(Peter Sykes, 1976) Many Hammer fans prefer the studio’s earlier films and cold-shoulder later ones produced as it struggled to keep in step with the times. But some of us appreciate this final entry into the original* Hammer pantheon. To the Devil a Daughter has naturalistic acting, a bit of edge, and the need for audience deconstruction — all unexpected positives. But it can’t match Rosemary’s Baby, The Exorcist and other popular occult films Sykes was emulating, tasked as he was with making Hammer Studios a guaranteed pound sterling. Dependable Christopher Lee is an excommunicated priest who points his faith in a more sinister direction, towards a satanic god. His church raises Nastassja Kinski, who grows up to become a nun marked to bear the seed of the devil. High-jinx ensue when the nun’s father (Denholm Elliott) and an occult writer (Richard Widmark) try to protect her from that destiny. Enjoy some nicely claustrophobic framing shot from very low and very high angles, and a disturbing birth scene wherein a mother’s legs are bound together, sealing off the birth canal. Women will squirm, and some viewers will get a chuckle out of the clerical costumes the Satanists sport, identical to Catholic uniforms. – Ranylt Richildis

* I added the word original, because Hammer Studios climbed out of its coffin in 2008.

What’s the Euro-Horror Project?

(Jodie Foster)

Jodie Foster. Nel cuore e nell’anima.
di Nadia Agustoni

Attrice tra le più intense e la cui immagine si imprime per qualcosa che trascende i personaggi che interpreta, Jodie Foster è in un certo modo una fuoriclasse ed è un simbolo di riscatto per quelle che non hanno potuto riconoscersi nei modelli di donne proposte dal cinema americano dagli anni ottanta. Non che sia andata meglio da altre parti, ma il cinema con la C maiuscola lo fanno laggiù ed è difficile non tenerne conto. In ogni caso parlare di una delle maggiori interpreti del cinema è sempre un’impresa quasi ardua. La vita reale e i personaggi cui ha prestato il volto si intrecciano. Farle un ritratto per come appare in interviste e articoli è incontrarla nelle sue parole, ma subito arrivano immagini di un film o, al contrario, hai in mente un film e ricordi alcune frasi che hai fermato nella memoria. Cominciamo da qui: Hollywood 1992, Oscar come migliore attrice per “Il silenzio degli innocenti”, in cui offre una dedica: “ alle donne che sono venute prima di me e che, a differenza di me, non hanno avuto nessuna chance, alle pioniere, alle sopravvissute, alle emarginate.”

Jodie Foster nasce Alicia Christian Foster il 19 novembre 1962 e il nome Jodie le verrà dato scherzosamente dai fratelli prendendo spunto dall’amante della madre Josephina Dominguez, detta zia Jo D. Cresce a Los Angeles e quasi subito ha a che fare con il cinema. La madre Evelyn“Brandy” Ella Almond dopo il divorzio dal marito lavora come assistente in piccole produzioni e la introduce nell’ambiente facendola debuttare in vari spot pubblicitari (1). A tre anni Jodie Foster è una bambina prodigio e sa già leggere. La Walt Disney Company la mette sotto contratto e nel 1972 è nel film “Due ragazzi e un leone”. Nel 1973 recita in “Tom Sawyer”, tratto dal libro omonimo e Martin Scorsese le offre una parte in “Alice non abita più qui” (1974). Nel 1976 arriva la fama con il film, sempre di Scorsese, “Taxi Driver” in cui è una prostituta adolescente. Fin da bambina, lo ricorderà più volte lei stessa, è abituata a lavorare e non smetterà mai. Il fratello Buddy Foster, nel suo libro biografico non autorizzato, ha raccontato che la prendeva in giro perché sbrigava da sola le faccende di casa. Lei rispondeva indirettamente che il lavoro le dà equilibrio. (2)

Nel 1985 si laurea in letteratura a Yale, (3) ma gli anni dell’università sono funestati da un brutto episodio di stalking. Il 30 marzo 1981 John Hinckley spara a Ronald Reagan, allora presidente degli Stati Uniti, motivando poi il gesto come un modo per attirare l’attenzione di Foster. L’attrice interrogata dall’Fbi dovrà anche testimoniare al processo, ma nemmeno dopo avere chiarito le cose ritroverà la serenità. In quel periodo ha gli occhi di tutti puntati addosso e non per i film che ha fatto. C’è, quasi in permanenza, una folla di curiosi che si raduna per vederla e gruppi di fotografi appostati ovunque. Dovrà sospendere gli studi per un anno e riprenderli in seguito.
In un’intervista rilasciata a Karen Breslau il 6 aprile 2009 dirà “ voglio che la gente mi ricordi come un’attrice, non per qualche nota storica.” (4) In ogni caso per molti anni rifiuterà di parlare di Hinckley che riconosciuto infermo di mente non verrà condannato al processo per l’attentato a Reagan.
Come in un film o in un romanzo Foster sarà bersaglio di altri episodi di stalking. L’ultimo risale al 2004 e solo l’aiuto dell’Fbi scongiura il peggio visto che l’uomo in questione, Michael Smegal, nel 2008 minaccia di far saltare l’aeroporto di Los Angeles inviando una serie di lettere siglate “ Jodie Foster S”.(5)
L’unica volta che Jodie Foster ha accettato di scrivere qualcosa sull’episodio di John Hinckley è stata in un articolo “ Why me?” (6), uscito in Esquire nel dicembre 1982: “ loro volevano portarmi giù, al loro livello, dal grande schermo d’argento.”
E questo “loro” sembra quasi allargarsi da Hinckley al pubblico.
Quindi continua: “ No, la dura prova di Hinckley non aveva distrutto la mia anonimità, aveva distrutto solo l’illusione di essa. Ogni uomo o donna in questo mondo aveva il diritto di fissarmi, di indicarmi e di giudicarmi perché… quello era il mio lavoro. Era ciò per cui ero pagata (…). Di conseguenza, divento proprietà dei miei giudici oppure rischio il rifiuto. “ (7)

Se il primo premio Oscar nel 1989 per “Sotto accusa” di Jonathan Kaplan rilancia la sua carriera di attrice, è il ruolo drammatico e la sfida che impersona che ne fanno una criticata icona del femminismo in crisi.
Alcune voci, anche tra le donne, non amano quel film per l’eccesso che la figura della protagonista richiama. Sono anni, gli ottanta, di donne manager, in carriera ecc. e un personaggio sconfitto che si riscatta in tribunale non è troppo amato dalle sofisticate del tempo. Una voce critica, ma per altri motivi, è anche quella della neo femminista Susan Faludi che scrive del film in “ Contraccolpo” (1992). (8) La scrittrice americana mette in evidenza che è un ben misero riscatto quello che lo star system concede alle donne in un decennio all’insegna della misoginia.
Jodie Foster dirà in un’intervista a Daniel Robert Epstein parlando del proprio essere femminista: “ Io non ho problemi a definirmi femminista con la F maiuscola. E’ buffo come questa parola in qualche modo abbia acquisito connotazioni negative negli anni ottanta. Io sono attratta dalle donne forti: ho interpretato diversi tipi di donne forti, ho interpretato oche giulive, ho interpretato autorevoli geniali, ho interpretato donne selvagge e comunque erano tutte forti.” (9)

Parlando delle immagini nel cinema di Michelangelo Antonioni, John Berger scriveva : “ I film di Antonioni indagano il visibile fino a che non resta più luce da vedere. Il visibile può essere Monica Vitti, Marcello Mastroianni, la riva di un fiume, lo scafo di una nave, un albero, un campo da tennis. Ma, a differenza del pittore, lui non può toccare l’immagine con le mani, deve tormentarla in altri modi: attraverso la luce, il movimento, l’attesa, una sorta di cinematografica furtività. Il suo scopo è farci scrutare nei suoi film come si scruta nell’acqua del Po, come Monet scrutava nelle profondità del suo stagno di ninfee, come si cammina scrutando nella nebbia”. (10)
E non sembri esagerato il tentativo di applicare questo scrutare-toccare allo sguardo di Foster che pare incontrarci arrivando non dallo schermo, ma da un luogo interiore che ha in sé qualcosa di eluso, un dolore che invece di farsi ostacolo rende visibile quel troppo umano che riaffiora senza parola, in un silenzio che ci chiama in causa.

E’ in Nell (1994), che Jodie Foster darà prova di attrice al limite del manierismo. La ragazza selvaggia che comunica in un linguaggio incomprensibile agli altri porta in sé la ferita dell’altro, un volto che poche volte può farsi volto, perché quanto possiede è l’emarginazione che rimane non socializzabile. Poco importa se sembra esserci una maggiore tolleranza. La diversità non è comprensibile perché simbolicamente non è il segno su un foglio: è il bianco del foglio. E’ lo spazio interiore che non trova un tempo esteriore.

Nel libro, piuttosto amaro, scritto su di lei, il fratello Buddy parla della solitudine di Jodie Foster. L’argomento è ripreso in un articolo di Alessandra Farkas (11) e sembra indicare un lato della personalità complessa dell’attrice. Probabilmente la forte influenza della madre l’ha a lungo condizionata, ma le accuse del fratello toccano il nodo scoperto di rapporti famigliari difficili, di un non detto che deve avere influito sul carattere riservato di quella che è stata nel tempo bambina prodigio, ragazza famosa e attrice pluripremiata.
Parlando della madre in una intervista Foster darà corpo ad un forte sentimento di ambivalenza: “ Lei voleva che fossi presa sul serio come attrice. Lei voleva che lavorassi con i registi che ammirava. Lei voleva che andassi in una scuola prestigiosa.” E aggiunge: “ Quando ero piccola, non sapevo che potevo dire no”.
Jodie Foster sa di dovere molto alla genitrice, ma nello stesso tempo, la scelta di riservatezza di sua madre nel privato e il silenzio su una situazione precedente di violenza tra coniugi, già divorziati alla nascita di Jodie, devono avere acuito le sue difficoltà a sentirsi come chiunque.
E’ qui che si deve leggere il punto d’incontro tra emarginazione e divismo. La solitudine interiore e la diversità si complicano nel momento in cui fama e premi sembrano portarle tutto. Jodie Foster deve attraversare un confine dove immagini di donna non facili sembrano lottare con la sua personalità. La frase-dedica pronunciata in quel lontano 1992 ritirando l’Oscar è emblematica: “ […] alle pioniere, alle sopravvissute, alle emarginate.”

Dopo il primo Oscar le storie sulla sua vita privata si rincorrono.
La stampa Usa parla di una relazione con Kelly McGillis ( interprete di “Top Gun”) che la affianca in “Sotto accusa”. In precedenza l’avevano accostata a Nastassja Kinski incontrata sul set di “Hotel New Hampshire”. (12) Foster non replica, ma continua a vivere come le pare.
Plausibile, visti gli episodi di stalking, che non desideri attirare certe attenzioni.

Il secondo Oscar arriva nel 1992 per “Il Silenzio degli innocenti” di Jonathan Demme. Foster si era già cimentata nella regia con “ Il mio piccolo genio” nel 1991 e fondando una sua casa di produzione esordisce nello stesso momento come produttrice. (13) Tornerà poi alla regia nel 1995 con il film “ A casa per le vacanze”.
Assorbita completamente nel cinema inizia, sempre nell’ambiente, quella che si conosce ormai come la sua relazione più lunga durata 14 anni con Cydney Bernard. Sul set di “Sommersby” (1992), dove recita con Richard Gere, si innamora della Bernard che del film è la produttrice.
Le due donne non confermano e non smentiscono, ma vivono insieme nel West Village e la coppia divide anche la responsabilità dei due figli che nel frattempo Foster ha deciso di avere. I bambini, Charles e Kit, portano il cognome di entrambe le madri.
Nel dicembre del 2007 ritirando il premio Women in Entertainment Jodie Foster fa ufficialmente coming out. Un coming out molto elegante in cui ringrazia la compagna.(14)
Se ne parlerà a lungo. Il ritardo nell’ammettere la propria omosessualità dà adito a congetture, ma in verità l’attrice non è un caso classico di negazione di sé. Non si è mai nascosta, piuttosto sottratta e con qualche ragione. Il suo appartarsi è probabilmente dovuto anche alle dure prove in cui è incappata con persone disturbate nella personalità. L’essersi esposta pubblicamente non incide però sulla sua discrezione sia verso la famiglia d’origine che verso la compagna e i figli.
Non parlerà mai del padre dei figli (o dei padri), afferma però di sapere cosa dirà loro quando sarà il momento, pur non volendo “comunicare all’America” ciò che dirà.
L’ultima compagna è stata Cynthia Mort , una sceneggiatrice conosciuta sul set di “Il buio nell’anima” 2007. (15) Il rapporto con la Bernard continua nella responsabilità comune e condivisa sui figli. Dei figli e del suo modo di vivere la maternità Jodie Foster dirà che le sembra ingiusto parlare di loro alla stampa. Hanno un loro mondo, hanno i loro amici e lei è presente ascoltandoli. In America, come in altri paesi, i figli di genitori omosessuali sembrano crescere senza problemi. Una recente inchiesta ha rilevato in questi bambini un maggiore equilibrio unito a un certo anticonformismo costruttivo. (16)

Di Jodie Foster si può dire che il suo essere attrice prevale sul suo essere una diva. La si ricorda per le interpretazioni e per qualcosa di non concluso che traspare appena nell’espressione del volto, nel non chiudersi, ma ripararsi dello sguardo. Ed è sempre il volto a rivelarla come se guardando dallo schermo ci ponesse un’eterna domanda sulla nostra umanità. E’ per tutto questo forse che si scrive di lei con fatica. L’apparenza e il nucleo più profondo sembrano confondersi in quell’immagine che, come su un negativo, rimane illeggibile e tuttavia mai perduta.

Note

1) Lo spot pubblicitario più noto era quello per la crema abbronzante Coppertone.

2) Buddy Foster, Foster Child, Barnes & Noble, 1997.

3) In precedenza, nel 1980, si era diplomata nel Liceo francese di Los Angeles. Questo ha segnato il suo rapporto con la cultura e il cinema francese (tra l’altro è l’unica attrice americana che nei film francesi si doppia da sola). Nel 1997, molti anni dopo la prima laurea magna cum laude in letteratura a Yale, la stessa università le conferisce una laurea onoraria in Belle Arti.

4) Karen Breslau, “Jodie Foster at Ease” 6.4.2009 intervista.

5) Michael Smegal arrestato nel 2008 a Los Angeles è in attesa di processo. I fatti relativi all’attentato a Reagan ispirarono invece il gruppo punk rock JFA, acronimo per Jodie Foster’s Army.

6) Jodie Foster, “Why me?”, Esquire dicembre 1982.

7) ibidem; op. cit., 1982

Susan Faludi, “Contraccolpo”, Baldini Castoldi e Dalai, 1992.

9) Daniel Robert Epstein, “Jodie Foster of Inside Man” intervista.

10) John Berger, “Sacche di resistenza”, pag. 103-104, Giano 2003

11) Alessandra Farkas, “Jodie Foster, l’Oscar della solitudine”; Corriere della sera 19 maggio 1997

12) ibidem; op. cit;

13) La casa di produzione della Foster è la Egg Pictures fondata nel 1992.

14) Qui un articolo della stampa estera e uno dal web italiano.

15) Dopo il 1995, anno del secondo film come regista, Jodie Foster interpreta diversi altri film e tra questi ne ricordo alcuni: “Contact” (1997) ( per cui le è stato intitolato l’asteroide “17744 Jodiefoster”); il remake di “Anna and the King” (1999); “Panic Room” (2002); “Flightplan” (2005) e “Inside Man”, 2006. Del 2007 il già nominato “Il buio nell’anima”. Nel 2008 è tornata alla commedia con “Alla ricerca dell’isola di Nim”. Attualmente lavora a un progetto sulla regista tedesca Leni Riefenstahl.

16) Ne ha parlato un articolo ripreso dalla rivista “Internazionale” 11 /17 dicembre 2009. L’articolo è di Lisa Belkin, La lezione dei genitori omosessuali, The New York Times, Usa.

* Ringrazio Rosanna Fiocchetto per la traduzione degli stralci dalle interviste e dall’articolo “Why me?” e per l’aiuto nella ricerca.

Questo articolo è dedicato alle redattrici e alle lettrici di Lpels, oltre che a Rosanna Fiocchetto e alle donne che si occupano di cinema facendo film e occupandosi di rassegne, festival e critica cinematografica.

Nastassja Kinski - Vogue - Copyright 1981 The Richard Avendon Foundation

Alcuni post fa parlavo di Richard Avendon. Mi piace molto la sua definizione di quello che lui chiama “ritratto fotografico” :

“A photographic portrait is a picture of someone who knows he’s being photographed, and what he does with this knowledge is as much a part of the photograph as what he’s wearing or how he looks.”

Nel 1981 questa immagine fu pubblicata sulla rivista Vogue. Il genio di Avendon unito al fascino di Nastassja fecero si che il poster della foto fosse poi venduto in oltre due milioni di copie, divenendo un vero e proprio classico del periodo.

Fin dalla prima volta che l’ho vista, trovo questa foto semplicemente meravigliosa e ne subisco totalmente il fascino.
Nastassja appare calma e rilassata, nonostante il gigantesco boa constrictor che le si muove sul corpo, è consapevole dello scatto proprio come nella definizione di “ritratto fotografico” espressa da Avendon. 

L’insieme di sinuosità creato dal corpo della donna e quello del serpente, il contrasto di luce accentuato dalla “texture” del boa, l’avvicinarsi della testa del rettile all’orecchio di Nastassja e la sua apparente indifferenza creano una carica di sensualità ed un insieme di messaggi che ne fanno un capolavoro.

Per chi avesse avuto occasione di leggere il mio post “i tre punti di vista“… ecco : per me questa è davvero una foto perfetta.

Het lijkt erop dat Moedige Missers hun eerder miserabele kwisprestaties van de maand oktober definitief in het verdomhoekje hebben gespeeld. Op de voorlaatste dag van vorige maand werden we alweer tweede op Kiewit en vervolgens haalden we een derde plaats in Tongeren.

Afgelopen weekend deden we in Spalbeek tot het eind mee voor de prijzen. Merckendis en De Vier Wijzen eindigden ex-aequo, maar door hun betere eerste ronde won Merckendis uiteindelijk. Op de derde plek moesten we Dementia Praecox nog laten voorgaan, maar een vierde plaats (met slechts 4 ipv 5 kwissers want Gert daagde uiteindelijk niet op) was eigenlijk niet slecht. Zaterdagavond in Beringen hadden we zelfs nog meer geluk. We wedijverden tot de allerlaatste ronde met Moordgat en Calabria om de winst. Net vóor de superronde bedroeg onze achterstand op de koplopers drie punten. In de superronde behaalden we 28/30 (o.a. door de heldere geest van ondergetekende) die de songfestivaldeelnemer voor België uit 1984 nog kende en die ook wist hoe het pas verschenen boek van Herman De Croo heette). Tel daarbij andere correcte driepuntenantwoorden voor de Waalse tegenhanger van Bloso, de ontdekker van Felice, de hoofdstad van Honduras en de vrouwelijke hoofdrol in ‘Tess’ van Roman Polanski en we bogen onze achterstand van drie punten uiteindelijk om in een voorsprong van twee punten én dus een overwinning. Ook Pelter Skelter, Plus Mien en Remember Londonderry waren zaterdagavond van de partij.

We gaan de komende tijd weer wat extra kwisdeelnames plannen voor 2010. Zo willen we o.a. twee kwissen spelen in Lommel, enkele kwissen in Zonhoven en ook Koersel, Lummen, Genk en Viversel kunnen ons binnenkort verwachten. In Beringen traden we trouwens alweer aan met een onuitgegeven samenstelling. Vier ‘vaste’ MM’ers die dit keer werden gedepanneerd door Saar (die bij mijn weten ongeveer de helft van haar kwissen in MM-loondienst heeft gewonnen) en Gert die het levende bewijs vormt dat het spreekwoord ‘Derde keer, goede keer’ een kern van waarheid bevat. Na Rapertingen en Kiewit leverde Beringen voor hem een allereerste zege op. Niet de laatste zege, mogen we hopen.

Talvez apenas no próprio Femme Fatale, do De Palma, essa instituição sagrada do film noir tenha sido tratada com tanta devoção como em a Lua na Sarjeta, encarnada aqui pela inacreditável Nastassja Kinski. O cuidado de Beineix é o mesmo: captar o corpo, lábios, olhos, cabelos, e rearranjá-los do outro lado da lente na forma estonteante de uma deusa.

*texto: A Lua na Sarjeta (Jean-Jacques Beineix, 1983) – Luis Henrique Boaventura

Exato amigos, por onde anda a menos famosa vítima de Roman Polanski? Porque assim como nosso coleguinha sodomizadas dos 13 anos, Roman garanhão também carcou nossa sumida da vez quando ainda era uma adolescente de 16 anos. Ou algo assim, aqui os fatos não são importantes, porque somos Wicked Twins, não Quem!

Relembrei nossa querida Nastassja (cacete, já vi que vou me arrepender de ter escolhido a cidadã) ontem ao assistir o filme Little Boy Blue (1997). Nele, a atriz interpreta uma mulher de malandro (John Savage) que tem como perversão apontar a arma o filho mais velho, seu enteado (Ryan Phillippe), e obrigá-lo a manter relações com a mulher, já que o próprio sofre de algum problema pós-guerra. Totalmente bizarro, mas até interessantezinho. E foi ai que pensei quando foi a última vez que vi Nana atuando? Descobri no Imdb que foi em Inland Empire (2006) onde ela interpreta “the lady”. Exato… quem? Não me lembro messsmo dela no filme. Talvez valha rever, já que só assisti uma vez num Festival do Rio qualquer.

Mas faz tempo que ela não faz um grande filme, ou ganha destaque em alguma produção. O que é uma pena, porque eu gosto dela. E vou ser sempre marcada pela sua personagem Jane Henderson em Paris, Texas (1984) do Wim Wenders, que é certamente um dos meus filmes preferidos. Isso porque ainda não assisti Tess (1979) do Roman Polanski, que inclusive lhe rendeu um Globo de Ouro e uma indicação ao César. Como ela é uma atriz multifacetada, e sumiu do spotlight hollywoodiano, Nana se divide entre aparições em filmes de suspense toscos americanos (feitos para TV na maioria das vezes) e filmes franceses. Mas tudo meio fim de carreira.

Ainda assim, bom relembrar os velhos tempos em que Nana fazia as pesonagens bonitonas (se bem que no filme de ontem tinham horas que ela parecia uma mistura de traveco com a Olivia Newton John em Physical, o que não é muito animador). E como hoje é sexta, tenho mais o que fazer que postar no Blog… vou ver Megan Fox make out com a peituda de Mamma Mia e Mean Girls!

Bom findi pra todos!

See these eyes so red
Red like jungle burning bright

Maria Ozawa atau Miyabi akan berperan dalam film komedi: Menculik Miyabi. Dia menyabet peran utama film garapan Maxima Picture.

Raditya Dika, penulis skenario, menyebut ide menampilkan Miyabi sebagai ide cerdas. Sosok Miyabi yang dikenal publik sebagai aktris porno ini akan tampil tanpa adegan seks dan vulgar. Sisi humanis dikedepankan. Bagaimanapun, Miyabi manusia juga, demikian kata Raditya.

Apa yang disebutnya ide atau gagasan cerdas (saya mendengar perkataan ini di televisi) sangatlah tidak tepat. Yang ada justru sebaliknya, gagasan bodoh dan sekadar mencontek perputaran arus baru industri film Hollywood.

Kualitas film dalam negeri yang belakangan ini meningkat dengan hadirnya Ayat-Ayat Cinta, Ketika Cinta Bertasbih, Laskar Pelangi, dan lain-lain, tiba-tiba saja hendak dikoyak dengan ide menampilkan aktris porno sebagai pemeran utama.

Bangunan kualitas film yang sedang direnovasi sejumlah insan film seakan hendak diruntuhkan kembali menjadi kumpulan puing-puing film sampah (junkfilm).

Seandainya film Menculik Miyabi benar terwujud, maka menjadi jelas bahwa kualitas film yang telah dibangun susah payah oleh sejumlah insan perfilman, ternyata dirusak pula oleh insan perfilman lainnya. Sedih dan menyedihkan.

Potret Buram

Sekadar mengenang potret buram produksi film dalam negeri. Pada masa lalu, film berkualitas tidak menjamin memiliki kesempatan tampil di layar bioskop. Terlebih saat Kelompok 21 (Twenty One Group) memiliki kekuasaan penuh atas film yang layak tampil di bioskop kelas satu. Sebagaimana dialami Slamet Raharjo saat karyanya Langitku Rumahku hanya mendapatkan kesempatan 1 hari saja tayang di bioskop Kelompok 21. Sementara film produksi Hollywood dapat tayang sesukanya.

Tentu saja Slamet Raharjo, Christine Hakim dan rekan-rekannya menangis pilu. Itulah masa-masa kelam, ketika industri perfilman mendapat perlakuan tidak adil dari penguasa pemilik bioskop elit di negeri ini.

Masa-masa itu sudah berlalu seiring terjadinya reformasi. Industri film mulai menggeliat dengan hadirnya film berkualitas. Jutaan penonton datang ke bioskop menikmati film karya sendiri dan bukan produksi negara lain.

Meski harus diakui ada beberapa film sampah, tetapi film berkualitas hadir dengan prosentase lebih besar. Ini patut disyukuri.

Suasana Idul Fitri

Namun sayangnya, beberapa hari setelah umat Islam merayakan Idul Fitri, saat saling memaafkan sedang berlangsung dan silaturrahmi belum usai, tiba-tiba masyarakat dikejutkan dengan berita akan hadirnya aktris porno. Miyabi menjadi Top News terbaru setelah tewasnya Noordin M. Top dan gonjang-ganjingnya tubuh KPK.

Tentu saja reaksi bermunculan. Ustadz Yusuf Mansur menolak tegas kehadiran Miyabi. Sementara MUI mengecam keras dan menghimbau pencekalan. Menteri Meuthia Hatta bersikap sama.

Meski suara-suara tersebut belum cukup keras menolak kehadiran Miyabi, tetapi cukuplah menjadi pegangan bahwa apapun peran yang akan dimainkan Miyabi tidak membawa manfaat apapun bagi peningkatan kualitas kecerdasan masyarakat.

Wewenang pencekalan ada di tangan imigrasi. Tetapi tampaknya tidak akan terjadi pencekalan. Minimnya suara tokoh masyarakat dalam top news ini menjadi pertanda Miyabi akan hadir dengan mulus.

Belum ada komentar signifikan dari wakil rakyat, tokoh-tokoh agama dan masyarakat lainnya. Belum ada demo yang merebak. Bahkan tokoh-tokoh perfilman belum terdengar gaungnya di media massa. Entah setuju atau menolak Miyabi.

Memang ada segelintir pemain muda yang mendukung kehadiran Miyabi. Alasannya sederhana saja, Miyabi datang bermain film komedi dan bukan film porno. Singkatnya, bukan kejahatan.

Film Panas dan Film Porno

Ambil contoh, film Last Tango in Paris yang dibintangi Marlon Brando. Film tersebut masuk kategori film panas terbesar dalam sejarah industri perfilman Hollywood. Padahal adegan seks yang ditampilkan hanya gerakan tubuh menirukan adegan seks, tetapi tidak ada visualisasi alat kelamin.

Pada era 70-80 an, aktris panas seperti: Sylvia Kristel, Nastassja Kinski, Edwige Fenech dan Gloria Guida sempat populer di negeri ini. Mereka sering menampilkan adegan seks, tetapi hanya sekadar gerakan sensual. Busana tetap dipakai, setidaknya masih mengenakan celana dalam. Pada masanya, mereka adalah simbol seks.

Popularitas Edwige Fenech sungguh luar biasa. Konon katanya, dia sempat diundang ke negeri ini. Dikisahkan, dalam sebuah acara jamuan makan, aktris Italia keturunan Tunisia itu melelang celana dalamnya. Para tamu yang hadir pun berebut ingin memilikinya.

Meski tidak jelas, apakah celana dalam itu bersih atau celana dalam yang sedang dipakainya. (Andaikan celana dalam itu yang sedang dipakai, tidak jelas pula apakah pembelinya yang melepas celana dalam tersebut dari tubuh Edwige atau dia sendiri yang melepasnya).

Tetapi yang pasti kedatangannya sangat meriah. Ada banyak orang yang berminat melihatnya secara langsung. Dan tentu lebih banyak lagi yang ingin tidur bersamanya.

Padahal tidak satupun film porno yang diperankan Edwige Fenech. Penggemar tidak akan pernah melihat vaginanya di layar bioskop. Semuanya masih dalam taraf kewajaran. Penonton tidak tahu seperti apa vagina Edwige. Sebab semua adegan syur masih mengenakan celana dalam dan bra.

Aktris film panas seperti Edwige Fenech cukup banyak di negeri ini. Sebut saja, Kiki Fatmala dan Inneke Kusherawati (subhanallah, kini Inneke berjilbab). Keduanya sering tampil dengan pakaian seksi dan transparan. Tetapi payudara dan vagina tetap tertutup rapat bagi mata penonton. Keduanya sering disebut aktris panas. Film-film Warkop DKI sering menghadirkan sensualitas perempuan.

Harus diakui bahwa adakalanya saat dilakukan syuting, aktris bisa saja tampil telanjang bulat. Tetapi setelah proses editing, gambar yang muncul tidak secara vulgar menampilkan ketelanjangan.

Profesionalitas insan film sangat dituntut. Berbugil ria atau beradegan seks harus dilakukan sepanjang mengikuti script yang ditentukan. Dalam hal ini, kaum pria yang menjadi crew tentu hanya dapat menelan ludah melihat artis-artis perempuan telanjang di hadapannya.

Tetapi sutradara dan kamerawan tidak akan pernah berani mengambil gambar vagina secara close up. Apalagi hingga menampakkan belahan dan atau bagian merahnya. Sangat tidak mungkin. Mengapa demikian?

Sebab mereka memang tidak sedang membuat film porno atau film biru (blue film/hardcore). Visualisasi yang ditampilkan hanya ketelanjangan, meski rambut kemaluan terkadang terlihat jelas.

Berbeda halnya dengan film porno. Alat kelamin ditampilkan secara utuh, jelas dan transparan. Bahkan proses terjadinya perkelaminan dihadirkan tanpa tirai sedikitpun.

Para penikmat film porno tidak akan bertanya atau membayangkan seperti apa rupa penis dan vagina pemain film yang ditontonnya. Semua dihadirkan secara gamblang tanpa sensor. Dan itulah yang dilakukan Maria Ozawa atau Miyabi.

Pesona Vagina Cantik

Miyabi sangat populer di Indonesia. Termasuk mereka yang belum pernah menontonnya. Boleh jadi, kalangan pelajar ada yang mengenal nama ini. Nama Miyabi memang mudah diingat. Mirip nama makanan khas: Serabi.

Tentu saja tidak ada data seberapa banyak lelaki dan perempuan negeri ini yang pernah melihat vagina Miyabi. Tetapi dapat diduga, jumlah orang yang ingin melihat vagina Miyabi akan semakin meningkat dengan tampilnya dia di layar lebar.

Dan yang pasti, para produsen DVD bajakan yang paling diuntungkan dengan kedatangan Miyabi. Mereka melihatnya sebagai peluang bisnis besar yang tidak boleh dikesampingkan.

Bursa bisnis VCD-DVD bajakan di Glodok semakin bergairah. Kumpulan film-film porno Miyabi akan diproduksi ulang sebanyak-banyaknya. Permintaan pasar di seluruh pelosok negeri akan sangat besar dan tidak boleh terlewatkan.

Siapapun yang sangat berminat melihat Miyabi melakukan persetubuhan harus dipenuhi. Jangan dikecewakan.

Penonton bioskop yang akan melihat film Menculik Miyabi tidak puas sebelum melihat vagina Miyabi secara jelas. Bahkan usai menonton di bioskop, para penonton berbondong-bondong melanjutkan melihat koleksi film porno Miyabi di rumah masing-masing.

Pancaran pesona vagina Miyabi memang dahsyat. Dalam hal wajah, ada banyak aktris porno melebihi kecantikannya. Tetapi untuk sementara ini, Maria Ozawa menjadi ikon terbaik industri film porno.

Kematian aktris porno Asia Carrera menyedihkan penggemarnya. Meski penggantinya datang silih berganti, tetapi penonton di negeri ini tidak cukup terpuaskan. Itulah sebabnya para sineas film porno bekerja keras mencari sosok tepat pengganti Asia Carrera yang meninggal digerogoti AIDS.

Maria Ozawa tampil sempurna menggantikannya. Dan para penggemar tersenyum lega. Miyabi hadir memuaskan hasrat kelamin lelaki dan perempuan. Setidaknya bagi penggemarnya di Indonesia.

Jangan heran, sosok Miyabi sangat digemari kaum lesbian. Meski Miyabi lebih sering beradegan seks dengan lawan jenis, tetapi kaum lesbian banyak yang terpikat dengan rona wajah dan kelembutan Miyabi. Apalagi saat masturbasi.

Kaum lesbian memiliki hasrat yang kuat hendak bersetubuh dengan Miyabi. Kekuatan hasrat yang sama dengan hasrat kaum lelaki.

Fantasi kelamin

Setahun belakangan ini terjadi perputaran arus baru film Hollywood. Munculnya Sasha Grey dalam film Girlfriend Experience garapan sutradara kondang Steven Soderbergh agaknya membangkitkan minat sineas negeri ini untuk menirunya.

Tetapi Steven Soderbergh memiliki alasan kuat memilih Sasha Grey. Terjadinya perubahan arus yang dipicu beredarnya video seks Paris Hilton melahirkan paradigma baru perfilman di sana. (Uraian ini agak panjang…saya masih malas menulisnya).

Maka dari itulah, ide cerdas, seperti dikatakan Raditya di awal tulisan, tidak lebih dari upaya pemuasan fantasi kelamin lelaki dan perempuan.

Raditya secara tepat mengetahui fantasi kelamin para penggemar Miyabi. Dan karenanya harus dimanfaatkan. Raditya (dan Maxima) ingin mengambil keuntungan.

Fantasi kelamin Raditya mewakili fantasi kelamin semua penggemar Maria Ozawa dan calon penggemar berikutnya. Sungguh menyedihkan.

Dan seandainya Miyabi jadi datang. Semoga dia datang dalam keadaan menstruasi.
Sumber: BaNi MusTajaB

Nastassja Kinski

Há quatro anos atrás me deparei com a obra de Wim Wenders por sugestão do professor Albertinho Gallina, do curso de filosofia da UFSM. Na época o filme Tão Longe, Tão Perto não causou em mim nenhuma impressão muito especial. Tive o prazer de reassistí-lo e descobrir no filme uma das obras mais poéticas já realizadas na sétima arte.
Com o par Asas do Desejo (Der Himmel über Berlin/Wings of Desire) e Tão Longe, Tão Perto (In weiter Ferne, so nah!/Faraway, So Close!), Wim Wenders nos apresenta uma releitura do mito judaico-cristão da criatura angelical. Os anjos de Wim Wenders são mensageiros, segundo eles próprios. Mas a impotência dessas criaturas beira o trágico desde que, na medida em que a humanidade acordou para o Tempo e para a História, sua compreensão do mundo encerrou cada vez mais a dimensão angelical à um quase exílio de contato com a humanidade. Damiel, Cassiel e Rafaela – os anjos apresentados nos filmes – apresentam um modelo de anjo absolutamente terno e sensível, com a habilidade de escutar os pensamentos dos mortais e, no máximo, influenciar invisivelmente as emoções humanas, nunca suas decisões. Assim, os anjos de Wim Wenders não podem salvar as pessoas do fracasso, da frustração, do esquecimento de si, da imoralidade ou do suicídio. São anjos que assistem invisivelmente e em agonia enquanto as lideranças nazistas deliberam sobre a guerra. Anjos que se encantam com cada fluxo de consciência humano e com a humana capacidade de depositar interesse em pequenas trivialidades. São anjos que, acima de tudo, desejam experimentar a perspectiva e a experiência humana – são tão antigos que precedem a linguagem, a história e a própria idéia de tempo. O desdobramento da condição humana na história tornou a humanidade estranhamente encantadora para os anjos.
Ambos os filmes são esteticamente impecáveis. Wenders utiliza a variação entre o colorido e o preto-e-branco para situar o foco da narrativa nos humanos ou nos anjos: anjos não parecem ter experiências sensíveis; assim é comovente assistir o encantamento de um anjo pelo vislumbre das cores ou pelo sabor de um café no primeiro instante de sua existência humana. Sim, pois o enredo de ambos os filmes é a jornada interior dos anjos que decidem, em algum momento, embarcar no trem da história e participar da experiência humana sobre a terra.
No Asas do Desejo, de 1987, assistimos Damiel e seu encantamento por uma mulher humana. Uma trapezista que, em cenas de extrema sensibilidade, se parece mais com um anjo do que ele próprio, ao fazer seu corpo dançar pelos ares com extrema destreza e graça. Nem tudo são flores: a moça vive uma angústia interior e um clima existencial se instala quando Damiel acompanha o fluxo de consciência da trapezista em suas reflexões sobre a própria vida. Em uma delicada e ao mesmo tempo apoteótica cena ao final do filme, Damiel se apresentará para a trapezista: sim, Damiel terá se tornado humano no interesse de partilhar sua existência com a moça. O diálogo – como o texto inteiro do filme – é extremamente poético e transita em um discurso quase sempre referente à estruturas e categorias muito fundamentais da condição humana, como “sentido da vida”, “escolha” e “destino”. Isso para não mencionar o fato de que esse encontro se dá em uma brilhante apresentação de Nick Cave & The Bad Seeds que, aliás, são responsáveis por pelo menos três canções da trilha sonora do filme.
Em Tão Longe, Tão Perto, de 1993, assistimos o companheiro de Damiel, Cassiel, em sua não tão bem-aventurada jornada de experimentação da condição humana. Ao se tornar mortal quase que por acidente, Cassiel queda em um caminho de degeneração e se tornaria um bêbado e vagabundo se o destino – ou o acaso – não fizesse com que Lou Reed (sim, o próprio interpretando a si mesmo no filme!) não desse uma gorda esmola à Cassiel que, inspirado pelos versos de Lou Reed em Why Can’t I be Good (mais uma belíssimo show incorporado ao cinema por Wenders), decide ser um bom homem. Infelizmente Cassiel descobrirá tarde demais que seu benfeitor-empregador era, na verdade, um traficante de cinema pornô e armas de fogo. A participação de um brilhante Willem Dafoe no papel de uma misteriosa figura capaz de controlar o tempo é central para a história e responsável por transformar a redenção de Cassiel em puro fracasso. A belíssima Nastassja Kinski acompanha Cassiel em sua jornada, mas do outro lado: permanecendo em sua condição angelical, Rafaela assiste com preocupação, alegria e tristeza a queda, a ascensão e a morte de Cassiel – absolutamente pretendida e engendrada pelo misterioso personagem de Willem Dafoe.
A técnica cinematográfica de Wim Wenders ao utilizar anjos como personagens principais é talvez uma das mais bem sucedidas tentativas de visualizar a realidade humana “de fora” na história do cinema. Através do preto-e-branco – elemento cinematográfico utilizado para aludir a incapacidade sensorial dos anjos – sabemos quando e como devemos olhar as situações humanas pelo que são. Algumas análises apontam para elementos políticos nas películas de Wenders, mas me parece que a preocupação central do diretor é a de expor algumas possibilidades essencialmente existenciais à luz do projetor e, através dos olhos de figuras que não partilham da condiçao humana, ilustrar algumas nuances preciosas dessa condição, nuances que inevitavelmente se perdem àqueles que movimentam-se dentro dela.
É interessante observar que o filme Cidade dos Anjos, com Nicholas Cage, é um remake de Asas do Desejo. Contudo – e aqui sou obrigado a reproduzir a crítica comum – mesmo Nicholas Cage não e capaz de salvar o filme se o compararmos com a obra de Wenders: a profundidade e a inteligência do texto e a sensibilidade estética de Wenders são completamente perdidas no filme com Cage e Meg Ryan, onde recebemos em troca um romançola hollywoodiano sonorizado pela fraquíssima música do Goo Goo Dolls.
Em suma, sobre os anjos de Wim Wenders: Altamente recomendáveis.

einestages, das Zeitgeschichte-Portal des SPIEGEL, gibt gerade ein gutes Beispiel dafür ab, wie auch angesehene und völlig unverdächtige Webseiten auf der geplanten Sperrliste landen könnten: Ich bin kein Jurist, aber das hier zu sehende Bild (Nastassja Kinski in einer Tatort-Folge von 1977) könnte heute durchaus den Tatbestand der Jugendpornographie (der neue Paragraph §184c) erfüllen.

Rafael hat tatsächlich mal Anzeige erstattet und eine Mail an Ursula von der Leyen geschrieben. Großartig! Das Problem ist also manchmal nicht nur die Art und Weise, wie Kinderpornographie bekämpft wird, sondern auch die Ausweitung des Begriffs.

A woman is cursed to turn into a panther when aroused.

Francis Ford Coppola’s homage to the musical is best remembered for being his Heavens Gate, and the sheer fact that it managed to bankrupt Coppola and effectively kill the funding studio American Zoetrope would be enough to put most off. Alas I found the film, featuring a wonderful, if not at times patronising score from Tom Waits to be an interesting experience. 

The film tells the story of Hank and Frannie (played by Frederick Forrest and Teri Garr), a couple bordering on the edge of their relationship. We predominantly see the events of the night of their break-up, with both taking new lovers and considering their relationship.

From a visual point of view One From the Heart is nothing short of a major achievement. The entirely studio shot locales straddle the line between the inspiration of the stage and real world locations, and one can see just how and why the budget skyrocket from an initial 2 million dollars to a staggering 25 million dollars. Although one could not deny that its not evident on screen. A particular moment of ingenuity comes during an early scene set within the apartment of Moe, Hanks best friend. As Hank decides to call Frannie we see the wall of Moe’s apartment disappear, only to reveal Frannie within her location in the background. Its very fluid and even downright poetic. Back projection and scale models are the norm in the world of One From the Heart, and the films theatrical influences are laid bare by the opening and closing scenes being accompanied by the expected stage curtains.

Performance wise, Teri Garr was a bit of a revelation, if not a little bit tiring. Frederick Forrest plays an aging loser well and is seemingly more interesting when he shares the screen with the always interesting Harry Dean Stanton. Raul Julia and Nastassja Kinski both handle their roles as objects of affection to Frannie and Hank very well, with both displaying the sort of charm one would expect from such personalities.  

Eventually, once we have become desensitised towards the fancy techniques on display the film begins to feel like an overlong music video. In ways it reminds of the grandiose extended music videos that the like of Michael Jackson and Prince put out in the mid-1980’s.

Il est des Palmes d’Or vraiment méritées. Qu’on peut comprendre. Qui récompensent des chefs d’oeuvre.

Le film débute sur un homme qui marche. Dans un désert. La musique accompagne son errance et nous plongeons dans le monde de Paris, Texas. L’image est belle, la musique envoûtante. Il marche. Et tombe.  Son frère le retrouve et on en apprend un peu plus sur Travis. Il a disparu depuis quatre ans, en abandonnant sa femme et son petit garçon. Mais Travis ne parle pas. Il ne veut pas parler. Car les mots sont inutiles quand on ne sait que dire. Fort heureusement, Wim Wenders ne fait pas le choix d’une voix Off expliquant ce qui se trame dans la tête de Travis. On le comprend. Soit à travers les mots des autres -mais ce ne sont que ce que les autres pensent – , soit à travers ses silences.

On se sent transporté dans son voyage. Il cherche quelqu’un, quelque chose. Mais pourquoi ? Y-a-t-il besoin d’avoir une réponse ? Mais lui en veut des réponses. Et sa femme aussi. Mais avant de retrouver Jane, il doit regagner la confiance de Hunter, qu’il a abandonné. Pourquoi est-il parti ? Il ne le dira pas. Suffit-il de revenir pour revenir un père légitime ? Son frère ne le pense pas, parce que lui il était présent. Mais Hunter comprend son père et apprend à l’accepter. Mais Travis ne veut pas récupérer son fils, il veut juste apprendre à le connaitre. Et il veut retrouver sa femme. Et Hunter l’accompagne. Il la retrouve et débute alors un tête à tête détourné, sans qu’elle le voit.  Comme si le fait de ne pas voir la personne aide à se confier, à dire la vérité, la vérité toute nue. Jane sera plus sincère si elle ne sait pas réellement que c’est Travis qui lui pose ces questions. A travers ces conversations, on comprend des choses mais sans pour autant tout comprendre. Car ça les regarde. Car ça se passe entre eux.Puis viendra le temps de la décision, du choix final. Travis à travers son geste témoigne tout l’amour. Les actes parlent plus que les paroles.

Une belle histoire portée par une photographie qui donne des images d’une beauté hypnotisante, comme la musique signée Ry Cooder. Ce film est beau. Les images restent imprimées dans notre tête, la musique, les interprètes… Tout est réussi.

Wim Wenders a reçu la palme en 1984. Espérons que le Festival pourra encore nous faire découvrir des films aussi beaux et cessera de récompenser des films qui oublient que le cinéma est avant tout un art.

A Lua na Sarjeta é todo filmado como num estado de delírio, situado num mundo de sonhos e desilusões onde as emoções ganham luzes, texturas e neblina regidas pela estética onírica e pela sensibilidade em carne viva de Jean-Jacques Beineix. A dor, a frustração, a vingança, a raiva e a paixão como elementos impregnados, todos juntos, em cada centímetro da atmosfera irreal mista de noir e pesadelo que recai sobre o filme após a belíssima seqüência inicial, abrindo as portas de um mundo que anoiteceu sem que o dia seguinte jamais chegasse a nascer outra vez. Porque o dia seguinte já está morto.

Gérard (vivido cheio de ternura e solidão por Gérard Depardieu) é um estivador que vaga todas as noites pelas ruas do porto em busca do assassino de sua irmã, ou em busca de si mesmo, ou em busca de algo para buscar, quando encontra Loretta, a deusa em forma de Nastassja Kinski [/redundância].

E Loretta invade o filme como uma aparição. Ela entra no bar filmada de baixo, sob um contraluz dourado, passa por um néon amarelo e a câmera começa a girar pelo ambiente, como se ela tivesse gravidade, enquanto relâmpagos cruzam pelas janelas e uma trilha a la old hollywood toca ao fundo. O tempo pára, o filme entra em outra dimensão, tudo para que Beineix celebre sua femme fatale presenteada com o dom de roubar o universo todo para si e transformá-lo numa extensão do seu domínio, auto proclamando-se (através dos olhos de Gérard, filtro entre o mundo de Beineix e o do público) como o último rastro de beleza pelas ruas do porto.

A Lua na Sarjeta é um filme sobre medo, culpa, sonhos desfeitos. Segundas e terceiras chances. E Loretta é um espírito sobre o último trem do fundo da merda em direção ao miolo das nuvens, e a uma saída do pesadelo, ou a um sono ainda mais profundo. E Gérard tenta se deixar levar, permiti-se ao desconhecido e à possibilidade vaga de uma outra forma mais rara e mais forte de amor pela primeira e última vez, sentindo-se enfim como um ladrão, no poder de algo que não lhe pertence ou que não lhe inspira o único sentimento com o qual está acostumado.

O que há de mais belo na constelação tecida por Jean-Jacques Beineix é, ao fim de tudo, a falha converter-se em direção e a impotência em única rota possível. Encarar a penitência do mundo como um castigo merecido e a tristeza da alma como um sinal pulsante de que, com sorte, ainda há alguma alma para se sentir triste, e que a felicidade é na verdade um bem que Gérard não saberia jamais administrar.

Isso porque A Lua na Sarjeta é um filme sobre um homem feito de carne, sangue, remorso, fraqueza e vingança que, na falta de um alvo, resta desabar sobre ele mesmo, punindo-se com a forma de castigo mais cruel e nociva que já vi num filme: o veto aos próprios sonhos.

4/4

Luis Henrique Boaventura

Screenshots!: A Lua na Sarjeta (Jean-Jacques Beineix, 1983)

click auf das Bild, um es im Originalzusammenhang auf www.amazon.de zu betrachten.

..die Leuchte Deines Leibes ist Dein Auge…Teil 1A. in: In weiter Ferne, so nah! (Far away, so close!). Regie: Wim Wenders, 1992-93

weiter zu Teil 1B->

Vorspann Text: Großer Preis der Jury von Cannes 1993

Wir lesen, Weiss auf Schwarz:

Die Leuchte Deines Leibes ist Dein Auge;

Ist nun Dein Auge lauter

wird Dein ganzer Leib im Lichte sein;

Ist aber Dein Auge böse,

wird Dein ganzer Leib im Finstern sein.

(Matthäus, 6, 22)

Audiokommentar Wim Wenders (2005) (Der Audiokommentar kann auf DVD  fakultativ zu-oder abgeschaltet werden):

“Vorneweg unser Motto:

Aus dem Evangelium nach Matthäus, dem sechsten Kapitel:

Ich paraphrasiere den Text, denn anders gelesen klingt es ganz anders:

Deine Augen sind Fenster in Deinen Körper hinein,

wenn Du Deine Augen weit offen hälst,

in großem Staunen,

- dann füllt sich Dein Körper mit Licht.

Wenn Du mit zusammengekniffenen Augen durch die Welt läufst,

voller Misstrauen und Raffgier,

so wird Dein Körper ein dunkler Keller,

Wenn Du also vor Deinen Augen den Vorhang vorziehst –

was für ein dunkles Leben hast Du dann.

Ja. Das war unser Motto . ..und nicht ganz so biblisch versteht man es dann auch gleich viel besser.”

Wim Wenders, 2005

Exposition

Dunkler Bildschirm.Stille. Kein Ton.

Auf ihm taucht auf: ein großer Flügel, gefiedert wie ein Engelsflügel, er bewegt sich einmal zum Flügelschlag.

Die Bewegung gibt frei,  wie durch ein Guckloch, den Blick auf eine Säule, einen Platz, wir nähern uns aus Vogelperspektive

-der Siegessäule

…und dem Großen Stern.

Wir hören menschliche Stimmen, hoher Sopran. Leise zuerst, dann mit großem Orchester,singen sie Choralmusik. Die Musik nimmt endzeitlich übergroße Form an, traurig, melancholisch, dabei ahnungsvoll gespannt.

Wir sind in Berlin, 1992.

Die Szene

hier nur Text, mit Atmo s. Teil 1B

Oben auf der Schulter des goldenen Engels der Siegessäule steht ein Mann im Mantel. Er erklärt sich:

Ihr!

Ihr… die wir lieben,

ihr…

….seht uns nicht. …Ihr hört uns nicht.

Ihr wähnt uns in weiter Ferne. Doch sind wir so nah.

Wir sind Boten, die Nähe zu tragen zu denen in der Ferne,

wir sind Boten…

…das Licht zu tragen zu denen im Dunkeln.

Wir sind Boten…

….das Wort zu tragen zu denen, die Fragen

Wir sind nicht Licht.

Wir sind nicht Botschaft.

Wir sind die Boten.

Wir….

…sind nichts.

weiter zu Teil 1B->

1992-93 Otto Sander – Schutzengel Cassiel, Bruno Ganz – ehemaliger Schutzengel Damiel, Nastassja Kinski – Schutzengel Raphaela, Rüdiger Vogler – Der Detektiv Phillip Winter, Heinz Rühmann – Chauffeur Konrad, Willem Dafoe … Emit Flesti (rückwärts gelesen: time itself) , Solveig Dommartin - die Akrobatin Marion, Mutter von Damiels Tochter, Horst Buchholz – der GanoveTony Baker

Aquarell von A.-M. Glaser nach G.B. Tiepolo, Scuola dei Carmini , Venezia. Schutzengel. Zum Vergrößern in Firefox: mit der rechten Maustaste auf das Bild zeigen, aus dem Fly Out Menue Punkt: Grafik anzeigen auswählen.

Heino Ferch 2002 im Interview (zum Film Nachts im Park) (sinngemäß):

Das Wichtigste sind die Augen. - da strahlt die Seele raus.

- -

Kommentar 1:

Die erste Quelle für die Filmografie eines Filmschauspielers ist natürlich seine Vita auf der Homepage seiner Künstleragentur. In unserem Falle www.management-goldschmidt.de Renate Landkammer , Berlin.

Ungefähr im Jahr 2006 tauchte in dieser Vita der Eintrag auf, dass HF 1992 als Gast in Wim Wenders´ vielfach prämierter Fortsetzung von “Der Himmel über Berlin” nämlich in dem mittlerweile ebenfalls hochgeschätzten Film “In weiter Ferne, so nah!” (Far away, so close!) als Gast mitgewirkt habe.

Unsere sorgfältigen Betrachtungen des Films mußten zum Ergebnis kommen, dass HF als Schauspieler nicht, auch nicht “uncredited” in Far away, so close! zu sehen ist. Die Kommunikation mit dem “Deutschen Filmhaus ” die sich den Film ebenfalls noch einmal ansahen, bestätigte unsere Meinung. Das “Deutsche Filmhaus” entfernte auf seiner Seite den Eintrag.

Die imdb erwähnt Far away so close in HF´s Filmografie nicht.

Die Kommunikation mit der Redaktion des ZDF ergab, dass die dortige Redakteurin dem Vita-Eintrag auf Management-Goldschmidt gefolgt war.

Unsere behutsamen Hinweise an die Agentur, dass “Gast” in diesem Projekt nicht bedeuten konnte “Gast mit Schauspiel-Aufgabe” erzeugte bei der Agentur keine sichtbare Reaktion bezüglich dieses Hinweises, während ein anderer (Der Unhold: nicht “Gast”, sondern zweite Hauptrolle) ein Echo erzeugte.

Im Audiokommentar von Wim Wenders aus dem Jahr 2005 erwähnt WW HF nicht, obwohl er zu diesem Zeitpunkt HF kannte, offenbar auch schätzte, da er ihn für die Moderation des Europäischen Filmpreises verpflichtet hatte .

Der Audiokommentar von WW während des Films erwähnt alle Personen namentlich, die dort im Film zu sehen waren, auch wenn sie nur einen Moment im Bild waren. WW ist dafür bekannt, dass er zu seinem Team eine parafamiliäre, also eine sehr persönliche, nahe, Beziehung aufbaut. 2005 hätte er HF unbedingt erwähnt, wäre er als Akteur dabei gewesen.

So bleibt uns nichts anderes als der Schluß, dass die Teilnahme von HF in diesem Wenders-Projekt ein Wunsch, ein Desiderat von großer  Bedeutung bleibt und ist.

Abgesehen vom hohen filmkunsthistorischen Stellenwert des Films ist – wie immer bei HF- wohl auch hier davon auszugehen, dass die Film-Aussage als so wichtig empfunden wurde und wird, dass er ein Teil der Geschichte sein wollte und will.

Zusammenfassend gesagt sind als wichtigste Motivationen erkennbar:

1. Der Regisseur: Wim Wenders ist einer der Begründer des neuen Deutschen Films, dem HF sich, betrachtet man seine anderen Projekte, in den Neunzigern ganz unzweifelhaft zugehörig fühlte.

2. Die Filmaussage: Der Film ist  unverhüllt religiös. Wim Wenders zitiert mit filmischen und musikalischen mitteln aus dem Neuen (Matthäus 6,22) und Alten Testament (“There is a time for everything” – Buch Ecclesiastis – Prediger).

3. Das Handlungsmotiv der Rettung: Der Film handelt von der Rettung eines Kindes. Der Retter ist eine Person, ein Engel, der Mensch, -ein Mann,- wird durch seinen Akt der Rettung.

Durch den Akt des Rettens verliert er  seine Göttlichkeit und als er das Kind erneut am Ende der Geschichte rettet, gewinnt er durch seinen Tod seine Göttlichkeit zurück.

4. Ein Haupt-Handlungsmotiv des Films sind zwei Akrobatik-Nummern von Zirkusakrobaten.

Dass und wie nah sich HF der Zirkusakrobatik fühlte und fühlt, muss nicht mehr erwähnt werden.

Die erste, eine Flugnummer am Gummiseil (Vorstellung Stars in der Manege 2006 , Nummer 18 Chinesisches Bungee) sehen wir in der Circus-Krone Vorstellung 2006 wieder, an der HF selbst mit einer Voltigiernummer teilnahm, die zweite Akrobatik- Nummer ist eine Nummer am Fliegenden Trapez. Vor einigen Jahren erwähnte HF im Interview die Idee einer Trapeznummer auf sich selbst bezogen.

5. Der Ort der Handlung ist Berlin. Schicksal und Status der Stadt sind häufig Thema in HFs Filmprojekten.

and above all:

Wir glauben, Aussagen von Texten aus dem Film sind als eine Art Glaubensbekenntnis zu verstehen, das die Figuren stellvertretend aussprechen.

- – -

Erwähnenswert ist, dass bereits in “Der Unhold” die Hauptfigur Abel (hier verkörpert HF den Gegenspieler von Abel, Raufeisen) der Retter der Kinder war, ein Schutzengel und – weiter überhöht in der Figur des Heiligen Christophorus- der Retter der Welt.

Eine moderne, säkularisierte Variante des Schutzengels zeigt HF in dem Snowboard Actionfilm X-treme Ops (2001-02) in der Rolle des deutschen Stunt- Coordinators Mark.

- – -

Kindsname - die zweite:
Dem Gefühl unserer gefühlvollen Frau Dito nach war man mit unserer Erstinterpretation der Namensbedeutungen nicht ganz d ´accord. Also hier, – nach weiterem Recherchieren -  die Namen nochmal:

Ava als Erinnerung an den Hollywoodstar Ava Gardner ist natürlich eine Erfindung der Tagespresse.

Ava hat noch eine viel viel ältere Bedeutung. Der ursrüngliche Name stammt aus dem jüdisch-christlichen Bereich und heißt dort Chavar . Latinisiert wird aus Chavar  Ava, dann Eva.

Und jetzt kommt´s Ava heißt: Leben.

Vittoria – wir bleiben bei “die Siegreiche” – sagen wir versuchsweise:
sie war siegreich auf ihrem Weg ins Leben.

und Mercedès ist eine Sonderform des Namens Maria oder Marie

spanisch

Nach dem spanischen Kirchen-Fest “Maria de mercede redemptionis captivorum” = Maria von der Gnade der Gefangenenerlösung (24 September).
Mercedes bedeutet frei “die Gnade der Erlösung aus  Gefangenschaft”;
noch freier:  Mari, die die Gnade der Befreiung aus (seelischer) Gefangenschaft geschenkt hat – also: das Kind.

8.12.2008

Drei Namen – eine Geschichte.