Voici un collage que j’ai réalisé avec plusieurs niveaux de gris typographique.

Les nuances de gris de la photo, on été remplacées par des bandellettes de papier imprimées avec du faux texte, plus ou moins gras et espacé, de manière à générer différents tons.

La photo originale à été réalisée par Malick Sidibé en 1963.

Organitzada per les dues associacions de galeries de Balears: AIGAB i Art Palma i amb la col·laboració de l’Ajuntament de Palma i del Departament de Cultura del Consell de Mallorca La Nit de l’Art de Palma calenta motores. La nit del 17 de setembre l’activitat artística de la ciutat alcança la màxima expressió amb un conjunt d’actes destinats a impulsar els centres d’art i les galeries de Palma. A Palma s’hi concentren un gran nombre de centres com el Casal Solleric, l’edifici singular de la Fundació la Caixa, el Centre Cultural Sa Nostra, Ses Voltes o Es Baluard. Avalada per l’èxit de les edicions anteriors, la Nit de l’Art, convocada per al 17 de setembre, amb més de 25 espais, museus, centres i galeries, tornarà a ser única i concorreguda per unes 15.000 persones. Entre totes les propostes, el Casal Solleric, presenta quatre exposicions: Esther Ferrer (Premi Nacional d’Arts Plàstiques 2008), Malick Sidibé (Premi Photo España 2009), John Buscema (un representant de l’escola Marvel de còmics) i Amparo Sard, una de les artistes mallorquines amb més projecció internacional. Aquesta nit totes aquestes institucions i galeries obren les seves portes i donen la benvinguda a la nova temporada.

TEATRO FERNÁN GÓMEZ. CENTRO DE ARTE.

AÑOS 70. FOTOGRAFÍA Y VIDA COTIDIANA.
Del 2 de Junio al 27 de Julio de 2009

PHOTOESPAÑA 2009

Exposición colectiva de: Laurie Anderson, Claudia Andujar, Christian Boltanski, Víctor Burgin, Sophie Calle, William Eggleston, Hans-Peter Feldmann, Alberto García-Alix, David Goldblatt, Karen Knorr, Víctor Kolár, Ana Mendieta, Fina Miralles, Gabriele y Helmut Nothhelfer, J.D. Okhai Ojeikere, Carlos Pazos, Anders Petersen, Eugene Richards, Allan Sekula, Cindy Sherman, Malick Sidibé, Ed van der Elsken, Kohei Yoshiyuki.

En la década de los 70 se produce un cambio definitivo en las relaciones entre el arte contemporáneo de los últimos treinta y cinco años. Los planteamientos estéticos de las vanguardias, preocupados por cuestiones puramente formales, dan paso a una actitud artística más abierta y menos dogmática en lo que se hace necesaria cierta atención a aspectos vivenciales y sociales.

Durante esta década se produce una mayor interrelación entre arte y vida, lo que desemboca en una preocupación por reivindicar lo cotidiano, la poética de lo personal, el paisaje de lo íntimo y los planteamientos documentales no convencionales. En este contexto artístico e histórico la fotografía se convierte en una herramienta idónea, produciéndose una reformulación del medio fotográfico, siendo esta década uno de los periodos más importantes y fructíferos de la historia reciente de la fotografía.

. Laurie Anderson. (Glen Ellyn, Illinois, 1947)

Música, poeta, dibujante y artista, Laurie Anderson combina música minimalista, diapositivas y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización moderna en su conjunto. Ha inventado varios instrumentos, entre ellos el violín de arco de cinta, el cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en lugar de las cerdas del arco. Durante la década de los años 70, Laurie Anderson hizo diversas performances, dándose a conocer internacionalmente a partir de 1981 con su disco “O Superman”. En el 2008 se casó con su compañero sentimental Lou Reed.

. Claudia Andujar. (Neuchâtel, Suiza, 1931)

Vivió en Hungría y en los Estados Unidos durante la deuda de los años 50, desplazándose a Sao Paulo en 1957, adquiriendo la nacionalidad brasileña. Actuó como reportera gráfica de 1960 a 1971, y durante la década de los 70 desarrolló, junto con George Love, un taller de Fotografía en el Museo de Arte de Sao Paulo, trabajo que influyó a decenas de fotografías paulistas. Ganó dos becas de la Fundación Guggenheim de Nueva York en 1972 y 1974, y una de la Fundación Auxilio à Pesquisa del Estado de Sao Paulo, en 1976. A finales de los años 70, la obra de Andujar se centró en la cultura de los indios Yanomami, al noroeste de Brasil, desarrollando un ensayo fotográfico sobre su compleja espiritualidad y su mundo mágico.

En su preocupación por lo eterno Claudia Andujar retrata en sus imágenes la comprensión, la angustia, los devaneos de los que viven en busca de la verdad. El drama, el modo de buscar el encuadramiento, aliando razón e intuición, y los personajes, se reúnen para hablar de una incesante búsqueda de comprensión. Hay reflejos en la fotografía de Andujar del pensamiento de Brecht: “El destino del hombre es el propio hombre”.

. Christian Boltanski. (París, 1944)

Nació a finales de la Segunda Guerra Mundial en una familia marcada por el holocausto. Su padre era judío procedente de Ucrania, mientras que su madre era de Córcega. De formación autodidacta, comenzó a pintar a los 14 años. Sin embargo, durante la década de los años 70, Boltanski dejó la pintura y comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías. 

Su obra está marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va más allá de lo explícitamente presente. Las ropas usadas en sus instalaciones, cajas de hojalata a modo de relicarios sagrados y las fotografías de los que ya no están son recurrentes en su obra como marca de lo ausente. Esta iconografía constante que proviene de lo autobiográfico, la religión y el pasado, es presentada de una manera tétrica y oscura que la convierte en un evidente signo de la muerte. Su obra gira alrededor de los problemas de la muerte, la memoria y la pérdida.

. Víctor Burgin. (Sheffield, Inglaterra, 1941)

Estudió Bellas Artes en el Royal College of Art antes de viajar a Norteamérica donde continuó su formación en la Universidad de Yale. Burgin fue reconocido inicialmente como artista conceptual, trabajando en fotografía y cine. Su obra está influenciada por teóricos y filósofos como Karl Marx, Sigmund Freud, Michel Foucault y Roland Barthes.

Desde finales de los años 60, Burgin realizó notables aportaciones como teórico cultural y como artista de la fotografía y el video digital. Durante un periodo de treinta años, su obra visual y sus escritos han reflexionado sobre las relaciones espacio-temporales.

. Sophie Calle. (París, 1953)

Artista conceptual cuya obra se centra en representar la vulnerabilidad humana, y examinar identidad e intimidad. Algunas de sus obras se basan en perseguir a extraños e investigar sus vidas privadas, incluyendo a menudo paneles explicativos con su propia letra.

Durante la década de los 70, Sophie Calle exploró el enigmático terreno de la identidad humana y su interacción, estudiando y documentando diversas situaciones donde se expone la coexistencia del deseo y la alienación. Un claro ejemplo es su obra “Les Dormeurs” (Los durmientes) de 1979. En este proyecto, Calle invitó a 24 personas (amigos, vecinos, extraños… etc.), para que durmiesen en su cama durante ocho horas. Estas personas se iban relevando continuamente, durando un total de ocho días. Sophie les servía comida, les hacía una pequeña entrevista y les iba fotografiando cada hora. En total, el trabajo consistió en 173 fotografías y 23 textos explicatorios que documentan cada una de las distintas situaciones.

En “Suite Venetienne” (1979), Calle persiguió a un hombre que conoció en una fiesta de París hasta Venecia. Para ello, se disfrazó y le siguió por toda la ciudad fotografiándole. La vigilancia de este hombre, que ella identifica solamente como Henri B., incluye fotografías acompañadas de texto.

Uno de los primeros proyectos que causó cierta controversia pública fue “Address Book” de 1983. Tras el hallazgo de una agenda telefónica, Sophie Calle decidió llamar a todos los contactos para recabar información sobre su propietario. A las transcripciones de estas conversaciones, Calle añadió fotografías de las actividades favoritas de este hombre, creando un retrato de alguien que jamás había conocido. Tras la publicación de esta obra, el propietario de la agenda telefónica, un documentalista llamado Pierre Baudry, amenazó con demandar a la artista por invasión de su privacidad.

En su proyecto “The Hotel” de 1981, Calle decidió trabajar como una camarera en un hotel de Venecia, con la intención de inspeccionar los textos y los objetos dejados en las habitaciones de los clientes. De ese mismo año también es su proyecto “Detective”, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De esta forma, Calle podía comparar la información recibida del detective y la información que ella ha recogido en su diario personal.

En cierto modo, la obra de Calle se centra en la obsesión de la mirada, tanto la de los otros como la suya propia. ¿Qué miran los otros cuando me ven mirar?

. William Eggleston. (Memphis, Tennessee, 1939)

Desde pequeño, Eggleston se interesó por el dibujo, tocar el piano y la electrónica. A la edad de 15 años, Eggleston estudió en Webb School y posteriormente en la Vanderbilt University y en la Univesity of Mississippi. Durante este periodo universitario, Eggleston se interesó por la fotografía, inspirado por la obra de Robert Frank y Henri Cartier-Bresson. Sus primeras fotografías fueron en blanco y negro, pero comenzó a experimentar con el color desde 1965. Durante la década de los años 70, Eggleston descubrió la impresión con transferencia de tintas, dando lugar a las series más famosas de la obra de Eggleston como “The Red Ceiling”.

La obra de Eggleston se centra en la búsqueda de la belleza en lo ordinario. Sus fotografías retratan viejos neumáticos, antiguas máquinas de aire acondicionado, botellas de Coca Cola sucias y vacías, posters rasgados, barricadas callejeras, señales de sentido único, de desvío, de prohibido aparcar… Todas estos objetos cotidianos toman un nuevo significado en las coloridas fotografías de Eggleston, que es capaz de ver complejidad y belleza de lo mundano.

. Hans-Peter Feldmann. (Dusseldorf, Alemania, 1941)

Es uno de los artistas más representativos de la escena artística alemana de los años 60 y 70. Además ha sido precursor de las actitudes apropiacionistas de finales de los ochenta. Su producción artística más reciente ha logrado mantener la actualidad del movimiento performativo de los años setenta, insertándolo en la realidad política y social de los noventa.

Una primera etapa de la actividad profesional de este artista se desarrolla entre 1968 y 1980. Durante este período, Feldmann produce un cuerpo de obra variado, pero coherente, que incluye una extensa serie de cuadernos de pequeño formato con imágenes aparentemente triviales reproducidas en blanco y negro, cartas, carteles, postales, hojas de periódico coloreadas, juguetes encontrados y repintados, así como reproducciones en yeso de esculturas clásicas pintadas con colores vivos. De este modo, Feldmann elabora una obra basada en el concepto del plagio, en el mito barthesiano de la muerte del autor, en el efecto creativo de la copia y en la apropiación de las imágenes y los objetos que el artista extrae de su vida cotidiana. Reproduciendo imágenes y motivos que a su vez han sido reproducidos hasta el infinito (palomas de la paz y cisnes románticos y sentimentales, chicas semidesnudas, conductores de automóviles vestidos de cuero, jugadores de fútbol, piezas de ropa, y un largo etcétera), Feldmann las vacía de su carácter representacional para insertarlas en otro nivel de reproducción, sin representación ni contenido, que lleva implícita una crítica al mundo del arte y la cultura. Esta actitud crítica es la que, en 1980, le decide a abandonar el circuito artístico y a abrir una tienda de recuerdos, curiosidades, objetos de segunda mano y antigüedades en Düsseldorf. Sólo diez años después se reincorpora Feldmann al mundo del arte, retomando su vocabulario habitual para cuestionar la iniquidad de les imágenes, de los valores culturales, y en general, de los sentimientos producidos masivamente.

. Alberto García-Alix. (León, 1956)

 Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como “Vogue”, “British Journal of Photography” o “Vanity Fair”. Destacan sus retratos en blanco y negro, con series dedicadas a las motos, los presos, estrellas del porno, yonquis y tatuajes. Fue uno de los protagonistas más destacados de la “Movida madrileña”. Amante de las motocicletas y de los retratos, su cámara ha inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales.

La mirada de García-Alix es siempre directa, frontal y sin ambages, rayando lo documental pero también la autobiografía. Las fotos de García-Alix se detiene en historias de vida, en los ojos de sus retratos -la mayoría de sus fotos, incluso las de objetos, son retratos- discurre una historia, un momento real. Quizá sea debido a la inmediatez de las fotos de García Alix, a su técnica clásica, depurada y simple o quizás por la sensibilidad de sus modelos, su gente y su sensibilidad.

. David Goldblatt. (Sudáfrica, 1930)

David Goldblatt ha retratado el cambiante paisaje político de su país durante décadas, explorando la intersección entre la tierra, sus gentes y sus valores. La obra de David Goldblatt siempre ha girado alrededor de los conceptos de identidad y de lo cotidiano, incluso en situaciones tan tensas y violentas como el Apartheid.

Durante los años 70 realizó diversas series como: “Soweto” (1972-1973), que retrata dos partes de Johannesburgo: los guetos-dormitorio de los africanos y las zonas suburbanas de blancos; y “Particulars” (1975), que consta de 27 fotografías en blanco y negro que muestran detalles de personajes anónimos de Johannesburgo. A partir de los pocos elementos que aparecen en cada fotografía el espectador crea una biografía imaginaria del retratado.

En su última serie “In the times of AIDS”, Goldblatt ha querido retratar la normalización de uno de los problemas que causa mayor mortalidad en Sudáfrica, el SIDA. Casi podría considerarse fotografía de paisaje ya que la figura humana aparece como algo secundario que acompaña al sujeto protagonista de la serie: el lazo rojo, símbolo de la lucha contra el SIDA. Las fotos reflejan un estado mental que hace que la población se haya vuelto ciega ante la multiplicación de este lazo rojo en Sudáfrica.

Entre la extensa obra de David Goldblatt, caben destacar las siguientes series (que han dado lugar a sus libros de fotografía): In Boksburg (1982), The transported of KwaNdebele: A South African Odissey (1989), South Africa: The Structure of Things Then (1998), Intersections (2005), Some Afrikaners revisited (2007) y Intersections Intersected (2008). Su retrospectiva David Goldblatt Fifty-One Years [David Goldblatt 51 años], producida por el MACBA en 2001, visitó varias ciudades. En 2006 se le entregó el Premio Internacional de Fotografía otorgado por la Fundación Hasselblad. Ha participado en Documenta 11 (2001) y 12 (2007) en la ciudad de Kassel. Sus fotografías se encuentran en los fondos de la Bibliothèque Nationale (París), el Museum of Modern Art (Nueva York), el Victoria and Albert Museum (Londres) y el MACBA, entre otras muchas otras instituciones y colecciones privadas.

. Karen Knorr. (Frankfurt, 1954)

A fines de los setenta se dio a conocer por sus series fotográficas que profundizaban sobre la relación del hombre con la sociedad, su cultura y patrimonio en occidente. Su serie “Belgravia” documenta el poder de las clases altas de Londres en 1979, a principios del gobierno de Margaret Thatcher. Belgravia es aún un barrio de Londres cosmopolita y rico, cerca de Harrods en Knightsbridge. Las fotografías no tratan sobre individuos sino a un grupo de personas y sus ideas durante un periodo de tiempo concreto en la historia.

En la actualidad, la obra de Karen Knorr reflexiona sobre la relación del hombre con la naturaleza. A lo largo de su carrera ha utilizado la puesta en escena fotográfica y ha incorporado a su trabajo textos, vídeos e instalaciones. Está representada por la galería Les Filles du Calvaire de París. Su obra forma parte de las colecciones: The Cartier Foundation, Centre Pompidou, Paris, Francia y The Victoria & Albert Museum, entre muchos otros.

Es autora de varios libros monográficos y recibió el apoyo del Arts Council of England en 2001; de Hasselblad Foundation Reaserch Grant en 1998 y de Nacional Endowments for the Arts en 1986. Actualmente es profesora en The Surrey Institute y Goldsmiths Collage en Londres.

. Víctor Kolár. (Ostrava, Checoslovaquia, 1941)

Hijo de un fotógrafo y cineasta, Kólar se aproximó a la fotografía cuando tenía 13 años. Cuando los tanques rusos entraron en su país, Kolar se trasladó a Canadá. Aquí, entre sus trabajos ocasionales, se dedicaba a su trabajo fotográfico. Sintiendo la necesidad de fotografiar las condiciones sociales de su tierra natal, regresó a Checoslovaquia en 1974. Actualmente es un fotógrafo freelance, documentando las transformaciones sociales y económicas de la República Checa tras la caída del socialismo.

. Ana Mendieta. (Cuba, 1948 – 1985)

En 1961, Ana y su hermana mayor se exiliaron a Estados Unidos sin sus padres como parte de la “Operation Peter Pan”, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a catorce miles de niños cubanos a los Estados Unidos. En Estados Unidos, Mendieta vivió con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres por muchos años. Esta experiencia dolorosa impactó mucho a la formación de Mendieta y su obra lo refleja.

Mendieta es una artista única cuya obra, en su mayor parte, consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas. Su carrera artística fue corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa. Durante el principio de los años 70, asistió a la Universidad de Iowa como estudiante graduada de las artes. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su integración al Intermedia Program and Center for New Performing Arts. En el mundo artístico de los setenta, utilizar el cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”) llegó a ser una manera popular para expresarse. Durante su carrera, Mendieta contribuyó al desarrollo de esta arte, y también hizo un gran impacto en el arte de la tierra (land art o earthworks).

La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada. Como artista, Mendieta se atrevió a expresarse en maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentado por video, Mendieta se metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pinta roja y arrastró las manos en una pared. Su fascinación con la sangre marcó una gran parte de sus obras principales. Se percibió a la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado.

Otro elemento significante de la obra de Mendieta es la manera en que se incorporó a su cuerpo en la naturaleza. En varias obras ella aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, africano-cubanos, mesoamericanos y culturas antiguas de Asia y Europa. En “Silueta Series” (1973), una de sus series más conocidas, Mendieta creó más de cien obras en las cuales o se hizo parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, o recreó la imagen de su cuerpo en la tierra al usar elementos naturales como piedras o velas.

En 1985, con treinta y seis años, Mendieta se murió al caerse de la ventana de su apartamento en Roma. Sin embargo, Mendieta sigue como una inspiración e influencia en la obra de muchos artistas, ganando fama cada vez más como artista hispana prominente en los Estados Unidos.

. Fina Miralles. (Cadaqués, 1950)

Artista conceptual que durante los años 70 revolución el panorama artístico local con sus instalaciones. Tras exponer en Barcelona, Madrid, Paris y Nueva York, y de vivir dos años en Francia y uno en Sitges “para recuperar el sol perdido“, donó toda su obra al Museu d’Art de Sabadell.

Fina Miralles engloba al cuerpo como soporte artístico en la intervención en la naturaleza. Fue pionera en el “Cos – Natura” (Cuerpo-Naturaleza), desarrollando su obra en paralelo a la obra de Ana Mendieta. Su obra trata sobre la comparación entre lo natural, espontáneo, y lo artificial, lo manipulado. En su trabajo, aparece la contraposición de la naturaleza con otros materiales, descontextualizados, provocando una constatación, una reflexión sobre la idiosincrasia de lo natural y lo artificial en sus formas, y hace recaer la atención en el riesgo de transferir una utilidad y un significado decorativo a lo artificial. Tras la muerte de su madre en 1975, Fina adquiere una nueva actitud ante la vida y ante el arte. Se manifiesta más radical en su trabaja, derivando hacia un cambio de registros. Se podría hablar de una nueva crítica social, en concreto una crítica al poder y al sentimiento de propiedad de la sociedad materialista.

. Gabriele y Helmut Nothhelfer. (Alemania, 1945)

El matrimonio formado por Gabriele y Helmut Nothhelfer se han centrado en las fotografías documentales. En 1973 se embarcaron en un proyecto de larga duración sobre el tiempo libre y la alienación, una serie de estudios sobre individuos que acceden a ser fotografiados en espacios públicos. Acumulativamente, sus imagenes de tristes personas adineradas en ferias del motor, o de hombres de mediana edad en festivales católicos, expresan un sentido de angustia y vacío en mitad de la opulencia. Las fotografías de estas personas en espacios públicos suelen darse en festivales y otros eventos, convirtiéndose sus fotografías en importantes documentalistas de la historia cotidiana alemana.

En un principio, su interés se centró en la fuerza de la fotografía documental para ilustrar y criticar manifestaciones sociales, como la alienación del tiempo libre. Pero su intención documental se fue dispersando a favor de recoger el impacto de las fotografías de individuos.

. J.D. Okhai Ojeikere. (Nigeria, 1930)

En Nigeria existen cientos de grupos étnicos, cada uno con su propio lenguaje y tradiciones. Entre otras cosas, los diferentes estilos de peinados forma parte de estas tradiciones. Estos peinados están determinados por la posición social de la familia, y varía según la celebración de diversas ceremonias, como en la celebración de un matrimonio, una circuncisión…etc. Hoy en día es dificil de localizar los orígenes de ciertos peinados debido a que varios grupos étnicos se han mezclado, y adaptado a la cultura moderna. Desde 1968 Ojeikere ha ido realizando fotografías de los distintos estilos de peinado que se ha ido encontrando por la calle, en el trabajo o en celebraciones. En cada fotografía siempre documenta el significado del peinado, su procedencia, su nombre, su historia… Ojeikere se convirtió en el fotógrafo de estudio de la primera cadena de televisión de Africa, y abrió su propio estudio en 1975.

. Carlos Pazos. (Barcelona, 1949)

Durante la década de los 70, Carlos Pazos fue el único artista español que, en la mejor tradición conceptual purista, hizo de su vida una auténtica “bildungsroman”, una genuina novela de formación. En los inicios de su obra, Carlos Pazos realizó series como “Voy a hacer de mí una estrella” (1975), “En la intimidad” (1977) o “The floor of fame” (1978), que tienen como factor común la obsesiva exploración objetual tan presente durante las dos décadas siguientes.

. Anders Petersen. (Solna, Suecia, 1944)

La obra de Anders Petersen se caracteriza por su íntimo y personal documental en fotografías en blanco y negro. Estudió fotografía con Christer Stomholm en Suecia entre 1966 y 1967. En 1967 comenzó a fotografiar habituales de la noche (prostitutas, transvestidos, bebidos, amantes, drogadictos) en un bar de Hamburgo, Alemania, llamado Café Lehmitz, y continuó con este proyecto durante tres años. La serie con el mismo nombre fue publicado ocho años después, en 1978 en Alemania, apareciendo en Francia (1979), y Suecia (1982). “Café Lehmitz” desde entonces ha sido considerado de gran influencia en la evolución de la historia de la fotografía Europea.

En 1970, co-fundó SAFTRA, un grupo de fotógrafos suecos con Kenneth Gustavsson. Al mismo tiempo, enseñó en el colegio Christer Stromholm, fotografió para ciertas revistas, y continuó con su personal trabajo de fotografía. Durante extensos periodos de tiempo, Anders Petersen ha fotografiado en prisiones, asilos y residencias de ancianos. Actualmente ha publicado más de 20 libros, la mayoría en Suecia, y ha expuesto por toda Europa y Asia.

. Eugene Richards. (Dorchester, Massachusetts, 1944)

Desde que abandonara la performance a principios de los años setenta, en la que cuestionaba la política belicista norteamericana y su intervención en Vietnam, la obra de Allan Sekula se ha convertido en una reflexión sobre el lugar y la función del documental en el contexto artístico y social. Sus primeras series fotográficas se concentran en sus propias experiencias y en su entorno más próximo, como en el restaurante chino en el que trabajaba en”This Ain’t China” (1974) o las escuelas nocturnas en “School is a factory” (1978-1980), pero su intención no era documentar un aspecto puntual sino extender su obra a conceptos generales.

Tras un momento inicial en los setenta y los primeros años de la década de los ochenta en el que adoptara las estrategias del arte conceptual en sus fotografías, Sekula, que también es crítico y ensayista, pasó a investigar la capacidad narrativa y crítica del documental y a explorar el elemento teatral de este género fotográfico, que falsamente ha pretendido ser una representación objetiva y neutral de la realidad que retrata. La herencia conceptual se aprecia en el interés que pone en relacionar texto e imagen: los títulos de las fotografías y los paneles informativos que introduce en sus montajes crean asociaciones políticas, culturales y personales con la imagen que identifican o explican. Sekula intenta alejarse, a pesar del dramatismo de las situaciones que representa, del sentimentalismo manipulador que ha alcanzado el fotoperiodismo.

Sus reportajes tienen un fuerte contenido de denuncia y se centran habitualmente en el esfuerzo personal de aquellos que luchan contra las desigualdades sociales creadas por las tendencias globalizadoras de la economía contemporánea o de los que indirectamente se encuentran inmersos, como parte perjudicada, en estas batallas cotidianas y de resistencia contra las estrategias homogenizadoras del liberalismo capitalista. Este elemento ha hecho que se haya querido incluir su obra dentro de la corriente del realismo social, una tendencia que tiene un largo recorrido histórico.

Los proyectos documentales de Sekula se centran tanto en acontecimientos puntuales, como son sus fotografías sobre las manifestaciones antiglobalización que tuvieron lugar en Seattle en 1999 o su más reciente serie de imágenes sobre la catástrofe ecológica producida por el hundimiento del petrolero Prestige en las costas gallegas; como en otros que tienen un carácter de trabajo en proceso, en construcción, como es Fish Story (1987-1994) en el que explora las transformaciones producidas en las condiciones laborales de los pescadores por la creciente internacionalización de la economía mundial o en Dead Letter Office (1996-1997), encargada para InSITE, que investiga exhaustivamente el contexto económico, político y social de la frontera entre México y Estados Unidos.

s pretende ser un medio para elevar la conciencia social, caracterizándose por su gran contenido personal. Su primer libro fue “Few Comforts or Surprises” (1973), una descripción de la pobreza rural en Arkansas. Sin embargo, fue su segundo libro “Dorchester Days” (1978), donde Richards ganó la atención de la opinión pública. Richards regresó a Dorchester, ciudad donde creció, para retratar de manera airada y amarga tanto la vida política como su vida personal. Su implicación con la gente que fotografía es total, convirtiéndose en un gran reportero gráfico, a menudo ayudado por su propia prosa.

. Allan Sekula. (Erie, Pennsylvania, 1951)

Desde que abandonara la performance a principios de los años setenta, en la que cuestionaba la política belicista norteamericana y su intervención en Vietnam, la obra de Allan Sekula se ha convertido en una reflexión sobre el lugar y la función del documental en el contexto artístico y social. Sus primeras series fotográficas se concentran en sus propias experiencias y en su entorno más próximo, como en el restaurante chino en el que trabajaba en “This Ain’t China” (1974) o las escuelas nocturnas en “School is a factory” (1978-1980), pero su intención no era documentar un aspecto puntual sino extender su obra a conceptos generales.

Tras un momento inicial en los setenta y los primeros años de la década de los ochenta en el que adoptara las estrategias del arte conceptual en sus fotografías, Sekula, que también es crítico y ensayista, pasó a investigar la capacidad narrativa y crítica del documental y a explorar el elemento teatral de este género fotográfico, que falsamente ha pretendido ser una representación objetiva y neutral de la realidad que retrata. La herencia conceptual se aprecia en el interés que pone en relacionar texto e imagen: los títulos de las fotografías y los paneles informativos que introduce en sus montajes crean asociaciones políticas, culturales y personales con la imagen que identifican o explican. Sekula intenta alejarse, a pesar del dramatismo de las situaciones que representa, del sentimentalismo manipulador que ha alcanzado el fotoperiodismo.

Sus reportajes tienen un fuerte contenido de denuncia y se centran habitualmente en el esfuerzo personal de aquellos que luchan contra las desigualdades sociales creadas por las tendencias globalizadoras de la economía contemporánea o de los que indirectamente se encuentran inmersos, como parte perjudicada, en estas batallas cotidianas y de resistencia contra las estrategias homogenizadoras del liberalismo capitalista. Este elemento ha hecho que se haya querido incluir su obra dentro de la corriente del realismo social, una tendencia que tiene un largo recorrido histórico. 

. Cindy Sherman. (Glen Ridge, New Jersey, 1954)

Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

En su serie “Bus Riders”, la artista se retrata caracterizada meticulosamente de un grupo de personajes. Las fotografías fueron tomadas en 1976 pero no se imprimieron hasta el año 2000. Sherman usa elaborados disfraces, transformando su identidad en cada imágen. Sin embargo el escenario está vacio, sólo se acompaña por una silla de madera como si fuese un asiento del autobús.

. Malick Sidibé. (Soloba, Mali, 1936)

Fotógrafo conocido por sus fotografías en estudio en blanco y negro de la sociedad de Bamako en la década de los años 60 y 70. Su obra se centra en la cultura de la juventud de la capital de Mali, en actos públicos o en diversos actos en su tiempo libre.

. Ed van der Elsken. (Amsterdam, 1925 – 1990)

Forma parte de aquella generación de fotoperiodistas denominados “fotógrafos subjetivos”, que como Robert Frank o William Klein, no se limitan a registrar las apariencias. Su pasión por el mundo de la fotografía la descubrió en 1947, a los 22 años de edad, cuando vio el libro “Naked City” (Ciudad Desnuda) del reportero callejero estadounidense Weegee. Arthur Fellig, más conocido como Weegee, era un inmigrante ucraniano que se convirtió en uno de los fotógrafos norteamericanos más famosos. Realizaba sus trabajos cada noche por las calles de Nueva York con el objetivo de proporcionar a los periódicos instantáneas de víctimas de reyertas callejeras cubiertas de sangre, accidentes de tráfico y altercados domésticos. Intercalaba estas fotografías con imágenes reveladoras de la vida cotidiana de los ciudadanos ricos y pobres de la ciudad de Nueva York. La influencia en su obra es fundamental.

 Tras finalizar sus estudios se trasladó a París donde compaginó trabajos como fotógrafo independiente con su trabajo durante una temporada como reportero gráfico de un periódico holandés, donde su labor de positivista de copias hizo que conociera los trabajos de fotógrafos importantes, hecho que supuso para él su única verdadera formación. Es aquí en Paris donde empezó a fraguarse el estilo de este artista, caracterizado por una visión poética y honesta de la vida. Su obra se considera un valioso documento histórico de todo un modo de vida y una actitud de la generación a la cual pertenecía. En 1955 comenzó a elaborar sus series de fotografías. En un principio recurría a imágenes en blanco y negro aunque más adelante en series más avanzadas ya experimentaría con las imágenes a color.

Su primera serie la realizó entre 1955 y 1961, denominada Jazz, y en la que no utilizaría flash con el objetivo de captar sin artificios la atmósfera y la emoción del momento, conservando así las condiciones luminosas naturales. Esta serie se puede considerar como una serie experimental, ya que no responde a las influencias directas de Weegee, aunque si que buscaba una imagen sin ningún tipo de artificio. Tras esta serie inicial comenzó a hacer lo que se convertirían en sus series fotográficas más reconocidas y más publicadas. Dentro de estas series se pueden distinguir dos grandes grupos. El primero correspondería a las imágenes captadas en París y Ámsterdam durante su primera época y el segundo grupo correspondería a las imágenes captadas en sus numerosos viajes con su mujer como comisionado de diferentes revistas y televisiones que le llevará a visitar América, Asia o África.

. Kohei Yoshiyuki. (Japón, 1946)

Kohei atrajo la atención pública en 1979 tras su exposición “Koen” (“El Parque”) en la galería Komai de Tokio. En esta exposición se mostraba una serie de fotografías en blanco y negro de personas manteniendo actividades sexuales en los parques de Tokyo de Shinjuku y Yoyogi. Además, otras personas aparecen como espectadores, lo que hace que la serie se cuestione sobre los límites entre espectadores, participantes y voyeurs.  Las fotografías fueron tomadas con una cámara de 35 milímetros y con flash de infrarrojo.

Recentemente descobri oq já foi descoberto faz tempo: a fotografia africana; mais precisamente a fotografia do Mali, de uma cidade que chama Bakamo.

Existem dois fotógrafos de lá que são praticamente da mesma época. Um é Seydou Keita (1921-2001), ele ganhou sua primeira câmera de seu tio e começou a fotografar. Ele teve contato com um dono de estúdio de fotografia que o emprestou a câmara escura e o ensinou a fazer tratamentos de imagens. Uma curiosidade é que em 1950 ele ainda não tinha tido nenhum contato com nenhum fotógrafo e  nenhuma fotografia a não ser a dele. Foi o primeiro a usar cenários e adereços nas suas fotografias.  É considerado um dos melhores retratistas p&b. Resolveu parar de fotografar quando a máquina assumiu o papel do fotógrafo.

Seydou Keita

O outro é Malick Sidibé (1936-  ), ele ainda esta vivo! E esta colhendo os frutos dos seus excelentes retratos agora. Acabou de ganhar o prêmio PhotoEspaña em 2008. Não achei muita coisa dele na internet, mas o que importa são as FOTOSSS!

Malick Sidibe

Bom dá pra perceber que eles tem muita coisa em comum, acho que pela época que as fotos foram feitas, afinal o Mali é de colonização francesa a partir dos anos 40 eles foram adquirindo as identidade dos seus colonizadores, ou seja, foram afrancesando de uma maneira africana. Eu realmente não sei se os fotógrafos se conheceram, pelo menos não encontrei relatos na internet. As fotos são realmente boas, vale a pena pesquisar mais.

                                                                                                                                                   ……………………………………..   ………………………Soundtrack: King Tubby

La gran estrella de la última edición de PhotoEspaña es Annie Leibovitz. Una fotógrafa en la ruina tras haber sido estafada por Maddoff. No es de extrañar que ahora esté ávida por realizar ‘tournées’ en todo el mundo para recaudar pasta. En cualquier caso, Leibovitz representa mejor que nadie la tónica en la última edición del certamen fotográfico: imágenes estilizadas hasta el delirio, retratos irreales, construcciones artificiosas… Por ello, es de agradecer que este año haya recibido el Premio Photoespaña 2009 Malick Sidibé (85 años) quien, desde su trabajo artesano en su humilde estudio de Bamako (capital de Mali), ha salvaguardado la esencia del retrato fotográfico.

Soirée Las vegas dez Kamissoko

El tema de la muestra de este año gira en torno a la ‘cotidianeidad’, ese extrano ritual de las cosas que se convierten en habituales. “Contienen más verdades las 24 horas de la vida de un hombre que todas las filosofías”, decía en el 68 el situacionista Raoul Vaneigem. Y es exáctamente sobre esta trascencencia cotidiana y la verdad que mana de ella por donde se mueve el fotógrafo malí. Consigue que sus imágenes se conviertan en el retrato de un país que aborda su presente -los años 60 y 70- y su futuro con el optimismo de su recien obtenida independencia de Francia.

Surprise party Bamako Loura, años 60

La exposición ‘Bamako Style’, que se puede ver estos días en la Galería Oliva Arauna de Madrid, se divide claramente en dos grandes temáticas: las imágenes de la ‘permanente’ fiesta que supusieron los años 60 -la vida nocturna, los bailes, la juventud vestida al modo occidental pero sin perder su orgullo africano…- y el trabajo del fotógrafo, ya en los 70, en el estudio del barrio de Bagadati, en la capital malí. Las composiciones en todas sus instantáneas se caracterizan por ser sencillas, desornamentadas, elegantes. Los rostros posan de forma natural. No hay artificios.

Bal jeunesse RDA, años 60

En los 70, mientras los teóricos posmodernos elucubraban sobre el sentido último de lo que debe ser el dispositivo fotográfico, Sidibé  se encierra en su estudio de Bamako y no para de realizar retratos. No hay complejidades que valga, su máxima es que “aquel que se va a retratar quiere estar guapo. Es labor del fotógrafo hacer que esto suceda”.  Sin más… y sin menos. Modernidad sin pretensiones. La misma que hizo que Nadar o Disderi revolucionaran el retrato hace siglo y medio. La única referencia que Sidibé tiene para clasificar sus innumerables fotos son los sencillos decorados que va modificando levemente una vez al año.

A deux pour la meme femme, años 70

Mención especial merece Oliva, la galerista. Cincuenta y tantos, alta, delgada, cara lavada, negro riguroso, con la serenidad de quien cree sin ambages en lo que hace… una conversación con ella significa redescubrir ysaborear de nuevo el arte, esa cosa tan rara y caprichosa que prefiere escabuirse entre tanto mercado, fuegos de artificio y estafadores.

• Galería Oliva Arauna
• Para saber más sobre Malick Sidibé

Madrid, Luis Alberto Álvarez (CC)

O fotógrafo Malick Sidibé venceu o Prêmio PhotoEspaña 2009 pelas suas “excepcionais qualidades de retratista”, como afirmou o júri. Aos 72 anos, um dos mais conceituados fotógrafos africanos recebe uma compensação financeira de 12 mil euros do maior festival de fotografia espanhol e um dos maiores a nível internacional.

Confere aí algumas imagens do fotógrafo malinês:

Fotógrafo de Mali que ayer fue galardonado con el Premio PHotoEspaña 2009. Reconocimiento a la labor que durante décadas ha realizado como retratista en su pais, demostrando que África es mucho más que pobreza, testimonios de la vida cotidiana que cuentan historias y dejan ver una gran complicidad entre fotógrafo y retratados.

África, la música, la noche…

El amor, los pensamientos, ensoñaciones…

Una mirada, una nueva mirada…

Una tierra…

A veces no hay que decir nada más.

(En recuerdo de Malick Sidibé, al que han galardonado con el Premio PHoto España 2009)

(Imágenes: 1. y 2:- fotografías de Sidibé/ 3.-Malick Sidibé en una imagen/.-4.-África.-por Christa Dichgans.-2002.-artnet)

Anos 70. Fotografia e vida cotidiana
Textos de Roland Barthes, Susan Sontag e outros

Foto: Anders Petersen

A exposição homônima, integrante da programação do PhotoEspaña 2009, acaba de virar livro e traz séries de imagens de 24 artistas.

“A década de 70 é um espelho da cultura contemporânea, quando observar a banalidade é base das narrativas”, afirma o português Sérgio Mah, que assina a curadoria da mostra junto com o britânico Paul Wombell. “Em tempos de YouTube e Facebook, descrever o ordinário, o cotidiano, é uma qualidade.”

Entre os artistas, há nomes consagrados como o de Sophie Calle, com registros fotográficos de amigos e desconhecidos dormindo em sua cama; o malinês Malick Sidibé, Leão de Ouro pelo conjunto da obra na Bienal de Veneza passada, que exibe fotos feitas em festejos em seu país; e os norte-americanos Cindy Sherman, com sua iconografia feminina, e William Eggleston, com seus registros feitos no interior dos Estados Unidos. O japonês Kohei Yoshiyuki, que mostra “Parque”, série feita com filme infravermelho em Tóquio, tendo como centro frequentadores e voyeurs em busca de sexo casual. A suíço-brasileira Claudia Andujar encerra “Anos 70…” com fotos realizadas na rua Direita, no centro de São Paulo.

Nos anos 70 houve uma mudança definitiva na relação entre arte e fotografia, motivo pelo qual é considerado um momento crucial para a compreensão da arte contemporânea dos últimos 35 anos. As abordagens da estética de vanguarda, preocupadas com questões formais, dá lugar a uma atitude artística menos dogmática e mais aberta.

Durante esta década há uma maior preocupação em reivindicar o quotidiano, a poética do pessoal, a paisagem do íntimo e abordagens documentais não convencionais. Neste contexto histórico e artístico, a fotografia torna-se uma ferramenta.

Esse novo olhar proporcionou às imagens fotográficas o protagonismo que até então não haviam alcançado no âmbito das grandes disciplinas artísticas. Ao centrar-se na vida quotidiana, a fotografia revelou-se o meio que melhor se adaptava ao novo espírito.

Veja a série “Parque” de Kohei Yoshiyuki

Para comprar o livro, acesse aqui.

+ William Eggleston aqui no blog

+ Sophie Calle aqui no blog

MALICK SIDIBÉ
BAMAKO STYLE

Galería Oliva Arauna
Del 27 de Mayo – 18 de Julio del 2009

Los turistas que viajan a Malí apenas paran en su capital, Bamako. Enseguida salen corriendo hacia el norte del país. Pero algunos conocen un pequeño secreto. En el barrio de Bagadadji hay un estudio de fotografía, el Studio Malick, donde por apenas unos pocos euros pueden ser retratados por el ganador del León de Oro en la Bienal de Venecia de 2007: Malick Sidibé que, junto con su compatriota Seidou Keïta (fallecido en 2001), son los fotógrafos africanos que mayor reconocimiento mundial han alcanzado. Pero si el segundo se convirtió en el cronista de las élites, Sidibé decidió retratar la alegría de vivir que se desencadenó en la juventud maliense en los cincuenta y los sesenta. “Y no fue gracias a la independencia, como muchos piensan. Fue la música occidental lo que liberó a la juventud. Uno puede bailar al son del tam tam, pero la música occidental es lo que permitía que los chicos y las chicas se arrimaran”.

Es la época de los guateques, de las fiestas nocturnas en la capital de Malí. Cada noche, Sidibé recorría en su bicicleta los saraos en los que en los tocadiscos se pinchaba música de James Brown, de Ray Charles, o los ritmos que llegaban de Francia. Allí retrataba jóvenes en plena fiesta, vestidos a la occidental, a veces chicas en minifalda. A partir de los setenta,  Sidibé empezó a realizar trabajo en estudio.

Sidibé recorre del brazo de su hijo Siné -uno de los quince que ha tenido- el montaje de sus fotografías. A pesar de la lentitud de su paso de anciano -”nací en 1936 o en 1937, no hay datos precisos- deslumbra su memoria prodigiosa: se acuerda de todos y cada uno de los protagonistas de sus fotografías. “Hacía 30 ó 40 años que no veía algunas de estas fotos”, dice como si fuera la cosa más normal del mundo recordar con esa precisión. Y cuenta cómo llegó a la fotografía, un destino poco realista para un niño nacido en Soloba, al sur de Malí. “Desde mi nacimiento veía a mi madre decorar las habitaciones del poblado y yo también empecé a dibujar. Mi padre decidió entonces enviarme a la Escuela de Artesanos Sudaneses, donde estudie dibujo. Así que mi primera formación fue como dibujante”.

Su encuentro con la fotografía fue casual. El francés Gérard Guillat-Guignard, conocido como Gégé la pellicule (Gégé carrete) necesitaba un decorador para su estudio de Bamako y la escuela de Sidibé le envió a él por ser “el mejor dibujante”. Era 1955 y a partir de ahí, todo fue rodado. Aprendió fotografía con Gégé, en 1956 compró su primera cámara y en 1962 abrió su propio estudio en Bamako. Son los años de las fiestas, de sus escapadas nocturnas. Después de la independencia de Malí en 1960 había ganas de celebrarlo. A partir de mediados de los setenta, sin embargo, el fotógrafo se dedicó en exclusiva a los trabajos en su estudio.

Con humildad sincera asegura que no se considera un artista: “Yo sólo he aprendido a manejar una máquina fotográfica. La gente me dice que soy artista. Bueno, quizás cuando fotografío a la gente, las coloco en posiciones, hay una intervención mía. Quizás eso sea actuar como un artista”. Acumula cajas y cajas de negativos en viejas cajas de cartón de Kodak en su estudio de Bamako y sentencia: “La fotografía digital no es verdadera fotografía porque puedes corregir, cambiar. Eso no es fotografía”.

Desde 1960, Malick Sidibé (Mali, 1936) realizó fotografías en su estudio de Mamako, Studio Malick. Estas imágenes documentan la cultura popular de su ciudad con una mirada pura. La gran cantidad de fotos que obtuvo durante los años 70 dieron lugar a una vasta catalogación de tipologías urbanas conseguidas mediante una labor de documentación sincera y exenta de complejos de superioridad. El resultado: una fotografía alejada de los prejuicios de la mirada occidental hacia otras culturas.

A Photoespaña 2009 começa amanhã, 03 de junho, com várias exposições apostando nos “múltiplos sentidos da história e da cultura fotográfica “.  No total estarão 248 artistas de 40 nacionalidades, em 72 exposições individuais e coletivas.

Na edição deste ano, que vai até o dia 26 de Julho, destacam-se, entre outras, exposições de Gerhard Richter, Larry Sultan, Iñigo Manglano-Ovalle e Malick Sidibé. Estarão também presentes obras de fotógrafos consagrados como Dorothea Lange, Ugo Mulas, Jindrich Styrsky e Annie Leibovitz.

Foto: Mauro Restiffe

No PHE 2009, haverá uma mostra do brasileiro Mauro Restiffe, conhecido pelas suas imagens centradas no tema da arquitetura e do urbanismo.

Restiffe aqui no blog.

No programa, voltam a estar presentes os Encontros PHE – espaços de debate sobre a fotografia e a literatura – dirigidos pelo fotógrafo Ferdinando Scianna e pelo escritor Antonio Anson. A edição de 2009 da PHE levará também “a fotografia à rua”, com os programas “Noite da Fotografia”, a Feira do Livro de Fotografia e a Photomarathon Canon.

Bloomsbury Auctions London will be selling nineteenth and twentieth century fine art photographs on Thursday, May 21st at 2pm.

Eleven out of 269 lots feature works of the African diaspora. Among the lots are photographs of jazz greats Louis Armstrong and Duke Ellington; dancer, Berto Pasuka of Ballet Negre (by Angus McBean); and photographs by Malick Sidibe, Colin Jones, and Charlie Phillips. There are also several images, produced by George Rodger, of the Korongo and Kordofan tribe in Sudan [Lots # 144-146].

Angus McBean (1904-1990) Berto Pasuka, dancer, 1947. Three vintage silver bromide prints.

pic_New York Times Magazine

The ever fashion forward cool kids of Mali were recently shot by legendary photographer Malick Sidibe for the New York Times Magazine. Check out how they mix and match high-priced designer duds and add a whole lot of African flair. We love it.

Also, check out a slideshow of the shoot here, and read the backstory behind the shoot here

Malick Sidibé for The New York Times.

Malick Sidibé est né en 36 … il est utilisateur des appareils argentiques. Ses clichés en Noir et Blanc montrent une jeunesse malienne des années 70. Malick Sidibé est connu pour être une personne joyeuse, curieuse, enthousiaste … et tout cet état d’esprit est empreinte dans chacune de ses photographies. Il est l’un des premiers Africains à avoir été consacré au rang des plus grands photographes internationaux.

NajaAtelier raffole de ses clichés, frais et surtout sources d’inspiration pour ses modèles. Le cliché “Les trois Amis ” (Bamako, 1976) a servi de base pour une collection de chemises et de polos (à découvir dans quelques semaines)

Malick Sidibé is the most important photographer in Africa. Malian, born in 1936, he met success with his photos about young people in 70’s. NajaAtelier found inspiration for the next collection of shirts (specially the photo whose named “The three friends” (1976, Bamako)).

You could see this next collection soonly.

Le Mali dans les années 60-70:  un pays qui connaît de profonds changements. Les musiques s’électrifient, la jeunesse s’éprend des sons occidentaux et s’exprime par ses goûts vestimentaires. Le photographe malien Malick Sidibé capture ces moments:

Plus d’images ici; fond sonore: African Pearls: Mali 70 – Electric Mali (ML5888)

Courtesy of: the artist and Jack Shainman Gallery

Nuit de Noel, by Malick Sidibe, 1962