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Tercer Cuerpo

revistateatros — Tue, 10 Nov 2009 09:52:59 +0000

“UN ROMPECABEZAS MONSTRUOSAMENTE HUMANO” ASÍ EES COMO DEFINE LA ACTRIZ MELISA HERMIDA EL NUEVO MONTAJE DEL DIRECTOR DRAMATURGO CLAUDIO TOLCACHIR QUE CONTINUARÁ EL CICLO INICIADO CON “LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN”. A TRAVÉS DE UN HUMOR NEGRO DESPIADADO SE NARRA LA HISTORIA DE QUERER VIVIR CADA DÍA… A PESAR DE TODO. Por Miriam Gómez.

En Buenos Aires, el “Tercer cuerpo” es un bloque que se encuentra en el interior de la manzana. Es decir: edificio, patio, edificio, patio y de nuevo edificio… Como una tercera escalera interior. La oficina de los personajes de la obra de Claudio Tolcachir está en un piso de ese tercer cuerpo, un espacio que (como los personajes) se halla perdido en ninguna parte.

Un consultorio médico, una oficina de funcionarios en la que no se hace nada en concreto, la casa de una pareja que se ama pero que no sabe disfrutar de ese amor… Cinco personajes (cuatro de ellos muy mentirosos) cuyo ser más íntimo es totalmente secreto para los demás.

DESPUÉS DE LA FAMILIA…

Tras el éxito de la intensa y humana (demasiado humana) “Omisión de la familia Coleman”, el bonaerense Claudio Tolcachir regresa a España para presentar su nueva propuesta escénica, concebida de forma muy distinta que la anterior. “Cuando escribí ‘Tercer Cuerpo’ tenía más experiencia en la escritura teatral y podía jugar un poco más con la dramaturgia. La obra transcurre en muchos espacios pero no hay ningún cambio en la iluminación y en la escenografía. Es la pura actuación y el texto lo que nos lleva.”

Otra gran diferencia es que, “en ‘La Familia Coleman’, los personajes son una familia y por lo tanto no se eligieron. ‘Tercer Cuerpo’ transcurre en una oficina y en la vida de una pareja. La tensión dramática oscila entre estos dos núcleos conflictivos con un vínculo emocional muy distinto”, explica Melisa Hermida, una de las protagonistas.

LA SOLEDAD

Los personajes acuden a una oficina en la que no hacen nada en concreto. El ascensor no funciona, la luz empieza a titilar… Pero ellos siguen yendo. ¿Tienen algo mejor que hacer? Viven en una gran ciudad y están muy solos. “Tienen una enorme necesidad y energía puesta en amar pero lamentablemente no tienen a quién, no tienen objeto de amor”, dice Tolcachir.

Porque ellos “no tienen ninguna razón para levantarse por la mañana. No están deprimidos, tienen muy claro lo que quieren, saben cuál es su dolor y se pasan la obra –la vida- haciendo todo lo posible por alcanzar el objeto del amor. Pero como son mentirosos con su verdadero ser porque sienten vergüenza, esta búsqueda les sale mal”.

El objetivo, en última instancia es como explica Tolcachir, “tratar de generar la mayor contradicción posible con personajes lo más humanos posibles. Que no los podamos catalogar ni de buenos ni de malos ni de tontos; sino que siempre tengan algún rasgo en el cual nos podamos identificar o sintamos que hubiera algo más, algo un poco más complejo que lo que sucede a primera instancia”. Y por supuesto, al final de la obra los personajes no aprenden nada y seguirán toda su vida intentando ser felices…

Del 5 al 29 de Noviembre.

Teatro Español

Cosmética del enemigo

revistateatros — Mon, 05 Oct 2009 08:45:32 +0000

BASADA EN LA NOVEL DE AMÉLIE NOTHOMB, JOSÉ LUIS SAIZ DIRIGE A DOS GRANDES ACTORES: JOSÉ PEDRO CARRIÓN Y JESÚS CASTEJÓN, EN ESTA INVITACIÓN A UN VIAJE AMBIGUO Y SEDUCTOR ENTRE EL BIEN Y EL MAL EN EL QUE NINGÚN ESPECTADOR QUEDARÁ INDIFERENTE. Por Miriam Gómez.

El empresario Jérôme Angust escucha el anuncio de que su vuelo sufrirá un retraso aún sin determinar. Durante su espera, un extraño interlocutor, Textor Texel, le dará conversación a pesar de su evidente resistencia. A lo largo del relato de Texel, oscuros y violentos secretos irán cristalizándose poco a poco… Lentamente Texel se convierte en la voz que Angust nunca quiso escuchar. Su inicialmente aburrida espera se convierte en una aventura tortuosa y alucinante.

Este es el argumento de la famosa novela de Nothomb que en Francia agotó 150.000 ejemplares en su primera semana en el mercado. “Leí la novela y me pareció que allí había una obra de teatro. Resulta muy interesante el punto de vista de la historia: una mujer habla de cómo dos hombres mantienen una relación con una mujer, algo que suele ser muy inusual en las novelas…”, explica el director, José Luis Sáiz.

EN LA SALA DE ESPERA

Para que esta adaptación, realizada por el propio Sáiz, vea la luz se ha llevado a cabo un intenso proceso de limpieza textual donde el peso de la historia recae en la palabra en boca de los dos actores y en una especial concepción del espacio que nos rodea.

Se trata de un espacio de una aparente neutralidad, una zona de tránsito y de espera (no se sabe si de un aeropuerto o de la conciencia misma). Los espectadores se sitúan en un plano bastante diferente al convencional. “La experiencia de ver el trabajo de un actor a tan sólo 20 centímetros es algo irrepetible; el público se sentirá partícipe de lo que está ocurriendo allá arriba”, dice Sáiz.

Para lograr esta visión tan particular, casi de primer plano, parte del público compartirá escenario con los actores, siendo miembros del grupo de personas que esperan… Sin saber muy bien qué están esperando, como explica el director. “Cualquier espectador puede sentirse identificado con los personajes, lo que no sospecha es hasta dónde nos van a llevar. Iremos a un sitio donde no pensábamos ir: queríamos realizar este viaje pero el lugar donde acabaremos no es ni mucho menos el que esperábamos”.

FRÁGIL ORDEN SOCIAL

En una sala de embarque del aeropuerto nadie establece relaciones personales; los seres humanos comparten un espacio común por accidente. Pero este espacio, impersonal aunque tranquilizador, puede comenzar a convertirse en algo vivo que no controlamos.

“Los audiovisuales de Álvaro Luna se ponen al servicio de lo que se cuenta, tienen que reforzar el trabajo del director. Éstos se utilizan en tres momentos puntuales, son como la unión de tres actos. Las imágenes representan la fragilidad en la que vivimos cuando estamos fuera de nuestro entorno más íntimo. El orden social a veces es una imposición, está por encima de nosotros. Se nos aparece como una protección y en realidad es algo opresor, tiene un sentido continuamente perturbador”, afirma Sáiz.

Un hombre trajeado espera, se parece al resto de los hombres, esta rodeado de otros hombres y, como ellos, está completamente solo. ¿Completamente solo? Dice Sáiz que, “en el nudo del laberinto se encuentra el espacio en el que nos encontramos con nosotros mismos”. Quizás éste sea el viaje que anuncia retraso en las pantallas de la sala de embarque y no nos hayamos dado cuenta.

Desde el 8 de octubre

Teatro Fernán Gómez

Ser o no ser

revistateatros — Fri, 02 Oct 2009 08:49:03 +0000

LA GRAN COMEDIA DE ERNST LUBITSCH TRIUNFA EN EL TEATRO ALCÁZAR. CON ELLA AMPARO LARRAÑAGA HA VUELTO A LA ESCENA MADRILEÑA DESPUÉS DE CINCO AÑOS DE AUSENCIA Y LO HACE ACOMPAÑADA POR JOSÉ LUIS GIL, DIEGO MARTÍN, CARLOS CHAMORRO, MAURO MUÑIZ DE URQUIZA, ALFONSO TORREGROSA, SANTIAGO NOGUÉS, MAURO MUÑIZ Y ALFONSO MONTÓN. Por Miriam Gómez.

Escrita originalmente como relato, la película de Ernst Lubitsch convierte a “Ser o no ser” en una de las obras maestras del cine de todos los tiempos.

Ante la pregunta de cómo ha sido el proceso de llevar a escena este clásico, el director Álvaro Lavín contesta: “me pareció adecuado llevar a escena una película que me gustaba mucho y que era un homenaje al teatro porque nos habla de los entresijos de una compañía. Además, esta obra nos transmite el mensaje de que cualquier persona, haciendo bien lo que hace, puede llegar a cambiar el mundo”.

ENREDOS COMPROMETEDORES

Varsovia, año 1939. Los componentes de una compañía teatral que representa “Hamlet” al mismo tiempo ensayan su próxima obra, un montaje sobre la Alemania nazi. Las tropas de Hitler invaden Polonia sin previo aviso. Casi involuntariamente, los actores de la compañía se acaban convirtiendo en miembros de la resistencia, teniendo que llevar a cabo una peligrosa misión fundamental para su país, tan peligrosa que tendrán (esta vez sí) que llegar a ser “los mejores actores del mundo”.

Estrenada en 1942, “Ser o no ser” ha sido considerada como la más despiadada sátira antinazi jamás rodada y, en su momento, fue vista como una premonición de la invasión de Polonia por parte de Hitler (premonición luego confirmada por la Historia).

Pero, ¿no es difícil realizar una adaptación teatral sin caer en odiosas comparaciones? “Nuestro mayor reto es conquistar al público que conoce la película, que salgan del espectáculo diciendo que el trabajo no está nada mal… Siempre salvando las distancias, claro está”, responde el director.

HOMENAJE A UNA ÉPOCA

Y lo consiguen. Incluso los más cinéfilos podrán ver una versión en la que no se pierde la esencia cómica y reivindicativa original y en la que las obvias diferencias entre el formato cinematográfico y el teatral son salvadas con unas interesantes creaciones audiovisuales de Isaías Muñoz.

“Hay cosas que en el teatro no podemos hacer. Por eso jugamos tanto con lo audiovisual, ya que nuestro objetivo es hacer un homenaje a la película original. Utilizamos la imagen de distintas maneras: el salto de un espacio a otro, el trabajo con varios planos y también porque resulta un elemento emocional fundamental para el espectador. Pretende ser un homenaje a una época del cine”, continúa Lavín.

Además de estos recursos escenográficos, el montaje, como explica Lavín, “no sólo utiliza el escenario, sino que el público mismo está dentro del espacio de representación. En ciertas ocasiones, el actor está casi en contacto con los espectadores, así logramos que éstos acaben inmersos también en la época”. La crítica social florece del humor a través de un guión plagado de enredos, equívocos, tretas y meteduras de pata garrafales… Sin olvidar un pequeño “cameo” de Enrique San Francisco. El objetivo último, además de divertir y entretener, es que “el espectador salga del teatro pensando que, aportando su grano de arena, puede cambiar el mundo. La película en su época resultó toda una conmoción… Y yo también creo en un teatro que mueve y que conmueve”.

TEATRO ALCÁZAR

El hermoso renacer de Cabrera Infante. Leslie J. López en ABC.

Zoé Valdés — Sat, 26 Sep 2009 12:16:46 +0000

Miriam Gómez se encuentra en Segovia con Toni Munné, editor de Guillermo Cabrera Infante, y ha adelantado algo acerca de la novela Cuerpos Divinos de Guillermo Cabrera Infante. Leer el artículo en ABC.

Don Carlos.

revistateatros — Mon, 21 Sep 2009 08:43:49 +0000

TRAS SU EXITOSO ESTRENO EN ALEMANIA, LLEGA A MADRID LA VERSIÓN DE CALIXTO BIEITO DE LA OBRA MÁS CONOCIDA DE SCHILLER. PROTAGONIZADA POR UN PLETÓRICO RUBÉN OCHANDIANO Y UN CARLOS HIPÓLITO QUE EN 1979 INTERPRETÓ AL HIJO Y TREINTA AÑOS DESPUÉS ENCARNA A FELIPE II, EL POLÉMICO PADRE DE DON CARLOS. Por Miriam Gómez.

En un inmenso invernadero lleno de plantas, Felipe II cuida con cariño de jardinero una frondosa plantación que crece esplendorosa gracias al abono de los millones y millones de muertos que se esconden bajo la tierra. Este jardín es España, el imperio donde no se pone el sol, la prisión donde viven oprimidos su hijo Carlos y la joven Reina, prisión a la que el marqués de Poza traerá el aire fresco de sus ideas visionarias, aunque finalmente fallidas…

DE HIJO A PADRE: 30 AÑOS

Hace justo 30 años, Carlos Hipólito fue el encargado de dar vida al mítico personaje de Schiller bajo la dirección de José Carlos Plaza. Hoy su lugar lo ocupa el joven actor Rubén Ochandiano e Hipólito interpreta a su padre, Felipe II. “Volver a interpretar esta obra de Schiller me produce una rara sensación por el tiempo pasado… Aunque me hace sentirme contento porque he durado lo suficiente como actor (risas). Yo tenía 22 años cuando interpreté a Don Carlos, hacer ahora de Felipe II es como cerrar un círculo”, explica el actor.

En esta adaptación en verso blanco, Calixto Bieito no ha pretendido realizar un drama histórico, aunque no puede obviar los recuerdos de los últimos treinta años de España.

Los mismos años han pasado desde el estreno del otro Don Carlos. “Se trata de dos montajes muy difrentes. En el 79 se acababa de morir Franco y la función era una crítica a un estado autoritario que no permitía la libertad. Bieito ha acentuado aún más esta lectura a través de referencias a la familia, el Estado y la Iglesia como entidades que pueden comerse al individuo”, sostiene Hipólito.

UN OSCURO FELIPE II

En esta función veremos cómo Felipe II se muestra como un hombre contradictorio; al mismo tiempo inquisidor que portador que una de las mayores bibliotecas de libros prohibidos de la época y cuyo cuadro favorito era “El Jardín de las Delicias” de El Bosco.

“Es una toma de postura de Schiller respecto a lo que pasaba en la Europa de su época. Él quiere criticar los totalitarismos, la inquisición y la Iglesia Católica. Schiller utiliza la figura de Felipe II para machacar el Imperio Español, de ahí provino la leyenda negra de este personaje”, reflexiona Hipólito.

Desde el 17 de septiembre.

Teatro Valle-Inclán

El pez gordo. De Roger Rueff

revistateatros — Mon, 31 Aug 2009 12:22:03 +0000

CON ESTA OBRA IRÓNICA, MORDAZ Y REFLEXIVA QUE ESTÁ SIENDO UN ÉXITO EN LOS ESCENARIOS DE TODO EL MUNDO, EL ACTOR BERNABÉ RICO INICIA UNA NUEVA ETAPA COMO PRODUCTOR. HELIO PEDREGAL Y TONI CANTÓ INTERPRETAN JUNTO A ÉL A TRES HOMBRES DE NEGOCIOS QUE INTENTAN ATRAPAR A UN PEZ GORDO SIEMPRE A PUNTO DE ESCABULLIRSE. Por Miriam Gómez.

En una suite de hotel se dan cita tres trabajadores de una firma de lubricantes industriales que preparan una fiesta para captar nuevos clientes. Uno es Phil, un jefe de cuentas cincuentón recientemente divorciado, interpretado por Helio Pedregal, que ha comenzado a cuestionarse sus metas en la vida y en el trabajo. Otro es Larry; interpretado por Toni Cantó, se trata de un hombre enérgico, que ha pasado los cuarenta y que es la viva personificación de un comercial agresivo. Por último, Bernabé Rico es Bob, un joven afable, indagador y de fuertes creencias religiosas, que acaba de ingresar en el departamento de investigación de la empresa.

ESPERANDO AL PEZ GORDO

Una empresa en crisis abocada irremediablemente a la quiebra si entre los tres no logran sacar adelante esa noche un suculento acuerdo comercial al presidente de una gran compañía, el “pez gordo”.

“Es un ‘Esperando a Godot’ transformado en un “esperando al pez gordo”. Ese cliente parece ser el dios que les salvará de todos sus problemas”, dice Cantó. Pero, como explica el actor, este argumento “es la excusa para hablar de temas tan importantes como la amistad y el amor”.

UN FINAL INCIERTO

Escrita por Roger Rueff y dirigida por Juan Carlos Rubio, esta obra ha sido objeto de una adaptación cinematográfica producida y protagonizada por Kevin Spacey, Danny DeVito y Peter Facinelli. Además, ha sido estrenada en países como EEUU, Japón, Croacia e Italia.

La razón de su éxito podría radicar en la universalidad de los temas que trata y que cobra un especial sentido en momentos de zozobra económica. ¿Es posible la conciliación del triunfo laboral con la honestidad? Por ello, pese a ser una comedia, “más que la carcajada, es la sonrisa la que define el humor de la obra”, explica Pedregal.

¿Cuál será el destino de estos tres protagonistas? “La decisión final la toma el espectador, él es el que decide lo que va a ocurrir con los personajes. Personalmente creo que la historia es bastante demoledora, no lo tenemos nada fácil en la vida. Las oportunidades y las alegrías dependerán siempre del tiempo que les dediquemos cada día”, concluye.

Tito Andrónico

revistateatros — Mon, 27 Jul 2009 08:01:11 +0000

Desde el 30 de julio. Naves del Español. Por Miriam Gómez.

CRUELDAD, ANTROPOFAGIA, VIOLACIÓN, DESCUARTIZAMIENTOS, AMPUTACIONES, ASESINATOS, SANGE, SANGRE Y MÁS SANRE; PERO TODO ESTO DENTRO DEL MARCO DE LA FAMILIA EN UNA APACIBLE COMIDA DE DOMINGO… LA COMPAÑÍA ANIMALARIO LLEVA A ESCENA ESTA CRUENTA TRAGEDIA DE SHAKESPEARE QUE NO DEJARÁ INDIFERENTE.

“Una mesa redonda de banquete se mueve en círculos. Representan la espiral de violencia de la función, el agujero mental que es el centro por donde entra y sale la muerte… Gira más rápido cuando la violencia va en aumento…” Así explica Andrés Lima el montaje escenográfico de “Tito Andrónico”, el nuevo espectáculo de su compañía Animalario que podrá verse en las Naves del Español durante todo el mes de agosto.

Para Nathalie Poza, una de las actrices, la escenografía es “un volcán en constante erupción, a punto de estallar. La obsesión por la violencia es continua, se trata de una obra muy sanguinolenta. No sólo se mata al otro, sino que además hay ensañamiento.”

EL PERFECTO SOLDADO

La obediencia. Tito (interpretado por Alberto San Juan) es un soldado obediente. Todo ha de estar dentro del orden. Por el orden mata a su hijo, sacrifica al hijo primogénito de Camora, se corta una mano y violan a su hija.

“Tito se rige siempre por el orden que corresponde a su rol social. Si no tuviera ese sentido del honor y de la patria no haría cosas tales como matar a su propio hijo por obediencia al emperador. Sigue ese orden de manera casi inconsciente, como un impulso. Andrónico es un objeto del sistema. No es un ser que piense por sí mismo, por eso es tan peligroso”, explica Poza.

Ella interpreta a Camora, el personaje antagónico y a la vez necesario en la tragedia de Shakesperare. “Tito lleva prisioneros a Camora y a sus cuatro hijos. Ella suplica que no mate a su primogénito pero Tito lo sacrifica, así que ella decide vengarse de toda la saga de los Andrónicos. No siente ninguna piedad, se vuelve cada vez más brutal, más vengativa. Camora es la venganza”, reflexiona la actriz.

“Estoy dispuesta a todo si consigo mi deseo”. A diferencia del carácter de Andrónico, esta sería la frase que mejor define al personaje de Camora según Poza.

TERROR AL DESNUDO

Un cuento terrorífico será contado sin que nadie salga de escena. Como suele ser usual en las obras de Animalario, incluso los cambios de vestuario y de maquillaje suceden delante del público. El espacio sonoro, del británico Nick Powell, es un personaje más. Los dos músicos, un violonchelo y un contrabajo, en algún momento forman parte del elenco.

¿El final? Todos mueren. Lo normal en las tragedias… El orden acaba con Tito Andrónico; un pobre hombre que pretende pasar por encima de sus afectos y de su familia pero que se retuerce de tanto dolor…

El Cabaret Cubano del Capitán Varela

revistateatros — Mon, 20 Jul 2009 08:13:52 +0000

Desde el 23 de julio. Teatro Príncipe. Por Miriam Gómez.

MANUEL GONZÁLEZ, FUNDADOR DEL PRESTIGIOSO GRUPO CANARIO MESTISAY, DIRIGE ESTE MUSICAL ATÍPICO AMBIENTADO EN LAS VARIETÉS CARIBEÑAS DE UN PROGRAMA DE RADIO DE LOS AÑOS 50. EL HUMOR Y LA BUENA MÚSICA ESTÁN ASEGURADOS.

Durante años, Mestisay ha sido el grupo canario más taquillero de su tierra y ahora quieren traernos un poco de sus islas a los calurosos veranos de Madrid. Tras el éxito del espectáculo “Querido Néstor”, llega a la capital esta producción musical estrenada en el Teatro Cuyás de Las Palmas.

“El Cabaret del Capitán Varela” es el noveno montaje de este prestigioso grupo canario de más de 25 años de existencia. “Es un musical ambientado en un programa de radio cubana de los años 50: con música en directo, invitados peculiares, espectadores, llamadas y sobre todo mucho humor”, explica Manuel González, su director.

CUBA EN LOS AÑOS 50

En un pequeño cabaret caribeño de estética un poco kitsch se está grabando una emisión de radio con música en directo. Aunque el programa gira en torno a su principal invitado, el capitán del ejército cubano don Carlos Varela y Ferrer, interpretado por Antonio Montesdeoca, poco a poco se va transformando en un hilarante espectáculo de variedades y humor conducido por el locutor Déniz, interpretado por Matías Alonso.

Una orquesta de músicos cubanos acompañan a los cantantes “Se interpeta música cubana de los 50. Tiene un aire algo decadente y ajado muy de la época, al estilo ‘Buena Vista Social Club’. La gente que le guste la música cubana de la época saldrá encantada”, dice González.

UN MUSICAL ARTESANAL

La cartelera de la capital está asistiendo a un florecimiento masivo del género musical. ¿Qué puede diferenciar este espectáculo del resto? El hecho, en opinión de González, de que se trate “de un formato artesano realizado con conocimiento de la música que va a ser interpretada, ya que la compañía es mitad cubana y mitad canaria. Es un montaje muy fresco, un divertimento nocturno perfecto para quien venga huyendo del calor de la ciudad madrileña”.

Zoo

revistateatros — Mon, 06 Jul 2009 09:48:05 +0000

Desde el 25 de junio. Teatro Alfil. Por Miriam Gómez

EN LO MÁS PROFUNDO DE LA JUNGLA, UNOS INTRÉPIDOS EXPLORADORES AFRONTAN LA MÁS INSENSATA DE LAS AVENTURAS. SU MISIÓN: CAPTURAR UN EXÓTICO ANIMAL PARA EL ZOO DE UNA GRAN CIUDAD… ESTE VERANO LA COMPAÑÍA YLLANA VUELVE A PONER EN PIE UN ESPECTÁCULO PARA TODOS LOS PÚBLICOS SOBRE EL ETERNO CONFLICTO ENTRE EL HOMBRE Y LA NATURALEZA.

Se oyen pasos sigilosos. En lo más profundo de la jungla, unos intrépidos y chiflados exploradores afrontan la más insensata de las aventuras. Su misión es capturar un exótico animal en vías de extinción para el zoo de una gran ciudad. ¿Quiénes son estos aventureros? ”Somos cuatro exploradores, cada uno con un carácter muy definido. Está el cazador, el aventurero, la botánica y el científico. Nos metemos en la jungla buscando un animal exótico para un zoo. Una jungla muy misteriosa”, explica Rubén Hérnandez.

Él es uno de los miembros de Yllana que darán vida a esta divertida y sorprendente aventura de humor poco corriente. Lo hará acompañado de César Maroto, Juan Francisco Dorado y Susana Cortés.

Como explica Dorado, “aunque no somos parte del grupo inicial de Yllana, somos una especie de compañía B. Empezamos representando ‘Splash’ en el Teatro Arlequín y a partir de ahí fueron saliendo funciones y bolos. De ahí surgió la idea de montar ‘Glub Glub’, ‘Olimplaff’ o ‘Buuu’, por ejemplo. En ‘Zoo’, bajo la supervisión artística de David Ottone, queríamos montar una historia que hablara de la relación del hombre con la naturaleza. ¡Pero de zoo lo único que tiene es que salen animales! Es más una obra de aventuras y de selva.”

SILENCIOSA ANIMALIZACIÓN

Los continuos despropósitos de los protagonistas harán que un paisaje aparentemente paradisiaco se convierta en una trampa plagada de extraños animales. Aves, mamíferos, reptiles e insectos se las arreglarán para hacer la vida imposible a los héroes de la expedición. “El espectáculo da mucha importancia a la animalización a través del gesto. Sólo con los gestos el público los identifica, porque cuando vamos por la ciudad, también los hombres parecemos animales…”, reflexiona Hernández.

Un rasgo definitorio de la compañía es su humor gestual internacional que, como dice el actor, “no es clown, ni mimo, ni música ni danza, sino que toma algo de todas ellas para realizar una propuesta diferente”.

¿La clave? Además del buen uso del vestuario, la música y el gesto, “siempre contar con la imaginación y el esfuerzo del espectador”, contesta Dorado.

UNA ESTÉTICA DE CÓMIC

Este montaje es un retorno a los orígenes de Yllana, al humor ácido y de estética ‘cartoon’ que ya ha hecho reír a medio mundo. “Es una estética que recuerda mucho a los dibujos animados clásicos. Yo lo definiría como un espectáculo violentamente bonito. Nos clavamos cuchillos y nos pegamos cabezazos contra ciervos ¡pero no pasa nada! Hay incluso recreaciones de golpes a cámara lenta. No es una violencia real, no es la estética de la Fura del Baus. Se trata de una violencia poética”, dice Dorado.

Para lograr esta estética de tebeo antiguo la música resulta ser un aspecto fundamental ya que, según Hernández, “ayudados de canciones de los años 20 y 30, conseguimos una ambientación de película antigua además de crear una estética muy de cómic. Por ejemplo, suena un cuchillo que se lanza por el aire ¡pero no hay cuchillo en realidad!”

En definitiva, una propuesta que profundiza en el tema de la animalización y la recreación de la naturaleza salvaje, ideas éstas ya presentes en otros de los espectáculos de Yllana. Y como siempre con un humor que “más que para niños es una pantomima blanca apta para todos los públicos”, concluye Maroto.

En “Zoo” nadie podrá escapar de las garras de la risa. ¡Que comience la aventura!

CUATRO AÑOS SIN GUILLERMO CABRERA INFANTE, PERO CON SU OBRA.

Zoé Valdés — Sat, 21 Feb 2009 13:52:49 +0000

Hoy se cumplen cuatro años del fallecimiento de Guillermo Cabrera Infante, pero su obra está más viva que nunca. GCI dejó tres novelas inéditas y muchos otros inéditos, que irán saliendo en el futuro. Yo estaba viendo Niágara, y de este modo me enteré, por teléfono, de su muerte. GCI no fue solamente mi gran maestro, fue un amigo, un padre literario. Todavía me parece que el teléfono sonará, y que será él, con su voz tan particular a lo Edward G. Robinson: “Zoé Valdés… Guillermo Cabrera Infante…”

Como ustedes saben fue Guillermo Cabrera Infante quien inmortalizó literariamente a La Freddy (Fredesvinda García Valdés), nombrándola en sus novelas como La Estrella. Aquí la tienen:

PER-VERSIONES CUBANAS

Siempre me llamó la atención la curiosa degradación que han sufrido en Cuba ciertos términos españoles.

El ejemplo máximo es quizá la palabra matrona, que en vez de ser una “madre de familia noble y virtuosa” como quiere un diccionario, es la encargada de un burdel y, en muchos casos, además de celestina es ella misma proxeneta.

Un solar es una casa de vecindad, quintopatio o conventillo: donde la miseria se da la mano, como tantas veces, con la promiscuidad -si es que ambas palabras pueden darse la mano, milagro social que no ocurre más que en esa tierra de prodigios verbales que es la Retórica. Los solares se encuentran por lo regular en La Habana vieja y muchas veces un solar no es más que un palacio colonial venido a menos: sus habitaciones condales devenidas vulgares cuartos, la mansión degradada a cuartería, la casa solariega apocopada en solar.

Sé que hay una explicación para esta decadencia verbal que conlleva, muchas veces, ruina física. La más a mano, por supuesto, envuelve a una sociedad esclavista hasta hace poco y a su descendencia empobrecida y en fuga geográfica o histórica. Pero no me interesan las explicaciones sociológicas ni histórico-materialistas o pastorales-históricas, sino las literarias, la literatura: la sugerencia que nace de tal degradación, la exaltación que crea esta decadencia. En este caso ninguna palabra destituida puede ser más sugerente que la palabra caballero.

Caballero ha venido a significar poco más que chico, cuate o socio, en su aceptación individual, y a veces denomina a un grupo cívico indiscriminado. En raras ocasiones deleitosas esta decadencia llega a sugerir un nuevo auge de los tiempos gloriosos de la caballería andante. Solamente hay que tomar un ómnibus de la ruta 28 -coger esa guagua- para oír al conductor anunciar la inminente llegada de una calle habanera que corta la avenida de San Lázaro, vía usual de esta ruta, y gritar el aviso en típico lengüaje de guagüero: “Espada, caballeros!”.

Casi se pueden ver volar las capas al abrirse presurosas por los brazos agerridos, permitiendo a una mano decidida empuñar el florete o la tizona, y, acero en ristre, acababa apenas de decir esto cuando D’Artagnan le dirigió un puntazo tan furioso, que, de no haber dado un rápido salto hacia atrás es probable que hubiese sido aquélla su última broma.

Con la cineasta Jana Bokôva y con Guillermo Cabrera Infante

Con Ricardo Vega, Guillermo Cabrera Infante y Laura Franck. GCI me dedica en ese momento Ella cantaba boleros en la Feria del Libro de Madrid

Miriam Gómez y Guillermo Cabrera Infante en Londres. Foto de Sarah Facio y Alicia d'Amico

MIRIAM GÓMEZ DENUNCIA LA MANIPULACIÓN CASTRISTA SOBRE LA OBRA DE GUILLERMO CABRERA INFANTE.

Zoé Valdés — Thu, 12 Feb 2009 14:07:27 +0000

Miriam Gómez denuncia en EFE-Londres, publicado por Los Tiempos, la manipulación castrista, al publicar sin su autorización, un cuento de Guillermo Cabrera Infante en una antología presentada en la actual Feria del Libro de La Habana dedicada a Chile. GCI siempre se negó a ser publicado en Cuba mientras existiera el castrismo. Sus razones tenía, fue un exiliado, que siempre denunció la dictadura castrista, y la policía castrista le hizo la vida imposible, a tal punto que GCI se enfermó.

He leído en algunos blogs que Miriam Gómez debe reclamar dinero por los derechos de autor de Guillermo Cabrera Infante derivados de la publicación del cuento El Gran Egbó en la antología de Alberto Garrandés. Miriam Gómez no desea -según dus palabras- ningún dinero de la dictadura. Ella, como Guillermo, que lo escribió en varias ocasiones en El País, y lo declaró en entrevistas, antes de morir, jamás han querido que la obra de Guillermo Cabrera Infante sea utilizada por la dictadura castrista, ni que sea publicada bajo el castrismo. Así de firme, y de claro. Lo que acaban de hacer es una violación de los derechos editoriales, de autor, y del testamento de un escritor.

Míriam Gómez@maialavida

mirtres — Wed, 14 May 2008 10:44:41 +0000

It’s me, or at least they say so…, then it must be true!

Us deixo amb una brillant, onírica i simpàtica descripció sobre la meva persona que ha fet una personeta que em coneix des dels 4 anys, llavors, ha de tenir raó, però heu de tenir en compte que és Oneofthem i que “durant una temporada va arribar a pensar que Los Planetas eren l’origen de tota forma de vida”.

Míriam: Va ser dotada amb el do de la parla per sobre de qualsevol altra virtut. Aquesta gran capacitat fa que pugui parlar de qualsevol tema de manera airosa. Fanàtica de Kurt Cobain i punk reciclada, ara ha descobert el pop i és molt més feliç. Conèixer Antònia Font i Joan Miquel Oliver l’ha convertida en una millor persona. Té massa frases per anomenar-ne tan sols una.

Sobre això dos apunts: Kurt, t’estimem!, i Courtney Love es més petarda que Yoko Ono, que té la culpa de tot. I dos: defensaré els Hives i el garage fins la meva mort i sempre hi haurà un gran espai en el meu cor per tot el que comenci per rock, hardcore i punk.

I ja que hi som, no deixeu d’escoltar el Mai a la vida… estem cuinant unes quantes entrevistes interessants i volem parlar sobre els Straight Edge!

By the way… us explicaré un altre dia quelcom de València, de moment podreu veure algo aquí, i en breu en el meu flickr.

Call me baby

mirtres — Sat, 22 Mar 2008 15:14:51 +0000

Un curt de Producciones Prescindibles, de Montse Casas i Míriam Gómez (una servidora)