Lo so, via Watteau è famosa per il Leoncavallo. Il centro sociale, i concerti, le mamme che lo salvano. Ma per me il Leoncavallo è il luogo dove incontro “Face”. Non mi chiedete altro, di lui so soltanto che si fa chiamare così. Arriva accompagnando una bicicletta, barba incolta e abiti anonimi quasi tutti tendenti al nero. E’ giovane, anche se per fare il lavoro che fa – mi spiega – 39 anni sono anche troppi. Face organizza Rave Party. Mentre parla, la luce bianca e artificiale di una lampada inonda la sua faccia dall’alto. Le occhiaie, già scure e profonde di per sé, sembrano ora due pipistrelli neri agganciati sotto i suoi occhi. Sullo sfondo una parete ricolma di murales che non lasciano fuori nemmeno uno spillo, in sottofondo rumori di un gruppo di ragazzi che sta allestendo il palco alle nostre spalle. Face dà un’ultima aspirata alla sigaretta, spegne il mozzicone con la scarpa e mentre soffia via il fumo dice: “In Lombardia, vengono fatti due o tre Rave a settimana. Roba da decine di migliaia di persone”. Face è onesto, sa che durante queste feste circola droga. Ma la colpa non si può certo dare alla musica, droga ce n’è come in oratorio e a scuola. Su una cosa è certo: “la polizia non interverrà mai”. Perché i ravers sono troppi e quando sono tutti insieme la polizia ha paura. Ride e sorride poco Face, e la sua erre moscia stride a vuoto quando pronuncia la parola “Rave”.

“Non sono più un ragazzino. Adesso, quando vado a un Rave, ci sto un paio d’ore e basta. A mezzanotte sono già nel mio letto”.

Monday 2nd November 7:30pm

at Symphony Hall

Renée Fleming soprano
Royal Philharmonic Orchestra
Charles Dutoit conductor

Prokofiev Suite, Romeo and Juliet
Tchaikovsky Tatyana’s Letter Scene from Eugene Onegin
Tchaikovsky Fantasy Overture, Romeo and Juliet
Leoncavallo Svaria sulla bocca viva from La Boheme
Leoncavallo Pinson la biondetta from La Boheme
Giordano Nella suo amore from Siberia
Puccini Sola perduta, abandonata from Manon Lescaut

There are few more famous divas than soprano Renée Fleming, whose fame has soared into realms normally reserved for pop music superstars. The effortless ease of her distinctive tone brings a breathtaking sheen to every note she sings. She returns to Symphony Hall after a break of six years in a programme on the theme of love. www.thsh.co.uk

Classic FM’s Anne-Marie Minhall, says of tonight’s recommended concert: “Renée Fleming is undoubtedly a soprano in a league of her own. The double Grammy winner is an outstanding solo performer. Don’t miss this chance to catch this world-class singer live.”

Review by David Hart, Birmingham Post:

http://www.birminghampost.net/life-leisure-birmingham-guide/birmingham-culture/music-in-birmingham/2009/11/04/review-ren-e-fleming-royal-philharmonic-orchestra-at-symphony-hall-65233-25091167/

“Real passion and commitment came later. The section leading up to the Death of Tybalt displayed palpably thrilling sonorities, while in Tchaikovsky’s Romeo and Juliet fantasy-overture (just imagine what a Tchaikovsky ballet, or even opera on this subject might have been like) Dutoit avoided any suggestion of warhorse posturing, building climaxes in a purposefully expressive way and keeping the love theme under control right up to its final, poignant appearance in the coda.”

Review by Geoff Read, Seen and Heard UK

http://www.musicweb-international.com/sandh/2009/Jul-Dec09/Fleming_0211.htm

…”The final scheduled aria was Sola, perduta, abbandonata, from Puccini’s Manon Lescaut: Fleming had saved the best for last, demonstrating why she has reached her star status. At last, we had an aria that displayed drama and passion with orchestra and soloist on the same wavelength.”…

aria şi opera aleasa NU au  legătură cu postarea de mai jos

(cred că se înţelege uşor)

CAROLYN’S COMPOSITIONS

DARE TO BE A CLOWN: CLOWN TYPES

     The clown standing before me wore size 16 red-trimmed white Pony sneakers. Her horizontally striped costume was covered with multi-colored figures and triangles. It was mismatched, indicating she could not decide what style to whip up on her sewing machine: the blouse had a long sleeve on one side and a single strap on the other side.

     Her face, though not painted, was superficially masked by a painted on smile. Her hair was hidden under a nightcap covered with an oversize butterfly.

     Her entire person was hidden from view. She was quite the clown, daring to be bigger than life, and I was distinctly aware of her, “the clown.”

     Since ancient times, clowns have disguised themselves with masks, half-masks and dabs of color. Thus, make-up has always been a part of clowning: “Soted cheeks in ancient Rome, red noses for devils in the Middle Ages, masks in the Commedia dell’arte, bismuth and rouge in the English Harlequinade, flour in old French farces and burnt cork in the nigger-minstrel shows.” The word “mask” comes from “maskharat,” the Arabic word for “clown.”

     Although the appearance and behavior of a clown may include highly collective traits, and his “species” clown is striking in the over-all effect of his appearance, his character, nonetheless, may be highly individual. His mask is, for example, personally stylized. Each clown’s make-up is his alone. His ownership of his design is guaranteed by an unwritten patent respected among circus performers.

    American clowns have, over the years, evolved into three basic, or “pure,” clown types. From these, many variations, including blendings and mergings, have been inspired, making it sometimes impossible to “typecast” a favorite creation.

     In the old days, when planning makeup and wardrobe, it was considered wrong to leave any skin uncovered, since skin revealed the clown as human. Today, many clowns choose to show their humanity, perhaps by eliminating the traditional white gloves, by performing without shoes or by leaving their arms bare. These clowns feel a bit of humanness brings them a little closer to their audience.

     The Whiteface clown is the “king” of American clowns. He’s smart, resourceful and playfully on top of each situation. His traditional clown suit, though colorful and loose, has some measure of elegance and symmetry. His face, ears and neck are all white, marked with red and black. He wears white gloves.

     To view illustration, click on:

http://www.flickr.com/photos/beanerywriters/4118106417/

     There are two types of Whiteface clowns: the neat and the grotesque.

     The “neat” whiteface clown uses modest markings, wears a skullcap (no hair), sports a small hat and lightweight shoes. The “grotesque” Whiteface uses bold markings, wears sprouting hair, adorns a funny nose and sports oversized feet.

     The Auguste clown is the opposite of the Whiteface, neither neat nor grotesque. His name comes from a 16^th century German word meaning peasant or common, and that’s exactly what he is—common, but greatly exaggerated. His wardrobe is bizarre—big checks, skinny stripes, loud colors. He has absolutely no taste! Nothing matches and nothing fits properly. His props are homemade and ill-constructed. They fall apart. He is on the receiving end of Whiteface’s jokes, and, because nothing ever goes right for him, people love him and identify with him. He personifies the human condition. Auguste, despite his situation, is not a sad clown. A slapstick artist, he is a happy fellow and always manages, somehow, to recover.

     The Auguste clown uses flesh-tone makeup, with white around the eyes and mouth. His markings are exaggerated. His clothing is colorful.

      The Tramp was originally called a “carpet Clown.” He was a circus clown who worked on the carpets (temporary floors laid in the tents to keep the animals and artists from slipping). He was a laborer. He stayed near the action and created mood, often by imitating other clowns or by mocking the ringmaster. He also directed the audience’s attentions away from mistakes or accidents, and he cleaned up after the other performers.

     Tramp is the lowliest of clowns. He wears discards and hand-me-downs. He is always ragged and shabby, but never dirty. His face is essentially his own, but his sad eyes accented with white accents, downward mouth and seedy, painted beard set him apart from the other clowns. The upper half of his face is flesh-tone and his nose is either pink or red. As Auguste is the butt of Whiteface’s jokes, Tramp is the victim of Auguste’s antics.

     Many clowns have experienced rough beginnings or hard times in their lives. “Laugh, clown, laugh, though your heart is breaking” is the theme of Leoncavallo’s opera, Pagliacci, and this is often the theme of life. To those who smile through tears, the urge to clown grows out of the recollections of difficult periods—not from a need to hide or cover up, but from a need to share. These clowns say “I’ve been there. I’ve hurt too. I understand. I love.”

     Not all clowns, however, perform through suppressed tears. The great Felix Adler maintained that inner sadness was not essential to clowning. Robert C. Benchley, who clowned in Barnum and Bailey’s Circus in 1917, claimed all the clowns he knew were “exceptionally cheery people.”

     Clowning may spring either from a joyous heart or from a saddened one. One never knows what lies beneath the mask. Clowning very often touches the clown as well as those he touches.

     Can a sad clown be funny? Of course he can—if he’s truly the clown he has to be! In the first place, everyone knows he’s joking. Secondly, part of the fun is in trying to cheer him up. People care about the melancholy Tramp and want to make him happy. America’s version of this clown is the endearing hobo.

     There’s more to being a clown than make-up, wardrobe and a few tricks. A true clown develops from within. Whether on a stage, in a parade, on a street corner, in a circus or at a birthday party, the clown is recognized universally as the symbol of happiness. He creates smiles. He creates laughter. He stands for good.

     A bit of the clown exists in all of us, you and me. This is evidenced by our shared innocence, enthusiasm, sensitivity, curiosity, childlike delight, profound emotion and common bumbling way. Because of this, we identify with the clown, who makes the most of this identification. Clowns reflect life and comment on it. Through their actions, our reaction is to laugh—not so much at the ridiculous as at the comment on the ridiculous. The old comic “put down.” Yet, with the clown, the put down is different. The stage comic puts you down and leaves you there. Clowns, however, will always pick you back up, usually raising you to a higher of better level of existence. They do this “Because life is so hard, we have to lift up humanity instead of putting humanity down,” as Marcel Marceau said. A good clown will clown with you, his audience, not at you or to you. And because he feels good about being a clown, he will leave you feeling GOOD, or at least HOPEFUL, about some aspect of your life.

     The clown standing before me entertains me, brings out my humanity. That is why I love her, in all her chaotic costuming and extreme makeup.

ADDITIONAL READING:

DARE TO BE A CLOWN: Clown History

Come celebrate my funeral

From the Bastille to Cinderella

Honus Wagner & Me

Two Photographers Named Cornell

YOU MEAN THIS NEW ENGLANDER IS A WESTSYLVANIAN?

Al Leoncavallo (via Watteau-Milano) giovedì 25, alle 23, concerto-anteprima assoluta del nuovo cd di Marco Rovelli libertAria.
Il concerto sarà preceduto dalla presentazione di Con il nome di mio figlio – Dialoghi con Haidi Giuliani (Transeuropa), alla presenza di Haidi Giuliani e di Marco Rovelli, curatore.

LibertAria è il nuovo progetto musicale di Marco Rovelli, dopo l’esaurimento della sua esperienza con Les Anarchistes, e libertAria è il nome che dà il titolo al cd, in cui il suo percorso di musicista confluisce con la sua esperienza di scrittore. E nel percorso sono implicati a vario titolo – come co-autori ovvero come incontro da cui è nata un’idea – una serie di amici scrittori: Wu Ming 2, Erri De Luca, Francesco Forlani, Maurizio Maggiani, Roberto Saviano. Ma ci sono partecipazioni di altrettanto straordinari musicisti come Yo Yo Mundi e Daniele Sepe.
Alcune canzoni si legano direttamente ai libri scritti da Marco Rovelli. Il campo canta di storie migranti legate a Lager italiani (BUR,) e al libro venturo, Servi (Feltrinelli). Il dio dei denari è invece legata alle morti sul lavoro, su cui verte il libro Lavorare uccide (BUR). E così Girotondo, una canzone che nasce dai tentati pogrom ai campi rom.
Altre canzoni sono legate ad altri libri: Indiana, scritta con Wu Ming 2 in margine a Manituana; La mia parte, canto a margine de Il coraggio del pettirosso, scritta con Maurizio Maggiani; L’odore del mondo, canto a margine di Gomorra. E poi L’intimità, canzone che è il risultato di una riscrittura di un testo scritto appositamente da Erri De Luca.

Il volume-scritto da Moroni direttore della Libreria Calusca-ha come suo scopo principale quello di analizzare nel dettaglio l’evoluzione demo-urbanistico di Milano tra glia anni cinquanta e gli anni ottanta in stretta correlazione con al formazione e la disgregazione di gruppi giovanili antagonisti.Ben lungi dal presentarsi avalutativo,il saggio ha infatti una natura squisitamente militante:infatti mentre da un lato l’autore non risparmia nel corso dell’ananlisi valutazioni assolutamente negative intorno all’operato delle giunte centriste che si sono avvicendate durante i decenni,dall’altro lato l’ottica interpretativa con la quale legge il modus operandi della sinistra antagonista e’ sovente elogiativo.Dopo aver dato una definizione abbastanza ampia di cosa sia una banda giovanile,Moroni ne individua i luoghi di aggregazione(sale da ballo,cave esistenzialistiche,osterie e bar),strumenti di espressione(rock’n'roll,boogie,slow e be-bop),denominazione(i Teddy Boys) e infine il modus operandi(il travestimento,le sfide a biliardo,i conflitti verbali e fisici che altro non sono che reazioni istintive ai codici imposti dalla industrializzazione avanzata non mediate ideologicamente e alle quali mancano obiettivi precisi).Nel giro di breve tempo sia la classe plitica che le princiapli testate giornalistiche eserciteranno una tale pressione sulla opinione pubblica da indurre la gran parte della borghesia a leggere i Teddy Boys come il prodotto piu’ deteriore della societa’,valutazione questa che portera’ alla giustificazione della repressione poliziesca nel 1961.(superfluo osservare che l’autore dissente radicalmente dalla applicazione e dalla promulgazione stessa della legge 1423 del 1956 nata per prendere una serie di provvedimenti efficaci nei confronti di quegli individui o gruppi ritenuti potenzialmente pericolosi).Sempre negli anni cinquanta prende piede nei cabaret milanesi la satirica politica e di costume che ebbe come interpreti i Gufi,Fo,Gaber e Jannacci e come pubblico una ristretta cerchia di borghesi intellettuali.Tuttavia l’influenza piu’ rilevante sara’ esercitata-a partire dal 1964-dalla capillare diffusione della televisione che “inchiodera’ decine di milioni di persone davanti al teleschermo non solo nelle case ma anche nei bar,contribuendo a creare nuovi modelli di riferimento”(p.106),modelli di riferimento che saranno fatti oggetto di critiche impietose dalle prime aggregazioni antagoniste-i Beat-sorti tra il 64 e il 65.La realizzazione della rivista “Mondo Beat” e l’apertura di una tendopoli-una sorta di comunita’ autogestita-serviranno a cotruire concretamente una realta’ alternativa a quella consumistico capitalistica,una realta’ che avra’ nel pacifismo e nell’anticapitalismo alcune delle sue principali direttrici tematiche.Dopo lo sgombero della tendopoli da parte della polizia nel 1967, a partire dall’anno successivo,le realta’ antagoniste milanesi-fatte da studenti,operai e intellettuali-si diffonderanno in modo capillare portando alla formazioni di raggruppamenti extraparlamentari ,di sindacati di base che insieme sapranno coniugare la rivolta esistenziale con il rifiuto di qualsiasi modello politico precostituito.Tuttavia,una parte consistente di questa soggettivita’ antagonista scegliera’ la via della militarizzazione leninista che avra’ come suo tragico epilogo il sorgere del terrorismo.A questo esito fatale,riuscira’ a sottrarsi sia l’underground-attraverso la musica,la mistica,l’alimentazione,l’aborto,il divorzio,l’omosessualita’-come nel caso della esperienza di Valcarenghi con la rivista “Re Nudo” sia i centri sociali che- sorti tra il 1975 e il 1976- saranno veri e propri centri di contropotere territoriale(si pensi al Leonka,all’Isola-) affiancati dalle radio libere come Radio popolare.
Gagliano Giuseppe

Golden Bass, the Promoter of the War Territory Clash finally released the Audio of Bass Odysseys win over Sentinel.

Take your slice and maybe holla at Golden Bass!

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Just want to remind you, this is happening tommorow night!

Venerdì 8 maggio 2009

h 23.00 presso il LEONCAVALLO di MILANO

ITALIOPOLI

Spettacolo di Satira  Canzone di & con MARCO MENGOLI

In questo Spettacolo si assapora una comicità sottile che fa digrignare i denti, si riflette a suon di musica e a suon di monologhi, si ride, a volte con tono amaro, a volte con tono sarcastico… Un susseguirsi di monologhi e canzoni, senza mezze misure si attraversa l’Italia, anzi… L’Italiopoli, e insieme a lei i suoi scandali, le sue stranezze, sue mille diversità. Non è il solito spettacolo di Cabaret, ma un più dimenticato spettacolo di Teatro Comico e Teatro Canzone, dove voce e suono si mescolano fino a fondersi e confondersi.

http://www.leoncavallo.org/spip/article.php3?id_article=2880

Finally this Clash, where everybody and his mother talking about from longtime, just got confirmed.

The next big 1 on 1 happens to be Germany’s leading Clash-Sound SENTINEL against the One-Rack from St.Ann, BASS ODYSSEY, in Milano at the 9th of May.

Big up both clashing sounds and the Promoter Golden Bass Sound of course.

Unfortunately due to some family reasons I can’t be there.

Teatro Civico – Via della Libertà – Sinnai (Ca)

5 Aprile 2009, ore 19:00

Dedicato a tutti gli operatori di pace, questo 1° Concerto della Solidarietà promosso dai Gruppi dei Giovani Volontari Save the Children di Sinnai e Cagliari e con il patrocinio del Comune di Sinnai, si pone lo scopo, da un lato, di offrire a tutti i partecipanti due ore di musica sulle note di Bach, Leoncavallo, Gershwin, Mozart e tanti altri, con l’esecuzione del gruppo degli Artisti della Solidarietà a cui si aggiungerà la partecipazione straordinaria del soprano Elisabetta Scano e del musicista Marco Ravasio; e dall’altro, a fine benefico, di ricavare fondi da destinarsi al progetto Save the Children “Emergenza Gaza” affinchè si possa fare qualcosa di concreto per alleviare le sofferenze di tanti bambini innocenti.

Ingresso: €10 (costo interamente da devolversi alla campagna “Emergenza Gaza”)

Info e prevendita: I biglietti saranno disponibili nelle sedi del MASISE in Piazza Municipio n°5, della Fraternità di Misericordia in Piazza Chiesa n°7, e dell’Associazione Sub Sinnai in via S. Nicolò n°4.

Oppure, contattare Giulio Lobina, responsabile dei Giovani Volontari Save the Children Sinnai al 3462360042

“Ok, adesso facciamo un pezzo che si intitola “Two balls”. È dedicato a tutte le suore operaie, alle fabbriche incinte, ai negri tirolesi e a Raquel Welch.” (“ok, we’re about to play a song called “Two balls”. it’s dedicated to all working nuns, to pregnant factories, to tyrolese niggers, and to Raquel Welch.”). These are the only words you will hear in this record, the debut album by the multi-instrumentalist Pepe Maina, spoken as an introduction to a live performance captured at the centro sociale Leoncavallo in Milan, circa 1977.

A very short and apparently nonsense speech which yet synthesize an entire philosophy: a love for meaningful paradox, a taste for making contraries collide without obliterating them, a pleasure in conflict which mark the whole work of Maina. Someone whose intelligence and ruthless irony – and self-irony – have helped most of the time, especially from mid eighties on, to avoid petty new age drifts while pursuing an ideal of music as a spiritual guidance and as a means to reconcile with nature and the rythm of earthbeat, making a mess with sound influences from all over the world. More or less, you could argue the same about Julian Cope – all differences considered.

So that you can’t help but fall in love with the man, when he states that his first LP was no more than “just the right soundtrack for those years’ joints”. Actually, Il canto dell’arpa e del flauto (“the song of the harp and the flute”), released by Caterina Caselli’s label Ascolto, could easily find a place in that “Italian cosmic rock continuum” which lies at our Mutant Sounds friends’ heart, juggling with progressive folk (Maina himself cites mid-seventies Jade Warrior as a main influence, but you can add other usual names, such as Third Ear Band and, as for Italy, Aktuala), krautrock (such as in the Cluster-flavoured “Spring song” and “Two balls”, with a funny glancing quotation from the melody of “Frère Jacques”), acoustic psychedelic rips (the final segment of “Il canto dell’arpa e del flauto (Parte prima)”), ethnic explosions (the feverishly percussive “Africa”, which somehow anticipated the Ozric Tentacles at their best), early ambient traces.

Here is the tracklist:

01, Il canto dell’arpa (“the song of the harp”)
02, Il canto dell’arpa e del flauto (Parte prima) (“the song of the harp and the flute (first part)”)
03, Spring song
04, Two balls
05, Africa
06, Il canto dell’arpa e del flauto (Parte seconda) (“the song of the harp and the flute (second part)”)
07, San Nicola (“saint Nicholas”)

Get it: Pepe Maina, Il canto dell’arpa e del flauto (1978 )

This startling album remains to date the sole example of collaboration with the hated record industry for Pepe Maina. He soon opted for self-production, launching the following year his recording studio/music label Nonsense Studio by releasing his second full-length effort, Scerizza (the name of the smalltown near Como where he lives). He has been putting out more than twenty fully diy records since then, meanwhile working for theatre, indipendent filmmakers, advertising.

Go and visit his official website (in english) for more info, music downloads and cd shopping.

The pilot podcast for Ornitologia was completely home-made. It was mixed down and edited in Apple’s GarageBand 3. The sound was recorded in an old school Sony MZ-R35 portable MiniDisc with an Audio Technica PRO 24 stereo condenser microphone and, for the voice-over, a pop-filter.

The sound was transfered digitally from MiniDisc using a Sony MDS-JE520 connected to a MacBook using a TOSLINK cable. It was recorded in AudioHijack Pro using the audio effects: Monomizer and an Apple’s AU Parametric EQ with 5dB gain at 3.545 KHz and a 3.56 quality factor (for voice presence). Then, in GarageBand, a slight compression was used, as well as Male Noisy Speech Enhancer. I don’t feel very happy with the results, as the voice-over seems very distant and noisy. I also talk too much for a 28 min show.

The background bird sounds are all from Freesound project: two Nightingale recordings by suonho and and a clip from the Electric Birds set by Freed.

It was sent to Rádio Zero as an extended, 128 kbps AAC file with album and concert art. As the WordPress.com player doesn’t support m4a files, here it is the 128 kbps mp3 version:

Dal nostro inviato: Omino Giallo

La Giunta Comunale di Milano, guidata da Letizia Moratti, sembra avere tutte le intenzioni di accanirsi contro i Centri Sociali. Dopo aver sgomberato il Cox 18 poche settimane fa, adesso potrebbe prendersela contro il Leoncavallo. In realtà, secondo quanto dichiarano i portavoce di quest’ultimo, non ci sarebbe alcun bisogno di giungere ad uno sfratto, dal momento che esiste un accordo di massima fra la proprietà della stabile di via Watteau che ospita il Centro, ed il Leoncavallo stesso. Sarebbe sufficiente che il Comune di Milano sottoscrivesse l’accordo, per garantire ad uno spazio così importante per la vita sociale e culturale della città di continuare le proprie attività in una sede idonea; il tutto senza nessun costo per le casse del Comune e senza necessità di costruire una sede alternativa.

I motivi per cui non si stia già percorrendo questa strada vanno ricercati nella volontà della Giunta, ed in particolare dell’Assessore De Corato, di eliminare qualsiasi elemento non rientri nel disegno di città, cupo, vuoto di contenuti e pieno di cemento, voluto dal centrodestra.

Ruggiero Leoncavallo – Pagliacci
mp3, 320 kbps, cd ripping, 70:10 minutes
Covers, info & synopsis included.

About the opera:
Pagliacci (Players, or Clowns) is an opera consisting of a prologue and two acts written and composed by Ruggero Leoncavallo. It recounts the tragedy of a jealous husband in a commedia dell’arte troupe. (Its name is sometimes incorrectly rendered as I Pagliacci with a definite article.). Pagliacci premiered at the Teatro Dal Verme in Milan on May 21, 1892, conducted by Arturo Toscanini with Adelina Stehle as Nedda, Fiorello Giraud as Canio, Victor Maurel as Tonio, and Mario Ancona as Silvio. Since 1893, it has usually been performed in a double bill with Pietro Mascagni’s Cavalleria rusticana, a pairing referred to in the operatic world colloquially as “Cav and Pag”. It is the only one of Leoncavallo’s operas that is still widely staged. Around 1890, when Cavalleria rusticana premiered, Leoncavallo was a little-known composer. After seeing its success, he decided to write a similar opera. It was to be in one act and composed in the verismo style. A lawsuit was brought against him for plagiarism of the libretto.  Leoncavallo’s defense was that the plot of the opera was based on a true story he had witnessed as a child. He claimed that a servant had taken him to a commedia performance in which the events of the opera had actually occurred. He also claimed that his father, who was a judge, had led the criminal investigation, and that he had documents supporting these claims.  None of this evidence has ever appeared. Today most critics agree that the libretto was inspired by an 1887 play of Catulle Mendès entitled La Femme de Tabarin. Leoncavallo was living in Paris at the time of the premiere,  and it is likely that he saw the play.
Pagliacci was an instant success and it remains popular today. It contains one of opera’s most famous and popular arias, Recitar! … Vesti la giubba (literally, To perform! … Put on the costume, but more often known in English as On with the motley). One of Enrico Caruso’s recordings of Vesti la giubba was the first record to sell one million copies. In 1907,  Pagliacci became the first entire opera to be recorded by the Puerto Rican tenor Antonio Paoli. In 1931, it became the first complete opera to be filmed with sound, in a now obscure version starring the tenor Fernando Bertini, in his only film, as Canio, and the San Carlo Opera Company. As a staple of the standard operatic repertoire, it appears as number 14 on Opera America’s list of the 20 most-performed operas in North America.

Track List:
01. Prologo – Prologo (2:39)
02. Prologo – Si puo? … Si puo? Signore! Signore! (4:17)
03. Acto I – Escena 1 – Son qua! Son qua! Ritomano! (2:52)
04. Acto I – Escena 1 – Un grande spettacolo a venti tre ore (1:17)
05. Acto I – Escena 1 – Via di lil! (3:32)
06. Acto I – Escena 1 – Escena y Coro de las Campanas: I Zampognari (3:49)
07. Acto I – Escena 2 – Qual fiamma avea guardo! (2:39)
08. Acto I – Escena 2 – Ballatela: Hui! Hui! … Stridono lassu (2:24)
09. Acto I – Escena 2 – Escena y Dueto: Sei la? (4:20)
10. Acto I – Escena 3 – Dueto: Silvio! A quest´ ora (7:28)
11. Acto I – Escena 3 – E allor perche? (3:54)
12. Acto I – Escena 3 – Escena y Final: Cammina Adagio! (1:45)
13. Acto I – Escena 3 – Aiutalo, Signor! (2:44)
14. Acto I – Escena 3 – Airoso: Vesti la giubba (3:22)
15. Intermedio (2:48)
16. Acto II – Escena 1 – Ohé! Ohé! (3:47)
17. Acto II – Escena 1 – Pagliaccio, mio marito (1:24)
18. Acto II – Escena 1 – Serenata: O Columbina (2:08)
19. Acto II – Escena 1 – Escena Comica: E dessa! (3:20)
20. Acto II – Escena 1 – Duto: Arlecchin! (1:41)
21. Acto II – Escena 1 – Escena y Dueto (Final): Versa il filtro (2:30)
22. Acto II – Escena 1 – No! Pagliaccio non son (3:50)
23. Acto II – Escena 1 – Ah! No per mia madre! (1:30)

The Artists:

Links:
Part1Part2

Speakers da montare
uno sopra l’altro
prima di suonare, costruire il palco…

(per tutta la gente che si è commossa come me al concerto dei Casino Royale al Leoncavallo ieri sera.
anche se come sempre si sentiva di merda. Anche se questo. Anche se quello. Per chi sa questa storia.
E soprattutto per tutti quelli che non sono riuscito a incontrare e salutare di persona. Unity we deal with.)

DAUNBAILO’ ENTERTEINEMENT

presenta

(CNN)

PRIMA VOLTA IN ITALIA PER IL DUO PIU’ RAPPRESENTATIVO DEL GANGSTA RAP DI NEW YORK: CAPONE & NOREAGA TORNANO INSIEME DOPO QUALCHE ANNO E PRESENTANO IL LORO PROSSIMO DISCO “CHANNEL 10”

WARM UP: DJ HARSH + GUE’ PEQUENO + KARKADAN (DOGO GANG)

SABATO 14 FEBBRAIO @ LEONCAVALLO

La voce girava da tempo, ma dopo il cambio di location (da Blanco Cafè al Leonocavallo) è ufficiale: il ritorno sulle scene di due dei protagonisti del rap americano, CAPONE & NOREAGA, passa anche dall’Italia, per la prima volta e per un’unica data.

E’ questo un grande colpo per Daunbailò, una delle realtà più in vista per l’hip hop italiano: da quasi due anni, mensilmente, propone i migliori artisti della scena e, per la prima volta, ospita il concerto di un duo di spicco della scena mondiale.

Sono, de facto, una colonna del gangsta rap di New York, in assoluto grandi protagonisti della scena; hanno collaborato con praticamente tutti gli artisti, da Jay Z a Pharell, passando per Mobb Deep, Nas e tantissimi altri.

Il loro nome artistico la dice lunga sui loro riferimenti: leggendari gangster del ‘900, come Al Capone e Manuel Noreaga, il primo lo conosciamo un po’ tutti, il secondo era il generale panamense (sul libro paga della CIA) arrestato per traffico internazionale di incredibili quantità di droga.

La vita dei due rapper originari del Queensbridge (uno dei 5 distretti dell’area metropolitana di NYC) non è “leggendaria” come quella dei due personaggi sopracitati ma, nel panorama rap, hanno una fama invidiabile e la loro fedina penale parla chiaro. Il loro secondo disco (uscito nel 2000) si chiamò “The Reunion” e fu pubblicato dopo il ritorno in libertà di Capone, dopo ben 27 mesi di carcere.

Rolling Stone cita Capone e Noreaga come un power duo fondamentale per lo sviluppo di quell’epoca – risalente a una dozzina di anni fa – poi ribatezzata “golden age” del rap.

I due mc sono decisamente complementari: da una parte la voce nasale e rabbiosa di Capone, con la sua chiara visione della streetlife, dall’altra la capacità di scrittura indiscutibilmente unica di Noreaga che spesso si contraddistingue per alcune rime stravolgenti, ironiche e, a un primo ascolto, senza senso (ma un senso c’è sempre…)

Artisticamente Capone & Noreaga sono dei veri e propri mattatori della scena. Il nuovo disco “Channel 10” sembra essere un ritorno oltre le più rosee aspettative, un album che vede produzioni del calibro di Havoc, Dj Premier, The Alchemist e altri, mentre alla voce ci saranno Clipse, Nas, Fat Joe, Dogg Pound, Maino ecc.

Un ritorno in grande stile per uno delle coppie con più credibilità musicale del panorama, reunion che il duo cerca di alimentare anche attraverso blog e nuovi spazi virtuali: recentemente hanno aperto un blog, sia per promuovere il proprio disco, sia per dare una panoramica sulla black culture americana, dal punto di vista musicale, culturale e sociale. Ecco l’indirizzo: . http://57thave.wordpress.com/

In apertura di serata il sound dei residenti: Dj Harsh, Gue’ Pequeno e Karkadan con Harsh alle selezioni e Guercio e Karka a fare da mc tra freestyle e pezzi di repertorio. Le basi sono rigorosamente le più gustose hit internazionali del momento.

Ingresso 8 euro ::: inizio ore 22.30

Leoncavallo S.P.A www.leoncavallo.org ::tel.0267072094

Cavalleria Rusticana was sung to an English translation by Sean O’Brien, in a cold production by Richard Jones with designs by Ultz (whoever he is). I hated the production, which set everything in the interior of what looked like an English village hall, with dark green doors and cheap folding chairs and tables. There was no church and no path to it; no outside and no light, though the music speaks of sunshine and warmth, despite the desperately nasty ending. Fortunately the conducting by Edward Gardner gave us the warmth, as did the magnificent singing by Peter Auty as Turiddu and Jane Dutton as Santuzza. Kathleen Wilkinson was a very cold Mama Lucia, and Roland Wood a rather thinly sung Alfio, whose wife Lola was attractively portrayed by Fiona Murphy. A very irritating aspect of this production was an absurd acting part for Turiddu’s brother who was played as a mentally defective oaf, ambling around the stage. He was so dopey he couldn’t even fold the chairs up properly at the end, getting the wrong end of several of them—was this intentional or was he really a bit out of it? At any rate his presence was a distraction that did nothing to help, and merely hindered the drama. It seems the dramatic team’s efforts all went into the other opera of the evening, namely I Pagliacci.

I Pagliacci, like Cavalleria Rusticana, was directed by Richard Jones, but instead of a translation we had an English adaptation of the text by Lee Hall, setting it in a northern English town, with Canio as a buffoon called Mr. Paxo, and Nedda as Mrs. Paxo. The stage drama put on by these clowns was played as an English farce in a hotel room. It worked well in its way, and I particularly liked the singing of Christopher Purves as Tonio, and Mark Stone as Silvio, who in this production was Woody the stage carpenter. Mary Plazas was a slightly over-ripe Nedda, Geraint Dodd an uncertain Canio, though his final scene came over strongly, and Christopher Turner was Beppe. The conducting by Edward Gardner did not give this opera the lyricism it needs in some scenes, but perhaps the conductor concentrated on Cavalleria Rusticana, while the directors concentrated on Pagliacci. Even so, they threw in some gratuitous nonsense with a stage manager between the scene change from the dressing room to the theatre, and an absurdly unnecessary and spurious curtain call for Cav at the beginning of Pag. Do they think this is funny? Does it add to the drama? These are dramatic operas for God’s sake—why spoil them with unscripted absurdities?