So cold today that I saw grown men hunch into their spines in search of warmth, trying to make their rib cages into tortoises shells.  No hiding from this, friends, it’s finally winter.  I’ve systematically lost every pair of gloves I’ve owned over the last few years — except for the most recent and I’ll be damned if I misplace them in this weather.

Went to MOMA today to see the Gabriel Orozco show.  If you’re making any New York museum trips, SEE THIS.  Mexican sculpture and photographer, young, clever, thinking outside of the [shoe]box.  I would link to the reviews populating the internet, but I think the show is best experienced without previous expectations.  I will say only that it is the most light and joyful collection of conceptual objects I’ve seen in a while.

My roommate Kira’s friend and her son came over this evening.  This apartment’s walls are unaccustomed to the happy noises of a two year old.  Makes it warmer still inside.  Even so, time for the cover of the comforter.

Francesco Bonami on the Everyday

Maurizio Cattelan
Installation view of ‘All’ at Kunsthaus Bregenz (2007)
Courtesy Kunsthaus Bregenz © Maurizio Cattelan. Photo: Markus Tretter

From Gabriel Orozco’s exhibition of yoghurt pot lids to Rirkrit Tiravanija’s transformation of a gallery into a kitchen to serve visitors food, when David Hammons set up a stand selling snowballs in downtown New York, he cannot have imagined that 25 years later the subject of the “everyday” would be so popular.

The everyday is not selling well in the art world these days. People are more interested in the strategies of the market than in tactics of survival. The difference between a strategy and a tactic in this context was described very well in Michel de Certeau’s The Practice of Everyday Life (1980). A strategy, according to de Certeau (a Jesuit turned social scientist), relates to a form of authority that is capable of producing laws and commercial goods, including art and culture. A tactic, however, belongs to those people who defy authority and infiltrate institutions, but do not wish to take them over. The art world has always reflected this dichotomy between strategies and tactics in the production of art. When its economy is strong, most of the subjects – artists, curators, collectors, dealers – follow strategy’s path. But when that economy collapses, the surviving subjects move into a more tactical sphere, embracing new methods of production in ephemeral situations and courting the everyday more than the permanence of art history through the object – be this a painting or a sculpture, photograph or video installation.

David Hammons performing ‘Bliz-aard Ball Sale’ (1983), Cooper Square, New York City
Courtesy Migros Museum, Zurich © David Hammons. Photo: Dawood Bey

Looking back, the return to painting emerged out of the economic doldrums of the 1970s, typified in the work of the German neo-Expressionists (such as Anselm Kiefer), the Italian transavantguardia (Francesco Clemente, Enzo Cucchi), or individuals such as Julian  Schnabel. All represented a rejection of the collective mood of the anti-object work from the 1970s. And the generation of artists that emerged after the Black Monday crash in the financial markets in 1987 reclaimed the carpe diem motto, creating art as a way of living rather than a production of objects. The appearance of an artist such as Matthew Barney, who would later become a darling of the collecting establishment, reflected the necessity for this generation to define a new territory. His early performances, such as Drawing Restraint 1–6 (1987–1989), in which he climbed around his studio or gallery walls, attempting to create drawings while hindered by obstacles and various objects, were entropic actions that transformed the everyday obsession with the body of the late 1980s into a quasi-escapist practice from the imploding hedonistic atmosphere of that period. Another artist of the same generation, Rirkrit Tiravanija, in his debut show at 303 Gallery in 1992, offered another alternative to the strategies of the art market – transforming the selling point of the gallery space into a service for the visitor. His revolution was to dispose of the artist as hero to create the artist as host. If Joseph Beuys embodied the ambiguous role of the healer, Tiravanija aimed at a more practical position, for example turning the gallery into a restaurant and offering each visitor a meal.

Joseph Beuys cooking stew in his Düsseldorf studio (1984)
Courtesy Edizioni Charta, Milan. Photo: Lucrezia De Domizio Durini

Cover of Rirkrit Tiravanija’s Soccer Half-time Cookery Book (2006)
Courtesy Verlag für Moderne Kunst Nürnberg © the artist

Following his Buddhist roots, the Thai artist believed in a practice that focused on the process or the path rather than the goal of historically strategic art object. We could trace his influence back to Marcel Broodthaers, even if the Belgian was moved more by need than by necessity. Broodthaers was seeking a form of artificial historicity rather than a straightforward celebration of the everyday. But Tiravanija was not alone in drawing a new map of the everyday. Around the same time other artists such as Gabriel Orozco, Philippe Parreno, Ceal Floyer, Koo Jeong-a, Maurizio Cattelan, Sarah Lucas, Carsten Höller, Yutaka Sone and Udomsak Krisanamis started to explore the possibility of morphing the everyday into a new form of art. Orozco’s Empty Shoebox (1993), first shown at the Venice Biennale on its own in a room, is maybe the ultimate and most symbolic gesture to reduce the monumentality and self-celebratory attitude of Minimalism into its very opposite: a monument to now. In all Orozco’s early work the now and the everyday are glorified in their momentary existence. The artist’s breath on a piano (Breath on Piano, 1993), oranges on empty market stalls (Turista Maluco, 1991), wet tyre marks left by a bicycle, the empty shoebox… all carry the universal message of life = art.

Gabriel Orozco
Extension of Reflection 1992
Courtesy Marian Goodman Gallery, New York © Gabriel Orozco
C-print
40.6×50.8cm

The everyday is, for the artists of the 1990s, the new eternity. Their motto could have been: “Now is for ever.” The granddaddy of the everyday generation is David Hammons, who mastered the practice long before those artists mentioned above were out of their nappies. From his Bliz-aard Ball Sale(1983) – selling snowballs of different sizes on Cooper Square in New York – to distributing a simple weather forecast (“August 18th in Munster: it will rain”) passed by word of mouth, the everyday is transformed into the only day. The Hammons “children” conceded to some form of strategy, with the increasing pressure of the art market and the temptation to move the bareness of the mundane into major elaborated productions changing the platform of everyday reality into some kind of theatrical fiction. Meanwhile, Hammons maintained the integrity of his own tactics, moving guerrilla-style among the treacherous sirens of the twenty-first-century art world. Tiravanija and company had harder times in maintaining their ground.

One of the most innovative artists of the everyday group – if you can call them that – is Olafur Eliasson. After his masterful installation The Weather Project (2003–2004) at Tate Modern, where he prolonged the end of the day with his artificial sun (and at the same time injected a level of mysticism rarely seen in contemporary art), his most recent project imploded through over-production. New York City Waterfalls – four artificially constructed waterfalls ranging in height from 90 to 120ft, installed at sites along the banks of the East River – cost $15million and seemed like a fiasco. The water being pumped out of the pipes looked more like a giant leak than the natural wonder we were expecting; and the salt water spray threatened to kill off some of the local plant life. Those pipes reflected the crisis within a generation apt to mishandle their ability to construct a consistent philosophy about the everyday and lost in the over-arching scale of their projects. Simplicity transformed into a Fitzcarraldo-esque nightmare.

The remake of the everyday appeared much more difficult, complicated and expensive than any of the artists involved in the early process could have ever imagined. From the studio to the restaurant to the street and into the factory – this is the progression that many artists have followed, with the everyday becoming a business in between architecture, the movie industry and the theatre. Duchamp would have done it more elegantly – a chess game in a museum or a nice walk across Washington Square. His attitude was mirrored at the beginning of the 1990s but today has largely disappeared. Even Tiravanija’s performances have lost some of the freshness that pervaded the space of his early cooking experiments. Today his conviviality happens in more structured events for more strategic circumstances. The sensibility of Orozco’s exhibition of four yogurt carton tops at the Marian Goodman Gallery in 1994 was evoked by his latest installation Obit (2008), made up of drawings and collages of obituaries from the New York Times. Cut-and-pasted anecdotal stories of the deceased attempt to grasp the everyday in the same way that the yogurt cups did, but finally they cannot compete with that blunt gesture raised from pure necessity.

Matthew Barney performing Drawing Restraint 2 in his studio (1988)
Courtesy Gladstone Gallery, New York © Matthew Barney1988. Photo: Michael Rees

The everyday has become an exclusive club, losing a big part of its capacity to absorb the social realm within its boundaries. Only those who never belonged to the club are today still in the trenches of the everyday, the Swiss duo Fischli & Weiss, Martin Creed and Jeremy Deller. These artists have been able to maintain the balance between processing the moment and producing a substantial artwork. Former outsiders such as Roman Ondák or Pawel Althamer are also preachers of the everyday as the only way to seek inspiration in their creative endeavour. Yet even their stubborn form of resistance is softening. The art world, as with all well-oiled capitalist systems, understood long before the practitioners themselves that the everyday was a form of subversion that needed to be framed in order to limit its possible effects, influence and eventual damage. Because the everyday tactic manifests itself not in its product but in its methodology, the art world offered the artists the chance to enhance their production methods, thereby weakening their subversive tactics. Lured by the opportunity to make their interventions more visible and permanent, many artists abandoned daily experimentation, and with it part of their free soul. Most of them knew from the very beginning that this would be the outcome. Few used the everyday as a Trojan horse to infiltrate the market and take economic control of their own production. Few, if any, stood apart. Those who did, such as Christian Philip Müller, are not as visible as they might be. The everyday rarely sells, unless it is presented like a lacquered vitrine of cigarette butts. Art, after all, is all about transforming the everyday into something exceptional. It should not come as a surprise that what came out of necessity at the beginning of the 1990s after a brutal economic downturn, was then transformed into a conventional strategy. It is a matter of logic – the coming of age of any subversive movement. Today we are facing another economic meltdown and, in its wake, a new form of artistic resistance will probably surface in the next few years. Galleries will change their spots once again, presenting themselves as born-again restaurants, bars or community centres. Tactics of survival will once again replace more structured strategies. Art practice will probably free itself again from grounded institutions to avoid the risk of being archived too soon as a period’s token in museums’ collection storages. The everyday will regain prominence. In fact, Michel de Certeau pointed out that in its slipperiness lies a good deal of the everyday’s power.

Martin Creed
Work No. 925 2008
Courtesy Hauser and Wirth Zurich © Martin Creed
Various chairs
188×55cm

When sixteen years ago I crossed the threshold of what I used to know as 303 gallery to enter Rirkrit Tiravanija’s made-up noodle restaurant, I did not know what I was looking at, but I felt the strength of a powerful new language. It was a lesser god revolution, but still a revolution. Crisis, as painful as it can be, can help the language of art reconfigure itself. But we must keep in mind that yesterday begins tomorrow and so it does everyday.

Ceal Floyer
Helix 2002
Courtesy, IKON Gallery, Birmingham © Ceal Floyer
Mixed media
Dimensions variable

Actuación Pixie Lott – Mama do

Coreografía conjunta de los cuatro nominados
Underworld – Born slippy

Coreografía Marina y Keko
Ondina – Fuera de aquí

Coreografía Virginia y Wiki
Get shaky – The ian carey project

Coreografía individual Virginia
Axel – Celebra la vida

Coreografía individual Wiki
30h!3 – Don’t trust me

Coreografía individual Marina
Therese – Rosen lounge mix

Coreografía individual Keko
Marrs – Pump up the volume

Coreografía stephane boko
Coldplay – Viva la vida

Coreografía desafío conjunto Adrián y Keko
Moony – I don’t know why

Coreografía desafío Adrián
Levert Sweat Gill – My body

Coreografía desafío Keko
Jazzy Jeff & The Fresh Prince – Summertime

Coreografía nueva pareja
Mario – Let me love you

Coreografía improvisación desafío
John Parr – New horizon

Actuación Antonio Orozco – Que me queda

Coreografía inmunidad Fátima y Keko
Madcon – beggin

Coreografía inmunidad Sarai y Albert
Britney Spears feat Nicole – Do what you want 2 me

Coreografía inmunidad Jenny y Jonathan
Rebeka Brown – Finally

Coreografía inmunidad Leti y Alberto
Heavy metal remix – Ordinary People

Coreografía inmunidad Cris y Sergio
Imogen heap – Hide and seek

Coreografía inmunidad Noe y Juanma
En Vogue – my lovin
Coreografía inmunidad Dafne y Diego
Michelle Williams – Stop this car

Coreografía inmunidad Lourdes y Juanfran
Willy Chirino – Los campeones de la salsa

Coreografía inmunidad Virginia y Wiki
Bryan Adams – Heaven

Coreografía inmunidad Juan y Nerea
Mobin Master feat. Karina Chavez – Show me love

Coreografía fuego
Madonna – Celebration

Coreografía grupo Diego (Cris, Jonathan, Wiki y Nerea)
La Roux – Tigerlily

Coreografía grupo Fátima (Leti, Lourdes, Noe y Dafne)
Abel The Kid y Raúl Ortiz – Why

Coreografía grupo Alberto (Virginia, Juan, Jenny y Sarai)
Skee lo – I Wish

Coreografía grupo Sergio (Juanfran, Juanma, Keko y Albert)
Guetts – Sing for me

Retrato de la Señora Natasha Gelman, 1948 / Rufino Tamayo

En 1941, Jacques Gelman productor de cine[1] de origen ruso y Natasha Zahalka proveniente de Checoslovaquia contraen matrimonio, asentándose en México y combinando estadías en Nueva York ambos se dieron a la tarea de  reunir una significativa colección de arte con dos vertientes. La primera referida al arte moderno europeo y la segunda al mexicano. No obstante, tras la muerte de los coleccionistas, su albacea Robert Littman ha promovido la creación una tercera colección enfocada  a la adquisición de piezas de arte contemporáneo mexicano.

Uno

Podría señalarse el inicio de la primera colección en la década de los treinta durante la estancia de Jacques en París, donde adquiere algunos dibujos de Renoir; si bien dichos dibujos ya no se encuentran dentro de la colección, evidencian un temprano interés por el coleccionismo de arte. Dicho interés se manifestaría en las  85 obras de arte vinculadas a vanguardias europeas del siglo XX que el matrimonio reuniría, teniendo como eje principal la acumulación de obra relativa al postimpresionismo, el cubismo y el surrealismo.

Esta colección fue legada al Metropolitan Museum of Art, bajo la condición de permanecer reunida en una sala que enuncie el nombre de los coleccionistas. Dicha cesión representa el ingreso de obra más importante que haya tenido el este museo neoyorquino en cuanto a piezas de arte del siglo XX se refiere, al incluir pinturas, esculturas y dibujos de célebres artistas como Matisse, Picasso, Miró, Dalí, Giaccometti y Mondrian entre otros.

Dos

La segunda colección, la relativa a piezas arte moderno mexicano, surge en 1943 cuando Jacques encarga a Diego Rivera un retrato de su esposa. En los meses posteriores se solicitaría otro retrato de Natasha, en esta ocasión a Frida Kahlo y a continuación vendría la compra del óleo Diego en mi pensamiento,  llegando a reunir once obras de la artista. Sin embargo, sería Gunther Gerzso quien que tendría mayor peso en la colección representando cuarenta obras de las noventa y nueve que logró reunir el matrimonio.

Las primeras adquisiciones se hicieron principalmente a artistas validados no sólo en los círculos nacionales sino internacionales como Rivera, Orozco, Siqueiros, Tamayo o Kahlo quienes en la década de los cuarenta ya habían logrado reconocimiento en el ámbito internacional. El ingreso de piezas de otros artistas se dará posteriormente cuando estos ya han sido revisitados por la crítica, tal es el caso  de María Izquierdo y Agustín Lazo, cuyas obras fueron adquiridas durante una subasta en Nueva York,[2] otro caso sintomático es la pieza de Francisco Toledo[3] titulada Perro con escoba de 1972 la cual también fue adquirida en Nueva York.

El sistema de prestigio abordado en el párrafo anterior podría explicar la moderada visibilidad que ha tenido la obra de Gerzso, pues a pesar de representar la parte gruesa de la colección su protagonismo ha sido reducido para dar paso al impulso de las demás firmas presentes en la colección[4]. Es probable que este sesgo se deba a que Gunther era amigo cercano del matrimonio, gracias a sus años de trabajo junto a Jacques como escenográfo en la productora; lo cual explica por un lado su numerosa aparición, así como su amistoso ocultamiento. Acrecentado también por el tímido prestigio que posee la corriente abstracta que Gerzso cultivó frente al célebre arte figurativo nacionalista conocido usualmente como escuela mexicana de pintura.

En 1986 muere Jacques por lo que la responsabilidad de la continuidad de la colección queda en manos de Natasha. Quien en 1992, presta por primera vez la colección mexicana completa para su exhibición al Centro Cultural Arte Contemporáneo de Fundación Televisa dirigido por Robert R. Littman.

Probablemente por la desconfianza que los Gelman rindieron al estado mexicano[5], Natasha observó pertinente que la colección quedará custodiada por este centro de carácter privado, designando como albacea a Littman. Sin embargo, la muerte de la señora Gelman, así como el cierre del Centro Cultural en 1998, dejan a la colección en una situación incierta, acrecentada por  la negativa de Littman a las ofertas hechas por instituciones como la UNAM y numerosos museos: Munal, Museo Dolores Olmedo, Franz Mayer y el de Arte Contemporáneo de Monterrey.[6] Esto debido a que se el albacea buscaba evitar que la colección acabara “nacionalizada” y a que posiblemente no cumplían con  las tres condiciones básicas que Littman consideraba debían poseer las instituciones que tuvieran interés en resguardar la colección Gelman de manera permanente: “que se quede en México, que la obra se mantenga junta y que se conserve el nombre original”.[7]

Como remedio a esta situación se origina un gira de la colección alrededor del mundo que la llevaría a visitar 21 sedes por un lapso de aproximadamente cuatro años. Hasta 2004 cuando colección regresa a México en comodato como nodo central del Centro Cultural Muros, espacio que surge como medio expiatorio de una serie de polémicas desatadas por la destrucción del célebre casino de la Selva en Cuernavaca Morelos por parte de las empresas Costco y Comercial Mexicana.

En 2006 la colección se vio envuelta en un escándalo legal, tras las demandas impuestas al albacea Littman, por parte del hijo adoptivo de Cantinflas, Mario Moreno Ivanova; si bien dicha demanda resultaría improcedente, el punto de quiebre se daría en el 2007 cuando tras una serie de artimañas legales el abogado Fuentes León y su hijo, Enrique Fuentes Olvera compran la cesión de derechos testamentarios al medio hermano de Natasha, Mario Sebastián Krawak[8], introduciendo una demanda que ha puesto en juego el destino de la colección. Ante tal situación, de manera controvertida Littman decide resguardar la colección en algún lugar “seguro” mientras procede la disputa legal. Por lo que el Centro Cultural Muros cierra sus puertas en abril de 2008, para dar paso a la primera sucursal del Papalote Museo del Niño, mientras el destino de la colección de arte mexicano de los Gelman queda aún pendiente.

Tres

Tras la muerte de Natasha, Littman en su condición de albacea crea la Fundación Vergel con el fin de administrar la colección de arte moderno mexicano de los Gelman. La cual al itinerar al alrededor del mundo generó suficientes fondos para permitir la compra de numerosas obras de arte, adquiriendo cerca de doscientas piezas. Esta nueva colección serían exhibidas de manera permanente  junto con la colección original durante  fugaces años que el Centro Cultural Muros permaneció abierto, aglutinando ambas colecciones al presentarlas como “La colección de Arte Mexicano Moderno y Contemporáneo de Jacques y Natasha Gelman”. En el breve ensayo de Raquel Tibol publicado en el catálogo del Centro Cultural Muros, ésta hace alusión a la existencia de tres espíritus involucrados en la colección, los primeros dos, Natasha  y Jacques; y el tercero, Robert R. Littman. Así mismo la crítica de arte comenta: “según la opinión de sus iniciadores, la colección debía ser y considerarse un organismo vivo” argumento que justifica la “feliz expansión hacia el siglo XXI, así como a incorporación de obras que no estuvieron consideradas en el arranque”. [9] Implicando no sólo la adjunción de la sección contemporánea a colección original, sino la adjunción de una tercera mirada que se legitima a través de la colección generada por la pareja Gelman.

El propósito de Littman de contribuir a la colección se dejaría entre ver desde 1999, a sólo un año de la muerte de la Sra. Gelman en el prefacio del catálogo de la exposición “Arte mexicano, Colección Jaques y Natasha Gelman” presentada en Buenos Aires, donde se puede leer “Ésta colección cuyo status de ahora en más histórico no le ha impedido seguir resueltamente abierta hacia el porvenir”.[10] Según Littman: “las nuevas adquisiciones se han hecho siguiendo los lineamientos y criterios de los Gelman: apoyar a los artistas mexicanos de su generación y subsecuentes y ampliar la gama de autores de la colección”

Podemos apuntar por el momento que la piezas adquiridas para esta sección contemporánea se encuentran vinculadas principalmente a la escena del arte contemporáneo mexicano, incluyendo artistas que han alcanzado reconocimiento en el panorama internacional; artistas como Abraham Cruzvillegas, Gabriel Orozco, Teresa Margolles, Paula Santiago, Magali Lara, Betsabeé Romero, Santiago Sierra, Melanie Smith, Jan Hendrix, Betsabé Romero y Silvia Gruner, por mencionar algunos. ¿Será esta la visión que los Gelman tenían para el enriquecimiento de su colección? ¿Es ésta la tercera colección de los Gelman?

Por último, en vista del íntimo origen que la colección contemporánea generada por Littman guarda en relación con la colección de arte moderno mexicano creada por los Gelman (cuyo destino en tribunales todavía es incierto), queda pendiente saber ¿Cuál será el futuro de esta colección de arte contemporáneo?

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[2] Al respecto Natasha Gelman comenta: “A María Izquierdo no la conocí. Ella ya había muerto cuando Jacques y yo compramos cuadros suyos en una subasta en Nueva York. Vi los que tengo de Agustín Lazo por primera vez en 1990, en el catálogo de una casa subastadora estadounidense. Me gustaron mucho y los compré”

En la misma subasta de Sotheby’s en 1990 adquiere dos cuadros de Juan Soriano: Naturaleza muerta con cerebro y Caballo, fechados en 1944 y 1979. (a)

[3] Otros artistas presentes en la colección son Juan Soriano, Francisco Toledo, Vicente Rojo y Lilia Carrillo.

[4] Ha sido recurrente que sólo sean expuestas tres o cuatro obras de Gerzso en las distintas sedes en las que ha sido exhibida la colección. Mientras las obras de Kahlo son expuestas en su totalidad (Fundación Proa, Muros, Río de Janeiro).

[5] En sus memorias, Inés Amor apunta que el principal motivo por el cual los coleccionistas no ceden sus colecciones al estado es por desconfianza. Así mismo Amor señala que Gelman trasporta su colección de pintura europea a Nueva York previendo la promulgación de la ley de Federal sobre Monumentos y Zonas arqueológicos, artísticos e históricos de 1970. Que sería abrogada por la de 1972. pp. 264-265 (h)

[6] Ver (f)

[7] Ver (g)

[8] Quintero, Arelí; El botín de los Gelman. (e)

[9] (c)

[10] Ver (a) pp.14 

Bibliografía

(a)    _ ; Arte mexicano : Colección Jacques y Natasha Gelman&amp;lt;/em&amp;gt;; Buenos Aires, Argentina : Fundación Proa, 1999; 123 p.</span>
(b)   _ ; La colección de pinturas mexicanas de Jacques y Natasha Gelman&amp;lt;/em&amp;gt;; México: Fundación cultural Televisa / Centro cultural arte contemporáneo, 1992; 172 p.</span>
(c)  _ ; La Colección Gelman : selecciones : la colección de arte mexicano moderno y contemporáneo de Jacques y Natasha Gelman ; Cuernavaca, Mor. : Muros / Fundación Vergel, 2004; 136 p.
(d)    Garduño, Ana; Naufragios del Coleccionismo de arte; sección Confrontación, Discurso Visual, revista electrónica del Cenidiap-INBA; Número 4 nueva época, abril-junio 2005.
http://discursovisual.cenart.gob.mx/anteriores/dvwebne04/confrontacion/confgarduno.htm
(e)     Quintero, Arelí; El botín de los Gelman; revista Nexos; Número 375, marzo 2009.
http://nexos.adigital.info/?P=leerarticulo&Article=237
(f)     _ ; Littman no tiene prisa por entregar la colección Gelman; periódico La Jornada; México: 11 de mayo de 1999.
http://www.jornada.unam.mx/1999/05/11/cul-littman.html
(g)     _ ; Estrada: Sería maravilloso tener la colección Gelman en el Munal; periódico La Jornada; México: 29 de octubre de 1998.
http://www.jornada.unam.mx/1998/10/29/cul-gelman.html
(h)     Manrique, Jorge Alberto; Del Conde, Teresa; Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor; México: Instituto de Investigaciones Estéticas UNAM, 2005 (2ª edición).

.

Me clausuran en mí.
Me dividen en dos.
Me engendran cada día en la paciencia
y en un negro organismo que ruge como el mar.
Me recortan después con las tijeras de la pesadilla
y caigo en este mundo con media sangre vuelta a cada lado:
una cara labrada desde el fondo por los colmillos de la
furia a solas,
y otra que se disuelve entre la niebla de las grandes manadas.

No consigo saber quién es el amo aquí.
Cambio bajo mi piel de perro a lobo.
Yo decreto la peste y atravieso con mis flancos en llamas
las planicies del porvenir y del pasado;
yo me tiendo a roer los huesecitos de tantos sueños
muertos entre celestes pastizales.
Mi reino está en mi sombra y va conmigo dondequiera que vaya,
o se desploma en ruinas con las puertas abiertas a la
invasión del enemigo.

Cada noche desgarro a dentelladas todo lazo ceñido al corazón,
y cada amanecer me encuentra con mi jaula de obediencia en el lomo.
Si devoro a mi dios uso su rostro debajo de mi máscara,
y sin embargo sólo bebo en el abrevadero de los hombres
un aterciopelado veneno de piedad que raspa en las entrañas.
He labrado el torneo en las dos tramas de la tapicería:
he ganado mi cetro de bestia en la intemperie,
y he otorgado también jirones de mansedumbre por trofeo.
Pero ¿quién vence en mí?
¿Quién defiende de mi bastión solitario en el desierto, la sábana del sueño?
¿Y quién roe mis labios, despacito y a oscuras, desde mis propios dientes?

.

Olga Orozco
Entre perro y lobo
.

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Ella está sumergida en su ventana contemplando las brasas del anochecer, posible todavía.
Todo fue consumado en su destino, definitivamente inalterable desde ahora
como el mar en un cuadro, y sin embargo el cielo continúa pasando
con sus angelicales procesamientos.
Ningún pato salvaje interrumpió su vuelo hacia el oeste; allá lejos
seguirán floreciendo los ciruelos, blancos, como si nada,
y alguien en cualquier parte levantará su casa sobre el polvo y el humo de otra casa.
Inhóspito este mundo. Áspero este lugar de nunca más.
Por una fisura del corazón sale un pájaro negro y es la noche
–¿o acaso será un dios que cae agonizando sobre el mundo?-,
pero nadie lo ha visto, nadie sabe, ni el que se va creyendo
que los lazos rotos nacen preciosas alas,
los instantáneos nudos del azar, la inmortal aventura,
aunque cada pisada clausure con un sello todos los paraísos prometidos.
Ella oyó en cada paso la condena.
Y ahora ya no es más que una remota, inmóvil mujer en su ventana,
la simple arquitectura de la sombra asilada en su piel,
como si alguna vez una frontera, un muro, un silencio, un adiós,
hubieran sido el verdadero límite, el abismo final entre una mujer y un hombre.

.

Olga Orozco
Mujer en su ventana
.

.

He aquí unos muertos cuyos huesos no blanqueará la lluvia,
lápidas donde nunca ha resonado el golpe tormentoso
de la piel del lagarto,
inscripciones que nadie recorrerá encendiendo la luz
de alguna lágrima;
arena sin pisadas en todas las memorias.
Son los muertos sin flores.
No nos legaron cartas, ni alianzas, ni retratos.
Ningún trofeo heroico atestigua la gloria o el oprobio.
Sus vidas se cumplieron sin honor en la tierra,
mas su destino fue fulmíneo como un tajo;
porque no conocieron ni el sueño ni la paz en los
infames lechos vendidos por la dicha,
porque sólo acataron una ley más ardiente que la ávida
gota de salmuera.
Esa y no cualquier otra.
Esa y ninguna otra.
Por eso es que sus muertes son los exasperados rostros
de nuestra vida.

.

Olga Orozco

Las muertes

.

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No estabas en mi umbral
ni yo salí a buscarte para colmar los huecos que fragua la nostalgia
y que presagian niños o animales hechos con la sustancia de la frustración.
Viniste paso a paso por los aires,
pequeña equilibrista en el tablón flotante sobre un foso de lobos
enmascarado por los andrajos radiantes de febrero.
Venías condensándote desde la encandilada transparencia,
probándote otros cuerpos como fantasmas al revés,
como anticipaciones de tu eléctrica envoltura -el erizo de niebla,
el globo de lustrosos vilanos encendidos, la piedra imán que absorbe su fatal alimento,
la ráfaga emplumada que gira y se detiene alrededor de un ascua en torno de un temblor-.
Y ya habías aparecido en este mundo, intacta en tu negrura inmaculada desde la cara
hasta la cola, más prodigiosa aún que el gato de Cheshire,
con tu porción de vida como una perla roja brillando entre los dientes.

.

Olga Orozco

No estabas en mi umbral

.

.

Ésa es tu pena.

Tiene la forma de un cristal de nieve que no podría existir si no existieras

y el perfume del viento que acarició el plumaje de los amaneceres que no vuelven.

Colócala a la altura de tus ojos

y mira cómo irradia con un fulgor azul de fondo de leyenda,

o rojizo, como vitral de insomnio ensangrentado por el adiós de los amantes,

o dorado, semejante a un letárgico brebaje que sorbieron los ángeles.

Si observas al trasluz verás pasar el mundo rodando en una lágrima.

Al respirar exhala la preciosa nostalgia que te envuelve,

un vaho entretejido de perdón y lamentos que te convierte en reina del reverso del cielo.

Cuando la soplas crece como si devorara la íntima sustancia de una llama

y se retrae como ciertas flores si la roza cualquier sombra extranjera.

No la dejes caer ni la sometas al hambre y al veneno;

sólo conseguirías la multiplicación, un erial, la bastarda maleza en vez de olvido.

Porque tu pena es única, indeleble y tiñe de imposible cuanto miras.

No hallarás otra igual, aunque te internes bajo un sol cruel entre columnas rotas,

aunque te asuma el mármol a las puertas de un nuevo paraíso prometido.

No permitas entonces que a solas la disuelva la costumbre, no la gastes con nadie.

Apriétala contra tu corazón igual que a una reliquia salvada del naufragio:

sepúltala en tu pecho hasta el final, hasta la empuñadura.

Olga Orozco
Últimos poemas
Barcelona, Bruguera, 2009
77 pàgs., 14 €

Sempre esgarrifa llegir l’últim llibre d’un autor. I més encara si es dóna el cas que l’autor n’és conscient. Ho comentava fa uns dies en aquest bloc a propòsit del relat autobiogràfic (Carrer Ordener, carrer Labat) que Sarah Kofman escriu uns mesos abans de suïcidar-se. Ara estem davant d’un cas relativament semblant: Olga Orozco, nascuda a La Pampa el 1920, va escrivint aquests poemes i desant-los en una carpeta que després col·loca en un lloc visible del seu escriptori, poc abans de marxar cap a l’hospital, l’hivern de 1999, per sotmetre’s a una intervenció quirúrgica. Tot això ho explica en un pròleg ple d’emoció continguda la seva editora, Anna Becciú: “Al ver las carpetas, tan ordenadas, supe que se había marchado presintiendo que no regresaría”. Així va ser. De manera que l’editora va ordenar el material que ara ens ofereix i el va titular “Últimos poemas”.

En una entrevista, deia Olga Orozco que “la poesía es una interrogación que se contesta con otra interrogación”. Quan el periodista li pregunta per què escriu, respon: “Porque me siento inacabada, incompleta, insuficiente, restringida a este aquí, a este ahora y a este yo. La plegaria, la magia y la poesía, cada uno en su plano, lo sacan a uno de las limitaciones de esta realidad”. Que això no són només frases enginyoses per sortir del pas ho demostra la seva obra. En certs moments, llegint-la, tenim la impressió de recórrer un món quotidià alhora que al·lucinant, poblat de presències estranyes i oníriques. El prodigi, el misteri i la meravella són aquí, a tocar de mà, i gairebé podem conversar amb ells. Com en el realisme màgic. Tot i que ella deia, amb certa ironia: “Mis poderes son escasos. No he logrado trizar un cristal con la mirada, pero tampoco he conseguido la santidad, ni siquiera a ras del suelo. Mi solidaridad se manifiesta sobre todo en el contagio: padezco de paredes agrietadas, de árbol abatido, de perro muerto, de procesión de antorchas y hasta de flor que crece en el patíbulo. Pero mi peste pertinaz es la palabra”.

Com és lògic, en aquest últim llibre s’incrementa la seva familiaritat amb la mort. La sensació de soledat que traspuen els textos gairebé fa mal. I hi ha, també, un retorn a la infantesa, com si els d’aquella època fossin els únics records capaços de fer una mica de llum en la permanent habitació fosca des d’on sembla escriure i respirar. Com sempre, tot això seria secundari si no trobés l’articulació precisa en un llenguatge poètic brillantíssim. A banda de les imatges, el que més crida l’atenció és el ritme envoltant d’uns versos de respiració llarga, propers al versicle.

Només un fragment:

¿Cómo llegué a esta cueva sin calor y sin misericordia?
No he dejado guijarros ni migajas de pan como
señales de luz para el regreso.
¿Y hacia dónde volver, si todos los caminos me devuelven aquí,
como en los laberintos de los niños perdidos?
Aunque quizás no vuelva de nuevo a este lugar sólo
porque algún vértigo me aspire
sino porque lo llevo adherido a mis pies, a mi propia condena

Una semblança: http://www.letraslibres.com/index.php?art=8993

Vídeos i audios: http://www.buenosaires.gov.ar/areas/com_social/audiovideoteca/literatura/orozco_bio_es.php

El Instituto Cultural Cabañas (que, por sí solo, justifica una visita a Guadalajara) está plagado de estrellas blancas de metal y mangos maduros que han caído de los árboles y que alguien coloca, sin que nadie lo vea, sobre las esculturas. No parece algo raro, sin embargo; el edificio es tan majestuoso que no hay tiempo de pensar en todos los árboles de mango y sus frutos que uno se encuentra en cada uno de los 23 patios. También conocido como Hospicio Cabañas, este edificio fue inaugurado hace doscientos años. En 1937, José Clemente Orozco pintó el interior de la capilla; Octavio Paz se refiere a estos murales con las siguientes palabras: «Para Orozco pintar es expresar nuestra sed, jamás saciada, de significaciones absolutas. Él no pintó certidumbres intemporales: pinto el ansia de la certidumbre.» Ver álbum fotográfico.

Instituto Cultural Cabañas

Atravesar un tunel sin conocer las causas de cómo se ha entrado ahí, supone desconocer su longitud.

Acabo de leer que el PSdeG – PSOE acaba de igualar los resultados electorales del 2005, gracias al voto del CERA.

Igualar resultados de una opción de izquierdas y de progreso,  en un contexto como Galicia pueden resultar positivos, ya que, por mi própia experiencia se que el trabajo político aquí, en Galicia, es muy complejo.

Pero vayamos a los datos generales y una comparativa:

2009					2005
Candidaturas	Votos		Deputados		Deputados	Votos		Candidaturas
P.P.	760.591	47,09%	39		37	45,03%	756.562	PP
PSdeG-PSOE	483.357	29,93%	24		25	33,07%	555.603	PSdeG-PSOE
B.N.G.	267.631	16,57%	12		13	18,57%	311.954	BNG
UPyD	23.529	1,46%
TEGA	18.402	1,14%
EU-IU	15.948	0,99%				0,74%	12.419	EU-IU
OV	5.580	0,35%
PUM+J	3.229	0,20%
F.P.G.	2.745	0,17%				0,18%	2.982	FPG
NÓS-UP	1.474	0,09%				0,10%	1.749	NÓS-UP
D.O.	994	0,06%				0,04%	623	D.O.
PH	945	0,06%				0,09%	1.429	PH
+ G	811	0,05%
FE de las JONS	603	0,04%				0,06%	1.081	FE de las JONS
SAIn	402	0,02%
UCL	274	0,02%
GU	268	0,02%
SDD	234	0,01%				0,01%	239	SDD
AVE	212	0,01%

Bien, creo que también son relevantes los datos de participación, votos en blanco y nulos:

En estos datos faltan los votos del CERA que antes mencioné y dan el diputado 25 al PSdeG-PSOE por Ourense.

Creo que hay cuatro factores que explican la derrota del bipartito progresista gallego frente a la derecha:

1. Aún a pesar del incremento de la participación electoral, el PPdeG ha obtenido unos resultados similares a los de hace 4 años (4.029 votos más – excluyendo el CERA) . Eso significa que su masa de votantes permanece intacta y se han vuelto a movilizar de forma prácticamente idéntica.
2. El PSdeG – PSOE ha perdido 72.246 votantes (excluyendo el CERA) eso supone una clara desmovilización del electorado y más si tenemos en cuenta que a diferencia del 2005, hoy el PSdeG-PSOE gobierna además de las ciudades de A Coruña, Lugo, Santiago de Compostela, deberíamos añadir Ferrol, Vigo, Ourense. También añadir que en el 2005 presidían la Diputación de A Coruña y Lugo. Tendríamos que añadir que el efecto de gobernar en el conjunto del Estado es un valor añadido a tener en cuenta.
3. El BNG no crece desde que Xosé Manuel Beiras dejó de ser el cabeza de cartel de esta formación. Su crisis es latente y está fundamentada en un clarísimo retroceso elección tras elección. En esta ocasión han perdido 44.323 votos.
4. El voto nulo se ha duplicado con respecto al 2o05 y el voto en blanco ha crecido casi un 0,50% sobre el censo total y un 60% sobre si mismo. El voto en blanco en Galicia es la 4ª fuerza política, mientras que el voto nulo es la 7ª.

Creo que igualar resultados, desde un gobierno autonómico, sin disponer de los escaños suficientes para seguir gobernando no es un buen resultado. Se han perdido muchos apoyos ciudadanos por que en estos 4 años no se ha escuchado a la gente, se ha perdido una oportunidad única para transformar Galicia, se han desperdiciado muchas personas honestas que arrimaron el hombro para lograr el resultado del 2005, se ha pecado de soberbia,  no se ha construido partido, se han consolidado las camarillas de siempre,  no se ha desmontado la red caciquil clásica de la derecha gallega, no se han depurado responsabilidades políticas y de corrupción con temas tan sumamente desagradables como “La Ciudad de la Cultura”, se han incumplido promesas electorales tan importantes como esta (por poner un ejemplo), la administración del BNG ha sido francamente muy ineficaz, se han producido verdaderos escándalos en materia de oposiciones en la Xunta y no se han depurado responsabilidades políticas (será cuestión de tomar nota de los resultados en A Coruña y comarca…sobremanera, por que en el futuro tendrán que mirar más por mejorar y no tanto en medrar)

Y para finalizar… creo que repetir equipos (también lo dije en Santiago de Compostela) perdiendo o empeorando resultados, lo único que se consigue es desmotivar al colectivo…en este caso a la gran familia socialista gallega, a sus simpatizantes y votantes,  que al fin y al cabo son los que más sufren este mal resultado.

Por favor…no trateís de maquillar algo que sin duda no es suficiente. Por que con este resultado, el PPdeG, aún ganando, no merecían este resultado.

Dilluns dia 2 de Març es posa a la venda el disc debut de la banda Barcelonina Doctor Calambre. El disc que porta com titol ” De momento música”, conté 12 cançons amb un estil molt personal influenciat per tocs andalussos fins a unes guitarres eléctriques molt potents que fins i tot farien tremolar al mateix Steve Vai. El disc es possa a la venda en format físic (jewel box) i en format digital (iTunes)  on el podreu trobar en exclusiva si no podeu esperar fins Dilluns.

Veiem el que pensa Antonio Orozco del disc de Doctor Calambre:

De un color indiscutiblemente mestizo, con aires “levanteros” y tendencias claras. 

Es fácil afortunadamente, saber de donde vienen y hacia a donde van, supongo que al final todo es una cuestión de educación, y me temo que al igual que este humilde escribiente, cada uno de los componentes de Dr. Calambre, sabe de muy buena tinta, el frío que hace a las siete de la mañana de cualquier día de invierno.

En esencia, tendría que remontarme a los setenta, que es donde perfectamente podría haber nacido   Dr. Calambre. El emigrante, la búsqueda de oportunidades, el empeño por encontrarse a uno mismo, y el desahogo de conseguirlo, y sé que  son muchas las razones por las que me encuentro escribiendo esta misiva, pero no hay mayor razón, que sentirme reflejado en cada una de sus etapas.

La formula no existe, no hay instrucciones de desarrollo, sólo  ilusiones, maneras de decir las cosas y algo fundamental, creer profundamente en tus posibilidades. Esta es  la historia de tres tipos humildes, recios y contundentes, de ideas claras y formación delicadamente flamenca.

Todavía recuerdo con cierta melancolía, como me contaban su encuentro, como estaban encontrando la forma de comunicarse, y como “de a poquito” todo empezaba a encajar. Un viernes cualquiera, de un verano cualquiera se convirtió en el perfecto escaparate de lo que hoy ya podemos disfrutar, “De momento música”, el primer alumbramiento del que sin duda será el encuentro artístico que representará por excelencia  a toda una generación de “charnegos” que creemos que en la mezcla esta lo puro, por que al igual que  dijo un sabio, antes de ser mezcla tubo que ser puro.

Podemos y debemos discutir la esencia de cada una de las composiciones, podemos discurrir, pensar, analizar y criticar cada uno de los movimientos musicales, pero lo que no tiene ninguna discusión, es la forma encarnizada con la que han defendido cada una de las piezas que componen este álbum. Son jóvenes, atrevidos y cuentan con algo que les diferencia del resto, el talento elevado al cubo. Según vas escuchando, te das cuenta que no rigen maneras, que no existen las estructuras al uso, y que es precisamente eso los que les convierte en mágicos.

No dejaría de lado,  bajo ningún concepto,  el trabajo de composición de cada uno los que lo han hecho posible, su trabajo de memoria, el recuerdo y como tema a tema te ubican en la realidad que cada día nos regala nuestro barrio. El mejor de mis deseos para un sueño con nombre de corriente “DR. CALAMBRE”.

Antonio Orozco.

Ja disponible en:

Personaje controvertido este pintor y muralista mexicano, nacido en Chihuahua en 1896 y fallecido en Cuernavaca en 1974. Desde muy joven participó activamente en los movimientos políticos de izquierdas, tanto en su propio país como en Europa; aquí en España participó en la guerra civil apoyando a los republicanos.  En México compartió su fervor revolucionario, nacionalista y marxista con Diego Rivera y José Clemente Orozco, siendo los tres los creadores de la importante Escuela muralista mexicana. 

Estos días ha vuelto a ser noticia en los medios culturales la figura de Siqueiros por la restauración que se está realizando en Argentina de una de sus obras más enigmáticas, tanto en su elaboración como en el desarrollo histórico desde que fue creada. Se trata de un mural, titulado “Ejercicio Plástico”, que el artista pintó en Argentina en 1933, en una peqeña bóveda subterránea de una quinta cercana a Buenos Aires, “Los Granados”, propiedad de un personaje bastante singular, el uruguayo Natalio Botana. A la muerte de éste, en 1941, la obra comienza una etapa de vicisitudes que la ponen en peligro constantemente.

Imagen retirada a petición de su autor

La mujer del primer nuevo propietario, Álvaro Alsogaray, ministro de Economía argentino en los años sesenta, consideró las pinturas como obscenas y para evitar que sus hijos las contemplaran las mando revocar con cal. Curiosamente, su hija Maria Julia, ministra de la época de  Menem, protagonizaría un escándalo posando desnuda en la revista Noticias. La casa, con el mural incluido fue pasando por sucesivas manos hasta que en 1994, y tras una quiebra de los propietarios de entonces, la obra, ya desmontada y guardada en una serie de contenedores, se vería inmersa en una serie de procesos judiciales por la propiedad de la misma.

Afortunadamente, y a pesar de que el pleito continúa, se ha llegado al acuerdo de que la obra se vaya ensamblando y limpiando, labor que desarrolla un equipo conjunto de restauradores mexicanos y argentinos financiados por los dos gobiernos.

Para quien esté interesado en conocer más detalles sobre este asunto, dejo unos enlaces interesantes:

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Argentina/recompone/Siqueiros/elpepicul/20081208elpepicul_1/Tes

http://www.clarin.com/diario/2008/11/29/sociedad/s-01812476.htm

 http://www.iberarte.com/content/view/2934/339/

El grupo conocido como los orozco se estarian mudando prontamente a la capital salteña, ya que fueron tantos sus esfuerzos, que lograron concentrar un poder economico muy interesante, y se vieron con la necesidad de comprar todo un barrio para poder estar comodos. El Barrio estaria pasando el aeropuerto salteño, y tendria todas las normas de seguridad para instalarlos prontamente. Ah no son 8 los monos son como 20 y no te podes imaginar como gastan.

Lea todas las notas en periovista.com

Hacemos oración por el fallecimiento de Doña Amalia González de Gómez de Orozco, una dama muy activa y muy reconocida en el voluntariado social.
Los últimos días de su vida los pasó en Cuernavaca, Morelos, por recomendación de su médico.
Ella estuvo casada con el ex alcalde Alfonso Gómez de Orozco. También ya fallecido. Formaron una excelente familia. En el ámbito social, con ellos se iniciaron edificaciones para los clubes de servicio que se encuentran al sur de la ciudad. De hecho, fueron los principales accionistas.
Don Alfonso Gómez de Orozco fue dinámico empresario en algunos negocios, socio del recordado profesor Carlos Hank. Como transportista fue uno de los promotores para la creación de la Terminal Unica de Autobuses en su segunda edición (la primera fue la que se construyó en la avenida Juárez y Constituyentes).
La política pronto atrapó a Don Alfonso. Fue presidente municipal de Toluca. Una de sus principales obras fue tender la pavimentación a los 24 pueblos del municipio. Logró también, entre otras cosas, la rehabilitación de los viejos barrios de Toluca.
Paralelamente su esposa Doña Amalia trabajó intensamente en labores de rescate humano. Recuerdo que emprendió en los pueblos intensa campaña contra la sarna, un mal de la pobreza que fácilmente se eliminaba con jabón, zacate y agua. El mal no cedía hasta que descubrieron que la gente también debería cambiarse y lavar la ropa. Asimismo organizó las primeras casas de la mujer, donde las amas de casa recibían múltiples servicios y beneficios.
Descanse en paz la distinguida dama. Nuestras condolencias a sus hijos.

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Como la anterior semana, la que hoy inicia será de informes municipales. El alcalde de Toluca, Juan Rodolfo Sánchez Gómez, está en su mejor momento. Ha cumplido dando servicios que es su principal obligación.
Sin embargo, la seguridad necesita reforzarse. Los policías prácticamente son la vergüenza municipal. La ciudad está atrapada por ladrones, vendedores de droga y tullidos gendarmes.
Lo demás, como es la remodelación de la ciudad, objeto de críticas, por las incomodidades, es cierto, pero son horas extra que Juan Rodolfo realiza en su cargo.
En Huixquilucan se espera un informe duro. El alcalde Adrián Fuentes, al parecer, tiene preparado un resumen trágico de lo que ha hecho el crimen organizado en aquella zona. Se habla de ocho homicidios, secuestros, robos. Algo alarmante en una región donde están los 19 fraccionamientos más caros de México.
Por otra parte, nadie sabe explicar si aún existe autoridad municipal en Zumpahuacán. Se ignora cómo gobierna la alcaldesa y si rindió informe. Al parecer la van a quitar, muy legalmente, a base de martillazos. Y los diputados nada más se hacen como “la mamá del muerto”.
A propósito de este tema, pasando los informes, van a caer unos dos o tres alcaldes priístas. Los van a desaparecer del mapa administrativo, porque han descuidado la tarea política que les han encomendado.
La dirigencia tricolor hace sus comparaciones municipales en cuanto a aceptación partidista. Según se dice, el gobernador Enrique Peña lleva un buen ritmo ascendente, pero varios alcaldes van de picada.

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Hace poco tiempo, en este importante diario, se desplegó una noticia relacionada con la “pepena” después de ocurrir trágicos accidentes.
El pillaje, la rapiña, por parte de abusivos elementos que laboran para organismos de auxilio emergente, hacen perdedizos objetos de valor aprovechando circunstancias de desconcierto o de indefensión de los heridos.
Es un problema que ha ocurrido toda la vida. En desastres mayores, terremotos, inundaciones, avionazos, etc., se ha recurrido a la vigilancia del Ejército para evitar rapacidades.
Presentado un caso concreto de rapiña, se acudió a la policía preventiva que negó acusaciones sobre la desaparición de una cartera.
Es cierto que se trata de una cuestión de formación cultural que no es fácil corregir.
Sin embargo, pensando que algo se puede remediar, le encomendé a Sagrado Corazón que buscara alguna solución. Cualquier cosa que fuera la pondríamos en práctica.
Sagrado Corazón, con la obediencia que la caracteriza, aceptó la tarea y dijo saber a quién entrevistar.
Más rápida que veloz, regresó, pero muy desilusionada.
Me comentó que recurrió a los servicios celestiales de emergencia y se había entrevistado con Perpetuo Socorro.
Sagrado Corazón explicó que estuvo con Perpetuo Socorro, pero por más que le explicó lo que ocurría terrenalmente, PeSo no supo ni de qué se trataba, porque dijo que su labor siempre es ir al rescate espiritual de las almas. Nunca hay de por medio cosas materiales.
Y dijo una cosa muy cierta. Cuando enviamos a la tierra los niños, esos que ustedes dicen que “llegan de París”, se mandan sin nada, sin pañales ni biberón y cuando ustedes, a esos mismos niños, ya adultos o ancianos, los retornan, llegan como se fueron, sin nada. Sin embargo, dijo Perpetuo Socorro, el negocio parece que está muy bueno. Y comentó, “¿qué, hay manera de conseguir una franquicia?”.(f)

Es palabra de la parroquia Amén.

http://www.laparroquia-frater.blogspot.com

http://www.rvilchis.wordpress.com

 El Sol de Toluca

Catholics will celebrate sisters’ 80-year legacy

A religious order serving Roman Catholics in the central San Joaquin Valley for 80 years will be honored in Fresno.

The Sisters of the Holy Family religious order will be recognized with a special Mass of Thanksgiving at 10:30 a.m. Sunday at St. John’s Cathedral, 2814 Mariposa St.

The religious order began working in the Valley with six sisters in late 1927, when Fresno was part of the newly formed Diocese of Monterey-Fresno. It became the Diocese of Fresno in 1967.

At its peak, the Sisters of the Holy Family had about 20 sisters working at Valley parishes and missions. Throughout the years, the religious order dwindled in numbers. It is based in Fremont.

Sisters continuing to work in the Valley are Diana White, a chaplain at Corcoran State Prison; Carolyn Whited, also a chaplain at Corcoran State Prison; Kathleen Ann Garcia, director of religious education at St. Anthony of Padua Parish in Reedley; and Joan Litch, a diocesan liaison for the Lao/Kmhmu Catholic community. She also works in the Court Appointed Special Advocates program.

Halfrid Nelson, development director at KNXT, Channel 49, the diocese’s Fresno-based television station, says other orders of nuns continue to serve in the Valley. She calls the Sisters of the Holy Family workers “unsung heroines.” “They were major missionaries here,” she says. “They reached a number of people in the Sunday school and catechetical classes they gave.

“There were hundreds of people who got solid education as well as social services because of them. They were taking care of 101 needs as well as being educators.”

For more info, call (559) 485-6210.

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Ron Orozco, The Fresno Bee [September 20, 2008]

[The original article appeared in the September 20, 2008 Fresno Bee. It has been reformulated to a larger font, the editor.]

(EUROPA PRESS) La diputada nacional del PSOE, Ana Fuentes compareció hoy, junto con el secretario general del PSOE de Ronda, Francisco Cañestro, para explicar las razones que le han llevado a renunciar al acta de concejal socialista en el Ayuntamiento de Ronda, insistiendo en la “incompatibilidad” de ejercer ambos cargos.

Según Fuentes, que reconoció que su decisión se ha filtrado a los medios de comunicación antes de que la conociese al alcalde de Ronda, Antonio Marín, “Ronda necesita que sus concejales se dediquen los siete días de la semana a su gestión”, algo que explicó que no podía hacer por sus obligaciones en el Congreso de los Diputados, que le obligan a estar buena parte de la semana en Madrid.

Además, negó que su decisión sea fruto de discrepancias con sus compañeros de partido o con el PA, socio de gobierno de los socialistas en el Consistorio rondeño, señalando que “no hay ninguna crisis, es una solución de continuidad”, al tiempo que aseguró que “ahora voy a trabajar por Ronda desde otros ámbitos”.

De este modo, Fuentes, deja sus responsabilidades al frente de la delegación municipal de Turismo y de SOMUC. S.A, la empresa municipal de comunicación, de la que era consejera delegada, además de la portavocía del grupo municipal y la Primera Tenencia de Alcaldía.

Ahora, será Alberto Orozco, secretario general de Juventudes Socialistas de Ronda, quien le sustituya como concejal, estando previsto que se haga cargo de las delegaciones que ostentaba Fuentes hasta el momento.

Mientras tanto, Francisco Cañestro, quiso agradecer el trabajo realizado y valoró especialmente el gesto realizado por su portavoz, al tiempo que insistió en negar que se trate de una decisión fruto de algún tipo de problema o desacuerdo.