cooks’ seventeen year old daughter in his autobiography.  He also then planned to make a film called ‘the erotic human’, which again has caused  a lot of controversy.  The film title, which is now to be released in 2010, has changed to ‘The Erotic Man’.

I am now going to give you a brief biography on Lars’ friend and fellow film-maker Jorgen Leth:

Jørgen Leth

Jorgen Leth was born on June 14, 1937 in Denmark.   He made his first film in 1963 and has since made forty more, many distributed worldwide.  He is most famous for a 1967 short, The Perfect Human, which also featured in the 2003 film The Five Obstructions made by Leth and Lars von Trier.

Leth has won many awards during his long and successful career that include: