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موالى كل الجديد فى عالم النت

La chèvre de Monsieur Seguin, conte d’Alphonse Daudet
mis en musique par Olivier Penard

Je ne vous apprends rien si je vous dis que j’ai des enfants. Comme tous les enfants, ils vont à l’école (oui oui, même les miens). Et comme tous les enfants qui vont à l’école, ils ont des sorties culturelles. Et comme je suis une gentille maman, j’accompagne souvent les enfants (en fait, c’est pour assouvir mes besoins d’autoritarisme et de tyrannie en me servant des mioches pour me soulager mais chut, faut pas le dire). La semaine dernière, c’était vers une salle polyvalente de la banlieue d’Avignon que la sortie culturelle nous a emmenés. Super top glamour. Et pour aller voir la Chèvre de Monsieur Seguin… top glam too.

En bref : Tout le monde connait la chèvre de Monsieur Seguin… non ? Mais si ! Vous savez, cette andouille qui croit que la liberté n’a pas de prix, pas même celui de sa vie. Qui va quémander puis obtenir une sortie dans les alpages sous réserve de rentrer au son de la trompe, qu’elle n’entendra bientôt plus grisée qu’elle est par l’herbe douce et la brise fraiche… L’histoire de cette abrutie qui va de ce fait rencontrer le loup à la tombée de la nuit, puis perdre poils et suée dans une lutte acharnée qui la verra mourir au petit matin, avec pour seul contentement celui d’avoir tenu peut être aussi longtemps que la chèvre écervelée qui l’avait précédée. Ayé ? remis ? Ben voilà, ce conte a été adapté en musique, il y a une dizaine d’années.

Le plus : C’est beau. Vibrant, vivant, poétique et dramatique. J’ai beaucoup aimé, et tout particulièrement cette envolée lorsque la chèvre découvre la prairie, c’était magique. L’orchestre était de toute beauté, la musique vraiment bien écrite, et les explications de l’utilisation des instruments pour tel ou tel protagoniste ou émotion à faire passer, au début de la pièce, bien trouvée : le chef d’orchestre a su faire passer les informations avec humour et patience. Un bon moment. Et pis le compositeur est pas mal du tout, en plus d’être ouvert et sympa…

Le moins : Faut pas aller écouter un conte qui parle d’une mise à mort sur fond de musique classique avec des enfants. Je ne sais combien de classes de je ne sais combien d’écoles, forcément, ça en fait des “chuuuut”, “rassieds-toi”, arrête de bouger”, “tais-toi”, “tu te retiens c’est bientôt fini”, “mais tu vas la fermer ta grande gueule oui !”, bref… sans les mômes, lesquels pour la plupart, à la fin de la représentation, nous ont informées (nous les instits et mamans) qu’ils s’étaient royalement ennuyés… ça aurait été plus sympa ! Oui, SMIP un jour, SMIP toujours !

Mais comme je suis aussi maman sous mon costume de SMIP, je profite du billet pour souhaiter un superbe anniversaire à mon grand qui a neuf ans aujourd’hui, qui faisait partie de la charrette de la sortie, et qui a apprécié ce qu’il est allé voir, lui (ça c’est bien mon fils !).

Et parce qu’il aime vraiment beaucoup :

Duminică 1 noiembrie 2009, corul şi orchestra Bisericii Baptiste Maranata din Hunedoara a participat la Festivalul Orchestrelor, ediţia a II a, organizat la Sebiş, judeţul Arad, în Biserica Creştină Baptistă “Sfânta Treime” – pastor Constantin Chisăliţă.

Fără să fie un concurs, o competiţie a orchestrelor, ci mai degrabă o promovare a lucrării muzicale cu tot felul de instrumente cu coarde sau de suflat, Festivalul a oferit posibilitatea ca fiecare orchestră participantă să interpreteze 3 piese muzicale, făcând ca serviciul de închinare de după amiază să fie o delectare pentru toţi iubitorii de muzică religioasă.

Festivalul orchestrelor, ediţia a III a va fi organizată anul viitor de Biserica Baptistă Maranata din Arad.

“Cântaţi Domnului o cântare nouă. Lăudaţi-L cu alăuta şi arfa…”

Un orchestre joue la musique d’introduction du jeu vidéo PlayStation 2 Final Fantasy X, intitulée To Zanarkand. Pour ceux qui ne connaissent pas ce jeu (pourtant célèbre !), c’est un jeu vidéo de type RPG sorti le 29 mai 2002 (eh oui, sept ans et demie déjà ! le temps passe vite ) qui conte les aventures d’un jeune homme nommé Tidus contre Sin, une entité maléfique. En écoutant cela, ça m’a franchement redonné envie de jouer à ce jeu magnifique (les graphismes à l’époque étaient sublimes). Et de toute façon, même si l’on aime pas ce jeu, ou que l’on n’aime pas les jeux vidéos tout court, on ne peut qu’admirer la beauté de la musique…

Définition de la Musique :

Art d’utiliser des sons pour transmettre des émotions.

Le site web du … | De website van het … | The website of the …
Brussels Philharmonic Orchrestra: www.bpho.be

Lieu | Locatie | Location

Théâtre Saint-Michel | Sint-Michielstheater

Père Eudore Devroye 2 Pater Eudore Devroyestraat

Bruxelles 1040 Brussel

Programme | Programma | Program

• El Salón México | Aaron COPLAND
• Concerto in F | George GERSHWIN
• Manhattan | François GLORIEUX
• West Side Story – Symphonic Dances | Leonard BERNSTEIN

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La musique des États-Unis n’a pas un long passé mais elle est riche de styles variés qui se sont diffusés dans le monde entier. Les vagues d’immigration successives qui ont formé les États-Unis ont importé avec elles des styles de musiques propres à leurs pays d’origines. Ces styles et ces pratiques musicales, contraintes par des conditions matérielles ou sociales particulières, se sont adaptés à des instruments nouveaux. Ce phénomène a donné naissance à différents styles de musique au XIXe siècle et surtout au XXe siècle.

El Salón México     |    Aaron COPLAND

Né dans une famille d’émigrés russes, il étudie le piano dès son plus jeune âge, avec Victor Wittgenstein et Clarence Adler. De 1921 à 1924, il suit l’enseignement de Ricardo Viñes, au Conservatoire américain de Fontainebleau, en France. C’est là qu’il rencontre Nadia Boulanger : «je compris immédiatement que j’avais trouvé mon maître» écrira-t-il. C’est auprès d’elle qu’il se forme à la composition comme pratiquement tous les compositeurs américains de sa génération et des suivantes.

De retour aux États-Unis en 1924, Copland donne les créations de ses premières oeuvres :

Il aimait dire que sa musique était destinée avant tout à des mélomanes.

Aaron Copland était l’un des amis de Leonard Bernstein, compositeur et chef d’orchestre.

En 1949, il a remporté l’Oscar de la meilleure musique de film pour L’Héritière.

Une de ses pièces les plus célèbres est Appalachian Spring, composée pour un ballet en 1943. La version originale écrite pour un orchestre de chambre composé de 9 cordes, une clarinette, un basson et une flûte, fut plus tard réécrite pour orchestre symphonique.

Au début des années 1970, Copland sera victime de la maladie d’Elsheimer et s’arrêtera alors de composer. Étrangement, il poursuivra toutefois sa carrière de chef d’orchestre jusqu’en 1983. L’une des critiques qui ont pu être formulées à son égard est d’avoir favorisé une sorte de “Homintern” des compositeurs homosexuels. Il était entre autres l’ami de Leonard Bernstein.

El Salón México est une composition symphonique en un mouvement de Aaron Copland, qui y utilise de façon extensive de la musique populaire mexicaine. L’oeuvre est une représentation musicale d’une salle de dance éponyme à Mexico et porte même le soustitre de « Une salle de dance populaire typique de Mexico City ». Copland commença à écrire l’oeuvre en 1932 et la compléta en 1936. L’Orchestre Symphonique de Mexico la créa sous la direction de Carlos Chávez en 1937 ; la première exécution aux Etats-Unis eut lieu en 1938. Quoique Copland visita Mexico au début des années ’30, il ne basa pas ce poème musical sur des chansons qu’il entendit là, mais plutôt sur des partitions écrites qu’il avait obtenues pour au moins quatre chants populaires mexicains: « El Palo Verde », « La Jesusita », « El Mosco » et « El Malacate ». Le refrain puissant qui apparaît trois fois dans le morceau provient de « El Palo Verde ». Des critiques ont commenté différemment l’oeuvre comme contenant deux, trois ou quatre parties, mais beaucoup d’auditeurs estiment que cela passe insensiblement d’un thème à un autre sans frontière interne claire.

George Gershwin est né à Brooklyn (état de New York) le 26 septembre 1898 ; il est le second de quatre enfants dont son frère aîné, Ira, né en 1896, deviendra son principal collaborateur en tant que parolier.

Installée à Manhattan, la mère achète un piano pour faire donner des leçons à Ira mais c’est finalement George qui manifeste un intérêt particulièrement développé pour la musique.

En 1918, George et Ira écrivent leur première chanson en collaboration, “The Real American Folk Song”. La même année, cinq autres chansons de Gershwin sont entendues dans la revue Half Past Eight jouée à Syracuse (état de New York) et quelques mois plus tard (mai 1919), c’est La La Lucille qui marque les débuts de George Gershwin à New York. C’est également en 1919 que George écrit son premier grand succès populaire, “Swanee”.

Suite à ce succès, George est appelé à composer la musique de cinq éditions des revues annuelles George White’s Scandals, celle de 1922 contenant le célèbre “I’ll Build a Stairway To Paradise”; elle contient aussi une séquence “jazz opéra” d’une vingtaine de minutes, “Blue Monday”, qui sera coupée après le soir de la première mais qui attire l’attention du chef d’orchestre Paul Whiteman; ce dernier incite Gershwin à écrire une pièce de structure classique mais de style jazz : ce sera la célèbre Rhapsody in Blue créée en février 1924 au Aeolian Hall sous la direction de Whiteman et avec George Gershwin lui-même au piano.

Après le succès de la Rhapsody in Blue, Gershwin a encore écrit quelques très grandes pages de musique classique : le Concerto in F (1925), la suite An American in Paris (1928) et la Second Rhapsody (1930). Enfin, en 1935, l’opéra Porgy and Bess est créé à Boston (état de Massachussets).

C’est en travaillant sur les chansons du film The Goldwyn Follies que le compositeur commence à souffrir de la tumeur au cerveau qui devait l’emporter. George Gershwin décède le 11 juillet 1937, à Beverly Hills.

Le Concerto en fa est une composition pour piano solo et orchestre, plus proche de la forme traditionnelle du concerto que l’oeuvre précédente, Rhapsody in Blue. Il a été composé en 1925 à la suite d’une demande du chef d’orchestre Walter Damrosch.

Le Concerto en fa montre d’énormes progrès dans la technique de composition de Gershwin, principalement parce qu’il a orchestré lui-même l’oeuvre, contrairement à la Rhapsody in Blue qui fut orchestrée par Ferde Grofé.

François Glorieux, né le 27 août 1932 à Courtrai, fut acclamé à travers l’Europe, en Amérique, au Japon, en Chine, au Moyen-Orient et en Afrique. Il est un des musiciens les plus largement accomplis et aux talents les plus multiples qui circule actuellement sur la scène internationale : pianiste compositeur dirigeant, commentateur, fantaisiste, professeur honoraire en musique de chambre au Conservatoire Royal de Gand professeur invité à l’Université de Yale (USA) et directeur des Master Class Internationaux de Piano d’Anvers.

Glorieux pratique tous les styles musicaux.

Certains événements de sa vie très active réclament une attention particulière: des tournées triomphantes avec le regretté André Cluytens en Allemagne et en Autriche et une collaboration avec de nombreux ballets et orchestres François Glorieux fut le fondateur de quatre ensembles particuliers : « Instrumentarium », « Panoramic Trio », « Brass and Percussion Orchestra » et le « Revivat Scaldis Chamber Orchestra ».

François Glorieux fut particulièrement actif comme compositeur : il écrivit plus de 300 oeuvres dans tous les domaines de la musique. – Une de ses compositions principales est « Manhattan » pour piano et grand orchestre. Sa discographie est remarquable : plus de 40 CD et Lp.

La partition de Manhattan est prévue pour piano et grand orchestre, comprenant une sirène et une guitare électrique; elle essaie de capter la sauvagerie effrontée de la Cité de New York, commençant par le remue-ménage chaotique du mouvement d’ouverture, appelé Premières Impressions.

Ça semble partir dans toutes les directions et il y a des moments de grande surprise cachés dans tout ce chari-vari, y compris une partie troublée et tranquille pour piano qui rappelle parfois Prokofiev, les Suites de Jazz de Shostakovich et d’autres. Un saxophone félin glisse sur les cordes avant qu’un orchestre puissant n’aborde le deuxième thème. Celui-ci, appelé Broadway, fait office de scherzo et n’abandonne pas l’auditeur dans Times Square. De là on part à Chinatown, à travers des piétonniers Juifs, et par différentes autres lieux de la ville, comme les discothèques.

Le grand succès de l’oeuvre est le troisième mouvement, By day in Central Park (De jour à Central Park), qui est un mouvement de jazz tout à fait agréable avec un gentil thème traité en variations. Alors que le mouvement Broadway provoqua quelques tressaillements avec ses traitements ethniques stéréotypiques, Central Park se révèle comme représentation dépravée et habile d’une gentille promenade par les avenues sinueuses. Tout à fait agréable. Le mouvement final, appelé Adventures in Mistery, Passion, Love and Fight (Aventures dans le Mystère, la Passion, l’Amour et le Combat) débute par une brume et une tension tourbillonnantes très cinéma noir. La guitare électrique et le piano conduisent l’orchestre vers le thème principal, qui ressemble parfois davantage à une musique de chasse pour un film Western Jazz. La partie « amour » du mouvement est introduite par un revirement engageant. La scène du combat, avec sa sirène, retombe dans le grand drame, mais le piano sauve le tout avant que les choses ne s’échappent trop longtemps.

Né à Lawrence, Massachusetts (Etats-Unis) le 25/08/1918. Mort à New York (Etats-Unis) le 14/10/1990 Leonard Bernstein étudie la composition musicale à Harvard (1935-1939), et auprès de grands chefs d’orchestre tels que Dimitri Mitropoulos et Serge Koussevitzky. En 1943, il dirige l’Orchestre philharmonique de New York (dont il sera nommé directeur musical de 1958 à 1969), puis le New York City Center Orchestra, de 1945 à 1948. Fort du succès international de sa comédie musciale West Side Story, adaptée au cinéma en 1961, il se produit comme chef d’orchestre à l’étranger à partir des années 1970. Il propose des oeuvres très variées, allant de Haydn à Mahler, en passant par Beethoven, ainsi.que ses propres compositions, dont A Quiet Place (1984) et Arias and Barcarolles (1989). Il dirige ainsi quelques unes des plus grandes formations musicales de la planète, parmi lesquelles figurent l’Orchestre philharmonique de Berlin ou encore l’Orchestre national de France.

Bernstein fait ses études à l’université de Harvard jusqu’en 1939, puis rencontre les chefs d’orchestre Fritz Reiner, Dimitri Mitropoulos, puis Serge Koussevitzky dont il devient l’assistant en 1940 à Tanglewood. Il est nommé chef assistant de l’Orchestre philharmonique de New York dès 1943 avant de revenir à Tanglewood afin de diriger et d’enseigner à partir de 1951. De 1958 à 1973, il présente les Young People’s Concerts à la télévision, émissions au cours desquelles il démontre toutes ses qualités de pédagogue auprès des enfants qui découvrent la musique classique de manière ludique.

Il est nommé directeur musical de l’Orchestre philharmonique de New York de 1958 à 1969 et acquiert une réputation internationale d’une part comme chef d’orchestre et d’autre part comme compositeur notamment avec la comédie musicale West Side Story (1957).

Chef d’orchestre réputé pour son énergie fulgurante tant aux répétitions qu’aux concerts, il a dirigé les plus grandes formations de ce monde : outre le Philharmonique de New York, il a dirigé également très fréquemment l’Orchestre philharmonique d’Israël, l’Orchestre philharmonique de Vienne, l’Orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam, l’Orchestre symphonique de Londres, l’Orchestre symphonique de la radio bavaroise, l’Orchestre national de France et l’Orchestre philharmonique de Berlin. Il était à l’aise dans tous les répertoires, avec une préférence nette pour Gustav Mahler (il disait « Mahler, c’est moi ! »).

Compositeur prolifique, il est l’auteur de trois symphonies, deux opéras, parmi un très grand nombre d’autres oeuvres. Mais ce qui caractérise principalement Bernstein, c’est son aisance à passer d’un style à l’autre : du jazz (West Side Story, Wonderful Town), au blues-gospel (Mass), en passant par certaines pointes de dodécaphonisme (dans ses premières oeuvres, cependant reniées par la suite). Par ailleurs, ses oeuvres symphoniques sont formées à partir de réflexions spirituelles, sur la religion entre autres.

C’est avec West Side Story, une comédie musicale que Léonard Bernstein a connu son premier grand succès. Il avait 31 ans. Devenu célèbre, tant comme chef d’orchestre que compositeur de grande originalité, il abordera par la suite tous les styles, de la chorale religieuse au jazz en passant par le pop et l’opéra italien. Tous les thèmes aussi, l’espoir, la paix, la foi et l’humanité…

West Side Story est inspirée du Roméo et Juliette de Shakespeare. Ça se passe dans le West Side à New York dans les années 1950. Deux bandes s’affrontent : les Jets, Américains blancs et les Sharks, immigrés portoricains. Rivalité de clans qu’envenimera la rencontre amoureuse au cours d’un bal de Maria, portoricaine, et de l’ancien chef des Jets. En neufs mouvements, cette suite symphonique descriptive, d’une rare empreinte novatrice dans le paysage musical et culturel, raconte tout de la rivalité, des bagarres, des rêves de paix, de l’amour impossible et de la réalité tragique de ce drame.

La pianiste Meral GÜNEYMAN fit ses débuts orchestraux aux Etats-Unis sous la baguette de Michael Tilson Thomas en tant que gagnante du premier prix du Buffalo Philharmonic Orchestra’s Young Artist’s Competition. Elle fut immédiatement réengagée par Tilson Thomas pour jouer le Concerto de Schuman avec le Pittsburgh Symphony.

Suite à son prix au East & West Artists’ International Competition elle fut engagée pour jouer au Carnegie Hall.

Après avoir gagné le prestigieux William Kapell International Competition à l’Université du Maryland, elle se produisit avec Leon Fleischer et le Baltimore Symphony. Ses succès ultérieurs comprennent des prix à la Juilliard School’s Chopin Concerto Competition et une place de finaliste à la Naumburg Competition, ce qui la ramena au Carnegie Hall.

Meral est citoyenne Américaine d’origine Turque et détient le titre d’ «Artiste d’Etat », représentant le Ministère de la Culture de la République Turque à travers le monde. Ses appariations l’ont amenée aux Festivals Cervantes et Monterrey à Mexico; à l’International Istanbul Festival, à l’American Music Festival à la National Gallery à Washington; au Festival Frederick Chopin; au Presidential Symphony en Turquie; au Sarajevo Philharmonic; au Ljubliana Festival en Slovénie; également en Allemagne, au Canada, en France, en Autriche, en Serbie, (y compris un concert pour la famille royale Serbe), en Croatie, en Bosnie, en Belgique, en Italie, en Grande Bretagne et au Japon, ainsi que dans de nombreuses grandes villes aux Etats-Unis.

Dans son rôle académique et pédagogique elle est apparue et a produit des concerts à Harvard University, M.I.T., Purchase and Georgetown University, New York University, Bosphorus University (Istanbul) et beaucoup d’autres institutions. A deux reprises elle fut lauréate du Laura Conover Pedagogy Award.

Meral s’est consacrée à la promotion de la musique contemporaine. Elle a créé des oeuvres de compositeurs aussi divers que Dick Hyman, Ilhan Mimaroglu et Justin Dello Joio. Sa capacité à passer instantanément et de façon convaincante du classique au jazz est une rareté. Ses enregistrements, indépendamment du genre, ont été reçus avec des éloges universels. Son enregistrements de la sonate de Frank Bridge fut annoncée par le Fanfare Magazine comme faisant partie des cinq meilleurs de l’année. Elle figure au « Who’s Who of American Women » et fut choisie par David Dubal dans « The Art of the Piano » pour son enregistrement de la ‘Bridge Sonata’.

Avec ses capacités d’exécutante et d’enseignante, Meral a oeuvré, à travers toute sa vie, pour récolter des fonds pour beaucoup d’organisations caritatives, parmi lesquelles : Save the Children Fund, la Muscular Dystrophy Association, UNA-NY, UNA-USA HERO (Help Educate at Risk Orphans) campaign, combating HIV/AIDS pandemics, et Americans for Cures, et d’autres.

Meral vit avec sa famille en New Jersey, USA.

++ Nederlands ++

Muziek uit de Verenigde Staten kent geen lange geschiedenis, maar is wel rijk aan gevarieerde stijlen die zich over de hele wereld verspreid hebben. De opeenvolgende stromen immigranten die de Verenigde Staten gevormd hebben, brachten originele muziekstijlen uit het land van herkomst met zich mee. Door materiële of persoonlijke sociale omstandigheden beperkt, werden deze stijlen en muziekuitvoeringen aan nieuwe instrumenten aangepast. Daardoor ontstonden in de XIXe, maar vooral in de XXe eeuw, verschillende muziekstijlen.

El Salón México | Aaron COPLAND

Geboren in een Litouwse migrantenfamilie, studeert Aaron Copland vanaf jonge leeftijd piano met Victor Wittgenstein en Clarence Adler. Van 1921 tot 1924 volgt hij een opleiding bij Ricardo Viñes aan het Amerikaans Conservatorium in Fontainebleau in Frankrijk. Daar ontmoet hij Nadia Boulanger : «ik begreep onmiddellijk dat ik mijn meester gevonden had» schreef hij. Bij haar ontplooit hij zich als componist, zoals praktisch alle Amerikaanse
componisten van zijn generatie en de daaropvolgende.

Na zijn terugkeer in de Verenigde Staten in 1924, zet Copland zich aan tot het schrijven van zijn eerste werken.

Hij placht te zeggen dat zijn muziek vóór alles bestemd was voor muziekliefhebbers. Aaron Copland was één van de vrienden van de componist en orkestleider Leonard Bernstein. In 1949 won hij de Oscar voor de beste filmmuziek voor the Heiress.

Een van zijn meest bekende werken is Appalachian Spring, dat hij in 1943 voor ballet schreef. De originele versie, die oorspronkelijk geschreven werd voor een kamerorkest met 9 snaarinstrumenten, een klarinet, een fagot en een fluit, werd later herwerkt voor een symfonieorkest.

Begin jaren 1970 krijgt Copland de ziekte van Alzheimer en stopt dan met componeren. Vreemd genoeg zet hij zijn carrière als orkestleider wel voort tot 1983.

El Salón México is een symfonische compositie in één beweging van Aaron Copland, die uitgebreid gebruik maakt van populaire Mexicaanse muziek. Het werk is een muziekvoorstelling van een gelijknamige danssalon in Mexico en draagt zelfs de ondertitel « Een populair, typisch Mexicaans danssalon in Mexico City ». Copland begon in 1932 aan het werk en voltooide het in 1936. Het Symfonieorkest van Mexico bracht het in 1937 onder leiding van Carlos Chávez; de eerste voorstelling in de Verenigde Staten vond plaats in 1938. Hoewel Copland Mexico begin 1930 bezocht, baseerde hij dit muzikale gedicht niet op de liedjes die hij daar toen hoorde, maar wel op geschreven partituren van minstens vier populaire Mexicaanse liedjes: « El Palo Verde », « La Jesusita », « El Mosco » en « El Malacate ». Het krachtige refrein dat minstens drie keer in het stuk voorkomt, komt uit « El Palo Verde ». De recensie omschreef het werk verschillend, als bestaande uit twee, drie of vier delen, maar veel luisteraars menen dat de overgang van het ene thema naar het andere geruisloos en zonder duidelijke interne grens plaatsvindt.

Concerto in FA | George GERSHWIN

George Gershwin wordt op 26 september 1898 in Brooklyn (in de Staat New York) geboren ; hij is het tweede van vier kinderen, waarvan zijn oudste broer, Ira, geboren in 1896, zijn voornaamste medewerker wordt als tekstschrijver.

Eenmaal in Manhattan gevestigd, koopt hun moeder een piano om Ira les te laten volgen, maar het is uiteindelijk George die een uitgesproken interesse voor muziek aan de dag legt.

In 1918 schrijven George en Ira samen hun eerste lied The Real American Folk Song. In datzelfde jaar kan men nog vijf liederen van Gershwin horen in de revue Half Past Eight, gespeeld in Syracuse (in de Staat New York), en enkele maanden later (mei 1919) debuteert George Gershwin in New York met La Lucille. In datzelfde jaar 1919 schrijft George zijn eerste populaire grote succesnummer Swanee.

Na dit succes wordt George uitgenodigd om muziek te schrijven voor vijf jaarlijkse George White’s Scandals revues ; uit de revue van 1992 komt het beroemde I’ll Build a Stairway To Paradise en een “jazzopera”-scène van ongeveer twintig minuten Blue Monday, die na de avond van de première geschrapt wordt, maar die de aandacht trekt van orkestleider Paul Whiteman. Laatstgenoemde zet Gershwin aan tot het schrijven van een stuk met een klassieke structuur, maar in jazzstijl : het wordt de beroemde Rhapsody in Blue, voor het eerst vertolkt in 1924 in de Aeolian Hall onder leiding van Whiteman en met George Gershwin zelf aan de piano.

Na het succes van Rhapsody in Blue schreef Gershwin nog enkele grote bladzijden klassieke muziek : het Concerto in F (1925), de suite An American in Paris (1928) en de Second Rhapsody (1930). Ten slotte werd in 1935 in Boston (in de Staat Massachusetts) de opera Porgy and Bess voor het eerst ten gehore gebracht.

Tijdens het schrijven van de muziek voor de film The Goldwyn Follies krijgt hij last van een hersentumor, ten gevolge waarvan George Gershwin uiteindelijk op 11 juli 1937 in Beverly Hills zal overlijden.

Het Concerto in fa is een compositie voor pianosolo en orkest en staat dichter bij de traditionele concertovorm dan het voorgaande werk « Rhapsody in Blue ». Het werd in 1925 geschreven op verzoek van de orkestleider Walter Damrosch.

Damrosch woonde het concert op 21 februari 1924 bij waarbij de « Rhapsody in Blue » in première ging onder leiding van Paul Whiteman met Gershwin aan de piano. De dag ná het concert neemt Damrosch contact op met Gershwin en vraagt hem een « groot formaat » pianoconcerto te schrijven voor het New York Symphony Orchestra; het werk staat dichter bij de klassieke concertovorm en wordt georkestreerd door de componist zelf.

Gershwin neemt een orkest met 60 muzikanten in dienst om in november 1925 de eerste versie te spelen. Het eerste publieksoptreden vindt op 3 december 1925 in de Carnegie Hall in New York plaats met het New York Symphony Orchestra onder leiding van Damrosch en Gershwin aan de piano.

Het concerto in fa geeft de enorme vooruitgang in de compositietechniek van Gershwin weer, voornamelijk omdat hij zelf het werk orkestreerde, in tegenstelling tot de « Rhapsody in Blue », die door Ferde Grofé georkestreerd werd.

Manhattan voor piano en orchestre | François GLORIEUX

François Glorieux, in Kortrijk geboren op 27 augustus 1932, wordt alom bejubeld in Europa, in Amerika, Japan, China, het Midden-Oosten en in Afrika. Op de internationale scène is hij momenteel een van de meest geroemde muzikanten met een veelzijdig talent: leidinggevend pianocomponist, commentator, cabaretartiest, ere-docent voor kamermuziek aan het Conservatorium van Gent, gastdocent aan de Yale Universtiteit (VS) en directeur van de Internationale Piano Master Class in Antwerpen.

Glorieux beoefent alle muziekstijlen.

Sommige gebeurtenissen uit zijn zeer actieve leven vragen om speciale aandacht: triomfantelijke optredens met de betreurde André Cluytens in Duitsland en in Oostenrijk en de samenwerking met talrijke balletten en orkesten.
François Glorieux was de oprichter van vier bijzondere ensembles : « Instrumentarium », « Panoramic Trio », « Brass and Percussion Orchestra » en « Revivat Scaldis Chamber Orchestra ».

François Glorieux was bijzonder actief als componist ; hij schreef meer dan 300 werken voor alle soorten muziek. Een van zijn belangrijkste werken is « Manhattan » voor piano en groot orkest.
Zijn aantal muziekopnames is indrukwekkend : meer dan 40 CD’s en LP’s.

De partituur van Manhattan is geschreven voor piano en groot orkest en een sirene en elektrische gitaar, en beoogt de onbeschaamde wreedheid van de stad New York te illustreren, beginnend met een chaotische opwinding in de openingsbeweging « First impressions » genaamd.

Het lijkt alle kanten op te gaan en er zijn grote verborgen verrassingsmomenten in het tumult, met
inbegrip van een verwarrende en rustige pianopartij, die soms doet denken aan Prokofiev, de Jazz Suites van Sjostakovitsj en anderen. Een katachtige saxofoon mengt zich tussen de snaarinstrumenten vooraleer het krachtige orkest het tweede thema inzet. Dit thema « Broadway » genaamd, doet dienst als scherzo en verlaat de luisteraar op Times Square niet. Van daar vertrekt men naar Chinatown, dwars door de Joodse voetgangerswijk, en door verschillende andere plekken in de stad, zoals bij voorbeeld discotheken.

Het grote succes van het werk ligt in de derde beweging « By day in Central Park », een prettige jazzbeweging met een vriendelijk thema uitgewerkt in variaties.
Terwijl de Broadway-beweging enkele trillingen veroorzaakt door zijn stereotype etnische bewerkingen, openbaart Central Park zich als de verdorven en kwieke voorstelling van een vriendelijke wandeling door de bochtige lanen. Zeer aangenaam. De laatste beweging « Adventures in Mistery, Passion, Love and Fight » genaamd, begint met nevel en een wervelende spanning (heel erg « film noir »). De elektrische gitaar en de piano voeren het orkest naar het hoofdthema, dat soms meer op jachtmuziek voor een Jazz Western lijkt. Het gedeelte “love” uit de beweging wordt ingeleid door een aanmoedigende ommekeer. De vechtscène, met de sirene, vervalt in het grote drama, maar de piano brengt redding voordat de zaken uit de hand dreigen te lopen.

West Side Story (symfonische dansen) | Leonard BERNTEIN

Geboren in Lawrence, Massachusetts (Verenigde Staten) op 25/08/1918, overleden in New York (Verenigde Staten) op 14/10/1990.

Leonard Bernstein studeerde compositie aan de Harvard Universiteit (1935-1939) met grote orkestleiders als Dimitri Mitropoulos en Serge Koussevitzky. In 1943 dirigeert hij het New York Philharmonic Orchestra (en bekleedde hij er de functie van Artistiek Directeur van 1958 tot 1969), vervolgens het New York City Center Orchestra van 1945 tot 1948.
Volgend op het internationale succes van zijn musical West Side Story, die in 1961 werd aangepast voor cinema, treedt hij vanaf 1970 in het buitenland op als orkestleider. Hij biedt zeer gevarieerde werken aan, gaande van Haydn tot Mahler, via Beethoven, en ook zijn eigen composities, waaronder A Quiet Place (1984) en Arias and Barcarolles (1989). Zo dirigeert hij wereldwijd enkele van de meest beroemde grote muzikale formaties, waaronder de Berliner Philharmoniker en ook l’Orchestre National de France.

Bernstein studeert aan de Harvard Universiteit tot 1939 en ontmoet vervolgens de orkestleiders Fritz Reiner, Dimitri Mitropoulos, en Serge Koussevitzky en wordt de assistent van laatstgenoemde in 1940 in Tanglewood. Vanaf 1943 wordt hij tot assistent-chef van het New York Philharmonic Orchestra benoemd alvorens terug te keren naar Tanglewood waar hij dirigeert en lesgeeft vanaf 1951. Van 1958 tot 1973 presenteert hij de Young People’s Concerts op televisie. Tijdens deze uitzendingen spreidt hij al zijn pedagogische kwaliteiten ten toon aan kinderen die op een ludieke wijze kennis maken met klassieke muziek.

Hij wordt tot Artistiek Directeur van het New York Philharmonic Orchestra benoemd van 1958 tot 1969 en verwerft enerzijds een internationale reputatie als orkestleider en anderzijds als componist, met name door zijn musical West Side Story (1957).
Het is een orkestleider die bekend staat om zijn onstuitbare energie zowel tijdens de repetities als tijdens concerten ; hij dirigeerde de grote formaties van deze wereld, behalve het New York Philharmonic Orchestra, dirigeerde hij tevens meerdere keren het Philharmonisch Orkest van Israël, de Wiener Philharmoniker, het Koninklijk Concertgebouworkest van Amsterdam, the London Symphony Orchestra, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, l’Orchestre National de France en de Berliner Philharmoniker. Hij voelde zich op zijn gemak in elk repertoire, maar met een uitgesproken voorkeur voor Gustav Mahler (hij zei: « Mahler, dat ben ik ! »).

Hij was een vruchtbaar componist en maker van drie symfonieën en twee opera’s, onder een groot aantal werken. Karakteristiek voor Bernstein is hoofdzakelijk het gemak waarmee hij van de ene stijl in de andere overgaat: van jazz (West Side Story, Wonderful Town), tot blues-gospel (Mass), langs op sommige plaatsen twaalftoontechniek (in zijn eerste werken, maar die liet hij later varen). Zijn symfonische werken ontstaan trouwens door spirituele reflecties, zoals onder andere over religie.

Met West Side Story, een musical, kende Leonard Bernstein zijn eerste grote succes. Hij was toen 31 jaar oud. Eens beroemd zowel als orkestleider en als componist met grote originaliteit, spreekt hij vervolgens alle stijlen aan, van religieuze koormuziek tot jazz via pop en Italiaanse opera. Ook komen alle thema’s aan bod: hoop, vrede, geloof en de menselijke natuur …..

West Side Story is geïnspireerd op Romeo en Julia van Shakespeare en situeert zich in de West Side in New York in de jaren 1950. Twee bendes komen met elkaar in botsing: de Jets, Amerikaanse blanken en de Sharks, immigranten uit Porto Rico. De rivaliteit tussen de twee bendes verscherpt zich tijdens een amoureuze ontmoeting op het bal van Maria, Portoricaanse, en de voormalige leider van de Jets. In negen bewegingen wordt in deze beschrijvende symfonische suite, met een vernieuwend stempel in het landschap van muziek en cultuur, alle rivaliteit, vechtpartijen, dromen over vrede, onmogelijke liefde en de tragische realiteit van dit drama, verteld.

Meral Güneyman | piano

De pianiste Meral GÜNEYMAN maakte haar orkestdebuut in de Verenigde Staten onder het dirigeerstokje van Michael Tilson Thomas, nadat ze de eerste prijs van de Buffalo Philharmonic Orchestra’s Young Artist’s Competition had behaald. Zij werd onmiddellijk daarna weer door Tilson Thomas gevraagd om het Concerto van Schuman te vertolken samen met de Pittsburgh Symphony. Na het behalen van een prijs tijdens de East & West Artists’ International Competition werd ze uitgenodigd om in Carnegie Hall te komen spelen. Een optreden met Leon Fleischer en de Baltimore Symphony volgde nadat ze de prestigieuze prijs William Kapell International Competition aan de Universiteit van Maryland had gewonnen. Latere successen boekte ze door een prijs te winnen tijdens de Juilliard School’s Chopin Concerto Competition en een finaleplaats te verwerven tijdens de Naumburg Competition, die haar opnieuw naar Carnegie Hall bracht.

Meral is Amerikaans staatsburger van Turkse afkomst en kreeg de titel « Staatsartieste » en
vertegenwoordigt daarmee wereldwijd het Ministerie van Cultuur van de Turkse Republiek.
Optredens brachten haar naar de Festivals Cervantes en Monterrey in Mexico; naar het International Festival Istanboel, het American Music Festival in de National Gallery in Washington; het Festival Frederick Chopin; de Presidential Symphony in Turkije; de Sarajevo Philharmonic; het Ljubliana Festival in Slovenië; ook naar Duitsland, Canada, Frankrijk, Oostenrijk en Servië, (met inbegrip van een concert voor de Servische Koninklijke familie), naar Kroatië en Bosnië, België, Italië en het Verenigd Koninkrijk, naar Japan en naar talrijke grote steden in de Verenigde Staten.

In de hoedanigheid als academica en pedagoge bezocht zij de Harvard Universiteit, M.I.T., Purchase en Georgetown Universiteit, de Universiteit van New York, de Bosphorus Universiteit (Istanboel), en vele andere instellingen en trad er ook op. Tweemaal was zij laureate van de Laura Conover Pedagogy Award.

Meral stelt zich ten doel belangstelling te wekken voor hedendaagse muziek. Zij vertolkte werken van uiteenlopende componisten als Dick Hyman, Ilhan Mimaroglu en Justin Dello Joio. Haar capaciteit om op overtuigende wijze in een oogwenk van klassiek naar jazz over te schakelen, is ongekend. De platenopnames die ze maakte, ongeacht het genre, werden alom met lof ontvangen. De opname van de Sonate van Frank Bridge werd door Fanfare Magazine aangekondigd als één van de 5 besten van het jaar. Haar naam komt voor in « Who’s Who of American Women » en zij werd door David Dubal uitgekozen voor de opname van « Bridge Sonata » in « The Art of the Piano ».

Haar capaciteiten als uitvoerend artieste en docente wendt zij al haar leven lang aan voor het verwerven van fondsen voor liefdadigheidsinstellingen, waaronder : Save the Children Fund, de Muscular Dystrophy Association, UNA-NY, UNA-USA HERO (Help Educate at Risk Orphans) campagne, combating HIV/AIDS pandemics, Americans for Cures, en andere.

Meral woont met haar familie in New Jersey, Verenigde Staten van Amerika.

The music of the United States is relatively young but enjoys a wide variety of styles which have been adopted throughout the world. The waves of immigration that helped form the United States brought their own styles of music from their countries of origin. These styles and musical practices, constrained by specific material and social conditions, became adapted to new instruments. This phenomenon gave rise to different styles of music in the 19th and in particular the 20th century.

El Salón México | Aaron COPLAND

Born into a family of Russian immigrants he learnt piano from an early age with Victor Wittgenstein and Clarence Adler. From 1921 to 1924, he was taught by Ricardo Viñes, at the American Conservatory at Fontainebleau in France. It was there that he met Nadia Boulanger; “I understand immediately that I have found my master” he wrote. It was with her that he trainedd in composition, just as most other American composers of his generation and those since.
Upon his return to the United States in 1924, Copland staged productions of his first works; he liked to say that his music was aimed above all at music-lovers.
Aaron Copland was a friend of composer and conductor Leonard Bernstein.

In 1949, he won an Academy Award for Best Original Music Score for L’Héritière.

One of his most famous works is Appalachian Spring, composed for a ballet in 1943. The original version was written for a chamber orchestra formed of 9 strings, one clarinet, one bassoon and one flute, and was later rewritten for symphony orchestra.

At the start of the 1970s, Copland fell victim to Alzheimer’s disease and as a result he ceased to compose. Bizarrely, however, he continued to pursue his career as a conductor up until 1983. One criticism that has been made of Copland is that he favoured a sort of “homintern” of homosexual composers.

El Salón México is a symphonic composition in one movement by Aaron Copland, in which he makes extensive use of popular Mexican music. The work is a musical representation of a dance hall called Mexico and even bears the subheading “A dance hall for popular typical dances from Mexico City”. Copland started to write the work in 1932 and completed it in 1936. The Symphony Orchestra of Mexico performed it conducted by Carlos Chávez in 1937; the first performance in the United States took place in 1938. Although Copland visited Mexico at the start of the 1930s, he did not base this musical poem on the songs he heard while he was there but rather on the written scores of at least four popular songs he had got hold of: “El Palo Verde”, “La Jesusita”, “El Mosco” and “El Malacate”. The powerful refrain that appears three times in the extract is taken from ”El Palo Verde”.
Critiques have interpreted the work differently as having two, three or four parts, although many listeners feel it passes smoothly from one theme to another without an audible break.

Concerto en F | George GERSHWIN

George Gershwin was born in Brooklyn (State of New York) on 26 September 1898; he was the second of four children, the oldest of which, his brother Ira, born in 1896, became his main partner in music – his lyricist.

Living in Manhattan, his mother bought a piano for Ira to take lessons but in the end it was George who developed a particularly keen interest in music.

In 1918, George and Ira wrote their first song together, “The Real American Folk Song”. The same year, five other songs by Gershwin that were played at Syracuse (State of New York) were heard in the Half Past Eight review. A few months later (May 1919), it was La La Lucille that marked the début of George Gershwin’s career in New York. It was also in 1919 that George had his first big popular hit, “Swanee”.

Following this success, George was called upon to compose the music for five editions of the annual George White’s Scandals reviews; that of 1922 included the famous “I’ll Build a Stairway To Paradise”. It also contained a “jazz opera” sequence twenty minutes long called “Blue Monday”, which was halved after the premier night although it did catch the attention of conductor Paul Whiteman. He encouraged Gershwin to write a classical piece in a jazz style; this would become the famous Rhapsody in Blue played in February 1924 at he Aeolian Hall with Whiteman conducting and George Gershwin himself on the piano.

After the success of Rhapsody in Blue, Gershwin again wrote several large passages of classical music: Concerto in F (1925), the An American in Paris suite (1928) and Second Rhapsody (1930). Finally, in 1935, the Porgy and Bess opera was performed in Boston (State of Massachusetts).

It was whilst working on the songs for the The Goldwyn Follies film that the composer began to suffer from the effects of the brain tumour that would later rob him of his life. George Gershwin died on 11 July 1937 in Beverly Hills.

Concerto in F is a composition for solo piano and orchestra, closer to traditional concerto form than his previous work, Rhapsody in Blue. It was composed in 1925 upon the request of the conductor Walter Damrosch.

Damrosch was present at the concert on 21 February 1924 during which Rhapsody in Blue was performed, conducted by Paul Whiteman with Gershwin on the piano. The following day, Damrosch contacted Gershwin to ask him to compose a “large scale” concerto for the New York Symphony Orchestra, closer to the classical form of a concerto and also orchestrated by Gershwin himself.

Gershwin engaged an orchestra of 60 musicians to play the first version in November 1925. The first public performance took place on 3 December 1925 at Carnegie Hall in New York, played by the New York Symphony Orchestra and directed by Damrosch with Gershwin on the piano.

The Concerto in F demonstrates enormous progress in Gershwin’s composition technique, mainly because he had orchestrated the work himself, in contrast to Rhapsody in Blue which was orchestrated by Ferde Grofé.

Manhattan for piano and orchestra | François GLORIEUX

François Glorieux, born on 27 August 1932 in Courtrai, was acclaimed throughout Europe, in America, Japan, China, in the Middle East and in Africa. He is one of the most widely appreciated musicians with the most varied talents that currently circulates the international music scene; pianist, composer, director, commentator, music hall performer, honorary Professor of Chamber Music at the Royal Conservatory of Ghent, Visiting Professional at Yale University (USA) and Director of the International Piano Master classes at Antwerp.

Glorieux practises all styles of music.

Certain events in his life deserve particular attention; the triumphant tours with the sadly missed André Cluytens in Germany and Austria and cooperation with numerous ballets and orchestras.

François Glorieux was responsible for setting up four separate ensembles: “Instrumentarium”, “Panoramic Trio”, “Brass and Percussion Orchestra” and the “Revivat Scaldis Chamber Orchestra”.

François Glorieux was particularly prolific as a composer, writing more than 300 works in all styles of music. “Manhattan” for piano and large orchestra is one of his main compositions. His discography is very impressive – more than 40 CDs and records.

The score of Manhattan was intended for piano and large orchestra. Involving a siren and electric guitar, it tries to capture the ferocity of New York City, opening with the chaotic hustle and bustle of the overture movement called First Impressions.
From there the piece seems to move in all directions and there are moments of pure surprise hidden behind the racket, including a troubled yet tranquil section for piano which is at times reminiscent of Prokofiev, the Jazz Suites of Shostakovich and others. A felinesounding saxophone slides on the notes before a powerful orchestra approaches the second theme called Broadway. This acts as a scherzo and does not leave the listener stranded in Times Square. From there, the listener is taken to Chinatown, through the crowds of Jewish pedestrians and through various other parts of the city including nightclubs.
The great success of the work is the third movement, By day in Central Park, which is a very enjoyable jazz movement with a gentle theme played out in variations. Whilst the Broadway movement causes shivers down your spine with its reproduction of ethnic stereotypes, Central Park reveals itself as a depraved and skilful representation of a gentle stroll along the winding avenues. Very agreeable. The final movement, Adventures in Mystery, Passion, Love and Fight, begins with a haze and an agitating tension which is reminiscent of “Film Noir”. The electric guitar and the piano drive the orchestra towards the main theme which resembles even more the hunting theme from a Western Jazz film.
The “Love” part of the movement is introduced by an exciting shift. The fight scene with its siren, dives straight back into the action, but the piano saves the day just before the music starts to run away with itself.

West Side Story (symphonic dances) | Leonard BERNSTEIN

Born in Lawrence, Massachusetts (United States) on 25/08/1918; died in New York (United States) on 14/10/1990.

Leonard Bernstein studied music composition at Harvard (1935-1939) among great conductors such as Dimitri Mitropoulos and Serge Koussevitzky. In 1943, he directed the Philharmonic Orchestra of New York (for which he was later appointed Musical Director from 1958 to 1969), followed by the New York City Center Orchestra, from 1945 to 1948.
Following on from the international success of his musical, West Side Story, adapted for the cinema in 1961, he performed as a conductor abroad from the 1970s onwards.

He proposed a varied repertoire of works, ranging from Haydn to Mahler through to Beethoven, as well as his own compositions, including A Quiet Place (1984) and Arias and Barcarolles (1989). He also conducted some of the most grand musical ensembles in the world including the Berlin Philharmonic Orchestra and the National Orchestra of France.

Bernstein studied at Harvard University up until 1939. He then met conductors Fritz Reiner and Dimitri Mitropoulos and later Serge Koussevitzky, for whom he became Assistant in 1940 at Tanglewood. He was appointed conductor of the New York Philharmonic Orchestra from 1943, before returning to Tanglewood to conduct and teach in 1951. From 1958 to 1973, he presented the Young Peoples’ Concerts on television. In the course of these television programmes, Bernstein demonstrated his pedagogical skills with children, by introducing them to classical music through games.

He was nominated as Musical Director of the New York Philharmonic Orchestra from 1958 to 1969 and earned an international reputation both as a conductor and as a composer, notably for the musical West Side Story (1957).

As a conductor he was known for his striking energy both at rehearsals and at concerts. He conducted some of the greatest ensembles in the world; aside from the New York Philharmonic, he also conducted the Philharmonic Orchestra of Israel, the Philharmonic Orchestra of Vienna, the Orchestra of the Amsterdam Concert Hall, the London Symphony Orchestra, the Bavarian Radio Symphony Orchestra, the National Orchestra of France and the Berlin Philharmonic Orchestra. He was comfortable with all repertoires, but had an obvious soft spot for the works of Gustav Mahler.

A prolific composer, he wrote three symphonies, two operas and a great number of other works. However, what characterises Bernstein specifically is his ability to pass from one style to another; from jazz (West Side Story, Wonderful Town), to blues-gospel (Mass) and sometimes passing through twelve tone music (in his earlier works, although he later abandoned this style).
Furthermore, his symphonic works are based on spiritual reflections such as religion.

It is with his musical West Side Story that Leonard Bernstein enjoyed his first big success. He was 31. Having risen to fame both as a conductor and a composer of great originality, he went on to tackle all different styles, from religious choral music to jazz, pop music to Italian opera. He also covered a range of different themes; hope, peace, faith And humanity
West Side Story is inspired by Shakespeare’s Romeo and Juliet. It is set in New York during the 1950s. There are two opposing gangs – the Jets, white Americans, and the Sharks, Puerto Rican immigrants. Rivalry of two clans empoison the amorous meeting of Puerta Rican Maria and the former gang leader of the Jets at a ball. In nine movements, this descriptive orchestral suite, a rare innovative footprint in the well-trodden musical and cultural landscape, tells of rivalry, fights, dreams of peace, of doomed love and of the tragic reality of this play.

Meral Güneyman | piano
The pianist Meral GÜNEYMAN made her first orchestral début in the United States under the baton of Michael Tilson Thomas, coming first in the Buffalo Philharmonic Orchestra’s Young Artists’ Competition. She was promptly snapped up by Tilson Thomas to play the Schuman Concerto with the Pittsburgh Symphony. Following the prize she was awarded at the East & West Artists’ International Competition, she was enlisted to play at the Carnegie Hall.
After having won the prestigious William Kapell International Competition at the University of Maryland, she performed with Leon Fleischer and the Baltimore Symphony Orchestra. Her subsequent successes include prizes at the Juilliard School’s Chopin Concerto Competition and a place in the finals at the Naumburg Competition, which brought her back to the Carnegie Hall.

Meral is an American citizen of Turkish origin and holds the title of “State Artist”, representing the Ministry of Culture of the Turkish Republic all over the world. Her appearances took her to the Cervantes and Monterrey Festivals in Mexico, to the International Istanbul Festival, to the American Music Festival at the National Gallery in Washington, to the Frederick Chopin Festival, to the Presidential Symphony Orchestra in Turkey, to the Sarajevo Philharmonic, to the Ljubljana Festival in Slovenia, also to Germany, Canada, France, Austria, and Serbia, (including a concert for the Serbian Royal family), to Croatia, Bosnia, Belgium, Italy, the UK and Japan, as well as numerous cities in the United States.
In her academic and pedagogical role she has appeared and given concerts at Harvard University, M.I.T., Purchase and Georgetown University, New York University, Bosphorus University (Istanbul) and many other institutions. She was made laureate of the Laura Conover Pedagogy Award on two occasions.

Meral has dedicated herself to the promotion of contemporary music. She has performed works by composers as diverse as Dick Hyman, Ilhan Mimaroglu and Justin Dello Joio. Her ability to pass instantaneously and convincingly from classical music to jazz is a rarity. Her recordings, irrespective of the genre, have received universal praise. The recording of the Frank Bridge Sonata was labelled by Fanfare Magazine one of the five best of the year. She figures in “Who’s Who of American Women” and was chosen by David Dubal in “The Art of the Piano” for her recording of the ‘Bridge Sonata’.

Thanks to her ability to perform and to teach, Meral has worked throughout her life to raise money for many charitable organisations. These include Save the Children Fund, the Muscular Dystrophy Association, UNA-NY, UNA-USA HERO (Help Educate at Risk Orphans) campaign, combating HIV/AIDS pandemics, and Americans for Cures.

Meral lives with her family in New Jersey, USA.

Alors voilà,

Ca a redémarré ! les musiciens sont revenus, et, ….. on ne nous les a pas changés pendant les vacances !!! il y en a toujours qui demandent des copies de partitions après la dernière minute …. Suis je le seul à parfois encore faire une copie de partition pendant un concert ???? A mes collègues des autres bibliothèques de donner leur avis.

Comme début de saison, on a fait dans l’inédit : la 5è de Piotr Illich dans la galerie qui abrite nos locaux, en pleine heure de déplacement des navetteurs. Soit un évènement avec beaucoup de monde, de la presse, le nom de l’orchestre partout. belle opération de comm.

Et pour couronner le tout , un Gergiev qui débarque de son avion pour monter sur le podium qui l’attendait 15 min plus tard . (Viendra , viendra pas, ça a été le sujet de nos discussions pendant deux trois jours )

Allez, c’est parti; Et que roulent les programmes et les partitions !

Alors là, c’est toute une histoire :

D’abord, la bibliothèque d’orchestre, ça ne laisse pas beaucoup de temps pour s’intéresser aux autres orchestres que celui dans lequel on travaille, en tout cas dans mon cas : on est pas une grande équipe en régie, mais on se débrouille pour être un max efficaces.

Puis j’ai eu la chance de pouvoir aller à une réunion internationale initiée par le MOLA (Major Orchestras Librarians Association) . C’est particulier de se parler entre collègues bibliothécaires. Un peu comme un couple ou des amis qui n’ont pas besoin de s’expliquer longuement pour se comprendre . D’ailleurs, l’an prochain , ils reviennent en Europe, faudra pas rater ça !!

Enfin, quand on fait une recherche sur le Web sur des termes tels que “bibliothèque d’orchestre”, les résultats (en quantité) sont dérisoirement contraires à une recherche sur Britney Spears …..

D’où, VOILA !! il y a une bibliothèque d’orchestre qui émerge sur le web. , je veux dire “Voudrais” émerger …. Si Mahler et les autres lui laissent quelques temps pour ça !

Alors on se fait un petit plaisir : voici l’adresse de notre site web :

www.onb.be (en français)

www.nob.be (in het vlaams)

bonne visite

bonjour aux visiteurs (euses)

c’est mon premier billet, alors, je me présente : je suis bibliothécaire musical (ou musicothécaire) à l’ONB (Orchestre National de Belgique). J’ouvre ce blog pour parler un peu de mon travail, et peut être en partager les expériences avec des collègues . A bientôt pour un premier tour d’explication sur : c’est quoi et à quoi ça sert , un bibliothécaire

Hello dear Visitor.

this is my first post and I introduce myself : I’m the librarian of the N.O.B. National Orchestra of Belgium . I begin this blog to speak about my job and perhaps share some experiences with other colleagues. See you soon for a first round about : what is and why exist a librarian in an orchestra.

Nouvel Observateur

Pour la première fois dans l’histoire de ces deux vénérables institutions, les Chorégies présentaient un opéra hors du Théâtre antique d’Orange, dans un autre site romain prestigieux, l’Acropole de Baalbeck. Une entreprise magnifique qui se répétera en 2010 et 2011 et devrait s’étendre à l’Egypte, la Syrie et Israël.

Solistes, choristes, danseurs, musiciens, chef d’orchestre, metteur en scène, équipes techniques et d’encadrement : ils étaient plus de 160 à débarquer par vagues successives à l’aéroport Beyrouth pour être installés dans les villes (chrétienne) de Zahlé et (musulmane) de Baalbeck afin de remonter sur l’acropole romain de cette dernière « la Traviata » de Verdi, qu’avant les Libanais des centaines de milliers de Français avaient découverte au Théâtre Antique d’Orange (trois fois 8300 spectateurs) et à la télévision française (1 200 000 téléspectateurs).Par quel miracle deux des sites romains parmi les plus prestigieux de ce qui reste de l’empire des Césars, le Théâtre antique d’Orange, en France, et l’Acropole de Baalbeck, au Liban, ont-ils pu s’entendre pour mener à bien une telle entreprise ?

Renaissance du Festival de Baalbeck

Tout a commencé avec la renaissance du Festival de Baalbeck, fondé en 1956, mais suspendu de 1975 à 1996 dans le fracas des armes durant la guerre civile et les ruines de l’Etat libanais pendant les années qui suivirent. Et par l’intermédiaire de deux médecins de Montpellier et de Marseille qui, à l’aube des années 2000, tissèrent les premiers liens entre les dirigeants des deux manifestations. Que rêver de plus judicieux que cette alliance musicale entre deux nations soeurs de part et d’autre de la Méditerranée, entre deux institutions francophones se produisant l’une et l’autre dans des vestiges romains ? Il est alors décidé que les Chorégies viendraient en août 2006 à Baalbeck reprendre la production de « Lucia de Lamermoor » montée en juillet de cette année là à Orange. Artistes, matériel, contrats, visas…tout était prêt, quand soudain, le 20 juillet, éclate la guerre lancée sur le Liban par Israël. Baalbeck en 2007 devait voir « Madame Butterfly » et « Carmen » en 2008, mais jamais les conditions politiques ne le permirent. Ce n’est que cette année, avec le semblant d’apaisement que montre la Syrie, l’apparence de paix entre Israël et le Liban et le calme relatif du Hezbollah, que la direction du Festival de Baalbeck a pu donner le feu vert aux Chorégies d’Orange pour que cette magnifique alliance se concrétise enfin.

Une entreprise considérable

Recrutement des artistes qui ne sont pas toujours les mêmes à Baalbeck qu’à Orange, ( bien peu téméraires, les choristes de l’Opéra d’Avignon, que le courage n’étouffe pas, ont refusé de se rendre au Liban), contrats, visas de travail, envois des accessoires de scène et des costumes par voie maritime, problèmes de dédouanement, voyages des équipes techniques et administratives, des choristes venus des opéras de Tours, de Toulon et de Liège, des danseurs du Ballet d’Avignon, transport des instruments et des 70 musiciens de l’Opéra royal de Wallonie, hébergement et service d’intendance pour nourrir toute cette foule, adaptation de la mise en scène sur un plateau et dans un site très différents de ceux où a été monté précédemment l’ouvrage….le profane n’imagine pas l’énormité du travail que représente une telle expédition artistique. A quoi s’ajoutent sur place mille problèmes imprévisibles, aussi brillant stratège qu’on soit, comme les ravages que peut effectuer une gastro-entérite dans les rangs des artistes de la scène ou de l’orchestre.
Une mise en scène de Frédéric Bélier-Garcia, déjà fraîche, naturelle et enlevée à Orange, mais plus séduisante encore à Baalbeck de par la configuration asymétrique des lieux qui lui donne une vigueur nouvelle ; des costumes raffinés aux teintes claires ; une direction d’orchestre élégante, pudique, spirituelle de l’Italien Paolo Arrivabeni qui dépouille « la Traviata » de ces accents parfois tonitruants, sinon franchement vulgaires dont on accompagne souvent les ouvrages de Verdi; une distribution remarquable de l’ensemble des solistes…tout a contribué à ce que les premiers pas des Chorégies à Baalbeck relèvent quasiment de la marche triomphale. Le public de cette unique représentation dans ce site sublime a salué le spectacle avec beaucoup de chaleur.

Sur fond de colonnes antiques

Venu presque exclusivement de Beyrouth, à plus de deux heures de voiture, généralement aisé, chrétien et francophone, et maniant ostensiblement le français avec une volonté réelle et émouvante d’affirmer une appartenance à une société très occidentale, le public du Festival de Baalbeck représente la frange la plus raffinée, ou la plus mondaine, ou la plus vaniteuse de la société libanaise. Près de deux heures avant le spectacle dont l’heure est fixée de façon assez aléatoire, dès la nuit tombée, des centaines de privilégiés envahissent l’espace qui s’étend devant le temple dit de Bacchus où l’on prend des rafraîchissements avant de se mêler aux quelque 4500 spectateurs que compte la nouvelle salle dont l’implantation a été suggérée par les Français. Jusqu’alors les représentations du festival se donnaient au sommet de l’acropole, devant le temple gigantesque de Jupiter. Un espace majestueux sans doute, mais ouvert à tous les vents et où la musique se dispersait. A l’instigation des Chorégies, une salle nouvelle a été dessinée et montée. La scène est désormais adossée au côté droit du temple de Bacchus dont l’immense muraille, précédée de colonnes cyclopéennes, réverbère heureusement le son, sans que ce soit évidemment aussi parfait que çà l’est au Théâtre d’Orange conçu pour cela. Quant aux sièges destinés au public, ils s’élèvent en gradins jusqu’au pied de ce qui reste de la formidable colonnade du temple de Jupiter. Ainsi constituée en arc légèrement courbé, la salle de 4500 places est superbe, sans nul effet de démesure. Et la scène magnifique avec son fond de colonnes d’une part, et d’autre part la vue qui fuit sur la plaine de la Beqaa. Et comme il fallait bien conférer à ce temple romain un quelque chose qui rappelât la demeure d’une grande courtisane du XIXe siècle, on a suspendu dans l’entrecolonnement six gros lustres de cristal scintillant commandés à Damas, qui donnent assez comiquement au site un divertissant aspect de Kursaal avec son escalier en demi-cercle.

Le muezzin face la diva

Dans cette ville musulmane de Baalbeck, dominée par le Hezbollah, l’histoire d’une courtisane française, mise en musique par un Italien, a quelque chose de bien peu orthodoxe. Comme est surprenante aussi l’arrivée de ce public riche, francophone et chrétien sur ces terres où l’on ne parle quasiment que l’arabe et baragouine un improbable anglais. En treillis militaire, par régiments entiers, des soldats (ou des policiers), assurent le service d’ordre avec la grâce ordinaire à ce genre d’individus. Ce qui donne au festival un aspect de camp retranché, image hélas devenue très banale au Liban dont les routes sont encore ponctuées de barrages gardés par l’armée.
Autre paradoxe autour des ruines de l’antique Héliopolis: la présence des mosquées. Et suprême étrangeté pour ce festival de musique, de théâtre et de danse, décrété d’intérêt national dès sa fondation, et qui se veut de stature internationale : l’appel tonitruant à la prière des muezzins auquel nul ne peut se soustraire durant les représentations.
Pour celle de « la Traviata », qui constituait un enjeu économique et prestigieux considérable pour le Festival de Baalbeck, le vice-président du festival aura obtenu des imams que le dernier appel à la prière, survenant durant le premier acte, se fît sans ces haut-parleurs dont le vacarme couvrait littéralement l’orchestre. Les imams ont tenu parole. Résultat : sans haut-parleur, l’appel du muezzin n’aura pas couvert l’orchestre, mais presque totalement la voix d’Ermonela Jaho (Violetta) durant son monologue rêveur « E strano… ».
Pauvre public de chrétiens du Liban qui doit immanquablement s’appuyer la voix des muezzins. Une représentation à Baalbeck représente de toute façon une expérience assez traumatisante pour le spectateur européen. Car aux muezzins des diverses mosquées ont succédé les pétarades de brefs feux d’artifice lancés pour des fêtes privées dans les environs des temples, puis celles de motocyclettes et les hurlements d’un haut parleur installé non loin, dans un café en plein air. Quant au public libanais, bien élevé dans sa grande majorité, il offre cependant d’extraordinaires exemples du sans-gêne moyen-oriental : une spectatrice qui se lève pour téléphoner sur son portable en pleine représentation, dérange toute une rangée de spectateurs pour sortir, et les dérange derechef avec le même aplomb en revenant, une fois sa conversation terminée ; un bellâtre à gueule de maffieux qui envoie des « sms » de son téléphone et joue à quelque jeu électronique durant le spectacle ; des rangées entières de spectateurs qui quittent la salle avant même que l’opéra ne soit achevé, pour devancer les encombrements de voitures regagnant la capitale.

Un rempart contre la barbarie

S’il faut aux organisateurs du Festival de Baalbeck beaucoup de courage et d’abnégation pour maintenir contre vents et marées une manifestation que la guerre du Liban a failli anéantir ; s’il faut beaucoup d’énergie pour conserver une tradition artistique qui fait plus que jamais office de rempart contre la barbarie et la décadence culturelle qui accablent le Liban, il a fallu aussi beaucoup de souplesse aux Chorégies d’Orange et aux artistes pour s’adapter à des conditions pour nous insolites. Le professionnalisme, la foi, la chaleur humaine, le dévouement de part et d’autre, l’envie de réussir, la langue commune aussi, auront permis de surmonter bien des embûches pour aboutir à une représentation magnifique, plus belle probablement qu’à Orange, plus touchante assurément.
C’est un magnifique symbole qu’ont lancé en s’unissant le Festival de Baalbeck et les Chorégies d’Orange. L’an prochain, en 2010, c’est avec « Carmen » que les Chorégies seront à nouveau présentes au Liban. Et en 2011, c’est avec « Aïda ». Mais ce projet doit bientôt s’élargir. Dès 2011, « Aïda », jouée à Orange et à Baalbeck, le sera aussi dans la foulée à Massada, en Israël, lors d’un festival qui se crée au pied de cette forteresse d’Hérode qui rappelle la résistance des Juifs aux Romains. Et peut-être aussi en Egypte, en Syrie, au Maroc. Toujours dans des sites prestigieux dont la majesté s’ajoute à la beauté des opéras représentés.

Raphaël de Gubernatis

Le festival de Baalbeck

Fondé en 1956, interrompu de 1975 à 1996, le Festival de Baalbeck vit pour un tiers de son budget de subventions de l’Etat libanais, pour un tiers de l’aide des sponsors et amis, pour un tiers des recettes de billetterie.
Son comité de direction est composé de douze membres, bénévoles, dont la présidente May Arida, de deux vice-présidents, May Rabbath et Joseph Chémali, lequel assure effectivement la direction des opérations.
Le Festival aura reçu les formations, les troupes, les artistes les plus prestigieux : Comédie française, Philharmonie de Berlin, Compagnie Renaud-Barrault, Ballet du XXe siècle, Ballet de l’Opéra de Paris, Old Vic Theater Company, La Mama, Théâtre de la Tempête, Gewandhaus de Leipzig, Orchestre de la RTF, Opéra de Paris, Dance Theater d’Alwin Nikolaïs…Le programme est aujourd’hui à l’image du public libanais qui n’a généralement du spectacle qu’une vision de divertissement élégant ou de manifestation de prestige. Un public dont le niveau culturel a été sérieusement entamé par les désastres de la guerre et la ruine du pays.
Présenter « la Traviata » à Baalbeck a fait figure de pari risqué, ce qui est tout dire ! L’ « audace » a été payante, car la salle était comble.
« Les Libanais n’aiment à voir que ce qu’ils connaissent déjà de réputation ou de nom » avoue un organisateur. Donc, pas d’esprit de découverte ou d’aventure. Même en 2000, la Merce Cunningham Dance Company n’a réuni que 1000 spectateurs en deux soirs, quand cet été un hommage à Maurice Béjart, dansé par sa propre troupe, n’a réuni que 1500 spectateurs avec « l’Oiseau de feu » et le « Boléro ». Jadis, le Ballet du XXe Siècle avait fait les grands soirs du festival !
Pas d’audace. Des valeurs sûres. Ou réputées telles, mais qui font courir un public au goût conservateur, provincial, voire frivole. Hormis les productions locales, comme les spectaculaires divertissements très kitsch des Ballets Caracalla, il ne lui faut que des artistes déjà archi-consacrés en Europe.

R.G.

Festival international de Baalbeck
BP 11-4215 RiadEl Sohl, Beyrouth 1107 2160 Liban.

ARTE – 23h10 – lundi 17/8       documentaire de Mark Kidel

Voici plus de dix ans que Rosemary Nalden a créé à Soweto, l’immense township aux portes de Johannesburg, une école de musique unique en son genre pour les enfants et les adolescents déshérités. Contre la misère, le sida, la violence qui règnent alentour, l’école Buskaid, installée tout près d’un énorme terril laissé par une mine d’or, offre l’échappée belle de la musique, pour cordes uniquement, de Bach à Bartók en passant par Mozart. Les apprentis violonistes, contrebassistes, altistes ou violoncellistes de tous âges sont aujourd’hui plus d’une centaine. Issus de l’école, Le Buskaid String Orchestra et le Soweto String Quartet ont enregistré plusieurs CD et effectué de nombreuses tournées en Europe et aux États-Unis. Certains poursuivent des études musicales de haut niveau, d’autres puisent simplement dans ce compagnonnage avec l’art la force de choisir leur propre destin. Mark Kidel a suivi durant trois ans le chemin d’un petit groupe d’élèves du Buskaid, en Afrique du Sud, mais aussi à Paris, à la Cité de la musique, où, en 2007, ils ont joué Rameau, Bartók, Mozart et Grieg.

Rediffusions :
30.08.2009 à 06:00
www.arte.tv

http://www.youtube.com/watch?v=ayKzmySojM8

http://www.youtube.com/watch?v=MufiAgwQN1w

La Deux – 23h – lundi 13/7       concert enregistré dans la salle philharmonique de Liège.

Louis Langrée dirige l’Orchestre philharmonique de Liège dans la “Symphonie” de César Franck.

Entre chaque mouvement, il présente les grands thèmes de l’oeuvre.

http://www.lamediatheque.be/travers_sons/franck.htm

Ce dimanche c’etait “La fête des jards”. A cette occasion la ville propose de nombreuses activitées et animations. Les bords de l’eau ont été transformé en plage, avec transats et sono (on se serait presque crut a Ibiza lol). De nombreuses activités nautiques (kayak, pedalos, barques….).

Activités nautiques

Un cylindre qui flottait sur l'eau ou l'on pouvais se mettre à l'interieur

Un mini petit train

La faculté de medecine était aussi de la partie avec un orchestre plutot sympathique

Il y avait aussi un autre orchestre en ville, qui jouait un quadrille. Et les gens se sont mis naturelement a danser tous ensemble.

Une journée assez animé avec en plus un magnifique soleil.

La Une – 22h40 – samedi 27/6

Le 4 juin, l’Orchestre philharmonique de Vienne, dirigé par Daniel Barenboïm, a donné son traditionnel concert de la nuit d’été, une manifestation gratuite qui se déroule dans les jardins du Palais impérial de Schönbrunn, à Vienne.

http://www.youtube.com/watch?v=tWTJcUj1n98

http://www.youtube.com/watch?v=xzNfiOZluD4

SUITE TUNISIENNE

°

une mouche tunisienne
sur la vitre du bus
vers Monastir

°

cinquième étage – clim
et vue plongeante
sur la piscine de l’hôtel

°

petit bassin :
deux jeunettes -
et deux dauphins
au fond

°

grosse chaleur
deux jeunettes
sous l’eau s’enlacent

°

Nuit de fiançailles –
Personne dans la piscine
que des dauphins peints au fond

°

au vu de tous
la fiancée s’évente
sur son estrade

°

Soseki
en vacances avec moi
- Tunisie

°

s’endormir
aux sons de l’orchestre
des fiançailles

°

fiançailles terminées
l’on replie les chaises
- lune rousse

°

fiançailles terminées
les cigales
et un coq

°

cigales,
clim –
rondeur de la nuit

°

premiers appels des minarets
au milieu des coqs
et des cigales

°

gare à la bagarre !
le bleu va de nouveau
triompher

°

le bleu
partout va renaître
- piscine

°

déjà la chaleur
sur les dernières pentes de la nuit
- la clim à fond

°

la clim
et dormir nu –
cigales et coq

°

les tables rangées
la lune repartie

°

ce qui ressort de cette nuit :
le palmier
au milieu de l’hôtel

°

ce qui reste de cette nuit :
fragrance des fleurs d’orangers

°

insomnie –
mais l’odeur des fleurs d’oranger !
la mer s’allume

°

les muezzins recouchés ?
coqs,
de loin en loin

°

arceaux et crénelures
coqs et cigales
sur Monastir

°

le dos des dauphins arrondis
au fond des deux bassins
en forme de haricots

°

dernier ressort d’un coq –
les grues allumées
et le phare du port

°

cinq heures du matin
dans l’ascenseur de l’hôtel
une grosse fourmi
et moi

°

fleur d’oranger
sous ma narine
le jour se lève

°

deux chats matinaux
vers la mer
un avion vient se poser

°

l’heure exquise
de flore immobile –
premières ondulations chantées

°

la ” boutique dromadaire “
déjà allumée
un chat saute d’une poubelle

°

un homme à petits pas joggés –
le rouge du soleil qui monte
juste au coin de la mer

°

cinq heures du matin
à Monastir
déjà bien des gens
à la baignade

°

une tente de police   fermée
sur la plage –
femmes qui entrent habillées
dans la mer

°

robes
et châles
des femmes
à la mer

°

grosse fourmi
à longues pattes
sur mon pied
insensible

°

une chaussette à la mer
et un voile –
Monastir

°

une serviette verte
à sécher au balcon
fait signe au loin

°

les anses
du sac plastique
bougent
sous le ventilo

°

dans les champs clairs
l’ombre noire des oliviers
sous la pleine lune

(El Jem – Monastir)

°

l’enfant tunisien
qui shoote dans le melon
qu’il rapporte

°

chassant de ses fruits
les mouches avec un chiffon
- marché couvert

°

de son rocher
un chat guetteur
se retourne

°

où tu vas
les mots (partout)
dans tes poches
- liberté

°

un bambin sur la terre poussiéreuse
un âne sous l’olivier

°

cinq dinars
brillant
au fond de la piscine :
dernier cadeau de Monastir

°

en panne
dans un no man’s land –
chaleur d’oliviers

°

l’ombre d’un nuage
au centre d’un lac
- retour

°

des feux à terre clignotent
suivant la progression de l’avion
- soleil

°°°

Paris-Monastir-Paris, 11/13-7-2003.

“Octopus and the Moon”, oeuvre pour orchestre d’harmonie composée par Eric Fischer sera créee par l’Orchestre National d’Harmonie des Jeunes dirigé par Miguel Etchegoncelay le 17 juillet 2009 à Schladming en Autriche lors du concert de gala du festival Mid-europa regroupant des orchestres de toute l’Europe.

“Octopus & the Moon”: …pourquoi ce titre?!
D’une part, comme beaucoup de gens ( mais peu osent l’avouer), à minuit les soirs de pleine lune, je me transforme en poulpe.
D’autre part et d’un point de vue structurel, la pièce enchaîne huit états de son évolution, des vagues, autrement dit flux & reflux, car il ne s’agit pas de développements.
Chaque nouvel état sonore émerge puis disparaît. Cet ouvrage n’est pas dans l’usage habituel d’un orchestre d’harmonie mais est à coup sûr ce que j’aimerais souvent lui entendre jouer: un temps suspendu, introspectif voire intime, la richesse de la nomenclature liée à ce type de formation permettant à l’infini la recherche de couleurs sonores et de combinaisons.”
Eric Fischer

La partition, conducteur et parties, sera disponible sur le site courant juillet.

Il y a quelques années, j’ai eu l’occasion d’assister à un concert dirigé par Guennadi Rojdestvenski. Je  me souviens du plaisir immense ressenti alors.   J’étais ressortie du Victoria-Hall sous le charme et maintenant encore quand j’y repense, les sensations sont toujours là. Pourtant, je ne le voyais que de dos…

J’ai désormais fait connaissance avec son côté face, grâce à ces deux films de Bruno Monsaingeon. L’un d’eux montre le chef russe en répétition, avec orchestre ou au piano, et parlant de son métier de chef d’orchestre.

Ce personnage est un spectacle à lui tout seul !  A visionner sans modération.

Les Notes interdites sont celles que les compositeurs soviétiques n’avaient pas le droit de composer sous Staline, qui voulait une musique joyeuse et belle. La dissonance était interdite et pouvait conduire au goulag. Film réalisé avec des extraits d’archives, avec aussi le récit de Rojdestvenski, témoin de cette époque. Edifiant.

Marie-Noëlle

Un extrait du DVD

MONSAINGEON, Bruno. Notes interdites : Guennadi Rojdestvensky profession chef d’orchestre (Ideal Audience, 2007) Disponibilité

MPLBelgique.org

Abdo Mounzer est candidat du Courant Patriotique Libre sur la liste du Changement et de la Réforme, au siège catholique  de la circonscription du Chouf.

Candidat: Abdo Mounzer
Courant Patriotique Libre
Catholique – Chouf

Abdo Mounzer est auteur compositeur, chef d’orchestre, producteur et compositeur à l’académie des artistes professionnels au Liban.Il préside actuellement le comité des auteurs compositeurs et des producteurs de musique au Liban.

Etat civil
- Il est né le 6 août 1959 à Kfar Kattra (Chouf).

Études
- Il a étudié la musique au collège St Esprit à Kaslik (Liban)
- Il a représenté le Liban comme producteur de musique et chef d’orchestre à l’orchestre philharmonique de Berlin (Allemagne) au festival international de la chanson, par l’intermédiaire de Vidof Liban.

Sa vie professionnelle

- De 1977 à 1987: Il a fondé le groupe musical Abdo Mounzer de 1977 à 1987, participant aux fêtes, festivals, galas, soirées dans les plus grands music-hall et avec les plus grands chanteurs et chanteuses du Liban: Casino du Liban, Théâtre Georges V, Théâtre de l’Athéné, Château Trianon,etc…
- 1992: Propriétaire et directeur d’un studio privé de première classe pour enregistrement audio, Studio Maestro. Fondé en 1992, il a évolué pour devenir en 1995 une société de production artistique.
- 1994: Il a instauré un collège privé pour l’enseignement musical sur tous les instruments orientaux et occidentaux.

A la TV
- 1981: Chef d’orchestre de 1981 à 1992 à Télé Liban, LBC et MTV pour des programmes musicaux locaux, au festival de m.b.c. en direct sur satellite en 1990.
- 1999: Il a aussi dirigé la troupe musicale dans le programme “Chouf Halak” sur Murr TV en 1999.

Festivals de l’Armée
- 1993: Chef d’orchestre au “Festival de la fête de l’Armée” en 1993 auquel ont participé plusieurs artistes libanais: Sabah, Zaki Nassif, Majida Roumi, Pascal Sakr, Ghassan Saliba,…
- 1995: Il a été décoré de la légion d’honneur  par le chef de l’armée libanaise pour sa participation avec l’orchestre à la fête de l’Armée et plusieurs autres fêtes nationales en 1995.
- 1999: Il a reçu un écu d’honneur du bureau d’orientation de l’armée libanaise en tant que chef d’orchestre du festival musical national, sous le patronnage et en présence du premier ministre Dr. Salim el Hoss, à l’occasion de la fête nationale des deux armées, libanaise et syrienne, en 1999.

Chef d’orchestre
- De 1986 à 1997: Chef d’orchestre de la troupe musicale de Majida Roumi dans toutes ses tournées libanaises, arabes et mondiales:
- Festival de Jéricho, Carthage et Bassorah
- A l’Olympia et au Palais des Congrès à Paris
- Place des Arts au Canada
- Hunter College Theater aux États-Unis
- Salle des congrès et le jardin chinois (république arabe égyptienne)
- Albert Hall (Lonfres)
etc…
- Chef d’orchestre au festival de la chanson arabe au Château Trianon
- 1994: “Liban en direct” sur les stations TV satellitaires
- 1997: Chef d’orchestre au festival de l’Orbite II, au Forum de Beyrouth, durant 4 nuits et auquel ont participé d’autres artistes tels Mayada el Hanaoui, Warda, Georges Wassouf, Ragheb Alamé, Najwa Karam, Zikra, Sabah Allami, Diana Hadad, Assi Hellani,etc…

- Orchestre philharmonique de Boulogne
70 instrumentistes (musiciens) et 80 choristes avec la chanteuse Majida el Roumi à l’Olympia de Paris, en présence de la première dame du Liban, Mme. Mona el Hraoui. Les bénéfices de cette soirée devaient aider à la construction du Musée National Libanais en 1998.

- 1998: Orchestre philharmonique du Caire avec la chanteuse Majida el Roumi au Forum de Beyrouth et au Château Trianon
- 1999: Chef de la troupe musicale “Les Jeunes Amis” (80 choristes de toutes les régions libanaises)
- 2000: Chef de l’orchestre symphonique à l’opéra égyptien lors de plusieurs soirées de la chanteuse Majida el Roumi
- 2000: Chef de l’orchestre “Concert des concerts” avec 250 chanteurs de plusieurs chorales et groupes musicaux, 30 musiciens, sous le patronage et en la présence de Charles Hélou, ancien président de la république, en l’église St Elie (Antélias).
- De 2005 à 2008: chef d’orchestre de troupes musicales et de chorales au forum “Seigneur des Martyrs” où il exécutait ses compositions.
- Opérette “Addaou’el mouchaza” à l’occasion des 40 jours de la mort de Imad Moughnié en 2008.

Ses compositions
- Koun Sadiki – Ibhas anni – Bismaak bil layl – Yakoul inni imra’a – ana min dounak – bitsir eddeni ahla – chou bhebbak – Khedni habibi – Addaou’el mouchaza, et autres…
- Il a sorti son premier CD “Noël des Cèdres” aux éditions Mozart Chahine et fils, en 1982, puis le CD “Chemin de Bolgota” et “Noël 2005″.
- Son premier album “Sahartini” de 9 chansons, a été dédicacé à Virgin.
- Trois vidéo-clips ont été tournés à Beyrouth: “Abdo habeb Ghandoura”, “Khayef ijrahlak albak”, “Bitsir eddeni ahla”.

Sa fille
- “A ma fille”: récital artistique musical avec 30 musiciens et 20 chanteurs sur la scène du Palais de l’Unesco à Beyrouth en 2004 et au Chateau Trianon à Jal el Dib en mai/juin 2004.
- Depuis 2004: Il s’occupe de la gestion des affaires de sa fille, la jeune chanteuse Hiba Mounzer.
- Il a fondé la société “Har Production” pour produire et vendre les CD et clips de sa fille Hiba : Chou Bhebbak, Kif baddak habibi, Khidni habibi, Beyrouth ya Beyrouth, et autres….

Il a été élu président de la société des auteurs compositeurs et éditeurs de musiques au Liban (s.a.c.e.m.L.) le 15 mars 2009.