Seit Veröffentlichung ihrer ersten Solo-CD bezeichne ich mich unumwunden als Björk-Fan (leider gehörte ich nie zu den ganz Coolen, die auch schon die Sugarcubes hörten, als es sie noch gab). Unter Björks Projekten gibt es fast nichts, das ich nicht mag, und ihre musikalische Entwicklung, die sich von Projekt zu Projekt in größerer Experimentierfreude und Kompromißlosigkeit ausdrückte, hat mich immer wieder zu begeistern gewußt.

Von Anfang an verstand es Björk (ähnlich wie Madonna), angesagte Leute zu Kooperationen einzuladen, so daß z.B. ihre Remixe (Stichwort: Martin Kretschmann, Tricky, Goldie) und Videoclips (Michel Gondry, Spike Jonze) immer Cutting Edge waren. Und spätestens seit sie mit Matthew Barney liiert ist, dem Mann, dessen The-Cremaster-Cycle-Bildwelten sich mir nach dem ersten Ansehen einer Matinee im Metropolis (thank you, Waldo, for making me go!) für immer unauslöschlich ins Gedächtnis eingegraben haben, seitdem ist Björk neben dem musikalischen auch in den ästhetischen Olymp aufgestiegen.

Ich glaube, überhaupt die eindrucksvollste Bühnenshow, die ich je das Glück zu erleben hatte, war Björks Auftritt 2003 in der Arena di Verona. Ein Feuerwerk der Imagination, mit Pyrotechnik, magischen Lichtprojektionen und skurillen Kostümen. und ihrem Gesang, dieser Mischung aus Zartheit und Selbstverausgabung.

Dennoch ist es keiner ihrer komplexen, hochartifiziellen Videoclips, den ich heute vorstellen möchte. Stattdessen fiel meine Wahl auf zwei Live-Aufnahmen, die aus der Flut auf YouTube herausstachen. Sie stellen eindrucksvoll sowohl Björks Können als Live-Performerin wie auch ihre Wandlungsfähigkeit in der Interpretation des eigenen Liedgutes unter Beweis.

Der Titel „Come to Me“ war auf der Debut (1993) mein Lieblingstitel.

Hier zunächst noch ganz symphonisch-schwelgend 1999 im Nationaltheater von Reykjavík. Andere mögen das für durchgeknallt halten, aber ich finde ihre Gewandung und Selbstinszenierung als magisch. Wenn sie dann noch selbstvergessen wie eine Elfe herumhopst, ist es um mich geschehen. (So möchte ich mal sein, ohne mich lächerlich zu machen, aber dazu habe ich die falschen Gene erwischt, sorry Mom & Dad, no offence. )

Die zweite Version (undatiert, aber meinem Gefühl nach später) hat wieder die aus der Albumversion bekannten Tablas, fügt dem Arrangement aber einen jazzigen Kontrabass und eine ganz elegische Glasorgel hinzu, die Björk mit ihrer Stimme in einer Art Frage-und-Antwort-Spiel begleitet.

Auch später sollte es noch einmal zu einer Zusammenarbeit mit dem schottischen Glasorgelspieler Alasdair Malloy kommen, den Björk im Rahmen einer Dokumentation über Minimal Music keck auffordert „Spiel mal ‘n bißchen Mozart für uns.“

Irgendwann sagt sie den grandiosen Satz: „It seems to be that in those speedy times, the most bravest thing you can do is to be still.“

ホワイトチャペル・ギャラリーで行われた、「Max Mara Art Prize for Women」展のプレビューに行った。「Max Mara Art Prize for Women」は、イギリスで活動する、まだ大規模な個展を開いたことのない女性アーティストに贈られる賞で、2年毎に開催される。2007〜09年の受賞者であるHannah Rickardの作品、「No, there was no red.」は、２つのスクリーンで構成された映像作品で、まれな気温逆転による蜃気楼の結果、ミシガン湖の上に街が投影された現象が口頭で語られる。私は気が短いので、ビジュアル面であまり動きのない、語りを主とした映像作品は少し苦手だ。1分程見た後、飽きてすぐに立ち去ったので、残念ながら作品の出来はよくわからない。

それより面白いと思ったのが、7月9日〜9月20日まで、同じくホワイトチャペル・ギャラリーで開催中の、アメリカ人アーティスト、エリザベス・ペイトン（Elizabeth Peyton）の「Live Forever」展。ペイトンはリアム・ギャラガーやマシュー・バーニー、ジェイク・チャップマン、ジャービス・コッカー等、、彼女と同世代のアーティストやミュージシャン、そして若かりし時のエリザベス女王、ジョージア・オキーフ、フリーダ・カーロ等、彼女に影響を与えた人々等を描いたポートレート作品を展示している。小さいキャンバスに油絵で描かれたポートレートは、カラフルでちょっと雑にも見える彼女独特のタッチで、その人物を生き生きと描き出している。

We sent to a preview of  ”Max Mara Art Prize for Women” at Whitechapel Gallery. The “Max Mara Art Prize for Women” is a biannual award recognising the achievements of a UK-based artist who has not yet had a major solo exhibition.2007–09 award winner Hannah Rickards‘ two-screen film ”No, there was no red.” is based on spoken accounts of a displaced image of a city seen over Lake Michigan as the result of rare temperature inversion mirages. I am a pretty impatient person, and I left the room after 1 minute of looking at this film work with mainly narration and not much movements. Therefore, I am afraid that I cannot talk if the work deserves to the award.

I was more excited to look around another exhibition at Whitechapel Gallery, “Live Forever” by the American artist Elizabeth Peyton. She portrays artists and musicians of her own generation including Matthew Barney, Jake Chapman, Jarvis Cocker, and Liam Gallagher, as well as iconic figures who have inspired her, including the young Elizabeth II, Georgia O’Keefe and Frida Kahlo. Her paintings on small canvases, portraying the subjects in her own unique style of colorful and rough touch, were pretty captivating.

• Jacket Copy asks: “How much of (Raymond) Carver’s “minimalist” style was a byproduct of (Gordon) Lish’s editing?”  This 1997 New Yorker article provided as reference, and this review of the Library of America release of “Raymond Carter: Collected Stories” might shed sufficient light.

• I became slightly obsessed with Jon Ronson through his contributions on This American Life, and get pretty excited when I see he has something up at The Guardian.  His latest is about contributing to the long-running British comic, The Beano.

• Bjork and Barney: Kaput?

• Oh, look at that, Nick Hornby likes Largehearted Boy.  I know this all because of the piece he wrote on music blogs.

• January Magazine on the 75th birthday of Leonard Cohen

I did not consciously quote Matthew Barney when I snapped this shot of my sleeping cat, Jai, but it does bring the Cremaster’s work to my mind…

A further curation in Nine West’s fall hosiery.

I put a bag on my head and shot a self-portrait.

Last night, while I was tossing and turning in bed, I had a very important thought: No one wants to buy a photograph of twenty-three clones of me, let alone just one of me.  I’m not a celebrity nor am I a hot sexy model, so unless our notion of hot-or-not changes in the near future, I’m outta luck trying to sell an image of myself.  I jumped up and exclaimed, “Fuck it, I’ll just put a bag on my head”.

I’m totally enjoying the process and the outcome!

I’ve been thinking a lot about humiliation lately.  A bag-on-my-head is definitely one solution to that problem.  I like to think about a great joke Chris Rock once said.  He said that when ladies look at him, they don’t see a hot sexy man and just get that urge to kick off their shoes and jump on him.  They don’t look at him like they look at an icon like Denzel Washington.  They look at him and weigh out the pros and cons: “Well…he is kinda funny.”   I love that idea and I feel the same way.  I mean, the jig is up, I get it, I’m not a sexy kinda guy: there’s no five-foot-four, one-hundred-twenty pound Asian dude gracing the covers of GQ or Men’s Health in America.  Sex sells, and when I’m taking self-portraits and I don’t look like Matthew Barney or Anthony Goicolea, then I should stop with the self-portraiture or simply change up my overall appearance.

I’m excited to incorporate the bag-on-my-head concept into the Society of 23 as well.  In terms of humiliation, I’m excited to create a series of Hazing artwork.  Secret societies have a stigma associated with hazing newly recruited members.  Having the brothers with bags on their heads would be a nice, humiliating element to add.

I also changed up my artist’s statement last night to a very short idea, and here it is:

I have an inability to negotiate between objective and subjective reality.  My artwork is born from my personal space between these two worlds.  By using recognizable signs and symbols from our objective reality, I can begin to describe my own experiences.  Through my extremely personal self-portraiture, I question my own identity and existence, while trying to have a laugh or two along the way.

This bag-on-my-head idea is one of the rare moments in my practice where I feel like I’m actually throwing in the towel and thinking, “alright objective world, you win, I’ll play by your rules”.  We shall just have to see how this develops.

The other day I uploaded documentation of pencil drawings for the Society of 23. Here’s an explanation of the pencil drawings that is on the Society of 23 website:

During the initiation process into the Society of 23, each brother takes a spiritual journey where he encounters the seven symbols of the society: 23, 2 Crowns, Fire, Grapes, Rice, The Scales, and Wings. When he returns from his trip, he is placed in a pitch-black room where he sketches the symbols he has seen.

If you head on over to the Society of 23 website, you can navigate from the homepage, to the Brothers page, and then click on any brother’s picture to learn more about him. On each page you will see a thumbnail above the brother’s name, as seen here:

When you click on that thumbnail, a slideshow will appear that presents the seven drawings he made during the initiation process. Here’s a peek at Andrew Ethan’s Grapes drawing:

And here’s a peek at Joseph Dylan’s Fire drawing:

I had a wild time creating these drawings. I’ve mentioned before that I have a lot of anxiety about drawing because I feel like it’s a technical skill I can’t quite get the hang of. My freshman year drawing professor, Lance Winn, changed my entire mode of drawing and I can say with confidence that I have some great skill at realism with graphite and pastel. But when it comes to line drawings with pencil, there’s something loss in translation from my eyes to brain to hand to paper. Sketching is like the absolute worst way for me get an idea out of my head—my ideas are almost always spewed out through writing.

So what was the problem and how did I solve it? Well the problem was: Each brother must draw 7 drawings. 7 drawings x 23 brothers. Solution: Blindfold myself! Yes, that’s right, I blindfolded myself:

While the mythology of the society’s initiation is still being worked out, I know that the brothers go on a spiritual journey that may or may not be drug induced. On this trip they encounter advisers, demons, past memories, and the symbols of the Society of 23. When they return from the trip, they automatically scribble the symbols onto paper in a pitch-black room. To mimic that situation, I blindfolded myself (no drugs!). When I first thought of this project, I really saw a similarity to Matthew Barney’s Drawing Restraint, where he constructed large apparatuses that then restrained his movement in some way while he attempted to draw a self-portrait:

The results looked like manic, childlike scribbles:

So go on and check out all the drawings at the Society of 23 website. I’m going to incorporate the drawings in a lot of installation and photographic work. It’s an element of this crazy world that is finally finished. Hurray!

Cremaster by Matthew Barney

A fantastic July 4th weekend has left me sunburnt, voiceless (as in, I literally lost my voice– probably from singing along to the “Thriller” album…twice) and helplessly behind in my art reading…but this gem caught my eye:

Slate posted a fascinating article by Sam Kean that describes the plight of museum curators in fighting the odorous disintegration of artworks executed decades ago in the medium of plastic, thought then to have a generations-long lifespan.  The essay outlines the creation of new plastic products, too, that are meant to be bio-degradable and are finding their way in contemporary artists’ toolkits.

A Naum Gabo sculpture housed at the Philadelphia Museum of Art is described as looking like “Tupperware that had gone through the dishwasher too often” and other decomposing pieces are said to range in smells from “burnt hair” to “rasberry jam.”

Clearly, this is a serious issue for institutions seeking to record our cultural history; just a few of the noteworthy artists who have worked or currently work in instrinsically-unstable plastics include Eva Hesse, Duane Hanson (see pictured above), Matthew Barney and Jeff Koons.  I guess it makes sense, then, that much of the money going into research for new curatorial techniques and solutions to this problem comes from insurance companies responsible for museums’ holdings.

I wanted to say “those plastic sculptures are sweating like a whore in church” in this posting, but just couldn’t find the right moment.

Thanks to Meg (who is diligently studying for the Bar exam in Cleveland– emerge soon!) for the tip.

Amore e psiche M. Barney

Dalle favole berbere del VI secolo a.C. alle opere di videoarte di Matthew Barney, passando per quel grande traghettatore del mito di Amore e Psiche verso l’Occidente che fu l’africano Apuleio. Idealmente la mostra pensata e curata da Miriam Mirolla che si apre oggi a Spoleto ripercorre questo lungo viaggio, raccontandolo soprattutto dal punto di vista di artisti contemporanei. «Studiando la storia dell’arte mi sono imbattuta spesso in personaggi che si sono innamorati follemente di questo mito commissionando più opere a esso ispirate come fecero Scipione Borghese e Agostino Chigi con Raffaello» racconta Mirolla che ha realizzato questa rassegna sulla traccia del suo libro Amore e Psiche, storyboard di un mito uscito l’anno scorso per Electa. «Il tema era così forte – spiega la curatrice – da appassionare intere generazioni di artisti. Nel Rinascimento da parte della committenza alta c’era il desiderio di farlo entrare nella propria vita: quasi che avere opere che lo narrano fosse sentito come un buon viatico, un’ispirazione etica per la vita privata». L’artista che meglio ha saputo rappresentare il senso profondo di questo mito che mette al centro la donna e il rapporto più profondo con il maschile «è stato Canova – dice Mirolla -, perché seppe dare corpo a quel momento in cui Amore salva Psiche dal sonno. Amore tira fuori dal regno dei morti un essere umano: è un’invenzione fortissima che da artista seppe cogliere». Perciò la sua opera è un capolavoro. «Non solo per il talento nell’esecuzione. Ma proprio per la scelta di questo e di altri momenti narrativi clou come in Amore e Psiche stanti e nelle bellissime terrecotte».

Ma se gli artisti hanno saputo irrazionalmente cogliere il senso di Amore e Psiche e rappresentarlo, non altrettanto hanno saputo fare alcuni studiosi. «Le femministe, per esempio, lo hanno rifiutato dicendo che Psiche era una masochista», nota Mirolla.

amore e psiche Kounellis

Non così la studiosa americana Karol Gilligan e con lei una certa corrente degli women stadies. Mentre la cultura occidentale si è basata sul mito di Edipo, ovvero sulla tragedia, «il mito di Amore e Psiche dà una via d’uscita dal tragico. è un mito – dice Mirolla sulla scorta di Gilligan – che non fonda le relazioni sul dolore, ma su una interazione. E questo è un nuovo modo di vedere il mondo certamente più fertile e fecondo».

L’evento. Nella Rocca Albornoziana di Spoleto  fino  al 30 agosto la mostra Amore e Psiche. Story- board di un mito con opere, tra gli altri, di Duchamp, Barney, Beecroft, De Dominicis, Tracey Emin, Robin Heidi Kennedy, Kou- nellis, Richard Long, Fabio Mauri, Kiki Smith, Cy Twombly.

dal quotidiano Terra 27 giugno 2009

Courtesy DESTE Foundation © Matthew Barney & Elizabeth Peyton, Nicholas Samartis & Hugo Glendinning

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Un vieil abattoir oublié sur l’île d’Hydra, en Grèce, théâtre d’une des performances les plus attendues de cette saison. Le Deste Foundation Project Space. Elizabeth Peyton et Matthew Barney. Le collectioneur Dakis Joannou. Mystère. Ensuite, de très nombreuses personnalités du monde de l’art. Internationales, of course. Juergen Teller, le curateur du MoMA Klaus Biesenbach, la directrice du New Museum Lisa Phillips… en vrac. Un bateau, des plongeurs au travail, des phrases entendues : « Ils vont le sortir maintenant. Ca va faire deux mois qu’il est là ». Rien de plus. Une sorte de table est sortie de l’eau, hissée sur le bateau et ramenée sur la terre ferme. Moutons et chèvres viennent s’ajouter au paysage. Une vitrine plus qu’une table.  Cinq dessins encadrés à l’intérieur, de l’eau. Le spectacle continue, deux hommes placent un petit requin mort sur la vitrine. Ambiance. Dans l’abattoir, une œuvre de Peyton et une autre signée Barney attendent la suite. Enfin, l’ouverture du cercueil-vitrine. Plus tard dans la soirée, une immense table est dressée sur la route. Diner time, grillade de requin. Un tonnerre d’applaudissements.
________________________________________________AJ_
Blood of Two: Matthew Barney & Elizabeth Peyton
Slaughterhouse, DESTE Foundation Project Space, Hydra
June 16, 2009 – Spring 2010
www.deste.gr/en/index.html

Am Ende keine Liebe.

Ganz zweifellos gehört Michel Houellebecq nicht nur zu den wichtigsten, sondern auch umstrittensten Schriftstellern der europäischen Gegenwartsliteratur: Ein Medienstar, der eigentlich lieber ein Einsiedler sein will und deshalb ab und an für ein paar Monate so dermaßen gründlich von der Bildfläche verschwindet, dass ihn nicht einmal sein Verleger erreichen kann. Kritik, Feuilleton und interessierte Öffentlichkeit wissen nie so genau, was sie von ihm halten sollen. Houellebecq kontrolliert sein Image akribisch. Seinen Geburtsnamen Michel Thomas ließ er einfach mal so aus allen Schullisten streichen, und auch sonst lebt seine Biographie von einer Reihe künstlerischer Freiheiten. Polarisierung und Provokation gehören zu seinen unverzichtbaren Markenzeichen. Dass er in seinem Roman „Plattform“ („Plateforme“) munter auf den Islamismus einprügelte, sorgte flächendeckend für politisch korrektes Unverständnis. Noch weniger gefiel seinen Kritikern und Neidern allerdings, dass ihm der französische Großverlag Fayard eine echte Fantasiesumme als Vorschuss auf seinen nächsten Roman zahlte (1,3 Millionen Euro). Umstritten wie immer geriet das Ergebnis, und viele wollten in „Die Möglichkeit einer Insel“ am liebsten ein lebloses und schnell heruntergekritzeltes Potpourrie aus klassischen Houllebecq-Themen sehen. An den exzellenten Verkaufszahlen änderte dies jedoch rein gar nichts. Noch gnadenloser aber fiel die Kritik der Verfilmung aus, die der streitbare Autor gleich mal selber übernahm. Die Folge: „La possibilité d’une île“, 2008 auf dem Filmfest Locarno uraufgeführt, blieb außerhalb Frankreichs ohne Verleih. Über die Qualität des Film sagt das jedoch rein gar nichts aus.

Durch die französische Provinz tingelt „Der Prophet“ (Patrick Bauchau), ein Wanderprediger, der in schlecht besuchten Hallen vor Bauern und Dorfbewohnern von der Überwindung des Todes und den Möglichkeiten physischer Unsterblichkeit spricht. Das Interesse ist gering, und wenig deutet darauf hin, dass der Funke einmal überspringen und ein echtes Feuer entzünden könnte. Drei Jahre später sieht die Lage jedoch bereits anders aus: Der Prophet hat mittlerweile eine beachtliche Zahl von Anhängern um sich geschart und ist nun Kopf einer Ufo-Sekte. Im festen Glaube an die Elohim, außerirdische Hüter des ewigen Lebens, forschen die Mitglieder nach Techniken, erwachsene Menschen innerhalb kürzester Zeit als Klone mit identischen Erinnerungen zu reproduzieren. Als der Prophet sein Ende kommen sieht, ernennt er seinen Sohn Daniel (Benoît Magimel) zu seinem Nachfolger und überträgt ihm die Aufgabe, seine Forschungen weiterzuführen. Tausende von Jahren später ist Daniel ein Klon in der x-ten Generation. Äußerlich identisch mit seinem Urvater, analysiert er dessen Leben und Denken anhand von alten Aufzeichnungen. Die Menschheit ist mittlerweile gänzlich ausgestorben und durch emotionslose Klone ersetzt. Doch mit dem Studium seines Vorgängers erwacht in Daniel ein seltsamer Drang, und es treibt ihn aus seiner Höhle hinaus in eine leere Welt, wo er hofft, das seltsame Phänomen begreifen zu können, das seine Ahnen Liebe genannt haben.

Wer von Houellebecq eine möglichst werkgetreue Umsetzung der eigenen Vorlage erwartet hat, wird sich mehr als enttäuscht sehen. Das Gegenteil ist der Fall. Allerdings unterliegt man aber auch bereits einem gründlichen Irrtum, wenn man die Weigerung dieses jederzeit eigenwilligen Autors verkennt, irgendwelchen Erwartungen gerecht zu werden. Von der Romanvorlage sind kaum mehr als ein paar Motive und Namen übriggeblieben. Wie aus einem Paralleluniversum tauchen bekannte Figuren oder Konstellationen auf und funktionieren nach gänzlich anderen Regeln. Daniel, im Roman ein zynischer Showstar mit schwindendem Lebenswillen, wird im Film zum profillosen Sohn des Propheten, mit dem er in der Vorlage noch nicht einmal verwandt ist. Der Prophet selber, im Buch ein einfältiger und sexbesessener Sektenführer, der selber nicht an das glaubt, was er seinen Anhängern erzählt, gerät hier zum väterlichen Weisen, den seine Vision treibt, und der am Ende auch noch Recht behält. Die faszinierenden Frauengestalten, an denen Houellebecqs Romanfigur in Verzweiflung verbrennt, tauchen im Film entweder gar nicht erst auf oder sind bloße Projektionsfläche (im Fall von Ramata Koite als Marie 23).

Streng genommen erklärt sich „La possibilité d’une île“ überhaupt nicht als Romanverfilmung, sondern vielmehr als filmische Variation über ein Thema – Houellebecqs Ansatz ist also durchaus ein musikalischer. Die Dramaturgie verläuft nur eingeschränkt linear, und im letzten Drittel entsagt der Schriftsteller als Filmemacher gänzlich dem Wort. Noch radikaler muss das ursprüngliche Konzept gewesen sein, doch Unstimmigkeiten zwischen den an der Produktion beteiligten Parteien haben Houellebecq ausgebremst. Was er im Kopf gehabt haben mag, lässt sich dem fertigen Film jedoch immer noch deutlich ansehen. Irgendwo zwischen Kubrick und Antonioni bewegen sich die letzten etwa zwanzig Minuten, und es ist höchst beeindruckend, wie zeitlos der Film damit erscheint. „Zabriskie Point“ und die große Mondschauer-Sequenz aus „2001“ haben hier Pate gestanden, aber auch die verlassenen Zivilisationslandschaften aus Shaffners „Planet der Affen“ gehören mit großer Sicherheit zu den Vorbildern, nach denen Houellebecq seine Vision geformt hat.

Koproduziert vom Westdeutschen Rundfunk und finanziell unterstützt von der Filmstiftung NRW wäre „La possibilité d’une île“ im Grunde ein ideales Prestigeprodukt für den hiesigen Arthouse-Markt. Jetzt jedoch reicht es maximal noch für eine TV-Auswertung im Nachtprogramm. Vernichtende Kritiken nach der Uraufführung ließen alle, die zuvor hierzulande schon mit der Marke Houellebecq hausieren gegangen waren, panikartig zurückrudern. Zu sperrig, zu fremdartig und vor allem zu wenig Romanverfilmung war der überwiegenden Mehrheit dasjenige, was da über die Leinwand flimmerte. Alle Trademarks des Autors, mit denen ihn so mancher gerne in ebenso prägnanter wie kurzsichtiger Weise verbindet, waren außen vor geblieben: keine expliziten Sexszenen, kein beißender Zynismus, keine pointierte Kulturkritik.

Dass Houellebecq aber hinter all den Labels, die ihm gerne angeheftet werden, vor allem ein Romantiker ist, haben viele dabei vergessen. Mit großer Melancholie, Verzweiflung und Sehnsucht kommt sein Film daher und trifft damit genau ins Zentrum der eigenen Vorlage. Wo in „Elementarteilchen“ („Les Particules élémentaires“) noch munter von Krause-Endkolben fantasiert wurde, die den menschlichen Körper mit permanentem Lustempfinden versorgen sollten, hat in „Die Möglichkeit einer Insel“ noch nicht einmal mehr die Sexualität an sich überlebt. Unfähig, irgendetwas zu empfinden, vegetieren die Neo-Menschen in Houellebecqs Zukunftsentwurf vor sich hin und rätseln über die seltsamen Bedürfnisse ihrer Vorgänger. Der unmittelbare Zugriff auf die Erfahrungen, von denen sie nur lesen können, haben sie jedoch nicht, und das ist die eigentliche Tragik der Geschichte.

Diesen Gedanken hat der Autor nun aus dem eigenen Buch herausgegriffen und zum Zentrum seines Films gemacht. Daniel, der in seiner dunklen Höhle nichts anderes tun kann als die Daseinsform seines Vorgängers so lange zu studieren, bis sich seine eigene Existenz dem Ende nähert, und er durch einen weiteren Klon ersetzt wird, gerät zum Inbegriff des entmenschlichten Übermenschen. Am Ende der Evolutionskette angekommen, ist er nichts anderes mehr als ein bloßer Überlebensautomat, der keine weitere Funktion hat, als sich selber fortwährend zu klonen. Dass er dabei eine unbestimmte Sehnsucht nach der Unvollkommenheit seiner Vorgänger entwickelt, gehört zu den schmerzhaftesten Elementen dieses Films und führt konsequent in ein Finale über, das sich nur noch aus seinen übermächtigen Bildern und einem grandiosen Klangteppich speist (ein atemberaubender, großorchestraler Score des deutschen Filmkomponisten Mathis Nitschke).

Houellebecqs Film ist unvollkommen, schwer zugänglich und nur bedingt konsumierbar. Zugleich aber hebt er sich von allem ab, was das Erzählkino im Allgemeinen zu bieten hat und entwickelt eine kontemplative bis hypnotische Sogwirkung, wie man sie vielleicht gerade noch bei Godfrey Reggio oder Matthew Barney finden kann – nur dass Houellebecq mehr Leidenschaft und visionäre Kraft einsetzt als beide zusammen. Wie viele Seiteneinsteiger nähert er sich (trotz zweijährigen Studiums an der nationalen Filmschule Louis Lumiãre und mittlerweile fünf Kurzfilmen) den Mitteln des Kinos aus anderer Perspektive und bricht deshalb ganz natürlicher Weise mit gängigen Seh- und Erzählkonventionen. Wo Oskar Röhlers eingedeutschte „Elementarteilchen“-Verfilmung gerade einmal mittelmäßiges Fernsehniveau erreichte, bewegt sich „La possibilité d’une île“ schlichtweg in einer anderen Galaxie. Vermutlich wird es Jahre dauern, bis dieser in jeder Hinsicht außergewöhnliche Film seine angemessene Würdigung erfährt. Ob es dazu allerdings eines geklonten Publikums bedarf, bleibt abzuwarten.

Artikel © 2009 Thomas Lenz. Alle Rechte vorbehalten.
Filmplakat: Mandarin Cinéma / BAC Films

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It’s Mother’s Day weekend and, in honor of it, I thought today I’d write up a tribute to some awesome women who balance and blend the dual identities of musician and mother in their own ways.

First up, Erykah Badu and Jill Scott.

Erykah Badu and Jill Scott, sharing the spotlight

So much to love about these two. They’re smart, talented, politically conscious, unconventionally beautiful, and have earned plenty of mainstream recognition but choose to stay on the fringe of popular culture.

Also, they’re autonomous women who have opted out of a conventional family unit. Both are unmarried. Badu had son Seven and daughters Puma and Mars from her relationships with André 3000 of OutKast, The D.O.C., and Jay Electronica, respectively. Scott is divorced and welcomed the birth of her first child, Jett, with her boyfriend, Lil John Roberts, last year at the age of 36.

And finally, I love that they’re friends, came up from the Philly “neo-soul” circuit together, and often perform together (as evidenced from the photo above; see also their stirring performance of “You Got Me” on Dave Chappelle’s Block Party). I like to imagine that they hang out together a lot, helping each other write, sing, or think through the struggles and joys of daily life.

Next up, Sonic Youth’s Kim Gordon.

The Gordon-Moores, rocking out on "The Gilmore Girls"

After being married to bandmate Thurston Moore for about ten years, Gordon (who kept her name, thank you) gave birth to Coco Hayley Gordon Moore in 1994, thus bringing presumably one of the coolest girls into the world as a result. I like to imagine that Coco was schooling her classmates about Merzbow by the sixth grade. Also, a friend of mine’s sister used to babysit Coco, and says that she is a really nice, well-adjusted kid. Yay!

I like that Kim had Coco — an only child — on her own time and later in life. It probably reminds me of my mom, who had me (and only me) at 36. Plus, Gordon and Moore performed a song with Coco on The Gilmore Girls. How cool is that?

Speaking of cool moms, what about M.I.A., who welcomed her first son Ikhyd into the world with fiancé Benjamin Brewer earlier this year?

AP image of M.I.A. performing "Swagga Like Us" with Kanye West, Lil Wayne, and Jay-Z days before giving birth

Unfortunately, I can’t find a hi-res version of the Grammy performance of T.I.’s “Swagga Like Us”, but I really love it. I love that M.I.A., whose song “Paper Planes” is sampled and provides the song title, opens the performance. I love that she interacts with the other rappers, who seem to be treating her as an equal. I love that the men she shares the stage with, all of whom are African American and thus stigmatized by the racist, sexist stereotype of the wayward, absentee black father, seem to be excited and happy for her. I love that she’s ready-to-burst pregnant in public and is wearing a tight, short, see-through black and white dress, thus confronting and subverting the conception of the sexless matriarch (in fact, she got a lot of flak for the dress; some people dubbed it “slutty” and “trashy”). I also love that she paired the ensemble with sneakers, because pregnant ladies gotta be comfortable. And most of all, I love that we haven’t seen much of baby Ikhyd since he came into the world, suggesting that the family wants their son to grow up a person and not a tabloid ficture.

Another low-key mom is Yoshimi Yokota, legendary drummer of Boredoms and singer/guitarist of OOIOO.

Yoshimi and OOIOO, debating whether or not to spare the rod

Like Gordon, she’s got one daughter, and seems to be pleased with that. But like M.I.A., she’s not forthcoming about her personal life, particularly the family she’s creating for herself. And finally, I love that unlike what we may expect from mom musicians, Yoshimi doesn’t think her entrance into motherhood has changed her music.

And finally, the mother of all cool musician moms, Björk.

Quality time with Björk and son Sindri; image captured from art-gallery.com

So, Björk is interesting for many reasons. Like Badu, she had two children with two different partners (son Sindri with former Sugarcubes bandmate Þór Eldon; daughter Ísadóra with artist Matthew Barney). There’s also an unsual age difference between her children. Sindri was born in 1986, when Björk was 21. Ísadóra was born sixteen years later in 2002. And, despite her diminuitive figure and elfin looks, Björk is fiercely protective of her children and their privacy (anyone remember when Björk went off and beat up a journalist who waved a microphone in Sindri’s face at the airport?). Don’t fuck with mom.

But these moms are just a few examples. Who are your favorite musician moms?

I’m glad you asked.

Sometimes people ask me some of my favorite artists and I end up forgetting some of their names. So, I sat down and tried to remember as many as I could. I am definitely picky when it comes to art and what I like. While I always respect any person making an effort to produce work and be creative and do something that makes them happy, it’s kinda rare for me to really be “moved” by art. There are different reasons why I like each of these artists, whether it be for their actual art or for their concepts or their attitude towards life or maybe they like the same cereal I do. If you want to know why I like a certain artist, I suppose you should just ask…I can talk forever about art. Whatever the case here is the not-all-inclusive list:

doug jeck, ron mueck, miroslav paral, judy fox, peter paul rubens, hans bellmer, beth cavener stichter, justin novak, francis bacon, erwin wurm, bronzini, ray johnson, john de andrea, matthew barney, duane hanson, imre shrammel, jean ipousteguy, sergei isopov, rodin, heironymous bosch, leonardo da vinci, james rosenquist, jean arp, marcel duchamp, hr geiger, bryan crockett, juan munoz, tip toland, lee bontecue, botero

Win tickets to the Cremaster Cycle MARATHON!
Screenings of Matthew Barney’s Cremaster 1-5
SUNDAY, NOVEMBER 15 · start time 4pm

Three pairs of tickets are up for grabs for the marathon screening on November 15. Contest ends Thursday, November 12, winners chosen by random draw. I hope for the sake of Pacific Cinémathèque, that 3 people actually enter the contest.

To enter, send your contact info to: contest@cinematheque.bc.ca

(And for those of you who want your Cremaster Cycle in discrete portions, you have the chance to see the films at your own pace, on November 4, 12-15. Visit the website for screenings and tickets.)