Querido y odiado

entre los puristas

del Jazz

John McLaughlin, guitar; Billy Cobham, drums; Miles, trumpet; Michael Henderson, bass; Herbie Hancock, Farfisa organ; Steve Grossman, soprano sax.

So spontaneous and carefree. Listen to where guitarist John McLaughlin is AT on this track, and wish you were there too.

A couple minutes in, Miles must’ve yelled at McLaughlin, “Go to B-flat!,” because McLaughlin suddenly goes to that key (the rest of the song was in E), while bassist Michael Henderson is slow to catch on. It results in some really weird-sounding, tritone music for a few measures.

Also, if you are fanatical about this stuff (like me), you should pick up the Complete Jack Johnson Sessions. These “complete” box sets are often hit-and-miss, but this one is the best of the bunch. Chances are, if in fact you are as fanatical about this stuff as I am, you already own it. If not, i’d be happy to hook you up.

Next stop: the Complete On The Corner Sessions (1973) … OOOOHHHHH.

Be SURE to listen to this interview with drummer Billy Cobham about this session:

Album info: A Tribute To Jack Johnson (1971)

At a jazz history seminar in college, my professor worked his way through the canon of standards and artists. From ragtime and stride piano, all the way through bebop and the “cool” period and beyond. But it was Miles Davis’s 1970 release Bitches Brew that drew the most controversy of all.

A bearded man in his 50’s felt, confidently, that this album is full of noise, not music. He dismissed it as indulgent and pretentious. Some other students agreed to some degree, while others defended the work as a stroke of genius and a pioneering leap in the history of jazz, influencing countless other musicians.

Regardless of opinion, Bitches Brew was one of Miles Davis’s best-selling albums. From Wikipedia:

“Upon release, it received a mixed response, due to the album’s unconventional style and revolutionary sound. Later, Bitches Brew gained recognition as one of jazz’s greatest albums and a progenitor of the jazz rock genre, as well as a major influence on rock and funk musicians.”

My contribution to the jazz seminar discussion was this: an album like Bitches Brew requires a certain level of trust from the listener. When a popular musician releases a different, challenging album, it usually shakes things up. The album may merely be a self-indulgent experiment and a mess of sounds with meandering concepts. But the thing that will bring you past the first-listen opinion of “I don’t get it” to the fifth or sixth listen of “now it makes sense,” is trust.

You need to trust that the musician you loved before did not lose his mind and go off the deep end. You need to trust that his good taste and insight you loved before is present in the new release as well. You need to trust that the album does, in fact, make sense and that it will reward repeated listenings. If you don’t trust the artist, and have good reason to believe there is no sense beneath the experimentation, then the first listen will likely be enough and you can dismiss at will.

The point is this: if you trust the artist, then make an effort before drawing a conclusion.

More.

‘All That Jazz”

que venha o jazz,
os sonhos,
as dores,
as mulheres,
as poesias,
as lembranças,
as ruas vazias
e violentas.
tenho atuado
em um filme
noir de segunda
categoria
durante anos.
Mas a trilha
sonora é
maravilhosa.
Nos becos
toca Miles Davis,
no meu quarto
toca Billie Holiday,
nos meus sonhos
mais loucos toca Duke.
Nos momentos mais
tristes toca
Nat King Cole,
me deito no
chão e assisto
as constelações,
aviões caindo,
gatos pulando
entre as antenas,
atravessando a noite
e as lembramças.

John Coltrane Blue Train John Coltrane (1926-67), nacido en Carolina del Norte (EEUU) ha sido el músico el más denodadamente exploratorio en la historia de jazz. Como otros músicos como Bobby Timmons de niño recibe la influencia de la música religiosa por parte e sus abuelos, sacerdotes metodistas. Sus primeros instrumentos fueron el clarinete y el saxofón, a los 13 años. Tras el obligado servicio militar, en 1946 se une a la Big Band de Dizzy Gillespie (donde tocó el saxo alto antes de cambiarlo por el tenor), tocando también como músico de apoyo de saxofonistas como Johnny Hodges, Eddie “Cleanhead” Vinson y Earl Bostic unos años. Entonces recibió la llamada de Miles Davis en 1955, que buscaba savia nueva para solventar una mala etapa. En dos años grabaron algunos de los discos más significativos del músico de Illinois, lo que favoreció el crecimiento de Coltrane, pero su fijación por las drogas le obligan a pasar una cura de desintoxicación en 1956, obligándole a abandonar el quinteto de Davis.

En 1957 trabajó con Thelonious Monk, cosechando las primeras críticas de la prensa de donde Ira Gitler acuñó la definición “Sheets of sounds” (Capas de sonido) en la revista “Downbeat”, las síncopas y patrones rítmicos tienen un papel secundario frente a torrentes de notas, escalas, arpegios y figuras, a veces en forma de ráfagas y otras en largos fraseos.

En 1958 regresa con Miles Davis, y se junta con músicos excepcionales como el saxo alto Cannonbal Adderley y el batería Philly Joe Jones. Un año más tarde integra el sexteto que compuso las grabaciones de “Milestones” y “Kind of Blue” de Miles Davis. En esa época graba sus dos discos más influyentes, “Blue Train” y “Giant Steps” . Después Coltrane forma su primer grupo con el pianista McCoy Tyner, el batería Elvin Jones, y el bajista Jimmy Garrison, convirtiéndose en una de las orquestas míticas de la historia de jazz. A partir de los 60 se abre al flamenco, a la música africana, india, y graba varios discos para el sello Impulse, hasta llegar a otra de sus grabaciones más populares “A Love Supreme”, radicalizando su estilo en “Ascensión”, en rotundo camino hacia el Free Jazz. En 1967 John Coltrane muere en Long Island (Nueva York) de una afección hepática.

Personalmente, no tengo nada contra Nino Bravo.  Pero nadie en su sano juicio se enemistaría con Mochero en su propia cocina (¡con tanto objeto cortopunzante a mano!)

Undoubtedly one of the most influential line up’s in Jazz history gathered together to record the seminal album ‘Kind of Blue’ in 1959 at Columbia’s 30th Street studio in New York.

Miles Davis (Trumpet) – John Coltrane (Saxophone) – Julian Adderley (Saxophone) – Bill Evans (Piano) – Wynton Kelly (Piano) – Jimmy Cobb (Drums) – Paul Chambers (Bass)

Here’s some film footage of Miles Davis and John Coltrane performing ‘So What!’ in 1959.

Why is it that this BOX is something I MUST have when I all ready got 200 Miles Davis albums including all of the discs in the new box?

BTW: I copied my whole CD collection to MP3 1½ year ago and do not buy CD’s any longer.

It’s the first time in many years that I have a CD by Najee that I want to listen to! I mean like take off the shelf and play it. Not since ‘just an illusion’ has that happened. I felt that many of his subsequent releases, they all settled on some dull formula that was devoid of personality. Not only is “Mind over Matter” smooth, and laid back but also ‘human’ (I really don’t know what that means- but think about something that’s free of all pretences and authentic- and you are closer to the definition). Soft to the ear and kind to the soul, with a diversity of voices that bring colour to his musical palette. Guest voices feature some of my favourite musicians, but it’s not overdone either. The track I’m listening to for example is a slow melody, a duet between the piano and the sax with a nostalgic flavour, with a mellow percussion as a foundation. If I was naming it, I would probably call it ‘a prayer for my baby’ or something like that. It happens to be my favourite track on the CD and it’s called The Journey. Each of the tracks get the same distinction of acquiring a personality. As another reviewer has commented “Sometimes the planets line up and the right groove emerges on its own, and all anyone needs to do – musicians and listeners alike – is get on board and ride into a realm of limitless possibilities.”- It seems this happened for this CD- perhaps where the name of the CD came from. The album title, says Najee, is inspired by Miles Davis’ approach to songwriting, especially in the latter part of his career. “In his later years, he took a very loose and improvisational approach,” he says. “He would start with nothing more than a groove that Marcus Miller or some other member of his band would lay down. And from there he would just develop these melodies that were very simple but at the same time very compelling and very memorable. It was a creative process that bypassed the nuts and bolts of the song and just got right to the essence of it.”

I love this CD- a heady mix of smooth grooves (done right!), mellow tunes and down to earth artists just doing their thing! Definitely worth buying!

Scrooged is a 1988 comedy film, a modernization of Charles Dickens’ novella, A Christmas Carol. The film was produced and directed by Richard Donner, and the cinematography was by Michael Chapman. The screenplay was written by Mitch Glazer and Michael O’Donoghue. The original music score was composed by Danny Elfman.

The cast includes: Bill Murray, Karen Allen, Bob “Bobcat” Goldthwait, John Forsythe, Carol Kane, David Johansen, John Houseman, John Glover, and Robert Mitchum. It also features cameo appearances by Olympic gymnast Mary Lou Retton, musicians Larry Carlton, Miles Davis, David Sanborn, and Paul Shaffer, actor/singer Robert Goulet, and actors Jamie Farr, Buddy Hackett, Lee Majors, and Pat McCormick as well as the Solid Gold Dancers. Bill Murray’s real-life brothers, Brian, John, and Joel also appear in the film.

The film was marketed with references to the film Ghostbusters which had been a great success four years earlier in 1984. In the USA, the tagline for Scrooged was, “Bill Murray is back among the ghosts, only this time, it’s three against one.” In Brazil, it’s named “Os Fantasmas Contra-Atacam” (The Ghosts Strike Back). In Spain, the film was titled “Los fantasmas atacan al jefe” (The Ghosts Attack the Boss). In Italy, the movie was released as “S.O.S. fantasmi” (“S.O.S. ghosts”).

Amazon Specials!

Jeremy Taylor masterfully covers the legend Miles Davis’s classic LP, “Kind of Blue”. He enlists a group of Jamaican Musicians and skillfully is able to manifest this great piece of work. However, weeks into the production Jeremy had passed away and  no one could have imagined this fine piece of work would ever see the light of day – Never say never. This album is a very special LP. Crafted by the late Jeremy Taylor, “Reggae Interpretation Of |Kind Of Blue” represents a master mind at work. What makes this LP memorable are the newly covers of the tracks: “Blue In Green” & “So What”. The grittiness, the raw strings, and the arrangements manage to pull you in again and again.

MILES DAVIS

Género: Jazz

(Alton, EEUU, 1926 – Santa Mónica, EEUU, 1991)

Es una de las figuras más importantes e influyentes en la historia del Jazz. Se podría decir además que lo ha revolucionado, ya que cada avance producido en este género es obra de Davis.

De joven probó en diferentes grupos de R&B locales hasta que consiguió formar un noneto con una peculiar selección de instrumentos de viento que firmó por la afamada Capitol Records. En febrero de 1957, Capitol editó 12 temas en un LP llamado Birth of the Cool. Así nació el cool jazz, el estilo que mejor se adapta a su manera de tocar la trompeta, con ese característico sonido producido por el uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más suave, personal y melódico. Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística. A finales de los 50 introdujo el jazz modal, basado en las escalas y, finalmente, en 1969, ofreció la primera fusión válida de jazz y rock, iniciando así el género conocido como Fusión. Se mantuvo en la escena durante más de 50 años, pero la falta de ideas y su conocida afición por las drogas lo apartaron durante un largo periodo de tiempo. Los ritmos funk y el inicio prematuro del acid jazz marcan sus últimos trabajos, pesé a que siempre será recordado por crear escuela en el jazz contemporáneo.

RAY CHARLES

Géneros: Jazz, Soul, Gospel, Blues

(Georgia, EEUU, 1930 – Beverlly Hills, 2004)

Ray Charles perdió la vista durante su infancia por un glaucoma, que su  familia no tuvo medios para curarle. En su internamiento en la Escuela Estatal de Florida para Sordos y Ciegos, estudió composición y aprendió a dominar el piano, el saxo y el clarinete. No había muchas oportunidades para los niños negros ciegos en la época, pero Ray era brillante y quería llegar alto.  En 1945 dejó la escuela para dedicarse profesionalmente a la música. Tras pasar muchos años tocando en clubs de música para negros sintió que tenía que dar un paso más. Decidió establecerse con un grupo independiente y logró triunfar, pero con la llegada del rock and roll y el descenso de la música racial en las listas de éxitos, Ray Charles se dio a las drogas y su adicción acabo con el mismo y con su grupo. Con el comienzo de la lucha por los derechos civiles de la población negra, Ray Charles dejó de lado su pasado, tomó conciencia y encontró una nueva inspiración con el gospel. Fue muy criticado por cantar temas populares con ritmo gospel pero lo cierto es que gustó, y mucho. Era la revolución que buscaba, Ray Charles encontró la formula que convertiría el rythm and blues en soul.

JAMES BROWN

Géneros: soul, funk

(Carolina del Sur, EEUU, 1933-  Atlanta, EEUU 2006)

Empezó su carrera musical al salir de prisión en 1952 cuando conoció a Bobby Byrd. En 1953 ingresó en el grupo de gospel ‘Starlighters’. Con él en el grupo fueron cambiando del estilo Gospel al rythm and blues y el nombre del grupo pasó a ser el de ‘Famous Flames’.y, tras cosechar numerosos éxitos a nivel nacional, lanzó su carrera en solitario y En 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, ‘Try me’.

En 1962, el disco “Live at Apollo” vendió 1 millón de copias: un éxito sin precedentes para un LP de música negra. Su legado continuó hasta el día de su muerte, cosechando numerosos éxitos que irían definiendo el funk como tal. Conocido por su desgarrada voz y sus frenéticos movimientos de cadera, el “hermano numero uno del soul”, ha recibido numerosos apodos a lo largo de su carrera: “padre del soul”, Mister Dinamita”, “el trabajador más importante de la industria musical”, entre otros definen su trayectoria a la perfección. Lo que se llamó soul en los sesenta, funk en los setenta y rap en los ochenta, viene directo del estilo musical de James Brown.

ISAAC HAYES

Géneros: Soul, funk, R&B, Disco.

(Tennessee, EEUU, 1942 — Memphis EEUU, 2008)

No sólo es un artista imprescindible para entender la historia de la música negra sino  que además se adelantó a la música disco y fue de los primeros en adentrarse en el rap. Durante finales de los 60 y principios de los 70 fue uno de los principales artistas de Stax Records, convirtiéndose en el estandarte del sonido del sello. Tenía olfato para los sonidos diferentes y se ganó una reputación dentro de la compañía, por lo que pudo impulsar su técnica en solitario y publicó con inesperado éxito Hot Buttered Soul. A él se le debe parte del avance de los sonidos negros hacia el funk, con arreglos menos sentimentales y más bailables y sensuales. Pero el reconocimiento del público llegaría en 1971 al ganar el Oscar y dos Grammy por su canción Shaft para la película homónima. En 1972 ganaría otro Grammy por su álbum Black Moses, en cuya portada aparecía como el mesías negro. No lo era, pero a día de hoy muchos raperos estadounidenses reconocen su legado. Al fin y al cabo, su música tuvo algo que ver para la consagración del soul, el funk y lo que llegará después.

MICHAEL JACKSON

Géneros: Pop, Soul.

(Gary, EEUU, 1958 – Los Ángeles, EEUU, 2009)

Comenzó su andanza de la mano de sus hermanos mayores formando The Jackson Five, con la discográfica Motown. En 1971 comenzó su carrera en solitario con el álbum “Got to be there”. Aunque no fue hasta 1975, tras su intervención en la película “El mago de Oz”, donde conocería a Quincy Jones, el que sería su productor musical en los años siguientes, y el que le ayudaría a cosechar tantos éxitos. En 1979 sale al mercado  “Off the wall”, disco que le dio la nada despreciable cantidad de 20 millones de copias vendidas. Pero su coronación como “Rey del Pop” fue el álbum “Thriller” del cual vendió 110 millones de copias en todo el mundo, siendo el álbum más vendido de la historia de la música.

En los años siguientes siguió sacando discos y el cantante decidió retirarse del mundo del espectáculo con la gira “This is it”, que se vió truncada a finales de Junio debido a la trágica muerte del cantante.  Y a pesar de su turbulenta vida llena de polémicas, Michael Jackson será recordado por su habilidad para la música, el baile y la creación de espectáculo. En definitiva, ya podemos considerar a Jackson una leyenda.

Sábado, 21 de noviembre de 2009 00:35 h.

Miro el presente y veo un gran vacío. Apenas me quedan inquietudes. Curioso microrrelato, sin duda. La vida no tiene banda sonora, sólo canciones sueltas que nunca llegan a entrelazarse. Diríase que no tengo una meta clara a la que dirigirme y menos aún que cruzar. Sin expectativas y con ninguna certeza.

22:45 h.

Suena Madredeus, “O mar”. Leo a Haruki Murakami, “La caza del carnero salvaje”. ¿Cómo me sentiría en Japón? Caos, espiritualidad, lentitud, detallismo, asombro, incomprensión… Cierro los ojos e imagino el contraste entre su naturaleza y sus ciudades, entre el orden y la quietud de los jardines japoneses y el desquiciante ritmo de sus calles con esa infinidad de carteles luminosos danzando hipnóticamente ante los ojos de los viandantes. Siento una especie de vértigo en mi interior, una angustia vital que me hace suponer que allí tampoco lograría encontrar la razón última de mi existencia. También sospecho una inmensa soledad en mitad de una intensa lluvia, en un atardecer cualquiera de otoño, con mi imagen reflejada en un charco que también muestra, a su vez, los anuncios luminosos, de vivos colores, que van apagándose y encendiéndose a la velocidad de la luz, junto a mi gesto de profunda vacilación.

Pero para leer a Murakami, lo mejor es escuchar un buen disco de Jazz, como por ejemplo: “Steamin’”, de Miles Davis Quintet. Se diría que se complementa perfectamente con la forma de narrar de Murakami.

Miles Davis once again bucking convention, blending styles that upset the purists. This is the 6 CD boxset, now crazy out of print.

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