Titolo oroginale: Tetro

Regia: Francis Ford Coppola

Cast: Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Maribel Verdú, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura, Rodrigo De la Serna, Leticia Bredice, Mike Amigorena, Sofía Castiglione, Francesca De Sapio, Adriana Mastrángelo, Silvia Pérez, Erica Rivas

Distribuzione: BIM, USA- Argentina- Spagna-Italia, 2009

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Il giovane Bennie (Alden Ehrenreich) si reca a Buenos Aires a far visita al fratello Angelo (Vincent Gallo) andato via di casa quando lui era bambino. Il ragazzo trova il fratello molto cambiato da come lo ricordava: ora si fa chiamare Tetro, lavora come tecnico delle luci in un piccolo teatro, ha abbandonato tutte le proprie velleità di scrittore, vive con la sua compagna Miranda (Maribel Verdú) e non ha rivelato a nessuno la sua vera identità e il proprio passato. La loro famiglia infatti è molto famosa: Bennie e Angelo sono i figli del grande compositore Carlo Tetrocini ( Klaus Maria Brandauer), uomo egocentrico e abituato ad ottenere sempre ciò che vuole.  Bennie vuole scoprire qualcosa in più sul suo passato e sulla sua famiglia, ma anche Angelo/Tetro, come suo padre prima di lui, appaiono molto evasivi e reticenti a soddisfare la sua curiosità. Tuttavia un giorno il ragazzo, solo in casa, scopre il manoscritto a cui il fratello ha lavorato per anni senza riuscire a terminarlo e la sua lettura gli rivelerà molti aspetti sconosciuti e a tratti inquietanti della sua famiglia…

Il maestro Francis Ford Coppola scrive, produce e dirige questa pellicola che è un viaggio nel suo Io e nella sua storia personale e familiare oltre che un omaggio stupendo ai film di  Emeric Pressburger e  Michael Powell, soprattutto Scarpette Rosse e I racconti di Hoffmann, grazie a delle sequenze di ballo o a scenemetacinematografiche e  metateatrali davvero ben realizzate. 
Il film è girato interamente in bianco e nero, a parte le scene dei balletti e alcuni flashback che invece sono a colori, scelta che rende ancora più forte il contrasto tra passato e presente, tra il sogno e la triste realtà. La fotografia è davvero stupenda.

La storia ruota intorno al giovane Bennie e alla sua volontà di scoprire perché suo fratello sia partito e non sia tornato a prenderlo come aveva promesso, perché abbia voluto troncare ogni rapporto con la sua famiglia, e perché rifiuti di farsi chiamare con il suo vero nome e non abbia rivelato a nessuno, nemmeno alla propria donna, la sua vera identità.
“Sai che cos’è l’amore in una famiglia come la nostra? Una rapida pugnalata al cuore”- Questo è ciò che risponde Angel, ormai Tetro, al fratello curioso.
Il nucleo della loro famiglia è sempre stato lui, il grande compositore Carlo Tetrocini, colui che ha soffocato le aspirazioni e i sogni del giovane Angelo, affermando: “In famiglia c’è spazio per un solo genio“, e che lo ha oppresso con la sua ombra e con  i suoi successi nel lavoro e nella vita… Lo ha mortificato e imbarazzato solo per il gusto di farlo, ferendolo profondamente. Bennie si presenta dunque da Angel/ Tetro e lo riporta indietro a quello che è stato il proprio passato, ai propri scheletri, a cose che pensava appartenessero ormai a una persona defunta, Angelo appunto, ma non a Tetro, persona diversa e senza passato. Bennie rappresenta il passato che non perdona, il passato che non dimentica e che torna a dstanza di anni a chiedere il suo conto, ad esigere risposte, a porre interrogativi e dilemmi.

Questa pellicola è tutto questo e molto altro ancora, forse troppo; il film appare infatti eccessivamente pieno di argomenti, di spunti di riflessione, di cinema, metacinema, omaggi, interrogativi, drammi, e tutto ciò, unito all lunga durata dello stesso (127 minuti),  alla fine lo rende un po’ troppo pesante. Nulla da obiettare o da criticare sul cast che è solo da elogiare, a partire dal giovane esordiente Alden Ehrenreich, che ricorda nei tratti del viso e nelle espressioni il giovane Leonardo Di Caprio, molto intenso nel ruolo di Bennie, Vincent Gallo, perfetto nel ruolo del tormentato Angelo/Tetro, Maribel Verdú, nei panni della paziente compagna di Tetro, pronta ad appoggiarlo e a farlo ragionare quando serve, Klaus Maria Brandauer, nel ruolo del padre-padrone, e Carmen Maura splendida nel ruolo della temutissima e rispettata critica Alone.

In definitiva un film colto, complesso, ma estremamente carico.

Conclusione: Consigliato.

Voto: 7.5

Come una falena ipnotizzata dalla luce abbagliante, spesso un tremendo schianto contro qualcosa di più grande, il nuovo film di Francis Ford Coppola, ti induce a pensare a quanto a volte, altre persone, siano così predominanti nei confronti degli altri, uniche luci possibili.

Il dolore di dover competere a tutti i costi contro la figura paterna, artefice delle sofferenze del figlio, induce Angelo a cambiare completamente vita, a dirottare il proprio essere in un’altra città del mondo: Buenos Aires. Lì, non prima d’aver cambiato veste, con l’aiuto di una terapeuta, questo personaggio, così chiuso, custode di segreti invalicabili, dalla voglia di essere un talentuoso scrittore, riporterà la sua storia in una linguaggio criptato, al contrario. Un dramma adatto per una pièce teatrale. E’ grazie a suo fratello, scappato anch’egli dalla propria famiglia, a riportare alla luce, tasselli di una verità mai voluta affrontare.

Tetro è un film (come il recente “Gli abbracci spezzati” di Pedro Almodovar) dalla prima parte molto solida, con momenti di cinema e di rapporti tra i protagonisti davvero ben riusciti, dove l’andamento del buon umore (di Tetro) è direttamente proporzionale alle scoperte di Benjamin. La seconda tranche del film, quando si compie il viaggio per la Patagonia, lentamente la storia perde spunti per convogliare l’emozione al cuore,  si concentra su una diatriba inutile tra il successo da compiere e la rivelazione finale, permettendosi ellissi temporali troppo nette, come quella del funerale, scena carente sotto il profilo emotivo. Insomma, si sente il respiro della “tragedia” ma non c’è l’epica e in questo il film ne risente parecchio.

Menzione speciale per quel bianco e nero che porterà alla nomination sicura, anche Vincent Gallo, Maribel Verdù e Alden Ehrenreich forniscono delle prove ottime reggendo l’impianto recitativo.

“Tutto quello che c’è nel film è vero, ma non è mai accaduto: quale famiglia è esente dai conflitti? In quale gli elementi nuovi, per esempio le mogli, non sono anche loro assorbiti in queste dinamiche?”

“A me la tecnica non interessa dal punto di vista narrativo, l’importante è che le immagini siano belle.”

Francis Ford Coppola, 2009

Tetro è solo il secondo film della nuova carriera di Francis Coppola. Il regista che ha imposto i movie brats alle major hollywoodiane negli anni ‘70, grazie al successo de Il padrino e che ha tentato la sfida impossibile e totale di Apocalypse Now, in cui la realizzazione stessa del film è diventata una cosa sola, con l’epica di un film infinito e aperto, ha sempre avuto un unico limite ed assieme un enorme pregio: la smisurata ambizione.

Ha sempre cercato di travalicare i limiti, imposti dai mezzi di produzione contemporanea: subito dopo i trionfi gangster ha fondato la Directors Company con Friedkin e Bogdanovich, fallita quell’esperienza ha rilanciato con l’American Zoetrope.

Coppola ha imposto un numero impressionante di giovani attori, da Pacino a Rourke, da Duvall a Dillon, da De Niro a Damon, ha concesso un secondo tempo meraviglioso a Marlon Brando, è stato il primo a vedere gli sviluppi dell’elettronica e dei computer nel cinema ed ha usato il Dolby stereo e le moviole tv per il suo viaggio personale nel Vietnam.

Per tutti gli anni ‘70 è stato un pioniere, un faro e una guida per tutta la new wave californiana.

Poi ha passato i dieci anni successivi a ripagare i debiti accumulati con il fallimento di Un sogno lungo un giorno.

Con la ritrovata serenità finanziaria ed un’attività vinicola divenuta la sua maggior fonte di reddito, Coppola ha lasciato il cinema per dieci anni esatti, dopo il solido adattamento da Grisham de L’uomo della pioggia.

Con Un’altra giovinezza è cominciata, come abbiamo detto, una sorta di seconda carriera, all’insegna della massima libertà espressiva e produttiva, fatta di opere personalissime, con budget molto ridotti.

Un po’ come il Bertolucci di Io ballo da sola e L’assedio, Coppola ricomincia da zero, riparte dalle origini, raggiunti i 70 anni butta all’aria la solidità lentamente ricostruita, per ripartire dalla libertà delle origini, dall’indipendenza più tenacemente perseguita.

Anche a costo di rendere Tetro pressochè invisibile negli States, dove è stato distribuito in pochissime copie, direttamente dall’American Zoetrope.

Se il film tratto da Eliade era una sorta di nuovo inizio, che puntava un po’ troppo in alto, verso argomenti e idee difficilmente condensabili in immagini, con Tetro, Coppola ritorna ad uno dei temi chiave di tutta la sua poetica, quello dei conflitti familiari, dei rapporti tra fratelli e delle ingombranti figure paterne.

Tetro, tutto girato in Argentina, comincia una notte d’estate quando il giovanissimo Bennie, appena sbarcato a Buenos Aires bussa alla porta dell’amato fratello Angelo, fuggito da New York dieci anni prima e stabilitosi nel quartiere La Boca.

Assieme a Angelo, che ora si fa chiamare Tetro, vive Miranda, che l’ha conosciuto mentre lavorava in un ospedale psichiatrico e lo ha salvato dai suoi demoni.

Angelo/Tetro vive in una sorta di comunità di artisti, teatranti e commediografi e si occupa delle luci degli spettacoli, perchè si rifiuta di pubblicare la sua unica opera, che ha manoscritto in un codice militare e che tiene chiusa in una valigia.

La commedia che Tetro si rifiuta di finire è la storia della propria famiglia, come Bennie scoprirà presto, anche lui aspirante commediografo, sulle orme del fratello.

Ma il rapporto tra i due è tutt’altro che semplice, fatto di rotture, incomprensioni, accuse e verità nascoste, che esploderanno tutte durante il viaggio verso il festival della Patagonia, nel quale la pièce, scritta da Tetro e conclusa da Bennie, avrà finalmente la sua prima rappresentazione.

Proprio mentre a New York il padre dei due, il famoso direttore d’orchestra Carlo Tetrocini sta morendo.

Il film di Coppola è un melò raffinatissimo, girato in digitale ed in bianco e nero da Mihai Malaimare Jr., il direttore della fotografia già utilizzato da Coppola in Romania, durante la lavorazione di Un’altra giovinezza.

Ancora una volta il digitale sembra restituire alla fotografia in b&w una profondità di neri ed una precisione di sfumature impensabili.

La nuova tecnologia, pensata per il futuro e per il 3D, sembra essere invece perfetta per restituire dignità ad una fotografia perduta, così come già nello straordinario Il nastro bianco di Haneke.

Il tema del successo e del fallimento artistico si intreccia mirabilmente nella tormentata storia familiare dei Tetrocini, governata da un padre, convinto che vi possa essere un solo talento in ogni famiglia.

Ci sono elementi autobiografici forti: nei conflitti fra Tetro ed il padre, si scoprono riflessi dello stesso rapporto tra Francis e i suoi due figli Sofia e Roman, entrambi registi in proprio.

Ma la famiglia Coppola sembra un esempio riuscito di convivenza di talenti: il padre Carmine, flautista per Toscanini, i figli attori, registi, professori universitari, i nipoti indirizzati anch’essi al cinema ed alla musica.

Una grande famiglia italo-americana, che difficilmente appare rispecchiarsi nell’infelicità dei Tetrocini del film.

Eppure lo scavo dentro l’ossessione della famiglia, così centrale nel mondo di Francis Coppola, prosegue e si approfondisce: abbandonata ogni pretesa realistica, il conflitto familiare assume sempre più i contorni di una tragedia senza tempo.¹

Accanto all’elemento familiare, rimane l’amore sconfinato del regista, per gli attori e per il cinema.

Nelle sue mani Vincent Gallo si scrolla di dosso tutta la sua protervia e la scontrosità, per offrire un ritratto generoso e commovente di Tetro. La sua entrata in scena con una gamba ingessata è da applausi.

Klaus-Maria Brandauer incarna il padre tirannico Carlo ed anche lo zio Alfredo, con notevole forza interpretativa.

Carmen Maura e Maribel Verdu sono perfette, in ruoli tutto sommato marginali, ma la vera sorpresa è Alden Ehrenreich nel ruolo del diciassettenne Bennie, pieno di vitalità e ingenuità, presto vinte dalla necessità di conoscere.

E’ lui a reggere emotivamente le svolte del film ed a farsi carico persino dei silenzi di Tetro.

La sceneggiatura di Coppola forse zoppica un po’ verso la fine, quando trasporta i suoi personaggi in un viaggio di agnizione in Patagonia, che servirà a tutti per fare i conti con il passato, però la sua mano di regista è tornata sicura come un tempo.

Ci sono molti echi cinematografici, in Tetro:  fortissima è l’influenza di Cassavetes, con i suoi amori impossibili in bianco e nero, la sua libertà narrativa e le sue improvvisazioni controllate; ci sono frammenti di Almodovar e di Visconti, nel rapporto contrastato tra Angelo e Bennie, e c’è un ritorno alle malinconie beat² di Rusty il Selvaggio.

Lì era la strada il luogo in cui cresceva il mito di Motorcycle boy, qui sono la pagina scritta ed il palcoscenico a fondare il mito di Tetro, che si intreccia ad un omaggio commosso al cinema di Powell e Pressburger: proprio nei flashback e nei ricordi dei protagonisti, il regista dà spazio al colore brillante e saturo, tipico dei film del duo inglese, usando la loro stessa scintillante inventiva.

Mano a mano che il melodramma dispiega le sue sconvolgenti rivelazioni, i momenti onirici diventano più frequenti ed incisivi, sino ad una straordinaria reinvenzione del balletto di Scarpette rosse.

Coppola è tornato a settant’anni a fare cinema purissimo, che forse – come ha scritto Manhola Dargis sul New York Times – requires more from his audiences than some might be willing to give. Which is itself a sign of vigorous artistic renewal.³

Tetro – Segreti di famiglia ***

1 Carlo Chatrian, La forma di una comunità, Duellanti n.57

2 T.A., Segreti di famiglia, Duellanti n.57

3 Manhola Dargis, Tetro, New York Times, 11.6.2009

2009: Tetro di Francis Ford Coppola

Il film, presentato tra grandi applausi a Cannes e al Torino Film Festival, ha avuto ottime recensioni:

Il Corriere della Sera: “Poche volte cinema fu più onesto, in cerca del groviglio di vipere, fiducioso nel domani”; L’Unità: “…uno dei film più personali di una carriera inimitabile”; Il Manifesto: “…affascinante, personalissimo e visionario”; Cineblog.it: “…un film complesso, coltissimo… un atto d’amore verso il cinema che Coppola ha amato e ama ancora oggi”; La Repubblica: “…un film d’ autore a tutti gli effetti: indipendente, quasi autobiografico e colto”; Cinematografo.it: “…fresco, ottimista e vitale come il saggio di diploma di un grande talento” (1).

Che Francis Ford Coppola (70 anni da poco compiuti) sia un grande regista è innegabile, che ogni suo nuovo film meriti di essere visto è fuori discussione… ma Segreti di famiglia, personalmente, non mi ha convinto del tutto (film che Coppola non solo ha diretto, ma anche prodotto, scritto soggetto e sceneggiatura, e -negli USA- distribuito). Splendida l’idea dell’uso del bianco-nero per raccontare il presente (i flashback sono a colori), quanto mai suggestivo e splendido visivamente con il suo gioco di luce-ombra quasi espressionista; ottimo il montaggio e l’utilizzo della colonna sonora (non invadente, appropriata); perfette nella loro funzionalità ambientazione e scenografia. Non mi ha convinto il racconto (concordo con Paolo Mereghetti che scrive “Coppola si conferma più grande come regista che come sceneggiatore”). Quasi una tragedia greca narrata modernamente (Furio Spinosi lo definisce “un melodramma noir”) che mi sembra non coinvolga pienamente con situazioni non sempre plausibili e un campionario di umanità non particolarmente accattivante.

Eccessivamente (e inutilmente) troppo lungo, Segreti di famiglia ha poi il difetto di contenere divagazioni immotivate, mostrando con insistenza scene e personaggi del tutto superflui: l’unitarietà del racconto è spezzata, la narrazione si appesantisce e lo spettatore stenta a immedesimarsi nel tutto. L’emozione latita. L’impressione è di assistere a un bello spettacolo che però ci lascia indifferenti e non ci appassiona più di tanto.

Gli attori sono ottimi ma non si crea alcuna empatia con essi.

Mi ritrovo in pieno nel giudizio di Lietta Tornabuoni su La Stampa (una delle poche voci discordanti dal tripudio generale): “Il film ben fatto non è bello, con tutto il talento di Coppola. (…) Coppola non arriva al sentimento. Tutto è perfettamente chiaro, senza sfumature, troppo razionale”.

p.s.

a) da un grande come Coppola non ci si aspettava il clichè del folklorististico e del typique che qui non mancano

b) nell’edizione originale abbiamo il bilinguismo e l’inglese parlato non senza difficoltà da argentini… perché il nostro doppiaggio fa parlare tutti in perfetto italiano, appiattendo il contesto e rendendo spesso immotivata la gestualità dei personaggi?

note

(1)  Rare le voci di dissenso, ma ci sono. El Pais ad esempio scrive: “La speranza che si stia per assistere a qualcosa di grande dura 10 minuti. Poi inizia una catena di assurdità, dialoghi enfatici, situazioni senza senso…”. Il Giornale: “I coppoliani devoti si sentiranno egualmente coinvolti; gli altri no, per quanto la tecnica sia impeccabile. I coppoliani moderati pensano che un regista che ha scritto pagine di storia del cinema dovrebbe riposarsi, quando è stanco”. Il Sole 24 Ore: “…un film troppo confuso, discontinuo, piegato su se stesso”.

scheda

sito ufficiale

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Drinker’s note: Miss Demeanor and i saw this in a sneak preview here in Yeman. Francis Ford Coppola even showed up. ‘Cause i know you think this is just bar talk, here’s the photographic proof:

The Theater We Went To

The Paparazzi & The Red Carpet

Coppola On Stage

Coppola Close, Personal and Blurry

Alden Ehrenreich (Bennie) Was There

Ramblings: Tetris Would Be More Fun

Final Proof: 2 Shots

You know how there’s always that one guy at the bar who sits at a back table brooding? It wouldn’t be so bad except he’s purposefully infesting the place with his mood, struggling to attract people with his ‘piss off’ attitude, whining so loudly how he wants to be by himself that everyone can’t help but hear him? Why in the hell does he choose to come a bar full of people if he’s seeking solitude? Because he’s looking for attention, not peace of mind. He acts like a spoiled ten-year-old boy, so much so he won’t even get drunk for fear his veneer may crack into a smile and he may actually wind up having fun. God, these people turn my wine. i just wanna walk up, take their pants down and spank their petulant little asses right there in front of everyone. “Bad Brooder! That’s a BAD Brooder! If you ever do this to me in public again, there’ll be no more Panic! At The Disco for a week, do you hear me! Do You Hear Me?” Well, Tetro is kinda like that guy.

i’m a Francis Ford Coppola fan and not just of the famous movies (The Godfather Parts I & II, Dracula, and one of my all time top ten desert island films: Apocalypse Now) but movies like The Conversation and Rumblefish as well. That in mind, i have to say i was disappointed but not surprised by Tetro.

Tetro is an “art film”, basically a pretentious remake of Rumblefish, with everything from the black & white film mixed with bits of color to the story of two ‘brothers’, one a tortured genius, the other a hero worshiping ingénue. The problem with Tetro is the drama. The movie is pro’lly better suited to a play, really, because what’s on screen is like an opera without a fat lady.

i’m not gonna place any blame but it’s Coppola’s and Gallo’s fault. Coppola’s script is so melodramatic at times it seems like a parody and the actors deserve an Oscar just for not snorting while serving up their lines. Gallo is the brooder i was talking about in the intro. The character is already pretty annoying and with Gallo’s lack of talent he becomes a caricature. i will give a nod to him, though, for directing and starring in Brown Bunny. This pretentious trainwreck of a movie (that i haven’t seen) became infamous because of the last scene: Chloë Sevigny giving Gallo a real bj on screen. Talk about your ‘happy ending’.

Just to break up the text a little, here’s a picture of Chloë Sevigny:

Fortunately, the other actors save Tetro from flopping completely. Apart from Alden Ehrenreich, who nails his role (“But not Chloë Sevigny!” Gallo yells from the bathrooms) as young Bennie, the best actors are the three lead actresses, Maribel Verdù from Spain, Leticia Brédice from Buenos Aires and Sofià Gala Castiglione (who i’m pretty sure is Argentinian as well but can’t find confirmation). Their presence and talent in this 127-minute movie was smoothing like a cold beer after a rotgut shot.

Buzz Kills (Watch Out for Spoilers)

Sex: 3 Shots

Coppola doesn’t hold back here, which is a relief after the rash of PG13 teasers i’ve been covered with lately.

The actresses are all beautiful but the first Nudie (The Bar None Award for nudity in film) of the movie goes to Maribel Verdù. She plays Tetro’s live-in girlfriend, Miranda, and there’s a scene with them in bed together that shows her topless.

Here’s what she looks like with her top off:

And on:

That, however, is just an appetizer…

Later, Leticia Brédice does a strip tease during a theatrical version of Fausta (don’t even ask) and finishes up with tape over her boobs. Here are some shots of Leticia:

Looking More Colorful Here Than In The Movie

Cover Girl

Not Bad For A 37-Year-Old, Eh?

My Favorite, From The Bar None

After that things really pick up. i won’t give you the blow by blow but the climax comes when Maria Luisa, an “18-year-old”, takes off her schoolgirl’s uniform to have a “pajama party without pajamas”. On top of that, it’s with a virgin (Alden Ehrenreich) and her aunt (Letitia Brédice). Even if her hair was way too short and her breasts larger than i like them, Sofia Gala Castiglione (the actress, 21 in real life) wins the Nudie of the Movie, hands down (lower, lower—yeah, right there). Let’s start out with Sofia as a schoolgirl and see what comes up, shall we?

This Is The Uniform At The Catholic School i Want To Go To

Drink: ½ Shot

Not much going on here. Though, to continue with the comparison, the father here is a drinker just like Dennis Hopper was in Rumblefish. Not surprisingly, Hopper does a better job than Whathisname here but then, dollars to daiquiris, Hopper has barrels more experience. This guy is supposed to be drunk as he hits on his son’s high-school girlfriend but he acts drunk as bad as the rest of them. Swear to god, actors who need to play a drunk should be forced to party with me for a weekend before they’re allowed to practice their art on screen.

‘Part from that, Bennie is drunk at his father’s funeral. At least Ehrenreich acts drunk better than the other guy.

The most interesting drinking link to Tetro came up while Coppola was making his speech at the beginning. He said that the success of his winery gave him the financial freedom to make the kind of film he wanted to make. If only he hadn’t drunk to his success before writing this script…

A Coupla Coppola

Rock & Roll: 0 Shots

The Argentinian music was nice but not rock.

There was a kind of rock & roll song playing during the Virgin/Schoolgirl/MILF Aunt 3-way bathtub scene but i can’ find it referenced anywhere online. The first one to find out what song it was gets a drink on the house.

Boring Technical Crap

Written by: Francis Ford Coppola

Directed by: Francis Ford Coppola

Starring

Maribel Verdù – Miranda

Leticia Brédice – Josefina

Sofia Gala Castiglione – Maria Luisa

Alden Ehrenreich – Bennie

Vincent Gallo – Tetro

Bottom Line

Don’t see it but do pray to god that someone posts the nude scenes online and soon isn’t soon enough.

La crisis ya esta empezando a tocarme las narices. No es que no nos llegue la camisa al cuerpo, es que nos está llegando el agua al cuello.

Desde que era pequeño, al pasar por la Plaza de España, miraba siempre el reloj del Ayuntamiento (posteriormente convertido en Parador Nacional de turismo) incluso, un año retransmitieron desde allí las campanadas de fin de año por telecinco y todo, pero últimamente cada vez que paso por allí el reloj no funciona. Será por la crisis que no hay ni para darle cuerda o ponerle pilas, si ese fuera su defecto.

También desde pequeño me hacía mucha ilusión ver la iluminación de la Navidad. Sin embargo, este año en muchos Ayuntamientos han decidido recortar gastos en estos menesteres, algunos los van a eliminar del todo ¡la crisis que se va a llevar por delante todo lo llevable! desde la iluminación hasta los más mínimos detalles.

Pero lo que ya no se puede soportar es que nos quiten la ilusión de las ilusiones. En muchas familias se esperaba el día que ponían por primera vez el anuncio de Freixenet, pero este año (por culpa de la crisis) van a volver a repetir el anuncio del año pasado. Que no digo yo que no estuviera bien, las chicas de la natación sincronizada son muy monas, pero eso de no tener para llevarnos a la vista un George Clooney, Antonio Banderas, Charlize Theron o Sharon Stone… Nos han quitado hasta a Maribel Verdú vestida de burbujita ¡con lo guapa que estaba ella con ese vestidito!

Así que señores que arreglan las cosas: arreglad la crisis ya, pero que ya. Que una Navidad sin la ilusión del nuevo anuncio de ese cava es como si llega el mes de marzo y no tenemos el “Ya es primavera en el Corte Inglés”. Soluciónenlo rápido, por favor.

Publicado en “La Voz de Ronda” 24/10/2009

Pirmais, ko nāksies izdarīt pirms “Tetro” noskatīšanās – samierināties ar to, ka sirmais metrs Kopola tomēr ir neatgriezeniski izkūkojis prātu, šāds kompromiss ļaus pievērt acis uz dažādām dīvainībām. Patiešām, ja “Jaunībā bez jaunības” vēl varēja atrunāties par to, ka cilvēks mēģinājis teležurnāla formātā iebāzt Lielo Padomju medicīnas enciklopēdiju, tad tagad neglābj pat palielinātās medikamentu devas, jo recidīvi turpinās. Atšķirībā no Eliades grāmatas ekranizējuma “Tetro” gan ir pavisam savādāks – Dienvidamerika, Buenosairesa, šika melnbalta bildīte, galvenajā lomā caur pieri uz pasauli blenž Vinsents Gallo, kurš aizvien izskatās pēc 80-o sākuma mačo, tjoločkas lomā – spāņu dāma no “Pāna labirinta”, vēl tur ir tīneidžers, kas jau paguvis internetos iemantot epitetu “Marlons Brando bērnībā”.

Tāpēc pirmā puse vispār ir tāds Almodovars darbības plaukumā, kur dalībnieki ņemas apkārt ne bez pigām kabatā, saasinājumi pacienta slimības vēsturē ierodas tikai otrajā pusē, kad sākas savdabīgi iestarpinājumi no teātra-baleta. Patagonijas literatūras festivāls un madāma Alona saulesbrillēs vispār vairs nav no zemes šīs, tas jau ir kaut kāds Vonnegūts. Man šķiet smieklīgi, kur nu vēl ar cirvi rokā apkārt staigājošais Gallo. Kopolam jādzīvo ir pansionātā un regulāri jāsaņem kontā daži miljoni sentimentālām izklaidēm, no kurām vēl neviens nav pagaidām nomiris. Kaut arī, kad melnbaltajā kadrā pēkšņi uzrodas makbuks ar aifonu, un saproti, ka tie tomēr nav 80-ie…

in 2009 martcore says
ach so

Hoy vamos a revisar las novedades acontecidas en el Festival San Sebastian de este 2009. Los invitamos a dar un vistazo a lo mas destacado de este Festival.

Atom Egoyan abre el Festival de San Sebastián con ”Chloe”

Foto: www.sansebastianfestival.com	Ampliar

SAN SEBASTIÁN, 19 Sep. (Europa Press/Elena Mencía)

El director Atom Egoyan habla de personajes atrapados en busca del deseo en el thriller Chloe, película que abrio la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastián. El realizador afirmó en rueda de prensa que el deseo está muy presente en su cine, así como la “gran influencia” de Luis Buñuel, un realizador que le enseñó que “el cine es una forma de presentar los sueños”.

Chloe, que se proyecto  en la gala inaugural de la muestra, se adentra en el deseo sexual, que el director mezcla con tintes dramáticos. Protagonizada por Julianne Moore y Liam Neeson, la cinta del director de Exótica, El dulce porvenir o Ararat, se estrenó hace unos días en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Egoyan admitió que se trata de una “reinvención” del drama francés Nathalie, ya que la película de Egoyan tiene un final diferente y una carga sexual mayor. “Toda la segunda parte de la película es diferente”, admitió sobre un filme que se centra en las dudas de una mujer Catherine (Moore) que sospecha que su marido David (Neeson) la engaña.

Para confirmar sus sospechas, contrata a una prostituta, Chloe (Amanda Seyfried), para que seduzca a su esposo. En la cinta se dan cita los celos, las mentiras, el miedo a envejecer y las obsesiones, con los tórridos cuentos que Chloe narra a Catherine sobre los encuentros con su marido.

“El tono emocional es diferente y en Chloe los personajes tienen una necesidad psicológica que no está en Nathalie“, afirmó el director del filme, en el que Neeson hace un papel secundario y la trama se centra más en las dos mujeres.

La película, a su vez, se centra en el peligro de la fantasía de querer reinventarse a uno mismo, según explicó Egoyan. “La conexión con el resto de mis películas es que se ve que los seres humanos tienen muchas capas”, agregó el director.

EL CINE COMO VEHÍCULO DE LOS SUEÑOS

También el cine de Egoyan está tocado por la influencia de Luis Buñuel, ya que desde que vio de niño ‘Un perro andaluz’ se dio cuenta de que “el cine era una forma de presentar los sueños”. “Esta película me sorprendió y ha tenido una gran influencia sobre mí”, admitió Egoyan, que ayer aprovechó para visitar la exposición ‘Un perro andaluz’ que se muestra estos días en San Sebastián.

“Mezclar escenas que no tienen lógica aparente, así como hablar de la represión sexual… Buñuel es un realizador extraordinario”, subrayó Egoyan, quien destacó los filmes Los olvidados, Belle de jour o Viridiana como sus favoritos.

Por otro lado, también se refirió al paralelismo que existe entre la crisis de la mediana edad que se da en el personaje que encarna Julianne Moore y la realidad de las actrices que, a partir de cierta edad, ven como les llegan menos papeles.

“Catherine es una mujer guapa pero entra en crisis cuando cree que ya no puede ser objeto de deseo. Julianne ha sido valiente al decir (en la película) que se siente vieja y que está a punto de desaparecer”, afirmó.

Durante el encuentro, al que no pudieron acudir los actores porque “todos ellos están ahora rodando”, el realizador también hizo referencia a las nuevas tecnologías, de las que en alguna ocasión se ha manifestado detractor.

Además de hacer un alegato en Chloe a favor de la música en formato físico dijo no creer que “Internet sea peligroso”. Pese a todo dijo sospechar de “todo tipo de tecnología que nos haga creer que la vida es más fácil de lo que es”. Y consideró que “quizá el mundo real necesite una regulación como cualquier otro espacio ficticio”.

‘SI LA COSA FUNCIONA’

Además de Chloe y Malditos Bastardos, la última película de Quentin Tarantino  , durante la primera jornada del Festival de Cine también se proyectaron  Whatever works (Si la cosa funciona), la nueva comedia de Woody Allen, que se estrenará el próximo 2 de octubre.

En este largometraje, el realizador vuelve a Nueva York, tras haber rodada sus cuatro anteriores películas en Europa, para contar las andanzas de Boris Yellnikoff (Larry David), un extraño misántropo de Manhattan.

El espectador, con el testimonio del protagonista contado directamente a la cámara, es testigo de cómo éste, tras separarse de su mujer de toda la vida, tras un intento fallido de suicidio, conoce a una jovencita del Sur (Eva Rachel Wood) que acaba acogiendo en su casa.

Relaciones de amor-admiración entre un hombre mayor y una chica o personalidades reprimidas que acaban sacando a la luz su verdadero yo se dan cita en este filme, protagonizado por David, quien ya trabajó a las órdenes de Allen en Días de radio y Historias de Nueva York.

Brad Pitt: “En el plató, Tarantino es Dios”

Foto: Reuters	Ampliar

Brad Pitt y Quentin Tarantino protagonizaron una multitudinaria rueda de prensa en el marco del Festival de Cine de San Sebastián, en donde su última película, ‘Malditos Bastardos’, inauguro la Sección Zabaltegi. Actor y director se dedicaron multitud de piropos y hablaron de lo fabuloso que ha sido trabajar juntos en esta comedia, que se estrena en España este viernes.

“En su plató, todo es sacrosanto, es como estar en Misa y él (por Tarantino), es Dios”, enfatizó el actor, quien señaló que trabajar en ‘Malditos Bastardos’ fue “muy divertido”. “Tarantino tiene tanta energía que es imposible dormirse en el plató”, dijo.

Tarantino, por su parte, recordó que desde el principio pensó en Pitt para esta película. “Creí que me diría que no pero lo que me dijo es que estaba disponible para cuando llegara un buen guión. Y eso me gustó”, afirmó el director.

Pitt recordó que al trabajar a las órdenes del ganador de la Palma de Oro por ‘Pulp Fiction’, al igual que le ocurrió con los hermanos Coen, se dio cuenta de que “no quieres cambiar ni una coma del guión”.

Y señaló que disfruta haciendo comedias. “Después de hacer una película, ya no me preocupa la crítica”, precisó el actor, quien había oído hablar del proyecto que Tarantino quería llevar a la gran pantalla desde hacía 10 años, que ahora se estrena por fin en los cines.

PAPEL PERFECTO

“Hacer este papel, fue perfecto para mí”, señaló el actor, nominado al Oscar por ‘El curioso caso de Benjamin Button’ y ganador del Globo de Oro por ‘Doce monos’, que ha compartido plató en esta ocasión con Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger y Daniel Brühl, entre otros. Sylvester Groth, en el papel de Goebbels, y Martin Wuttke, como Hitler, también están en la cinta.

‘Malditos Bastardos’, que ha recaudado desde su estreno internacional el pasado 19 de agosto más de 200 millones de dólares en todo el mundo, está ambientada en plena II Guerra Mundial (“Érase una vez en la Francia ocupada..”, comienza el filme). En el país vecino, ocupado por los nazis, Hans Landa (Christoph Waltz), un coronel alemán apodado ‘El Cazajudíos’, se dedica a perseguir y exterminar a todo aquel sospechoso de semitismo.

Mientras, en otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza a ‘Los Bastardos’, un grupo de soldados americanos judíos encargados de aniquilar nazis y conocidos por arrancar las cabelleras a sus víctimas como hacían los indios apache. Con la ayuda de la actriz alemana Bridget Von Hammersmark, una agente secreta que trabaja para los aliados, planearán una misión para acabar con los líderes del Tercer Reich, incluido Hitler.

Pero Shosana Dreyfus (Mélanie Laurent), una joven que ha presenciado cómo Landa mataba a toda su familia, también tiene su propio plan para vengarse.

En la versión original de la cinta, el espectador comprobará que la película está rodada en varios idiomas (inglés, francés, alemán e italiano). “El mundo en el que vivimos es multilingüe y está bien hacer películas así”, consideró Tarantino, que al personaje de Pitt le dio un acento que el cineasta conoce muy bien, el de su tierra de Tennesse (EEUU) que ahora los hijos del actor “imitan”. “No es un personaje autobiográfico, pero tengo algo de indio en la sangre”, agregó el director.

UNA CARRERA CON SUERTE

El protagonista de cintas como ‘Quemar después de leer’, y que se diera a conocer tras su papel en ‘Thelma y Louis’, de Ridley Scott, afirmó que ha tenido mucha suerte en su trayectoria profesional. “Intento buscar siempre papeles diferentes. A veces funciona y otras, no, pero creo que tengo una carrera interesante. Trabajo con gente que respeto y que hace buenos guiones”, subrayó.

El también productor (con Plan B Entertainment ha realizado cintas como ‘Infiltrados’ de Martin Scorsese; o ‘Un corazón poderoso’, de Michael Winterbottom), también se refirió a la popularidad que le acompaña.

“Al principio todo era confuso y complicado. Buscamos (su pareja la también actriz Angelina Jolie y él) tiempo para los niños y para nosotros. Ahora acabamos de llevarlos a Kenia. Intentamos equilibrar y disfrutamos del lado público y de la privacidad”, apuntó.

Tarantino, echando la vista atrás, recordó cuando trabajaba de joven en un vídeo club y también cuando realizó su primera película, ‘Reservoir Dogs’. “Sigo siendo el mismo, pero mucho más cumplido”. “Espero que ésta no sea mi gran obra maestra y vengan muchas más detrás”, concluyó.

‘Malditos Bastardos’ se ha convertido en la mayor apertura de taquilla en la historia de Tarantino a nivel internacional. Ha sido número uno en Francia durante cuatro semanas consecutivas, recaudando cerca de 19 millones de dólares, y ha abierto como número uno en la taquilla de Estados Unidos, Alemania, Reino Unido, Australia, Rusia, Grecia, Turquía, Austria, Bulgaria, República Checa, Ucrania, Bélgica, Estonia, Letonia, Noruega, Serbia, Eslovenia, Suecia y Suiza.

El actor Christoph Waltz, que había confirmado su presencia en Donosti, ha tenido que cancelar su visita a causa de su inmediata incorporación al rodaje de la nueva película de Michael Gondry, ‘The Green Hornet’.

Si en los primeros dias  el protagonismo lo acapararon Quentin y Brad, hoy el turno ha sido para Maribel Verdú. Y es que la célebre actriz española ha recibido en San Sebastián el Premio Nacional de Cine, en reconocimiento a toda su carrera artística. El galardón, que en su día fue concedido a grandes del séptimo arte español de la talla de Paco Rabal, Fernando Fernán-Gómez o Rafael Azcona, fue entregado por la Ministra de Cultura Ángeles González-Sinde. En una ceremonia breve pero emotiva, Verdú reconoció que en los veintitrés años que lleva acudiendo al certamen, jamás se le pasó por la cabeza la posibilidad de que se le concediera tal honor. Pero a fin de cuentas el Zinemaldia está concebido para la muestra cinematográfica. En esos términos, los dos encargados de amenizar la jornada han sido dos auténticos pesos pesados: Fernando Trueba y Woody Allen. El cineasta español ha presentado en San Sebastián su decimoquinto -decimotercero en solitario- trabajo detrás de las cámaras: ‘El baile de la victoria‘. La película, basada en la novela del escritor chileno Antonio Skármeta y ganadora del Premio Planeta, trata sobre dos ex-convictos que, una vez terminada la dictadura en su país, deciden poner en orden sus vidas… y sus asuntos pendientes. Una inusual mezcla de realidad y sueños; de géneros cinematográficos, que ha conseguido críticas dispares. Trueba ha convencido sólo a medias. Por su parte, el genio neoyorquino ha presentado en nuestro territorio ‘Si la cosa funciona‘, enésima comedia de enredos amorosos en la que se nos presenta a una alocada joven que mantiene una relación sentimental con un gruñón que le supera en cuarenta años de edad. A pesar de que durante la proyección se han oído más las carcajadas del público que los diálogos de la película, en el fondo nadie sabría decir con total seguridad si lo visto era una comedia o un drama. Sea como fuere, Woody ha triunfado de nuevo en territorio donostiarra. En un registro completamente distinto, pero siempre relacionado con el cine, la revista Marie Claire aprovechó el festival para presentar la exposición fotográfica “Remakes II. Cuando el cine encontró la moda”. Ideada por Mauel Outumuro, la colección de fotos presenta a famosos actores españoles homenajeando grandes títulos del séptimo arte. Algunos ejemplos son los de Bárbara Lennie y Eduardo Noriega calcan a Claudia Cardinale y Alain Delon en El Gatopardo’, mientras Aitana Sánchez-Gijón y Diego Martín se convierte en una exacta réplica de Isabella Rossellini y Kyle McLachlan en ’Terciopelo Azul’ o José Coronado y Leonor Watling elevan la temperatura emulando la tórrida secuencia entre Jack Nicholson y Jessica Lange de ‘El cartero siempre llama dos veces’.

Vincent Gallo plays an artist returned from the brink of insanity in "Tetro".

(Francis Ford Coppola, 2009)

September 13, 2009

by Joel Crary

When I review a film, I typically like to do so as soon as possible after I see it so that my engagement with it comes out with a greater amount of clarity. In the case of “Tetro”, I felt it needed a little rumination. It’s a film I slept on. There are images in the film that are undeniably beautiful, and the story is the stuff of Shakespearean tragedy that Francis Ford Coppola has done so well in the past. Yet though “Tetro” is in much the same way a film about a family who thrives on disreputable action and an unshakable past, this is a wholly different animal from “The Godfather”, first and foremost in terms of style.

Coppola turned 70 earlier this year. He’s a director who has run the gamut of very personal efforts and studio fluff pieces. No one has ever denied his status as an auteur. After a ten-year hiatus that culminated in his return to directing with 2007’s “Youth Without Youth”, a sea change appears to have risen in the man later in life. “Tetro” is an art film of high degree. Coppola has renewed a fascination with experimentation that sometimes hinders but more often helps his narrative. It is a film of choices left entirely to the storyteller.

One superb choice is the casting of Vincent Gallo as the titular character. Tetro, formerly Angelino Tetrocini, is a disturbed writer who has taken a long-term sabbatical to deal with his feelings for his father Carlo (Klaus Maria Brandauer), a famous composer and conductor. In one scene, father and son walk along a beach, the son appealing to his father of his chosen career as a writer. Carlo kisses his son and all but entirely crushes his spirit with his contempt. There can be only one genius in any family.

Carlo’s contempt for his son stems from a car accident that killed his wife, an equally famous opera singer. Tetro was at the wheel. Coppola provides flashbacks of that event and others in colour in opposition to the film’s present tense of black and white. The effect this achieves is one of burning passion for the moments in a person’s life when things change forever. Like our deepest, most influential memories, they live with us intensely at any given moment.

We are uncertain of how deeply rooted Tetro’s psychosis over his father is, only that he has renounced his name and moved to Buenos Aires where he shares an apartment with his compassionate wife Miranda (Maribel Verdú). Equally uncertain is Tetro’s younger brother Bennie (Alden Ehrenreich), who shows up at Tetro’s home to find out more about their history. Sifting through a hidden stash of Tetro’s manuscripts, Bennie comes to know the truth about their father. The movie’s best moments involve Bennie’s pressuring of Tetro to come to terms with his past and realize that it is one they share. Gallo brings his frightening intensity to the role and plays it just right, barking when he needs to bark and always creating the impression that a bite is coming.

The family relationships in the film are complex. Coppola uses sequences of interpretative dance to illustrate character psychologies and certain events, portraying the past as a carnivalesque entity that perpetually haunts those who experience it. There is a sequence in which a production of the Faustus tale enters into the realm of burlesque, with the role of Faust played by a woman and Tetro working the lights from the balcony. A hush falls over the crowd as a world famous literary and theatre critic enters the room. The production is begun again for her benefit. This woman, dubbed “Alone” (Carmen Maura), is a former teacher of Tetro’s, another figure for him to quietly agonize over pleasing.

The truth of these characters’ lives is revealed in the end and they are left to carry on or perish. It’s a rich film to pick apart thematically, but Coppola seems to stage his actors in scenes far too deliberately, robbing them of naturalism. He appears to channel Godard and the French new wave for his first two acts before going full on Bergman in his finale, with overly dramatic choices in framing and dialogue. It’s jarring when it should be simplistic.

Coppola makes extensive and unique use of lighting effects in the film. If shedding light represents an unveiling of the truth, these characters all have their own to cast. Art can only do so much to change the artist into a better person. There are decisions that must be made and actions that must be taken outside of the written word or the directed scene. People must be loved in spite of what they represent. Sometimes they must be let go and we must be able to forgive ourselves.

“Tetro” is showing at the Bytowne Cinema through Tuesday, September 15th.

Un film del 2009, regia di Francis Ford Coppola, con Vincent Gallo / Maribel Verdú / Alden Ehrenreich / Klaus Maria Brandauer. Prodotto da Bim Distribuzione ()

Drammatico

L’ingenuo diciassettenne Bennie si reca a Buenos Aires per cercare il fratello maggiore che è scomparso da più di dieci anni. Il giovane proviene da una famiglia di emigranti italoargentini e il padre del giovane, Carlo, è un acclamato direttore d’orchestra. A causa del lavoro di Carlo, i genitori di Bennie si sono trasferiti a New York da tempo. Quando Bennie rintraccia il fratello, il melanconico poeta Tetro, scopre che l’uomo è molto diverso da come si aspettava ma decide ugualmente di vivere con lui e con la sua fidanzata Miranda.

Director: Francis Ford Coppola (nacido el 7 de abril de 1939 en Detroit, Míchigan) es un guionista, productor y director de cine estadounidense cinco veces ganador del premio Óscar. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años más tarde se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Su carrera inició en 1963 con la dirección de “Dementia 13“, de la cual también realizó el guión. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como “La conversación“ (1974), la bélica “Apocalypse Now” (1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker “Drácula” (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son “El Padrino” y “El Padrino II“, ambas adaptaciones del Best-seller homónimo del novelista italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guión adaptado (que compartió con Puzo por co-escribirlo), mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense (la única secuela en ganar un Óscar), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor director.

Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo “El Padrino” recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y “Apocalypse Now” una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood.

Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas ,”THX-1138″ y “American Graffiti“, y otras como “Kagemusha“, “Kinsey” o “Sleepy Hollow“.

Fuera de las luces de la farándula se desempeña como viticultor, hotelero y publicista. Es padre del director de películas y videos musicales Roman Coppola y de la actriz, directora, productora y guionista ganadora del Óscar Sofia Coppola, asi como tio del actor Nicholas Kim Coppola, conocido como Nicolas Cage.

Sobre la pelicula: Francis Ford Coppola regresa a nuestros cines más de diez años después de ‘Legitima defensa’, su última película estrenada en estas tierras. Su siguiente filme, ‘Youth without youth’, no fue distribuido en España. No es que su última propuesta haya deslumbrado en Cannes -más bien al contrario- pero la presencia de algunas actrices españolas en el reparto ha asegurado su llegada a nuestra cartelera. ‘Tetro‘, el primer guión original de Coppola en más de 30 años, fue filmada en Buenos Aires y Alicante, con bajo presupuesto y en blanco y negro, en el que el realizador incluye -como en ‘La ley de la calle’- algunas notas de color. Cuenta la historia de una familia desgarrada por rivalidades y traiciones que habita en el barrio bohemio de La Boca, antiguo hogar de inmigrantes italianos y cuna de poetas, cantantes y pintores.

Otra presencia española en la película es la de Carmen Maura, que encarna a una crítica literaria, un personaje masculino en la primera versión del guión y que iba a ser interpretado por Javier Bardem. ‘Tetro’ tuvo un rodaje problemático, algo habitual para el realizador de ‘Apocalipsis now’. Las quejas del sindicato de actores argentinos, que acusaba a la productora de no cumplir los convenios, pusieron en peligro la continuidad de la película.

El oscarizado director se encuentra satisfecho con el resultado final de un filme que considera personal, pero no autobiográfico. «Escribí una historia completamente ficticia que sin embargo se nutre de memorias de mi familia», comenta Coppola, que niega que el personaje interpretado por Brandauer sea un reflejo de su propio padre.

Opinión personal: Las últimas películas que he visto en cines no me han gustado mucho (“Cleaner” o “La brujula dorada” no es que me hayan entusiasmado que digamos), por eso, al ir a ver esta película, a la cual le tenía muchas ganas, me he entusiasmado, he salido con un buen sabor de boca, la película me ha gustado mucho y se me han pasado volando las 2 horas y pico que dura.

La película, como ya he dicho antes, está grabada cási al completo en blanco y negro, un aspecto que la hace muy atractiva a mi parecer, de hecho la fotografía es preciosa, tanto en las pocas escenas a color como en las de blanco y negro, las cuales tienen unos toques grisaceos preciosos.

La parte interpretativa también me ha encantado, Vincent Gallo, por ejemplo, me ha parecido de lo mejor junto con Maribel Verdú, en cuanto a Carmen Maura, tiene un papel más anecdótico que otra cosa ya que sale en muy pocas ocasiones.

Sin duda no es una película que vaya a gustar a las masas, pero a los que disfruten del buen cine es bastante probable que sí que les guste.

La recomiendo encarecidamente a todo el que quiera ir a ver una buena película en cines, ya que es de lo mejor que ponen (ahora mismo no ponen nada que me llame mucho la atencion… espero ansiosa el estreno de la nueva de Coixet).

Coppola estrena la que quizás sea, a sus 70 años, la película más personal que ha logrado escribir, producir y rodar: una epopeya en blanco y negro sobre conflictos familiares ambientada en La Boca de Buenos Aires. Los conocedores del cine de Coppola reconocerán en ella algunos de los temas que ya vimos en The Rain People, La Conversación o El Padrino, aunque los asesinatos y venganzas hayan sido convenientemente sustituidos por la violencia psicológica y una mayor interiorización de los personajes. Coppola dice que no es autobiográfica, pero hay mucho terreno personal expuesto en la película, deliberadamente simbólica, no sólo por el tipo de familia que refiere (el padre de Coppola también era músico y director de orquesta), sino por la arriesgada aventura de un guión original después de muchos años de carrera adaptando textos escritos por otros. Tetro es un film enormemente teatral, del mismo modo que en el teatro fueron los comienzos del cineasta, quien nos zambulle en una extraña combinación de tragedia shakesperiana y drama freudiano: el eterno y contradictorio diálogo sobre el amor y la rivalidad entre dos hermanos subyugados a la figura de un opresivo y tiránico padre. Los vínculos que les unen son, en cambio, los del talento artístico inherente a la familia.

Vincent Gallo es Tetro, un escritor frustrado que representa los valores del artista solitario y romántico: la esencial necesidad de crear, el permanente sentimiento de exclusión de la sociedad, una personalidad caótica y desordenada o la imposibilidad de separar con claridad su vida personal de su obra artística. En cierto modo, Tetro sería algo así como un alter ego del propio autor, un autorretrato barroco al que incorpora los aspectos estéticos y temáticos que le interesan y que emergen aquí cargados de alegorías, referencias y homenajes al cine y a su propio cine, a la música y a la literatura. Y del mismo modo que en Juventud sin Juventud, film que también escribió, la película cuenta con la rendida sensibilidad e inocencia del un joven actor, Alden Ehrenreich en el papel de Bennie, al encuentro del hermano desaparecido. Y con una entregada amante, Miranda, interpretada por la soberbia y muy bien dirigida Maribel Verdú, a la que exprime y de la que obtiene una de las mejores interpretaciones que hasta la fecha he podido ver. Hasta Carmen Maura, en un papel acribillado por la crítica para mí injustamente, porque siendo cierto que el personaje de Alone no se presta a demasiados agradecimientos, la Maura y sus poderes bordan lo que no es sino un tirón de orejas a la pamplina del mundo festivalero, aunque en la película la referencia explícita sea al teatro.

Planos fijos de una plasticidad asombrosa y estudiada iluminación envuelven cada encuentro entre los tres personajes principales; teatro, música, danza, incluso ópera intercalan la acción a modo de flashbacks y sueños saturados de color (en clara contraposición al blanco y negro base del film) simbolizando los deseos, los miedos, las frustraciones, lo onírico, los viejos recuerdos no reconciliados. Trazos que mezclan géneros cinematográficos y artísticos, diálogos que nos conducen a evocar sus primeras películas, recortes que recuerdan a Fellini, Chinatown, Malle, Rosellini e incluso Almodovar magnifican los momentos más trágicos del relato, los celos, venganzas, traiciones y desengaños mil veces contados en el cine, pero que nadie se engañe: la trama tiene un interés narrativo, pero ese interés es limitado, porque lo que cuenta no agota la sustancia del film, que reside en cómo está narrado, puro cine, cuya complejidad requiere, probablemente, de más de un visionado. Por eso, ante una obra de tamaña envergadura, calificarla de manida o previsible es una solemne tontería, porque a Coppola no le importa demasiado, ya lo sabe de antemano. El cine y sus posibilidades narrativas, las imágenes que nos llevan por sí solas (a quienes se dejen llevar) al alma misma de los personajes, la música, envolvente, sincronizada, la fotografía, la iluminación y cierto esteticismo, son las armas con las que cuenta Coppola para convertir en una obra de arte lo que en manos de otros no habría pasado de un culebrón de sobremesa. Pero Coppola es Coppola,  por algo le avalan 5 Premios Oscar, 4 Globos de Oro, 2 Palmas en Cannes… Mirada en perspectiva hacia los puertos a los que ha ido llegando su carrera. También se puede leer cierto juicio crítico sobre qué es y como es hoy el mundo del cine, del arte en general, de sus intereses, de hacia dónde se dirige. Quizás sea la película que siempre quiso hacer y nunca hasta ahora encontró la ocasión (o el dinero) para rodar. Lo que es seguro es que todo Coppola, creador y maestro, está aquí, haciendo lo que le da la gana, sin que nadie le haya dicho qué resultado y que números en la taquilla espera obtener. Y claro, unos lo tomamos y otros  lo dejan, sin más vueltas.

Por fin pude ver Tetro de Coppola. Bien hecha. No me gustó. Un envoltorio muy sofisticado para una historia que no es tan profunda como todos los personajes parecen creer.

Yo y mi yo y mi ego… El personaje de Vincent Gallo es pelín insoportable. Menos mal que está Maribel Verdú, aunque incomprensiblemente ella no se guste en la película.

Coppola es insuperable cuando le obligan a hacer lo que no quiere, los famosos encargos (El Padrino, Apocalypse Now…) a los que tuvo que “rebajarse” cuando andaba arruinado. Sus proyectos personales y autoproducidos, por más que digan los críticos, suelen ser pedantes (su pieza para “Historias de Nueva York” es mejor olvidarla).

Esta vez parece que nadie le salva, aunque como es Coppola -un respeto, por favor- las críticas reflejan más decepción que furia homicida. Lo mejor es el principio, la presentación, el ambiente…la Boca!!!

La actriz Maribel Verdú ha logrado hoy el Premio Nacional de Cinematografía 2009 que concede anualmente el Ministerio de Cultura, un galardón dotado con 30.000 euros y que en la pasada edición obtuvo el actor Javier Bardem. Nacida en 1970, Maribel Verdú es uno de los rostros más conocidos del cine español actual. Ha participado en más de 60 series y largometrajes, el último, Tetro, a las órdenes de Francis Ford Coppola.

La película El año de las luces (1986), de Fernando Trueba, fue uno de las primeras películas con las que Verdú obtuvo, junto al actor Jorge Sanz, fama nacional. El dúo Verdú-Sanz configuró buena parta del cine joven español en los ochenta y noventa. También actuaría en La estanquera de Vallecas (1987), Amantes (1991), de nuevo junto a Jorge Sanz y por la que fue nominada a un Goya, y Belle Epoque (1992). En 1997 interpretaría uno de sus papeles más alabados en La buena estrella, de Ricardo Franco, filme por el que fue de nuevo candidata a un Goya de la Academia de Cine.

En 2001 volvió a la primera plana de la actualidad por su interpretación en el filme mexicano Y tu mamá también, de Alfonso Cuarón. Este papel supuso su salto al circuito cinematográfico internacional. Su primer Goya como mejor actriz protagonista llegó en 2007 por su papel en Siete mesas de billar francés de Gracia Querejeta, en la que da vida a Ángela. En 2008 fue de nuevo nominada a un Goya, esta vez por su actuación en Los girasoles ciegos de José Luis Cuerda. También, el pasado año recibió la Medalla de Oro de la Academia Española de Cine.

El Premio Nacional de Cinematografía  está “destinado a recompensar la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español durante el año anterior a su concesión, o labor profesional desarrollada durante ese mismo año“, aunque en “casos excepcionales, también se podrá otorgar como reconocimiento a la trayectoria profesional”.

El jurado, presidido por el director general del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), Ignasi Guardans, está formado por el anterior ganador del premio, el actor Javier Bardem; por el cineasta Alex de la Iglesia, como presidente de la Academia de Cine; el productor Francisco Vidal, en nombre de FAPAE; el guionista y director Joaquín Oristrell, en nombre de los Autores Literarios de Medios Audiovisules, y Jorge Bosso, como miembro de la Unión de Actores, entre otros.

También han recibido este premio, que se entrega desde 1980 (año en el que el premiado fue Carlos Saura), los directores Manuel Gutiérrez Aragón, Montxo Armendáriz o Víctor Erice; los actores Mercedes Sampietro, Marisa Paredes o Carmelo Gómez; o el distribuidor y exhibidor Enrique González Macho, entre otros. Como es tradición, esta distinción se entrega cada año en el marco del Festival de Cine de San Sebastián.

Nota de Prensa: Ministerio de Cultura.

Premios Nacionales del Ministerio de Cultura.

While the term ‘Cougar’ is a relatively new definition – an older woman who ‘preys’ on young guys – the concept is certainly an age old one.  In fact, films have been exploring the subject for a long, long time.   Throughout the thirties, Mae West famously woo’ed a slew of young leading men (including a 20 something Cary Grant) and since then there have been several memorable films about this special kind of May/December romance.

Sunset Blvd. (1950)  -  Norma Desmond

Probably the most famous cougar in film (at the very least the most quotable),  Gloria Swanson’s Norma Desmond sets the mold for every modern day cougar.  She’s rich, well connected, elegant, and filled with enough promises and one liners to keep the object of her obsession, struggling screenwriter Joe, interested and around for a while.  Though perhaps a bit crazier than most cougars ( she does shoot Joe when he finally gets the balls to leave), she’s easily the most sympathetic.  For those of you who don’t know the story: aging and forgotten silent film star Norma Desmond toils away in her Sunset Blvd.  mansion – having funerals for her chimpanzes – until Joe Gillis accidentaly wanders in while trying to escape from repo men.  BOOM! Norma’s in love and thinks that Joe is the perfect man to write her comeback role… so she uses everything at her disposal to keep him in her life.

PENULTIMATE COUGAR SCENE: Norma dresses like Charlie Chaplin and gives Joe a performance as ‘The Tramp’ and his expression looks like he realizes he’s been abducted by some kind of alien. 

GREAT COUGAR LINE: Norma describes her assets to Joe:  “Shut up, I’m Rich. Richer than all this new Hollywood Trash!  I have a million dollars.  Own three blocks downtown,  I’ve got oil in Bakersfield pumping, Pumping, PUMPING!

THE GRADUATE (1967)   –   Mrs. Robinson

Coming in a close second to Norma Desmond would be Mrs. Robinson, played by Mrs. Mel Brooks… Anne Bancroft.  After reaquainting herself with young Ben Braddock (Dustin Hoffman) at his graduation party, Mrs. Robinson begins her art of seduction even though she’s roughly the age of his mother.  When asked if he finds her attractive, Braddock’s reply is classic “Oh, yes, I think you’re the prettiest of my mother’s friends.”  Their hotel rendevous eventually end quite badly when Ben starts dating Mrs. Robinson’s daughter, and the elder Robinson suddenly morphs into a crazy, Disney level evil queen.

PENULTIMATE COUGAR SCENE: The first time Ben realizes Mrs. Robinson’s intentions… trapped in Elaine Robinson’s bedroom while Mrs. Robinson quickly strips. 

GREAT COUGAR LINE: “Benjamin I want you to know that I’m available to you, and if you won’t sleep with me this time I want you to know that you can call me up anytime and we can make some kind of arrangement.”

HAROLD AND MAUDE (1971)  -  Maude

Most people think this is one of the strangest movies ever made.  Bud Cort plays Harold, a rich kid – obsessed with death- whos parents think he should settle down, so they create a series of dates that go hilariously wrong.  Ruth Gordon plays Maude, an elderly woman living life to the fullest.  Their paths intersect at a funeral, where Harold spies Maude trying to steal his hearse, beginning their adventure.  Along the way, she steals several other vehicles, as well as Harold’s heart.  Maude teaches Harold to curb his suicidal appetites and embrace life like she has.  Like with all “Cougar Films” it ends in tragedy.  Maude, for all her talk of life, transplanting trees in parks to the forrest, lecturing Harold on how sad most people are, etc… has no intention of living past the age of 80.  Indeed, he meets her on her 80′th birthday, wishing her well, only to get the reply “I took the tablets an hour ago… I’ll be gone by midnight…”

PENULTIMATE COUGAR SCENE:  Harold gives Maude a gift – a coin with the engraving “Harold loves Maude.”  Maude admires it, then throws it into a fountain right in front of him.

GREAT COUGAR LINE: “Vice.  Virtue.  It’s best not to be too moral.  You cheat yourself out of too much life.”

** RUNNER UP (this line is not uttered by the Cougar in question, but it’s too amazing not to mention.)  Priest: ” I’d be remiss in my duties if I did not tell you that the idea of  intercourse – the act of your firm, young body… comingling with withered flesh… sagging breasts… and flabby b..b..buttocks… makes me want… to vomit.”

Y TU MAMA TAMBIEN (2001)  -  Luisa Cortez

Road trip films are great, so even better that Alfonso Cuaron weaved into his mini masterpiece a cougar (Maribel Verdu) so enticing she could snag not one, but two young men (Diego Luna and Gael Garcia Bernal)! The story involves two best friends who embark on a trip to a beach called Boca del Cielo with an older woman, Luisa, that they are both attracted to.  Little do they know her situation or intentions… Luisa has terminal cancer and just found out her husband is cheating on her and sees the road trip as an opportunity to teach her two co-pilots a thing or two about the ways of the world.

PENULTIMATE COUGAR LINE: ” You have to make the clitoris your best friend.”  RESPONSE: “What kind of friend is always hiding?”

GREAT COUGAR SCENE: Near the end, in a nearly wordless scene, Luisa takes the two guys out to a restaurant, plays from the juke box and her dance is enough to attract both guys into bed with her for one of the most talked about threesomes in recent film history.

La última película de Francis Ford Coppola ha tenido una representante de lujo en su promoción en Alicante, que ha tenido lugar esta misma mañana en los estudios alicantinos.

“Tetro” es la nueva película del maestro del cine, quien se arriesga con una producción en blanco y negro para contar una de las historias más personales de su trayectoria. Maribel Verdú es la representación española dentro del film y es la encargada de representar al elenco artístico durante la promoción en España.

Maribel Verdú durante la presentación de "Tetro". | Foto: Premiere.

Un pase previo de la película a los medios allí congregados y la posterior rueda de prensa han servido para dar a conocer lo que, previsiblemente, será uno de los éxitos de taquilla en la temporada de verano. Además, Verdú se ha mostrado encantada con la idea de poder rodar próximamente en los estudios de Ciudad de la Luz y ha adelantado en primicia que algunos de sus planes de futuro pasan por rodar en Alicante.

El viernes se estrenará “Tetro” en las salas de toda España y concretamente en la provincia de Alicante se distribuirá en varias salas, una de ellas en versión original subtitulada.

trailer (espanhol/inglês)

Título no Brasil : O Labirinto do Fauno

Lançamento: 2006

Direção: Guillhermo del Toro

Leia a Sinopse

Efeitos em Mim: Triste demais para o meu gosto… É criativo, é poético, muito bem feito (como técnica, é super bem feito…) Mas meu comentário, por hora, é só esse mesmo: triste demais…

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Título no Brasil : O Labirinto do Fauno

Lançamento: 2006

Direção: Guillhermo del Toro

Leia a Sinopse

Efeitos em Mim: Triste demais para o meu gosto… É criativo, é poético, muito bem feito (como técnica, é super bem feito…) Mas meu comentário, por hora, é só esse mesmo: triste demais…

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TETRO (estreno 26 de juni0)

Género: Drama
Producción: Argentina-España-Italia-EEUU
Director: Francis Ford Coppola
Intérpretes: Vicent Gallo y Maribel Verdú

Sinopsis: Bennie, de 17 años, un adolescente inexperto e ingenuo (Alden Ehrenreich) llega a Buenos Aires para buscar a su hermano mayor, desaparecido desde hace más de diez años, el cual antes de desaparecer juró que jamás volvería a tener contacto con nadie de su familia. Procedían de una familia de inmigrantes italianos afincada en Argentina, pero debido al gran éxito musical de su autoritario padre, Carlo (Klaus María Brandauer), reconocido director de orquesta, se trasladan a Nueva York. Cuando Bennie encuentra a su hermano, el brillante y melancólico escritor Tetro (Vincent Gallo), éste no le recibe precisamente con los brazos abiertos. En lugar de ser el hermano maravilloso que era el ídolo de su infancia, el Tetro de ahora es un hombre distante y autodestructivo que cambió su nombre y ya no escribe. Anda con muletas después de un accidente en el que se quedó hipnotizado con los faros de un autobús que venía hacia él. Rechazado por su hermano, Bennie busca consuelo en la novia de Tetro, Miranda (Maribel Verdú). Alojado en el pequeño apartamento de la pareja en el barrio bohemio de La Boca, Bennie encuentra escondidos los manuscritos de Tetro en los que revela las razones del rechazo apasionado hacia su familia. Miranda, que siente cariño por Bennie, le descubre con los escritos y le advierte de que Tetro se pondrá furioso si se entera de que los ha leido. Bennie insiste en escribir el final que falta de una de las obras de teatro de Tetro. Cuando Bennie se encuentra en el hospital tras un accidente, Miranda cede y le trae el manuscrito en secreto. Tetro pilla a Bennie trabajando en él y tienen una violenta pelea. Más información.

I saw Francis Ford Coppola’s latest film today, Tetro, and saw myself finding some great things, but then finding bad things in those great things, sure the visual aspect of it all was really lavish and lovely, but you feel as though something’s missing. However I did like Tetro overall, if anything, just for the semi-autobiographical context in which it was done. Ford Coppola said at Cannes this year: “Nothing in it happened. But it’s all true.” I kinda feel that can be applied to the movie as a whole, out of any sort of context.

Ford Coppola is a master of doing operatic films, but I doubt the sheer operaticness (new word?) of his masterful Apocalypse Now was a thing he planned beforehand, same thing goes for the many larger-than-life issues of his masterpiece, The Godfather. Sure, he probably knew that he was making something epic, but I doubt he set out with such intentions. In this one, it seems as though he did set out to make it epic, and it just didn’t happen.

One of those themes in his previous masterpieces was the one of the relationship between brothers, something explored heavily of course in the first couple of Godfathers, and a big theme again in this one. This time the relationship is between Bennie, a seventeen-year-old, and his older brother, Tetro, played by Vincent Gallo, who escaped his homeland to live the bohemian life in Buenos Aires, Argentina. There, in Buenos Aires, he lives the good life with his lover, Miranda, playbed by the always-wonderful Maribel Verdú.

Vincent Gallo abandons himself in the role of Tetro, and that’s essential to any success the movie has, the way he delivers his lines, his body language, everything is done perfectly. The role itself is pretty juicy, too, and Gallo takes advantage of this, wonderfully playing Tetro, who’s father, just like Ford Coppola’s, was a famous conductor.

How he performs Tetro’s unhappiness is tremendous, and Tetro is a very unhappy person, hostile even, towards everyone except Miranda, but mostly towards his brother who comes knocking at his door one day. Bennie stays in the apartment Miranda and Tetro share, though always at a distance from Tetro himself, and one day he finds an unfinished play written by Tetro, finishes and then enters it in a competition ran by the nation’s biggest critic, played by the great Carmen Maura.

Visually the movie’s spectacular, shot in a stimulating wide-screen black and white in a style few directors can accomplish, and this is the tone perfect for the family tension Coppola displays here, a tension that sets in right away, since when Bennie enters Tetro’s place we get to see an image of Robert Mitchum in The Night of the Hunter. That scene sent some chills down my spine.

Overall, Tetro works, it works because of its amazingly good look, seriously, more films should be done in b&w, and mostly because of the great performances it shows, Gallo’s one being the most notoriously great, but the one being by newcomer Alden Ehrenreich, who plays Bennie, being the most wonderful of surprises. He deserves stardom, he deserves to get it right now, he’s the definition of revelation.

So yeah, see this one, it looks great, boasts some great performance, and marks the return of a master. It’s not a return to making masterpieces, but it’s a return nevertheless, and when it’s from someone like Coppola that’s good enough, especially when it shows such artistic renewal.

Grade: B

I saw Francis Ford Coppola’s new movie “TETRO” this past weekend. And I loved it.

It was an odd career trajectory. The guy was one of the greatest filmmakers alive, went a little nuts, made some decent but ultimately kind of middling movies (the rainmaker?!?), and then stopped really making movies all together. Sure he produced some crap in that interim, but he also produced his daughter’s movies, all of which happen to be rather good in varying degrees. And FFC finally came back to the director’s chair a few years ago  with Youth Without Youth: A strange, cryptic, sometimes inaccessible, “film schooly”-type movie that I found interesting. There’s no particular flaw with the movie, on a thematic level it makes perfect sense and provokes or entertains a great deal of ideas, but there’s a big distance between the audience and the film. Which speaks to how well it performed.

In many ways, TETRO is the complete opposite. It was an stunningly raw movie. Sure it was polished with achingly beautiful black and white cinematography.  But rather than cerebral concepts being the focus, instead it’s about family, brotherhood, fatherhood, and the nature of human relationships, love and cruelty. This is big bombastic stuff, and it’s all exposed through a very European sensibilty. Bertulucci, Fellini and Antonioni is all over this film. Especially Bertolucci. Hell you could have told me Bertolucci made it and I would have believed you. There is also another big influence of the recent Neuvo Wave (which perhaps informs the argentine setting and the casting of Maribel Verdu). The writer-actor-director Vincent Gallo plays the titualar charcter with, to use a key phrase again, a raw acting skill set. He lacks nuance, but makes up for it with a singular, focused presence. His low key, urbane accented speech could come across as “bad” to some, but I found it rather refreshing. Playing his girlfriend, Verdu is the absolute best part of the film,then again her role is that of a consilidator and she’s insatiably likable so it is hard not to love the performance.

But most people will be talking about Alden Ehrenreich. He’s a newcomer. Discovered by Speilberg. He looks a LOT like a young Leonardo Dicaprio (see picture on top left). And thankfully he’s great in this. He’s all useful innocence and mitigated charm, and subtle angst, and hopefullness and all that stuff that makes characters like these my favorite kind of main characters (coming of age stories I guess would be the designation).

And sure, TETRO is not perfect. There’s a lot of unfocused strings near the end, and a little heavy handedness in the finale, but all that is meaningless. In some ways it has to end the way it does, but more importantly the film is just a joy. If you like great movies with an heir of worldiness and some challenging form, definitely go see it.

And if that doesn’t convince you you get to see Maribel Verdu’s boobs.

Fresh faced and naïve, 17-year-old Bennie arrives in Buenos Aires to search for his older brother who has been missing for more than a decade. The family had emigrated from Italy to Argentina, but with the great musical success of their father Carlo, an acclaimed symphony conductor, the family moved from Argentina to New York. When Bennie finds his brother, the volatile and melancholy poet Tetro, he is not at all what he expected. In the course of staying with Tetro and his girlfriend Miranda, the two brothers grapple with the haunting experiences of their shared past.