From big worldwide hits (“Yeah”, “Naughty Girl”, “Can’t Get You Out of My Head”) to more localized hits (“That Girl”, “The Way (Put Your Hand In My Hand)”, “Alone In The Universe”), to club smashes (“Planets of the Universe”, “My My My”) to rock tracks (“Sometimes”, “Load Me Up”) to first timers (“There You Go”), to CD only tracks (“I’ll Do Anything”, “Hot Mess”) – you’ll likely find something you like a lot on this list.

You can find the updated list right here – don’t forget to leave your comments!

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I wrote this essay for my MHIS 429 Topics in Film/Video course this semester at the Emily Carr University of Art + Design. Special thanks to Sarah Wichlacz for her essay titled, “Issues of Narration: Voice-Over in Film” which definitely helped me in the writing of my own essay. You can see her very well written piece at http://sarahwichlacz.com/?p=74

– FlashAddict

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Voice-Over Narration as an Active Agent in Film

The use of voice-over narration can and has been used in film to help convey greater depth and meaning to the audience. Whereas on the one hand, there are some who see it as a crutch when the director or writer is unable to move along the storyline effectively within a given scene; yet on the other however, when it is used effectively, voice-over narration can be inserted as an active agent to help provide greater impact and understanding to the audience in a way that a complex actor’s performance or scenery cannot convey. It is within this context that this essay will explore individual examples of voice-over narration from select films in which both sides of the issue will be explored; by not simply analyzing each voice-over narration example as either good or bad, but looking deeper at how the context and overall delivery affect the films, scenes and actors within.

To begin with, a proper definition of voice-over narration in film must be established, “Narration, or voice-over, is used in both documentary and fiction. It may be used to deliver information, provide the point of view of an unseen character, or allow an onscreen character to comment on the action.”(Ascher and Pincus 493) Put more simply, “A narrative text is a text in which an agent relates (‘tells’) a story in a particular medium, such as language, imagery, sound, buildings, or a combination thereof.” (Bal 5) By using this standard, multiple methods of providing voice-over narration in film can be utilized to help tell their respective stories, “In documentary filmmaking some of the key stylistic questions relate to how much the filmmaker attempts to control or interact with the subjects, and to the way information is conveyed in the movie.” (Ascher and Pincus 332)

The style adopted by U.K. documentarians such as John Grierson in the 1930s and 1940s is a kind of hybrid that can involve staged events and real people (non-actors)…Many of these films use a ‘voice of God’ narration-the authoritative male voice that provides factual information and often spells out the message intended for the viewer to take from the film. (Ascher and Pincus 333)

On the other side of the spectrum, Ascher & Pincus further explain:

Cinema vérité (also called just vérité or direct cinema) films attempt to spontaneously react to events and capture life as it is lived…Many of these films use no narration or interviews and attempt to minimize the sense that the material has been influenced or interpreted by the filmmaker. (Ascher and Pincus 333)

Within this context, one of the most notable examples of the use of voice-over narration can be seen in the opening of the film, Citizen Kane (1941), “The film’s plot sets another purveyor of knowledge, the ‘News on the March’ short. We’ve already seen the crucial functions of the newsreel in introducing us both to Kane’s story and to its plot construction, with the newsreel’s sections previewing the parts of the film as a whole.” (Bordwell and Thompson 105) In essence, this scene of paramount importance was purposely written by Orson Welles in order to allow the principal characters follow-up with further details later on in the film in their own flashback narrations.

The reinforcement of the scenes, characters and events detailed in this brief montage showcasing Kane’s life over the span of only a few minutes is accentuated, as referenced earlier by Ascher and Pincus, via the deep authoritative voice in which the booming male narrator speaks, which was quite representative on the actual newsreel footage of the era. In other words, by creating a fictionalized representation of a factually based newsreel within a film and having a similar sounding voice actor provide the narration within it, Welles provided the audience with further reinforcement of the importance of Charles Foster Kane on a global scale, in which he truly was within his own Xanadu.

Further evidence of life imitating art and vice versa comes from the voice-over narration within the film, Little Children (2006) which featured the deep resonating male voice of Will Lyman as the film’s narrator. Lyman’s voice was already recognizable, even his face wasn’t, for the 125 episodes of the PBS documentary television show Frontline (1982-2009) that he has narrated. With such various titles as, A Death in Tehran (2009), Breaking the Bank (2009), and Black Money (2009), Lyman has narrated multiple episodes for the series, while remaining unseen to the audience, in which investigative journalists scour the globe looking for corruption, abuse of power and instances of government, humanitarian and ecological tragedies.

To that end, Little Children (2006) director Todd Field must have realized the impact that Lyman’s voice would have on the film’s audience as an implied and trusted broker of knowledge and wisdom. “In the history of the documentary, this voice has been for the most part that of the male, and its power resides in the possession of knowledge and in the privileged, unquestioned activity of interpretation.” (Doane 369)

One scene of particular note from the film is where the character of the husband, Richard Pierce, shows the length to which he will go in order to satiate his obsession. The scene opens up with him in his work office as his secretary heads home for the night and now suddenly alone, Richard decides to indulge his favorite pastime of late, masturbating to pictures of the internet sensation that is Slutty Kay. In comes the booming, authoritative and faceless voice of narrator Will Lyman, as the audience begins to realize the level of Richard’s obsession at not being able to truly connect with her.

Lately, Slutty Kay had become a problem. He thought about her far too often and spent hours studying the thousands of photographs available to him…Though as close as Richard sometimes felt to Slutty Kay, as much as he believed that he knew her, he could never get past the uncomfortable fact she existed for him solely as a digital image. The panties were an attempt to solve this problem, maybe a sniff or two would hurry things along so he could get back downstairs to his real life, where his wife was waiting for him; her impatience increasing by the minute…(Little Children)

To that end, the scene changes to his home office as he now tries to put on her soiled panties over his head in order to accentuate the experience, as the frame changes yet again to show Richard’s wife coming upstairs as Lyman explains her growing impatience and finds him masturbating while breathing deeply into the soiled panties. Lyman’s matter of fact and monotonous voice-over breathes, for lack of a better term, immense irony into the scene and provides a very functional backdrop in order to place such an absurd setting as a woman walking into her husband’s office and finding him masturbating to a Polaroid of a naked woman while gasping into a pair of soiled woman’s panties. “The different components of the cinematic narrator as diagramed usually work in consort, but sometimes the implied author creates an ironic tension between two of them.” (Chatman 484)

An additional aspect of voice-over narration is when the director or creative vision behind the film as a whole provides the narration themselves. Take for instance the case from the film, A River Runs Through It (1992), in which director Robert Redford took on the persona of the book’s original author, Norman MacLean, and provided the film’s flashback voice-overs.

…films often create the sense of character-narration so strongly that one accepts the voice-over narrator as if he of she were the mouthpiece of the image-maker either for the whole film or for the duration of his or her embedded story. We put our faith in the voice not created but as creator. (Kozloff 45)

After auditioning several different prominent voice-over actors, Redford was not happy with any of the takes and as a result, he decided to try it out himself. Given Redford’s long standing stature within the film industry and recognizable voice, what followed was that he was able to further personify the essence of what the author and main character experienced while growing up in small-town Montana, the trials he went through with his younger brother Paul and how the quiet and serene beauty of glacier fed streams full of trout could help heal the soul. This was especially evident in the final scene of the film in which the viewer sees what is now an elderly and frail looking Norman MacLean fishing the river alone, with Redford’s voice-over providing the full meaning as Paul reflects on his life.

Now nearly all those I loved and did not understand when I was young are dead, but I still reach out to them.  Of course, now I am too old to be much of a fisherman, and now of course I usually fish the big waters alone, although some friends think I shouldn’t. Then in the Arctic half-light of the canyon, all existence fades to a being with my soul and memories and the sounds of the Big Blackfoot River and a four-count rhythm and the hope that a fish will rise.

Eventually, all things merge into one, and a river runs through it. The river was cut by the world’s great flood and runs over rocks from the basement of time. On some of the rocks are timeless raindrops. Under the rocks are the words, and some of the words are theirs.

I am haunted by waters. (A River Runs Through It)

The next logical focus to explore is whether or not to use voice-over narration at all and how the format is different from written media for example, “Unlike in literature, in film the distinction between telling a story through verbal narration and showing it on the screen through images and action is not so easily discountable.” (Kozloff 13) A case in point for this argument comes from the multiple versions of the film, Blade Runner (1982), in which it has gone from its original theatrical release to being re-edited seven times to its most recent ‘Final Cut’. The most obvious change that was made from the original film was the removal of Deckard’s voice-over and while this had already been removed from an earlier 1992 ‘Director’s Cut,’ this final version of the film was also the only version that director Ridley Scott had complete artistic control over.

The climactic scene of the film in which the removal of the voice-over warranted greatest scrutiny was the scene near the end of the film, where on the original inception of Deckard’s monotonous voice-over was further evidence, although somewhat ambiguous, of him being a replicant (a humanoid looking robot who cannot show or feel emotion), from a viewer’s perspective, the use of the voice-over caused more controversy than it was worth according to prolific filmmaker, Frank Darabont:

There’s one area where I thought the voice-over was so clunky; it landed with such a hollow thud, was the ‘Tears in Rain.’ I remember when I first saw the movie, I’m in the theatre and I am so drawn in by what Rutger Hauer is doing and I am so drawn in by what the theme of the movie has brought us to, this magnificent moment where he is letting go of life…‘I’ve seen things you people wouldn’t believe, all these moments will be lost, in time, like Tears in Rain. Time to die.’

And right as I am just…it’s like having sex and someone dumps cold water on you. Right at that moment where I am at my most emotional crescendo as a viewer, here comes this thudding, dunderheaded voice-over, ‘I don’t know why he saved my life, maybe in those last moments, he loved life more than he ever had before.’ Yes, I know that, thank you. Thank you for kicking this beautiful, delicate, emotional note that we were achieving right in the nuts. (Dangerous Days: Making Blade Runner)

Conversely, in the subsequent versions of the film in which Deckard’s monologue has been removed, greater emphasis has been placed on Rutger Hauer’s performance of Roy when he releases the dove as he dies and it flies up to the dark and stormy clouds above. Layered over all of this is the minimalist orchestration by the film’s composer, Vangelis and the slightest of crescendo booming sound as Deckard slowly closes his eyes and deeply inhales as he bears witness to his former foe’s final testimony; all of which is realized without the use of the voice-over.

At the end of the shooting cycle and on the bottom of the cutting room floor, directors, editors and screenplay writers have debated the merits of inserting or removing voice-over narration in film for decades now. In some instances, overall theme, plot and character development or simply personal taste can dictate whether or not to use voice-overs to help provide the audience with a greater understanding of what they are seeing on the screen. To that end however, and when it is an active agent in the storytelling process and manufactured to cater to the targeted audience in subtle and imperceptible ways, then voice-over narration can help bridge the gap between what can and cannot be shown on film. But if it is used in a contrived and convoluted manner, then the opposite can occur and further alienate the audience from being able to fully appreciate the level of understanding that the filmmakers are trying to achieve.

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Works Cited

A River Runs Through It. Dir. Robert Redford. Allied Filmmakers, 1992

Ascher, Steven, and Pincus, Edward. The Filmmaker’s Handbook. New York: PLUME, 2007

Bal, Mieke. Narratology: Introduction to the Theory of Narrative. Toronto: University of Toronto Press, 1985.

Bordwell, David, and Thompson, Kirstin. FILM ART: An Introduction. New York: McGraw-Hill, 2008.

Braudy, Leo and Marshall Cohen, eds. Film Theory and Criticism: Introductory Readings. New York: Oxford University Press, 1999.

Chatman, Seymour. “The Cinematic Narrator.” Braudy and Cohen, 473-86.

Dangerous Days: Making Blade Runner. Dir. Charles de Lauzirika, Frank Darabont, 2007. http://www.youtube.com/watch?v=V_nsSxblpoI

Doane, Mary Ann. The Voice in the Cinema: The Articulation of Body and Space. New Haven: Yale University Press, 1980

Kozloff, Barbara. Invisible Storytellers: Voice-Over Narration in American Fiction Film. Berkeley: University of California Press, 1988.

Little Children. Dir. Todd Field. New Line Cinema, Bona Fide Productions, Standard Film Company, 2006.

Wichlacz, Sarah. 27 May 2006. Issues of Narration: Voice-Over Film. http://sarahwichlacz.com/?p=74

*PHOTOS* Amber Gets Zipped Up By Strangers

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Amber Rose is taking this new found celebrity status to another level. You see Amber now crossing over into the “white portion of parties” (smart woman) You barely catch Amber on Alltheparties.com and 7days and 7nights. Amber was recently at the movie premiere of “Me and Orson Wells in N.Y.C and i heard she had Disney star and “every teen white girls dream” Zac Efron   “shook”  Zac is said to have stopped in the middle of his interview and said” Amber Rose is here? I can’t believe she is here” You see amber seems to get it that’s why i predicted a long time ago that Amber is gonna have a big 2010. She has star status out of the ass and trust me it has nothing to do with Kanye, cuz right now? nobody is checkin for kanye the way they are checking for Amber. If it’s all about Kanye why didn’t his ex Brooke get this much pub? and she looks like Keri Hilson. This is all Amber all the time

Every so often I’ve updated the list of films that I have already seen with brief reviews.  Call it the complete-ist in me, but when I’m done with reviewing each of the films in the book, I’d like to have reviewed every single film in the book.

Anyhow, here’s another batch for you to read.

Enjoy!

Shichinin No Samurai AKA Seven Samurai (1954)

The Seven Samurai is the first movie that I had the pleasure of seeing from the master director Akira Kurosawa, and it is also one of his most praised works. Without a wasted frame, the story takes place over the course of almost 3 hours. Kurosawa, as he does in each of his movies, explores more than just the action and injustice featured in the plot. He is a humanist first and foremost, training his lens on the interpersonal relationships of the characters, tracking growth across this epic. As good as this film is, I would have to say that Kurosawa has numerous films that are even better, check out Stray Dog, Rashomon, Yojimbo, Sanjuro, and my personal favorite High and Low.

The Ladykillers (1955)

Existing as a special combination of dark humor, and slapstick farce, The Ladykillers is exceptionally funny and unsettling. Alec Guinness stars as the leader of a group of criminals staying at the home of a hardy, vivacious older lady under the guise of being musicians. The plan is simple, rob a bank, and utilizing the trusting nature of the kindly old lady, and the remoteness of her home to their advantage, get away with it. Easily my favorite of Alec Guinness’ films (thanks in part to the Star Wars prequels that is), The Ladykillers features a solid cast of great actors, including a very young Peter Sellers.

Bob Le Flambeur AKA Bob the Gambler (1955)

My introduction to the fantastic Jean-Pierre Melville, I was captivated immediately by the cool as ice gangster come gambler Bob. This film is filled with signature Melville-isms. Glorious post war street scenes in Paris. Trench-coats. Honor among thieves. And who could forget the caper. To talk too much about this film is to give too much away, and to do that is to ruin it for those who haven’t seen it. Other classics by Melville: Le Cercle Rouge, Le Samourai, and the recently released in the U.S. Army of Shadows. All are fantastic, and deserve to be in this book! Incidentally, Bob le Flambeur was recently re-made into The Good Thief starring Nick Nolte and directed by Neil Jordan, and while I’m not generally a fan of re-makes, I really, really liked this film. Not quite as good as the original, but it was one of my favorite films of 2002.

Kiss Me Deadly (1955)

The ultimate in hardboiled private eye crime stories, Kiss Me Deadly is a full on assault on decency. Kiss Me Deadly proudly presents itself as a grimy PI story, littered with bodies and intrigue. If you even have a passing interest in film noir, this should be your first stop. Violent, misogynist, brutish, and glorious, Kiss Me Deadly begs to be watched and dares you to look away. I myself, loved it!

The Ten Commandments (1956)

Apparently based on a book, The Ten Commandments is an epic in every sense of the word. Colored in bright explosive candy hues, and featuring huge sets, as well as a cast that number in the thousands, The Ten Commandments is more spectacle than great movie. Certainly not a waste of time, but not my first choice when choosing something light to throw in.

Det Sjunde Inseglet AKA The Seventh Seal (1957)

A classic, and well-loved film by Swedish auteur Ingmar Bergman, The Seventh Seal stars an extremely young Max von Sydow as a knight who faces Death at a game of chess to decide his fate. This film is filled with themes that find their way into each of Bergman’s works, ranging from courage in the face of death, religion, and humanity. The Seventh Seal still holds up to this day, with luminous black and white photography that, thanks to Criterion’s Blu-ray edition, has never looked better.

Note: Don’t be fooled by the similarly themed, but much worse, “Bill and Ted’s Bogus Journey”

Kumonosu Jo AKA Throne of Blood (1957)

Kurosawa’s retelling of Macbeth set in feudal Japan. Shakespeare has never looked better as it does in the stark black and white, twisting shadows and swirling mists as seen through Kurosawa’s camera. Toshiro Mifune doesn’t disappoint in the lead role, but the real stand out is Isuzu Yamada in the as Mifune’s opportunistic, poisonous wife. The plotting and scheming starts right from the get go, all the way up till the frenzied end of the film.

Touch of Evil (1958)

One of the many trouble spots on Orson Welles’ resume due to studio interference, and financing issues, still Touch of Evil remains as possibly the best B-Movie ever made. Iconic (and sometimes hilarious) performances by Janet Leigh, Charlton Heston (as a Mexican) and Welles himself as the crooked cop willing to do almost anything to ensure justice prevails (just so long as it’s his justice). The movie is almost as famous for its long tracking shot opening as it is for any of the performances, featuring a nearly 4 minute shot done in one take which travels around cars, actors, and buildings. The film The Player, payed homage to it by mentioning it a few times during a similarly complex shot in that film.

Vertigo (1958)

Flopping on its initial release, Vertigo didn’t gain the acclaim it deserved until much later after it was released on video. Vertigo visits themes present in each of Hitchcock’s other works, including the obsession with blondes, innocence tainted with corruption, and the schlub who get in over his head. Jimmy Stewart plays the schlub, Kim Novak plays the blonde, and gloriously technicolored San Francisco plays the innocence and the corruption. Vertigo has a twisty convoluted story with elements of surrealism, an interesting watch.

Mon Oncle AKA My Uncle (1958)

My favorite of Jacques Tati’s Monsieur Hulot films, Mon Oncle was also the first of them that I had seen. Tati, playing Hulot, is a master of visual comedy, and not in the same way as the Three Stooges, or even Buster Keaton. Tati is an artist whose work is appreciated the longer you watch. The plot of the movie is not so much important to the film as it is simply a guide to get our characters into interesting situations so we can watch them get out. If you liked this film, check out other films featuring the bumbling Mr. Hulot, including Trafic, Playtime, and Les Vacances de Monsieur Hulot.

Les Quatre Cents Coups AKA The 400 Blows (1959)

My personal favorite of the French new wave movement was this small-scale film, personal piece from Francois Truffaut. Featuring the director’s alter ego, Antoine Doinel, The 400 Blows is the first in a series of movies, each about a different stage of life and the challenges that go along with them. The period from childhood to young adult is covered heart-breakingly here, following Antoine through the rough waters of his home life and his interaction with the outside world. Later chapters deal with finding love, getting married, having children, and growing old, but Les Quatres Cent Coups remains the directors most personal and his best.

North by Northwest (1959)

One of Hitchcock’s best, North by Northwest features Cary Grant, suave as ever, being mistaken for a government agent by a group of foreign spies. Just like in Hitchcock’s most famous works (of which this is one), the witty one-liners, suspense, and drama are heaped on generously. I can’t help but feel sad that a similarly themed, but better film featuring Cary Grant was left off this 1001 list. Charade, also featuring Audrey Hepburn, James Coburn, and Walter Matthau, is one of my favorite movies ever! Check out both Charade AND North by Northwest as a double feature! You won’t be sorry.

Some Like it Hot (1959)

Now this is an example of a classic, well-loved film, with actors that I really love (Jack Lemmon I’m looking at you), a premise that is more than suitable, yet the finished product never really caught me. It’s sort of like Hitchcock’s To Catch a Thief. I never really saw what all the hype was about. That being said, I didn’t hate it either. It never made fun of me when I had braces, or turned me down for a date, my affections and this film have just always been mutually exclusive. Perhaps it deserves another watch…then again maybe I should just watch The Last Boyscout again.

A Bout De Souffle AKA Breathless (1959)

Jean-Luc Godard is nothing if not a sacred cow of French cinema, and while I have loved some of his other films (Le Mepris, Bande A Part, and Masculin Femenine), Breathless or A Bout De Souffle never really did it for me. I can still rationalize why it was so revolutionary (use of jump cuts, editing, non-actors, and subscription to the aesthetic of the French new wave style), and see it’s importance, but I prefer other examples of New Wave cinema. If you are interested in seeing a Godard film, try Masculin Feminine, it is just as revolutionary and a bit more accessible.

Psycho (1960)

A prime example of Hitchcock in his prime. Psycho was so good, and so affecting that some of its actors were type cast just on the strength of this one film (Anthony Perkins, and Janet Leigh), so much so that without a little research it’s hard to think of what other films either of them has been in. Psycho may not be as visually shocking and gory as horror films of today, but it still manages to hold up over time and be just as unsettling as it was back in its day. Hitchcock has always excelled at making the comfortable un-comfortable (motels, birds, tea, dreams, the list goes on…), and the subtle touches in this film work perfectly. Consider for a moment that Perkin’s Bates is an amateur taxidermist of birds, and then that Janet Leigh’s name is Marion Crane a type of bird, or the fact before the crime Marion is wearing a white bra and a white purse, while after it she is wearing a black bra and purse. His attention to detail, and knack for foreshadowing is demonstrated in full force in Psycho and remains one of his best films. Despite all the uproar over the Gus Van Sant remake, I thought it actually did some justice to the original film and if nothing else brought it a little more deserved attention.

Note: This film also has the distinction of being the first American film to ever show a toilet flushing on-screen.

Peeping Tom (1960)

Released the same year as Psycho, and dealing with similar subject matter, Peeping Tom wasn’t received with the same acclaim and attention that the former was. On the contrary, Peeping Tom was seen as subversive, perverted, and generally too shocking. The story revolves more around the killer than the victim in this one, whereas Psycho is presented more from the victim’s point of view. Either way, Peeping Tom is a fine film, one worth watching, however it is so similar to Psycho that I’m not sure it needs to be on the list of 1001 films.

The Apartment (1960)

As far as light-hearted, touching movies about someone recovering from a bout of depression, this one is my favorite. Billy Wilder directs Shirley MacLaine and Jack Lemmon in a sweet touching comedy without losing any of his trademark cynicism or the pointedness of his dialogue. The Apartment is another chance for me to champion the somewhat maligned talents of Mr. Fred MacMurray as Lemmon’s boss. MacMurray plays a fantastic creep who really defines the term “heel”.

Spartacus (1960)

Containing almost none of the trademark elements that make up a Stanley Kubrick movie as we know it (Kubrick apparently dis-owned the film before it’s release), Spartacus remains an interesting movie that isn’t great. It is, however, another example of a film that enabled an up and coming filmmaker to gain his voice, and define himself later on in his career. If only for that reason, Spartacus is a great film, but luckily for the studio, it has some other things going for it. Kirk Douglas plays the title role of Spartacus, and despite all the lavish set production, and concentration on spectacle, brings some heart to the slave who defied Rome.

Jules Et Jim AKA Jules and Jim (1962)

One of director, Francois Truffaut’s most well thought of films, Jules and Jim may be the Lost In Translation, or Juno of its time. Viewed from a certain angle, the plot is a completely moving and emotional story that you believe, so much so, that you can see yourself and those around you in the roles that these characters embody. Viewed from another perspective, it can seem a little precious or purposefully manipulative. Depending on what is happening in your life (I’m mostly thinking about whether or not you are in a relationship, and if you are happy), this movie can preach the glory of love and the pain of rejection. On the flipside, if you have shaken free the angsty, teenager-esque feelings everyone has had in their youth, you may feel like you’re being talked down to.

Cleo De 5 A 7 AKA Cleo from 5 to 7

Taking place, as the title suggests, from 5 to 7, we get a slice of the life of Cleo played out before us. Sometimes we, along with Cleo herself, are a voyeurs into the lives of people around her, and other times we are focused on her as she roams around Paris. By and large Cleo lives a carefree, spoiled life, yet we still sympathize with her when times are hard, and cheer for her when they are good. This is a small film in a lot of ways, but that doesn’t mean that it isn’t impacting and beautiful.

Lawrence of Arabia (1962)

I have to admit.  I didn’t like Lawrence of Arabia that much.  Perhaps I was too young to appreciate the aesthetic beauty of Lean’s desert panorama camerawork, or just maybe it was the epic length that decided it for me.  One way or another, I didn’t appreciate it as much as everyone else seems to think I should. 

The Manchurian Candidate (1962)

Overly reliant on gimmicks and quick editing techniques, The Manchurian Candidate doesn’t flesh out the story nearly…wait, no that was the terrible re-make that came out in 2004.  The original 1962 version, is just as taught, and well executed today as it was at its release.  While the story between the two versions remained virtually the same, the consistent building of tension and anxiety, combined with the pitch perfect acting of Lawrence Harvey, Frank Sinatra (yes…Frank Sinatra), and the devilish turn of Angela Lansbury as the Queen of Hearts, makes for a fantastic film.

Lolita (1962)

It took me forever to finally see Lolita.  I have known the basic story (older man, younger girl) but had just never gotten around to seeing it.  And while I’ve been told that the book is much better, I thought the film was pretty good.  Not great, mind you, but definitely solid.  The shocking and controversial nature of the relationship was toned down a bit for the screen, and maybe as a result doesn’t seem all that shocking in today’s day and age.  Memorable turns by Peter Sellers, and Shelley Winters, not to mention it’s an early film of Stanley Kubrick.

The Birds (1963)

Despite being one of Hitchcock’s most popular, I actually think that The Birds is one of his most over-rated.  I think I owe it to myself to give this one another look someday, but right now I feel that it was too heavily based on the gimmick that had to rely on special effects.  Though it is not necessarily the fault of the movie, but the special effects seemed particularly dated and old fashioned.  Worth a watch, but not my favorite by a long shot.

8 1/2 (1963)

Federico Fellini is, by most accounts, a master of cinema.  One, that I have always had a little trouble getting fired up over.  It’s not that I don’t like his films once I’ve seen them, the problem comes in when it comes to motivating myself to see them.  I couldn’t tell you why, but his films consistently get pushed off when they come up on my Netflix Queue or when I see the one or two I have on my shelf.  I shouldn’t feel this way, considering I really loved the moving poetry, and soul baring passion in 8 1/2, yet it still happens.  One very definite reason to watch this film is the man-crushable Marcello Mastroianni, swaggering through as the alter-ego of Fellini himself.  Dealing with all the reservations with women, making movies, childhood, and the future that the director very famously dealt with himself, Mastroianni embodies a certain cool, yet believable character that begs to be watched.  Combined with imagery that leaves the audience wanting more, 8 1/2 is a fantastic film.

Well, that’s it for this time.  Thanks for reading!

Η παράξενη σχέση που συνδέει τον Mike και την Kathrine θα αναστατώσει τη Susan, με αποτέλεσμα ένα τεράστιο ερωτηματικό να πλανιέται πάνω από τον γάμο της. Η Gabrielle είναι αποφασισμένη να βάλε την Juanita σε Καθολικό σχολείο και αλοίμονο σε όποιον τολμήσει να μπει στον δρόμο της. Εν τω μεταξύ η προσπάθειες της Lynette να κρύψει την εγκυμοσύνη της τελειώνουν σιγά σιγά. Τέλος η Angie θα ανακαλύψει ότι ο γάμος του Orson και της Bree δεν είναι τελικά τόσο τέλειος όσο φαίνεται.

Indie pop/rock suéco é muito bom, aqui mais uma banda que prova isso.

Faixas do álbum:

1. The Comeback

2. Very Loud

3. Oh, Sweetheart

4. A Track and a Train

5. Go Sadness

6. Please Please Please

7. 100°

8. There’s Nothing

9. Hurry Up Let’s Go

10. Shut Your Eyes

11. Seagull

LINK – Howl Howl Gaff Gaff

Parece com? Hard-Fi, Orson.

Vídeo com a música Please Please Please.

Enjoy o/

It’s eight hours until I get up, my cat has developed an interest in human food – even oatmeal cookies, I have a smiley face drawn on my left hand in marker pen, and I have the soundtrack to The Third Man stuck in my head. Hit it.

A BBC Radio 1 da Inglaterra definiu Orson como “a ligação que faltava entre os Rolling Stones e o Scissor Sisters.” (via Last.fm)

Faixas do álbum:

1. Bright Idea

2. No Tomorrow

3. Happiness

4. Already Over

5. Tryin’ to Help

6. So Ahead of Me

7. Last Night

8. Look Around

9. Save the World

10. OK Song

LINK – Bright Idea

Parece com? Hard-Fi, The Zutons.

Animação com a música No Tomorrow.

Enjoy o/

Viene de entrada anterior. Segunda parte del artículo de Orson Scott Card ¿Por qué los líderes sindicales intentan destruirse a sí mismos?

Como la importancia de los sindicatos industriales se desvaneció, la dirigencia sindical – y la mentalidad – se desplazó hacia el sector público. Los trabajadores del gobierno y los maestros están sindicados, y estos sindicatos están aún más firmemente en incluidos en el tejido del Partido Democrático de lo que nunca estuvieron los sindicatos industriales.

Si usted no es abiertamente de izquierda radical, no se moleste en postularse para cargos en la Unión Americana de Profesores. Si usted es un maestro que piensa que George W. Bush fue un buen presidente, ha de mantener la cabeza gacha. Y si incluye en sus clases el culto a Obama y sus políticas, tendrá el pleno apoyo del sindicato-nadie le va a tocar.

Sin embargo, antes de que los maestros se organizaran y golpearan contra lo público, eran los profesionales peor pagados, totalmente a merced de los administradores escolares.

Siempre que se rompe el poder de los sindicatos, la gestión vuelve a sus viejos y malos modos, porque las fuerzas del mercado siguen obligando a las empresas para presionar a la baja los salarios y las horas de trabajo hacia arriba. (Si usted tiene alguna duda de esto, mire cómo tratan las empresas a sus mandos medios propios.)

Pero donde los sindicatos están en el poder, siempre se sigue el mismo patrón: incluso después de haber ganado un tratamiento decente, continúan existiendo… y, para justificar su existencia, luchan por “derechos” que son destructivos para sus empleadores y que conducen, inevitablemente, al sindicato a hacer su propia industria no competitiva.

A largo plazo, los sindicatos se destruyen a sí mismos.

Pero los dirigentes sindicales nunca lo ven de esa manera. Simplemente hacen lo que sea necesario para avanzar en lo que ven como la causa sindical. ¿Y cuál es la causa sindical?

El mantenimiento del sindicato en el poder.

Eso es correcto. Así como en la gestión en grandes empresas, inevitablemente, la dirección actúa para mantener su puesto, en lugar de actuar en los intereses del accionariado, también los dirigentes sindicales actúan para promover los intereses de los dirigentes sindicales a expensas de los trabajadores sindicalizados.

De eso va sustituir a la votación secreta en las elecciones sindicales por las check-off cards.

El voto secreto fue uno de los derechos sindicales más duramente ganados. Antes de eso, la dirección podía despedir o castigar de otros modos a los trabajadores que votaran a favor de la sindicalización de la empresa. El voto secreto protege a los trabajadores de la administración.

¿Entonces por qué están los líderes sindicales tan apasionadamente dispuestos a eliminarlo? Debido a que ya han ganado – que han aplastado a la dirección. Todas las leyes, toda la fuerza de gobierno, están en el lado de los sindicatos, y la dirección de las empresas es azotada.

Así que ahora la votación secreta sólo sirve para proteger a los trabajadores de los dirigentes sindicales, y por eso lo quieren eliminar. No está para los trabajadores, sino que está en contra de los trabajadores.

Los líderes sindicales sólo desean esta tarjeta de descuento en nómina, porque con la votación secreta, los trabajadores han rechazado la sindicalización con demasiada frecuencia. Y la única razón de los check-off cards es la de ayudar a los líderes sindicales debido a que, al exponer a quien se opone a la sindicalización, permite a los sindicatos perseguir a los trabajadores que prefieren no tener un sindicato.

Así, cuando los demócratas en el Congreso apoyaron la retención en nómina de tarjetas, no es porque se preocupen por los trabajadores, es porque se preocupan por la dirección sindical. Los trabajadores no ya no son votantes seguros del partido Demócrata – pero los dirigentes sindicales son una fuente absolutamente fiable de fondos de campaña.

Se ha convertido en una conspiración de los demócratas en el Congreso y los dirigentes sindicales contra la libertad de los trabajadores – exactamente de la manera que solía haber una conspiración de los republicanos en el Congreso y los líderes empresariales para mantener a los trabajadores lejos de conseguir sus derechos.

El pequeño siempre termina perdiendo en estas cosas – ¡porque la naturaleza humana no cambia!

El gobierno intervino para proteger el derecho de sindicación de los trabajadores, ahora el gobierno debe intervenir para velar por el derecho de los trabajadores a no organizarse, si no lo desean. La intervención es simple: proteger la votación secreta y rechazar la conspiración de los dirigentes sindicales para intimidar y presionar a los trabajadores que no pasan por el aro.

Pero ese es todo el problema con la izquierda de hoy (al igual que era un problema con la derecha hace medio siglo). Después de haber logrado grandes victorias en el pasado, los líderes del movimiento actual siguen empujando en la misma dirección, a pesar de que todos los objetivos socialmente útiles se han ganado, y ahora el movimiento en esa dirección es destructivo para la población y el propio movimiento.

El feminismo ganó todo el derecho racional, pero el liderazgo del movimiento, capturados por la más extrema (y fuera de contacto con la mayoría de las mujeres) de las facciones, siguió exigiendo más y más cosas que la mayoría de las mujeres no quieren – como el infanticidio virtual en nombre del aborto, y la “igualación salarial” para trabajos que no son equivalentes de ningún modo. Entonces se destruyó su propia credibilidad, atacando a las víctimas del acoso sexual de Bill Clinton y el movimiento fue efectivamente superado.

La liberación gay ganó todo el derecho racional. Su triunfo fue total. Pero a fin de mantener el “movimiento” vivo, los dirigentes extremistas exigían un “derecho a contraer matrimonio”, que no tiene ningún fundamento racional y no confiere ninguna ventaja que pueda ser conferida por ley. En efecto, si el matrimonio gay – y el inevitable adoctrinamiento de los niños en las escuelas – es convertido en la ley de la tierra, sin duda provocará una contra reacción generalizada de que es casi seguro que hará que el movimiento pierda el terreno que ya ha ganado. Cualquiera que lea la historia sabe que este es el patrón inevitable.

El derecho se comportó exactamente de la misma manera con el movimiento anti-comunista de los años cuarenta y cincuenta. Realmente eran comunistas, y durante la Depresión miles de izquierdistas de América realmente estaban involucrados en un movimiento dirigido por Moscú, como lo demuestra su ridículo y vergonzoso abrazo de Hitler, cuando Stalin hizo su pacto con los nazis en 1939. Realmente eran espías – Alger Hiss era culpable, y miles perdieron sus vidas por los comunistas que se habían infiltrado en los servicios de inteligencia de occidente, incluida America.

Pero, después de haber llevado la ola anti comunista al poder, el derecho no podía reconocer cuándo ya era suficiente. El comunismo ya no representa ningún peligro de hacerse cargo de los Estados Unidos, y la mayoría lo reconoció  – y, como ahora se rompió el apoyo con la protección de la conducta indefendible de Bill Clinton contra las mujeres, McCarthy rompió el apoyo a la lucha contra el comunismo, por ir contra el Ejército.

Nadie aprende de la historia – no es eso triste? Ahora es la extrema izquierda (la única que parece existir ya) la que se comporta exactamente igual que la extrema derecha de la década de 1950, y le llevará al mismo resultado. Observan el anticomunismo y en lugar de aprender que el extremismo, llevado demasiado lejos, se destruye a sí mismo, solo extrajeron que ” el anti-comunismo es malo” – aunque, por supuesto, no lo era, cuando era realmente necesario.

La izquierda expone su odio en bruto a la democracia cuando la democracia pone en peligro su permanencia en el poder. ¿No les gusta el hecho de que sólo los conservadores parecen ser capaces de encontrar una audiencia en la radio? ¡Quitan la libertad de expresión política en la radio! ¿No les gusta la manera de los trabajadores son cada vez más propensos a rechazar la sindicalización? Suprimen el voto secreto – pero, porque los demócratas están seguros de que la gente es realmente estúpido, lo llaman “Libertad de opción del empleado” ¡y no se dan cuenta de que están perdiendo su libertad!

Lo que me preocupa de todo este extremismo implacable, es el paso implacable hacia metas cada vez más ridículas después de que todas las razonables se han cumplido y la izquierda ya es triunfal, es esto: la mayoría de los estadounidenses sienten repugnancia hacia las antidemocráticas y antisociales demandas de los líderes sindicales pueden dar lugar a dañar algunas de las victorias más dúramente ganadas, del movimiento sindical legítimo.

Por ejemplo, el salario mínimo está en grave riesgo. Ya se ha dejado languidecer hasta el punto en que no está haciendo su trabajo – asegurar que cualquiera que tenga un trabajo de tiempo completo pueden vivir realmente de su salario. Empresas como Wal Mart se han comportado como la gestión inevitable – ganando una ventaja sobre sus competidores por encontrar maneras de eludir el salario mínimo, y pagando menos por el trabajo, ganan en precio.

Hay economistas serios que constatan lo obvio – que el salario mínimo “daña” la economía y “elimina” empleos – como si eso significara que debemos hacer algo al respecto – como deshacernos de él.

Hay muchas cosas que “dañan”la economía, pero que son esenciales para ser un país digno para vivir – como los impuestos, por ejemplo, los niños y las leyes laborales, y la educación obligatoria. Los beneficios no se miden en dinero, sino en la decencia y la justicia a los más débiles entre nosotros.

Y la acusación de que el salario mínimo “elimina puestos de trabajo” es exactamente el punto – que elimina puestos de trabajo con cuyos salarios no se puede vivir. Ese fue el mayor de los males del capitalismo de libre mercado durante la revolución industrial, y el salario mínimo nos guarda de éste mal.

¿Qué pasa si el próximo Congreso – gobernado por los republicanos que Obama y Pelosi y Reid están trabajando tan duro para ser en 2010 – decide eliminar o devastar el salario mínimo? El público general puede ignorar – o reaccionar en contra – los argumentos de la dirigencia sindical, porque ya no creen que los sindicatos se preocupen por los derechos de los trabajadores.

Cincuenta años más tarde, los demócratas siguen siendo capaces de invocar el nombre de McCarthy y el comercio y mentar el anticomunismo para mermar a su oponente. ¿Cuánto tiempo podrán los republicanos invocar los sorprendentes excesos de la extrema izquierda para llevar el ridículo y el asco al partido que adopta estas fanáticas ideologías?

El Partido Demócrata, en nombre del avance sindical, está contribuyendo a debilitarlos aún más; en nombre del avance del feminismo, ayudó a destruir aún más su eficacia, en nombre del avance de derechos de los homosexuales, está a punto de traer una reacción violenta que le hará daño a todos los homosexuales que están perfectamente satisfechos con lo que ya han ganado.

Todo porque los extremistas – y los dirigentes cínicos aferrados al poder – parecen incapaces de reconocer cuándo es suficiente.

Estoy seguro de que ya hay lectores que están de acuerdo con las demandas sindicales, que han escrito contra mí, como si fuera una costra del mal. Pero cualquiera que lea este ensayo entero sabe que en realidad estoy por los sindicatos – más que por los líderes sindicales que están a punto de hacer daño con la mentira, contra la “Ley de Libre Elección de los Trabajadores”.

Los trabajadores necesitan de los derechos que los sindicatos han ganado para ellos, incluyendo el derecho a organizarse cuando quieran. ¿No sería una vergüenza si, al atacar los derechos de los trabajadores, la clase dirigente del sindicato hace que el movimiento sindical sea percibido como una conspiración de la clase trabajadora?

Tanto si eres un siervo de la patronal o de los sindicatos, a los dirigentes sindicales les da igual. Y lo triste es que romper el respaldo de los sindicatos, probablemente impulsará la economía y hacer que todo se vea mejor – por un tiempo – hasta que la dirección nos deje ver por qué necesitamos sindicatos en primer lugar. Y luego tendremos que pelear todas las batallas de nuevo.

Orson Scott Card es escritor, y vive en la actualidad en Greensboro, Utah.

Primera parte de dos. Artículo editado en www.hatrack.com, escrito por Orson Scott Card.

La mayoría de los estadounidenses no pertenecen a sindicatos. Sucede que yo sí — Hollywood es un gremio sindical cerrado, y con el fin de ser contratado para escribir guiones uno tiene que ser miembro del Sindicato de Escritores.

Se quedan un pequeño porcentaje de cada cheque que recibe la escritura de guiones – y vale la pena cada centavo. Aunque en algunos momentos el Sindicato de Guionistas parece estar dirigida por disputas miopes, y chimpancés territoriales, tenemos amplias pruebas de que sin el sindicato, los guionistas serían tratados aún peor de lo que ya son.

Mi primer contacto con los sindicatos, sin embargo, llegó cuando yo era un niño pequeño, creciendo en California. Mi tío, Gordon fue contratado por United Airlines.

Mi madre nos contaba a los niños acerca de los primeros días del tío Gordon  como mecánico de la United. El delegado sindical se le acercó un día y le dijo que tenía que reducir la velocidad. “Deja de trabajar tan duro.”

“No estoy trabajando tan duro”, dijo Gordon. “Estoy haciendo el trabajo que me pagan.”

“Estás haciendo quedar mal al resto”, dijo el delegado.

-Entonces, ¿por qué no trabajan como yo? Eso no los mataría”.

“Si todo el mundo trabajara como tú”, dijo el administrador, “la dirección se daría cuenta de que en realidad no necesitamos todos estos trabajadores en este equipo. Alguien podría perder su trabajo. ¿Y sabes quién?”

“¿El que en realidad ofrece un día de trabajo por un día de salario?”

“Usted no está pensando como un hombre del sindicato”, dijo el delegado.

Huelga decir que mi tío se trasladó lo más rápidamente posible a una posición no sindicalizada de la United.

Esto fue lo que me enseñaron a pensar de los sindicatos: El sindicato hace un trato con la administración, y desde ese momento, trabaja para el sindicato, no para la gente que le paga. El sindicato no trata de hacer un buen trabajo, se trata de exprimir de la gestión del número máximo de puestos de trabajo para el salario máximo con un mínimo de esfuerzo.

Me enseñaron que esto era una cuestión moral, una cuestión de honestidad, la Unión fuerza al trabajador a engañar a la empresa que le está pagando, y  la buena gente, no engaña.

Años más tarde, un amigo mío se hizo aprendiz de electricista. Se presentó en el lugar de trabajo – un gran proyecto – ansioso de comenzar a aprender su trabajo.

Lo que aprendió fue que durante una semana no hizo casi nada. Oh, sí, dieron vueltas, y se trasladó alambre de un lugar a otro, abriendo cajas de herramientas, cerrándolas, y abriéndolas en otra parte. Sin embargo, lo realmente logrado era tan poco que era ridículo.

Por último, mi amigo preguntó, “¿Cuándo podemos empezar a trabajar?”

Ellos simplemente no le hicieron caso al principio. Por fin alguien le explica. El contratista había programado el trabajo por un número determinado de días. Los electricistas de la Unión sese estaban asegurando de que se pagaba por cada uno de esos días.

“Si les mostramos que podíamos hacer un trabajo de este tamaño en tres días, la próxima vez que nos contratará durante tres días y que es todo lo que te pagarán y, a continuación vamos a estar sin trabajo”, le explicó un electricista.

“¿Pero eso no es estafar?”

“Tendrán su cableado instalado tan rápido como lo pidieron”, dijo el electricista. “Pero usted no tiene que estar allí si no quiere.”

Mi amigo no quería. Ahora es un webwright¿?¿? y gerente de IT, y hace el trabajo de un día por el salario de un día.

Aquí, en Greensboro, mi esposa estaba trabajando como voluntaria en una de las escuelas locales, cuando el armario de suministros que estaba usando estaba programado para ser pintado.

El pintor se presentó y extendió una gran cantidad de lonas alrededor. Al día siguiente, algunas latas de pintura y rodillos, pinceles y una lijadora y otros equipos aparecieron también. Se puso arena en algunas manchas de la pared.

El progreso en la habitación era glacial. Los antiguos templos mayas se cubrieron de lianas más rápido de lo que fue pintada esta sala. Se necesitaron tres semanas para pintar ese armario de almacenamiento.

Ahora, yo crecí en la casa de un pintor. Mi papá pintó grandes carteles con letras complejas y logos; pintó los helicópteros de transporte sanitario; pintó todas las paredes exteriores de muchos edificios en una pequeña fracción del tiempo que costó pintar el armario de almacenamiento.

Sólo de trabajar con mi papá yo sabía cómo hacer el trabajo, y hacerlo bien, en no más de una semana, incluyendo toda la pintura y el tiempo de secado.

El Sindicato de Trabajadores en que mi tío trabajó claramente defraudaba a United Airlines, haciendo subir el precio de los billetes que pagan los pasajeros. Los electricistas de mi amigo aprendiz estaban engañando a la compañía que estaba pagando por el edificio – el coste sería transmitido a las personas que utilizaran el edificio más tarde. El infinitamente lento trabajo de pintado del armario salió de dinero de los contribuyentes.

Así que, por ésta regla de tres, los sindicatos imponen un costo innecesario en el público por la falta de productividad y precios inflados. Son un lastre para la economía.

Uy. Eso no es toda la historia. Estas son anécdotas sobre lo que sucede cuando los sindicatos están en ascenso. Triunfante. Al final del proceso.

Cualquiera que conozca la historia del capitalismo y la industria en América sabe que los sindicatos eran esenciales para hacer de este país un buen lugar para la gente decente.

Las leyes de la competencia y de la oferta y la demanda son inexorables. En los días previos a los sindicatos, cuando una industria altamente competitiva depende de una combinación de recursos y capacitación, los recursos fueron rápidamente hablado, por lo que la competencia se centró en los costos de laborales.

La empresa que pagaba menos a sus trabajadores sería capaz de vender sus productos más baratos que las empresas que pagan a sus trabajadores mejor.

Los competidores no tenían más remedio que recortar los salarios o salir del juego.

El resultado fue que los salarios se hundió más y más, mientras que las horas de trabajo se elevaron más y más. Trabajadores exhaustos cometían errores que los mataban o lisiaban, pero siempre había más trabajadores desesperados por ocupar su lugar. Era una empresa sin corazón.

Cuando los trabajadores intentaron por primera vez organizarse en huelga contra las empresas, éstas traían esquiroles — nuevos trabajadores tan desesperados por trabajar que cruzaban las líneas de piquetes.

Así que los trabajadores en huelga intentaban atajarles por la fuerza; o por temor a tal acción, la compañía traía fuerzas de seguridad, y a veces, tropas del gobierno para proteger el derecho de la empresa a contratar a quien quisiera.

Mientras tanto, muchas empresas descubrieron que podían reducir sus costos aún más mediante la construcción de pequeñas casas de mala muerte para sus trabajadores, y luego les hacían comprar todos los alimentos procedentes de las tiendas de la compañía.

Tenían el sistema tan finamente sintonizado que cada semana, los trabajadores se endeudaban cada día más con la empresa. Así que no podían irse, ni protestar, ni vivir de lo que hacían.

Si ambos padres y todos los hijos de una familia están trabajando en los puestos de trabajo disponibles y aún así no traen a casa el dinero suficiente para pagar el alquiler y no morirse de hambre, ¿qué otra cosa pueden hacer, sino la huelga?

Ellos íban a morir de todos modos – bien podrían morir luchando por mejores salarios y condiciones de trabajo más seguras.

¿Eran malvados los propietarios? Algunos, sí – pero cualquier empresa que trataba de hacer mejor, al poco tiempo se encontraría malvendida por las empresas que lograban más producción por menos dinero.

Y si un grupo de empresas se unían para poner fin a la competencia mediante la fijación de precios a un nivel lo suficientemente alto que podían permitirse el lujo de pagar a sus trabajadores un salario digno (aunque esto casi nunca el motivo para la formación de un holding), entonces estaban conspirando contra el público, y cazadores de trusts como Teddy Roosevelt les pusieron coto.

Tal era la situación a la vuelta del siglo XX – la época en que los propietarios de la empresa, que no pagaban impuesto sobre la renta, fueron construyendo una falsa Europa de mansiones y “casas de verano” en Newport, Rhode Island. Vale la pena visitarlo  no sólo para ver el miserable exceso (y su gusto horrible) de las personas que actuaban como señores feudales – con poco sentido de la caballería o de noblesse oblige.

(Sólo un puñado como John D. Rockefeller donaron a la caridad constantemente, desde el primer dólar que hicieron.)

Lo que finalmente cambió el curso de los hechos fue una combinación de factores. Al igual que con el movimiento de derechos civiles, había un componente de  indignación pública contra el trato cruel a los trabajadores, que empujó al gobierno a forzar la reforma.

También hubo ejemplos como el paternalista Henry Ford y otros, que pagaron mejores salarios en la creencia de que los trabajadores serían más productivos si podían adquirir lo que producían.

La fuerza principal para el cambio, sin embargo, fue el esfuerzo de los dirigentes sindicales para ser elegidos, para que los trabajadores fueran vistos como votantes. Cuando los trabajadores acudieron a las urnas y votaron en bloque a los candidatos que se comprometieron a promulgar la plataforma de trabajo, las legislaturas, el Congreso se sentó y tomó nota.

La larga lucha, finalmente se estableció en el patrón que vimos en los años cincuenta y sesenta. Ahora protegidos por las leyes federales y estatales, los sindicatos industriales prácticamente dictaban sus términos a las empresas.

En la industria automotriz, el sindicato podía decidir cuál de las grandes fabricantes de coches sería golpeada en el momento de negociar del contrato. Y en una época en que los coches americanos eran los coches que sólo los estadounidenses podían comprar, las empresas cedieron, aumentaron los salarios y beneficios, y subieron los precios de los coches.

Pero la naturaleza humana no cambia. El mismo deseo de  monopolio sobre el poder de liderazgo infectó a los sindicatos, la delincuencia organizada se involucró y se implicó en algunos de los fondos de pensión sindicales, llegando a controlar los resultados de las elecciones sindicales y, una vez que los dirigentes sindicales supieron que estaban en el asiento del conductor, surgió el modelo de baja productividad y trabajo inflado con que que mi tío, mi amigo y mi esposa se encontraron.

En mi sindicato, esto no es realmente un problema. Todavía hay demasiados escritores sindicados buscando puesto de trabajo – si usted no produce un trabajo aceptable, le pagan, pero no se le contrata para el trabajo siguiente. La gestión todavía tiene opciones.

Pero en un estado como, por ejemplo, California, donde los maestros están sindicalizados, no hay nada que los contribuyentes puedan hacer para controlar las prácticas que forman parte de la ruina del sistema educativo.

He conocido a los maestros en las escuelas de California que han perdido toda esperanza al ver la imposibilidad de despedir a los maestros incompetentes o incluso peligrosos antes de que hagan algo lo suficientemente gordo para salir en las noticias.

Lo que indigna a muchos miembros del sindicato es ver cómo los líderes sindicales se meten en política. ¿Cuántos miembros del sindicato han visto enojados cómo sus cuotas son utilizadas para mantener a líderes que desprecian?

Se consideró casi una revolución, cuando Ronald Reagan obtuvo un porcentaje significativo de votos sindicales en los estados industriales.

En una economía global, sin embargo, el poder del monopolio de los sindicatos industriales se rompió finalmente. Ya sea externalizado la gestión de puestos de trabajo en el extranjero, o mediante empresas de automóviles extranjeras que no tenían contratos sindicales onerosos (y, con demasiada frecuencia, con trabajadores de bajo rendimiento) captaron gran parte de la cuota de las empresas del mercado interno de automóviles de América.
Fin de la Primera Parte

Orson Scott Card es el autor de algunas de las mejores novelas que uno se ha echado al coleto en su vida. En España no es muy conocido, salvo en los canales de la ciencia ficción. En el mundo es un superventas, pero aquí sólo se traducen sus obras más notorias dentro de la ciencia-ficción, aunque ha escrito decenas de novelas y cuentos basados en personajes bíblicos.

Su producción novelística toca muchos palos y también presenta sus pautas inequívocas de la casa. Es uno de los más grandes prosistas cuando quiere, aunque últimamente ha flojeado en Empire, que empieza muy bien pero pierde todo el fuelle a mitad de la novela.

Preferimos recordar al Scott Card de El Juego de Ender, La Saga de Bean, La Saga de la Tierra, La Saga de Alvin, Wyrms, Lovelock, Un Planeta Llamado Traición, o la mejor entre las mejores, Maestro Cantor. Aunque incluso en sus novelas menos inspiradas, el entretenimiento está asegurado. Y cuando está inspirado, es insuperable.

Sin querer etiquetarle, podríamos decir que todo lector de Stephen King debería echarle el guante a cualquiera de los citados arriba para encontrar nuevas fuentes de vieja y buena narrativa. Los libros de Card siempre irradian imaginación e inteligencia desbordantes.

Card es uno de esos autores prolíficos que siempre están escribiendo relatos, guiones, cuentos, novelas, artículos y ensayos. En su página web, www.hatrack.com, publica parte de su trabajo, y escribe semanalmente a modo de diario. Queremos recomendar su último artículo sobre los sindicatos.Léalo aquí en inglés. ¿Por qué los líderes sindicales intentan destruirse a sí mismos?. Eventualmente ofreceremos una traducción al español.

Es un interesante texto por dos razones. La primera, podemos darnos el gusto de leer a un intelectual conocido por los mass media hablando laaaargo y tendido acerca de las unions, y no precisamente bien. Y la segunda, después de leer el texto conocemos con gran detalle el funcionamiento de los sindicatos en EEUU, lo que no deja de ser interesante, pues vemos que el tejido sindical americano y europeo, aunque diferentes en adn social, han llegado a la misma situación en ambos continentes, mediante las mismas filosofías y los mismos procedimientos, y aunque el texto sólo habla de los sindicatos americanos, extendiéndose a la izquierda en general, la mayor parte de lo que cuenta Card, sobre todo en la segunda parte del artículo, es, a mi parecer, perfectamente extrapolable a la Europa actual, y en especial, a España, que es el caso más cercano.

Desconocemos a qué se refiere Orson al hablar de las check-off cards, y si alguien nos puede ilustrar a éste respecto, estaremos muy agradecidos.

Hemos incluido una traducción del artículo en entradas posteriores. Para ello, lo hemos pasado por un programa de traducción, y después hemos adaptado el resultado al español real, pues ya sabemos que las traducciones automáticas ofrecen un aspecto deficiente, que hemos tratado de solventar, espero que con acierto.

Como nos ha gustado su artículo, le hemos escrito pidiéndole que nos dedicara unas palabras acerca de la reforma Aído. Si tiene a bien respondernos, pienso abrir un post histórico.

1941, Orson Welles realizza uno dei migliori film della storia del cinema, destinato a rimanere un emblema, direttore e interprete nel ruolo del protagonista Charles Foster. Film ispirato al magnate statunitense William Randolph Hearst.
Interamente in bianco e nero, difficile da seguire per un occhio poco abituato, ma con effetti sonori spiazzanti. Presenta una scenografia straordinaria, comparata ad altri film di quegli anni, per non parlare dei flashback che intercorrono durante l’intero svolgimento della vicenda.
Contiene il massimo dell’originalità, un intreccio intrigante, un tema impegnativo che trascina una morale riflessiva sul potere di un uomo che s’impone su se stesso, portandolo a condurre una vita di gloria e successo mascherati da un fitto velo di solitudine, rubato alla sua infanzia e a tutto ciò che conteneva un valore affettivo e unico, di cui imparerà a disconoscere il significato, finché un giorno non ritroverà un ricordo chiuso in un’ampolla di vetro, ma sarà troppo tardi.
Una parola chiave segna l’intero film “Rosabella”, bisbigliata da Foster l’istante prima di morire, traduzione forse azzardata per “Rosebud” (bocciolo di rosa), di cui solo alla fine del film si scopre che non si tratta di una donna, come immaginato dal giornalista che si tuffa nella storia del protagonista cercando di ricostruire l’enorme puzzle della sua vita, bensì il nome del suo slittino da neve, oggetto che racchiude tutta la sua infanzia e quasi possiamo dire che ne segna la fine.

Ottimo il cast, dotati di fascino e bravura, sottolineata probabilmente da un ottimo copione: Joseph Cotten (giornalista, migliore amico di Kane), Everett Sloane, Dorothy Comingore, Ray Collins, William Alland.

Curiosità:
E’ il terzo film per Orson Welles, inizialmente doveva chiamarsi “Welles”, poi fu trasformato in “American” (per sottolineare il sogno americano) ed infine in “Citizen Kane” (= il cittadino Kane. Titolo Italiano “Quarto Potere”).

Orson Welles è stato uno dei primi rivoluzionari del cinema classico. Suo lo scherzo radiofonico del 1938 su “La guerra dei mondi”, dove fece credere a gran parte della popolazione che la terra stesse per essere invasa da numerose flotte aliene.

Joseph Cotten interpreta facilmente il ruolo di migliore amico, in quanto realmente lo è nei confronti di Welles (Kane), e lo seguirà in futuro nei prossimi suoi film.

Fatto simpatico e interessante; Welles sembra essersi ispirato al magnate Hearst, che venuto a conoscenza del progetto cinematografico, tramite una sua collaboratrice, la Parsons, estimatrice di Welles, inizia un boicottaggio nei confronti del film utilizzando tutto il suo impero editoriale.

Voto 7 (clemente)

citizen Kane.
η πρώτη απόπειρα ενός νέου που δεν την ξεπέρασε ποτέ.
-προσωπικά πιστεύω ότι δεν ξεπεράστηκε κυρίως του χαμηλού μπάτζετ και της μικρής ελευθερίας που είχε σε όλες τις επόμενές του ταινίες.-

ένας αμερικανός σκηνοθέτης με αέρα ευρωπαικό, μάγος, ραδιοφωνικός μπελάς (μην ξεχνάτε τη ραδιοφωνική εκπομπή του war of the worlds, που παρερμηνεύτηκε απ’όλους ως επίθεση εξωγήινων).
και στα 25 κάνει τον πολίτη Κέιν. αριστούργημα.
για την εποχή του – αλλά και τώρα – μια κινηματογραφική όαση.
μοντάζ, πλάνα, κινήσεις της κάμερας, σκηνοθεσία, διάλογοι, φωτογραφία, όλα εκεί.

η ζωή ενός μεγιστάνα.
ο Ουέλς τα έβαλε με τον μεγιστάνα Χερστ, κάνοντας παρωδία τη ζωή του, με αυτή την ταινία και δυστυχώς δε βγήκε νικητής αφού οι εφημερίδες του Χερστ έθαψαν τον πολίτη,
εκεί έχασε γρήγορα τα προνόμια του.
στην επόμενη ταινία, οι Υπέροχοι Άμπερσονς, κόβεται στο μοντάζ μισή ώρα υλικού απαραίτητο για τη δράση και εξέλιξη των ηρώων.
στις επόμενες αποκτά όλο και λιγότερα δικαιώματα και χαραστηρίζεται ως αναρχικός του σινεμά, γι ‘αυτό και καταφεύγει στην Ευρώπη.

εκεί γυρίζει τη Δίκη, βασισμένη στο ομώνυμο βιβλίο του Κάφκα, η οποία είναι η καλύτερη μεταφορά βιβλίου στη μεγάλη οθόνη. το κλειστοφοβικό και παρανοικά γραφειοκρατικό κλίμα αντικατοπτρίζεται σε όλο το του το μεγαλείο σε όλη τη διάρκεια της ταινίας.
ταινίες σαιξπηρικές, το άγγιγμα του κακού (με το ανυπέρβλητο μονόπλανο στο πρώτο πεντάλεπτο της ταινίας) και ο Δον Κιχώτης.
και στο τέλος της ζωής του, μόνος όπως ο Κέιν στο βασίλειο του, να θυμάται.

.citizen Welles.

That’s all he ever wanted out of life… was love. That’s the tragedy of Charles Foster Kane. You see, he just didn’t have any to give..

: : : : : : : : : : :

El món del teatre és un dels àmbits on el fracàs pot arribar a tenir un esclat públic més escandalós. Hi ha diverses modalitats de desastre teatral però jo les resumiria en dues:

   1) el fracàs de públic: probablement una de les situacions més terribles a l’escenari deu ser arribar a alçar el teló i trobar… que no hi ha ningú entre el públic; això ja se veu que és una situació mala d’aixecar. Jacinto Benavente, l’unic dramaturg espanyol que ha rebut el Premi Nobel de Literatura (1922), va tenir, al llarg de la seva carrera més d’un fracàs el dia de l’estrena. Diuen que, en certa ocasió, un periodista que es va topar amb ell pel carrer el volia animar per l’escassa acollida que havia tengut entre el públic madrileny el seu darrer drama: “Hola, don Jacinto, diuen que tot Madrid va a veure la seva obra”; “Sí, pot ser –va contestar l’autor– però… d’un en un…”

   2) el fracàs de crítica: una pregunta clàssica als actors i actrius (per ventura també als autors) és aquella que fa referència a si quan actuen o si quan escriuen una obra de teatre pensen en allò que diran els crítics; la resposta clàssica és “…caaaa! jo me dec al meu públic”. No sé si recordau aquella escena de Ciutadà Kane (1941) en què el personatge interpretat per un actor mallorquí, Fortunio Bonanova (Josep Lluís Moll), intenta amb grans dificultats ensenyar algunes lliçons de cant a l’esposa de Charles Foster Kane (Orson Welles) i, davant la seva impossibilitat manifesta de no aprendre res de res, no li queda més remei que advertir al magnat que si el projecte de que pugi a cantar a l’escenari segueix endavant serà un complet desastre. La debacle es consuma: la seva dona fa una actuació ridícula i tot d’una (en aquells temps els crítics feien feina d’una manera tan eficient que se n’anaven corrensos a la redacció del diari perquè sortís publicat el seu article l’endemà de l’estrena) un amic (Joseph Cotten), teòricament el millor amic de Kane, gosa redactar una crítica demoledora que detalla, fil per randa, la desastrosa actuació d’aquella doneta de la qual podem afirmar que protagonitza un dels fracassos teatrals més famosos de la Història del Cinema. 

 De totes maneres, de fracassos n’hi ha hagut sempre, però per mi el més sorprenent és el que envolta William Shakespeare, possiblement l’autor més representat del món, en anglès i en els idiomes més diversos del planeta. No me digueu que no sigui un bon fracàs passar a la història per ser, segons molts d’especialistes, res més que una simple invenció. Al llarg del temps han existit teories –ja des del propi segle XVII– que subratllen que William Shakespeare era tan sols un àlies que podria amagar noms il·lustres com Christopher Marlowe (1564-93), el filòsof i lletraferit Francis Bacon (1561-1626), o Edward de Vere (1550-1604) comte d’Oxford. Per molts d’investigadors resulta qüestionable la figura d’un Shakespeare de família humil i rural, que contrasta amb l’origen aristocràtic, instruït i refinat de la majoria d’autors teatrals de l’època; per ells, Shakespeare no existí mai i tot el que sabem d’ell és fruit d’una invenció posterior, …quin fracàs !!  

Per si un cas, si avui sou prop del teatre procurau no dur res de color groc: ja diuen que és la millor manera perquè l’espectacle sigui una catàstrofe. Diuen que aquesta superstició prové de quan Molière morí, representant El malalt imaginari, vestit precisament de groc. Un fracàs final inevitable per a un home que gairebé mai no havia fracassat damunt l’escenari, tot criticant –amb la protecció del rei de França– els hipòcrites i avars de la societat de l’època. El seu epitafi resum l’empremta d’un triomfador: “Aquí jau Molière, el rei dels actors. En aquest moment fa de mort, i de veres que ho fa bé”.

GRANS FRACASSOS DE LA HISTÒRIA és una secció de TASSA I MITJA

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Hoy es uno de esos días en los que vale más quedarse enredado en las sábanas que salir de casa.

Ayer, tuve que dejar mi flamante nuevo coche, el que me regaló Orson por nuestro aniversario,  en el taller de mi amigo Patrick para que revisase los niveles y filtros. Como dependo del coche para desempeñar mis labores en la empresa de catering que regento, me resultaba más cómodo dejárselo al mecánico a última hora de la tarde, con la esperanza de recuperarlo a mediodía de hoy, justo antes de salir hacia el aeropuerto a recoger a mi hijo Andrew, que regresa de una escapada romántica con su pareja.

De modo que, en la mañana de hoy, como vengo haciendo desde hace ya algunos años, me levanté, llené la bañera, tomé un baño relajante para comenzar bien el día, y tras dejar listo el desayuno para Orson, llamé a un Taxi que me acercase al taller de Patrick.  A las 9.45 me recogió y apenas recorrimos 100 metros comenzó a salir un humo extraño del capó. El chófer se bajó, abrió con sumo cuidado el capó y al cabo de unos instantes.. “Lo siento señora Hodge  – me dijo -,  me temo que tendrá que llamar a otro Taxi porque el motor se ha recalentado”. ¡Vaya por dios!, pensé.. con lo solicitados que están a estas horas los taxis.. cualquiera espera a que esté libre otro. Y dado que tenía a la vuelta de la esquina una parada de autobús me dije, qué diantres, por un día no pasa nada. Y en efecto, allí me dirigí.

El día había amanecido lluvioso. Durante la noche habían caído chuzos de punta y las calles estaban mojadas. Por suerte para mis zapatos de ante, había dejado de llover hacía un rato y su integridad parecía estar a salvo, o eso creía yo. Mientras esperaba de pie a que el autobús llegase, y sin percatarme de que frente a mi tenía una tapa de alcantarilla de la que rebosaba una hermosa cantidad de agua, pasó un adorable vecino que tuvo a bien aparcar en el espacio reservado para el carril bus, no sin antes hacer una maniobra de aproximación un tanto brusca, que tuvo como resultado, al menos para mi, la segunda ducha de la mañana.

No me lo podía creer. El muy ¡#%$#%! sinvergüenza ni siquiera se paró  a disculparse. ¿Para qué? Solo había empapado a cuatro de las seis personas que estabamos tranquilamente esperando a que el autobús llegase. Cuando miré mis zapatos de ante.. oh cielos, qué horror. Tenían tan mal aspecto como las sandalias de cristales de Svarowsky que me había regalado mi difunto marido Rex, cuando durante una cena de gala,  el marido de Lynette – el señor Tescavo – derramó su cocktail sobre ellas. Aunque pensándolo bien, prefiero no recordar ese episodio.

Me subí al autobús, que llegó con un considerable retraso. – Ha habido un accidente en la carretera de Providenceview – nos dijo. Siento que lleguen tarde a sus destinos – añadió el conductor. Conseguí un asiento al final, creyendo que por fin todo iría bien el resto del trayecto. Craso error. Dos paradas más tarde, y a tan solo tres de mi destino, se subió un Moffet. Y.. ¿dónde creen que se sentó? Justo en el asiento contiguo, ¡¡ ¿dónde si no? !!. Como mujer previsora que soy, siempre llevo en mi Vuitton, perdón, quise decir bolso, unas toallitas de Chanel, que hicieron el resto del viaje más agradable. ¡Te adoro, Coco Mademoiselle!

A las 12.00h me apeé del bús. Lo que en un principio sería una mañana de lo más normal, se convirtió en un pequeño infierno. Afortunadamente, mi bebe con ruedas, recién revisado  me esperaba para regresar a casa.  Espero que durante el camino de vuelta no me de ninguna sorpresa, más que la que me ha dado mi buen amigo Patrick, cuando me entregó la factura. Buenos días señora Hodge, aquí tiene, todo correcto, tan solo un poco bajas las presiones. Le he cambiado el filtro del aire y del aceite. Le puse Mobil 1 para que pueda alargar más el mantenimiento, y ¡ah! se me olvidaba.. dentro de unos meses tendrá que cambiar los discos de freno que no tienen muy buen aspecto. Buen viaje, espero verla pronto.

Claro.. pronto.. – me dije -. La próxima vez lo llevo a Hiperpijos, que lo tengo al lado de casa y no me dan estas alegrías. Aunque claro, no tienen los detalles de Patrick.. Me regala un llavero personalizado cada vez que le visito. Pensándolo bien.. le diré a Orson que lo lleve, al fin y al cabo no tiene que preocuparse por sus zapatos de ante.

So, what can I say about the movie considered to be one of the best of all time?  Not much really.  I mean, it definately lives up to its reputation.  Good lighting, perfect settings and sounds, and don’t forget the infamous camera angles that were ahead of their time.  Casting is amazing, the characters are well fleshed-out, and the plot is interesting and convincing.  Do I have anything to say that has not been said by the thousands of reviews over the 68 since Citizen Kane’s release?  No, not really.  My only advice is this: if you have not watched this movie, do so.  NOW.

Sciborg: 100

Rotten Tomatoes: 100

IMDb: 8.6/10

Una de las últimas en emitir ha sido la premiere de la 6ª temporada de “Mujeres desesperadas”, que ha vuelto con un único episodio 6×01 Nice is different tan Good, a diferencia de sus hermanas de canal que algunas han regresado con uno doble.

Después de seis temporadas, la verdad es que estas chicas me siguen sorprendiendo. Y es que ha sido uno de los mejores regresos con nuevas tramas frescas y que no me esperaba, lo cual es interesante y bueno. Gaby tiene que lidiar con las aventuras y desventuras de su rebelde sobrina y convertirse en su tutora legal; Bree se centra en su “affair” con Karl algo que realmente va contra sus principios religiosos, ya que no soporta que Orson la siga chantajeando; Lynette se enfrente a ser madre de nuevo, con la idea de no querer a sus hijos como a los anteriores, y ante la ilusión que muestra Tom; Katherine se enfunda en la venganza personal hacía Susan por arrebatarle al hombre de su vida; y es que como todos preveíamos la mujer que finalmente pasa por el altar con Mike es Susan, y es que no podía ser otra, dada la season finale de la quinta.

Me parece perfecta la inclusión de nuevo de Julie, la hija de Susan, que realmente no tendría que haber salido nunca de la serie y es que parece que algún misterio también se centra en su persona, por no decir como acaba inconsciente al final del episodio. Karen parece haber encontrado un nuevo, algo que aunque pasa por encima en este episodio dará que hablar. Los nuevos vecinos, guardan secretos y muy gordos dado el aspecto de la madre, el sarcástico padre y el joven que parece tener serios problemas de conducta.

Como bien he dicho un episodio cargado de información, de nuevas tramas que darán un aire muy agradable a los nuevos episodios, y que yo sin duda no me perderé. Se rumoreaba que “Mujeres Desesperadas” podría tener nueve temporadas, y yo digo que si sigue así que tenga muchas muchas más.