A Banda Beirut (EUA) ficou conhecida no Brasil após a música Elephant Gun ter sido incluída na trilha da minissérie Capitu

Ainda falta um mês, mas não custa nada anotar na agenda. A 16ª edição do Percpan em Salvador – o evento também ocorre no Rio e em São Paulo -, acontece nos dias 4 e 5 de setembro, no Teatro Castro Alves, reunindo concertos e workshops com talentos nacionais e estrangeiros da percussão e música étnica. Na capital baiana, estão confirmados: a banda Beirut, o   percussionista Airto Moreira, a cantora Flora Purim, jazzistas brasileiros, o  francês Cyril Hernandez, o italiano Andrea Piccioni, o alemão David Kuckhermann, o jordaniano Ahmad Al-Khatib e os japoneses da Oki Dub Ainu Band.

Segundo a organização do Percpan, as duas noites do evento terão propostas diferentes (veja programação completa abaixo). Para encerrar o festival, em Salvador e no Rio, percussionistas vão mostrar como o pandeiro é tocado de maneiras diversas. A idéia surgiu no ano passado, na Alemanha, durante o Tamburi Mundi, um festival que reuniu somente pandeiristas.

16º PANORAMA PERCUSSIVO MUNDIAL – PERCPAN

Participantes:

América do Sul – Brasil e Argentina

Europa – Itália, França e Alemanha

Ásia – Japão

América do Norte – EUA

Oriente Médio – Jordânia

Serviço em Salvador:

Onde: Teatro Castro Alves

Quando: 04 e 05 de setembro

Horário do primeiro show: 19:30h

Preços: R$30,00 (inteira) e R$15,00 (meia)

Onde comprar ingressos: Teatro Castro Alves, SAC Barra e SAC Iguatemi

Censura: 14 anos

Informações e venda: (71) 3117-4899

Programação:

Primeira Noite

Trio 3-63 – Brasil/ RJ (Marco Suzano , Andrea Ernest, Paulo Braga)

Cyril Hernandez & Ramiro Musotto – França e  Argentina

Oki Dub Ainu Band, com Takashi Numazawa e Ushida Dub Mix – Japão

Beirut – EUA

Segunda Noite

Trio 3-63  -  Brasil/ RJ (Marco Suzano , Andrea Ernest, Paulo Braga)

Andrea Piccioni – Itália

Emerson Taquari & Banda – Brasil/ BA

David Kuckerman – Alemanha & Ahmad Al Khatib – Jordânia

Airto Moreira & Flora Purim – Brasil/EUA

Tenía en mente escribir sobre George Dalaras (Giórgios Ntaláras)  desde que escribí los post de Goran Bregovic y Haris Alexiou y lo mencioné.

Griego, nacido en 1949, su carrera musical se extiende a lo largo de  cuatro décadas. Ha publicado más de 120 discos y como suele pasar, en España es un desconocido. Es un cantante y guitarrista excepcional que ha llenado estadios, ha tocado con Paco de Lucía,  ha colaborado con Sting, Bruce Springsteen, Mikis Theodorakis entre otros.

Escuchemos su música:

Con Paco de Lucía

Mi mou thimonis matia mou

http://www.youtube.com/watch?v=rnWTtX2pP10

Ta Smyrneika tragoudia

http://www.youtube.com/watch?v=O1e3FNH2xi8

Deka palikaria

Natane to 21 45 rpm

El pasado 27 de marzo, la música abierta al mundo, libre y sin prejuicios de Nacho Arimany y Amir Haddad invadió la Capilla Fonseca de la Universidad de Salamanca.

Las percusiones étnicas de Nacho Arimany y su voz se encuentran para dialogar libremente con las cuerdas del laúd, del bouzoki y la guitarra de Amir Haddad. Sonidos de la tierra, vibración y silencio como ejes de un concierto en el que la Capilla Fonseca ofreció el espacio esencial para que la música suceda y el encuentro sea fecundo.

El pasado 24 de marzo entrevistábamos a Nacho Arimany para que nos hablase de su concierto, de su música y de su personal filosofía.

descarga el archivo

Com um conceito de teatro/bar, Cafetina chega para ser uma nova opção cultural da cidade. Com uma agenda variada a casa tem como proposta para o subsolo opções de eventos como shows, teatros e festas das mais diversas tendências. Um espaço onde o artista  se sentirá em casa e trocará experiências com outros artistas e com seu público, valorizando trabalhos autorais e artistas da cidade.
Com programação de terça a domingo, Cafetina terá em seu andar térreo um forno a lenha aceso a partir das 18h, para oferecer aos clientes pizzas exóticas e outras iguarias como batata recheada, tudo preparado pelas mãos temperadas dos melhores chefs de cozinha da cidade, acompanhada de um bom vinho ou, se preferir, de um bom chopp.
Localizada de frente para a W3 com amplo estacionamento e fácil acesso, Cafetina, quer resgatar o conceito de espaços surgidos na década de 1980, na Asa Norte, como o “Bom demais”.

10/03, Terça-feira, às 21h
Festas das artes
*Neste dia não nos responsabilizamos pela programação: Faça você sua festa, traga o seu Ipod, seja o DJ, convide a galera!
Ingressos: R$ 10

11/03, Quarta-feira, às 21h
La Boca – O melhor da música da América Latina
Ingressos: R$ 10,00

12/03, Quinta-feira, às 21h
Kinta Kuntê – Música Étnica
DJ Lenine
Ingressos: R$ 10,00

13/03, Sexta-feira, às 21h
Chega de Saudades
Ingressos: R$ 10,00

14/03, Sábado, às 21h
Wagner Luiz – Música autoral
Ingressos: R$ 10,00

15/03, Domingo, às 21h
Colapso – Sua pior companhia (teatro)
Ingressos: R$ 10,00

Local: Cafetina (Bar e Cultura) – SCLRN 712 (de frente para W3 – Asa Norte)
Data: 10/03 a 15/03/09
Preço: Confira a programação
Informaçőes: 3340-0398

Su amor ha sido siempre la música y su sendero el mundo. El acento delata una residencia de décadas en España –lugar desde el cual su obra ha ganado reconocimiento internacional– pero se ilusiona con el regreso a Paysandú, donde prepara la instalación de su cuarto Museo de Música.

 La cita era a las cinco en el Museo Histórico Municipal, lugar que próximamente albergará parte de la colección de instrumentos musicales étnicos que ha reunido casi sin proponérselo y hoy conforman la más importante de sus características en el planeta. Allí lo encontramos trabajando junto a un grupo de arquitectos locales en el diseño de lo que será el futuro Museo de la Música de Paysandú. Sin embargo, él –que ya había visto visitar el río—necesitaba completar su ritual para sentirse plenamente en su tierra. Así fue que después de una búsqueda por un par de comercios de la zona, finalmente surgió la entrevista que dio lugar a esta nota, amenizada con sendos vasos de malta.

“Si no voy aunque sea una vez al río y me tomo una malta, no termino de sentir que estoy en Paysandú”, explicó. Es como si los miles y miles de kilómetros que ha recorrido su alma de caminante en los últimos 40 años, necesitara –como sosiego—de vez en cuando sentirse en casa. Quizá por eso durante los últimos veinte años ha intentado una y otra vez la meta de obsequiar parte de su obra a su lugar de origen.

 Carlos Blanco Fadol es hoy una figura conocida en al ambiente cultural español y europeo. Dirige dos importantes museos –el de Murcia y el de Barranda–, considerados la “reserva de la música étnica del mundo” y actualmente prepara la apertura de un tercero en la ciudad española de Hellín. Su agenda está repleta de actividades y cada mes rechaza, por falta de tiempo, varias invitaciones para brindar conferencias en distintos lugares del mundo.

Una embestida contra el olvido

Aunque se lo han ofrecido, no ha querido establecer sus museos en las grandes capitales y le alarma la velocidad con que el mundo está perdiendo su conexión con las raíces: la memoria musical, el relato oral, las tradiciones. Podría decirse que su obra es, ni más ni menos, una embestida contra el olvido.

Al preguntarle si ha cambiado la relación ancestral del hombre con la música, contesta: “Si fuera a un restaurante de China, Francia, Congo, Venezuela o Singapur y todos me dan el mismo plato, indudablemente notaría que la economía se ha deteriorado y empobrecido. Eso está pasando cuando uno enciende una radio”.

“Me pone muy triste. Estamos en un proceso de deterioro impresionante. Los instrumentos musicales están desapareciendo a una velocidad alarmante. En la actualidad, el 70% de los más de 3.000 instrumentos de mi colección están extinguidos”.

Asegura, no obstante que jamás fue un visionario sino que su colección se fue formando espontáneamente.

“En Europa intentan mostrarme como una persona con una visión increíble y yo jamás imaginé una obra propia, mucho menos que ésta tuviera la dimensión que hoy está teniendo. Yo soy un caminante, hice las investigaciones que me interesaban y comencé a guardar los instrumentos que me regalaban. Lo hice siempre solamente porque me gusta…a veces me pregunto si he sido yo realmente quien ha hecho todo esto”. “He ido reuniendo los instrumentos por casualidad. No sabía que tenía un museo hasta que alguien fue a mi casa, lo vio y me lo dijo. Es verdad que ya no tenía lugar para recibir visitas y tenía todos los cuartos llenos de instrumentos y cada vez que me acostaba los vecinos los sabían porque al lado de la cama tenía un instrumento del sureste asiático que debía correr y él sonaba cuando quería acostarme… sin embargo, no había tomado conciencia que con todo eso podía hacer un museo. El único mueble de mi casa era la cama, hasta el baño estaba lleno de instrumento y a la cocina no se podía entrar”, recordó.

Agregó que en este periplo musical y vital, ha habido gente que lo ha ayudado mucho, en contraposición con la indiferencia que hasta el momento había generado su obra en Uruguay, donde es muchísimo menos conocida que en Europa.

No obstante, dijo que ahora la situación ha cambiado y que Ricardo González Arena, nuevo embajador de Uruguay en España, “un hombre joven, sensible, inteligente que dejó la antigua soberbia abandonada en un rincón” está dando muestras de otra apertura e incluso le pidió disculpas porque “haya sido la embajada de Indonesia y no la de Uruguay, la que presentó mi candidatura a los premios Príncipe de Asturias”.

 “Mi gran mecenas ha sido el embajador de Indonesia. Llegó un momento que me sentí mucho más indonesio que uruguayo”, dice al señalar la sencillez y apertura de ese pueblo asiático. Respecto a cómo surge la relación con dicho país, dijo que hace 27 años pidió una audiencia en la embajada de Indonesia porque quería viajar allí por ser uno de los países del mundo que tiene más instrumentos musicales. “El embajador me invitó a comer, me preguntó por mi trabajo y me ofreció unos instrumentos muy antiguos que estaban en la Embajada y habían sido traídos para la Exposición de Bruselas en 1920 y habían quedado en España. Me preguntó si me interesaban y te imaginarás que yo quedé como flotando en el aire. Ese empujón fue fundamental”, comentó.

Tras las raíces musicales del mundo

Viajero impertinente, nada lo ha detenido en sus pesquisas musicales, ni las guerras, ni la malaria ni lo inhóspito o altamente riesgoso del territorio como el que acaba de recorrer en la selva amazónica peruana para devolver a la tribu yagua un instrumento que perdido en su cultura.

“Allí se está llevando a cabo una destrucción muy grande. Les están destruyendo la selva de una manera horrible porque cortan troncos de tres metros de diámetro, los atan y transportan río abajo a los aserraderos. No puedo quedarme callado e irme a dormir tranquilo. Las tribus que viven allí no pueden hacer nada, no tienen voz ni voto, no tienen identidad, no son nadie…si muere o matan a uno no pasa nada porque no existen ¿quién va a ir ahí a investigar?…están muy mal. Tienen una gran tristeza. Por eso, luego que les enseñé a construir ese instrumento que habían perdido, para despedirme, empezaron a tocar con devoción y creí que me daba un ataque. Nunca me había pasado llegar a un lugar y devolver algo que la gente ya creía perdido y muy pocos se acordaban …Es como si aquí se devuelva el tamboril para tocar candombe”.

No para nunca

Sabe que esos instrumentos constituyen un patrimonio cultural que se va extinguiendo ante su creciente desuso en todas las culturas. Por eso, Carlos Blanco Fadol, el coleccionista de las raíces musicales del mundo, no para nunca.

Piensa que ese hacer constante es parte de la herencia que le dejaron sus padres.”Creo que de la honradez, tesón y nobleza de mi padre y la magia de mi madre –que fue una mujer con un carisma y encanto impresionantes—, algo tengo yo y esa es una herencia que llevaré siempre y me ha ayudado muchísimo”.

“Hay gente que me dice: ¡qué maravilla de vida! pero en realidad ha sido muy duro. Nunca me he podido adaptar. Nunca, aunque trato de no pensar mucho en eso”, dice.

Sin embargo –y a pesar de su incesante actividad y numerosas ocupaciones—no puede mantenerse ajeno a lo que pasa en Uruguay y, en particular, en Paysandú. “Me levanto a la mañana y antes que en Paysandú se enteren de lo que ha pasado en Paysandú yo ya lo sé porque leo EL TELEGRAFO todos los días del año antes que se levante la gente acá. Me ha pasado de llamar a mi hermano o alguien que está en Uruguay y comentar algo y no lo saben”. “Me interesa lo que pasa en el país pero tampoco puedo opinar mucho porque cuando llego veo las cosas de manera muy subjetiva. No obstante, y lo digo con franqueza, he visto a Uruguay mejor que otras veces. He visto menos gente pidiendo y menos miseria en Montevideo…Los caminantes tenemos una antena que nos dice cuándo un lugar es peligroso y nos permite captar la esencia de cada lugar. Yo lo veo bien a Uruguay”. “No me llevo bien con la fama”

Si bien aquel muchacho que se fue de Paysandú hace ya mucho tiempo con una guitarra y una mochila al hombro pensó en recorrer Brasil y quizá Bolivia, jamás imaginó su periplo por el mundo y, luego, el éxito que lo corona hoy en España.

 Asegura que allá lo quieren “muchísimo” pero que no se lleva bien con la fama. “Vivo donde está uno de mis museos, en un pueblo pequeño de Caravaca, la meca del folclore en España. No puedo ir a comer a ningún restaurante o a comprar pescado porque me invitan en todos lados y yo quiero pagar. Ya no puedo andar de poncho y alpargatas como andaba antes porque no quiero parecer un excéntrico”. La tarea de gestión de dos museos a veces lo ahoga un poco y es consciente que debe delegar.

Cree que está llegando el tiempo de dedicarse nuevamente con mayor ahínco a la investigación y a otras cosas. Estas últimas incluyen, quizá un nuevo rumbo para su propia vida. Entre lo primero figura un nuevo viaje a la India y la difusión de su obra a través de la filmación de un documental actualmente en desarrollo y que se distribuirá mundialmente por Nathional Geographic.

Entre lo segundo, está la posibilidad de pasar más tiempo en Paysandú, ciudad donde –dijo—quiere que “blanqueen” sus huesos. Al preguntarle qué es lo que ha aprendido en sus andanzas por el mundo, dijo que el resumen de las enseñanzas del camino “está en los 500 pensamientos poéticos que he escrito y están en un libro que publicaré próximamente y se llama “Reflexiones a orillas del camino”. “El camino enseña mucho, es una gran universidad. Te enseña a ‘desaprender’ una cantidad de cosas superfluas que no sirven para nada. El ser humano cae a veces en una telaraña y cuando más se mueve y quiere hacer cosas más se enreda. Eso le está pasando al hombre actual. La vida es ahora”.

 “A veces me pregunto qué es la calidad de vida. Tengo un auto caro y una finca muy buena y ¿qué? A mí eso no me está haciendo eso feliz. Era mucho más feliz cuando iba por el mundo con una guitarra, despreocupado. Por eso, tengo la intención de ceder toda mi obra a una fundación y dedicarme un poco a otras cosas”.

Respecto a la anunciada apertura de un Museo de la Música en Paysandú, que aloje parte de su colección, dijo que si se concreta, el éxito del mismo está garantizado y que contará con la última tecnología en la materia.

La apertura de dicho museo significará también la posibilidad del regreso de Carlos Blanco Fadol a su ciudad natal, donde piensa pasar por lo menos, la mitad del año.

Por Carol Guilleminot Coello, originalmente publicado en la revista Quinto Día.

¿Quién es Carlos Blanco Fadol?

• Multiinstrumentista y luthier, Carlos Blanco Fadol es también etnomusicólogo y ha inventado más de 100 nuevos instrumentos musicales y creado bandas sonoras para cine, especialmente documentales.
• Es cantautor, compositor y ejecutante de una gran variedad de instrumentos musicales (cuerda, viento y percusión), defensor de las colectividades indígenas amenazadas y de los huérfanos del mundo. Recientemente ha publicado la Enciclopedia de Instrumentos Etnicos del Mundo, que reúne investigaciones realizadas en los cinco continentes en los últimos 40 años, además de teorías sobre organología y trabajos inéditos que ayudarán a aclarar temas referidos a la música y a la relación de las culturas con los instrumentos. Nacido en Paysandú, este uruguayo nacionalizado español toca más de 50 instrumentos, vive en España y ha sido dos veces candidato a los premios Príncipe de Asturias, en las categorías Arte y Concordia. Su colección de instrumentos de música étnica tiene un fondo de 3.500 instrumentos, provenientes de 145 países del mundo, valorado en unos 9 millones de euros.
•  Su próximo proyecto es reunir a 1.000 jóvenes palestinos e israelíes para tocar juntos el “Himno a la Alegría” con instrumentos especiales del sudeste asiático que pueden ser ejecutados por cualquier persona sin necesidad de saber de música, siguiendo una partitura numérica. Llevar a cabo tal empresa en una de las zonas más convulsionadas y sufrientes del mundo, no será sencillo. Sin embargo, está decidido a intentarlo por aquello de que “la música nace en el instante justo del fracaso de la palabra”.

Los jodidos anuncios de televisión …. otra vez mas.  Esta vez relaccionado con la carrera de Dakar, en realidad llevan ya dos años, utilizan la música de Ismael Lo.

Korn y yo nos hicimos con el “Jammu Africa” de este Senegales hace bastante en unas vacaciones en Barcelona, y aunque suene un poco a Frikada si te va el rollito étnico y  la sonoridad de la música, te va a molar bastante … la letra igual es mas complicada de captar.

http://www.ismael-lo.com/

Jammu Africa

Tajabone

Baykat

Kornelyus & Style

El cajún, el swamp y el zydeco, son los tres estilos musicales que definen la música tradicional de los estados del sur de Louisiana, cada uno con sus peculiaridades y alguna similitud, y orígenes y trayectorias diferentes. En este artículo me voy a referir únicamente al cajun, probablemente el estilo que de los tres manifiesta una mayor vitalidad después de los intentos exitosos de sacarlo del olvido allá por los años 60 y 70, especialmente gracias al trabajo del violinista Dewey Balfa. ( Alfredo Rodríguez).

 (Lisboa y Brasil.                                                   Mapa antiguo y edificios época Barroca)

De una naturaleza suave, romántica y cantadas muchas veces en forma de lamento, estas tonadas adquirieron tanto éxito en Portugal que incluso se creó una publicación periódica específica para ellas, el “Jornal de Modinhas“. Entre finales del siglo XVIII y comienzos del XIX, los compositores portugueses escribieron y publicaron una enorme cantidad de modinhas en este diario para entretener a la corte y deleitar a las damas.  (Maria Luisa Tamarit).

Música Cajún. El ritmo del Sur de Louisiana. Por: Alfredo Rodríguez.

   (  Deportación de los Acadiens. Jefferys)

El cajún, el swamp y el zydeco, son los tres estilos musicales que definen la música tradicional de los estados del sur de Louisiana, cada uno con sus peculiaridades y alguna similitud, y orígenes y trayectorias diferentes. En este artículo me voy a referir únicamente al cajun, probablemente el estilo que de los tres manifiesta una mayor vitalidad después de los intentos exitosos de sacarlo del olvido allá por los años 60 y 70, especialmente gracias al trabajo del violinista Dewey Balfa.

Para comprender los orígenes y desarrollo de este estilo musical, hay que hacer un viaje en el tiempo y adentrarnos en el terreno siempre fértil de la historia. En el siglo XVII empezaron a llegar a los territorios del actual Canadá, concretamente a las provincias de lo que luego se conocería como Nueva Escocia y Nueva Brunswick. Los contingentes de población francesa llamaron L’Acadia a ese solar en el que convivían con los micmac, una tribu autóctona de la que aprendieron la manera de sobrevivir en un entorno natural muy diferente del francés.

Lo malo del lugar es que ocupaba una zona estratégica en la disputa que mantenían franceses e ingleses por el control del Canadá, disputa en la que los Acadiens, cómo se les terminó por conocer (Acadians en inglés), se negaban a ponerse de lado de ninguna de las dos potencias continentales mientras desarrollaban su propia cultura y formas de gobierno, muy influidas por el ejemplo de los micmac. En el siglo XVIII, los británicos, que se habían hecho con el control del territorio decidieron poner fin a esa situación y mediante engaños, lograron reunir a un buen número de Acadiens a los que apresaron y enviaron en barcos hacia otras colonias británicas o los mandaron directamente a prisión, o de vuelta a Francia donde parece que no fueron muy bien recibidos al no haber prestado su ayuda al rey francés.

Los que consiguieron escapar no vieron más solución que dirigirse hacia el estado de Louisiana, territorio que había sido descubierto en el año 1528 por el español Pánfilo de Narváez, y explorado por Hernando de Soto en 1541. Más tarde, a mediados del siglo XVII, el francés Cavelier de La Salle se hizo con el territorio al que dio el nombre de Louisiana en honor al rey Luis XIV. Allí llegaron los Acadiens en el año de 1718 para establecerse en la capital, Nueva Orleáns. Los avatares políticos hicieron que el estado pasar a manos españolas por medio del Tratado de París de 1763, volvió a Francia en 1801, y, finalmente, Francia lo vendió dos años más tarde a los Estados Unidos.

Con todo ese bagaje histórico detrás, no es extraños que los Acadiens, palabra que al ir degenerando se convertiría en cajún, nombre con el que se conoce a esa cultura particular que tiene sus propias manifestaciones lingüísticas (hablan una mezcla de francés antiguo, palabras aprendidas de los micmac, españolas -de hecho apellidos como Ortega y Romero se tienen entre los auténticamente cajún-, inglesas y alemanas), gastronómicas, arquitectónicas, culturales entre las que destaca con luz propia la música.

Entrando en harina, lo primero que destaca de este estilo musical es su estilo mestizo producido por la confluencia de elementos franceses, alemanes, españoles e indígenas, fundamentalmente. Es una música que se toca fundamentalmente para bailar, y por ello tiene unos ritmos alegres, vivaces, de esos que meten corriente en las piernas y ante los que es imposible permanecer impasible.

El instrumento fundamental es el violín, que llevaron consigo aquellos primeros colonos que llegaron a las costas canadienses, al que luego se unió el acordeón diatónico que fue la aportación germana, y a los que se unieron el triángulo y el washboard, es decir la tabla de lavar convertida en instrumento musical por la interacción con cucharas, y que en tiempos contemporáneos se ha convertido en un instrumento electrónico de metal que ya se toca de otra manera. En tiempos más recientes se han incorporado el bajo y la batería. Las letras podían tener un carácter improvisatorio, y entre estrofas se pueden introducir unos sonidos guturales que provienen de los indígenas con los que tuvieron contacto a su llegada al Nuevo Mundo, gigas y reels, y el canto sincopado de los esclavos africanos, son ingredientes básicos en esta amalgama musical.

Los ritmos fundamentales son de origen francoalemán y con influencias de estilos como el country. Como escribe Dirk Powell: “Es una música fuerte y apasionada que no evade una comunicación honesta y directa. Normalmente se toca para bailar, sea en casas tradicionales o en clubes más modernos. Casi todos los bailes son de dos pasos, valses o un estilo que se llama de un paso que tiene influencia del blues”.

Precisamente fue un violinista, Dewey Balfa quien acudió al rescate de la música cajún en unos años en los que este estilo prácticamente había quedado arrinconado por la potencia cultural hegemónica estadounidense. Entre los años 60 y 70, Dewey y sus hermanos se embarcaron en la tarea de dar a conocer la música cajún y ayudaron a poner en marcha el primer festival de esta música que se hizo en el estado en el año 1974, y que ha tenido una importancia fundamental en el renacimiento musical de esta comunidad.

Además de Dewey, otros músicos fundamentales son Harry Choates, Jimmy C. Newman, o el grupo Beausoleil, entre otros.

Los Sonidos de Brasil. II. La música Amorosa. La Modinha. Por : Maria Luisa Tamarit.

La modinha es una forma de canción romántica que nació en la colonia brasileña y adquirió una enorme popularidad en la segunda mitad del siglo XVIII y durante prácticamente todo el XIX. Inspirada en las arias de la ópera italiana, fue también muy famosa en Portugal, donde llegó a convertirse en el género musical de moda del país.

 La palabra es un diminutivo de “moda”, expresión que en portugués se emplea para referirse a la moda y también a la canción melódica. La modinha empezó a adquirir fama en 1775, año en que el poeta y cantante brasileño Domingo Caldas Barbosa (1740 – 1800) la presentó a la corte de Lisboa. La enorme aceptación que tuvo entre la sociedad lisboeta y, especialmente, entre el público femenino, llevó a los músicos eruditos a adoptarla, incorporando en ella algunos elementos de las arias italianas, muy en boga en el Portugal del siglo XVIII. De este modo, surgió una nueva forma de modinha con un aire más elaborado que no solo empleaba la guitarra como instrumento acompañante, como era propio en la modinha brasileña, sino también los instrumentos de teclado. Los cambios que experimentó esta forma de canto en Portugal no le arrebataron el carácter sentimental y nostálgico que le habían imprimido los colonos de Brasil.

De una naturaleza suave, romántica y cantadas muchas veces en forma de lamento, estas tonadas adquirieron tanto éxito en Portugal que incluso se creó una publicación periódica específica para ellas, el “Jornal de Modinhas“. Entre finales del siglo XVIII y comienzos del XIX, los compositores portugueses escribieron y publicaron una enorme cantidad de modinhas en este diario para entretener a la corte y deleitar a las damas.

   (Debret. Joao VI )                                                             

La modinha portuguesa se distinguía de su variante brasileña por tener una estructura algo más rígida. Cuando el rey de Portugal D. João VI se exilió en 1808 a Brasil junto con su corte, se llevó consigo la modinha. Ese cruce del Atlántico la hizo prosperar en el Brasil del siglo XIX bajo dos formas: un estilo consistente en sencillas melodías sentimentales, preferido por las clases populares (conocido como “modinha de la calle”), y otro caracterizado por melodías más elaboradas que remedaban a las italianas arias y se cantaban en los salones de la alta sociedad (la denominada “modinha de salón”). Ambas variantes de modinha desarrollaron en Brasil una cualidad de la que carecían las modinhas portuguesas: la improvisación, tanto en su estructura musical como poética.

Con el tiempo, fue ganando más protagonismo la modinha vinculada a las clases populares, aunque los compositores se interesaron por ambas variantes y algunos escribieron piezas para ser interpretadas en los dos estilos. Las melodías creadas a finales del siglo XIX, antes de la inmigración italiana a Brasil, se caracterizaban por su sencillez; de esa naturaleza fueron las que compuso el Padre José Mauricio Nunes García (1767 – 1830), un músico y sacerdote afrobrasileño de extracción humilde que se convirtió en uno de los autores de modinhas de mayor renombre del país.

Durante el siglo XIX, la modinha de salón no dejó de alimentarse de las corrientes musicales europeas. La influencia del aria italiana fue especialmente intensa hacia la última mitad del siglo, cuando se produjo la llegada masiva de inmigrantes italianos a Brasil. Por aquel entonces, Francia se había convertido para las clases de élite en el arquetipo de la moda y la literatura, mientras que Italia, considerado el país más avanzado en el campo de las artes, lo era de la ópera. Las arias adquirieron tanta fama entre la sociedad brasileña de la época, que empezaron a ser interpretadas por músicos de diversos orígenes, muchos de ellos, esclavos a los que se obligaba a aprender el aria. También era frecuente que algunos intérpretes de música clásica viajaran a Italia para perfeccionar sus estudios musicales. No era raro, pues, que en aquel entorno de refinamiento y erudición, las letras de unas canciones que habían nacido con un aire genuinamente popular se impregnaran de figuras literarias.

Las clases altas de Brasil preferían el piano para acompañar la modinha, aunque el instrumento básico seguía siendo la guitarra. Tal vez por ello, la mayoría de canciones que surgieron en el siglo XIX se escribieron para ser acompañadas indistintamente con uno u otro instrumento. El mercado musical se sirvió de esta versatilidad para diversificar su audiencia y ofrecer a las clases bajas la denominada “modinha de la calle”, que se acompañaba a la guitarra, y reservar para las clases altas la “modinha de salón”, interpretada con piano.

Sin embargo, a pesar de los esfuerzos realizados por las compañías musicales, la modinha tuvo una vida corta y fue perdiendo popularidad a medida que las preferencias del público se fueron decantando hacia corrientes más modernas. La primera en decaer, a finales del siglo XIX, fue la modinha de salón. Entre las clases populares, sin embargo, sobrevivió un tiempo más, aunque en las primeras décadas del siglo XX fue igualmente vencida por estilos musicales como el lundu, el choro (“llanto”), la canção (“canción”) y la seresta (“serenata”). Estilos, todos ellos, que nacieron y maduraron bajo la influencia del lirismo de la modinha, esa forma de canción romántica a la que el escritor brasileño Jorge Amado hizo frecuentes alusiones en su obra:

«¿De dónde había sacado Flor aquella rosa que de tan roja parecía negra? Vadinho la recogió en el aire. Noche romántica, de enamorados, la luna amarilla en el cielo, el olor a romero, toda la ladera cantando en coro para Flor, presa en su cuarto:

Allá en lo alto la luna esquiva

está en el cielo tan pensativa

y tan serenas las estrellas…»

(De: Doña Flor y sus dos maridos, Jorge Amado, 1966)

There you go
You're always so right
It's all a big show
It's all about you 

You think you know
What everyone needs
You always take time
To criticize me 

It seems like everyday
I make mistakes
I just can't get it right
It's like I'm the one
You love to hate
But not today 

So shut up, shut up, shut up
Don't wanna hear it
Get out, get out, get out
Get out of my way
Step up, step up, step up
You'll never stop me
Nothing you say today
Is gonna bring me down 

There you go
You never ask why
It's all a big lie
Whatever you do 

You think you're special
But I know and I know and I know
and we know
That you're not 

You're always there to point out my mistakes
And shove them in my face
It's like I'm the one
You love to hate
But not today 

So shut up, shut up, shut up
Don't wanna hear it
Get out, get out, get out
Get out of my way
Step up, step up, step up
You'll never stop me
Nothing you say today
Is gonna bring me down
(shut up, shut up, shut up)
Is gonna bring me down
(shut up, shut up, shut up)
You'll never bring me down 

Don't tell me who I should be (Don't tell me who I should be)
And don't try to tell me what's right for me
Don't tell me what I should do
I don't wanna waste my time
I'll watch you fade away 

So shut up, shut up, shut up
Don't wanna hear it
Get out, get out, get out
Get out of my way
Step up, step up, step up
You'll never stop me
Nothing you say today
Is gonna bring me down 

Shut up, shut up, shut up
Don't wanna hear it
Get out, get out, get out
Get out of my way
Step up, step up, step up
You'll never stop me
Nothing you say
Is gonna bring me down 

Bring me down
(shut up, shut up, shut up)
You won't bring me down
Bring me down
(shut up, shut up, shut up)
You won't bring me down 

Shut up, shut up, shut up

La situación del archipiélago ha atraído a navegantes de diversos orígenes, que han dejado su sello combinado con ritmos autóctonos para formar un entramado musical rico y variado (María Luisa Tamarit).

 Música de Cabo Verde: La Morna. Por: Maria Luisa  Tamarit.

Cabo Verde fue descubierto y colonizado por Portugal en el siglo XV y obtuvo la independencia en 1975. Convertido desde sus orígenes en una tierra de esclavos, el país está formado por una decena de islas habitadas y algunos islotes, distribuidos en forma de herradura frente a las costas del Senegal. Debido a su ubicación geográfica, el archipiélago ha sido durante muchos años la última etapa en la gran travesía del Atlántico, lo que ha favorecido la mezcla de culturas. También han contribuido a ello los antecedentes históricos de estas islas, entre los cuales no se descarta que al menos una de ellas, la Isla de la Sal, haya sido visitada por los árabes con anterioridad a su descubrimiento y colonización por los portugueses.

La situación del archipiélago ha atraído a navegantes de diversos orígenes, que han dejado su sello en diferentes ámbitos y también en el musical. De este modo, han viajado a las islas a lo largo de los siglos el fado, la mazurca, la polka y otros géneros musicales europeos, que se han combinado con ritmos autóctonos para formar un entramado musical rico y variado, dotado de herencias africanas y europeas, pero con el sello de identidad caboverdiano.                       

                                                                                                                     ( E. Tavares)

       Anclada en prácticas populares, como las celebraciones, los juegos o el trabajo, la música es un elemento esencial en la cultura caboverdiana. Con ella se canta al amor, al sufrimiento y a la nostalgia con tanta alegría como melancolía. Así ocurre con las plácidas y sentidas tonadas de aboio, unas melodías propias de islas agrícolas como San Antonio y Brava que cantan los vaqueros al conducir las manadas de bueyes a su destino; o con las cantigas de roda, melodías más alegres que se cantan en forma de juegos rítmicos, acompañadas de percusión corporal. Cada género musical constituye una crónica expresiva de la vida, del trabajo y de las costumbres de los isleños.

La insularidad ha desarrollado unos ritmos propios para cada isla, que han ido evolucionando a merced del estilo de vida y de la naturaleza de sus habitantes. Cada isla reivindica unas melodías y unas composiciones propias.

De todos los estilos musicales que habitan en Cabo Verde, el más conocido es, quizá, la morna. Este género, que con el tiempo se ha ido convirtiendo en un símbolo de identidad de este pequeño país del Atlántico, nació en la isla de Boa Vista a finales del siglo XIX como resultado de la fusión del fado portugués y de las influencias aportadas por los marinos de paso. Posteriormente, se extendió a otras islas, como la isla de Brava, lugar en que el poeta y escritor Eugénio Tavares (1867-1930) halló su inspiración para crear composiciones que han pasado a formar parte del patrimonio musical contemporáneo de Cabo Verde. Una de ellas es su conocida Hora di Bai (Hora de la Despedida), melodía de la que se ha popularizado su uso como la última canción de las fiestas, aquella que marca la despedida.

La morna se inspiró en la esclavitud y en la revolución permanente de aquellos que solo podían expresarse contra la opresión del colono blanco con el canto, en forma de lamento. Las condiciones socioeconómicas y culturales de Boa Vista contribuyeron a desarrollar y a dar forma a este género musical que expresaba en sus orígenes el dolor de ser esclavo, el sentimiento del amor, la cretchéu o añoranza por la ausencia del ser amado, el deseo de abandonar el país y el anhelo de regresar a él.

Tavares, hijo de colonos portugueses, fue el primer intelectual en sostener en plena época de la colonia que existía una identidad creole; esta audacia le costó un precipitado exilio a los Estados Unidos, país del que regresó definitivamente en octubre de 1910 tras diez años de permanecer en tierras americanas.

Sobre esa época llegó la morna a la isla de San Vicente para seguir evolucionando en ella. En la tercera década del siglo XX, el compositor Francisco Xavier da Cruz, apodado B. Léza (del portugués, beleza, que significa “belleza”) y nacido en 1905 en Mindelo, capital portuaria de San Vicente, descubrió la pasión por la morna y le dio su toque personal, más alegre y más vivo. Unos años después, en los cincuenta, apareció la coladeira, un estilo de morna algo más acelerado y con claras influencias brasileñas (samba), del caribe colombiano (cumbia) y de las Antillas Francesas (zouk).

  ( C . Évora)

Las mornas de B. Léza, de un carácter más alegre y sincopado que las primeras que surgieron en Boa Vista, han sido interpretadas en lengua creole por Cesária Évora (Mindelo, 1941), sobrina del compositor. Evora es considerada actualmente la más grande embajadora de este canto en todo el mundo, lo que le ha valido el sobrenombre de “Reina de la morna”. También se la conoce como “La diva de los pies descalzos” porque actúa con los pies desnudos como una forma simbólica de acercarse al pueblo humilde caboverdiano que ella evoca en sus canciones.

   ( Cavaquinho)

La morna es música, danza, poesía. Concebida para ser bailada en pareja, como la mayoría de las danzas de las islas, la morna surgió en forma de ritmo lento, hecha de compases cuaternarios (4 x 4) para acompañar con su cadencia pausada la nostalgia de unos textos que expresan la saudade, la tristeza por el amor perdido, el exilio y la esperanza del retorno, características muy ligadas todas ellas al sentir caboverdiano. La coladeira está formada por compases binarios compuestos (6 x 8), un ritmo más rápido que el de la morna tradicional que se traduce en una danza más ligera, acorde a su carácter más alegre y festivo.

 Los instrumentos básicos para interpretar la morna con el violín, la guitarra (se usa actualmente la semiacústica) y el cavaquinho o ukelele, una especie de pequeña guitarra de cuatro cuerdas. Sin olvidar, por supuesto, la voz, que adquiere en este caso la calidad de instrumento.

Además de Eugénio Tavares y B. Léza, otros renombrados compositores de morna en sus orígenes fueron Luiz Rendall (maestro de B. Léza), Leila de Marinha, Jorge Monteiro… A todos ellos han tomado el relevo las jóvenes generaciones de músicos, como Bulimundo, Tubaroes o el guitarrista Rufino Almeida, apodado “Bau”, para seguir dando vía libre a este género musical que un día franqueó las estrechas fronteras del archipiélago de la mano y de la voz de la Reina de la Morna, la diva de los pies descalzos. 

 * Los créditos de la fotografía de Eugenio Tavares pertenecen a la web dedicada a su memoria.*

Este tipo no tiene desperdicio.

Música étnica australiana EN PLENO SOL!!!

En serio vuelve a mirar la foto…¿no es genial? Llama mazo la atención el instrumento de los aborígenes australianos, pero sinceramente lo que más me mola es el gorro de papel que lleva en la cabeza, bueno en realidad no es de papel es de telilla pero no se aprecia muy bien en la foto.

La cosa es que me he estado culturizando un poquillo y para poder soplar semejante instrumento no solo hacen falta unos pulmones bárbaros sino que también es necesario desarrollar un técnica bastante jodida que consiste en inspirar aire al mismo tiempo que expulsas dióxido de carbono.

Yo toco el oboe (como un clarinete más o menos) y creedme conseguir eso esta al alcance de muy pocos.

Pero la cosa no termina aquí. Para conseguir llenar todo ese tubo de aire y por consiguiente hacer que suene hay que expulsar tal cantidad de aire que te deja de llegar oxígeno al cerebro y el resultado es que te pillas el colocón del siglo… si si has leído bien; al tocar este instrumento australiano consigues lo que muchos buscan con sustancias poco recomendables.

En cuanto al sonido… tienes la sensación de que vas a ver a algún canguro saltando en pleno Madrid. No me voy a molestar en describirlo si quieres verlo tú mismo pásate por Sol el finde por la tarde… también le he visto algún día de entre semana por la calle Huertas…

Music week pubblica stamane, la shortslists delle nomination finali al European Festival Awards di Londra.
Una valanga di voti da tutta Italia e dalle comunità italiane estere per il Festival dello Stretto, sul sito degli Awards. All’ottava edizione il festival del Lungomare di Reggio Calabria  ottiene il più autorevole riconoscimento musicale live collocandosi tra i maggiori eventi internazionali e arrivando a competere per la vittoria finale che verrà sancita dalle votazioni del pubblico on line.
Dalla Sicilia alla Calabria dalla Puglia alla Campania innumerevoli i consensi, ma altresì numerosissimi quelli dal nord Italia e dalle comunità italiane all’estero.
Ultima settimana per votare il Festival dello Stretto ( al link: http://www.festivalawards.com/index.cfm?section=awards.nominees&method=view&year=2008&eventid=1865 ) in competizione agli Awards 2008 di Londra. Si chiuderà lunedì 20 ottobre alle 13.00 la fase destinata a sancire, tra i 15 Festival più votati dal pubblico Europeo on line l’evento musicale che otterrà la vittoria finale del Best European Awards Festival. L’Italia  è rappresentata dal Festival dello Stretto di Reggio Calabria.
Un riconoscimento di altissimo prestigio. La qualità delle scelte artistiche e l’originalità nell’innovazione musicale ‘etnica’ apportata dal Festival, nel solco della tradizione Italiana, sono state riconosciute e sancite dalla  commissione composta interamente da professionisti internazionali del Best Festival Awards. Nel corso degli anni sul palco dello Stretto, collocato nello splendido scenario del Lungomare di Reggio Calabria, si sono alternati gruppi musicali di notevole spessore internazionale tra cui Agricantus, Enzo Avitabile & Bottari, Nidi d’arac, Eugenio Bennato ad artisti che hanno ormai un notevole feedback nazionale come  Il Parto delle Nuvole pesanti, Mimmo Epifani & Barbers, Piccola Orchestra la Viola, Antonio Infantino e Tarantolati di Tricarico, Kalamu, Quartaumentata, Folkabbestia, Alla bua solo per citarne alcuni. Una rappresentazione di linguaggi italiani ad altissimo livello qualitativo musicale.  Quest’anno a Londra tra i grandi Festival delle principali città Europee, l’Italia sarà più che ben rappresentata grazie a  questa innovazione sonora che è al momento la musica etnica, genere che negli ultimi anni ha consentito la scoperta a tantissimi giovani di ciò che sono le ‘roots’, le proprie radici sonore. Riuscendo ad andare oltre, attraverso la creazione di un vero e proprio movimento di pensiero, che soddisfa i gusti di una popolazione concertistica composta dai più ai meno giovani. Un evento ormai annuo che non si limita alla semplice rappresentazione sul palco di quattro diversi artisti, ma propone bensì una formula chiara e precisa, mai invariata nel corso di questi  otto anni. Un suono lontano dai grandi circuiti mediatici che è riuscito sulla eccelsa qualità musicale a ritagliarsi uno spazio importantissimo a carattere internazionale. La stragrande maggioranza dei musicisti alternatisi nel corso delle edizioni appartiene e proviene dalle più svariate e notevoli esperienze musicali come il jazz, il pop, il rock o la dub, ma attraverso la musica etnica riesce a trasmettere esteriormente quel suono che più gli appartiene e sente proprio, concedendo spazio a ciò che ha sempre avuto modo di respirare nel corso della propria formazione artistica. Alcuni hanno etichettato la nuova ondata di pizzica, tammorra e taranta, con il termine ‘new folk’, ma a parere di Salvatore R. Familiari produttore dell’evento  ‘è un errato neo-logismo coniato da sofisti.  In questi otto anni ho studiato e valutato con attenzione il fenomeno etnica e nel mio piccolo ho contribuito a svilupparlo con una particolare cura dei gruppi ospiti sul palco del Festival, fondando l’analisi su una esatta rappresentazione degli stessi gruppi, prestando attenzione a farsi che, nella stessa rappresentazione, potessero esattamente distinguersi e staccarsi proprio da quello che è il  genere folk: la cui differenza si basa fondamentalmente negli arrangiamenti musicali con richiami tradizionali, ma a caratterizzazione estremamente odierna, nello stesso uso degli strumenti, nella rappresentazione scenica (i gruppi musicali non usano assolutamente costumi tradizionali), nel suono attualizzato e associato con la propria radice popolare fortemente legata a un idiomatismo estremamente territorialmente marcato:  il caso dei Tarantolati di Tricarico o dei Bottari di Portico di Caserta o dei Musicofilia in grecanico, gruppi che con la musica folkloristica intesa come tale nulla hanno a che vedere, senza niente togliere naturalmente a quanto di buono esprime il folk’. Spunti divenuti oggetto di studio per  l’etnomusicologia, la materia  che  studia le tradizioni musicali orali di tutti i popoli, quindi sia la musica popolare che colta e di cui attualmente non c’è  niente di più musicalmente rappresentativo in Italia del Festival dello Stretto, fondandone il principio proprio sul confronto, a cui si è associata l’etnorganologia branca della etnomusicologia che si occupa degli strumenti musicali popolari o etnici, della quale attualmente come materia di studio il Festival dello Stretto è una delle massime rappresentazioni concedendo spunto per gli artisti a descrivere tra un brano e l’altro televisivamente  l’uso, la derivazione e la storia del proprio particolare strumento: che sia una pipita, una lira o le botti dei Bottari di Portico. Un merito alle principali Istituzioni territoriali tra cui il Comitato Feste Patronali del Comune di Reggio Calabria, l’Assessorato alla cultura della Provincia di Reggio, la Presidenza del Consiglio Regionale e l’Assessorato al Turismo della Regione Calabria per aver compreso il significato e il senso del  Festival dello Stretto.

TORRE DEL GRECO  - I Molini Meridionali Marzoli – a Torre del Greco, via Calastro – saranno la location di “Civiltà precaria” la tre giorni di festa e di incontri – da oggi al 5 ottobre  – organizzata dall’associazione Giovani in Movimento in collaborazione con Cgil Campania, Camera del lavoro di Napoli, Cgil Torre del Greco.

Obiettivo dell’iniziativa, quello di organizzare un momento di incontro e di riflessione sui temi della Giustizia Sociale, l’Ambiente, il Lavoro. Aprirà la tre giorni di incontri – alle 20 – il dibattito sul tema “Impegno e giustizia sociale: i diversamente abili e la città” cui parteciperanno Serena Sorrentino, segretaria della CdlM di Napoli, Angela Cortese, Assessore alle politiche scolastiche e formative della Provincia di Napoli, Domenico Esposito Assessore comunale alle politiche sociali di Torre del Greco, Raimonda Giannantonio, responsabile cooperatiova sociale Aletheia. Introduce Antonio di Donna dell’associazione Giovani in Movimento, modera Antonella Lo Sapio, giornalista de Il Mattino. Chiuderanno la serata, lo spettacolo dell’attrice Rosalia Porcaro e l’esibizione di Luna Janara (musica popolare). “Ecomostri e salute, ovvero come imparare a non preoccuparsi e ad amare la bomba” sarà il tema della serata di sabato 4 ottobre (inizio alle 20.00) cui interverranno il direttore generale di Legambiente Campania Raffaele Del Giudice; il coordinatore del Dipartimento ambiente e territorio della Cgil Nazionale Claudio Falasca; l’assessore regionale all’ambiente Walter Ganapini, il segretario Regionale Filcem Cgil Lanfranco Polverino, il sindaco di Torre del Greco Ciro Borriello. Introduce Fausto Palomba per l’associazione Giovani in Movimento, modera il giornalista Tv Anniello Sammarco. La serata sarà conclusa dal concerto di Giovanni Mauriello (NCCP). “Giovani lavoratori: Precarietà e Sicurezza sul lavoro” sarà il tema dell’ultima giornata – domenica 5 ottobre alle 19. Interventi di Michele Gravano, segretario generale Cgil Campania, Gianluca Daniele, segretario regionale Slc Cgil, Andrea Cozzolino, Assessore Regionale Attività Produttive, Mauro Casola, responsabile politiche giovanili Cgil Campania. Introduce Gabriele Toralbo, modera Abbagnano Raffaello (Giovani in Movimento). Durante la manifestazione sono previsti – a partire dalle 18 – l’apertura di stand artigianali e associativi, degustazioni e una mostra fotografica (a cura di Giovanna Ciavolino). Domenica 5 ottobre – alle 10 – mercatino dei libri scolastici usati. (fonte: comunicato)

l’Ora Vesuviana on-line redazione@edizionidelvesuvio.com

La musica degli Abash è musica nobile, di quella che si crede di conoscere già al primo ascolto, ma non in quanto già ascoltata ma perchè, sin da subito, la si sente propria. Forse perché è scritta e suonata con passione.

Gli Abash possono a buon diritto fregiarsi del titolo di “progressive rock band”, nel senso primigenio del termine e cioè quello accostabile ad una formazione che ricerca costantemente la progressione del suono, senza dimenticare, in questo caso, le proprie radici musicali che affondano in egual misura nella tradizione grecanico salentina e nel rock duro.

Alla band di Maurilio Gigante ed Anna Rita Luceri va riconosciuto il merito di non essersi lasciata attrarre dalle inebrianti lusinghe delle tante sirene che popolano le notti del Dio che balla, tanto di moda da qualche anno a questa parte, e di aver comunque interpretato la cultura mediterranea in un modo assolutamente originale.

“Madri senza terra” è un disco suonato in maniera egregia ed ottimamente prodotto, il missaggio concede uguale dignità ad ogni strumento ed a guadagnarne sono la compattezza e l’omogeneità del suono che risulta essere vivo e graffiante. Gli Abash sono ottimi musicisti che sanno come conciliare melodia e virtuosismo, qui mai fine a se stesso ma sempre al servizio dell’economia generale del sound.

Ascoltando “Otranto 14 agosto 1480” ad occhi chiusi sembra quasi di vederle le galee di Acmet Pascià che compaiono all’orizzonte e se la fascinosa Idrusa non è solo figlia della penna di Maria Corti non potrà che aver avuto la voce di Anna Rita Luceri.

Poesia e amore salveranno il mondo…ma anche la buona musica degli Abash potrà darci una mano!

Giorgio Castriota

Quello che soltanto in parte é riuscito al maresciallo Tito é invece perfettamente riuscito ad un gruppo di imprenditori bulgari. Il progetto che per secoli ha spinto l´impero ottomano fino alla disputa dell´Adriatico, si é concretizzato in poco piú di tre anni ad una serie di ripetitori satellitari. Perché a vincere non é stato il senso di superioritá di una persona, di un partito o di un popolo verso i terreni contigui. Non é risultato vincente neppure il progetto politico di un´unica regione balcanica.

Ad avere la meglio é stata la musica, collante di popoli accomunati da tradizioni, secoli di storia, in alcuni dasi dalla lingua. Musica testimone di gioia ma anche di vecchi dolori, attenuatrice di antiche tensioni e sostenitrice di attuali segnali di distensione.

L´ambasciatrice di questi “Grandi Balcani” si chiama Balkanika  Music Television, network televisivo che, dalla  sede centrale di Sofia, irradia 24 ore al giorno “musica etnica” proveniente da Bulgaria, Grecia, Serbia, Albania, Montenegro, Macedonia, Croazia, Bosnia Erzegovina, Slovenia, Turchia e Romania. E qui sta il bello del progetto. Perché ormai ogni Paese ha la sua Music Television, piccola o grande che sia: in Croazia troviamo Cmc, in Serbia Pink Musik o Dm Sat, dove le prime due iniziali stanno per Dragana Mirkovic, artista di primo piano della scena musicale serba e titolare, assieme al marito  Toni Bijelic, del canale televisivo.

Dragana Mirkovic

Ma Balkanika Tv va al di lá dei confini nazionali, spingendosi dai Carpazi alla costa adriatica,  dal mar Nero alle sponde delle Alpi carniche. La programmazione lascia molto spazio alle produzioni di nuova generazione: il folk tutto ottoni e abiti in merletto lascia il posto a sonoritá moderne e videoclip con bellezze slave degne della migliore selezione di Veline . Perfino la piú grande icona della musica balcanica, Goran Bregovic, osannato lo scorso maggio a Belgrado nel corso dell´Eurofestival, non viene piú di tanto inserito nella programmazione di Balkanika Tv, proponendo invece nuove leve e cantanti pop provenienti dalle piú disparate esperienze artistiche.

Goran Bregovic, Eurofestival 2008

Un canale satellitare per capire le evoluzioni di un´area geografica di particolare interesse anche per l´Italia, spesso facilmente liquidato con l´etichetta – a volte, purtroppo, spregiativa – di “Europa dell´est”, e che invece spesso ci puó fornire ottime chiavi di lettura per lo sviluppo socioeconomico dell´Europa intera. Perché i popoli e i Paesi si possono capire anche con le loro tradizioni e musiche, non soltanto con i resoconti politici dei mass media.

Un uomo che sorride alla vita mentre canta la sua ultima canzone.. Morirà un mese dopo.

Andrea Parodi (1955–2006)

La andadura de este grupo se inició en 1973, después de que Harrington escuchara la obra de George Crumb titulada Black Angels, un alegato en contra de la guerra de Vietnam que incluía instrumentos como los vasos de cristal, partes recitadas y múltiples efectos electrónicos.

Kronos Quartet. Por :Alfredo Rodríguez Iglesias

Asistir a un concierto de ese cuarteto que a simple vista parece un cuarteto de cámara más de los muchos que hay, tiene (y lo escribo así porque nunca he tenido la oportunidad de escucharlos en directo) que ser una experiencia irrepetible. Probablemente sea la única formación del mundo que es capaz de ofrecer un repertorio que incluya ritmos africanos, canciones suecas o iraquíes, aires de tango o de música andina. Vamos toda una orgía para los oídos.

Ya son más de 30 años de carrera los que lleva recorrido este original cuarteto vinculado con la etiqueta del minimalismo musical, estilo dentro del cual han trabajado con sus representantes más cualificados como Steve Reich, Philip Glass o Kevin Volans. No me voy a extender más en la nómina de músicos con los que han trabajado porque sería interminable y recorre los cinco continentes.

El cuarteto está formado por su fundador David Harrington, violinista igual que John Sherba, el viola Hank Dutt y el cellista Jeffrey Zeigler, quien vino a sustituir a Jennifer Culp en el año 2005. La andadura de este grupo se inició en 1973, después de que Harrington escuchara la obra de George Crumb titulada Black Angels, un alegato en contra de la guerra de Vietnam que incluía instrumentos como los vasos de cristal, partes recitadas y múltiples efectos electrónicos.

Así empezó el camino que ha convertido al cuarteto Kronos en uno de los estandartes de la música contemporánea convertidos en intrépidos exploradores de todo tipo de sonoridades, además de expandir hasta límites insospechados las fronteras de los cuartetos de cuerda. Son más de 40 las grabaciones que han realizado a lo largo de su carrera, y en todas ellas demuestran estar en posesión de una vitalidad extraordinaria y de una creatividad sin fronteras. En su repertorio se dan la mano compositores clásicos del siglo XX como Bela Bartok, Shostakovich o Weber, con los creadores contemporáneos, gente del mundo del jazz, y otros artistas de muy diversas procedencias musicales. Además, podemos escuchar su música en las bandas sonoras de películas como Requiem for a dream, 21 gramos o Heat.

La música de este peculiar cuarteto necesita de varias escuchas para ir extrayendo de las piezas todo lo que éstas pueden aportar, y armarse de valor para adentrarse en unos esquemas musicales que requieren dosis de curiosidad y de un espíritu inquieto (al menos tan grande como el que anima al grupo) y con ganas de descubrir cosas nuevas y de ofrecer a sus oídos nuevas sonoridades.

Uno ha ido siguiendo un poco a salto de mata la larguísima lista de trabajos discográficos del grupo, y según voy escribiendo estas líneas son dos los discos que me van viniendo a la mente de una forma constante, y que son dos claros ejemplos de la disparidad de sonoridades que caracterizan al cuarteto. El primero es la intervención que tienen en Different Trains (1988), y el segundo cuatro años después, Pieces of Africa.

Different Trains comparte protagonismo discográfico con el Electric Counterpoint en el que interviene un extraordinario Pat Metheny, y se trata de un tema musical dividido en tres partes: America – Before the war, Europe – During the war y After the war. La inspiración para este tema le vino a Steve Reich de su infancia cuando, debido a la separación de sus padres (su madre se fue a vivir a Los Ángeles y su padre se quedó en Nueva York), entre 1939 y 1942 cruzó en multitud de ocasiones los Estados Unidos viajando en tren junto a su institutriz. Con el paso de los años empezó a pensar que esos viajes no hubieran sido posibles si hubiera estado viviendo en una Europa que se desangraba en la Segunda Guerra Mundial, además de su condición de judío que le hubiera puesto las cosas más que difíciles, y hubiera sido posible que hubiera tenido que cruzar el continente en otro tipo de trenes muy diferentes. Con eso en la mente, grabó testimonios de personas que hacían el costa a costa en tren en aquellos años, a su institutriz y a personas que sobrevinieron al Holocausto, a lo que unió grabaciones de trenes de aquella época y sobre todo ello, los acordes del cuarteto Kronos, para componer una pieza que contiene momentos de una emoción superlativa, y que consigue transmitir de una forma perfecta las distintas sensaciones que da título a cada uno de los movimientos.

Pieces of Africa es un disco totalmente de Kronos Quartet, en el que dan su peculiar versión de temas de músicos del continente negro como Dumisani Maraire, Hassan Hakmun, Foday Moda Suso, Hamza el Din, Obo Addy y el sudafricano, Kevin Volans, uno de los grandes compositores minimalistas. De los 12 temas que dan cuerpo al disco, el que consigue momentos realmente especiales, es Mai Nozipo (Madre Nozipo) un hermoso tema musical que Dumisani Maraire dedica a su madre después de su muerte; mientras que el de mayor complejidad probablemente sea White Man Sleeps (El hombre blanco duerme) de Kevin Volans.

Dos claras demostraciones de que a este cuarteto no hay estilo musical que se les resista.

Oggi sono di poche parole, ma do voce a un brano dei Kunsertu che profuma di Sicilia. Questa canzone è per me particolarmente significativa, perché mi ha permesso di accostarmi alla musica etnica. Quando la ascoltai casualmente per la prima volta, non molti anni fa, mi colpì subito, a tal punto che ricordo esattamente dove mi trovavo quando in sottofondo la stavano trasmettendo. Da lì mi si è aperto un mondo, per me sconosciuto, che sto continuando ad esplorare. 
Non ne riporto il testo, in fondo banale. Comunque se lo volete leggere si trova con estrema facilità tramite i vari motori di ricerca. Al di là delle parole, provate a lasciarvi trasportare dalle splendide sonorità mediterranee.

Buona estate!  

PROGRAMACIÓN
Viernes 20 de Junio 19:30 hs, Conferencia de Prensa

Sábado 21 de Junio
15:00 hs Taller de narrativa africana
16:00 hs Apertura oficial
17:00 hs Pensando la diáspora 1. Aportes conceptuales
19:30 hs Danza de los orixás
20:00 hs Bejuco
20:30 hs Samba Afro-Brasileña
21:00 hs Hermandad Bonga
21:30 hs Abdoulaye Badiane
22:00 hs Cierre del día

Domingo 22 de Junio
15:00 hs Foro sobre Economía
16:00 hs Clínica de Percusión
17:00 hs Pensando la diáspora 2. Perspectivas futuras
19:30 hs Grupo de candombe Bantú
20:00 hs Dança Nova
20:30 hs Tixa Camera
21:00 hs Faréta
21:30 hs Soelil d’Afrique
22:00 hs Emanuel Ntaka
22:30 hs Cierre final

Auspician

Gobierno de La Ciudad de Buenos Aires, Embajada de Sudáfrica, Embajada de Brasil. Africanos Residentes en Argentina y Afro descendientes. Artistas, Intelectuales y Ciudadanos Comprometidos con la Diáspora.

Convoca

Movimiento de la Diáspora Africana en Argentina (Organización África Vive, A Turma de Bahiana, Me Leva Que Eu Vou, Unión de los Africanos en el Cono Sur, Sociedad de Socorros Mutuos Unión Caboverdiana, Asociación de Senegaleses en Argentina, Escuela de Percusión Africana “Dora Chosan”, Sección de Estudios Interdisciplinarios de Asia y África, Ffyl/Uba)

Venerdi 8 Agosto “Colline A Vapore Festival Castorano” organizza uno spettacolo imperdibile di musica etnica, un concentrato di emozioni e sonorità del passato, il canto dell’ anima che diventa popolare perché sa del nostro vento, dei nostri marosi,   dell’ urlo dei gabbiani.

La linea dell’ orizzonte, le albe sul mare, la voce rochita dei pescherecci, l’ odore forte di calafature e pesce marcio, i tratti somatici delle nostre donne, le vele all’ orizzonte, questo dialetto strascinato che diventa incomprensible…tutto questo vuole essere oggi MARECANTO…

 En http://www.indigenista.org/web/

El Instituto Indigenista Interamericano (III) fue creado mediante la Convención Internacional de Pátzcuaro, en 1940, tiene como objetivos fundamentales la colaboración en la coordinación de políticas indigenistas de los Estados miembros, y promover los trabajos de investigación y capacitación de las personas dedicadas al desarrollo de las comunidades indígenas. El III tiene sede en el Distrito Federal, México.

Actualmente forman parte del III 16 naciones; se encuentran prácticamente todos los países latinoamericanos como Chile, Argentina, Bolivia, Ecuador, Perú, Venezuela, Colombia, los países centroamericanos y México. Estados Unidos también formó parte del Instituto, pero hace años se retiró Fue hasta 1953, que se constituye como un organismo especializado de la Organización de Estados Americanos.

Un instrumento del Instituto son los congresos indigenistas interamericanos, donde participan gobiernos, pues se trata de un organismo intergubernamental, aunque también hay presencia de líderes indígenas invitados por los gobiernos de cada país. Hasta la fecha se han realizado 11 de estos congresos.

Músicas que salen de las tradiciones armenias, y que se fusionan con elementos  de todo lugar y procedencia,  incluido el jazz. ( Alfredo Rodríguez)

Arto Tunçboyaciyan: Amor, Respeto y Verdad. Por :  Alfredo Rodríguez.

Este músico armenio es una de las figuras claves cuando uno quiere adentrarse por las espesuras de esas otras músicas posibles, en las que la honestidad brilla por encima de todo, en las que los caminos son absolutamente personales, y con una riqueza de sonidos capaz de abrir muchas puertas a mundos en los que sólo se pide entrar con la mente abierta y con el respeto a todos por bandera.

De ahí que este artista turco de origen armenio, nacido en 1957 en la localidad anatolia de Galataria, esté considerado como una de las figura señeras del folk de vanguardia, un estilo que ha contribuido y mucho, a definir y a elevar a territorios insospechados, y siempre con su lema trinitario por bandera: Amor, Respeto y Verdad. Tres palabras que forman parte indisoluble de su vida, como él mismo ha reconocido en alguna entrevista: “Soy honesto con lo que imagino, no escondo nada. Deseo que la gente disfrute, lo que para mí es amor. Con mi música soy respetuoso, trato de no representar a nadie, como hacen otros (…) Lo que quiero decir es que estas palabras son parte de mi vida”.

La primera y mayor influencia musical de Arto, fue la de su hermano Onno, un músico autodidacta que llegó a ser uno de los músicos más respetados de Turquía, y cuya muerte fue un duro golpe para Arto, y que éste transformó en uno de los discos más hermosos que se pueden componer, junto con el también armenio Ara Dinkjian (con quien fundará el mítico grupo Night Ark), al que dio el título de Onno, y en el que hace un recorrido musical de una hondura francamente emocionante por distintos momentos vitales que llegaron a compartir. Un disco muy vinculado a la tierra, pero también a las estrellas. Pura poesía musical en la que el dolor se transforma en flores, tantas como los 10 temas que contiene.

Dentro de la dilatada trayectoria musical de este armenio que también ha tocado con destacadas figuras del jazz norteamericano (Chet Baker, Al Di Meola o Joe Zawinul), destaca con luz propia el proyecto que en el que lleva trabajando desde 1998 y que cristaliza en la Armenian Navy Band, nombre que contiene una ironía profunda en su interior ya que Armenia es un país sin mar y, por tanto, sin Armada. La banda está formada por una docena de músicos armenios, que tocan composiciones originales de Arto que él denomina como “el sonido de mi vida”. Músicas que salen de las tradiciones armenias, y que se fusionan con elementos de todo lugar y procedencia, incluido el jazz. Una banda que “es como un lugar en el que cualquiera puede disfrutar”, como ha dicho Arto alguna vez, y con el nombre que se han dado “lo primero que quería mostrar es que cuando tienes confianza en tus creencias puedes llegar a mover un barco sin agua. De nuevo esto sucede cuando hay amor, honestidad y respeto a tus creencias”.

  ( Armenia Navy Band)                                         

Este es un barco que hace una singladura peculiar, que nos abre rumbos por mares ignotos, en un viaje que nos lleva por una nueva manera de entender el mundo, nuestras relaciones con los demás y con nosotros mismos. Un recorrido de emociones para el que no es necesario ningún tipo de documento acreditativo, un barco que nos presenta puertas que nosotros decidimos si queremos tocar para ver que es lo que ocurre detrás de ellas.

    ( Serj Tankian)

La conexión que estableció con Serj Tankian, originó una auténtica colisión de géneros musicales, de la que salió Serart (contracción de Serj y Arto), como conjunción de dos grandes talentos, tanto que Arto dejó a todo el mundo con la boca abierta cuando en 2000 interpretó un tema musical únicamente con una botella de Coca Cola durante la ceremonia de los premios musicales armenios que se celebró en la ciudad de Los Ángeles. Dos años después, nacería Serart, un dúo caracterizado sobre todo por la improvisación de sus temas, con los que cruzan océanos y tierras con una libertad propia de los pájaros para lograr un maridaje de estilos tan contrapuestos como el rock, el jazz, las músicas tradicionales de Armenia, de África, de China o de Japón, para dar vida a un calidoscopio que es una auténtica bomba nuclear para los sentidos, y con una capacidad infinita para sorprender al oyente más veterano.

Con los pies en la tierra, Arto no se olvida de mirar al cielo y dejar volar su imaginación, nutrida de múltiples influencias musicales y emocionales, que luego pone en el aire para que lleguen a los oídos de los que quieran prestar atención e iniciar un viaje de esos que intuimos cómo empiezan y que no somos capaces de vislumbrar hacia donde pueden acabar por conducirnos.

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Mostrarme imparcial ante este descubrimiento me resulta imposible. Explorar la música de todos los rincones del mundo es una afición que me briva. A lo largo de mi vida, me he adentrado repetidas veces en pequeñas tiendas de discos, fijándome en las carcasas de CDs más empolvadas, en busca de música que era imposible conocer si no fuera de esta manera. La norma es que ese tipo de música, de artistas a veces hasta ancianos, que no han visto un estudio de música en la vida, que no saben lo que es grabar, el omnipoder que concede la edición de un disco, que no entienden de sobreactuar y sí de rendirse a sus instrumentos, música de la calle, proveniente de culturas populares. Lo que creo que entiende la humanidad como música, y no esos quinceañeros que, sólo por su corta vida, no llegan ni a la suela del zapato de lo que es un músico de trayectoria lonjeva. Por desgracia, creo, en occidente nos invade en la cultura de occidente. La sociedad del consumo, el consumo de la gilipollez.

Si Putumayo nos acercó un poco a esta diversidad cultural, colocando sus CDs en las estanterías de las tiendas Natura, Starbucks, o simplemente El Corte Inglés, Calabash y TuneYourWorld nos presenta una distribución y producción mucho más desarrollada, fundada bajo el concepto de los 1000 real fans y el microcrédito para músicos.

He hablado anteriormente de la versión española, holandesa, y americanas de este concepto. Apadrinaunartista, Sellaband, y SlicethePie respectivamente. Todas son iniciativas de financiar la producción de un disco con el dinero de los fans. Todas occidentales, están orientadas a vender, vender lo que siempre se ha vendido: mp3.

TuneYourWorld no distrae al fan con conceptos confusos acerca del funcionamiento de su web. Explican cómo un artista podría ganarse la vida con unos ingresos de 100,000$ dólares al año: 1000 real fans pagando 100$ al año ¿Qué es un real fan? El que está dispuesto a disfrutar de su hobby por una suma de dinero al año coherente, 100$, equivalente a unos pantalones de marca. Queda por comprobar qué impacto tiene en esta definición la proximidad geográfica del grupo con sus fans, pero lo que es evidente, es que gracias a plataformas como TuneYourWorld y las múltiples soluciones Web 2.0 como blogs, Youtubes y etcéteras, mantener una relación con tus grupos favoritos, es ya posible. No sólo eso, es el futuro en una industria en la que tradicionalmente han sido los distribuidores los que mayor tajada han sacado a este negocio.

Los intermediarios innecesarios ya no hacen falta gracias a la distribución digital y la conexión directa entre artistas y fans.

Comprobemos ahora quién es fan de verdad, y si los artistas verdaderos deveras tendrán más fans verdaderos. Como aficionado a la música de minorías, me manifiesto positivamente ante esta hipótesis, ya que la expectativa fundada en los fans alrededor de estrellas mediáticas es frágil como la carrera de los músicos que se aventuran por estos caminos, menos la de unos pocos elegidos, que generalmente rebosan de otras cualidades más cercanas a la política que al arte, para agarrarse a la cima.

TuneYourWorld es una iniciativa de Calabash, la mayor tienda online de músicas del mundo. Me resulta impreciso este término ya que quiere dar a entender que existe la música de occidente, y las del resto del mundo. Sin embargo, se ha convertido en una herramienta de marketing tremendamente eficiente para la importación de todo lo que no sea de occidente. Lo étnico, es lo que tiene. Hacer gala del término de moda microcréditos, es también tremendamente acertado en una web 2.o plagado de justifiaciones de ingresos a través de publicidad, como gancho (poco) atractivo para el usuario.

(Foto de Yelmaya)
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Cuando escribía esto, escuchaba: Ali Hassan Kuban – Tamin Qalbak Ya Habibi
via FoxyTunes

Dopo alcuni mesi di Capoeira, ecco ribalenare all’orizzonte un altro stage di capodanno, un laboratorio che già una volta ero riuscito ad evitare per manifesta inferiorità ma che questa volta, mandando giù tutte le mie ansie e timori, avrei affrontato!

Inutile dire che è stata un’ esperienza spettacolare.

I Mestre presenti in questa occasione erano tre: Mestre Jogo de Dentro, ipernoto maestro di Capoeira Angola al cui solo nome scatta un inchino di rispetto, Mestre Zoinho, personaggio incredibile di Bahia trapiantato a Palermo e Mestre Rogerio, agilissimo Mestre da tre anni a Roma…quello che mi ha più massacrato in sostanza!
Primo giorno: un po’ di agitazione, avevo a che fare per la prima volta con gente mooooolto più avanti di me, molti di essi parlavano in portoghese tra di loro, inutile dire che annuivo sorridente senza capire come quei cagnolini a molla che si tengono sul lunotto posteriore. Il ghiaccio è stato rotto con un riscaldamento terrificante con Rogerio e con il primo vero laboratorio: danze Afro-Latine con Mestre Zoinho, un mitico individuo con un sorriso contagioso ed una verve tutta sua. Lo stage è stato divertente e, dopo essermi sentito un po’ un stupido sulle prime per i movimenti “inusuali” (e sono stato clemente) che ci faceva fare, sono finito col farmi prendere e col realizzare che, se avessi la possibilità di farlo almeno una volta al mese, sarei la persona più rilassata del mondo.
Un pasto frugale con un panino orripilante e nel pomeriggio il primo laboratorio con Rogerio: sequenze di gioco (almeno per me) nuove…massacrante ma utilissimo.
Il Mestre sembra più serioso del precedente ma resto comunque ammirato dalle sue abilità soprattutto acrobatiche.
Il clou è stato la mattina del giorno seguente con il tanto atteso laboratorio con Jogo de Dentro, Mestre così nominato per la sua abilità di riuscire a giocare in spazi piccolissimi.
Eravamo tantissimi tutti stipati nella palestra relativamente piccola dell’Academia di Capoeira di Milano, quindi un allenamento perfetto per uno come lui.
Anche qui massacro totale, ma anche qui grandissima attenzione alle parole del maestro (sebbene in portoghese) che ha chiuso la lezione parlando della storia della Capoeira, delle canzoni e quant’altro.
Ultimo laboratorio “iperdistruzione” con Rogerio, a cena serata in compagnia dei capoeiristi pavesi, ultimo saluto a Mestre Jogo de Dentro con lunga chiacchierata in simil-portoghese (noi) ed abbraccio finale.
Un buon anno a tutti gli altri, gli auguri del caso ed una voglia pazzesca di riprendere le lezioni per mettere in pratica quanto imparato.
Vedere come ci sia un contatto diretto con questi personaggi che hanno vissuto quest’arte appieno, in modi che noi forse non capiremo mi stimola un rispetto ed un ammirazione indicibili.
Capoeira è anche questo…incredibile.

Il mio primo incontro con la Capoeira è avvenuto più di un anno fa…inutile dire che ne sono rimasto affascinato.

Sono tra le persone meno adatte a definire cosa effettivamente sia…probabilmente per comprenderla appieno bisognerebbe essere brasiliani oppure semplicemente desistere dal tentare di capirla e lasciarsi sedurre dalle sue mille sfaccettature.
La Capoeira è un arte marziale brasiliana, una via di mezzo tra una danza e un combattimento con una grossissima componente musicale: la migliore definizione è forse quella di “Gioco” (si parla di “gioco” anche per definire l’incontro/scontro tra due capoeristi).
Sostanzialmente la cosa funziona così: tutti i partecipanti si siedono in cerchio (“Roda”), ad un estremo di questa Roda si posiziona la “batteria”, ossia un numero variabile di musicisti con strumenti percussivi afro-brasiliani che suonano ed intonano i canti per propiziare/descrivere/scherzare sul gioco dei capoeristi.
Lo strumento principale come importanza di questa batteria è il “Birimbao”, una corda armonica tesa da un arco di legno di biriba e con una zucca come cassa di risonanza.
Gli altri strumenti sono: pandeiro, agogo, reco-reco e atabaque (una sorta di conga).
Le canzoni, cantante da un cantante solista con la risposta di tutti i partecipanti in coro, trattano solitamente di eventi e storie legate alla Capoeira, spesso si tratta di allegorie del gioco a cui si sta assistendo.
Nel Gioco, non ci si tocca (tendenzialmente)…è tutto un discorso di finte, mossa e contromossa, malizia, acrobazie e capacità di dominare sull’avversario con queste qualità (non vi è un vero e proprio vincitore, ma il più delle volte si è ovviamente dominanti o dominati).

La Capoeira è riuscita a smuovere un sedentario come me ed è diventata una delle mie attività principali da quando ho iniziato nell’ottobre del 2005 (seconda solo al puro suonare), qualcuno dice che crea dipendenza…beh, è perfettamente vero!
Quest’arte è veramente “alternativa”, è veramente qualcosa che va oltre ciò che possiamo trovare qui in Italia ma forse in Europa tutta…fa parte di una mentalità completamente diversa dalla nostra, che spesso spaventa ma che non può fare a meno di attrarre.
L’energia sprigionata da una Roda e da un gioco soddisfacente è una cosa che tutti dovrebbero provare almeno una volta (anche se difficilmente si sarà soddisfatti del proprio gioco, soprattutto per un autodemolente come io sono! ).
La Capoeira è nemica ed amica…è qualcosa con cui spesso ci si scontra ma che stimola ad un confronto continuo.
Fa paura ed eccita allo stesso tempo, fa ridere ed a volte fa incazzare… sicuramente una volta provata è difficile rimanere indifferenti.
Per saperne di più da fonti più autorevoli vi lascio alcuni link veramente carini.

www.capoeira4all.com
sito molto carino, pieno di musica e info.
www.capoeirapavia.com
Il sito dell’ Academia che frequento, quella di Pavia.