La salle était à l’écart des autres, à deux pas des Champs-Elysées, mais tout de même suffisamment éloignée pour ne pas être entourée par la même rumeur, la même foule. Le Mac Mahon est toujours là, tout en haut de l’avenue du même nom, dans le 17ème arrondissement parisien. La première fois que j’y ai mis les pieds, c’était pour voir ce film, mon premier Lubitsch d’adolescent. J’ai encore en mémoire cette forte odeur qui imprégnait alors la salle, comme du mouillé saumâtre, mais qui n’affectait en rien la vision de l’écran : ce film-là était pour moi, racontant ces histoires d’arnaques entre deux mondes, de la manière dont on se glisse, on séduit et l’on finit toujours par retourner à ses racines. L’élégance de Lubitsch est ainsi faite qu’elle contient une part implicite mais infinie de déplacement, d’exil, d’ailleurs. Ses films qui me touchant le plus sont bien ceux qui  parlent de l’étrangeté et la drôlerie d’être soi-même déplacé dans un monde qui n’est pas le sien et dont on s’approprie les règles, dont on devine les méandres. Les personnages sont déterritorialisés, exilés prix dans un flux dont on ne sait pas vraiment s’il va s’arrêter ou les arrêter dans leur élan : au fond, Lubitsch ne donne pas de réponse, il ne filme qu’un moment de passage. Et puis, quoi qu’il en soit, si vous ne me croyez, regardez ses films, allez au Mac Mahon, achetez les DVD ou dénichez-les par petits bouts sur Youtube : ils sont des passeports infinis.

Pulp Fetish Fiction

 Ormai lo sapete, Tarantino è un feticista. Il suo amore per i piedi delle donne è noto sin da Pulp Fiction, quando un lungo dialogo sui massaggi ai piedi (sono sesso o privi di sensualità?) introduceva Uma Thurman/Mia Wallace che girava a piedi nudi per casa, e ballava a piedi nudi al Jack Rabbit Slim’s. Poi i piedi di Uma, nei panni della Sposa, sono stati al centro di un primo piano insistito in Kill Bill Vol.1. E poi è stata la volta di Grindhouse, con i piedi di Rosario Dawson solleticati da Stuntmen Mike. Anche Bastardi senza gloria ha il suo momento fetish: al centro ci sono gli arti di Diane Kruger. Ma la sua gamba stavolta è martoriata: il tenente Aldo Raine di Brad Pitt infila addirittura un dito nel foro di una pallottola. Rivediamo i piedi di Diane Kruger più tardi, quando, come Cenerantola, le viene fatta provare una scarpa che aveva perso. Ma non c’è un principe a portargliela, e l’esito non è “e vissero tutti felici e contenti”. 

 Tracce di rosso

 In ogni film di Tarantino c’è una scena completamente ammantata di luce rossa, di solito ambientata in qualche night club o locale notturno. Qui, nonostante ci siano molti bar, nessuno è a “luci rosse”. Il rosso però campeggia, negli addobbi del Terzo Reich che decorano il cinema per la première del film di propaganda nazista che viene organizzata a Parigi. Rosso è anche il vestito di Shosanna, e rossi sono i segni di guerra, come quelli di una pellerossa, che traccia sul volto con il suo rossetto. Rosso fuoco come il vestito che indossa, premonizione del fuoco che appiccherà al cinema. “Guarda questi occhi così rossi/Rossi come una giungla in fiamme” recita Cat People (Putting Out The Fire) di David Bowie (tratta dalla colonna sonora di Cat People, nota da noi come Il bacio della pantera) che fa da colonna sonora alla scena.

Serial killer

Tutti sappiamo della fluvialità tarantiniana in fase di scrittura. Così Kill Bill è diventato un film doppio. Ma Bastardi senza gloria ha rischiato di diventare una serie tv. Tarantino non riusciva a smettere di scrivere, tanto che a un certo punto ha cominciato a considerare l’idea di produrlo come serial. A dissuaderlo pare sia stato Luc Besson, che si è detto deluso, in quanto i film di Tarantino erano una delle poche cose ancora in grado di spingerlo ad andare al cinema. L’idea di vedersi il nuovo Tarantino a casa in tv non gli andava proprio. E così Tarantino ci ha ripensato. Allora, grazie Luc!

Italia Mon Amour

La passione di Tarantino per il cinema italiano è evidente. È noto ormai che l’ispirazione di Bastardi senza gloria arriva da Quel maledetto treno blindato di Enzo G. Castellari. Oltre che con un cammeo, Castellari è omaggiato con il nome di Enzo Gorlami, l’identità italiana che si inventa Brad Pitt/Aldo Raine alla premiere del film tedesco: è la storpiatura di Enzo Girolami, il vero nome di Enzo G. Castellari. Ma gli omaggi al cinema italiano non finiscono qui. Il generale inglese che dà l’incarico al tenente Hicox si chiama Ed Fenech, omaggio alla diva del cinema italiano anni Settanta Edwige Fenech, già omaggiata da Eli Roth con un cammeo nel suo Hostel 2. Antonio Margheriti, nome di copertura dell’Orso Ebreo di Eli Roth, è un regista italiano, noto con il nome d’arte di Anthony M. Dawson, famoso per i suoi film di genere (tra questi Space Men, del 1960).

Il titolo

Inglourious Basterds è il titolo americano di Quel maledetto treno blindato. Il titolo originale si scrive proprio così, con due errori, e non Inglorious Bastards: sembra che Tarantino abbia scelto questo titolo storpiato proprio per differenziarsi dall’altro film.

Ma la leggenda vuole che il film di Castellari fosse catalogato così, con il nome sbagliato, nella videoteca in cui lavorava Tarantino. 

Stiglitz, chi era costui?

Hugo Stiglitz è il nome di uno dei bastardi guidati dal tenente Aldo Raine. È un ufficiale tedesco famoso per aver ammazzato vari componenti delle SS. E per questo è assoldato di diritto tra i bastardi.

Il nome è preso da quello di un attore messicano, Hugo Stiglitz, appunto, che tra gli anni Settanta e Ottanta ha girato parecchi horror. Tra cui, in Italia, Il triangolo delle Bermude, e Incubo sulla città incontaminata di Umberto Lenzi.

Tarantino non intendeva fare un omaggio all’attore e al genere, ma ha scelto questo nome proprio perché gli piaceva come lo pronunciavano gli attori tedeschi che interpretavano i nazisti.

Capitoli (de)generi

Come molti dei suoi film, anche Bastardi senza gloria è diviso in capitoli, come se fosse un’opera letteraria. Stratagemma che permette a Tarantino di spaziare tra i generi. Ecco come viaggia tra i generi Bastardi senza gloria. “È Sergio Leone e Lubitsch per i primi due capitoli, poi diventa un noir alla francese e poi si ispira ai film della metà degli anni Sessanta” ha raccontato Tarantino.

“Il finale è macho-sanguinolento-tarantiniano”.

(Pubblicato su Movie Sushi) 

Il CSBNO – Consorzio Bibliotecario Nord Ovest ha acquistato i dvd della prestigiosa collana Ermitage Cinema: dieci di questi classici del grande schermo sono ora “in tour” nella biblioteca di Baranzate e rimarranno a disposizione dei nostri utenti per un paio di settimane, in attesa di ripartire per altre biblioteche.

I dieci film ora in biblioteca non sono che un assaggio della collezione di 54 capolavori del cinema d’autore che gli utenti del Csbno potranno guardare online, gratuitamente, grazie al nuovo servizio MediaLibrary – in sperimentazione da pochi giorni – e all’accordo stipulato con Ermitage.

Clicca qui per saperne di più su MediaLibrary

I titoli presenti a Baranzate sono in prestito locale, solo per chi si reca qui in biblioteca, e per ora non sono prenotabili dal catalogo del Csbno. Venite quindi a trovarci!

• Matrimonio in quattro - di Ernst Lubitsch, 1924. Un professore spera che il flirt che la moglie ha intrecciato con un uomo, gli permetta di ottenere il sospirato divorzio e di poter sposare un’altra. In questa girandola di sentimenti, alla fine, le coppie si ricostituiranno in una maniera completamente diversa.
• Il ladro di Bagdad - di Raoul Walsch, 1924. Celeberrima versione tratta da un racconto de Le mille e una notte, il film nacque dall’incontro tra due grandi personalità, il regista Raoul Walsh e l’attore Douglas Fairbanks, che lo produsse e lo cosceneggiò, seppur sotto pseudonimo. Tra i film più costosi dell’epoca, soprattutto a causa di effetti speciali stupefacenti, Il ladro di Bagdad è una favolosa combinazione di avventura, esotismo e fantasia.
• Metropolis – di Fritz Lang, 1927. Nel Ventunesimo secolo, una gigantesca metropoli è governata in modo dittatoriale da un monopolista che vive con il figlio e i propri collaboratori in un paradisiaco giardino. Gli operai vivono, invece, in fabbriche sotterrane esortati alla rassegnazione.
• Il Fantasma dell’Opera – di Rupert Julian, 1925. Un musicista sfigurato, che vive nei sotterranei del Teatro dell’Opera di Parigi, si innamora di una giovane cantante dalla voce bellissima e la rapisce.
• L’uomo del Sud – di Jean Renoir, 1945. Ritenuto il miglior film del breve periodo americano di Jean Renoir, da molti critici avvicinato al cinema di Robert Flaherty, “L’uomo del Sud” – che si avvale del contributo alla sceneggiatura di William Faulkner e come aiuto regista dell’allora ventottenne Robert Aldrich – si aggiudicò nel 1946 un premio alla Mostra di Venezia, pur uscendo in Europa solo nel 1950. In questo film Renoir introduce il dirompente conflitto tra uomo e natura – quasi vi si sente l’odore della terra smossa dall’aratro, battuta dalla pioggia o riscaldata dal sole – ma non è solo la natura il grande ostacolo da rimuovere, anche i difficili rapporti umani giocano un ruolo determinante nella vicenda.
• La leggenda di Liliom – di Fritz Lang, 1935. Imbonitore di fiera, fannullone violento e ladro, Liliom seduce e mette incinta la cameriera Lily e la maltratta finché, dopo una rapina mancata, si uccide. Dal Cielo, dopo sedici anni di purgatorio, ottiene il permesso di tornare per un giorno sulla Terra a conoscere la figlia. Seconda versione  del poema scenico dell’ungherese Ferenc Molnár, fu per F. Lang – uscito l’anno prima dalla Germania e in attesa di emigrare negli USA – un film su commissione con C. Boyer che gigioneggia a tutto vapore. Antonin Artaud e Viviane Romance in due particine. Ma nell’irriverente descrizione del Cielo con la sua burocrazia mette a frutto con arguzia le lezioni di Molnár e di Lubitsch che, a sua volta, si ricorderà di lui in Il cielo può attendere.
• Cani arrabbiati – di Mario Bava, 1974. Tre balordi rapinano le paghe settimanali di un’industria farmaceutica: per fuggire salgono, con una donna in ostaggio, a bordo di un’auto guidata da un uomo che sta portando il figlioletto in fin di vita all’ospedale. Presto la tensione sale, con conseguenze inaspettate.
• Il bandito della Casbah – di Julien Duvivier, 1937. Uno dei più famosi cult-movie del cinema francese, che consacra la stagione del ‘realismo poetico’, debitore in parte ai gangsters movie americani (Scarface di Hawks), ma con un sottofondo di romanticismo e di esotismo esaltato da complessi movimenti di macchina e da ricchi contrappunti sonori. Un’autentica romantica tragedia moderna segnata da una pesante sconfitta umana e dall’impossibilità di una qualunque forma di riscatto sociale.
• Il gobbo di Notre Dame – di Wallace Worsley, 1923. Nel XV secolo a Parigi la bella gitana Esmeralda ama il capitano delle guardie Phoebus. Circuita da Jehan, fratello di don Claude, arcivescovo di Notre Dame, e condannata per un crimine non commesso, viene salvata dal deforme campanaro Quasimodo.
• Le sue ultime mutandine – di Frank Capra, 1927. Il timido sognatore Harry (Harry Langdon), dopo aver finalmente indossato i suoi primi pantaloni lunghi, viene irresistibilmente attratto dal fascino di Bebe (Alma Bennett), legata alla malavita, che seguirà con ostinazione persino in carcere. Solo dopo svariate peripezie, Harry riuscirà a tornare alla sua famiglia e alla sua fidanzata Priscilla. Ancora diretto con mano sicura da Frank Capra, che ne asseconda l’innocente comicità con gag costruite su misura per lui, Long Pants (tradotto bizzarramente in Italia) ripropone il tema del conflitto tra sprovvedutezza e cinismo condendolo con numerosi sottintesi sessuali. Il successo del film portò alla rottura del proficuo sodalizio tra Capra e Langdon.

Ogni film di Tarantino, ormai lo sappiamo, è un grosso gioco sul cinema. Le iene giocava con tutto l’immaginario del genere gangster, dai Poliziotteschi italiani, ai Polar francesi, fino ai film di yakuza giapponesi, e agli abiti eleganti di James Bond. Jackie Brown era un omaggio al genere Blaxploitation, il cinema afroamericano di serie B degli anni Settanta. E Kill Bill un cocktail di generi che andava dai film di Kung Fu agli Anime fino allo Spaghetti Western di Sergio Leone. Grindhouse, poi, era dichiaratamente un film di serie B, uno Slasher come si giravano tra gli anni Sessanta e i Settanta.

Quale occasione migliore poteva esserci, allora, che un film di guerra ambientato nella Francia occupata dai nazisti, per confrontarsi (oltre che con il cinema italiano di guerra, che all’estero chiamano Maccheroni Combat: lo spunto arriva da Quel maledetto treno blindato di Enzo G. Castellari) con il cinema tedesco? Un cinema che è parte della storia della Settima Arte, e che fino all’avvento del Nazismo era all’avanguardia a livello mondiale. In Germania sono nati l’Espressionismo, e autori come Lang, Pabst e Lubitsch. Poi arrivò Goebbels, e fece del cinema un mezzo della propaganda nazista: i grandi autori scapparono in America, facendo grande Hollywood, e il cinema tedesco fu soffocato dall’ideologia. Bastardi senza gloria è stato girato a Berlino, nei leggendari studi Babelsberg, dove Fritz Lang girò Metropolis nel 1927. La cosa deve aver ispirato non poco Tarantino, che fin da piccolo si nutre di pane e cinema. Tutto il cinema. “Sono sempre stato affascinato dall’idea di ritrarre Goebbels come direttore di uno studio cinematografico, cosa che fra l’altro era una delle sue principali attività” ha dichiarato Tarantino. “Visto che il film ha come tema il cinema tedesco sotto il Terzo Reich, mi pareva fosse interessante incentrarlo proprio sulla figura di Goebbels, a capo dello studio cinematografico, che realizza il suo capolavoro e gli dedica addirittura una première”. E infatti, nel film Tarantino gioca molto su questo aspetto: gustatevi il dialogo tra il generale inglese Ed Fenech e il luogotenente Archie Hicox, che prima di arruolarsi era un critico cinematografico. Hicox gli racconta come il cinema tedesco dopo l’avvento del Terzo Reich abbia perso moltissimo in qualità, ma guadagnato negli incassi (inutile che noi critici ci si accanisca, è così da sempre…), e poi racconta come secondo lui Goebbels si senta una sorta di David O. Selznick (il leggendario produttore di Via col vento) tedesco.

Se è molto divertito dall’idea di vedere Goebbels come un produttore cinematografico, Tarantino non ha nascosto il suo amore per Leni Riefenstahl, la regista di regime per eccellenza, l’autrice del famigerato Olympia. “È stata la più grande regista mai esistita” ha dichiarato Tarantino. “Per rendersene conto basta vedere il suo film sulle Olimpiadi”. Per scrivere il suo film, Tarantino ha anche ammesso di aver letto i diari della Riefenstahl. La omaggia direttamente, nel suo ultimo film: nella scena in cui vediamo Shosanna per la prima volta a Parigi, mentre armeggia con le insegne del suo cinema, vediamo che in quel cinema viene proiettato L’inferno bianco del Piz Palu, un film del 1929 diretto da Pabst, in cui c’era Leni Riefenstahl come attrice. È un film tedesco pre-Reich e pre-Goebbels.

L’ammirazione per i cineasti tedeschi di Tarantino e sincera e priva di pregiudizi. Ma anche consapevole di cosa avrebbe potuto continuare ad essere il cinema tedesco senza l’avvento del regime. E allora uccidere i nazisti con il cinema (letteralmente, visto che nel film le pellicole diventano un combustibile vero e proprio, e molto efficace) significa allo stesso tempo ritorcere loro contro quella che hanno usato come un’arma impropria. Significa liberare il cinema come Arte, liberare un’artista come Leni Riefenstahl dal giogo di un potere che l’ha per sempre marchiata. Significa liberare le immagini di Olympia dal sottotesto e dal messaggio al quale sono sempre state collegate. Per diventare così puro cinema, da ammirare solo per la sua bellezza. Guardate le scene del film di propaganda nazista Nation’s Pride, ispirato a Il trionfo della volontà (Triumph Of The Will) di Leni Riefenstahl (considerato un prodigio a livello tecnico): è stato girato su quello stile da Eli Roth, un regista ebreo. Un’ulteriore beffa ai nazisti. E guardate anche le sequenze inserite da Shosanna, girate in puro stile tedesco, con cui annuncia il suo attentato ai nazisti. È come se avesse preso un fucile a una guardia delle SS e glielo avesse puntato contro. Ancora una volta un film di Tarantino è un sanguinoso atto d’amore, per i registi. E per il cinema.

(Pubblicato su Movie Sushi)

A nice song to get y’all started here, courtesy of Japan, producing 78% of the world’s weird shit since 1952.

(笑)  I love Japan so much. ^_^

Anyways, moving on.

I’m over a month late, but I’m still amazed by TCM’s Summer Under the Stars posters for this year. These posters are some of the best graphic work I’ve ever seen. Even the ones that I don’t really care for — Beat the Devil, The Conversation, and The Magnificent Seven, methinks — are well done. I know I cannot make anything like them. Personal picks below the cut.

The vibrant blue and subtle clouds totally fit the mood of this film. Hitch would have designed this himself. I also love the diamond dotting the “i” in the title. But look, guys! Old Cary Grant is sparkling!

Y HALO THAR, IDA LUPINO. She’s so hot, she set this poster afire. That’s why it looks burned.

I’m not too keen on the font, but I am digging the color scheme. And I’ve never, ever, ever thought of Glenn Ford as a handsome guy, but…wow. This poster, with its perfect contrast and use of the burn tool, could probably make any man look attractive. (But where’s teh Love Goddess? D:)

Apart from that little notation I made at the bottom, this is genius. It’s so simple, but the black and white plates give hints to the historic movie’s once-controversial theme.  Symbolism fyay!

I love the shininess of this poster, and the panels with the actors – they just seem to pop. Plus, there’s that adorable purse at the bottom! Do want! *Vintage fashion lover loves vintage fashion*

By the way, I saw this movie last week and it was awesome. Lubitsch FTW.

Boy her head is big.

Has anyone else noticed the way the furs around Jean’s neck  sort of look like flames coming out of the plane? Yeeeeh!

The one in which Marion Davies is glowing.

I really like the subtle gradient in “show” and how “people” stands out against the turquoise. The contrast in the type is my favorite thing about this whole poster. But the typefaces get better…

I have a bias against 60s films, and almost didn’t post this one here. But I chose to post it, partially because I secretly want to watch this movie. XD

The type on this poster is so pretty! I love how it looks like it was written in crayons. It fits with the playful aspect of Dr. Strangelove; making a satire out of something supposed to be serious.

Just noting this one because it has Bette Davis, who is brilliant beyond words and needs to be noted. For The Letter, I actually like the teaser a lot more. Like the Guess Who’s Coming to Dinner poster, it’s simply made, but there’s beauty in its simplicity. The blood staining her hand and the envelope really make you  want to see the movie.

One last poster…

Because HA HA HA IT’S BASED ON AN OSCAR WILDE PIECE! ~He is teh founder of Uncyclopedia, you know.~

A few of these posters have been blended into such a pretty background at TCM’s twitter!

(I’m so weird. I read old movie-related twitters. Wtf self. )

If you want to see them all, they have been posted at livejournal here.

]]> http://dcairns.wordpress.com/2009/09/01/the-mogul/ Tue, 01 Sep 2009 22:15:55 +0000 dcairns http://dcairns.wordpress.com/2009/09/01/the-mogul/ http://dcairns.wordpress.com/2009/06/14/erotic-intertitle-of-the-week-bottoms-up/ Sat, 13 Jun 2009 23:09:09 +0000 dcairns http://dcairns.wordpress.com/2009/06/14/erotic-intertitle-of-the-week-bottoms-up/ http://cinebuff.wordpress.com/2009/05/28/to-be-or-not-to-be-1942/ Thu, 28 May 2009 03:59:54 +0000 bennythomas http://cinebuff.wordpress.com/2009/05/28/to-be-or-not-to-be-1942/

The movie chronicles the adventures of a Polish theater company before and during Nazi occupation.  The film draws its life from two players of that company: Josef Tura and his wife, Maria. The former is a ham who is fixated to play the soliloquy from Hamlet whenever he could hold the centre stage. Hence the title of the film.
To Be or Not to Be is a 1942 comedy film directed by Ernst Lubitsch who adapted from the story by Melchior Lengyel. The film stars Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart, Lionel Atwill, Stanley Ridges and Sig Ruman. Supposedly a comedy film the film fell flat on its release because the general public felt that making fun of such a real threat as the Nazis was revolting. (During the premier, Benny’s own father walked out of the theater disgusted to see his son in a Nazi uniform during the first scene.) Worse still the film was released two months after actress Carole Lombard was killed in an airplane crash.
Plot

The movie chronicles the adventures of a Polish theater company that has also been performing Shakespeare’s Hamlet, with Maria as Ophelia and Tura in the title role. Maria is curious to know the handsome young pilot who has been sending her flowers. Lieutenant Stanislav Sobinski sends a note asking for permission to finally meet Maria, and she agrees, telling him to come to her dressing room when her husband begins his “To be or not to be…” speech, so they can be sure of privacy. As a result, the young man walks out (very obviously) just as Tura begins his monologue and it causes the highly-strung actor great distress. Maria is attracted to Sobinski when they meet, and the two arrange to meet again. But then Germany has declared war on Poland just as Sobinski is beginning to win her heart and news such as this must spell disaster for lovers. He leaves to join the fight and the actors take shelter under the theater as bombs begin to fall.

Rest of the proceedings  are fairly predictable what with the theater troup trying hard to stay afloat while sinister plots to ferret out Polish resistance are put forward and checkmated. The film bears ‘the Lubitsch touch’ that keeps the film from falling apart. His light touch is evident throughout keeping what could be a mindless farce into a zany but intelligent caper . For an example let me sketch the final scene. Tura and Maria escape into England and the actor is once again on stage as Hamlet and reaches the moment of “To be or not to be.” He eyes Sobinski in the audience as he begins the speech, but both of them are struck dumb when a new young man gets up and heads backstage.

Cast

* Carole Lombard as Maria Tura — an actress in Nazi-occupied Poland.
* Jack Benny as Joseph Tura — an actor and Maria’s husband.
* Robert Stack as Lt. Stanislav Sobinski — a Polish airman in love with Maria.
* Stanley Ridges as Professor Alexander Siletsky — A Nazi spy masquerading as a Polish resistance worker; tries to seduce Maria in order to persuade her to become a Nazi spy.
The film was remade in 1983 by Mel Brooks.
Trivia: ‘A prescient line was cut out of the film after the death of Carole Lombard: when Lombard is invited by Robert Stack’s smitten airman to fly in a plane with him, she says: “What can happen on a plane?” The line has since been restored to available prints of the film’.(ack:wikipedia,all movie guide)

Directed by     Ernst Lubitsch
Produced by     Ernst Lubitsch
Written by     Melchior Lengyel
Edwin Justus Mayer
Music by     Werner R. Heymann
Uncredited:
Miklós Rózsa
Cinematography     Rudolph Maté
Editing by     Dorothy Spencer
Running time     99 minutes
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has been remade as:      To Be or Not to Be  (1983, Alan Johnson)

compiler:benny

Ok, so I got a bit distracted by twittering. But here goes:

On our holiday in France, the b/f and I watched To Be or not To Be. We didn’t really know much about it, aside from the director and genre… and we were blown away. Maybe I should have known, having enjoyed The Shop Around the Corner and chunks of Ninotchka, but I didn’t expect it to be so raucously funny, from the inaugural “Hail myself” moment to the many impersonations, with the snappy interaction between the two main actors as a cherry on top.

Back home, we watched Trouble in Paradise, with just as few ideas about the plot, but this time grand expectations… and of course, it disappointed. Not that the robbing-each-other scene in the beginning isn’t charming, or that the repartee isn’t delivered aptly, but the movie moves much more slowly than TBorTB, and the middle sort of drags.

The power of expectations, eh?

Seen, not yet written about: Singin’ in the Rain, The Man Who Knew Too Much (‘34 version), The Road Warrior (aka. Mad Max 2)

A CAIXA Cultural Brasília convida os fãs de cinema para uma imersão de quatro dias na história da sétima arte. De 05 a 08 de maio, o pesquisador em História do Cinema, Luis Carlos Pavan, e a mestre em Comunicação e Semiótica e pesquisadora de cinema, Careimi Ludwig Assmann, ministram o curso “História e Evolução do Cinema”.

São oferecidas 50 vagas, para maiores de 16 anos.

Inscrições gratuitas pelo telefone 3206-9752.

O curso pretende divulgar e aprofundar o estudo da história e da evolução do cinema, desde sua invenção no final do século XIX até a atualidade, além de discutir as fases do avanço técnico-criativo e os principais diretores e criadores. Durante os encontros, serão exibidos trechos de filmes, seguidos por discussões acerca dos avanços e das mudanças que eles deixaram para a linguagem do cinema.

Com 24 horas ao todo, o curso “História e Evolução do Cinema” vai abordar:

- Thomas Edison e os Irmãos Lumiére (da fotografia para a fotografia em movimento) e a magia do cinema de trucagem de Méliès;

- a criação da narrativa em Edwin Porter e Griffith;

- os cômicos (Max Linder, Chaplin e Buster Keaton);

- Cinema de Costumes de Lubitsch;

- Cinema/montagem, a escola Russa – Eisenstein e Dziga Vertov;

- Expressionismo Alemão;

- Avant-garde Francês (Cinema Abstrato, Realismo Poético e Cinema Fantástico);

- os filmes e diretores da era de ouro de Hollywood;

- o cinema Noir;

- o cinema do Terceiro Mundo;

- cinemas novos, independentes e documentais;

- cinema oriental e seu exotismo;

- comédia italiana;

- animações – dos primórdios ao animê japonês.

O curso “História e Evolução do Cinema” ocorre em encontros para até 50 pessoas, com aulas dos dias 05 a 08 de maio, das 14h às 17h e das 19h às 22h.

 
Local: sala Gente Arteira da CAIXA Cultural – SBS Qd 4 lote 3/4, anexo do edifício Matriz da CAIXA
Data: de 05/05 a 08/05/09
Horário: das 14h às 17h e das 19h às 22h
Recepção: 3206-9448
Administração: 3206-9450
Classificação Etária: maiores de 16 anos
Inscrição gratuita pelo telefone: 3206- 9752 (das 14h às 18h).

The Glasgow Film Theatre celebrates its 35th anniversary this year, along with the 70th anniversary of the  picture house that its building originally housed – the Cosmo. To mark the two birthdays, the GFT is devoting Sunday, May 10 to special celebratory events, including the screening of two films voted for by the public – one from 1939 and one from 1974.

Now, much as I love 1970s cinema, I can’t get excited about the choice of films for 1974. Okay, Woody Allen hadn’t yet settled into his film-a-year routine, so that partly explains the absence of a comedy… But then this was the year of Mel Brooks’s Young Frankenstein – and it would have been a popular choice. It was also the year of  the about-to-be-remade Taking of Pelham 1-2-3, the brilliantly suspenseful thriller about the hijacking of a New York subway train, and The Godfather. So clearly 1974 was, as Frank Sinatra would have said, ” a very good year”.

The films in the running for Glasgow’s viewing public to see on May 10 are, I think, a bit of a mixed bag, though, with one title streets ahead of all the others. They are: Lenny, Chinatown (in a superior class all of its own), Celine and Julie Go Boating, The Man With the Golden Gun and A Woman Under the Influence.

Much more appealing (to me anyway) are the 1939 nominations. Mind you, 1939 is regarded by many as the greatest year in Hollywood history. It seems as if every second film was a future classic during that 12-month period - after all, this was the year of The Wizard of Oz and Gone With the Wind.

Great movies emerged from every genre. Westerns-wise, there was John Ford’s lyrical Stagecoach (with John Wayne), arguably the first classic western; in the comedy category there were such gems as George Cukor’s witty, all-star (and all-female) bitch fest The Women, the western spoof Destry Rides Again (with James Stewart and Marlene Dietrich) and the sparkling Ernst Lubitsch screwball comedy Ninotchka (which had cool beauty Greta Garbo not only laughing but also sending up her own frosty image). Bette Davis triggered more than a few tears that year with two particularly classy melodramas – The Old Maid and Dark Victory. And Jimmy Stewart and director Frank Capra caused hearts to be uplifted with their first collaboration, the idealistic and often very funny political drama Mr Smith Goes to Washington.

Since several of these titles feature on the 1939 list of films to vote for, I’m in a bit of a quandary. Although I suspect it will be The Wizard of Oz that wins the popular vote, and justly so, it would be wonderful to have the chance to see the other films on the big screen. It’s not as if any of them are shown anything like as often as Oz on TV. Ninotchka isn’t even available on Region 2 DVD – unless you fork out £50 for a Garbo box set!

So, the 1939 list of choices is: Stagecoach, Mr Smith Goes to Washington, Ninotchka, The Wizard of Oz and Jean Renoir’s masterly (and eerily premonitary) La Regle du Jeu (The Rules of the Game).

Votes must be cast by 4pm, Friday May 1st – visit http://tinyurl.com/gftbirthday to have your say….

UPDATE – WEDNESDAY, MAY 6th

Well, no surprises: The Wizard of Oz did indeed win the public’s vote for 1939 while Chinatown was the choice for 1974. Here’s how the voting went:

1939
The Wizard of Oz – 34%
Mr Smith Goes to Washington – 27%
La Regle du Jeu - 21%
Ninotchka – 11%
Stagecoach – 8%

1974

Chinatown – 48%
A Woman Under the Influence – 16%
The Man with the Golden Gun – 14%
Celine and Julie go Boating – 12%
Lenny – 10%

Watch out for the Sunday Herald’s spread on the GFT’s twin birthday celebrations, including the case for 1939 as Hollywood’s best-ever year (by me), and Herald group arts editor Alan Morrison’s views on why 1974 was a bumper one for cinema.

Querido diario: Soy viuda.
Y al día siguiente: Nada que decir.
Y al siguiente: Hoy tampoco nada.
Luego pasan las páginas, visiblemente en blanco, hasta detenerse en la página del día de hoy.

Y así nos muestra Lubitsch, en La viuda alegre, que durante meses, la protagonista ha estado viviendo en ese letargo comatoso en que todos los días son parecidos, o el mismo día.

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Hay días que escribir para el blog es entretenido y me aplico, lleno de ilusión e ingenio. Otras veces, me limito a tirar de rebotica y publicar cualquier cosa que tenga en la recamara, antes que caduque. Y luego están aquellos días en que el blog se asemeja a una pobre bestia a la que hay que alimentar.

No dé comida a los osos / No pague a los guardas

Nada obliga a ello. Pero soy humano y no podría soportar que otra cosa “mía” se me muriera en las manos. Cojo afecto a las cosas, mucho más que a las personas, porque de las personas he aprendido que es mejor no fiarse demasiado. Será el pesimismo…

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Luego está mi imperiosa necesidad de escribir. No porque me guste o por talento, sino para sobrevivirme. Para no sentir que el día ha sido inútil; para no sentirme inútil con el día. Para no amar a la muerte y volver a llamarla para quedar. Es curioso cómo el ser humano se empeña en mantener relaciones que sabe -¡por fuera ha de saberlo!- que son dañinas para él -o ella -.

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Este es un granito de arena, tan insignificante como todos los demás, pero que hará más grande mi gran playa desierta.

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Catching up on movies watched since Thursday (and yes, if you’re counting, The Reader makes three consecutive films photographed by Roger Deakins, although Chris Menges shares the credit on that one).

The Doll: Ossi Oswalda

The Reader (Stephen Daldry, 2008). A very literary property and a very literary treatment, with (given the Holocaust context) some rather unusual choices for dramatic emphasis. (full review 12/25)

The Doll (Ernst Lubitsch, 1919) and The Oyster Princess (Lubitsch, 1919). Two funny and meticulously directed comedies from the moment Lubitsch was beginning to get international attention, both starring goofy Ossi Oswalda. Among other things, Lubitsch’s use of giant rooms for comic purposes is weirdly similar to what Jerry Lewis would do four decades later.

The Looking Glass War (Frank Pierson, 1969). Odd and clumsy late-Sixties spy-movie artifact, with Anthony Hopkins and Ralph Richardson and lots of anti-war sentiment. Christopher Jones plays the central role, just before he went off to help capsize Ryan’s Daughter. Pierson next directed one of the best made-for-TV movies, The Neon Ceiling, which meant an awful lot to me as an adolescent, and then, to whatever extent anybody actually directed it, Streisand’s unspeakable A Star is Born.

Tartuffe (F.W. Murnau, 1925). A condensed version of the Moliere play, with Emil Jannings as Tartuffe, is presented as a film-within-a-film premise. Jannings is a massive dark shape, moving around in the frame like an unwelcome cloud; Murnau uses him in a near-supernatural way, as he uses Max Schreck in Nosferatu, except that Tartuffe is fat and dark and the vampire is slim and pale. I suppose coming between The Last Laugh and Faust in Murnau’s career, this one can’t help but feel minor — still, you always have the sense of a director making an impeccable decision about how each shot should land.

Madame DuBarry (aka Passion, Ernst Lubitsch, 1919). Court intrigue and star power (Jannings is Louis XV, Pola Negri is Madame DuBarry) make a useful combination in Lubitsch’s first big international success.

Sergio Díez de Pedro Personal Page-La Comedia-Introducción:

Desde que surgió el Cine, los hombre filmaron comedias. Ahí está El regador regado. Antes de la llegada del sonoro, un hambriento buscador de oro se comió su propio zapato, un tipo muy serio luchó por el Sur con la ayuda de su locomotora, los polis de la Keystone sembraban el caos por doquier y pocos salían indemnes de una guerra de tartas de Mack Sennett.

Mabel Normand, Harry Langdon, Harold El Hombre-Mosca Lloyd, Fatty Arbuckle, el elegante Max Linder, Ben Turpin. Grandes nombres que hicieron reír sin necesidad de palabras. Y llegó el sonoro. Con él, una nueva arma para burlarse del Poder, de las convenciones, del absurdo del statu quo, del orden de los bienpensantes: la Palabra. La Comedia estalló, expandió sus límites, exploró todos los recovecos de la ilógica, para mostrar que el anverso lógico no era tan inocuo. La Comedia Americana vivió un Periodo Dorado en los 30′ y primeros 40′, hasta que la maquinaria propagandística obligó a solemnizar el gesto. Más madera, es la guerra.

De aquella época gloriosa recordamos mujeres bellas, inteligentes y dominadoras: Irene Dunne, Claudette Colbert, Carole Lombard, Barbara Stanwyck, Miriam Hopkins, Katharine Hepburn, Jean Arthur. Galanes sofisticados, hombres de mundo con un toque canalla, que a menudo eran zarandeados y maltratados por aquéllas: Cary Grant, Joel McCrea, Gary Cooper, Fredric March, Herbert Marshall, Fred MacMurray, Melvyn Douglas, James Stewart. Secundarios robaplanos, que apoyaban los titubeos de las estrellas: Edward Everett Horton, Sig Ruman, Margaret Dumont, Felix Bressart, Mary Astor, William Demarest, Alice Brady, Mischa Auer, Eugene Pallette, Charles Ruggles, Walter Connolly, Charles Coburn. Guionistas venenosos de pluma afilada: Charles Brackett, Ben Hecht, Samson Raphaelson, Dudley Nichols, Charles Lederer, Robert Riskin, Donald Ogden Stewart, Garson Kanin, Morrie Ryskind, los después realizadores Preston Sturges y Billy Wilder. Directores de mirada indirecta y artera: Leo McCarey, Mitchell Leisen,Gregory La Cava, Ernst Lubitsch, Howard Hawks, Frank Capra, George Cukor, H.C. Potter. Una gran concentración de talento, que no se desperdició.

Preston Sturges formuló Las reglas de oro para una comedia de éxito. Algunos pensarán que sólo sirven para películas de una determinada época. Yo opino que siguen vigentes. O que deberían estarlo. La fórmula no es muy complicada:

Una chica bonita es mejor que una fea.

Una pierna, mejor que un brazo.

Un dormitorio, mejor que una sala de estar.

Una llegada, mejor que una partida.

Un nacimiento, mejor que una muerte.

Una persecución, mejor que una charla.

Un perro, mejor que un gatito.

Un beso, mejor que un bebé.

Y una buena caída, mejor que ninguna otra cosa.

Ethan Mordden, en su muy recomendable libro Los Estudios de Hollywood (Ultramar), define la comedia de enredo de los 30′ como un “cuento contemporáneo sobre un galanteo, con un guión ingenioso, que favorece a las clases altas y nos instruye a disfrutar de la vida a nuestra propia manera, antes que observar las reglas en el amor y en el trabajo presentadas por los demás”. Son los años de la Depresión. El público busca en el Cine lujo, sofisticación, romance, diversión.

Recuerden al personaje interpretado por Mia Farrow en La rosa púrpura de El Cairo. Reírse de/con los ricos es una excelente terapia para olvidar las miserias cotidianas. Muchas de estas películas muestran a las clases altas como una pandillas de lunáticos, frívolos, caprichosos y descerebrados. Sus únicas preocupaciones son el placer, la seducción. Smokings, joyas, sedas, yates, la Riviera, champagne, casas de campo, abrigos de pieles, el Morocco. Un desfile arrebatador deglamour para audiencias amargadas por la Crisis. Escapismo para el lumpen (a veces no tan escapista). Ahora bien, como repite Edward Everett Horton en Una mujer para dos (1933, Paramount, Lubitsch), “la inmoralidad puede ser divertida, pero no lo suficiente para sustituir a un cien por cien de virtud y tres comidas al día”.

Mordden señala en el libro citado que la comedia sofisticada es una representación irreverente de las convenciones sociales del pueblo americano, vistas con una mirada insolente, reprobatoria, pero también resignada. Éstos son los defectos, dice el cineasta. Vedlos, querido pueblo americano, pero yo no puedo cambiaros. No es casual que algunos de los motores de la Comedia Americana sean de origen europeo (Leisen, Wilder, Lubitsch).

Estas comedias no eran un mal negocio para las productoras. Su presupuesto era reducido, por lo que recuperar la inversión no era difícil. Un presupuesto reducido obliga a recurrir al talento. Por ello, la labor de los guionistas y del director eran vitales para levantar estas comedias. Y como se ha dicho antes, el talento no escaseaba. Talento de origen teatral, en su gran mayoría.

Tres fueron los Estudios que se dedicaron con especial atención a la comedia: Paramount, RKO y Columbia. Paramount, uno de los Grandes, el Reino del Glamour desde los 20′, con aquellos vehículos desaforados y asfixiados en lujo de Cecil B. de Mille y Gloria Swanson, conocido como el Estudio de los Directores. RKO, aquella gente rara de Nueva York, siempre con problemas de dinero, pero con ese toque intelectual y descreído de la Gran Ciudad. La Columbia, un estudio pequeño, barato, sucio, el Rey de los Rápidos, dirigido con puño de hierro por Harry Cohn (ruin entre ruines, tramposo entre tramposos), cuyo lema era “simplemente hazlo. Si deja dinero podrás hacer otro, y si pierde dinero quedas despedido” (¿recuerdan al productor que contrata a Barton Fink en el film homónimo de los hermanos Cohen? Así debió de ser Harry Cohn).

Los Directores.

El toque sensual/sexual de Lubitsch, sus elipsis, esas puertas de dormitorio que se cierran… hasta la mañana siguiente.

Howard Hawks, el rey del estilo invisible, capaz de imprimir un ritmo de montaña rusa a sus comedias, diálogos como tableteos de una thompson. Hawks, el misógino que ridiculizaba a su propio sexo. Mitchell Leisen, sofisticado, en sus filas reina el equívoco (nada es lo que parece) y los malentendidos (a veces sobreentendidos), capaz de explicar cómo un abrigo de pieles que vuela desde una ventana y aterriza sobre una mecanógrafa provoca el hundimiento de Wall Street (Una chica afortunada, 1937, Paramount).

Leo McCarey, un viejo zorro curtido, capaz de meter en cintura a Laurel y Hardy, W.C. Fields y los Hermanos Marx y sobrevivir, un alquimista dotado para combinar satisfactoriamente comedia y melodrama romántico.

Gregoy La Cava, un francotirador de Broadway, enloquecido, distinto, original, que da un giro de tuerca más a la screwball comedy.

Preston Sturges, un deslumbrante y tardío fogonazo, el gigante de las grandes farsas, el maestro marionetista del Grand Guignol americano.

Frank Capra, el Campeón del New Deal, muestra cómo el amor es capaz de saltar todas las barreras sociales y unir a ricos y pobres, el candor democrático capriano.

George Cukor, el inteligente bisturí que disecciona los especímenes de la clase alta y descubre tumores malignos en las copetudas familas patricias de Nueva Inglaterra.

Las comedias románticas. Las comedias sexuales. La seducción como arte, un juego galante practicado por hombre y mujeres de mundo. La seducción como robo. Lucha entre los sexos. Comedias de hombres -y fundamentalmente- mujeres. Sí, mujeres. Es curioso. En aquellos lejanos años son las actrices las protagonistas destacadas de las comedias. Alrededor de ellas giran las tramas. Mejor dicho, ellas dirigen, controlan a su antojo los acontecimientos. Mujeres coquetas, algo frívolas, hermosas (aunque ninguna de las comediantas se ajusta al Sagrado Canon de la Belleza. Su atractivo irradia desde el interior), pero que saben lo que quieren y no se arredran, aunque llegue un galán de anchos hombros. Al final, se casan con el chico, sí, pero cuando y como ellas quieren. Si son capaces de domar a un leopardo, qué no harán con un hombre…

La Guerra Mundial acabó con este periodo de esplendor. La seriedad, la tragedia, el realismo del conflicto endurecieron el paladar del espectador. El patetismo bélico liga muy mal con el lujo, el glamour y la disipación. Es tiempo de arrimar el hombro, empezar a sudar y poner otra vez en marcha la maquinaria nacional. No hay tiempo para juegos galantes.

La Comedia, naturalmente, no desaparece, simplemente se adapta. Quedan los chispazos geniales de Hawks. Y la carrera de uno de los grandes pilares del género: Billy Wilder, el vitriolo vienés, el cínico descreído. Como guionista, firmó, junto a Brackett, títulos míticos de la comedia de los 30′: Medianoche, La octava mujer de Barba Azul, Ninotchka, Bola de fuego. Aprendió el oficio de director viendo a los grandes, y eso se nota. Con él, con Jack Lemmon, Walter Matthau, Shirley Maclaine, James Cagney reiremos de nuevo. Blake Edwards, otro ex-guionista, respetuoso y aventajado alumno, diestro en la comedia sofisticada y en el slapstick caótico y acelerado.

Frank Tashlin, que empezó en los dibujos animados, y llevó el espíritu transgresor de Tex Avery a las imágenes reales, que jugó con objetos y actores como si fuesen elementos de cómic.

Y Peter Bogdanovich, y Richard Quine, y Jerry Lewis, y Woody Allen, y… La Comedia nunca morirá. La risa -más o menos transgresora- nos redime, nos desmarca del reino animal, nos permite escapar momentáneamente de la náusea cotidiana. Como dijo el viejo Sullivan, la Comedia debe existir, porque “la risa es todo lo que tienen algunas personas”.

En otras páginas analizo una lista (imposible) de comedias (más o menos locas). Hay muchos más títulos, claro que sí. Pero, como dijo el clásico, ésa es otra historia. Sigan los links. Si desean datos técnicos, fichas de las películas, intérpretes, etc. , busquen en IMDB (www.imdb.com), la base de datos de cine más completa de toda la WWW. Hay un único problema, al ser una página americana, los títulos de las películas deben ser los originales de estreno en inglés, y las traducciones al español de algunas películas son muy imaginativas y poco tienen que ver con los originales. Espero que con su talento (y alguna ayuda) superen esta pequeña traba.

THE DOLL / DIE PUPPE (1919)

Josefine Dora / Victor Janson / Marga Köhler / Ossi Oswalda / Story  E.T.A. Hoffmann / Art Dir.  Kurt Richter / Cinematog.  Theodor Sparkuhl & Kurt Waschneck / Dir.  Ernst Lubitsch

‘Produced in Berlin in 1919, Ernst Lubitsch’s THE DOLL (Die Puppe) is a charming romantic fantasy that shows the director already in full command of the now-legendary “Lubitsch touch.” Presaging such playful sex comedies as Lubitsch’s Trouble in Paradise and Design for Living, THE DOLL follows the misadventures of an effete young man who must get married in order to inherit a fortune. He opts to purchase a remarkably lifelike doll and marry it instead, not realizing that the doll is actually the puppet-maker’s flesh-and-blood daughter, in disguise.’

Lubitsch interview

Louella Parsons (1st Jan, 1922)
 NEW YORK TELEGRAPH

     The eyes of the American film industry have been focused on Ernst
Lubitsch, the young German director, who more than any other foreign maker of
pictures has established himself as a man of international reputation.  From
the moment Mr. Lubitsch stepped off the American steamship from Bremen he has
been followed by newspaper reporters and film men, who have lingered to hear
from his own lips the question of his success.
     Unless they speak German or have an interpreter, they will fare very
badly, because Mr. Lubitsch speaks no English.  His German is spun off so
quickly, the German one learned at school is absolutely of no use, except to
catch an occasional phrase.
     I met Mr. Lubitsch in the offices of the United Plays.  Offices that
looked more as if they might have belonged to the suite of a grand duchess or
a member of the reigning family.  Whoever thought to find a grand piano with
a cerise-colored drape, with curtains and heavy carpets to match, marble
statuary, pictures and other visible semblance of elegance on Broadway?
I rubbed my eyes to see if I had not suddenly stepped into an Arabian Nights
chapter instead of in a business office.  But no, apparently business is
transacted in these luxurious offices.
     Then Mr. Lubitsch came and I forgot the background in my interest in the
young German, who is about 29 years old and has a smile that is infectious.
He was dressed in a light-colored suit, apparently ready-made, and only a
distant cousin to the producer that comes from our Fifth avenue tailors, but
his clothes were only incidental.
     He started speaking German at a rate of forty miles a moment, asking me
long questions, and punctuating each remark with a flourish of his arms.
     “Please translate,” I asked Mr. Blumenthal.  “He is speaking so fast I
cannot catch a word he is saying.”
     And so Ben Blumenthal stepped into the breach and followed Mr. Lubitsch
with a literal translation.
     I did manage to understand before Mr. Blumenthal started his
interpretation that Mr. Lubitsch believes our American films are “sehr gut.”
     “Take ‘Forbidden Fruit’ as an example, the little things (Mr. Lubitsch
meant the details) are amazing.  I noticed a girl troubled over the proper
fork to use.  She stopped short at her fish fork and waited for her hostess
to proceed so she would make no mistake.  Such care for the minor things is
wonderful and is typical of the excellence of American direction.”
     Mr. Lubitsch spoke of “Broken Blossoms” as being very popular in
Germany.  “It is so beautiful,” he said, “so artistic.  Mr. Griffith is a
wonderful director to be able to put such beauty on the screen.”
     Through Mr. Blumenthal’s apt interpretation I gathered that things had
not been so rosy in making “Pharoh’s Wife” as Mr. Lubitsch had expected.  A
little of the spirit of American unrest crept into the studio.  “Pharoh’s
Wife,” which Lubitsch made for Famous Players-Lasky, is an Egyptian story, a
mammoth spectacle in which 25,000 men and women are employed.  A great battle
was in progress when one side of the army suddenly stopped work and refused
to go on with the picture.
     “What is the trouble?” demanded Lubitsch.
     “More money–money like the Americans get,” was the cry.
     This faction had no more been quieted with bigger salaries than the
other side of the army stopped short and staged a little strike of its own.
Both armies quieted, the picture progressed until the entire outfit put their
heads together and with due accord furnished a strike that took the entire
studio force to quiet.
     “Pharaoh’s Wife” will not be the cheap picture every one expected.  Its
cost is on a par with any spectacle made in America.  And it seems likely,
now that the Germans have learned not to work for nothing, that pictures made
on Teutonic ground will hereafter rank in price with our American-made
product.
     Mr. Lubitsch was taken on a tour of inspection of the American motion
picture theatre.  He saw the Capitol, the Strand, the Rivoli and the Rialto.
     “They are very beautiful,” he said.  “Much more pretentious than
anything we have in Berlin.  Our theatres have no such elaborate programs and
are not designed with so much thought and care.  They are but simple
playhouses compared with these theatres.”
     In fact Mr. Lubitsch is the sort of young man who is prepared to give
his unqualified endorsement to anything American.  He is very good-natured:
smiles continually.  He has a personality that is both gracious and pleasing.
He says he likes Charlie Chaplin better than any actor he has ever seen and
the last time a Chaplin picture played in Berlin he went three times.  Harold
Lloyd is also a great favorite of Mr. Lubitsch.  He thinks he is one of our
best actors.
     Perhaps one reason for his interest in our comedians is the fact he
started in life playing comedy roles.  It was Max Reinhardt who discovered
him and engaged him for his own theatres.  His success was rapid and he
toured Europe with the Reinhardt company.  At the time when Lubitsch had made
a place for himself on the European stage Paul Davidson, owner of numerous
German film undertakings, saw him acting the leading role of the devil in
“The Green Flute.”  Impressed by the young man’s talent, Mr. Davidson talked
films to the young actor, and a contract was signed making young Lubitsch
director and scenario writer, as well as actor of his own company.  His first
undertaking was “Lubitsch Comedies.”  It was not until after that he became
identified with bigger features, but it is as an historical director that he
has become recognized in this country.  It was he who discovered Pola Negri,
who was at that time an unknown cabaret singer.  Her charm and her talent,
combined with his directorial skill, made “Carmen or Gypsy Blood” one of the
best-known pictures in the world market.  Then followed “Passion,”
“Deception,” and “One Arabian Night.”
     Mr. Lubitsch was highly amused at the questions asked about the papier-
mache sets, which we have been told are a part of his historical settings.
     He laughed merrily and said he had never heard of them.
     “Pharaoh’s Wife” took six months to produce, but it took a very short
time to cut and edit.  Mr. Lubitsch does his own cutting and editing and
believes no director should entrust this work to any one else, whether he is
German, American or English.
     After a brief visit here he will go West to look over the studios in
California.  He is in favor of our directors visiting Germany and European
directors visiting America for an exchange of ideas.  Although his first
picture was for an American concern and belongs to Famous Players-Lasky, we
understand there are many film offers being made in his direction.  Good
directors are scarce.
     He said as I was leaving to make room for several other newspaper folk
who were waiting, “Next time we meet I shall try and learn English.”
     He said most of the sentence in good English, which makes me wonder if
he doesn’t know more English than he pretends.  Foreigners are always such
expert linguists.
     As for Pola Negri, he says she is everything charming a woman should be,
and it is unnecessary for him to say more because she will visit America
early next year.  This was said in German, with a twinkle in his eye.  In
fact we suspect the young man of having a great sense of humor.  He laughed
so frequently and with such enjoyment.

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Pola Negri in THE WILDCAT / DIE BERGKATZE (1921)

Les plaisirs sont simples, parfois. Acheter Ange de Lubitsch en DVD après l’avoir attendu des années, en priant que la VHS NTSC ne se détériore pas trop vite. J’aime ce film, sans doute parce que je l’ai vu la première fois au Mac Mahon ou à l’Action Ecoles, il y a vingt ou vingt-cinq ans quand aller au cinéma signifiait encore quelque chose de l’ordre du choix de vie, comme acheter un disque chez New Rose. Je n’aime pas tant Ange parce qu’il serait représentatif d’une quelconque Lubitsch touch – Laissons les autres raconter cela.

J’aime ce film parce qu’il me fait rire et surtout parce qu’il parle de ce moment étrange durant lequel la vie se dédouble, les amours se multiplient, et l’on ne sait plus où l’on est, avec qui l’on va et ce qui relie l’un à l’autre. Un moment d’angoisse et d’excitation. Et comme souvent chez Lubitsch, cette excitation passe par l’absence de noms, l’anonymat forcé, l’incertitude des identités.

Ange se résorbe en un des plus beaux plans, des plus élégants. Il faut rester jusqu’au bout et comprendre pourquoi la vie est faite de tant de lois d’airain. Une autre fois, je parlerai des acteurs, du trio splendide qui aurait pu servir de modèle à tous les livres de Floc’h.

El cartel dice: “la mejor comedia romántica del año”. Debió ser un mal año 1998 para ser considerada la mejor en nada. Sorprendentemente bien acogida por la crítica, esta almibarada comedieta podría ser el ejemplo principal de un futurible libro que pudiera titularse “Cómo el Hollywood moderno puede tomar un clásico magnífico y destrozarlo en cinco fáciles pasos”. Este remake de The shop around the corner (El bazar de las sorpresas, de 1939), del maestro Ernst Lubitsch, carece de todo lo maravilloso de aquella legendaria cinta y recubre la historia de un barniz romanticón, baboso y blandorro insoportable. Seguramente tendrá algo que ver la aparición de Meg Ryan como protagonista (jamás he llegado a entender su éxito como actriz, orgasmos fingidos aparte), una dama boba, superficial y de comicidad pésima, que suele estropear todo aquello en lo que sale (anuncios de cava catalán incluidos). Tampoco ayuda un Tom Hanks, dulce y sensible a la par que desagradable y borde, del que tampoco me explico el por qué de su reconocimiento como gran actor (excelente para productos de entretenimiento, pero en mi opinión, muy justito cuando de grandes papeles con carga emocional se refiere, aunque la crítica mundial diga lo contrario). Y desde luego, la directora Nora Ephron no es Lubitsch, ni está a mil kilómetros de poder compararse en nada (sólo unos cuantos de sus títulos como ejemplo: Mi rebelde Cookie, Algo para recordar, Colgadas, Embrujada…; o sea, latas enormes de almíbar con merengue y azúcar de caramelo que ni los niños soportan).

El encanto de la cinta original, la magia del Budapest de entreguerras, los cafés, la música zíngara, los tranvías, la tienda de la esquina en la que se vende de todo, las relaciones entre los variopintos empleados, los diálogos punzantes e ingeniosos, la maravillosa pareja protagonista (Jimmy Stewart y Margaret Sullavan), son sustituidos aquí por el conflicto abierto entre una pequeña librería infantil propiedad de Meg y una gran cadena de librerías dirigida por el padre de Hanks, que extiende sus tentáculos sobre el pequeño negocio de ella, en el marco de la gran ciudad. La lucha entre ambos se alterna con su conocimiento anónimo a través de internet, enamorándose en la distancia sin conocerse, y odiándose en vivo a cada encuentro, sin llegar a sospechar que se encuentran ante la persona que aman. En resumen, una trama que denota ingenua amabilidad permisible en 1939, pero repulsiva ya a estas alturas, haciendo gala de un penoso clima de romantiqueo patético, como bien apunta el cartel de la película.

Malos chistes, penosos gags, nula química entre la pareja protagonista, diálogos facilones, de manual, y mucho, mucho almíbar, hacen aborrecible esta cinta, que llega a hacerse preguntar si no es posible rodar hoy en día comedias románticas que contengan diálogos acertados y apunten cuestiones importantes y profundas a un tiempo que divierten, entretienen y emocionan. Tiempo atrás se hicieron, y no parece haber motivo razonable, excepto la nula creatividad, para que la magia y el encanto sean sustituidos por un pasteleo sentimentaloide con final feliz de postal (por cierto, desde aquí promovemos el boicot a Sin reservas, ese burdo engendro norteamericano que pretende enmendar la plana a la película de la que es una copia, la comedia italo-alemana Deliciosa Martha, excelente película a la que la innecesaria, inútil, inservible, versión americana aún va a convertir en mejor).

Acusados: todos
Atenuantes: ninguno
Agravantes: haber contribuido a la banalización de un clásico
Sentencia: culpables
Condena: no se me ocurre ninguna que esté a la altura, mi cabeza recibe flashes en los que aparecen látigos con punta de acero, lavativas, Massiel, el Papa, un misil tierra-cráneo…