Projekt ABC: Ö wie…

…Örtlichkeit

…Örtchen

…Ölbild

Bilder: T.R. aka Wortman

Der Büstenschnitzer begann Anfang 2006 geschnitzte Büsten aus Holz nach Fotovorlage zu vertreiben. Die Firmensitze des Büstenschnitzers lagen in München und Bali. Die Holz-Büsten wurden von Hand aus edlen Plantagenhölzern geschnitzt. Nur die besten Künstler der Sunda-Inseln wurden für die Herstellung der exklusiven Schnitzereien ausgewählt.

Mittlerweile hat sich das Geschäftsmodell des Büstenschnitzers geändert, aber der Firmenname blieb erhalten. Der Büstenschnitzer bietet heute über www.buestenschnitzer.de originelle Kunst-Geschenkideen nach Fotovorlage an.

Mit den Produkten YouCartoon™, YouPortrait™ und YouClassic™ deckt der Büstenschnitzer die komplette Kunstgeschenk-Palette im Bereich Auftragsmalerei nach Fotovorlage ab.

YouPortrait™ und YouClassic™ Ölgemälde sind Teil des exklusiven Büstenschnitzer Angebotes. Der Büstenschnitzer malt Kunden weltweit in Öl auf Leinwand basierend auf den zugesendeten Fotos. Die Kunden können dabei alle erdenklichen Details, Kleidung, weitere Personen und den Hintergrund des Gemäldes bestimmen. Möglich ist dies aufgrund der 100%igen Anfertigung der Portraitgemälde von Hand.

Der Büstenschnitzer druckt die Fotos nicht auf Leinwand, um diese mit Öl zu übermalen, sondern beginnt auf einer weißen Leinwand zu malen. Die Größe der Personen und Konstellation der einzelnen Objekte wird somit individuell nach Kundenvorgaben definiert.

Alle Maler sind Absolventen renommierter Kunstakademien, die über das Kopieren von Meisterwerken ihr Handwerk erlernten.

Der Fantasie sind keinerlei Grenzen gesetzt. Alles was auf einer digitalen Fotografie abgebildet ist, kann vom Büstenschnitzer fotorealistisch oder im Stil alter Meister gemalt werden.

Mit der Produktpalette YouClassic™ nimmt der Büstenschnitzer zusammen mit nur einer handvoll Anbietern weltweit eine Vorreiterstellung ein. Kunden können aus einer Vielzahl von Ölgemälden und Stilrichtungen auswählen, um sich im Malstil eines Rembrandts, Corinths, Van Goghs oder Bouguereau malen zu lassen. Die Möglichkeiten sind beinahe grenzenlos und man muss dabei nicht mal das Haus verlassen, sondern kann bequem und einfach von zu Hause am Computer bestellen.

Der exklusive Bestellservice des Büstenschnitzers lässt keine Wünsche und Fragen offen. Bis ins letzte Detail werden die Gemälde vorab zusammen mit einem kompetenten Serviceteam besprochen, bevor die Informationen an die Künstler gereicht werden.

Zudem bietet der Büstenschnitzer eine 100%ige Kundenzufriedenheit. Die Karikaturen, Ölgemälde und Portraitgemälde werden vor Auslieferung als Fotos an den Kunden per Email gesendet und dienen als Basis für Änderungswünsche. Der Vorgang kann beliebig oft wiederholt werden und es fallen keine zusätzlichen Kosten an.

Detaillierte Informationen zu den Leistungen und Angeboten des Büstenschnitzers sind im Internet unter den Adressen www.buestenschnitzer.de , www.portraetkarikatur.de , www.youcartoon.de und www.bustyourself.com abrufbar.

November in Deutschland? Ein Bild

Ohne Blitzlicht leider etwas unscharf:

Und soviel zur Menschenwürde in und durch unsere Medien.

Chen Yalian malt ein Bild (Quelle: 51tibettour.com)

MOSKAU, 13. Oktober (dpa) – Seit 1996 hat Chen Yalian, eine bekannte junge chinesische Malerin, Tibet 15 mal besucht. Ihre Werke, „Die Dämmerung des Lebens“, „Sauere Birne“ und „Geschenk des Lebens“ spiegeln tibetische Folklore und lokale Bräuche wider. Die Freundlichkeit und Güte der Tibeter haben sie tief beeindruckt.

Im August 1999 wurde das jährliche Pferderennen in dem malerischen Ort Yushu mit satten grünen Weiden abgehalten. Das große Ereignis war jedoch zu Ende, als Chen nach einer langen Reise von Dege in der Provinz Sichuan ankam.

Chen konnte nicht glauben das Rennen verpasst zu haben und brach in Tränen aus. Ein Mönch aus dem nahe gelegenen Kloster kam zu ihr, um sie zu trösten. Die Pferde und Reiter hatten den Veranstaltungsort noch nicht verlassen. Daraufhin meinte der Mönch: „Warum veranstalten wir nicht noch ein Rennen?“

Chen schaute den Mönch staunend an und konnte ihren Ohren nicht glauben. Die Leute von Yushu banden den Pferden noch mal Blumenkränze um und veranstalteten ein Pferderennen nur für sie.

Nicht das Rennen beeindruckte mich seinerzeit am meisten, aber der Mönch, der einen Fremden so gutherzig behandelte, erinnert sich Chen.

Sie erinnert sich auch an einen Tag, an dem Sie fünf bis sechs Stunden über saftiges Weideland mit dem Pferd bei strömenden Regen ritt. Es bildeten sich Furten und den restlichen Weg musste sie zu Fuß gehen.

Chen Yalian vor einem ihrer Gemälde im Fuyou Kloster, Peking, im Juni 2007 (Quelle: chinanews.com.cn)

Auf ihrem Weg traf sie einen Jungen auf einem Pferd, der ihr anbot, sie zu ihrem Ziel zu bringen. Er sagte mit einem herzhaften Lachen: „Du hast uns einmal Kinofilme auf einer Wiese in Yushu gezeigt. Wir alle mögen dich“.

Chen hatte drei schwere Unfälle in Tibet. Bei dem schwersten Unfall brach sie sich ihren rechten Arm. Ihr Arbeitgeber hatte Angst das sie nicht mehr malen konnte und kündigte ihr sofort den Arbeitsvertrag.

Ohne Einkunftsquelle und dem Druck der kürzlich gekauften Eigentumswohnung, konnte sie ihre Operation nicht bezahlen.

Ein junger Mönch stellte sich als Retter in der Not heraus und bezahlte die Operation. Nach der Operation hielt der Mönch ihre Hand und sagte zu ihr: „Du bist wieder aufgewacht und siehst viel besser aus. Es ist Zeit für mich zurückzukehren“. Der Mönch verließ das Krankenhaus ohne jegliche Adresse zu hinterlassen.

“Obwohl der Mönch selber kein Geld hatte, bezahlte er die 10.000 Yuan für mich. Er war noch ein Kind. Jedes mal wenn Chen sich an den Mönch erinnert, trägt sie Tränen in ihren Augen”, sagte Chen.

Wissenschaftler entdeckten einen Fingerabdruck auf einem Gemälde, der dem Fingerabdruck Leonardo da Vincis auf einem Werk im Vatikan sehr ähnlich sieht. Die Fachzeitschrift “Antiques Trade Gazette” berichtete darüber. Das Pariser Labor forschte 18 Monate an dem 33 mal 24 Zentimeter großen Bild, auf dem der Kopf einer unbekannten Schönen zu sehen ist. Die Kleider und die Frisur der Frau sind ähnlich der Mailänder Mode aus dem 15. Jh. Ein Schweizer Institut legte den Entstehungszeitraum des Bildes zwischen 1440 und 1650 fest.

Der kanadische Kunstexperte Peter Paul Biro hat die Multispektral-Bilder des Pariser Labors untersucht. Nach seiner Expertise hat der Abdruck eine hohe Übereinstimmung mit dem Abdruck eines Zeige- oder Mittelfingers auf Leonardos Bild St. Jerome im Vatikan.

Nach Angaben Biros handelt es sich bei St. Jerome um ein frühes Werk Leonardos aus einer Zeit, wo er noch keine Assistenten beschäftigt hatte. Infrarot-Aufnahmen zeigen zudem eine hohe Ähnlichkeit mit einem Frauen-Porträt Da Vincis, das in Schloss Windsor hängt.

Renommierte Da-Vinci Experten glauben, dass es sich bei der porträtierten Frau um Bianca Maria Sforza handelt. Die Tochter eines Mailänder Herzogs.

Kate Ganz steigerte das Gemälde 1998 für 19.000 Dollar, um es 2007 für den nahezu gleichen Betrag an den in Kanada geborenen und in Europa lebenden Kunstliebhaber Peter Silvermann zu verkaufen.  Sollte Leonardo da Vinci tatsächlich dieses Bild gemalt haben, würde der Wert des Bildes die 100 Millionen Euro übersteigen.

Ganz hatte vermutet, dass das Bild von einem deutschen Studenten, der in Italien Kunst studierte, stammt und Leonardo da Vinci als Inspiration und Vorlage benutzte.

2008 traf Silvermann während einer Ausstellung im Louvre auf Dr. Nicholas Turner. Turner vermutete Leonardos Verbindung zu dem Bild, aufgrund der hohen Qualität und der linken Schattengebung – da Vincis Handschrift. Daraufhin brachte Turner den Da Vinci Experten Martin Kemp ins Spiel, der anfangs nicht an die Echtheit des Gemäldes glauben wollte. Während seiner Forschungsarbeit jedoch positiv überrascht wurde.

Carlo Pedretti von der Pedretti Stiftung und der wohl anerkannteste Leonardo Experte sagte: “Dies könnte die wichtigste Entdeckung seit Anfang des 19. Jh.  sein, bei der das „Porträt einer Dame mit Hermelin“ als echter Leonardo anerkannt wurde.”

Das Porträt wird bald in den Eriksberg-Hallen in Göteborg (Schweden) zu sehen sein. Die Ausstellung „Leonardo da Vinci – Erfinder und Wissenschaftler“ präsentiert Leonardo da Vinci als genialen Erfinder, der seiner Zeit weit voraus war.

Jan Vermeer erwähnte bereits vor 500 Jahren: „Solange es Kunstwerke gibt, gibt es auch Fälschungen“. Tatsache ist, dass mit Fälschungen bereits zu Vermeers Zeiten gut gehandelt wurde und dies wird bestimmt auch über unsere Zeit hinaus andauern. Heutzutage sind Kunstfälschungen häufiger zu finden als jemals zuvor. Kunsthändler behaupten, dass 15% aller Kunstwerke, welche auf Auktionen verkauft werden, Fälschungen sind. Thomas Having, ehemals Direktor des Museums of Modern Art in New York erklärte, dass 40% aller Kunstwerke, die ihm für das MOMA vorgeschlagen wurden, Fälschungen waren.

Es gibt Experten die behaupten, dass 60% aller Giacometti Kunstwerke Fälschungen sind. Wie aber erkennt ein Kurator, ob ein Kunstwerk echt oder eine Fälschung ist?

Diese Antwort liegt bei den Detektiven der Kunstwelt; also Konservatoren, Geschichtsforscher oder Wissenschaftler in Laboren.

Aus Laborsicht stehen unterschiedliche Hilfsmittel und Werkzeuge zur Verfügung, wie beispielsweise das Elektronenmikroskop, ultraviolettes Licht, Infrarot und verschiedene Typen von Röntgenstrahlen.

Röntgenstrahlen und Kunst haben eine lange gemeinsame Geschichte. 1896 kamen zum ersten Mal in Frankfurt Röntgenstrahlen im Kunstsektor zum Einsatz. 1925 wurde sie regelmäßig am Fogg Museum an der Harvard Universität angewendet.

Es gibt verschiedene Methoden der Radiografie. Eine davon nennt sich Autoradiografie. Eine andere Methode ist die Verwendung von Neuronendetektoren, welche nicht ganz so häufig zum Einsatz kommt. Neuronendetektoren sind sehr effektiv bei der Untersuchung von Holzplatten. Im folgenden Beispiel betrachten wir die so genannte Stereoradiografie näher. Diese Röntgenstrahlen haben dieselbe Wellenlänge wie die in der Medizin verwendeten. Nämlich 0 5-2-0.

Die Arbeit von Röntgenspezialisten als Kunstdetektive kommt zum Einsatz, wenn es darum geht, Kunstwerke als Echt zu bestätigen. Die National Gallery of Scotland (NGS) eröffnete einmal eine Ausstellung mit dem Namen: Madonna mit der Spindel. In der Ausstellung wurden nur fünf Gemälde, welche alle Leonardo Da Vinci zugeschrieben waren, gezeigt.

Eines der fünf Gemälde gehörte der NGS, ein anderes dem Duke von Buccleuch und die drei anderen waren in Privatbesitz. Drei von ihnen waren offensichtlich Kopien aus der Zeit nach Leonardo. Unglücklicherweise war eines der drei im Besitz des Museums. Die beiden verbleibenden, welche möglicherweise Originale sein konnten, gehörten dem Duke und einem privaten Sammler.

Da Vinci war ein vielbeschäftigter Mann. Sein Leben ging über dem eines Künstlers hinaus. Er war auch noch Erfinder und Wissenschaftler. Während seiner Schaffenszeit schrieb er auf über 10.000 Seiten seine Erfindungen, Ideen und Forschungsergebnisse nieder. Es wird angenommen, dass er nur 13 bis 19 Kunstwerke persönlich beendete.

Die beiden Gemälde trafen definitiv den Stil der Da Vinci Schule. Wie konnte der Kurator (Martin Kemp) nun herausfinden, ob die Gemälde echt oder eine Fälschung sind?

Er hatte Wissenschaftler an seiner Seite, welche mehrere Tests durchführten. Die ersten Röntgenaufnahmen brachten bereits Hinweise, denn das Gemälde des Dukes zeigte, dass die erste Schicht unter dem Fuß der Jungfrau übermalt wurde. Solche Methoden waren typisch für Leonardos Stil. Doch die weiteren Röntgenuntersuchungen zeigten, dass das Gemälde von New York auch Übermalungen an verschiedenen Stellen aufwies. Welches Gemälde also wurde wirklich von Leonardo gemalt?

Die Experten tendierten dazu, beide Gemälde als echt einzustufen. Eines war den frühen Ateliers Leonardos zugeordnet und das zweite einer späteren Schaffenszeit Leonardos. Aber dies war nur eine Hypothese.

Durch Jahrhunderte hindurch waren Leinwände und Holzplatten sehr teuer und wertvoll. Weder Fälscher noch Meister konnten sich leisten Leinwände und Holzplatten verschwenderisch zu nutzen. Deshalb benutzten verschiedene Künstler in unterschiedlichen Epochen die gleichen Leinwände und Holzplatten immer wieder. Manchmal liegen drei bis vier Malereien übereinander.

Diese Untermalereien, wie sie genannt werden, existieren bei Originalen als auch bei Fälschungen. Es gab ein Kunstwerk von Picasso namens „Absinthtrinker“, dass angeblich aus Picassos Blauer Periode stammte. Die Röntgenstrahlen zeigten eine abstrakte Malerei darunter. Geschichtlich nicht möglich.

Es gab auch ein Gemälde namens „Der heilige Antonius Eremita“, von dem behauptet wurde aus der Hand von Bernhard Strigel aus dem Jahr 1460 zu stammen. Röntgenaufnahmen enthüllten, dass ein Bild darunter von einem Künstler stammt, der 250 Jahre nach Strigel lebte.

Der vielleicht beste Fälscher aller Zeiten, ein Holländer namens Han van Meegeren, war sich der Wirkung von Untermalereien sehr bewusst. Van Meegeren wurde berühmt für seine Vermeer Fälschungen. Van Meegeren kopierte nicht bekannte und existente Gemälde, sondern Vermeers Stil und verkaufte diese als Neuentdeckungen. Er fälschte insgesamt sechs Gemälde. Seine Arbeit war so makellos, dass die Entdeckung der Fälschungen ein bedeutungsvolles Beispiel dafür war, wie die Wissenschaft dem Kunsthandel dient. Alle Gemälde von Van Meegeren waren technische Meisterleistungen. Die verwendeten Farben waren gleich der des 17. Jahrhunderts. Die Leinwände kamen aus dem 17. Jahrhundert.

Zwei der sechs Gemälde waren wohl die berühmtesten Fälschungen aller Zeiten. Van Meegeren kaufte Arbeiten aus dem 17. Jahrhundert und reinigte diese vorsichtig mit Wasser und Bims. Sehr wichtig dabei war das Netz an Rissen nicht zu beschädigen, um das Alter der Gemälde nachweisen zu können.

Einige Experten vermuteten, dass Vermeer eine Vorliebe für italienische Gemälde hatte. Deshalb malte Meegeren „Christus und seine Jünger in Emmaus“. Als Vorlage diente dafür das “Abendmahl in Emmaus” von Michelangelo Caravaggio. Nun glaubten alle Fachleute, Vermeer folgte seiner Vorliebe für italienische Kunst.

Für einige Experten war es jedoch unverständlich das sechs unbekannte Vermeers während des Zweiten Weltkrieges auftauchten. Röntgenaufnahmen enthüllten bei einem Gemälde das Gesicht einer Untermalerei, das Meegeren nicht entfernen konnte. In seiner Vermeer Version des letzten Abendmahls wurde er nachlässig oder zu selbstsicher. Röntgenaufnahmen enthüllten eine Jagdszene als Untermalerei. Malereien wurden typischerweise mit drei Schichten erstellt. Der Untergrund, das Bild und der Lack. Bei der Verwendung von Röntgenaufnahmen wurde festgestellt, dass Meegerens Arbeiten aus fünf Schichten bestanden. Eine zweijährige Untersuchung, geleitet von Dr. Coreman, erbrachte die notwendigen Nachweise. Van Meegeren wurde zu einem Jahr Gefängnis verurteilt. Er verstarb jedoch bevor er die Strafe absitzen konnte.

Fälschungen sind so alt wie die Künstler, die die Kunstwerke über die Jahrhunderte anfertigten. Im Laufe der Zeit haben sich die Techniken der Fälscher und der Kunstdetektive verbessert. Die Fälscher benutzen immer intelligentere Techniken. Gleichzeitig steigen die technischen Hilfsmittel der Wissenschaftler, um Fälschungen nachzuweisen. Diese Wissenschaft wird als Archäometrie bezeichnet. Nachdem die Techniken, um Fälschungen nachzuweisen, immer fortschrittlicher werden, sind die Fälscher gezwungen, nicht nur Käufer und Händler aber auch wissenschaftliche Tests zu täuschen. Eine sehr kostspielige Angelegenheit, was das Fälschen mittlerweile sehr kostspielig macht.

Das Gemälde kam 1939 während einer Wanderausstellung nach Australien

Das Gemälde „HEAD OF A MAN“ war im Besitz der National Gallery of Victoria in Melbourne, Australien seit 1940 und wurde auf rund £10.5 Millionen geschätzt. Nach einer Serie von Tests stellten Experten in Amsterdam fest, dass das Gemälde von einem anderen Maler als Van Gogh aber nur aus derselben Epoche stammt.

Das Kunstwerk stellt einen lockigen, bärtigen Mann vor einem braunen Hintergrund dar. In einer Pressemitteilung erklärte Museumsdirektor Gerard Vaughan, dass das Gemälde für mehr als 10 Jahre als ‚echter Van Gogh’ akzeptiert war, bevor das Museum sich entschloss es zu kaufen. Die Neubewertung von Gemälden sei Teil des täglichen Lebens für jede Galerie, sagte er.

Das Gemälde wurde im Jahr 1939 von dem Zeitungsverleger Sir Keith Murdoch im Zuge einer Wanderausstellung nach Australien geholt. Es verblieb dort nach Ausbruch des Zweiten Weltkrieges und wurde von der National Gallery of Victoria (Melbourne) für £1.680 gekauft.

Erste Zweifel kamen im August 2007 auf, als das Gemälde in der Dean Gallery in Edinburgh, Schottland ausgestellt wurde. Kritiker behaupteten, dass das Kunstwerk sich von anderen Van Gogh Werken aus demselben Zeitraum unterscheidet. Außerdem wurde es nie von van Gogh in seinen Aufzeichnungen und Briefwechseln erwähnt. Nach der Ausstellung wurde das Bild nach Amsterdam geschickt, um es von Experten des Van Gogh Museums auf Echtheit zu überprüfen.

Mr. Vaughan sagte, er möchte ausdrücklich darauf hinweisen, dass das Gemälde keine gezielte Fälschung war, sondern nur falsch bewertet wurde. Es gibt keine Beweise dafür, dass jemand das Bild bewusst malte, um es als Van Gogh auszugeben, sagte er.

Der Bundestrojaner geistert ab dem 26. September 2009 durch den historischen Berliner Prenzlauer Berg. Von der Immanuelkirche bis zum Wasserturm vorbei zur Kunstmeile der Naugarder Strasse 5 in das Atelier der Firma  A R T – F A S H I O N – B E R L I N. Für einen Tag ist der Trojaner live von 10 bis 17 Uhr zu besichtigen.

Die Künstlerin Diana Achtzig aus Berlin schildert auf ihrem Bild »Der Bundestrojaner« (2006/07. Öl auf Leinwand. 120 × 100 cm) in dem für sie charakteristischen, veristisch surrealen Stil das Schreckensszenario eines Angriffs der gleichnamigen brisanten Spionagesoftware, deren Nutzen und Rechtmäßigkeit nach wie vor äußerst umstritten ist. Vor dem Hintergrund der vom stellvertretenden Bundesvorsitzenden der Humanistischen Union, Prof. Dr. Fredrik Roggan, am 27. Januar 2009 eingereichten Verfassungsbeschwerde gegen das BKA-Gesetz ist dieses Thema weiterhin sehr aktuell.

Achtzigs surreal aktiver Bundestrojaner ist eindrucksvoll symbolisiert durch eine äußerst ambivalente Frauenfigur, die auf schockierende Weise kaltblütig und raffiniert zwei Männer einfängt. Beide stehen stellvertretend für das kollektive Leiden der postmodernen Gesellschaft an ihren selbst erschaffenen Strukturen. Über dem apokalyptisch anmutenden, in gedeckten und kühlen Farbtönen gemalten Szenario schwebt ein Trojanisches Pferd als konkreter Anzeiger für diese gefährliche Situation und Täuschung. „Der Bundestrojaner“ weist die für Achtzigs Bildwelt typische und nachhaltig wirkende, dramaturgische Inszenierung von Macht und Ohnmacht sowie zeitaktuellen Schaudermomenten auf.

Einladung zur Vernissage Diana Achtzig auf der Kunstmeile der Naugarder Strasse in Berlin am 26. September 2009 von 10 bis 17 Uhr im Atelier der Firma A R T – F A S H I O N – B E R L I N, Inhaberin: Undine Tornev, Naugarder Strasse 5, 10409 Berlin.

Bitte zur Vernissage anmelden unter: diana@dianaachtzig.de

www.dianaachtzig.de

Fortsetzung Ölbild, nein, fertig ist es noch nicht.

Hitlers Erben maschieren gegen den Islam

" Hirnlose Idioten"

Nie wieder Krieg

Puppenspieler und Strippenzieher

Weitere 9 Stunden mit Kleinigkeiten verbracht. Den Puppenspieler muß ich erst antrocken lassen, vielleicht klappt es dann mit dem Gesicht. Ölfarbe nass in nass ist ein ziemliches Geschmiere und vom Farbgeruch wird mir schlecht. Und jetzt habe ich das Bedürfnis nach etwas Schönem.

Besuch auf dem Balkon

Hier etwas von Hartmut, ihm graut es wohl auch:

HARTZ4er dürfen virtuell
und mit fast leerem Magen
Fischstäbchen vor Somalia schnell
mit Käptain Iglu jagen

Der Admiral ist ziemlich Jung
der weiß es nicht, wir hatten
damit auch keiner hungernd friert
schon Mal ganz viel Fregatten

wir durften schon mal auf Kaperfahrt gehn
so droht der Pirat den Piraten
Ihr jagt sie bis ihre Boote abdrehn
befielt der Jung den Soldaten

und die Matrosen setzen an Land
und jagen auch dort die Piraten
und spüren sie auf in ihrem Versteck
zwischen den schwarzen Landratten

Hartz 4er sollen auf Kaperfahrt gehn
raten die Frei-Demokraten
die mit leerem Teller am Weihnachtsbaum stehn
die schießen auf schwarze Ratten

So hättens die Herrn
besonders gern
das fordern sie von uns allen
Doch werden wir nicht ein zweites Mal
auf Rattenfänger reinfallen

OPFER

Opa
seufzt’ nen tiefen Seufzer
Gold gab er für Eisen
und für einen Panzerkreuzer
die Enkel wurden Waisen

Oma
trug das Mutterkreuz
das hatte eine Haken
was hinten schon gebrochen war
musst sie jetzt vorne tragen

Die Enkel fechtens besser aus
so hatten wirs gesungen
im einst besetzten Westendhaus
es ist nur halb gelungen

die Krise tobt
der Unterschied
ist kaum noch zu erkennen
ob life ob Film die Truppen stehn
schon weiter als auf Kreta
El Alamein im Kino sehn
wir Nina Hoss erst später

Millionen können nicht Mal Gold
als Morgenstunde spenden
das hat die Ulla Schmidt gewollt
sie wußt wo wird das enden.

Statt Gold für Eisen gibt es jetzt
zum Mittagessen Ratten
und das Ersparte spenden wir
für unsere Fregatten

HARTZ4er dürfen virtuell
und mit fast leerem Magen
Fischstäbchen vor Somalia schnell
mit Käptain Iglu jagen

Weiterführende Links
Vom Himmel hoch Bomben für Gaza, Böller für den Frieden, Fregatten für die
Welt!
http://www.barth-engelbart.de/?p=225

LINKE Polizisten schützen unsre Küsten in Somalia ! Halleluhja !
http://www.barth-engelbart.de/?p=220

Wer Will Unter Die Piraten Auf Deutschen Fregatten?
http://www.barth-engelbart.de/?p=216

Ein Ölbild

Mir kommt das kalte Grauen hoch

Des Führers Erben maschieren wieder

Nein, das Bild wird heute nicht fertig. Ich habe die letzten zwei Tage fast 30 Stunden daran gemalt. Ich brauche eine Pause…

Und für dies hier sind sie verantwortlich, die Herren und Frauen von den Kriegsparteien! Wählt sie ab!

Nachtrag: Was mir auch wichtig erscheint, ist die Antwort auf einen Beitrag von Uri Avnery, ich schätze ihn sehr, denke aber, er hat seine eigene Mauer noch nicht überwunden und ist auch schon sehr betagt. Ich glaube, es würde eine Welt für ihn einbrechen, wenn er letztendlich eingestehen müsste, wofür er gekämpft hat, für einen “reinen jüdischen Staat”. Nein, ich nenne es jetzt nicht Faschismus, aber einen Apartheidsstaat. Trotz unterschiedlicher Meldung, es geht wahrscheinlich um dasselbe Kind, ein neues Opfer.

Link 1

“,Gaza Digest 127, 9/1/09

News Clips: A 15-year-old boy died early Tuesday morning from wounds sustained after he was shot by Israeli soldiers overnight, Palestinian and Israeli officials confirmed; Israeli warships bombarded Palestinian boats off the Sudaniyya shore north of Gaza City on Monday morning, according to Nizar Ayyash, head of the Fishermen’s Union; Israel’s State Prosecutor’s Office filed charges on Sunday in three cases alleging that Former Israeli Prime Minister Olmert double-billed for overseas trips, made improper appointments when he was minister of trade and labor and accepted cash from American Jewish businessman Morris Talansky; Hamas condemned the United Nations on Sunday over the international body’s apparent plan to teach Palestinian children in the Gaza Strip about the Holocaust….” Quelle

Nun ist das schlechte Ansehen des israelischen Apartheidsstaat auch im Tagesspiegel angekommen. ” Stadt der Zumutungen”

Auf  Gegenmeinung möchte ich auch verweisen, ein Stückchen mehr Erklärung für mein Bild?.

Differenzen über den EU-Vertrag in der Tschechei, eine Verfassungsklage welche Monate dauern könnte? Anarchistische Verhältnisse? Ich finde das gut, ein Aufschub? Ich hoffe, das Ding wird gekippt, und das auch die Iren durchhalten, bei ihrer zweiten Abstimmung,.Wir dürfen ja nicht entscheiden, denn deutsche Bürger sind ja dumm.( Und da ist leider was wahres dran)

Und zum Sclhuss noch Kriegspostille über das staatliche Versagen bei “Kinderpornographie”. Mir gefällt auch der Ausdruck “Kinderpornographie” nicht, es ist doch Erwachsenenpornographie., von (Un-)Menschen, die auf Kindern stehen. Kann man diesen Ausdruck nicht endlich ändern? Er tut mir weh.

Frauen und Schuhe ….. war immer schon ein Thema, besonders für Männer, wenn *sie* ein neues Paar benötigte. Erinnerung an “alte Zeiten” …. High Heels und Nahtstrümpfe. Ölbild auf Leinwand in der Größe 70 x 60 cm.

the oil painting, according to my old sketch. Summer moved on and the way it goes you can’t tag along …

- Der Shootingstar der amerikanischen Kunstszene Donald McWilliam präsentiert seine Werke in der Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst

Im September wird Berlin einmal mehr seinen Ruf als Hochburg der nationalen und internationalen zeitgenössischen Kunst verteidigen. Vom 24. bis 27. September 2009 findet auf dem Berliner Messegelände (Hallen 18-20, Halle 11.2, im Palais am Funkturm; Eingang: Halle 19, Hammarskjöldplatz, Berlin-Charlottenburg) die 14. Internationale Kunstmesse des art forum berlin statt.

Mehr als 130 Galerien aus aller Welt werden auf dieser Messe die Werke ihrer Künstler/Innen ausstellen. Im Zentrum steht auch dieses Jahr wieder die inner- und außereuropäische Gegenwartskunst und es präsentieren sich die jungen Shooting Stars der internationalen zeitgenössischen Kunstszene. Ganz in diesem Zeichen steht auch eine der Neuerungen, mit denen die Messe, die nicht nur als eine der bedeutendsten weltweit, sondern auch als eine der innovativsten gilt, ihre Besucher in diesem Jahr begeistern will: Der neueingerichtete Sektor focus soll jungen Galerien, die in den letzten fünf Jahren gegründet worden sind, eine einzigartige Plattform für die Präsentation der von ihnen betreuten Künstler/Innen bieten und damit die Chance, ihr spezifisches künstlerisches Profil vorzustellen.

Sonderausstellung zur art forum berlin in der Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst am 26.09.09 – 27.09.09.

Das ist Grund genug, kunstinteressierte Leser/Innen auf eine ganz besondere Ausstellung hinzuweisen, die anlässlich der Internationalen Kunstmesse in den Räumlichkeiten der noch ganz jungen Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst in der Brunnenstraße 150 (10115 Berlin) statt finden wird. Kuratiert wird die Ausstellung „TITEL“ von der Berliner Galeristin Diana Achtzig und ist hochkarätig besetzt: Der New Yorker Künstler Donald McWilliam (New York), einer der Shooting Stars der amerikanischen Kunstszene, wird hier seine kontroversen, ständig zwischen dem Schönen und Schaurigen oszillierenden, Werke präsentieren.

Seine raumgreifenden Ölbilder (vom 05.09. 09 – 01.10.09), Installationen und Skulpturen (am 26.09.09 – 27.09.09) zeigen Visionen unserer gesellschaftlichen Gefüge und führen den Betrachter oftmals an einen apokalyptischen Abgrund, der  immer geschichtlich verwurzelt ist und so trotz seiner unfassbaren Abgründigkeit für das Publikum immer herleitbar bleibt. Beispielsweise begegnet der Betrachter in den Werken McWilliams zahlreichen Anspielungen auf das Römische Imperium: Wenn die Schere zwischen arm und reich immer größer wird, sitzt der „moderne“ Römer des 21. Jahrhunderts nicht mehr im Kolosseum und schaut dem Überlebenskampf der Gladiatoren zu, um sich aus seinem Elend zu flüchten – nein, er lehnt sich heute in den Kinosessel zurück und gibt sich hemmungslos den blutigen Gewaltspektakeln hin, die das zeitgenössische Kino seinen Fans bietet. Auch viele der in Goldtönen gehaltenen Skulpturen und Objekte McWilliams rufen Assoziationen an die Kunst der Römerzeit hervor. Doch in der Zeit einer Weltwirtschaftskrise, die die ganze Welt in ihrem Würgegriff hält, umhüllt das Gold nur kartonähnliche Gebilde: So wird auch hier das Werk McWilliams zum Gesellschaftskommentar: Gerade in den USA ist, wer vormals im (relativen) Luxus schwebte, heute gezwungen unter freiem Himmel zu leben und die kläglichen Überreste seiner Besitztümer nun in Kartons durch die neu entstandenen Elendsviertel Amerikas zu tragen.

Nicht versäumen sollten Kunstinteressierte auch die mit großer Spannung erwartete Eröffnungsausstellung der Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst mit dem Titel Quentin Tarantino – Ästhetik der Gewalt (Vernissage am 04.09.09). In dieser Ausstellung (vom 05.09. 09 – 01.10.09) präsentieren neben Donald McWilliam andere hochkarätige junge Künstler/Innen aus aller Welt ihre Perspektiven auf das Werk des infant terrible der internationalen Filmszene Quentin Tarantino, dessen neuer Film über den II. Weltkrieg „Inglourious Bastards“ am 28. Juli in Berlin Deutschland-Premiere feierte und schon im Vorhinein für heiße Kontroversen sorgte. Neben den Werken Donald McWilliams werden die Bilder, Installationen und Skulpturen Alexandra Badt (Den Haag), Donald McWilliam (New York), Maxim Karikh (Mannheim), Nils Franke (Leipziger Schule), Sonja Tines (München), Monique Schramm, Petra Schramm (Berlin) zu sehen sein. Als Kuratorin tritt auch hier Diana Achtzig auf, die durch die Aktualität und das Streit-Potenzial ihrer Ausstellungen ebenso wie durch die Wahl der hochkarätigen jungen Künstler/Innen, die ihre Galerie vertritt, schon jetzt beweist, dass von dieser Galerie, die den Anspruch hat, ebenso modern, innovativ und kontrovers sein zu wollen, wie die Stadt, in der sie beheimatet ist, viel zu erwarten ist: Der Kunstherbst wird heiß!

Auflösung

Luftaufnahme

Der gelbe Raum

kopflos

Der rote Grund

Wolfgang J. Dokulil, Ölmalerei, 100 x 150

Nun habe ich die analoge Version des digitalen Bildes endlich fertig gemacht. Abmessungen ca. 60 x 80 cm. Vorbereitung, Grundierung, verschiedene Ölfarbenschichten, die in großen Zeitabständen nacheinander aufgetragen wurden: das alles und vielleicht noch mehr hat viel Zeit genommen und dauerte vier stolzen Monate … Doch wie man so schön sagt: Ende gut, alles gut! Letztlich entscheiden ja die Zuschauer, ob das Bild gut oder schlecht ist …

Alexandra Badt: »Cosmic Tree«. 150×200 cm. Ölfarbe auf Leinwand.

Quentin Tarantino – Ästhetik der Gewalt

Die Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst in Berlin (Brunnenstrasse 150, 10115 Berlin) wird ihre Pforten am 04.09.09 um 19:00 Uhr zu einer ersten Vernissage mit dem Titel Quentin Tarantino – Ästhetik der Gewalt für alle Kunstinteressierten öffnen. Im Rahmen dieser Gruppenausstellung werden die Werke junger hochkarätiger internationaler Künstler/Innen aus dem Bereich Videokunst, Malerei sowie Installationskunst präsentiert.

Quentin Tarantino (*1963) gilt unbestritten als einer der berühmtesten, aber auch umstrittensten Regisseure des zeitgenössischen amerikanischen Kinos. Mit Filmen wie „Pulp Fiction“ (1994), „Kill Bill Volume 1&2“ (2003/04) oder „Death Proof“ (2007) feierte er weltweite Erfolge. Der Wirkungsbereich  Tarantinos beschränkt sich aber schon längst nicht mehr auf die Welt der bewegten Bilder. Bestimmte, immer wiederkehrende Elemente der Bildersprache Tarantinos haben bereits weite Teile der zeitgenössischen Malerei und Installationskunst infiziert. Es sind diese mal offen spürbaren, mal nur zu erahnenden Einflüsse auf die zeitgenössische Kunstszene, die diese erste vielversprechende Ausstellung anhand der innovativen Werke junger hochkarätiger Künstler/Innen nachzeichnen will.

Es ist besonders die Idee einer alles umfassenden Gewalt, die die Grundkonstante der Tarantino-Filmwelten bildet und junge zeitgenössische Künstler aus allen Bereichen fasziniert und inspiriert. Seine Charaktere sind brutal, sexuell pervers und sadistisch; nicht zuletzt, weil ihre Welt nur nach diesen Prinzipien zu funktionieren scheint und ihren Charakteren einen beständigen Kampf ums nackte Überleben abfordert. Diesem Kampf fallen die Nebenfiguren nahezu minütlich zum Opfer.

Es ist eine Welt des Zorns, der unmotivierten Gewalt und des erbarmungslosen, höhnischen Gelächters, die dem Betrachter hier entgegensteht. Doch zeigt der Erfolg der Werke Tarantinos deutlich, dass die zeitgenössische Gesellschaft einen Dialog mit dieser Welt sucht, in der sie vielfach die eigenen unterdrückten Gewaltfantasien, sexuellen Perversionen und seelisch-psychischen Abgründe wiedererkennt. Dies ist möglich, da die Ausgangslagen für Tarantinos abgründige Bilderorgien immer in der banalen Alltagswelt verwurzelt sind: In „Death Proof“ unternimmt eine Gruppe junger Mädchen im Cannabis-Rausch einen Ausflug zu einer Ferienhütte, als die Gewalt in der Person des Stuntman Mikes zuschlägt. Der sexuell schwer gestörte Psychopath eröffnet eine gnadenlose Jagd auf die Mädchen, die neben der Lust an hemmungsloser Gewalt keinen Motor zu kennen scheint. Doch auch die „heile Welt der Gewalt“ von Mike ist vor Tarantinos alles zersetzender Erzählweise nicht sicher: Im zweiten Teil des Films kehrt sich die Geschichte um, auch wenn sie sich nicht wesentlich verändert: Der Gejagte wird nun zum Gejagten und es sind starke Frauen, die ihn auf eine brutal-skurrile Art und Weise hemmungslos zur Strecke bringen.

Die Ästhetik einer reinen Gewalt als künstlerischem Prinzip ist ein Phänomen unserer Zeit. Daraus erklärt sich auch die Tatsache, dass die gewalttätigen Bildwelten Tarantinos in alle anderen Kunstbereiche Eingang gefunden haben. Die von Diana Achtzig kuratierte Ausstellung belegt dies auf eindrucksvolle Weise: So finden sich zum Beispiel in den Gemälden Petra Schramms (Berlin) und Donald McWilliams (New York) typische Tarntino-Figuren, die sich furios und bildgewaltig durch eine von schwerer Perversion und Verstörung, Sadismus und hemmungsloser Gewalt geprägten Welt kämpfen müssen. Eine Welt, die den Rezipienten verunsichert und abstößt, aber zugleich auch fasziniert: Er erschauert.

Tarantino selbst ist ein bekennender Fan von Kampfkunstfilmen und Italo-Western, die er häufig in seinen eigenen Filmen zitiert. Ebenso häufig zitiert er auch seine eigenen Filme und schafft so den Eindruck eines geschlossenen zeitgenössischen Universums der Gewalt, innerhalb dessen verschiedene Geschichten zu erzählen sind. Dies stellt eine weitere Gemeinsamkeit zu den innerhalb dieser Vernissage ausgestellten Künstler/Innen dar. Besonders in den Bildwelten Petra Schramms (Berlin) und Donald McWilliams (New York) findet sich eine solche Zitierweise der (eigenen) Kunstgeschichte als durchgängiges Stilelement.

Auf eine ähnliche Art und Weise rekurrieren auch die Bildwelten der anderen Künstler Alexandra Badt (Den Haag), Donald McWilliam (New York), Maxim Karikh (Mannheim), Nils Franke (Leipziger Schule), Sonja Tines (München), Monique Schramm, Petra Schramm (Berlin) auf das Werk Tarantinos. Kuratiert wird die Ausstellung von der Galeristin Diana Achtzig.

Bitte zur Vernissage anmelden unter: diana@dianaachtzig.de

Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst

„Die Förderung junger hiesiger und internationaler Talente hat für mich als Galeristin oberste, Priorität!“ Dieses Versprechen, das die Geschäftsführerin der Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst, Diana Achtzig, bereits bei der Planung Ihrer Galerie im Mai 2003 in Berlin der jungen Kunstszene gab, will sie nun einlösen.

Gesucht werden junge nationale oder internationale Künstler, deren Werke einen hohen Wiedererkennungswert besitzen. Erfahrung, Qualifikation und Können seien das eine, so die Galeristin, der Wille zur individuellen Gestaltung, zum ganz eigenen außergewöhnlichen Ausdruck aber das Entscheidende.

Wer sich hier angesprochen fühlt, hat in der Achtzig-Galerie für Zeitgenössische Kunst eine neue Anlaufstelle gefunden. Das Betreuungsangebot und die Nachwuchsförderung der Galerie reicht von der Publikation der Werke in Katalogen oder Prospekten, über die Einbindung in Gruppen- oder auch Einzelausstellungen bis hin zur nationalen oder internationalen Präsentation der Werke auf kunstorientierten Messen oder im Rahmen aufwändiger, individuell auf den Künstler abgestimmter, Sonderaktionen.

Eine Bewerbung bei der Achtzig-Galerie für zeitgenössische Kunst ist sowohl auf dem Postweg als auch online möglich (unter info@dianaachtzig.de): Benötigt wird hierzu ein aussagekräftiges Portfolio (Vita, Interpretationsansatz zu den vorgestellten Werken, Bildbeispiele, kurzes Werkverzeichnis mit Angaben zu Titeln und Größen der Werke).

Maler unbekannt. Bild beschädigt.

€ 100,- (inkl. Gratisversand)

Also, Familie, ich bin dran an brombeer, grau und weiß. Vielleicht schaff ich es ja zu Weihnachten, so wie beim letzten mal. Ich geh allerdings nicht davon aus, dass Familie das nicht liest, sie werden überrascht sein und von nichts wissen, wenn sie die Bilder dann sehen.

Aber, macht ja nichts. Manchmal fehlt die Aufmerksamkeit gerade von Seiten, von denen man sie ganz besonders erhofft.

“Hey, die Bilder sind gut geworden. “

“Danke”

“Mach doch gleich noch welche für den Gang”

“?”

“Na wenn das so lange dauert geb ich sie besser gleich in Auftrag”

“???”

“Sie sollten so lila sein, oder brombeer und am besten mit grau und weiß für den Gang. Ach ich geb Dir einfach ein Blatt mit!”

“Danke”

Als ob ich nichts anderes zu tun hätte als Bilder für lau zu machen und zu verschenken??? Was tut man nicht alles für die Familie.

Wer hatte eigentlich die blöde Idee, dass ich ein Thema weiter verfolge, variiere bis zum Abkotzen?

Ich war’s zugegeben. Der Gedanke war einfach zu verlockend. Nimm 3 x 3D und mach daraus 9 x 3D. Ich bin sicher wenn es fertig ist haut es richtig rein. Aber die Arbeit am Motiv langweilt. Hier noch mal zu gucken.

Das reizvolle war damals schon der Durcheinander, den Farbe und Bilddrehung bringen. Bei den drei fertigen Gemälden hat der 3D Würfel ein gelbes Dach. Die Kommenden werden 3 x ein grünes Dach und 3 x ein oranges Dach haben.

Zwei Schichten Aquarell sind drauf und eine Schicht Balsamterpentin. Man kann erkennen wo’s lang geht. Und ich muss mich sehr bemühen ständig das gleiche zu machen.

Da fehlt nicht mehr viel. Vielleicht ein paar Lichter, ein paar Schatten? Na viel jedenfalls nicht mehr.

System 09_4

Mit den folgenden Fotos wird ein Rätsel aufgelöst, nämlich: was bedeutet das Bild “System 09_4″ ? Die fotografische Dokumentation der Abfolge der Arbeitsschritte macht den Prozess nachvollziehbar, dessen Ergebnis dieses Bild ist. Das System der Vorgangsweise war zwar geplant. Mit irgendwas muss ich ja anfangen. Die einzelnen Arbeitsschritte standen anfänglich aber nicht fest. Diese Art der Bildfindung entspringt meinem Wunsch alle Konstruktionen, jedes System im Bild aufzulösen.

Im Format 1 x 1 m bin ich hoch organisiert, die Vorgangsweise entspricht einer genauer Choreographie. Die Auswahl der Pigmente, das Mischen mit Öl direkt auf der Leinwand  und das Vermalen mit Malmittel ist systematisch. Die Anordnung der Farben im Bildraum ist intuitiv und wird dann in einen ruhigen Farbraum überführt, der den Prozess nicht mehr erkennen lässt. Im kleineren Format 1 x 0,44 m streiche ich die Farbmassen ab, die ich gerade nicht brauche, streife ich die Spachteln und Pinseln ab – am Schluß wird der Farbüberschuß abgenommen, fertig. Ich achte im kleinen Format möglichst nicht auf die entstehenden Muster, meine Achtsamkeit ist auf das große Format konzentriert. So soll im kleinen Format ein Bild entstehen, das keine gedankliche Konstruktion wiedergibt. Aber letzlich spiegelt das gesamte zweiteilige Bild den Prozess, die konstruierte Vorgangsweise wieder. Es ist mir also – naturgemäß – nicht gelungen die Konstruktionen aufzulösen, denn: ohne Konstruktion keine Wirklichkeit. Wozu dann das Ganze? Eine Lockerungsübung gegen die Erklärungswut, eine Meditation zur Auflösung der Hirnwütigkeit.

Eigentlich ist das mein Wohnzimmer. MEINS. Nicht das von der malermanufaktur.

Eigentlich kann ich mich in meinem Wohnzimmer völlig frei bewegen. VÖLLIG FREI. Kein präzises Hinzirkeln von einzelnen Schritten.

Eigentlich gefällt mir mein Fußboden, Laminat, leicht zu pflegen, unempfindlich. EASY. Keine Belagerung von Malgründen schränkt die Trittfläche ein, kein Kreidegrund breitet sich aus, keine Vorsicht – also eher wie eine Wohnung und nicht wie ein Atelier.

Bin froh, wenn die Gründe fertig sind.