• 60 obras maestras de la Colección BBVA se pueden ver en México, y posteriormente en Colombia y Chile, con motivo de las conmemoraciones del Bicentenario de la Independencia de dichos países
• En la exposición, comisariada por Tomás Llorens, se incluyen piezas de artistas tan notables como Siqueiros, Goya, Libero Badií, Fernando Szyszlo, Matta, Gómez Campuzano y Martín Tovar

La exposición Confluencias. Dos siglos de modernidad en la Colección BBVA se presenta mañana 12 de noviembre en el Museo Nacional San Carlos de México, y posteriormente viajará a Colombia y Chile. La muestra incluye alrededor de 60 obras, entre pinturas, esculturas y obras sobre papel, procedentes del patrimonio artístico del Grupo BBVA en varios países latinoamericanos (Argentina, Colombia, Chile, España, México, Perú y Venezuela), realizadas en los últimos doscientos años por artistas tan notables como Siqueiros, Leonora Carrington, Goya, Libero Badií, Fernando Szyszlo, Matta, Gómez Campuzano y Martín Tovar, que permitirán al público mexicano, colombiano y chileno observar los diferentes modos de interpretar el devenir histórico y las referencias iconográficas comunes o diferentes en Europa y América. Con esta actividad cultural BBVA se une a  las conmemoraciones del Bicentenario de la Independencia en varios países de América Latina.

La Colección BBVA en los países donde el banco tiene presencia ha sido el resultado de la integración de los fondos artísticos de las numerosas entidades que actualmente conforman el Grupo BBVA. En la selección de las obras contenidas en esta exposición se han reunido una gran variedad de estilos y de escuelas pictóricas, fundamentalmente de Argentina, Chile, Colombia, España, México, Perú y Venezuela, así como otras procedentes de otras escuelas europeas y americanas.

El comisario de la exposición, el profesor y exdirector del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, Tomás LLorens, ha planteado un recorrido artístico por los siglos XIX y XX, dentro de los fondos de la Colección BBVA para ilustrar los modos de abordar e interpretar plásticamente los sucesos históricos en el continente americano y en España, a través de los estilos más importantes desarrollados en sociedades tan diferentes y apartadas entre sí, con el objetivo de captar la modernidad. La muestra se articula en cuatro apartados temáticos: La imaginación romántica; El entresiglo XIX/XX. Entre Naturalismo y Simbolismo; La primera mitad del siglo XX. Vanguardia y tradición moderna; y La segunda mitad del siglo XX. La condición de la imagen.

La imaginación romántica

El recorrido de la exposición comienza con uno de los movimientos plásticos y literarios más largos del siglo XIX: el romanticismo, que renovó gran parte de las corrientes pictóricas y muy claramente el paisaje. Con el romanticismo se apuesta por una nueva imaginación y eso fue muy visible en la pintura española y latinoamericana, tanto por el interés hacia el individuo, relacionado con un género como el retrato; por la captación de las costumbres sociales; y por el amor a la naturaleza que se vislumbra en los paisajes.

El retrato de Pantaleón Pérez de Nenin, un óleo pintado por Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), constituye un ejemplo de retrato que plasma la función pública y el rango social de la persona captada por la paleta del pintor. Obra de gran complejidad, muestra a un comerciante de Bilbao ataviado con el uniforme de capitán del regimiento de húsares, con un verismo y habilidad que recuerdan el estilo velazqueño. A continuación se puede observar un retrato de Simón Bolívar realizado por el venezolano Martín Tovar y Tovar (1827-1902), también de similar estilo, que fija una imagen del Libertador más o menos estereotipada, basada en grabados del pasado.

De Raimundo de Madrazo (1841-1920) se ha seleccionado Retrato de una dama, ejemplo de elegancia expresiva a la hora de fijar un arquetipo femenino, y una tablilla de Nicanor González (1864-1934), que capta el perfil de una mujer desconocida como si fuera un apunte de un rostro que llamó la atención del artista.

Entre las escenas de la vida cotidiana se han escogido diez estampas de la serie Los Caprichos de Goya, que son una buena representación de uno de los grandes ciclos calcográficos del genio aragonés, con la intención de describir y satirizar usos y costumbres de la sociedad estamental española, ofreciendo una mirada nueva, que combina lo grotesco y lo fantástico. Otro ejemplo costumbrista son las cuatro acuarelas de Pancho Fierro (1807-1879), que representa situaciones y tipos populares de la Lima virreinal.

Por último, dentro de este apartado, cabría destacar la pintura de paisaje con óleos singulares de Pablo Gonzalvo (1828-1896), con esa vista de la desembocadura de la ría en el Abra de Bilbao; la marina, plena de espectacularidad, de Ramón Martí i Alsina (1826-1894); tres buenos ejemplos de la escuela chilena, con una obra de Giovanni Mochi (1831-1892), en La Carreta, que refleja una vida tranquila en el campo;  en contraste con Paisaje de Cordillera de Antonio Smith (1832-1877), iluminada con la luz del último sol; y el Paisaje estero de Onofre Jarpa (1849-1940), que fija una imagen más plácida de la naturaleza aunque impregnada por la expresividad de la luz.  Del colombiano Ricardo Gómez Campuzano (1891-1981) su Puente de piedra, testimonio del paisajismo neorromántico.

El entresiglo XIX/XX. Entre naturalismo y simbolismo

En la segunda parte se aborda el naturalismo y el localismo como rasgos característicos de la época moderna, ya que como sostiene Tomás Llorens en su texto del catálogo: “…las relaciones entre naturalismo y simbolismo, dos polos teóricamente contrapuestos de la sensibilidad modernista, fueron complejas y llenas de ambigüedad”. En este sentido cabría mencionar Estudio de una calavera (1883), un óleo de juventud de Joaquín Sorolla (1862-1923), que aúna simbolismo con un marcado lenguaje naturalista; una obra temprana de Darío Regoyos (1857-1913), Seguidillas gitanas, cercana al simbolismo belga de finales del XIX. Del autor vasco también se expone Puerto de Bilbao, con ecos del impresionismo francés.

Francesc Gimeno (1857-1917) constituye el polo opuesto a Regoyos, ya que se centró en el más puro localismo, como se deduce al contemplar su paisaje Playa. Bagur, que tiene cierta continuidad en la obra de Enrique Martínez Cubells (1875-1947), cuyo Fin de jornada (1909) revela la combinación del estilo tardío de Sorolla con el de Zorn.

La obra de Santiago Rusiñol (1861-1931) se caracterizó por transitar por varios estilos a lo largo de su prolífica carrera, desde su residencia en París hasta su aproximación al simbolismo. En las últimas décadas de su vida realizó una peculiar pintura de jardines neoclásicos, impregnados de melancolía, como Avets i boixos. Jardines de Martí Codolar, pintado en 1927. En una temática similar podemos citar Paisaje impresionista, del argentino Cesáreo Bernardo de Quirós (1879-1968), un jardín otoñal con estatuas de acentuado simbolismo.

Francisco Iturrino (1864-1924), en Mujer con abanico, fija la temática andaluza que se puso de moda en París a comienzos del siglo XX, mientras que Aureliano Arteta (1879-1940) aborda en su obra de juventud La pereza y el trabajo, una alegoría de la temática laboral, sintetizando la pintura mural italiana con el simbolismo de Puvis de Chavannes.

Cuatro autores cierran este epígrafe: el chileno Arturo Gordon (1883-1944) y el español Anselmo Miguel Nieto (1881-1964), que captaron con resonancias alegóricas dos figuras femeninas; el peruano José Sabogal

José Sabogal

(1888-1956), que en Rimac, arrabal ofrece una imagen de casas de arrabal perdidas en un paraje de montaña áspero, teñido de melancolía; y la mezcla de indigenismo y estilización moderna de Alejandro González Trujillo (1900-1983) en Yurak Orcco, una vista andina de la región de Titicaca.

La primera mitad del siglo XX. Vanguardia y tradición moderna

Durante las primeras décadas del siglo pasado tuvieron lugar algunas de las manifestaciones artísticas más variadas, al plantear un debate entre vanguardia y tradición, tanto en Europa como en América, aunque tuvo singularidad propia en Latinoamérica y España. La atención de los artistas se centró  especialmente en los procesos artesanales  y en sus posibilidades de expresión.

María Blanchard (1881-1932) vivió en París en los años previos a la I Guerra Mundial. Aunque se integró plenamente en el cubismo después de terminar la contienda, ya se observa  en Composition avec tache rouge huellas del cubismo sintético, cercano al de Juan Gris y Gleizes. Una trayectoria diferente fue la del granadino Manuel Ángeles Ortiz (1895-1984), cuyo óleo Cabezas múltiples, pintada en 1976, tiene una inspiración musical muy personal, como casi toda su obra.

México durante la primera mitad del siglo ofrece algunos ejemplos de la relación entre vanguardia artística y revolución política, y en la selección de esta exposición hay varios ejemplos que lo corroboran. La figura del Dr. Alt -Gerardo Murillo- (1875-1964), autor de Volcán Paricutín, abrió muchos caminos por donde luego transitarían las vanguardias mexicanas. De David Alfaro Siqueiros (1896-1974) se exhibe Paisaje I, una obra tardía pero en la que late la búsqueda sincrética siempre al servicio del espíritu colectivo. De Leonora Carrington (1917), compañera de Max Ernst y que realizó casi toda su carrera en su país de elección, se exhibe The Spheres Themselves, una composición basada en cosmologías ancestrales.

Otros artistas latinoamericanos se incorporaron a la segunda generación surrealista, como el chileno Roberto Matta (1911-2002), cuyo óleo La imposible posibilidad denuncia el golpe de estado de Pinochet. Al igual que Matta, destaca el ecuatoriano Guayasamín (1919-1999), que estuvo influido por el muralismo mexicano y el indigenismo, como se deduce en su  Maternidad, ejemplo del sincretismo.
 
Este capítulo se cierra con Puerto, un óleo de 1957 de Pancho Cossío (1894-1970), y con una escultura del pintor y escultor Antonio López (1936), que aunque pertenece por cronología al cuarto apartado de la muestra, en su obra titulada Mujer dormida, el creador manchego hace gala de una formulación de un nuevo realismo basado en la mimesis.

La segunda mitad del siglo XX. La condición de la imagen

Según el comisario de la muestra, Tomás Llorens, lo que ha caracterizado a la sociedad de la segunda mitad del siglo pasado ha sido el crecimiento de las redes de comunicación y dentro de ese crecimiento la gran proliferación industrial de imágenes. En este apartado la selección tiene dos ejes principales: la abstracción, durante las décadas centrales del siglo XX, y a partir de los años 60 y 70 el Pop Art, que asume la proliferación icónica como punto de partida.

Del expresionismo abstracto, movimiento artístico norteamericano, conviene mencionar al español José Guerrero (1914-1991), instalado en Nueva York a partir de 1950 e integrado en el grupo expresionista neoyorquino. En su obra Comienzo, pintada en 1983, la primacía del color atenúa la iconicidad del cuadro.

Previamente a la llegada de Guerrero a España, la tendencia dominante era el informalismo español, rama de un movimiento europeo que dominó el panorama artístico durante la década de los 50 y 60. Dentro de ese grupo, hay de resaltar a Antoni Tàpies (1925), cuya obra Forma gris blavós (1955) sugiere la cabeza de un ángel de Paul Klee, dentro de esa textura matérica que caracteriza su obra; la fuerza y variedad del grupo El Paso, fundado en 1957, del que destacan Manuel Millares (1926-1972), del que se exhibe una arpillera titulada Cuadro 2, en las que insinúa imágenes antropomórficas, que gracias al negro y el blanco acentúa la atmósfera expresiva, colores que también emplearía Antonio Saura (1930-1998), un autor que alterna la tensión de lo figurativo con la influencia de Goya, Velázquez y Picasso, lo que queda muy patente en su Dora Maar 15.5.83.

Otros miembros de este grupo El Paso, que también están presentes en la exposición, son Luis Feito (1929), cuyo lienzo Pintura (167) se caracteriza por el uso de referencias abstractas de carácter matérico, al evocar desiertos y espacios silenciosos; el granadino Manuel Rivera (1927-1995), que pronto abandonó las técnicas habituales de la pintura al óleo, para concentrar sus energías en sus composiciones con tela metálica, explorando las posibilidades ópticas que le ofrecía el nuevo material, como se comprueba en Espejo naciendo III. Coetáneo de los informalistas españoles, el peruano  Fernando de Szyszlo (1925), evolucionó hacia una abstracción libre, cercana al informalismo, como denota Composición abstracta o Paisaje ritual  (1964-1965).

El arte centrado en la percepción visual está representado por tres artistas coetáneos: el venezolano Carlos Cruz Díez (1923) y los valencianos Eusebio Sempere (1923-1985) y Andreu Alfaro (1929). Del primero se exhibe la obra Fisicromía nº 1022, una de las piezas que más se adhiere a las características del movimiento cinético, y que produce sensaciones de color independientes incluso de la materialidad de la propia obra, mientras que de Eusebio Sempere,  uno de los primeros artistas que introdujo luz eléctrica en sus obras, se presenta una escultura de acero cromado, que revela su carácter experimental y deja que la imaginación del espectador gire en torno a la obra. De Andreu Alfaro, un artista autodidacta y con gran afán investigador, con influencias de escultores y pintores clásicos pero también del jazz, puede contemplarse Composición en espiral (1975), una escultura plena de significados sentimentales pero no exenta de tensión.

Dentro de la historia del arte del siglo XX hay artistas difíciles de clasificar, y ese es el caso del argentino, nacido en Italia, Libero Badií (1916-2001), del que se ha elegido una obra tardía como Ariadna (h. 1969-1975), en la que experimenta con diferentes materiales: maderas recortadas y pintadas, que recuerdan a ciertos juguetes tradicionales, con ecos del futurismo italiano.

Aunque el Pop Art se considera un movimiento norteamericano, lo cierto es que nació en Inglaterra, y se desarrolló con profusión en las dos orillas del Atlántico. Esta corriente tuvo en España algunos ejemplos muy representativos, aunque con una respuesta diferente, debido a las condiciones socio políticas del país. En este sentido, se debe mencionar la originalidad del Equipo Crónica, constituido en Valencia por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo en 1964, que observaron con atención la iconografía de los medios de comunicación de masas en un marco político determinado, así como una reflexión crítica sobre la actividad artística, algo que queda muy patente en su pieza Cayetana (1975-1976), donde reivindicaron a protagonistas de la historia de la pintura, la duquesa de Alba pintada por Goya. El caso de Eduardo Arroyo (1937) resulta muy ilustrativo, ya que vivió gran parte de su vida en París y fue uno de los principales impulsores del movimiento Figuration Narrative, contemporáneo del Pop Art, aunque más crítico frente a los acontecimientos políticos o culturales concretos. Al regresar a España en 1976 realizó obras irónicas y alusivas como La Nuit espagnole (1986), donde apunta el fracaso de la construcción de una identidad nacional española en la era contemporánea.

Por último, la trayectoria de Luis Gordillo (1934), que aborda la pintura como lenguaje y se mantiene indiferente a las condiciones socio políticas. Del sevillano cuelga un tríptico: Mouse-paisaje-globo (1986), en un momento álgido de influencia en las nuevas generaciones de pintores españoles. En Gordillo se vislumbra un estilo pictórico ecléctico, pero sólidamente definido y eficaz.

Planktz. La cultura y mucho más…

Tomada delante del Caixa Forum de Madrid, el 27 de octubre de 2009.

Vota esta anotación en Bitácoras.

Quienes pasen por el Paseo del Prado, en Madrid, podrán ver en plena calle una diferente interpretación del lienzo ‘Las Meninas’, de Velázquez. Los célebres personajes de esta obra ‘cruzan’ la calle para participar en la exposición ‘Arte en la Calle. Manolo Valdés en Madrid.

Esculturas monumentales’, ubicada en la acera de CaixaForum, enfrente de la pinacoteca.En total, diecisiete esculturas gigantes de hierro y bronce de Manolo Valdés han salido a la calle de Madrid, a iniciativa de CaixaForum, en una galería de arte abierta a todos los ciudadanos. La exposición, comisariada por Caterina Toscano, se podrá visitar hasta el 22 de noviembre de 2009.

Valdés (Valencia, 1942), considerado uno de los principales artistas españoles del panorama internacional actual, ha buceado en la historia del arte para recrear algunos de sus temas libremente y en tres dimensiones.

“Agradezco la posibilidad y la amabilidad de concederme el deseo de hacer que la exposición pasara por España y terminase en Madrid, porque las esculturas tienen el origen en imágenes que están en el Prado o en el Museo Arqueológico”, detalló el artista, que vive en Nueva York desde hace más de una década.

En la muestra, también destacan una reinterpretación de Ariadna; otra del Neptuno creado en el siglo XVII para el salón del Prado o el grupo de enormes cabezas de colosos, que remiten a las esculturas tutelares que se erigían en la entrada de las ciudades como “un elemento de identidad y proyección”. Pero a la diferencia de la más famosa de ellas (el mítico Coloso de Rodas), las figuras de Valdés presentan un rostro reducido a algunos rasgos esenciales, protegiendo a lugares donde transcurre actualmente la vida, como edificios, viviendas o rascacielos.

“El arte no puede permanecer cerrado, como un patrimonio exquisito y exclusivo”, afirmó el alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, en la inauguración de la exposición.

No es la primera vez que CaixaForum, que abrió sus puertas hace poco más de medio año en el Paseo del Prado, organiza una muestra al aire libre. Obras de Igor Mitoraj o de Rodin precedieron a las de Manolo Valdés, que, antes de recalar en Madrid, estuvieron expuestas en Málaga, San Sebastián, Santander, Gerona o Cáceres.

Foto y artículo, extraidos del diario El Mundo.

“Este valenciano es, a mi juicio, el artista vivo más importante de España. Sus tallas de madera las descubrí acá en Monterrey, Méjico, allá por los 80´s, durante su individual en el desaparecido MUMO ( Museo de Monterrey ). Tengo el catálogo impreso que atesoro como si fuera libro de autor…” (Leer completo en Hoyesarte)

.

Arte en la calle

Así se ha llamado la exposición del artista Manolo Valdés que ha acogido El Espolón (Logroño) desde octubre hasta el 6 de noviembre. La exposición ha constado de 17 grandes esculturas del artista valenciano, quien ha reinterpretado desde una óptica contemporánea algunos de los más importantes iconos de la historia del arte como Las Meninas de Velázquez o la Dama de Elche.

©Kritita

Sobre Manolo Valdés
Es un destacado pintor español que nació el 8 de marzo de 1942, en Valencia.

En 1964 Valdés formó, con Joan Toledo y Rafael Solbes, el grupo Equipo Crónica. Durante 17 años el Equipo Crónica introdujo en España un nuevo lenguaje artístico cercano al movimiento pop, y supo combinar el compromiso social y político de sus autores con ironía y humor.

Valdés continuó solo su carrera (después del abandono de J.Toledo y la muerte de R.Solbes) que lo llevó a Nueva York, donde continúa hoy, recreando su universo personal, reinterpretando a los pintores clásicos y experimentando con materiales y técnicas tanto en el mundo de la pintura como de la escultura.

En su obra está tácita tanto la idea de libertad formal como temática, dado que en su colección tiene incluidos el ratón Mickey, una carta de póquer y un desnudo inspirado en Matisse. Así es, así lo manifiesta en su arte, con la grandeza de quienes saben lo que quieren y no les importa el qué dirán.

Sus premios
En su trayectoria como artista recibió gran cantidad de premios, entre los que se encuentran: Premio Lissone, y Premio Biella, ambos en Milán, en el año 1965; Medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabados -en Tokio- y Premio del Museo de Arte de Bridgestone -en Lis’79, Lisboa, Portugal- en el año 1979. Luego, en 1984, obtuvo el Premio Alfons Roig, en Valencia; un año más tarde recibió el Premio Nacional de Bellas Artes, en España. En 1986 fue galardonado con la Medalla de la Bienal del Festival Internacional de Artistas Plásticos, en Bagdag. Por último, en 1993 recibió la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en la clase de Banda de Honor, en Venezuela.

En una entrevista realizada el 30 de octubre de 2005, en “La Voz de Asturias”, dijo “el arte nunca ha sido patrimonio de los museos. La pintura o la escultura nunca se ha hecho para estar en un museo. Afortunadamente, después los museos existen y están llenos de cosas primitivas que no habrían sobrevivido. Pero el arte no se ha concebido para los museos”.

Esculturas- Manolo Valdés

©Kritita

Fotografía obtenida de:

http://www.canonistas.com/foros/social-y-reportajes/107907-manolo-valdes-en-logrono.html

En esa página web se pueden ver todas las esculturas.

Hoy hace 100 años, en la tundra siberiana sucedió el evento de Tunguska. Tal día como hoy, una gran explosión devastó un área de más de 2000 km2. Se cree que un objeto celeste, tal vez un pequeño cometa compuesto de hielo por lo que no se han encontrado restos, explotó en la atmósfera terrestre, ocasionando el desastre. En cualquier caso, siempre me ha recordado lo que decía Abraracourcix, el jefe de la aldea gala de Astérix:

Sólo hemos de temer que se nos caiga el cielo encima; y eso no sucederá mañana.

El caso es que en estos días se celebra en Zaragoza una exposición de esculturas en la calle; instaladas en el Paseo de la Independencia, uno se puede encontrar con imágenes como éstas:

(Canon EOS 10D; EF 70-210/3,5-4,5 USM)

El caso es que si nos retrotraemos un año en el tiempo, encuentro en mi archivo fotografías como la siguiente tomada hace aproximadamente un año en la Esplanade de Helsinki.

(Canon EOS D60; EF 24-105/4L IS USM)

Mmmmm… sí, son las mismas. Obra del escultor Manolo Valdés. Y todo esto me sirve de excusa para contaros que de la misma forma que el año pasado estaba de vacaciones por estas fechas, hoy salgo hacia Polonia, dentro de un ratito. Y que en estos momentos, lo único que temo es que se me caiga el cielo encima… y eso no va a pasar mañana.

Si tengo un acceso razonable a internet, tendréis noticias mías. Si no, hasta la vuelta.

Dies després del que s’havia anunciat, ahir van acabar de desmuntar les escultures gegants de Manolo Valdés a la rambla Catalunya. Alguns, de cop, deuen haver sentit un buit immens. Jo, no. Després de les mostres de HA Schult i d’Igor Mitoraj, ha estat la tercera gran exposició d’art al carrer dels últims mesos a Barcelona. I no és que no resultés interessant, al contrari. Passa que l’emplaçament no ha semblat el més idoni. Entremig de les riuades de gent passejant i el trànsit de cotxes, en un espai limitat, i prou sorollós, les 17 escultures monumentals de Valdés no han perdut magnetisme, però sí perspectiva. ¿Calia situar-les en un passeig tan atapeït?

A l’hora de fer balanç, tant els promotors, la Fundació La Caixa, com els amfitrions, l’Ajuntament de Barcelona, al·legaran segurament que millor, impossible. Un lloc cèntric i de pas obligat pels turistes… De fet, els càlculs inicials, a través d’un sistema informatitzat per controlar els voltants de les obres, apuntaven que la mostra tindria uns 20.000 visitants diaris. Si és així, en un mes la deuen haver vist 600.000 persones. Impressionant, oi?

Doncs, no. Segur que molts haurien preferit tocar igual aquestes escultures, sentir-les, en un entorn més amable. En aquest sentit, s’hauria pogut pensar en Sevilla, on aquesta mostra itinerant va recalar anteriorment. Ho vam comprovar l’hivern passat, en un viatge llampec a la capital andalusa. Allà van situar les escultures en un remodelat passeig de vianants, ampli i tranquil: La Alameda de Hércules, pròxim al riu Guadalquivir i al barri de la Macarena. Un entorn còmode i agradable, famós anys enrere com a zona de prostitució, i també amb terrasses, sí, però a força distància de l’espai central. A més, tot s’ha de dir: els bars d’allà, sobretot al final del passeig, presidit per dues columnes rematades amb lleons i escuts representant Espanya i Sevilla, serveixen autèntiques tapes andaluses, tant si ets turista com si no…

Pensant-ho bé, si a Barcelona sorgís un espai similar, duraria ben poc. Seria ràpidament colonitzat per aquests antres de restauració avui tan de moda, rendits al guirisme consumista amb la intenció única de desplomar els visitants, sense pressa però sense pausa…

The  exhibition is part of the program ‘Art in the street’, of  Obra Social aL Caixa, that will be exposed until the 15 of June, and then it will travel to other Spanish cities.

Some of works of the artist already had been exposed in Park Avenue de New York, in the gardens of the Palais Royal of Paris, and in the castle of Chenonceau (France).

Manolo Valdés (Valencia, 1942) is one of the main contemporary spanish artists.

Resident in New York for more than one decade, alternates the painting, the engraving and the sculpture. In the last years it has realised sculptures of great format for diverse cities.

And special example of this great format sculptures are the Meninas (reinterpretation of Velázquez):

As you know, in the summer time of Barcelona, you only must to take a walk on the Ramblas, and enjoy.

eurodipity

If you were wondering what the heavy machinery plunked down on Civic Center Plaza Sunday morning…I certainly was.

Eight sculptures by artist Manolo Valdés. The work will be on display April 29 – August 31.

There will be a dedication ceremony featuring the artist on Tuesday, 2/29/08, at 5:00pm.

See “loin shots”, to the right.

Mañana, 29 de noviembre, además de asistir a la exposición La guerra en viñetas organizada por el Encuentro del Cómic y la Ilustración, visitaremos una muestra de escultura del pintor y escultor Manolo Valdés que se exhibe en la Alameda de Hércules. Son esculturas monumentales, colocadas a la altura del paseante, que puede tocarlas, fotografiarlas y mirarlas de tú a tú. Tan de tú a tú que algunos vándalos se han dedicado a dejar constancia de su ignorancia y su mala educación pintando sobre ellas.

Seguramente os sorprenderán las enormes cabezas femeninas, de caras sin detalles y llamativos tocados. Más familiares os resultarán la serie de Meninas -colocadas en hilera y tan acogedoras que se han convertido en el centro de atracción de la chiquillería que acude con sus padres a pasear-, y la Dama, que se inspira en la de Elche.

Os dejo una presentación de la exposición y os recomiendo que visitéis el magnífico reportaje que ha realizado un fotógrafo sevillano, González-Alba, centrándose en los reflejos, luces, colores y texturas de las esculturas.

| View Show | Create Your Own

Si queréis saber algo sobre Manolo Valdés , continuad leyendo.

Manolo Valdés es, sin duda, uno de los artistas más destacados del último medio siglo del panorama artístico español. Ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1983 y la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes en 1998, así como innumerables premios y condecoraciones extranjeros. Su obra se encuentra repartida en diversas colecciones privadas, instituciones y museos internacionales.

Nació el 8 de marzo de 1942, en Valencia. Comenzó sus estudios en 1957 cuando entró en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, pero a los dos años los abandonó para dedicarse por completo a la pintura.

En 1964 Valdés formó, con Joan Toledo y Rafael Solbes, el Equipo Crónica (1965-1981). El primero abandonó el grupo un año después, pero Valdés y Solbes continuaron juntos hasta que este último murió en 1981. Durante diecisiete años el Equipo Crónica introdujo en España un nuevo lenguaje artístico, cercano al movimiento pop, y supo combinar el compromiso social y político de sus autores con ironía y humor.

Tras la muerte de su compañero, Valdés continúa solo su carrera y vuelve su mirada hacia los clásicos, inspirándose en el arte de los grandes maestros de la pintura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera, Zurbarán, Matisse o Picasso. Nunca oculta sus modelos, sino que más bien los subraya, incluso en los títulos de sus obras. La textura, la materia, la representación del cuerpo humano y la expresividad son palpables en su pintura. En sus trabajos escultóricos refleja una profunda reflexión sobre la materia y el espacio, lo que le ha llevado a la creación de obras monumentales.

Actualmente vive y trabaja en Nueva York, donde continúa hoy, recreando su universo personal, reinterpretando a los pintores clásicos y experimentando con materiales y técnicas tanto en el mundo de la pintura como de la escultura.

Powered by Qumana