Is this:

Well, I think it takes way too long to wait for Christmas…

“Photographing fashion, British Style in the Sixties” is a collection of Britain’s most important sixties fashion images, that have remained unseen. Expect photo’s from  John Cowan, Terence Donovan, John French and Patrick Hunt, and clothing from Mary Quant, John Bates, Gina Fratini, Foale & Tuffin, Biba, Jean Muir, and Ossie Clark.

Photographing Fashion: British Style in the Sixties by Richard Lester, 192 pages, published by ACC Editions (31 Oct 2009), ISBN-10: 1851496009, ISBN-13: 978-1851496006.

You can buy it here and even here!

Seja ela bordada em tapeçaria, com malhas de metal, ou ostentando o luxo da Belle Epoque. O fato é que, com o passar dos anos, a bolsa cada vez mais se consolida como um acessório indispensável para guardar desde itens pequenos, como batom ou brincos, a livros e pecas do vestuário. Relatos históricos comprovam sua existência muito antes da Idade Media. As bolsas também fizeram historia nos séculos XVI, XVII, XVIII, XIX e XX. E através da bolsa que, artistas como Paul Poiret, Gabrielle Chanel, Emilio Pucci, Mary Quant, e o consagrado Louis Vuitton, alcançaram o sucesso. E por meio da arte e da moda, a bolsa evoluiu ao longo das décadas: 20, 30, 40, 50, 60, 70, 80, e 90.

Não existe na história, referências de como seria a primeira bolsa. Mas desde o início dos tempos a comunicação já estava enraizada na vida humana e os povos primitivos já retratavam uma série de símbolos através das pinturas rupestres (pinturas em rochas). Esses povos registraram através dos desenhos seus costumes. Foram achados pinturas com imagens femininas com bolsa penduradas no braço. Os grupos pré-históricos eram nômades e se deslocavam de acordo com a necessidade de obter alimentos. Como já haviam descoberto que a pele dos animais servia para a proteção do corpo, podem ter desenvolvido também um sistema de receptáculos para carregar e proteger suas caças.

Uma das primeiras citações sobre bolsa feminina, encontra-se na Bíblia, no livro de Isaías, capítulo 3:16, que diz:

“Naquele dia tirará o Senhor os seus enfeites: os anéis dos artelhos, as toucas, os colares em forma de meia-lua, os brincos, os braceletes, os vestidos, os diademas, as cadeias dos artelhos, os cintos, os amuletos, as caixinhas de perfumes, os mantos, os xales, as bolsas, os espelhos as capinhas de linho e as tiaras.

(Essa palavras foram escritas entre os anos de 750 a.C.)

O Alforje- era um saco de couro que podia ser usado na cintura, nos ombros ou na sela dos animais. Foi a bolsa utilizada principalmente pelos homens para carregar alimentos ou dinheiro durante a Idade Antiga.

Por Kelly Betina Veronez
Fonte: Sinacouro

So while playing the board game “Apples to Apples”, the judge unfolded the adjective “handbag” and without a flinch I banged out my red card with the noun “furry”.  To my self proclaimed vainglorious wit as to what the other red cards may utter, I stand imperviously to my latest edition of trend cyclopedia, which blingingly states furry anything is oh so fabulous.  I’m a stout of an animal advocate as the next PETA member itching to throw red paint at the next chinchilla wearing Cruella De Vil so let s just make the reference of “furry” synonymous to “faux”. 

It’s like what Mary Quant the inventor of miniskirt articulated, “fashion today knows no rule.”  Accept it because we’ve waggled back to the age of furry wearing fabulosity.  I have this vintage caramel color fur trimmed suede vest that I have been pining to wear since the beginning of this summer. Albeit Southern Cal’s November 80 degree weather, I won’t be rattled by this slight set back because fur is what’s hot and will be in trend for a while. I’ve already fashioned wearing the furry vest over my simple Helmut Lang semi sheer long sleeve tee (hip length, airy looking but not oversized) with my jet black Ksubi super skinny jeans, and my absolute favorite pair of Chloe brown snake skin 4” knee high boots very soon.   To downplay the flashy fur and the snake skin I’ll probably tone down the outfit with a subtly edgy handbag like the burnt caramel color Botkier Aiden Satchel.   My style motto is “simple yet put together”; but again fashion has no rule so if you feel good you’ll look good. 

Seriously fur is such a multidimensional style statement that can be blended for any occasion.  If you don’t like wearing fur, a furry accessory will do just as well. One of my fav is the EKatrina Samantha clutch from the Samantha collection; a perfect adornment to enhance sophistication as well as playfully spice up a party dress for a night in Hollywood.  Can’t get any better than a beautiful clutch in one hand and a buttery nipple on the other!

I like the sharp looking Fendi Taffeta dress because it’s so modern yet classy looking and definitely will look great with the EKatrina Samantha clutch.  On the flip side the same EKatrina Samantha clutch is also chic enough to be worn on a night out hitting up Hollywood’s best party scene.  I find myself obsessing over the sold-out black Camilla And Marc dress in size 2, so sexy but not hooched out; if anyone has the scoop on where I can snatch one let me know! 

The evening/nightlife + clutch look is not for everyone but one cool casual option to kick in the fur trend for daily wearability is the Lara bag from EKatrina’s Samantha collection. I know I know at first sight the Lara might look like a curled up raccoon ball but the bag is not overwhelming at all in person.  Look at how cute it’ll look with a pair of AG boyfriend jean and that gorgeous Golden Goose shirt; again if anyone know where I can find that shirt email ASAP! 

OK I feel the need to shop now!

Twiggy e sua revolução chamada mini-saia

Não é mera coincidência a liberação das mulheres acontecer na mesma época que aparecem as mini-saias na hoje mítica década de 60. Depende de quem conta a história, Mary Quant ou André Courrèges a inventaram, mas a revolução veio das ruas, com meninas que assim como Twiggy levantaram as saias não por submissão aos homens mas por vontade própria, pra mostrar que tinham o poder e a liberdade ou ainda a liberdade de poder. O mesmo podemos pensar sobre o terninho ou smoking feminino de Yves Saint-Laurent, são dos mesmo gesto, o gesto de autoafirmação positiva do status de liberdade para vestir o que bem entender.
Já comentei aqui no blog sobre o papel político importantíssimo das roupas em contraposição à imagem de alienação que foi grifada para todos que lidam com moda. Percebo também que esse papel muitas vezes se silencia no meio de moda como aconteceu sobre o fato que conto logo abaixo e só comprova os tempos extremamente conservadores que vivemos.
Se os universitários dos anos 60 estavam a favor da liberdade [claro que essa é a visão vencedora, pois tinham os chamados reacionários também, basta lembrar dos confrontos na Maria Antonia entre os uspianos e os mackenzistas), a imagem dos estudantes do ensino superior que se impõe no anos 2000 é a dos que frequentam o campus da Uniban em São Bernardo do Campo.

Foi lá que a estudante de Turismo, Geysi Vila Nova Arruda, 20, foi hostilizada pelos alunos da faculdade por estar usando uma mini-saia. Teve que sair escoltada pela PM aos gritos de "puta".
“Se eu não voltar para a faculdade, vou assumir uma culpa que eu não tenho”, disse a estudante numa clara atitude de resistência.
Muitos telejornais, programas da tarde da televisão exploraram o assunto nesses dias, mas tudo tratado como caso isolado de uma mentalidade reacionária localizada. Não sei bem se é tão localizada assim e não um resultado, um sintoma dos tempos que vivemos hoje.
Os vestidos estão sim mais curtos, no mundo todo, e sim, eles se parecem muito com os trajes das garotas de programa, mas isso não é motivo de escândalo e hostilização como o que aconteceu com a estudante.
Por isso, mulheres de todo o mundo levantem suas saias e saiam na rua se isso continuar a acontecer!

Quem diria que Mary Quant, lá nos anos 60, inventaria uma peça de roupa capaz de despertar tanto ódio

Outubro de 2009, século XXI, São Bernardo do Campo, cidade do complexo ABCD, pedaço do Brasil dos mais pujantes dentro do mais pujante estado e que se auto-vangloria de ser cosmopolita e moderno – São Paulo. Setembro de 1968, século XX, Atlantic City, Estados Unidos – então a maior potência mundial, título que ainda ostenta embora ultimamente bastante alquebrado pela crise -, controverso episódio Bra-Burning, ou Queima de Sutiãs, para os íntimos. Apenas quatro anos antes, a estilista Mary Quant havia criado a ousadíssima minissaia.

Uma distância de exatos 41 anos entre os dois períodos destacados não foi suficiente, no entanto, para evitar a execração pública de uma jovem de 20 anos,  estudante de Turismo da Uniban, no “B” do centro industrial paulista, que resolveu ir à aula com um vestido curto, não tão mais curto do que qualquer menina de hoje em dia usa na rua no nosso ensolarado e calorento país.

O que pode ter acontecido, fico me perguntando, ao mesmo tempo em que relembro as cenas de uma faculdade em fúria, alunos agitados, de celulares em punho gravando o acontecimento e prestes a pular em cima da moça? Centenas de homens e mulheres engrossavam os gritos de “puta! puta! puta!”, enquanto ela saía da sala de aula em que havia se refugiado – na tentativa frustrada de aguardar que os ânimos se acalmassem – visivelmente constrangida e escoltada por cinco policiais. “Eles estavam possuídos. Fiquei com muito medo”, disse a jovem, depois do ocorrido.

No que pensavam as moças e rapazes que se concentraram de forma ameaçadora expressando sua opinião intolerante em relação a uma minissaia? Que nem era tão mini assim conforme se vê no vídeos postados no Youtube pelos universitários… Penso na palavra “moral”, na expressão “bons costumes”, mas nada disso faz sentido quando se trata da massa revoltada.

São os mesmos que nas baladas se orgulham de ter beijado não sei quantos ou não sei quantas numa única noite, os mesmos que têm cada vez mais liberdade para dormir com seus namorados (as) na casa dos pais, que se reúnem em grupos identificados justamente pela roupa que vestem, que alardeiam a prática do sexo e curam suas consequências com a pílula do dia seguinte. Que contradição é essa? Hipocrisia?

E, mais do que isso, trata-se de jovens estudantes que, na academia, deveriam estar assimilando conteúdo, aprendendo a eliminar o preconceito, a respeitar os outros e usar da criatividade em prol da sociedade. Mas não, eles se aglomeraram para “protestar” contra a minissaia da colega. Me impressiona mais ainda o desprezo expressado no diálogo entre duas mulheres cujas vozes soam ao fundo da gravação: “Ela tá chorando gente”, uma delas se solidariza. Enquanto a outra cospe: “Dane-se!”.

Pernas femininas continuam virando a cabeça deles e delas

Injustificável a postura masculina diante do episódio, já que vivemos num mundo machista, apesar de quererem nos convencer de que as coisas estão mudando, porém imperdoável para as mulheres. Porque não a solidariedade? Porque não a proteção? Porque não a identificação? Por acaso aquelas meninas se sentiram ameaçadas no seu território? A jovem de vestido curto é uma ameaça para seus namorados, amantes, maridos, ficantes? Questão complexa, essa, até porque as escolas têm se transformado em verdadeiros desfiles de moda. Atualmente, meninas, adolescentes e jovens se arrumam para a escola como se estivessem indo pra uma festa, visando alcançar objetivos nada acadêmicos.

Este episódio reflete, a meu ver, uma crise de valores pela qual passa a sociedade contemporânea. Não já disseram que o direito de um termina onde começa o direito do outro? O que a jovem do ABC fez de tão ofensivo à alma e à conduta dos demais estudantes da Uniban? O que os estudantes da Uniban queriam fazer com essa moça, ao tentar invadir em massa a sala de aula em que ela se refugiara?

A contemporaneidade exige comportamentos e posturas diferentes, as coisas andam muito mais flexíveis, ainda que muito à beira do precipício do exagero. Só que não é possível voltarmos ao tempo da barbárie, do tacape e dos puxões de cabelo. Porque um vestido curto foi associado à prostituição? O que há de diferente nessa moça das top modelos das passarelas que mostram seus corpos, das atrizes que fazem cenas de sexo na novela das 19h e das meninas que saem à noite vestidas para matar o primeiro incauto que aparecer?

Chocante a atitude dos alunos, homens e mulheres, surpreendente a posição do segurança da faculdade: “Mas também que roupa curta, hein?”, disse irônico e desrespeitoso após ser chamado para proteger a aluna da turba desenbestada. Enfim, todo esse episódio me cheira àqueles comentários absurdos e neanderthais que, não raro, alguns fazem ao saber de notícias de estupro. “Ah, mas ela deu lugar, né? Com aquele vestido provocante, queria o quê? Nenhum homem aguenta…”. Mary Quant não poderia imaginar que sua invenção fosse alvo de tamanho ódio e rejeição tanto tempo depois.

After showing minimal Swedish style and the evolution of underwear this year, the Fashion and Textile Museum has gone back to its favourite era to honour the influential but somewhat overlooked, Foale and Tuffin.

Sixties design legends Mary Quant, Ossie Clark and Biba are considered the leaders of the swinging London style movement, but those that were lucky enough to be there will remember that Foale and Tuffin was ‘what cool girls wore’.

Marion Foale and Sally Tuffin played a major part in London’s ‘Youthquake’ and were the label to be seen in by the Mod girls of Carnaby Street and posh bohemians on the King’s Road.  Replicating couture by Paris-based designers like Dior and Balenciaga was the most likely career route for RCA graduates, but Foale and Tuffin wanted to break out and create their own functional but stylish clothes for Britain’s new independent and free-spirited girls.

Foale and Tuffin’s designs have an apparent femininity and innocence, but there is no key formula to their style.  They have gone from creating pop and sports-inspired shift dresses to moody, Bloomsbury-style smocks with wallpaper prints in dark ochre and bottle green.

Wandering round the exhibition, I felt a bit nostalgic for all my handmade childhood clothes, which were obviously inspired by Foale and Tuffin. There were look-a-likes of my beloved purple wool coat with grey corduroy lapels from when I was four years-old and my dark floral smock dresses.  Even the sixties soundtrack being played reminded me of Sunday afternoons spent having fittings and playing with the mannequin in my grandma’s sewing room.

For the exhibition, they have recreated the Foale and Tuffin boutique, workroom and design studio. You can see their exquisite sketches and illustrations, their sewing table and patterns and images of models like Twiggy wearing their clothes on the covers of Vogue, ELLE and Harper and Queen.

 Foale and Tuffin’s influence on fashion is still evident today – the resurgence of velvet and lace, Liberty prints, floral dresses and boyfriend jackets can be pinpointed back to their collections.  Psych girl band Ipso Facto, VV Brown and even, dare I say, Peaches Geldof owe their style to Foale and Tuffin.

I love it that Fashion and Textile Museum hasn’t relied on drawing the big name designers to get fashion lovers through the door but has once again offered an alternative education on fashion history beyond the mainstream.  The range of garments and the fine attention to detail make it the must-see exhibition of the season – I can’t recommend it enough!

Foale and Tuffin: Made in England runs from 23 October until February 2010.  Ticket prices are £6.50 for adults, £3.50 for students and concessions, free entry for under 12s.

Fashion and Textile Museum, 83 Bermondsey Street, London SE1 3XF

Model in Pauline Trigère Evening Dress, photographed by Henry Clarke in the December 1, 1966 Vogue.

“There is a marvelous moment that starts at thirteen and wastes no time. No longer waits to grow up, but makes its own way, its own look by the end of the week. The dreams, still there, break into action: writing, singing acting, designing. Youth, warm and gay as a kitten yet self-sufficient as James Bond, is surprising countries east and west with a sense of assurance serene beyond all years.

First hit by the surprise-wave, England and France already accept the new jump-off age as one of the exhilarating realities of life today. The same exuberant tremor is now coursing through America – which practically invented this century’s youth in the first place.

The year’s in its youth, the youth in its year. Under 24 and over 90,000,000 strong in the U.S. alone. More dreamers. More doers. Here. Now. Youthquake 1965.”[1]

Diana Vreeland came to work at Vogue as editor-in-chief in 1963, and from her first day there, the pages of Vogue reflected “the Swinging Sixties.” Youthful models replaced the prim society figures featured in the past, and they wore the newest fashions from young designers. Moreover, the jet liner suddenly made fantasy fashion shoots possible, and Vreeland sent her teams to exotic locales in Africa, India, Turkey, China, Japan, and South America. The once-unattainable was now a reality.

The scene started with Mary Quant in London at her Chelsea boutique, Bazaar. Working first with a milliner, she set out to design “absolutely twentieth century fashions.”[2] Perhaps her greatest achievement was the miniskirt, which Vogue promoted by declaring that the fashion for skirts was only going to be “short, short and shorter.” And the perfect models to wear these fashions were Jean Shrimpton, Twiggy, and Penelope Tree.

Jean Shrimpton modeling a miniskirt, photographed by Gianni Penati in the March 15, 1969 Vogue.

These three British faces graced the pages of Vogue, and yet each had a completely different look: Shrimpton with her proper British style, Twiggy with short hair and pencil-thin legs and arms, and Tree with long hair and doll-like eyes. All were to become fashion icons.

In addition to these British beauties, the magazine promoted other models unique to the time. Veruschka (Vera von Lehndorff), standing at 6’1”, was likely Vreeland’s favorite, as she reportedly exclaimed on first seeing her, “Oh, she’s marvelous – look at her body!”[3] By the early ’70s, Veruschka had been featured on the cover of Vogue 11 times. With these four talents, Vreeland fully developed the new “ideal beauty” in her pages.

Veruschka at Lake Tanganyika in Tanzania, photographed by Henry Clark in the January 1, 1965 Vogue.

New models and new clothes, however, were not enough. In London, the boutique was all the rage, offering of-the-minute fashions, which flew off the shelves as fashion became more and more disposable. The U.S. lagged behind Britain in the boutique phenomenon, but not for long. The July 1965 issue of Vogue began the newest feature by Carrie Donovan: “Vogue’s own Boutique of suggestions, finds and observations,” also known as “Vogue Boutique.” Little shops in Manhattan, as well as in California and the rest of the globe, were featured, and fresh, young designers began to receive recognition for their innovative work.

In 1965, Paul Young brought the British boutique to New York with his Madison Avenue store Paraphernalia, which quickly made its way to the pages of Vogue. In addition to importing British designs by Mary Quant and Ossie Clark, Young hired emerging American designers, such as Betsey Johnson, who is still designing today. Andy Warhol and his Factory Girls, Baby Jane and Edie Sedgwick, along with socialites, celebrities, and average teenagers, flocked to Paraphernalia and its branches across the U.S., where the theme was “…anybody who takes fashion seriously is ridiculous. I mean they’re just clothes. Therefore they should be fun, and nothing about wearing them should be taken seriously.” [4]

Everything was new, everything was young, life was outrageous – and most, if not all, was captured by Vogue.

[2] Ewing, Elizabeth, revised by Alice Mackrell, History of the 20^th Century. (Lanham, Maryland: Barnes and Noble Books, 1992) 179.

[3] Dwight, Eleanor, Diana Vreeland. (New York: William Morrow, imprint of Harper Collins Publishers, 2002) 156.

[4] Lobenthal, Joel, Radical Rags: Fashion of the Sixties. (New York: Abbeville Press, Inc., 1990) 78.

Twiggy, photographed by Bert Stern in the March 15, 1967 Vogue.

Cher modeling a minidress at the San Francisco boutique Paraphernalia, photographed by Arnaud de Rosnay in the August 15, 1967 Vogue.

Penelope Tree, photographed by Arnaud de Rosnay in the October 15, 1967 Vogue.

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I noticed that a Mary Quant shop is going to open in the Duke of York Square, off the Kings Road in Chelsea. Looking forward to it. 

Stander i Chanel

Lige siden Michelle Ménard, i 1920′erne gjorde det populært for kvinder at male deres negle har det været en ongoing trend, der aldrig er gået af mode, og da Max Factor i 1927 slog igennem i USA og tilføjede en polércreme i sin “Society Make-up”-linie, blev neglelakken for alvor populær.

I 1920′erne og 30′erne blev det afskrevet som værende dårlig etikette at male sine negle i diverse bøger om samme tema, men Hollywood-stjerner som Greta Garbo og Joan Crawford slog disse bøger i jorden og bredte trenden ud blandt normale mennesker, der ville udvise lidt kant, og udviklingen gik i den rigtige retning, da Brødrene Revson sammen med deres Kompagnon Charles Lachmann, grundlagde make-upfirmaet Revlon, og opfandt pigmentbaseret neglelak, med mange nye nuancer, såsom Deep Berry. Sammen med det opfandt de konceptet, hvori man matchede neglelak med læbestift.

Mary Quant, der opfandt miniskirtet, skabte en epoke, da hun i 1966 sendte en kosmetiklinie ud der indeholdte pastelfarvede og hvide nuancer. Dette affødte også ideen om at matche sin neglelak med sit outfit.

Chanel

40+ år senere tog Peter Phillips, der er creative director of make-up for Chanel, Mary Quant’s idé og videreførte den, da han skabte den meget omtale jade-farvede neglelak til mærkets 2009 efterårs-show.
Karl Lagerfeld ønskede sig en grøn neglelak der kunne resonere med kollektionens jade-grønne toner.

Cosmic Violine - Chanel

Og Chanel har vist sig at gøre neglelakken, the next big thing. Hvor det tidligere har været de meget lette, pudder-agtige farver der har været store (og stadig er det), bliver det til efterår, de meget mørke og bastante farver, i rødbrune, mørkebrune, mørkelilla og brunorange toner der kommer til at dominere gadebilledet. Disse meget teatralske farver, skal samtidigt matches med læbernes farve.

Pudderfarver fra Chanel

Er du stadigt til det lidt mere sikre og nedtonede, kan du i efteråret sagtens vælge en rolig og lys neglelak, til en lækker blazer og nogle skinny-jeans. Hullede bukser er bestemt også stadig et go.

Tak til Chanel i Illum, og Style.Com

A música

A música pop e suas estrelas nos anos 50 e 60 começou a influenciar muito no modo de vestir no jovens da época. Os casacos, as gravatas estreitas, os sapatos de camurça, os penteados com popa para os homens e os petticoats e rabos de cavalos para as mulheres se tornaram populares. Nos anos 60 as tendências começaram a diversificar-se. Os Beatlles, usaram ternos de couro, os The Who também usaram ternos completos mas também usavam calça Jeans e t-shirt. Os jovens fãs copiaram rapidamente. Os jovens politicamente ativos, vestiam-se como seus ídolos, influenciados pela música folk americana como a de Bob Dylan. Todos esses músicos tocaram no festival de Woodstock.

“Swinging London”

Nos anos 60 a moda britânica começa a se impor à moda francesa, tornando-se vanguarda internacional, estilistas como Mary Quant, Bárbara Hulanick, e muitos outros ditaram as tendências. Quem quisesse ser moderno olhava para o que se passava na Swinging London. Mary Quant Foi a inventora da minissaia, junto com Courréges. Ela se inspirava nas tendências das ruas, de acordo com o modo de vida da juventude. Em 1963, Mary Quant alcança o êxito, depois de alguns dos seus vestidos curtos e direitos terem sido apresentados na Vogue. Ela captava facilmente os sinais do seu tempo. Não fazia diferenças entre o vestuário do dia e da noite e rejeitava a idéia de apresentar duas coleções anuais. Suas idéias logo se propagaram por toda Europa: gabardinas em PVC, shorts para os jovens, e grandes malas para usar a tiracolo. Mulheres de todas as idades usavam saias cada vez mais curtas, que mal tapavam os glúteos. A invenção dos collants sem costura, contribuía muito para o sucesso desta minimoda extrema. Eram lançados no mercado collants de todas as cores e padrões possíveis e imaginários, tornando-se um elemento decisivo do vestir da moda.

Mary Quant e modelos

Dress for sucess

Na década de 80 o mundo da moda despediu-se da idéia de que moda significava um só estilo, uma só tendência. Impõe-se portanto, a diversidade de estilos, e originalidade artística está em saber utilizar as citações e relaciona-las umas com as outras.

Madonna é um exemplo da forma como os diversos elementos podem ser conjugados. Sua originalidade deve-se a uma combinação minuciosa de música movimento e vestuário sensual, tanto no palco como nos videoclipes. A mulher ideal dos anos 80 era esguia, musculosa e ambiciosa, com êxito em nível profissional e pessoal. E foi sobretudo essa ambição, que se manifesta em muitos domínios e também na moda que tornou Madonna num ícone dos anos 80.

Madonna 80´s

Fim do Século

Os anos 90, continuaram a seguir as tendências inauguradas na década de 80, não criaram nada novo, mas produziram várias variações de silhuetas e estilos já conhecidos. Na moda juvenil observou-se um revivalismo da moda dos anos 60. As regras de etiqueta são menos rigorosas do que no séculos passados, sendo possível usar uma legging para ir ao teatro. Porque o que conta é agir da maneira que seja mais confortável. Uma moda democrática que permite combinar os mais diferentes tipos de design.

De ilustrador freelancer a um dos principais estilistas britânicos, John Bates foi um dos nomes mais quentes da moda entre os anos 60 e 80 e supostamente o verdadeiro criador da mini saia.

Embora alguns historiadores tenham atribuído a criação a André Courrèges, em Paris e outros afirmado que foi Mary Quant, em Londres, a quem diga que John Bates foi o primeiro.

Se não foi o criador dos mini, John Bates foi um grande contribuidor para propagação da peça.  Ele desenhou o figurino para Diana Rigg na quarta temporada da série de TV birtânica The Avengers (Os Vingadores), incluindo o que ele chamou, “o menor traje no mundo.”

Twiggy para Vogue em 1967 e Diana Rigg como Emma Peel de Os Vingadores, ambas vestindo Jean Varon

O estilista que quase tornou-se um  trabalhador braçal nas minas de carvão ao lado do api e dos irmão, começou a sua carreira assinando as peças com o pseudonimo de Jean Varon, pois dizia que os nomes franceses transmitiam mais glamour e credibilidade no mundo da moda. Ele queria criar moda uma acessível para todas as mulheres.

Nos anos 70, ele começou a desenhar belíssimos vestido de noite com bordados elaborados e lançou a nova marca, assinadas com seu verdadeiro nome.

Ele era provavelmente o mais influente criador de 1960. Seu nome está os quatro grandes nomes da moda britânica na década de 1970 juntamente com Mary Quante Zandra Rhodes.

[imagens 'John Bates: Fashion Designer' de Richard Lester]

Mon premier rouge à lèvres c’était un Mary Quant. C’était un bel étui en métal brossé avec une petite fleur dessus. Le rouge était orange irisé et il sentait bon.

Justement la petite fleur, non pas celle de Yoplait mais celle de Mary Quant: La marguerite était le symbole des années 60.
La petite fleur symbole du rejet de la différence des classes, du racisme et de la guerre.
Le Flower Power.
Mary Quant ouvre sa première boutique en 1955. Quelques années plus tard elle doit son succès à la mini-jupe même si à ce jour on ne sait qui de Mary Quant ou de Courrèges en est l’inventeur.
Mais Mary Quant c’est aussi:
 

  Photo issue du livre la mode au siècle des créateurs. Charlotte seeling.

 Les faux cils.
Les pulls moulants.
Les ceintures tailles basses.
Les collants de couleurs.
Le maquillage aux teintes vives et nacrées.
L’oeil maquillé oeil de biche.
la coupe au carré à la Vidal Sassoon.
Les chaussures en plastique.
Les impermèables en plastique.
L’intérieur de la Mini 1000 ( Sièges rayés en noir et blanc avec le tableau de bord rouge)
Et le rouge à lèvres orange irisé qui sentait bon.

Lorsque la reine l’invita pour la décorer de l’Ordre de l’Empire Britanique elle s’y rendit tout naturellement en mini-jupe.  YES!

La minigonna è una gonna con un orlo che arriva molto sopra il ginocchio. Dopo la Prima Guerra Mondiale le gonne delle donne cominciano ad accorciarsi, intorno aglli anni 20 le giovani donne cominciano ad accorciare le loro gonne fino ad arrivare sopra il ginocchio.

L’origine di questo mito è stato assegnato a Mary Quant, che fu ispirata da un altro grande mito l’automobile Mini, questa gonna diventa simbolo degli anni ‘70 ed è considerato simbolo della  Swinging London.

La minigonna la possiamo portare corta, cortissima con gambe belle e affusolate. Ci lascia quel vedo non vedo che stuzzica l’ uomo. La mini gonna è simbolo di sensualità,sempre se si è in grado di portarla, l’accostamento minigonna-calza velata-tacco alto, anche no!!!!!! Evitiamo al 100%. Indossa la tua mini con ballerina, sandali bassi, stivali ovviamente sempre bassi…..

Ela vem de um mundo onde a moda não tinha regras, e as pessoas eram livres para criar o que tinha na cabeça, parece que eu estou vivendo um pesadelo, meu deus em pleno seculo 21…. por isso eu afirmo e repito eu sou total sec 20. um brinde a Mary quant!

Went through my Velvet Underground phase at 14-15 (a long, long time ago now) and came out the other side, but this book sparked a fair few memories. £1, from the car boot sale at Sayers Common, and worth every penny for the nostalgia.

I suspect it might be similarly long-ago that I last wore lace tights, or indeed, tights in any bright colour, but these caught my eye (50p, Brighton Marina car boot sale). I will be wearing them with a suitably long, plain and demure skirt this time around, however.

Put on your go-go boots!

58 of 250

• Red dress last seen here, from Ann Taylor Loft– $20 on sale with coupon
• White headband purchased for an old job, from CVS– or was it Food Lion? So random.
• My favorite felt flower pin from long ago, last seen here
• Pink patent vintage purse, purchased from eBay in 2003 or 2004
• White AK Anne Klein sandals from DSW, circa 2007

There’s something about minis and headbands and white shoes that puts me in mind of Mary Quant.  Or an old airline hostess.  Come to think of it, I do have some white gloves…

Peggy Moffit in a Mary Quant Mod-Bob wig by Vidal Sassoon

We have the Brits to thank for the mod movement if not the existence of the clothing boutique itself.   And perhaps most of our gratitude for both should rest at the feet of Mary Quant, maybe the most influential designer/boutique owner of the 1960s.

First, a word about the word: mod.  Mod as a fashion, music, and lifestyle descriptive term derives from the term Modernist, first coined in the 1959 novel Absolute Beginners by Colin MacInnes to describe modernist (or mod) jazz fans versus traditionalist (or trad) jazz fans.  The mod subculture is a British one (brought to America with the British invasion) born in Swinging London when British teens began to rebel against the boring, staid and traditional 1950s culture, be it music, fashion or film.  With the beatnicks and teddy boys (1950s dandys) as their predecessers, mods look to French art films and Italian fashion for their style cues.

And at the forefront of the movement is Mary Quant.  In November of 1955, Mary opened her first boutique, Bazaar, in Chelsea on King’s Road with her husband Alexander Plunkett-Greene and an accountant, Archie McNair.  Unable to find the pieces she wanted to sell, Quant began designing and creating her own looks, most notably the mini-skirt.  Crediting Quant with the creation of the mini-skirt is somewhat controversial as Andre Courreges was putting out minis at the same time.  But there is no doubt that she popularized them and moved them into the mainstream, along with hot pants and Twiggy, the iconic mod model.

Mary Quant & her models

So what makes the mod look?  Well, there is the afore-mentioned mini skirt (usually in an a-line shape) generally worn with flats and maybe a boxy jacket or cardy.  Or you can take a more pop art approach and work with bright colors usually offset by dark trim details.  Or think Italian design elements, like sleek, sophisticated cigarette pants again with flats and a trapeze jacket or artist-style smock.

Mary & the Mini, named for her favorite car

As far as celebs go, the top contender for rocking the mod look today is Zooey Deschanel, especially when she’s in She & Him mode (fronting her band with M. Ward).

M. Ward & Zooey Deschanel of She & Him

And what line of clothing does Ms. Deschanel seem to prefer for her mod look? Why, Dear Creatures, of course.  Here she is in the Nine to Five dress:

Zooey in Dear Creatures' Nine to Five dress

We are thrilled to be carrying Dear Creatures at Minx.  We’ve got the Nine to Five dress in the richest mustard yellow with brown piping for only $83.  Just perfect for that mod look.  This one’s got Mary Quant written all over it!

Nine to Five Dress from Dear Creatures $83

Thanks to the Come Spy with Me blog for the Mary Quant pics!

British Style Genius. BBC2 11.50 to 12.50am

British Style Genius is a homage to the democracy of fashion- the idea that Britain has achieved the feat of providing high-end fashion at high street prices. We, as the consumers, occupy the unique and privileged position of having fashion accessible in every town of Britain, where every street doubles up as a catwalk.

One of the opening lines in the show, from 60s supermodel Twiggy, is: “We forget how much the British fashion industry has achieved, and it deserves a show dedicated to it.”

From this point on, it becomes abundantly clear that this will not be a diagnostic analysis of British fashion. The show is unapologetically charmed and enthralled by the country’s most eccentric and extrovert industry.

Much of the show is, inevitably, a whistle stop tour of all the designers that have impacted on modern British life- Mary Quant, Alexander McQueen and an uncompromisingly camp Ozzy Clark all lay their claim as the founding fathers of today’s high street.

It is a bright eyed, bushy-taled self-aggrandisement and a paean to the swinging 60s, when both music and fashion exploded on the streets thanks to the cottage industries of Mary Quant and Vivienne Westwood.

But British Style Genius really comes into its own when it focuses on the apparently seismic significance of the marriage between Kate Moss and Topshop.

Indeed, the show is so effusive about the impact of both Kate Moss and Topshop on Britain’s fashion conscience that Philip Green was probably wondering why he bothers spending so much cash on advertising.

He spends much of the show looking so pleased with himself you half expect him to reach round and pat himself on his back, or at least get one of his handlers to do it for him.

The sight of Kate Moss discussing her Topshop range with Green and a bunch of publicists and Topshop number crunchers is rare.

Kate Moss’ success has been built on her ability to divorce her personality from her public persona. She is a supermodel, constantly in the public sphere and the central fashion icon of her generation, but has simultaneously managed to largely conceal her personality from public consumption, building a kind of mystic aura in its place.

And who can deny, she more than ticks the boxes. She looks fucking good.

Sat in a Topshop office, she is told how many separate items of her range were sold in the first week. She seems girly and flirtatious and eager to please, and also remarkably normal. The amount of control she appears to command over her own collection seems to extend to saying whether she did or didn’t like this or that piece of clothing, and not much more.

For those who perceive her as having an almost totemic, messianic significance for the aspiring youth of this country, and whom consume everything she touches, I can imagine this was quite an anticlimactic experience.

The show argues that she represents a generational aspiration, but by unwittingly separating Kate Moss from the Kate Moss persona, it succeeds in unwittingly exposing her limitations. By revealing her as plain old Kate, the allure she has worked so hard to build is quickly wiped away.

One can see why she is a marketers dream, embodying the every-woman and the unachievable woman, but offering little more than a figurehead – a moving, smiling mannequin.

The high street is selling the idea that, even if you can’t look like Kate Moss, you can dress like her. This is, for some, a wonderful ideal and, for others, a worrying portent. Not that you’d know it from British Style Genius.

MARY QUANT

Mary Quant was born on 11 February 1934 in London.

She was educated at Goldsmiths’ College of Art. In 1957 she married Alexander Plunket Greene, whom she had met at art school. Together, the two of them with another friend started a shop in the King’s Road, Chelsea, called “Bazaar”. Underneath, they had a restaurant called “Alexander’s”.

In the 1960s she won a number of design awards and in 1966 Mary Quant was awarded the OBE. Her designs proved particularly popular in the sixties, most notably Mary Quant designed the mini-skirt which became emblematic of the decade. In 1966 she branched out by founding Mary Quant Cosmetics.

Mary Quant won the Hall of Fame Award, British Fashion Council in 1990.

In 1999 Mary Quant told the BBC World Service:

“I grew up wanting to design clothes. The whole thing hit me at a very early age. In fact, I’m still in disgrace for cutting up a bedspread when I was ill with measles, aged something like six or seven. I think it started for me in that I inherited my clothes, as a child, from a cousin. And I must have been a very self-conscious child. Because I thought they weren’t me.”

Mary Quant, estilista inglesa, começou sua carreira abrindo uma pequena boutique em Londres no ano de 1955, chamada Bazaar. Como não encontrava o tipo de vestuário que pretendia vender, ela começou a criar as suas próprias peças.

Nos anos 60 a loja converteu-se num império internacional para o qual Mary Quant criou roupas, acessórios e produtos de cosméticos, tudo jovem e pouco complicado.

A mini-saia que Mary Quant apresentara em meados dos anos 60, teve um êxito estrondoso. Ela compartilhava com André Courrèges a invenção da mini-saia, muito embora ela própria atribuía sua origem as ruas.

As primeiras bolsas desenvolvidas por Mary Quant, foram feitas nas cores preto e branco em PVC, decoradas com grandes manchas ou com seus famosos motivos em margaridas.

A flor de plástico com a qual Mary Quant enfeitou a sua moda Lolita, tornou-se no final da década, uma verdadeiro símbolo do direito à paz. Muitos jovens e adultos se sentiam atraídos pelo movimento Flower Power promovido pelos hippies.

“ Eu quero criar novas maneiras de fazer roupas com novos materiais juntamente com acessórios modernos que mudam conforme o estilo de vida das pessoas”.

Pernas, pernas e pernas. Foram elas o símbolo da revolução feminina nos anos 60 seja na minissaia, lançada pela inglesa Mary Quant e por Courrèges, ou na calça comprida do terninho criado em 1968 por Yves Saint Laurent.

Galeria de fotos: saiba como usar os looks de 68 nos dias de hoje

De pernas de fora ou cobertas pela pantalona, as moças ganharam o mundo e começaram a acreditar que poderiam um dia ser livres, transar sem engravidar graças à pílula anticoncepcional, trabalhar sem depender do marido e viver felizes para sempre fora das grades do lar.

Entenda a importância dos acontecimentos de maio de 1968

Não foi por acaso que as revistas da época fotografavam as modelos pulando sem parar. Com as pernas da manequim Verushka, os olhos atentos da inglesa Twiggy e o espírito livre de Leila Diniz, a mulher de 68 foi guerrilheira, intelectual e ultra sofisticada.

O espírito inglês dos Swingin London dominava a cena internacional e quem amava os Beatles vestia terninho no estilo mod, usado pelos dândis da classe média londrina. Em Paris, revolucionada pelas manifestações, os mestres da moda Courrèges, Pierre Cardin e Paco Rabanne davam sua própria virada, restrita aos ateliês de alta costura, já articulando outra revolução, a do prêt-à-porter.

Mauricinhos Rive Droite contra revolucionários Rive Gauche

A jornalista Christiane Fleury, filha do correspondente do grupo France Soir, Jean-Gérard Fleury, no Brasil, acompanhou os acontecimentos de maio de 1968. Em Paris, além dos confrontos estudantis e operários, havia, segundo ela, a oposição entre a juventude Rive Droite (o lado chique e rico da cidade) em relação a da Rive Gauche (a universidade da Sorbonne e arredores, coração das manifestações).

“Na época eu estudava no Liceu Francês no Rio e costumava passar três meses na cidade. Quando os conflitos aconteceram eu era Rive Droite e andava com os rapazes bonitinhos, que usavam pulôveres e coletes de Shetland (fina lã extraída de ovelhas criadas nas ilhas Shetland, na Escócia), um estilo college de fazer inveja a Ralph Lauren”, diz.

Mais tarde, quando foi estudar na Sorbonne virou Rive Gauche. Na Rive Droite nasceu o Bon Chic Bon Genre (BCBG), elegância mais tradicional, influenciada pela alfaiataria inglesa. Dos líderes de maio de 1968, Christiane gostava de Jacques Sauvageot, de paletó de veludo cotelê e camisa social, “o mais bonitão e charmoso”, lembra Christiane.

Nas ruas, segundo a jornalista, a Rive Gauche não usava nem Courrèges nem Cardin mas já aderia ao estilo hippie. “Quando fui enviada para cobrir uma exposição no Grand Palais pela revista Manchete, descobri que além dos ingleses, os franceses também estavam criando coisas interessantes com Courrèges, Cardin e Paco Rabanne, este último mostrando suas criações no Grand Palais e já fazendo seu merchandising com as modelos se apresentando dentro de carros”, conta.

  Rhodia, tergal e Bibba no Brasil

No Brasil a moda dos anos 60 entrou na era industrial com as fibras sintéticas (náilon, banlon e tergal) fazendo com que os revolucionários não perdessem o vinco. A produção em larga escala exigiu um marketing à altura, bancado pela Rhodia e idealizado pelo publicitário Livio Rangan, que promoveu os primeiros desfiles-espetáculo na Fenit (Feira Nacional da Indústria Têxtil) envolvendo artistas como Volpi e Aldemir Martins na criação das estampas, em verdadeiros shows com roteiro de Carlos Drummond de Andrade, Millor Fernandes e Torquato Neto.

Muito antes da loja Bibba de Barbara Hulanick em Londres, já tínhamos a nossa, inaugurada no dia 15 de novembro de 1960, em Ipanema, por José Luiz Itajahy. “Voltei da Inglaterra e passei a comprar modelagens nas principais lojas de lá adaptando-as para o Brasil”, conta José Luiz, hoje dono do restaurante Sushi Jardin, em Búzios.

Inimigo ferrenho do sutiã, José Luiz se orgulha de ter colaborado para liberar várias mulheres: “Eu vivia com uma tesoura no bolso de trás da calça. Quando via que podia cortar o sutiã da cliente, eu cortava”. Itajahy vestiu a atriz Dina Sfat (outra musa da época) para o prêmio Molière. “Ela estava esperando bebê, com um barrigão e preocupada com o sapato pois o pé inchara. Vesti a Dina num tecido de gase pintado e a convenci a ir descalça”.

Para entrar no clima sixty 68

Em ritmo de “vale a pena usar de novo”, as meninas voltaram a garimpar nos brechós clássicos como a boina para dar um ar francês. Se você usa óculos o look fica perfeito e intelectual mesmo que não tenha lido uma linha do “Segundo sexo”, de Simone de Beauvoir. A seguir um roteiro de estilo:

Terninho: a estilista Nica Kessler apostou no look mas recomenda: “quebrar o combinadinho com sapatos e acessórios coloridos.

Minissaia: Quando a estilista Mary Quant criou a peça fez também meias coloridas para que não chocassem demais. As minis de hoje fazem boa parceria com meias coloridas sem esquecer que as brancas dão o ar futurista lançado por Courrèges e Cardin na época.

Gola Rulê: Um clássico dos anos 60 tanto para homens como para as mulheres. Fica super revolucionário retrô sob vestes e vestidos, completados por botas baixas e mais largas.

Acessórios: Lenços, óculos enormes, anéis e brincões no gênero Verushka farão você botar um pé nos 70, quando no Brasil os sonhos revolucionários foram destruídos pela ditadura e a moda, hippie, colorida e desbundada, virou uma válvula de escape.

http://www.maryquant.co.uk/home.htm

How very nice to see great British designs getting some deserving attention.  These images are all featured on the current edition of stamps from Royal Mail, you can download a preview pdf from their site.  One little tiny thing, it would be useful to have the year also listed but that’s just me nit-picking.

It is hard to argue with any of those choices.  My fave would have to be Harry Beck’s London Underground map – what an absolute feat of patience and genius.

I am sure I was reading the other day that the City of London is working on commissioning a new eco-Routemaster bus based very firmly on the original design.  Or did I dream that?