Lieber Stefan,

Tschuldige dass ich dir so lang nicht geschrieben hab, aber bei uns im Ort der ewigen Pein, da geht’s grad zua. Der Saddam, diesmal der echte, ist mein Zimmergenosse hier, aber so richtig woarm werd ma net miteinand. Immer nörgelt er rum, wenn ich meine heiß geliebten Kärntner Lieder anstimm. Er ist ein Mensch der wenigen Worte, so plaudern wie mit dir, kann ich hier mit niemanden. In der Mensa wird jetzt getratscht, dass der Jacko auch noch zu uns stoßen soll – die Verhandlungen laufen noch. Aber eins sag ich dir, meine jungen Burschen nimmt er mir nicht weg!

Aus den Lautsprechern vom „Hell Radio 3“ tönt grad ein Lied der Gruppe K.I.Z.. Da Moderator, der Schwager vom Teufel a.k.a Louis Cyphre, hat gsagt dass es sich dabei um Musikanten aus dem Deutschen Reich handelt und du wirsts kaum glauben, Stefan, es heißt „Straight Outta Kärnten“! Naja, Straight war ich nie, das wiss ma beide, außer in da Kurven….Und Kärnten – mein Land, meine Heimat!

Aber wieder zrück zu diesem Lied. Petzi-Bär, ich weiß nicht…so richtig einordnen kann ich das nicht. Hör dir das Lied amal an. Was sagst du dazu? Ist das jetzt eine Lobeshymne zu meinen Ehren, oder doch nur ein billiger Sprechgesang des linken Gsindls? Der Refrain gefällt mir und geht ins Ohr…Jörgi, Jörgi, I miss you…aber warum erwähnen die Burschen die schlechte Kopie meiner selbst, den Strache?! …Pf, na der hat sich eh schon das zweite Mal als Musikstar versucht, wieder einen Sprechgesang geschrieben, aber seine Textzeilen kann er wohl net auswendig lernen…schon a Frechheit, dass die Leut drauf reinfallen!

Das kann ich mir gar nicht anschauen, so schlecht ist das. Mit ehrlichem und anständigem Sprechgesang hat das nix zu tun!…Wurscht…Genug für heute, mein Lieber, es ist eh schon spät geworden und mein Aerobic-Kurs fängt gleich an. Schau dass du genug rauchst, wie beim Interview von der Krone TV, dann kommst schneller zu mir und wir sind wieder vereint!

Pfiart di & bis bald!

dein Lebensmensch, Jörg Haider

Jeweils am letzten Sonntag im Monat ab 16 Uhr
28. Juni 2009
26. Juli 2009
30. August 2009
27. September 2009
25. Oktober 2009
29. November 2009
27. Dezember 2009

Der Musikantenstammtisch ist ein Ort, wo man überlieferte Musik erleben kann. Dabei gibt es keine Bühne, es wird kein festgelegtes Programm abgespult, es gibt nicht einmal eine festgelegte Beginnzeit. Im Wirtshaus, in geselliger Atmosphäre wird je nach Lust und Laune in verschiedensten Besetzungen musiziert – mit Harmonika, Hackbrett, Geige, Gitarre, Klarinette, Blech, Baßgeige und anderen auch von Gästen mitgebrachten Instrumenten Volksmusik zum Leben gebracht. Das geht ohne Probe, ohne Noten, ohne Vorschriften – und gerade deshalb mitreißend und schwungvoll.

Dazwischen wird vielleicht auch gesungen, es darf auch getanzt werden, wenn es der manchmal zu kleine Platz erlaubt.Man kann den Spielern auf die Finger schauen, man darf lachten bei den oft köstlichen Liedtexten, kann gut speisen und trinken.Und vor allem, es gibt keine Verstärker. Man bekommt keine Ohrenschäden und kann sich auch einmal zwischendurch unterhalten, ohne vom Lautsprecher überdröhnt zu werden.

Wir freuen uns auf Ihre Teilnahme als Zuhörer,
besonders aber auf Ihre Mitwirkung
beim Singen und Musizieren!

Gasthaus zum alten Schlossteich
Schrattenbach

Di che si tratta?

Ieri, in una serata assolutamente stravagante e surreale, ho conosciuto l’autore (David, di Liverpool) di questo video alternativo realizzato per partecipare ad un contest di Mtv.

Il brano, come detto, è dei Flight of the Conchords, ed il video originale è questo, (altrettanto godurioso).

Mi ha fatto sganasciare pensare a questi inglesi che riprendevano a Palermo tra i Giardini Inglesi ed il bagno di casa Ruggirello…

Amici palermitani…
CordePazze: La Sinfonica Sociale

Secondo me, bisogna considerare tutto, ma proprio tutto, prima di analizzare le ragioni che hanno portato la nostra generazione a dover pagare il pegno esistenziale del debito pubblico.

Esiste sempre, da qualche parte, un ricordo che ci vede coinvolti quali inconsapevoli attori della dilagante imbecillità. E in effetti basta poco: andare di notte a casa di un ‘grande amico’ (Gerlando); vagare nei ricordi ascoltando in sequenza – senza un apparente senso logico – i Lynard Skynard, The Marshall Tucker Band, Captain Beefheart & His Magic Band, Fleetwood Mac, Alberto Camerini (con una pausa Baltimora), e rivivere in un attimo il senso nascosto degli anni ‘80.
Chi non ha mai visto né ascoltato Alberto Camerini? Chi non si è sentito, per almeno una frazione di secondo, un po’ coglione? – sublimando magari il tutto in quel senso di modernità e avveniristica tecnologia che soltanto l’utilizzo del Commodore 64 sapeva prospettare.

Questo folletto (pop,rock,bit,punk,trash,ecc) andrebbe studiato nelle università per le influenze che ha saputo esercitare nella concezione estetica di Franco Battiato, ma, soprattutto, per quella “fissa” per le lingue con le quali, successivamente, il catanese-mitteleuropeo condirà il proprio misticismo da ‘per molti ma non per tutti’, quel misticismo che da sempre affonda le proprie radici nel terreno concimato con lo sterco del diavolo.

Personalmente, al posto di Umberto Eco, gli avrei anche dato una laurea onoris causa in DAMS – non a Vasco Rossi, né a quel paraculo di Benigni.

Perché Dante, Camerini, non avrebbe saputo dove metterlo!

Dimenticavo… Howard Jones! L’abbiamo ascoltato prima di Alberto Camerini… d’obbligo la sua citazione.

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The Puppini Sisters – Boogie Woogie Bugle Boy
Album: Betcha Bottom Dollar - Verve 2007

A proposito di pin-up girls…
Questo brano è una cover di un famoso singolo di successo delle Andrew Sisters scritto nel 1941 da Don Raye e Hughie Prince.
Le Puppini Sisters sono state fondate da Marcella Puppini, bolognese trasferitasi a Londra dove ha conosciuto Stephanie O’Brien e Kate Mullins.
Pare che l’ispirazione per fondare il trio sia venuta a Marcella dopo la visione di quello splendido film di animazione che è Appuntamento a Belleville (memorabile la scena iniziale con le Triplettes).

P.S.
Per chi fosse interessato martedì 06 maggio 2008 alle ore 21,00 le Puppini Sisters saranno ospiti a Radio 3.

Questo concerto l’ho aspettato con una strana trepidazione: un pò perchè mi piace molto la musica che suona, un pò perchè tempo fa una canzone del nostro mi aveva fatto iniziare in modo speciale una giornata: per chi fosse divorato dalla curiosità o dalla smemoratezza, il resoconto di quelle prime insolite ore è qui. 

Comunque. La cornice è quella dell’Auditorium, sala Sinopoli. Il pubblico è eterogeneo, ma la media tende sicuramente al basso. Alle 21,15 si spengono le luci e i musicisti prendono posto sul palco. PC è l’ultimo a salire, e una vera e propria ovazione esplode dalla galleria e dalle platea gremite. Da Angel Town in poi, comincia un viaggio sulle note di East of Angel Town, l’unico disco in cui le atmosfere jazz degli esordi lasciano il posto a sperimentazioni marcatamente più pop. Le canzoni ci sono tutte, credo nello stesso ordine in cui si trovano sul cd, tranne ovviamente Goodbye Philadelphia, che visto il successo di pubblico il nostro decide di piazzare verso la fine della scaletta.

Un po’ di annotazioni e sensazioni. Innanzitutto di colore: ma quanto mi piacciono i concerti jazz (o di genere), in cui i musicisti suonano in giacca e cravatta. Non so, forse è l’eleganza intrinseca dell’abbigliamento, forse la classe del suonare così vestiti, o forse l’apparente dicotomia che esiste tra il vestirsi “ingessati” e le avvincenti energie che si sprigionano dagli strumenti. Un pò di tutto questo, forse. Certo, anche la marpionaggine di musicisti che piacciono anche perchè molto eleganti.

La fine di ogni canzone è accompagnata da un’incredibile ovazione, davvero non pensavo il pubblico romano rispondesse con tanto calore; mi torna in mente il trasporto che seguiva ogni esecuzione di Giovanni Allevi, anche se i due suonano tipologie di musica molto differenti. Ci sono tanti ragazzi, anche più giovani di me. E pure tante persone anziane. Insomma, una musica trasversale, che ammicca ai giovani, solleticandone gli appetiti più “commerciali”, ma che non manca di rispetto agli ascoltatori più anziani, rendendo omaggio a decenni di musica jazz e d’impostazione più classica. Certo, la voce di Peter Cincotti non è indubbiamente eccezionale, anche se sospetto in due occasioni durante il concerto l’impianto audio faccia un pò le bizze, ma le sue radici jazz emergono a tratti ma violentemente, e ad ogni modo il meglio dello spettacolo è rappresentato senza dubbio dalle esecuzioni più movimentate. Insomma, le esecuzioni più soft hanno una patina “piaciona”, sono comunque coinvolgenti, anche se denotano una certa freddezza; ma non appena il ritmo si fa più incalzante, allora lo stesso Cincotti si muove come un indemoniato sui tasti e anche gli altri musicisti si lanciano in improvvisazioni e assoli che elettrizzano tutto il pubblico, che da par suo risponde.

Bellissimo concerto dunque, e un’esperienza indimenticabile. Come la pizza provola e speck che ho mangiato dopo, e che ancora mi balla dentro a due giorni di distanza. Ma questa è onestamente l’unica nota un pò così di un viaggio altrimenti splendido.

Die Künstler-Vermittlung mit neuem Konzept

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L’ultima volta che li vidi dal vivo era il 2005, e i Cure suonavano al Teatro Greco di Taormina. Li ritrovo quasi 4 anni dopo, e mi piace che l’appuntamento si ripeta proprio oggi, il 29 febbraio, il giorno che non esiste, creato dalla somma di ore e minuti miracolosamente scampati agli anni precedenti. Il giorno dell’”anno bisesto, anno funesto”.

Intorno al Palalottomatica si respira proprio quest’aria: l’ineluttabilità di un avvenimento che si ripete, e che mantiene comunque intatto il suo fascino. Trovo i miei compagni di avventura, Roberto e Alessia, saluti rapidi ma tanta è la voglia di immergersi nell’atmosfera del concerto che i convenevoli durano pochi secondi; insomma, niente birre né veloce “stizza” dedicata al concerto imminente, e si entra. Siamo nel parterre, l’unica sezione del Palalottomatica che garantisca un’acustica decente.

Alle 20.50, con soli 5 accademici minuti di ritardo sull’orario ufficiale, le luci si abbassano di colpo e mentre la folla esplode, partono gli accordi di Plainsong. Da lì in poi, inizia un viaggio di 3 ore e 5 minuti, ma lungo 30 anni, attraverso alcune delle più perfette canzoni dei Cure: Plainsong appunto, poi Prayers For Rain, A Strange Day, alt.end, The End of the World, The Walk, Lovesong, To Wish Impossible Things, Pictures of You, Lullaby, From the Edge of the Deep Green Sea, Please Project, Push, Friday I’m In Love, Inbetween Days, Just Like Heaven, Primary, A Boy I Never Knew, Us or Them, Never Enough, Wrong Number, One Hundred Years, Disintegration.

Mr. Smith, che a 17 anni diceva sarebbe morto prima dei 25, oggi è appesantito dall’adipe (ma molta meno rispetto a Taormina!) e dai suoi 48 anni, ma dalla mia posizione – dritto per dritto vicino al palco ma non troppo, saranno 15 metri – lo vedo costruire sulla chitarra l’ossatura delle canzoni, mentre sorride e gongola, balla e fa le sue mossette, si muove da un lato all’altro del palco per assicurarsi che anche quelli in tribuna laterale abbiano il loro momento di gloria.
Gli altri fidatissimi membri della band forniscono le solite, inossidabili certezze: Porl Thompson, pelato e vestito di un’improbabile camicia attillata e gonna-pantalone semi-trasparenti, tesse con le sue chitarre trama e ordito di canzoni che, da quando non ci sono più tastieristi nella band, secondo me hanno acquistato nuova linfa e freschezza; Jason Cooper picchia sulla batteria come un aggraziatissimo fabbro, garantendo potenza squassante ma anche tanti virtuosismi, variazioni, accelerazioni o rallentamenti di ritmo; Simon Gallup, al quale uno accanto a me grida tipo mille volte “Daje, Simò!”, si presenta con una pettinatura di un rosso sgargiante e magro come sempre, ma si muove come un forsennato per tutta la durata del concerto, con il basso rigorosamente sotto le ginocchia, come al solito.

Per tutto il concerto, ballo e salto e canto e pogo e rido e assisto estasiato. Fino al momento in cui realizzo finalmente, e in modo definitivamente chiaro, quello che sta succedendo sul palco: Robert Smith e gli altri si stanno rigenerando, coccolati dal muro di urla e applausi che il pubblico romano gli regala. Come vampiri, lui e la band si nutrono avidamente di quelle stesse emozioni che stanno regalando alla gente, in un inarrestabile circolo vizioso fatto di canzoni, più o meno note al grande pubblico, ma contagiose, in maniera conclusivamente irresistibile. C’è poco da fare: la grazia di un concerto dei Cure non sta solo nelle canzoni, ma risiede anche nell’atteggiamento di Smith e dei suoi: si stanno divertendo, e si vede lontano un miglio.

E man mano che il concerto procede, le emozioni crescono e pure la stanchezza, ma nell’infilata Friday I’m in Love-Inbetween Days-Just like Heaven, c’è l’adrenalina pura di alcune tra le più perfette canzoni pop di tutti i tempi. Paradossalmente, i Cure sono considerati i capostipiti della musica dark, grazie alla fama che le sonorità e i testi di album come Faith, Pornography, Disintegration (“the best album ever!”, in una mitica puntata di South Park) e il mediocre Bloodflowers gli hanno fatto guadagnare. Eppure, i Cure non sono soltanto questo. Sotto le tinte fosche del goth dark, sotto i capelli sparati, il cerone bianco, il rossetto e il mascara in cui affogano gli occhi di RS, c’è un’anima indubbiamente pop.

Le ultime note di Disintegration sono ancora nell’aria, ma il buio non placa un pubblico davvero assetato di altre canzoni; e allora, Smith e compagni escono tre volte ancora: al primo giro, At Night, M, Play For Today (l’oo-ooo-oo del pubblico, che accompagna le parti suonate, è da brividi!), la mitica A Forest.
Per il secondo giro di encores, Robert Smith lascia la costruzione del suono ai suoi e abbandona la chitarra, ma con mossette, sorrisi a piena bocca e goffi passi di danza, ci precipita tutti, dritti dritti, in pieno delirio disco-pop anni ’80: Lovecats, Hot Hot Hot!!!, Let’s Go To Bed, Freak Show, Close To Me, Why Can’t I Be You?.
Ora, la fine del concerto incombe, c’è solo il tempo per un ultimo tuffo, questa volta nel post-punk di Three Imaginary Boys, il primo album: Boys Don’t Cry, Jumping Someone Else’s Train, Grinding Halt, 10:15 Saturday Night, Killing An Arab.

Sono passate 3 ore e 5 minuti ininterrotti dall’attacco di Plainsong, le luci si riaccendono e veniamo trascinati fuori da un fiume di gente stanca e sudata e rintronata, ma senza alcun dubbio felice. Fuori, l’aria è frizzante, ma saluto gli altri e mi godo gli ultimi scampoli di questo 29 febbraio passeggiando verso la macchina. Da domani, saremo di nuovo inconsapevoli dei minuti che goccioleranno fino a colmare il bicchiere di un nuovo 29 febbraio. Da domani, comincerò piano piano a riprendere la voce che ho perso stasera.

Ma chi è Jamie Cullum che canta Jimi Hendrix alla radio?
Fino a poco fa non lo sapevo ma la sua versione di The wind cries Mary è bella ed il richiamo irresistibile.
Così la cerco, la trovo e mi viene in mente di condividerla.
Poi è difficile fermarsi. Così nascono questo post ed una nuova categoria (che vi propongo): alcune canzoni “speciali” e le varie versioni che è possibile trovare, non solo dello stesso autore, ma anche di tutti quelli che le hanno interpretate.
Adesso però mi fermo e passo alla musica.
I brani di oggi sono quattro e – ovviamente – tutti rigorosamente hendrixiani.
Nell’ordine: The wind cries Mary, Little Wing, Foxy Lady e Purple Haze.
Vi suggerisco dinon scoraggiarvi e soprattutto di non perdere le versioni di Tuck & Patti e del Kronos Quartet.
Buon ascolto a tutti.

The wind cries Mary

Jimi hendrix, 1967

Jimi Hendrix a Monterey

Jimi Hendrix

Jamie Cullum

Joe Diggs (Hey Joe / Wind Cries Mary)

Carolyn Wonderland

World Saxophone Quartet

Little Wing

Jimi Hendrix

Stevie Ray Vaughan

Stevie Ray Vaughan (Live)

Tuck & Patti (Castles Made Of Sand/Little Wing)

Joe Satriani, Steve Vai, Yngwie Malmsteen

Eric Clapton

Eric Clapton & Sheryl Crow

Sting & Gil Evans Orchestra

Pearl Jam

Monte Montgomery

Foxy Lady

Jimi Hendrix, Monterey

Kronos Quartet

Purple Haze

Jimi Hendrix (live)

Kronos Quartet

Stamattina, mentre mi facevo la barba, da Virgin Radio è uscita questa canzone. Non è particolarmente bella, tutt’altro, ma ha scoperchiato un vaso di Pandora pieno di memorie e ricordi.

Adesso sono tutti lì a parlare di Ipod e vari altri lettori MP3, ma ai miei tempi la musica si ascoltava in cassetta. Si andava da Ricordi, o da qualsiasi altra parte, e se ne compravano pacchi interi. Generalmente TDK. Da 30, 60, 90, 120 minuti. Tanto le riempivi tutte. E se poi non ti piacevano più, ci registravi sopra. Comunque.

Nel 1990 feci 2 settimane di viaggio in auto attraverso la Cornovaglia con una coppia di amici più grandi: ovviamente non ero ancora patentato, per cui guidavano loro e fondamentalmente il mio solo compito di una qualche utilità sociale era quello di selezionare la musica. Viaggiammo da Milano a Calais, da lì l’imbarco per Dover e poi a est. Splendido. L’autoradio gli era stata rubata tipo 4 ore prima della partenza, per cui il nostro stereo era una radio tipo ghetto-blaster di medie dimensioni, che stava dietro con me. Avevamo anche 5 chili circa di batterie, quelle grandi e cilindriche, che sembrano bombe a mano.

Da quel viaggio tornai con un sacco di bellissimi ricordi (tipo una stradina lunga e dritta, chiusa ai due lati da un interminabile fila di platani bassissimi, che la rendevano inquietante e affascinante allo stesso tempo), e con un sacco di nuova musica nelle orecchie: Violent Femmes, Cure (Disintegration, da allora fu amore folle), Japan/David Sylvian, R.E.M., Smiths, 10,000 Maniacs, The The, Mission, etc. Giovanni, guidatore numero 1, prima del volo per tornare a Palermo mi regalò una cassetta: il suo titolo, sul dorso, una semplice stella. Così, *. Vabbè, questi sono asterischi, ma avete capito…

In Alta Fedeltà, sia il libro che il film, si parla delle regole per creare la compilation ideale. Non ricordo il pezzo, non mi va neanche di cercarlo su Youtube, ma penso sappiate tutti di che parlo. Ecco. Quella cassetta è la prova che queste regole esistono.

Pochi anni dopo, Gerlando e io (ma soprattutto lui) creammo una seconda cassetta, che si iscriveva nel filone inaugurato da quella prima. Il titolo di questa? L’avrete già intuito, era **. E lì, tra Cure, Mega City Four, RHCP, House of Love, Pixies, Jane’s Addiction, c’era anche questa canzone dei Ramones.

Quelle due cassette le ho ancora. Sono conservate in una vecchia  scatola di legno dello zucchero Eridania, che ha sempre contenuto alcuni dei giocattoli miei e di mio fratello e chissà come ha resistito alle intemperie della nostra turbolenta adolescenza. Adesso, è a casa mia, e me la porterò dietro per sempre.

Stasera tornerò a casa, mi toglierò le scarpe e mi arrampicherò su una sedia per prendere questa scatola che sta in cima alla libreria: la metterò sul tavolo, ne aprirò il coperchio e, dopo averne annusato il profumo che ormai conosco a memoria, prenderò * e **. Più o meno tutte le canzoni di entrambe ormai le ho su Cd e su Ipod, ma accenderò comunque la piastra dello stereo, che ormai uso solo in queste occasioni, e disteso sul divano a piedi nudi, con una sola lampada accesa e le atmosfere rarefatte, magari mentre chiacchiero con la donna davvero speciale la cui voce ormai da un po’ chiude le mie giornate, ritornerò su quella strada della campagna di Yeovil in Cornovaglia e da lì fino a quel pezzo di strada su Monte Pellegrino che taglia il bosco e su cui, certe notti, si guidava a fari spenti (eravamo degli incoscienti!!!). Finito il lato B di **, le rimetterò a posto e la scatola di legno tornerà in cima alla libreria, fino alla prossima volta.

Non ci posso fare niente: anche in pieno agosto mentre guido mi viene in mente questo motivo (ognuno ha le sue stranezze finanche incomprensibili a se stessi).

Sta di fatto che tempo fa ho realizzato una compilation con una serie di brani natalizi, l’ho regalata alle persone più care e questo per me è il brano che mi avvicina di più al Natale:
ha un qualcosa di soffice e nostalgico, di ovattato e bianco, di luce soffusa dietro le finestre.
Ha odori, sapori di casa e luci ad intermittenza.
Ha la lucidità dell’asfalto dopo la pioggia ed i colori tremolanti delle insegne addobbate a festa.
Ha il bianco e nero di film di annata, la morbidezza di un divano ed il calore di un plaid logoro.
Ha la voce di Frank Sinatra, lo sguardo beffardo di Cary Grant e la dolcezza di Judy Garland.
Ha l’ipocrisia del periodo natalizio ed al contempo la verità che cova dentro di noi.

Ma sopratutto ha qualcosa di lontano, di triste, sa di tempo perduto che ciclicamente torna ogni anno eppure sempre diverso.

Ed il vostro brano di Natale?

Avrei dovuto capirlo dai segnali. Minimi, quasi insignificanti. Eppure presenti. La giornata che sembra iniziare come tutte le altre, e invece no.
Un istante, come sempre pochi secondi prima che suoni la sveglia, e con un unico movimento fluido scosto il piumone e salto giù dal letto.
Nell’aria, e sulla mia pelle, come una presenza ectoplasmica, una strana elettricità. Ma ancora non mi accorgo di niente. Come potrei?

Entro in bagno, pipì e comincio a radermi. La radio, come sempre, è su Virgin. Penso ai vicini che si svegliano con un rock d’annata (I Queen di We are the champions), forse dovrei abbassarlo di una punta il volume, ma chissenefrega, è mercoledì, sono le 7e10 e se non la sento così non c’è verso di svegliarmi per benino. Tra l’altro, non è proprio consigliabile radersi faccia e testa se quel cavolo di rasoio non lo maneggi come d’Artagnan la sua spada.

Tra la barba e la doccia, una sequenza di canzoni che non ricordo più, ma ancora i segnali: il rasoio corre via che è una meraviglia, rapido e preciso; l’acqua della doccia è subito alla giusta temperatura, calda e accogliente; quando esco, l’accappatoio è tiepido perchè inconsciamente mi sono ricordato di piazzarlo bene sul termosifone.
Vedete? Tutti segnali…

E ancora: la camicia nuova che calza come un guanto; il nodo della cravatta che riesce alla perfezione e, soprattutto, al primo colpo; un pò di sano regime alimentare che finalmente sta pagando, cavolo che figurino. Poi in cucina per la colazione: lattennesquìk e marmellata alla ciliegia per le fette biscottate sono giuste giuste per quella di oggi, spalmo/verso e barattolo e bottiglia finiscono dritte dritte nella pattumiera, ne caccio due nuovi in frigo.
Masticando una fetta biscottata, entro in soggiorno e accendo la radio, anzi no, magari metto su il cd di Peter Cincotti e ascolto quella canzone che mi mette di buon umore, ma sì và, però intanto le dita si stanno già muovendo alla cieca su amplificatore e radio, ormai è fatta, giusto il tempo di accorgersi che è troppo tardi ma sorpresa!, la canzone me la trovo davanti e intorno, ne ho forse perse soltanto le prime due note.

Quante volte vi è capitato? State pensando a una canzone, una su mille miliardi di canzoni,  e proprio quella vi assale e vi investe, come piovuta dal cielo, scivolata da un’auto che vi passa accanto, dalla radio che avete appena acceso, da un negozio davanti a cui camminate. Bello, ti lascia una sensazione di invincibilità, in fondo hai appena scoperto che i tuoi poteri mutanti comandano le onde radio!

A questo punto sono folgorato come san Paolo, la verità finalmente mi appare, esplosiva e lampante in tutta la sua evidenza. La giornata sa di particolare, speciale, di quelle che non sai cosa succederà e che fino a mezzanotte in teoria le porte dell’impossibile, del miracoloso, dell’assurdo, sono lì pronte perchè tu le varchi. Ora sono le 9e04, ancora 5/10 minuti e questo post sarà pubblico: il seguito, se mai ce ne sarà uno, ve lo racconto un’altra volta.

Peter Cincotti è un giovane newyorkese di 24 anni; questa canzone è tratta dal suo ultimo disco, East of Angel Town. Nei primi due, Peter Cincotti e On the Moon , c’erano tante cover, reinterpretate alla luce di una cifra stilistica jazz, ma indubbiamente fresca, e piacevolissima. Questo terzo cd ha solo canzoni originali, e forse suona un pò più pop, ma si sentono anche influenze fusion, rock, reggae e rinascimentali (!!!). Non è male, per chi ama il genere. E penso possa funzionare alla grande come colonna sonora di una cena tete-a-tete con una persona che vi piace.

La canzone parla dell’addio, della crescita, del passaggio, di fasi della vita che si chiudono per sempre per lasciare il posto a quelle nuove. Anche il video mi mette di buon umore, con questi flashback di vecchi filmati familiari. Insomma, tutta una serie di cose che me la fanno piacere ; Peter Cincotti, poi, mi fa istintivamente simpatia, sarà forse il piano o la vaga somiglianza con Ibra. La parte Musikanten finisce qui…

Mentre venivo qui in ufficio, ho avuto l’ulteriore conferma: pochissime macchine, aria fresca e frizzante, tutti i semafori verdi, la moto che sembrava stranamente leggerissima. Da qui a qualche minuto, sarò nell’imprevedibile. Come dice Ratman, fletto i muscoli e sono nel vuoto. 

Buona giornata anche a voi.

Però pare che non c’entri un cazzo.

The Go! Team – “Grip Like a Vice”

“Proof of Youth” Sub Pop 2007

E questa linea di basso certo non c’entra proprio un cazzo. Ma lei che cazzo farfuglia e…mah…e sto tema di Love Boat che c’entra? Un cazzo probabilmente.

Un intruglio postatomico che ti schiaccia e ti ammazza allegramente. Prendono per il culo. Viscidi bastardi.

Li ho visti live. Hanno cercato di farmi fuori. Uscito dal locale ero tutto sudato e parecchio di buon umore.

Ieri pomeriggio su Radio 3 ho ascoltato al volo (ovvero affaccendato in mille occupazioni) un pezzo della trasmissione Fahrenheit, nella quale veniva letto, non so bene se una intervista o un libro di Goran Bregovic, un brano nel quale il musicista si raccontava.
In particolare mi aveva colpito la parte in cui l’autore ricordava di quando si era trasferito a New York dove la mogle ed il fratello gestivano un ristorante. Dopo non molto tempo la moglie di Bregovic decise che per lei era troppo, non ne poteva più: doveva andare via da quella città.
Perché?
Perché in quella città non c’era spazio per perdere del tempo, tutti erano occupati a far soldi per paura delle proprie sorti nella vecchiaia. Ed in questo affaccendarsi la moglie di Bregovic sentiva lo scivolare via della propria vita.
Per cui, oggi, per paura di ciò che mi potrebbe accadere se non perdo del tempo, vi offro in ascolto (senza volermi dilungare in pedanti commenti) un brano del mio pianista preferito che esegue il mio autore preferito: Glenn Gould che esegue di Bach le Variazioni Goldberg (l’aria e le prime sei variazioni).
Questo è stato l’ultimo lavoro eseguito da questo pianista, l’unico in formato pienamente digitale (DDD) ed il primo cd che comprato nella mia vita.
Se, quindi volete davvero perdere del tempo da veri professionisti, abbiate l’ardire di prepararvi un té con o senza brioscine, avviare il player e mettervi comodi su un divano, chiudere gli occhi ed ascoltare (non è necessario vedere il filmato).
La delizia è sentire Gould che ci canticchia sopra (come sua consuetudine).

Voglio parlarvi di voci.
Una di quelle che ho amato di più è quella di Tom Waits.
Ho tutta la sua discografia in vinile (anche se non posso più sentirla).
Tom Traubert Blues – che vi propongo qui – è tra le canzoni più belle del suo periodo iniziale. Abbiate pazienza perché la canzone è lunga, ma vale la pena di un ascolto.

Parlo di periodo iniziale perché ad un certo punto della sua carriera il nostro ha cominciato ad auto-prodursi ed ha cambiato radicalmente stile.
L’anno della svolta è il 1983 e l’album è Swordfishtrombones.
In alcuni brani (come in Downtown train o in In The Neighborhood) la differenza con il passato è minima (sebbene la dimensione musicale si vada arricchendo di un universo teatrale che aumenterà progressivamente di centralità).

In altri l’evoluzione si sente tutta. E’ il caso di Rain Dogs (e di altre composizioni che non ho trovato e quindi non posso proporvi).

La musica del nuovo corso risente dell’influenza di Screamin’ Jay Hawkins, uno degli interpreti più singolari che il rock ‘n roll abbia prodotto.
Poco conosciuto al grande pubblico, Screamin’ Jay Hawkins ha cominciato a cantare negli anni ‘50 e la sua canzone più famosa (I Put A Spell On You) è del ‘56.

Ovviamente si è cimentato anche con i grandi standard della musica americana, come Old Man River.

Se confrontate la versione che avete appena sentito con questa di Sam Cooke noterete non solo la differenza i registro interpretativo ma anche l’incredibile modernità delle sue contaminazioni (cosa di cui ai tempi manco si parlava).

Però, anche Sam Cooke mica è da buttare. Io l’ho ascoltato tantissimo e tra le cose che mi piacciono di più di lui c’è questa Wonderful World.

La cosa bella della sua voce è la limpidezza e l’ampiezza della gamma tonale. Sam Cooke ha composto e cantato tanti di quelli che oggi si chiamano R&B standards e oltre a canzoncine facili facili (ma godibilissime) ha scritto anche la meravigliosa A change is gonna come, uscita nel 1965, l’anno successivo alla sua morte.

Otis Redding, di 10 anni più giovane di lui, la cantava così.

Nota

A proposito di I Put A Spell On You, vi suggerisco di dare un’occhiata anche a questo video.

Il blog è per me un diario da condividere con vecchi e ipotetici amici venturi, un luogo virtuale dove potersi permettere, finalmente, uno sfogo di “morigerata creatività”.
Il Grande CoComero sta svolgendo, infatti – e stavolta vi nomino: grazie Gerlando! Grazie Andrea! – , una funzione terapeutica: mi sta aiutando a dare un orientamento di senso a tutti quegli accadimenti e a tutte quelle riflessioni interiori, che, diversamente, pietrificherebbero sé stesse nel dimenticatoio.
A tal riguardo, ultimamente, una strana nostalgia mi ha reso bersaglio del desiderio di rispolverare tutta quella discografia che ha condizionato, nel bene e nel male, la mia estetica e, quindi, di rimando, la concezione etica della mia vita.

Non è possibile dire con certezza se io abbia avuto molte passioni ma, tra le quelle giovanili, Janis Joplin ha sicuramente rappresentato per me qualcosa paragonabile ad un’inaspettata cometa che precipita sul tetto della “tua casa”: rossa con le lentiggini, “piccolina”, mascella volitiva e lineamenti non certo perfetti, è diventata subito – quando ero appena diciannovenne – una tra le chiavi di volta su cui poter scaricare il peso della mia tarda adolescenza (ahimè non proprio felice). Non è stata l’attrazione erotica a farmi innamorare del suo personaggio, anche se – devo riconoscerlo – possedesse un certo sex appeal – in tal senso, ai tempi, più produttiva fu Edwige Fenech: quintaessenza della femminilità, non ha saputo mai quante volte abbia fatto l’amore con me! –, bensì la sua vena da vera cantante blues.

Tra le ultime figlie della Beat Generation – al di là di un immaginario ormai sbiadito e demodè, ricolmo di tanti “figli dei fiori” – Janis è stata colei che è riuscita a rendermi partecipe di una rivoluzione che si è storicizzata in interiore homine nell’ideale del ‘68 e nel ‘68 ideale (essendo io nato nel ‘70).
Ma Janis Joplin è, soprattutto, ciò che viene indicato quando il blues si fa carne ed ossa, un blues che non va certo inteso canonicamente, in relazione, cioè, ad uno stile musicale dai contorni netti o al colore della pelle da “negro di piantagione di tabacco”, appunto ottimo “quando vuoi un blues al dente”. No… Janis è molto di più… alcol, sesso, droga e il tentativo di aggredire il mondo avendene un timore folle. Pur essendo capace di cantare lo spirito del Musica del diavolo come nessuna, e di stravolgere, come è accadduto nel 1967 a Monterey, Ball & Chain (di cui ho inserito una registrazione video, e a cui è dedicato questo post), uno dei cavalli di battaglia della grande (anche di stazza) “Big Mama” Thornton, inframmezzandola di “Honey, please”, di “Lord”, di urla e di languidi gemiti tesi ad implorare l’aiuto di un Dio inesistente – le sue urla “graffianti” rievocano quelle dei gatti in procinto di attaccare, mentre nel palco si dimena con un fare da donna a metà strada tra una crisi isterica ed il commovente pianto di una bambina sopraffatta da un senso di impotenza -, Janis ha perso, consegnadosi anzitempo – come spesso accade ai i grandi – all’eternità, diventando, inconsapevolmente, uno tra più significativi agnelli sacrificali di quella generazione che ha creduto e sperato di poter cambiare il mondo.
La storia della sua breve esistenza e l’intensità della sua arte totale, nella quale, come ha sostenuto giustamente Piero Scaruffi, “… vita e arte si confondono ed è difficile giudicare l’una senza tener conto dell’altra”, sono diventate, secondo il mio modesto parere, il simbolo musicale del pianto per un idealismo ucciso dalla realtà. Janis ha vissuto il suo tempo, infatti, come i giovani che in esso, oggi, avvertono la presenza di una catena, legata all’idea di un futuro incerto ma pesante quanto una palla carceraria; un grido di rabbia per tutti coloro che, come me, non essendo più giovanissimi, e nemmeno giovani, stanno vedendo morire, allo stato attuale del proprio presente, la speranza in un futuro migliore.

Guardatela… è bravissima!

La notizia è fresca: i Radiohead hanno deciso di vendere il loro nuovo album, In Rainbows (acquistabile dal 10 di ottobre), seguendo dei criteri innovativi per il settore.
Le caratteristiche di questa operazione di marketing (nel senso tecnico del termine, lo specifico poiché vi è una certa costanza nell’attribuire a questa parola i significati più disparati e comunque sempre intrisi di implicazioni etico/morali), sono diverse, ma in particolar modo una è quella che mi ha colpito:

• Vendita diretta dell’album sul sito web del gruppo a un prezzo che sembrerebbe deciso da ogni singolo interessato al momento dell’acquisto.

Valgono tutte le offerte, non c’è un minimo prefissato. Una volta che è stato fissato il costo, a propria totale discrezione, si riceverà un codice di attivazione che potrà essere utilizzato, come detto, a partire dal 10 ottobre, data di uscita del nuovo album.
L’operazione di e-commerce viene eseguita comunque con successo, qualsiasi cifra venga inserita.
Oltre alla possibilità, appena descritta, di acquistare In Rainbows in download digitale, è stata aggiunta l’opzione di acquisto in formato “discbox” (spedito direttamente a casa entro il 3 dicembre per 40 sterline, circa 57 euro), contenente il disco su CD e vinile, un secondo CD con brani extra, un booklet con i testi e del materiale fotografico.

Questa notizia mi ha fatto pensare a cosa ha fatto Google al momento di essere quotata in borsa.
Nel 2004, infatti, Google ha collocato in borsa le sue azioni con una formula inusuale ed innovativa: quella della così detta asta olandese (dutch auction).
Ciascun investitore interessato a sottoscrivere le dette azioni in IPO (ovvero nella Initial Public Offering), poteva inviare al proprio broker una proposta di acquisto contenente la quantita ed il prezzo, con una forchetta di prezzo (da 108 a 135 dollari) stimata dalla società, ma in alcun modo vincolante.
Il meccanismo dell’asta olandese prevede che il prezzo finale dell’offerta sia quello più elevato al quale tutte le azioni in IPO possono essere vendute (anche se i manager della società si erano riservati la possibilità di fissarlo ad un livello inferiore).
Questo metodo scelto da Google per piazzare le proprie azioni si può definire come realmente democratico, rispetto al consueto metodo di collocamento (ovvero, in Italia ad esempio, attraverso al regola dei riparti fissate in maniera dettagliata dalla Consob).
Infatti, da un lato viene affidata al mercato la fissazione del prezzo dell’offerta, dall’altro non viene fatta differenza tra investitori privati (piccoli o grandi che siano) ed investitori istituzionali (generalmente avvantaggiati).
Con questa tecnica viene meno la figura del consorzio di collocamento che generalmente trae i maggiori benefici, non vi è quota riservata agli investitori istituzionali e, quindi, manca il così detto book building.
Come è andata a finire?
Al termine dell’asta svoltasi su internet, fax e telefono e durata da venerdì 13 a mercoledì 18 agosto 2004, la forchetta è stata rivista a 85/98 dollari per azione ed il quantitativo offerto è stato ridotto da 26,7 a 19,6 milioni di titoli a causa di una adesione inferiore alle attese. Il prezzo di offerta è stato fissato il 19 agosto in 85 dollari per azione.
Lo stesso giorno il titolo ha debuttato al Nasdaq chiudendo la prima seduta di quotazioni con un rialzo del 18% a 100,3 con 22,2 milioni di titoli scambiati
Un anno dopo Google quotava intorno ai 300 dollari.

Le affinità fra le due operazioni sono evidenti… se poi andiamo a guardare la copertina di In Rainbows ed il logo di Google troveremo sicuramente ulteriori spunti…

Negli anni ‘90 si usava – specialmente nel grunge, un po’ scopiazzando delle chicche degli anni ‘70, inserire la così detta Ghost Song alla fine degli album, un brano che iniziava dopo una lunga pausa nell’ultima traccia.
Lo si poteva scoprire gurdando la durata delle singole canzoni a confronto della durata dell’album…. oppure dimenticandosi di spegnere il lettore cd.
All’improvviso quando meno te lo aspettavi cominicavi a sentire un brano inedito e non sospettato.
Mi piace chiudere il post con la mia ghost song: la trak list di In Rainbows:

15 STEP – BODYSNATCHERS – NUDE -WEIRD FISHES/ARPEGGI – ALL I NEED – FAUST ARP – RECKONER – HOUSE OF CARDS – JIGSAW FALLING INTO PLACE -VIDEOTAPE

E come detto se comprate il disk box trovate anche questi brani in un secondo CD:

MK 1 – DOWN IS THE NEW UP – GO SLOWLY – MK 2 – LAST FLOWERS – UP ON THE LADDER – BANGERS AND MASH – 4 MINUTE WARNING

In ultimo voglio inserire un aggiornamento del 18 ottobre 2007: queste le analisi sulla prima settimana di uscita dell’album dei Radiohead effettuate su TechCrunch (articolo segnalatomi da iomeneandrei). Nel detto articolo vengono fatte anche delle considerazioni sullo stato del mercato musicale e delle sue problematiche. Leggetelo è interessante.

J’attendrai – Django Reinhardt – Stephane Grappelli

Grazie a questo articolo scritto da Alberto Dottavi su Infoservi ho scoperto questo docuumento straordinario che volevo condividere con tutti voi.
Se state lavorando, o se avete altri impegni, non pensateci nemmeno ad avviare il player. Aspettate di arrivare a casa, mettetevi comodi, accendetevi una sigaretta e fate come me: ascoltatevelo almeno 20 volte.