Je suis allé voir 2012.

En avouant cela haut et fort, je pense avoir fait acte de contrition. Sans grande surprise, je vous annonce que ce film est d’une nullité rare, d’autant plus scandaleuse qu’il a coûté la bagatelle de 205 millions de dollars, la seule chose positive du film sont les effets spéciaux, mais on ne fait pas un film au service des effets spéciaux, ce serait plutôt le contraire… Les acteurs ne sont ni bons ni mauvais, simplement non convainquant, ce qui ne permet pas de sauver les dialogues en dessous de tout, les raccourcis scénaristiques trop fréquents, et bien évidemment les invraisemblances scientifiques qui nuisent à toute éventuelle (mais fort peu probable) crédibilité de l’histoire. En bref, on n’y croit pas, et ce, dès la première seconde (à peu près quand on nous annonce que des neutrinos venus du soleil font un effet “micro-onde” sous l’écorce terrestre… je vous laisse imaginer la suite -cohérente, dans l’esprit tout du moins- du charlatanisme du reste du film).

Mais soit. Je tolère. Pourquoi pas après tout ? J’avais adoré Sunshine, pourtant scientifiquement aberrant, mais magnifié par d’excellents acteurs, une photo à couper le souffle et des dialogues qui ne transpiraient pas la mièvrerie. J’étais resté accroché à mon fauteuil en regardant Le Jour d’Après, pourtant du même réalisateur : Roland Emmerich, en me disant, sur le coup, “et si ça arrivait”. Mais là, dans 2012, ça n’est pas possible, tout est trop énorme, tout arrive trop vite, tout est trop bâclé… Rien ne prend.

Qui plus est, non content de voir un film qui ne vaut rien, j’ai été choqué par le discours tenu. Évidemment, le film est pétri de bons sentiments, certains des héros sont issus de minorité visibles aux Etats-Unis (le président et le gentil scientifique sont afro-américains), l’histoire grouille d’instants larmoyant où chacun se rappelle la définition même d’humanité, consent à appeler ses proches et accepte de sauver quelques parfaits inconnus dans un superbe élan fraternel (visiblement, il faut une fin du monde imminente pour que les américains daignent faire ce genre de chose…). Mais il y a eu deux chose qui m’ont proprement scandalisé : d’une part, une sorte de condescendance déplacée vis-à-vis du peuple chinois, dont on vante l’efficacité au travail, mais aussi, à mots un peu plus couverts, la main d’oeuvre bon marché, dont on fait ce qu’on veut, qui n’a pas son mot à dire et qui est “jetable”, comme on jetterait un vieux mouchoir après l’avoir utilisé. D’autre part, une petite réflexion toute américaine, qui passerait inaperçue dans les états de l’union, mais que je trouve particulièrement déplacée : “je suis désolé de ne pas avoir pu sauver mon pays”. Le film raconte la fin du monde. On voit des millions de personnes mourir aux quatre coins du monde, le Christ Rédempteur de Rio s’effondrer, des pays entiers sombrer dans un chaos infernal, et un abruti nous sort une tranche de patriotisme que je trouve déplacée, comme si seul le sort américain comptait.

S’il n’y avait que dans ce film à la qualité plus que contestable que cela s’entendait, je ne dirais rien. Cependant, on constate le même décalage au niveau des discours sur la crise économique. Les européens, comme beaucoup d’autres pays dans le monde, ont une vision globale de la crise, où le sort de chaque pays importe, où on s’intéresse à la réponse de chacun (probablement assez peu fréquemment dans un but purement altruiste cela dit). Les Etats-Unis sont focalisés sur eux même et cette réplique, courte et finalement assez anodine, sur laquelle le film ne rebondit pas, montre que c’est un sentiment fortement ancré dans les esprits américains, que ce patriotisme à outrance, au point d’en oublier le sort des autres, coule de source. Je trouve admirable de défendre son pays et de cultiver un certain sens du patriotisme, mais cela ne vaut que dans un certain contexte. Lors d’événements globaux, qui touchent le monde entier, il faut apprendre à regarder autour de soit, à vivre en communauté, à admettre que notre destin ne saurait être indépendant de celui des autres.

Le parallèle avec Starship Troopers est assez intéressant. Le film est assez décalé, dans le ton, l’histoire, les effets spéciaux, les dialogues, mais reste terriblement juste. La recette est efficace et l’ironie omniprésente. Le film est américain, mais, une fois n’est pas coutume, les héros ne sont pas citoyens des Etats-Unis. Cependant, on comprend très bien que c’est le pays visé par la satire. Le film se veut une critique acerbe de la société américaine, où le patriotisme est poussé à son paroxysme par des médias propagandistes (Les journaux télévisés comme ceux de Fox News sont mis à mal dans leur forme) et des autorités omniprésentes. Les scènes vouées aux déclarations d’amour et d’amitié sont d’une niaiserie sans fond qui se moque du “trop bien pensant” usuel des blockbusters et de l’idéologie véhiculée à grands renforts de dollars. Enfin, le scénario lui même, parlant d’une guerre provoquée par les humains, pour des raisons assez indéfinies, prédisait d’une manière assez bluffante la future guerre en Irak de George. W. Bush Jr (le film est sorti en 1997). Dans une histoire où les “humains” jouent le rôle des américains, et où les “insectes” représentent les divers ennemis des US, on rit sans s’en apercevoir de la réalité du monde. Réalité où les américains se sentent un peu trop au dessus des autres, doutant jusqu’au plus profond d’eux même des capacités intellectuelles de leurs adversaires, lançant de façon assez unilatérale des guerres pour d’obscures raisons, réalité où, méconnaissant l’adversaire, on se range directement du côté des “gentils” humains, sans s’être intéressé le moins du monde aux motivations du camp adverse. Paul Verhoeven, le réalisateur disait lui même : “Take STARSHIP TROOPERS, great example, probably the most political statement I’ve ever made. Five years ago, most of the critics totally trashed that movie. They called me a nazi, saying I was idolizing Leni Riefenstahl. Now, that image has totally changed. A lot of people see now that the film is about the United States. The whole situation in Afghanistan is almost an exact copy of STARSHIP TROOPERS; the whole gung ho-mentality of bombing everything, blasting the Taliban-forces out of the caves. I put all that in STARSHIP TROOPERS! The corrupted atmosphere of propaganda, once invented by Goebbels, has now taken over the United States as well. It’s extremely interesting to see how the media can besiege an entire nation with propaganda”.

“People seem to have this strange idea that films can influence people to be violent, but in my sincere opinion, film only reflects the violence of society”. Paul Verhoeven.

God bless America!

Black Book (Zwartboek): One of those movies that the DVD case doesn’t do justice to. The plot feels like a cliche: Jewish girl in the Netherlands, separated from her family during World War 2, dyes her hair blonde and seduces a German officer to aid the Resistance. She finds herself torn between her affection for the officer and her desire to avenge her parents. The “seduction-and-betrayal” story has been told before.

What makes Black Book different is Paul Verhoeven (Robocop, Starship Troopers) behind the camera. Verhoeven moves the film along at a breathless pace, catapulting our heroine from placidity to tension to danger to a temporary respite with little pause between. He doesn’t skimp on the gore, either, shredding civilians, partisans and Nazis with blizzards of automatic fire. Sex is frequent and graphic. These are bleeding, sweating, fucking human beings.

Verhoeven also assembled a hell of a cast. When telling a seduction-and-betrayal story, directors have to take special care to keep their heroines from looking like prostitutes or victims. Carice van Houten, as Rachel, has no such problem. Rachel is confident, opportunistic and, while capable of deep tenderness, also frank in her sexuality. When Mr. Kuipers, a resistance leader in Amsterdam, asks her how close she’d be willing to get to an S.S. officer, she asks, “You mean, am I willing to screw him?” After a pause: “I’ll go as far as he’s willing to go. Okay?”

The S.S. officer in question, Captain Ludwig Muntze, is played by Sebastian Koch (who was equally excellent in The Lives of Others a few years earlier). He’s not a reluctant Nazi: when he brings Rachel back to his apartment, he brags about having seized it from “the capitalists” (for which read “the Jews”). But it’s clear he believes in fighting a more civilized war than his comrades in the Gestapo do and has a touch of poetry in his soul. And the mercy and tenderness he shows Rachel leads the audience to, if not cheer for him, at least hold their breath when things get tense.

War makes monsters of us all, Black Book tells us; even the Resistance is full of betrayals and cruelty. The movie doesn’t end with the surrender of Germany. In fact, it’s the genius of Verhoeven’s tight, suspense-thriller plotting that the liberation of Amsterdam makes things worse for our heroine: once a Jew hiding among Nazis, she’s now an S.S. sympathizer hiding from vengeful Dutchmen. Verhoeven goes to deliberate excess here, as he is wont to do, subjecting our heroine to pornographic levels of melodrama. A world of shit rains on her head.

Spiritual and physical brutality aside, Verhoeven turns what could have been a cliched tale of victimhood and prostitution into a tense, compelling and innately real story of heroism. The heroes and villains keep surprising you and the plot twists unload like a Sten gun. The movie keeps you on edge until the very end, when the titular black book that one character has used to document all the others is finally revealed.

(Postscript: I wonder if the subtitlers were having a bit of fun with the English-speaking audience. The German officers refer to the Dutch resistance as “terrorists” instead of a more contemporary term like partisans or guerillas. This leads to a few ironic scenes, like one German officer accusing Muntze of “negotiating with terrorists” when Muntze secures a cease-fire with the resistance. Muntze defends his actions as sparing German soldiers from danger behind the lines; his comrade accuses him of “defeatism.”

I don’t believe Verhoeven intended to compare the 21st century West to the Nazis; that’s a blunt, extreme analogy and the rest of the film doesn’t bear it out. And it may just be the choice of the subtitle editors. But if Verhoeven were making the point that monsters exist on both sides of a war, the film succeeds there)

Kill Them All!

Acabo de tornar a veure aquesta obra mestra, que feia vint anys llargs que no revisava.

Basic Instinct va beneficiar-se en les recaptacions d’escenes sexuals aleshores inusualment explícites, que alhora la van perjudicar davant la crítica, que va classificar el film com un thriller eròtic, movent l’epicentre d’un guió perfecte cap a detalls absolutament secundaris.

El guió de Joe Eszterhas és una maravellosa obra d’orfebreria. La narració és lineal i senzilla, tots els detalls es van explicant pas a pas des d’un únic punt de vista i oferint tots els detalls, i alhora l’espectador està tota l’estona debatint-se entre les dues explicacions possibles del cas, sense tenir ni idea de quina és la bona, perdut enmig d’un misteri captivador.

A partir d’aquest guió, Paul Verhoeven li dóna ritme i magnetisme a la trama, amb un montatge viu i que no deixa que el ritme decaigui en cap moment, mereixedor d’una de les dues nominacions a l’Oscar que va obtenir Basic Instinct. Fixeu-vos en les interpretacions: els personatges es van posant més i més nerviosos a mesura que avança la pel·lícula, acompanyant l’espectador en el seu desfici per descobrir què està passant.

Basic Instinct es beneficia d’una Sharon Stone en estat de gràcia, amb una interpretació fascinant, i d’uns eficaços Michael Douglas i George Dzundza, que encaixen perfectament en els seus rols. A més, els fans de X Files podeu provar de localitzar un jove Mitch Pileggi en un dels papers secundaris.

Com tota pel·lícula mítica, Basic Instinct té més d’una escena memorable. La que tothom recorda és la de l’interrogatori, on la interrogada Catherine Trimmell domina totalment un munt de policies que es queden amb les ganes de veure-li el perrús (igual que els espectadors). Però podem afegir la primera aparició de la Stone, la persecució a la carretera, el primer moment en que Catherine i Roxy apareixen juntes, o la de la discoteca.

També s’ha d’alabar l’enèssima banda sonora magistral de Jerry Goldsmith, amb una melodia dramàtica i un ambient inquietant difícilment superables, i que va ser la segona nominació a l’Oscar, una de les divuit que va collir Goldsmith en la seva monumental carrera. L’acompanyament musical és emprat amb mestratge per a crear clímax d’intriga i per a puntuar l’estat d’ànim dels personatges. La darrera escena és el millor exemple.

I és que per acabar, Paul Verhoeven ens regala un doble final per acabar d’encantar l’espectador i rematant de manera genial un joc d’amagat que deixa el que els enólegs anomenen un final llarg i intens. (Jo crec que aquest doble final haurien d’haver-lo col·locat darrera dels títols de crèdit.)

Adient pels aficionats als trencaclosques. Contraindicat per a puritans i ànimes sensibles.

Salut i sort,
Ivan.

If I am not me, then who the hell am I?

– Douglas Quaid

Here is another movie that I was embarrassed that I have never seen, Total Recall. People bragged how cool the movie is. I have to admit that it’s freaking awesome.

In the not too distant future, Earth has colonized some of the planets in the solar system including Saturn and Mars. An unhappy construction worker, Doug Quaid (Arnold Schwarzenegger) has strange dreams about the struggle between the rebels and the corporation, led by Cohaagan (Ronny Cox) control the action on the red planet.

His wife, Lori (Sharon Stone) is worried that he is becoming obsessed with vacationing on Mars. He finds an alternative from a co-worker about a company called Recall, Incorporated who implants fake memories into their clients.

A smooth salesman Bob McClane (Ray Baker) persuades Doug to upgrade to an “ego trip”, which is essentially a vacation from themselves. Doug wants to be a secret agent.

There is a malfunction in the machine when he goes into the schizophrenic state, instead of a medically induced coma. Consequently, his memories are erased. The agency wants to cover its tracks.

After he comes back to the city, his life is turned upside down. His whole life is not real. He’s name is not Doug Quaid. He was implanted by the Agency. Everybody in his life is a double agent that tries to extract vital information from his brain.

He is chased by Richter (Michael Ironside) and Helm (Michael Champion) that wants to kill him. An unknown guy phones Doug to pick up a suitcase that contains a video message from himself. He learns that his is not what he thinks he is. The message says that he needs to get himself to Mars. Find Kuato that is the savior of the Mars colony. He wants what is in Quaid’s head. He has to reconnect with a woman from The Last Resort, Melina (Rachel Ticotin).

The movie left me wondering, was the world real or imaginary? Two or three times in the movie, it seems like the life of Quaid is not his. This movie was made in 1990. The “futuristic” elements like the videophones and guns felt dated. The vehicles looked like the Delorean on crack. The dialogue is hilarious at times. I don’t know if that the director, Paul Verhoeven intended for that to happen.

Judgment: A solid sci-fi thriller that makes you think what is real and what is not.

Rating: ****

Índice.

1. Ficha de la película.
2. Introducción.
3. Argumento.
4. Parodia de “Dune” (1984).
5. Parecidos razonables: Kuato y Pujol.
6. Semejanza con “The Matrix” (1999).
7. Humor.
8. Otras cosas.

1. Ficha de la película.

Título: “Total Recall”
Título en España: “Desafío total”
Director: Paul Verhoeven.
Fecha: 1990.
Intérpretes principales:

Arnold Schwarzenegger (Douglas Quaid / Hauser).
Rachel Ticotin (Melina).
Michael Ironside (Richter).
Sharon Stone (Lori).
Ronny Cox (Vilos Cohaagen).
Mel Johnson Jr. (Benny).

2. Introducción.

La película está inspirada (que no basada) en una narración corta de Philip K. Dick llamada “We Can Remember It for You Wholesale”. Otra película famosa hecha a partir de una narración de este autor es “Blade Runner”.

Por cierto, se está haciendo una versión para el 2011.

El director es Paul Verhoeven, que también hizo “Robocop”, “Basic Instinct”, “Starship Troopers”, “Showgirls”, etc. Un director famoso.

Considero a esta película como antisionista por ser una parodia y una burla de la película “Dune” y por parodiar elementos de otras películas sionistas. Es, de todas formas, un “antisionismo” más leve y ligero que el de la gran “They Live”, teniendo otros elementos que la hacen una película muy entretenida.

3. Argumento.

Un tipo descubre que en realidad es un agente secreto al que le han borrado la memoria. Viaja a Marte para aclarar las cosas.

O quizá es todo un recuerdo implantado en su mente por una empresa de viajes virtuales.

4. Parodia de “Dune” (1984).

“Total Recall” (“Desafío total” la llamaron en España) la considero como una parodia y una burla de “Dune”, estrenada 6 años antes. La primera vez que vi alguna de estas películas fue en televisión muchos años después de que aparecieran en el cine, y en orden temporal inverso, por lo que no me di cuenta de que la segunda parodia a la primera.

Semejanzas:

• Marte es un planeta estéril y seco, como Dune.
• Sustancia esencial: El turbidio de Marte hace el papel de la especia de Dune, una sustancia que la civilización industrial necesita imperiosamente (y ambos simbolizan el petróleo terrestre).
• El gobernador de Marte tiene poder absoluto mientras siga fluyendo el turbidio, lo mismo que el gobernador de Dune mientras siga produciendo especia. Ambos son colonizadores de planetas a costa de los habitantes nativos.
• Los mutantes de Marte son una casta especial equivalentes a los fremen de Dune. Ambos son los nativos de sus respectivos planetas, están discriminados y oprimidos por la autoridad que gobierna, y son rebeldes. Ambos tienen cualidades místicas.
• Mesianismo: En Dune el protagonista es el mesías, y en Marte el líder-mesías parece que es Kuato hasta que llega el protagonista, momento en el que Kuato se conviere en una especie de profeta-guía, que le dice lo que tiene que hacer (encender el reactor), recogiendo el papel decisivo de cambiar la historia de Marte y por lo tanto mesiánico el protagonista.
• Elementos extraterrestres relacionados con la sustancia esencial: En Dune, los gusanos gigantes están estrechamente relacionados con la especia, y en Marte los marcianos originales extinguidos están relacionados con el turbidio y el reactor. Además, el reactor marciano está dentro de una montaña con forma de pirámide.

Pero mientras “Dune” es una película “seria”, (esa es su intención, al menos), llena de misticismo y misterio, con los judeo-fremen del desierto siendo los buenos contra los ario-harkonnen que son los malos y un mesías que aparece poniéndose en el bando de los fremen para conquistar Dune y conseguir el control de la especia, y con ello, del universo, “Desafío total” es una película que parodia a la anterior:

• Acción y brutalidad: No es una película con pretensiones de espiritualidad, sino de acción bestiaja: Es un correcalles de hostias, ametrallamientos y explosiones con muy poco del misticismo de “Dune”.
• Humor: Presente en los diálogos y en ciertas escenas.
• Personajes ridículos y absurdos: Prostituta enana; prostituta con 3 tetas; el mismo hipermusculado Schwarzenegger no desentona con los mutantes.
• Escenas grotescas: El burdel-cantina que parodia la cantina llena de extraterrestres de “Star Wars”, el protagonista sacándose el implante transmisor por la nariz de una manera bestiaja y grotesca, el protagonista y su novia al final de la película en la superficie marciana sin aire a punto de explotarles la cara, etc.
• Casta especial: Un tópico del cine sionista es la existencia de una casta especial viviendo entre los humanos normales, que representan a los judíos: Jedis en “Star Wars”, inmortales en “Highlander”, X-Men, vorlon en “Babylon 5″, fremen en “Dune”, etc. En “Desafío total” también hay una casta especial con poderes psíquicos. Pero los personajes de esta casta son especiales pero no para bien, sino para mal: Son mutantes deformes y feos. Dan mucho asquito y son una risión total. Es una burla de la casta especial de los fremen de “Dune”.
• Negro bueno: Otro tópico habitual del cine sionista es que el negro tiene todas las buenas cualidades, incluyendo las morales. O sea, que es siempre bueno, víctima e intelectual. En esta película el traidor es el negro, y es el único negro que sale en la película. Más aún, se podría interpretar que el negro, al no pertenecer a la misma raza que el resto de mutantes, aunque es un mutante no forma parte de la secta mutante. O sea, que la casta especial es uniforme racialmente y no caben negros.
• Mesianismo y misticismo: En el cine sionista se reviste de mucha pomposa seriedad mística el mesianismo. El mesías es un héroe guaperas y virtuoso. En “Desafío total”, es Schwarzenegger, un tipo venido de los concursos de musculación, que a base de esteroides y sustancias dopantes similares se cambió el cuerpo delgado que tenía y se convirtió en un armatoste al que se le desarrollaron hasta los músculos de la cara (por eso tiene ese careto, porque los esteroides desarrollan todos los músculos sin distinción). Así, el protagonista de esta película no desentona de los mutantes, e igual que los mutantes son una parodia de los fremen, Schwarzenegger es una parodia del típico mesías de “The Matrix” o “Dune”. Y el líder-profeta místico Kuato es una parodia grotesca del líder místico de películas sionistas serias como Yoda.
• Aceptar al diferente: Es un tópico habitual en el cine sionista (acostumbrar al espectador a la invasión inmigrante). Pero eso es en las películas serias y “moralizantes” sionistas. En esta ocasión, siendo una película parodia en donde el diferente y las escenas de la película son grotescas, lo interpreto como una parodia de la moralina de aceptar al diferente.

5. Parecidos razonables: Kuato y Pujol.

Kuato y Pujol: qué asco da el de la derecha

Se rumoreaba que el personaje de “Star Wars” Yoda se parecía al político catalanista Jordi Pujol. Pero fue con esta película cuando crecieron mucho los rumores de que Kuato se parecía más a Pujol que Yoda, y que debía haber algún catalán en Hollywood responsable en los diseños de los personajes/muñecos.

En efecto, el crítico de cine Carlos Pumares (cuyo blog tengo enlazado en el blogroll), en su programa radiofónico nocturno, hace ya bastantes años, buscó y encontró a dicho catalán y le entrevistó en la radio. Pillé la entrevista ya comenzada, pero oí lo suficiente para confirmar que en efecto, las semejanzas con Pujol estaban hechas a propósito, aunque no sé si con la intención de menospreciarle o lo contrario (quizá se lo preguntó, pero como no oí la entrevista desde el principio, no lo sé). En cualquier caso, lo importante es que es cierto que el parecido es intencional.

Y no sólo intencional, sino que Kuato es un parásito en cierto modo. Como Pujol y su catalanismo.

6. Semejanza con “The Matrix” (1999).

En “Desafío total” juegan con la idea que luego “The Matrix” explotaría al máximo: la de confundir sueño con realidad, e incluso la majadería de que lo que sale mal en el sueño afecta a la realidad. Ejemplo: Cuando el (supuesto) doctor le intenta convencer al protagonista, acompañado de su mujer, de que está viviendo un delirio paranoide en Memory Call, para que se tome una pastilla y despierte, y que si le mata, quedará atrapado en el delirio sin poder escapar. Es absurdo, pero afortunadamente en “Desafío total” esta idea sólo se usa como truco para mantener la ambigüedad sobre si las aventuras del protagonista son sueño o realidad, lo cual a efectos prácticos no tiene importancia, a diferencia de lo que pasa en “The Matrix”, que es fundamental para la historia.

7. Humor.

Como he mencionado antes, la película contiene ciertas dosis de humor diseminadas a lo largo de la película. He seleccionado algunos ejemplos:

- “Doctor, ¿está seguro de que no va a recordar nada?”.
- “Sí”.
- ¡Zas!, (hostiazo)

- “Le adivino el futuro”.
- “¿Por qué no el pasado?”.

Este segundo ejemplo no es mucho de humor pero sí es una genial respuesta. En efecto, el futuro ya vendrá, y dependerá de nosotros y de las circunstancias. Pero es más importante asimilar o superar el pasado, y en el caso del protagonista, con sus problemas de memoria e identidad, conocerlo. Así que mejor que preocuparse por la incertidumbre futura, es mejor ocuparse de solucionar los problemas pasados.

8. Otras cosas.

Las dos mujeres protagonistas (Sharon Stone y Rachel Ticotin) hacen el papel de luchadoras pegahostias, en el típico feminismo masculinizante asignado a las mujeres blancas en el cine sionista. Y la mala es la rubia. Pero no es suficiente para hacer de esta película una película sionista, en mi opinión. Parece más bien parte del espectáculo de hostias que compone la película.

Aparte de la parodia, la película sigue el guión de malos muy malos malosos y hasta genocidas, (como en “Dune”), dejando sin aire a un sector de mutantes rebeldes.

En definitiva, una película muy entretenida y que se burla de la ridícula y pomposa solemnidad de “Dune” y de tópicos como el del negro bueno y víctima, o el de la casta especial y superior.

Ver más películas de cine antisionista.

Etiquetas: cine antisionista, Desafío total, Paul Verhoeven.

Robocop

Director: Paul Verhoeven.

Guión: Edward Neumeier y Michael Miner.

Intérpretes: Peter Weller, Nancy Allen, Kurtwood Smith, Ronnie Cox, Daniel O’Herlihy, Miguel Ferrer.

Música: Basil Poledouris.

Fotografía: Jost Vacano.

EEUU. 1987. 100 minutos.

Modernidad y serie B

Pocas dudas debería suscitar la afirmación de que Robocop es la mejor película “americana” de Paul Verhoeven, y a la vez una de las joyas cinematográficas del cine de género de aquella cinematografía en los años ochenta. Una obra visionaria por su tratamiento de las imágenes y de la violencia, desligada de la cierta monocromía narrativa de su tiempo en pos de una síntesis y habilidad narrativa deducible de una forma de hacer cine no lejana a la gloriosa Serie B, y al mismo tiempo representante de una indiscutible modernidad de sus postulados argumentales, escénicos y visuales.

Liberalismo salvaje

Incardinable al mismo tiempo a los mejores códigos del cine de acción y de la ciencia-ficción (y analizado en la actualidad, incluso al que ahora llamamos subgénero de cine de superhéroes, pues el sino de Robocop/Murphy sigue patrones tan inspirados como los de las mejores historias que de superhéroes nos ha narrado el cómic y después el cine), Robocop nos presenta lo que podríamos llamar la faz oscura y mundana del futuro, el día a día en un Detroit, una ciudad lóbrega en todos los sentidos –actualmente de las más lóbregas de los States, aprovechada en ese sentido-, en la que la violencia callejera está al orden del día, en la que el liberalismo económico ha llegado al extremo de que una corporación privada, el OPC, tiene la concesión de la policía y del ejército, y donde el oportunismo empresarial se impone con toda impudicia sobre los derechos individuales y sociales, ya sea a pequeña escala (los diabólicos juegos de poder, que algo tienen del más turbio Shakespeare, entre el villano de la función, Dick Jones, y el creador de Robocop, Bob Morton, personaje éste al que, a pesar de ser el valedor de Robocop, el filme no evita mirar con severa acritud) o a gran escala (los noticiarios que van erigiéndose en interludios narrativos, y que nos hablan de un mundo en caos y de la supeditación absoluta del Estado a los intereses científicos paramilitares, mientras mediante cínicos anuncios se ponen en la picota los valores de ese liberalismo económico salvaje que hacen mella en la población –un coche de superlujo, una colección de corazones para trasplante de la marca Yamaha, un juego familiar de destrucción nuclear (sic)…). No es baladí al respecto que Clarence Bodicker (el asesino de policías que tan bien encarna Kurtwood Smith) y Dick Jones como alto cargo del OPC digan en dos pasajes de la película la misma frase –“los buenos negocios están donde se encuentran”-…

El enemigo del hombre

Es sin duda decisivo ese contexto urbano, social y político (y decisiva la habilidad de Verhoeven para precisar su descripción continuamente, con pequeños y certeros detalles visuales, que a menudo se enriquecen unos con otros) para situar y comprender la trama –planteada en términos de auténtica tragedia- del policía asesinado que es reciclado como máquina al servicio de la ley y el orden, y que genera hacia dentro y hacia fuera el conflicto entre ese autómata programado para la justicia callejera y la conciencia humana que aún anida en él (y los sentimientos de pérdida que le torturan, en los magníficos sketches desgajados que muestran restos de su vida familiar pretérita, en imágenes de ensueño o superpuestas a la fría realidad del presente, cuando visita su domicilio en Primrose Lane y un API telemático le muestra la casa confundiéndole con un comprador…; en esos instantes, punteados con las anotaciones más líricas de la partitura de Basil Poledouris, Verhoeven alcanza los ribetes dramáticos que la historia en definitiva, y tan inesperadamente, exuda). Así que Robocop, personaje y película, se acaba erigiendo en una fabulosa metáfora de la lucha de la humanidad contra la burocracia, que puede entenderse tanto literalmente como en la descripción de lo tecnificado; y Verhoeven nos dice al respecto que es una lucha dolorosa, desigual y sin cuartel, una lucha contra todos los elementos, pues todos los elementos están al servicio del Poder.

Murphy

El ojo de Verhoeven nunca pierde de vista esa coda en la tan llamativa manufactura visual del filme: incluso en los pasajes de pura acción. Ya desde el momento, terrible, en el que Murphy es torturado y asesinado por Bodicker y sus acólitos, la cámara toma posición de su subjetividad, y nos muestra en primer plano tanto la lucha inane de los médicos por salvarle la vida como, acto seguido, su despertar como máquina programada. Esos planos subjetivos volverán a aparecer en diversas ocasiones, para tomar una posición narrativa no sólo idéntica a la del héroe, sino en su piel, por dolorosa que resulte. En otros constantes detalles descubrimos la humanidad remanente del personaje: su idéntico modo de conducción (que rasca con el parachoques trasero el asfalto de la salida del aparcamiento), su idéntico juego de dedos con la pistola al enfundarla; y otros menos aparentes pero mucho más geniales: cuando se enfrenta a la máquina RP-209 es herido y emerge su humanidad, y uno de los desperfectos en su chasis es una rotura en su visor, que Verhoeven utiliza para mostrarnos su ojo humano, además mostrando miedo. En el último momento del metraje, el jefe del OPC (Dan O’Herlihy) le felicita por el trabajo bien hecho, y le pregunta su nombre; la cámara muestra el primer plano de Peter Weller, en esa fusión entre lo humano del rostro y lo tecnificado en la zona parietal y trasera de su cerebro, y le escuchamos decir su nombre, “Murphy”, para terminar el filme con esa reivindicación de lo humano, de su debilidad, sus sentimientos y su inextinguible valor, que ha salido vencedor.

http://www.imdb.com/title/tt0093870/

http://robocoparchive.com/

http://www.criterion.com/current/posts/4

http://www.metacritic.com/video/titles/robocop

http://www.sssm.com.ar/arlequin/robocop.html

Todas las imágenes pertenecen a sus autores

The sequel to one of director Paul Verhoeven’s highest-grossing films had a long, troubled history from its initial inception in the mid-90s. When it was released in 2006, Michael Caton-Jones’s ‘Basic Instinct 2’ was greeted with howls of derision—although most of the complaints seemed to be directed at the prospect of a seeing a semi-naked 48-year-old woman than at the idea of a sequel, in and of itself. So, in order to get this out of the way from the beginning, yes, Sharon Stone appears naked in this film. She looks perfectly fine, so let’s move on, shall we?

The bare-bones plot synopsis is this: charged with failing to rescue her passenger after a car crash, author Catherine Tramell (Sharon Stone) is examined by psychiatrist Michael Glass (David Morrissey). Glass has an unfortunate incident in his past, which Tramell exploits, manipulating him and those around him, ostensibly to write her new novel, ‘The Analyst.’ What follows is a cat and mouse game where the body count increases, Glass becomes convinced of Tramell’s guilt while the police, led by a detective played by David Thewlis, become more convinced that Glass is responsible. If that sounds similar to the plot of the first ‘Basic Instinct,’ well, it should; other than the details, it is the same plot.

That said, virtually everything in ‘Basic Instinct 2’ plays with your expectations.  There are near direct repeats of scenes from ‘Basic Instinct,’ but the payoffs are almost always completely different.As a case in point, both films highlight scenes where Tramell spreads her legs while sitting on a chair. In the first film, during an interrogation, she uncrosses her legs, which reveals her lack of underwear to an assembled group of investigators in a calculated display showing that she has nothing to hide (the title of the chapter stop for this scene on the DVD is, indeed, ‘Nothing to Hide’. Please note that I have pixelated the image for sensitive readers). In the second film, this iconic scene is repeated not once but twice. Once, late in the film, she sits back in a chair, in underwear this time, as a voice-over reads from ‘Tramell’s’ latest novel, about a novelist who manipulates a psychiatrist into providing alibis for her murders. Earlier, though, she straddles the back of a chair, simultaneously spreading her legs wider than previously and revealing significantly less of herself.

Time and time again, ‘Basic Instinct 2’ sets up sequences you’ve seen only to go another direction. The first film features a scene where Tramell starts to light a cigarette, only to be told that there is ‘no smoking in here.’ Her reply is to ask, ‘What are you going to do, arrest me for smoking?’ As with the chair scenes, these are also repeated twice in the sequel, but neither time is the punchline delivered.

One can read ‘Basic Instinct 2’ as calculated parody of the entire genre of the erotic thriller. A staple of late night cable television programming, erotic thrillers provide the basic elements of a mystery (a crime of some sort, usually murder or blackmail) but shift the narrative onto an unrelated party who becomes accidentally involved (as a witness, say); this is then coupled this with softcore pornography. On the surface, ‘Basic Instinct 2’ follows this general guideline, but its initial mystery isn’t a mystery (namely, did Tramell not save someone?), the unrelated party is inextricably linked to the sequence of subsequent crimes (and this is true whichever way you choose to read the film’s final set of oblique revelations), and the sex scenes, though prevalent, are almost always interrupted, whether in one case by the telephone ringing or by strangely abrupt scene cuts. There are even a number of sexually explicit scenes that were removed from the film (and no, they are not included on the ‘unrated extended cut’ DVD), arguably the ultimate in un-consummated expectation. The notion of removing sex scenes from an erotic thriller is both absurd and wholly in keeping with the idea that ‘Basic Instinct 2’ is in fact a comedy; a dark comedy for sure, but a comedy nevertheless. Perhaps even at the expense of the first film’s fan base.

Visually it is full of obviously intentional phallic references from London’s rather striking skyscraper at 30 St Mary Axe (also known as the Gherkin) which seems to rise in the frame just prior to each of Tramell’s sessions with Glass to her ‘Big Ben’-shaped cigarette lighter (which is later crushed underfoot—take that Freud!). Another visual joke, seen in the title image above, is Catherine Tramell’s license plate, which reads ‘DIII CAT.’ Dialogue, which is always delivered in an absolute deadpan, features a frequently hilarious lines like ‘She just walked out – how very Lacanian’ and ‘Don’t take it so hard, even Oedipus didn’t see his mother coming.’ Never once is there a knowing smirk, and the script clearly knows exactly which pitches to hit and which to let go.

And as far as the script goes, ‘Basic Instinct 2’ makes one, seemingly simple, change to the first film’s formula, but it is a change that makes all the difference. Whereas the first film remains fixed on tracking the actions of its obnoxious (and that is being unnecessarily charitable) detective, the sequel keeps its focus right where it belongs, on the most interesting character, Catherine Tramell. And it is this shift that makes it a much, much more interesting film.

¿Cuántas pelis de nazis hemos visto? Supongo que al igual que yo, han visto muchas. Pero probablemente seamos diferentes en un pequeño aspecto, yo no me canso de verlas. Si veo una esvástica en un cartel me emociono, me encanta el tema relacionado a la alemania nazi.

El director de The Black Book es el señor Paul Verhoeven, a quien muchos ya conocen por tres super famosas producciones que él mismo ha dirigido, me refiero a Basic Instinct, Hollow Man y Robocop, de las cuales sólo me basta decir que detesté la segunda.

La historia comienza con una chica judía que huye de los alemanes y debe esconderse varias veces para no ser apresada y por supuesto asesinada. Sin ánimos de contar la peli, debo decir que a raíz de su desesperación por huir, entra en contacto con un grupo de la resistencia holandesa que está en contra de los nazis. Ella luego pasa a formar parte de este grupo y debe infiltrarse entre los nazis para realizar algunas tareas de espionaje.

El papel de la hermosa chica es interpretado por una holandesa de nombre Carice van Houten. El repertorio cuenta con la super actuación de Sebastian Koch, a quien ya he tenido el honor de verlo actuar el Der Tunnel, Das Leben der Anderen (La vida de los otros) y la super pelicula llamada Stauffenberg.

Como dato curioso debo señalar que en la pelicula Stauffenberg, Sebastian Koch desempeñaba el papel del propio general Stauffenberg que estuvo encargado de perpretar el atentado contra Hitler, operación que se conoció como Valkiria. En The Black Book éste actua con Carive van Houten, juntos por primera vez. Todo el que vio Valkyrie notó la actuación de Carice van Houten como Sra. Stauffenberg.

Vínculo iMDB: http://www.imdb.com/title/tt0389557/

La escena con más mala leche de los noventa. Ríete tú de Paul Verhoeven.

Carice van Houten and Michel Huisman get bombed.

(Sony Classics) Carice van Houten, Sebastian Koch, Thom Hoffman, Halina Reijn, Waldemar Kobus, Derek de Lint, Christian Berkel, Dolf de Vries. Directed by Paul Verhoeven.

While war itself is an absolute evil, often life in wartime is characterized by varying shades of grey. Those caught up in it must often differentiate between these shades, trying to find the one that is least black. In the process, they often have to become something terrible in order to avoid becoming a corpse.

Rachel Stein (van Houten) is a Dutch Jew hiding in the countryside during the waning days of World War II, hoping to survive until the Germans are defeated. When her hiding place is obliterated, she is taken to see a sympathetic notary (de Vries) who helps reunite her with her family with the purpose of getting them across the border to Allied territory. During the river crossing, the boat full of Jewish refugees is ambushed by the Nazis and gunned down. Rachel is the only survivor.

She is rescued by Gerben Kuipers (de Lint), a Dutch resistance leader who offers her shelter. Instead, the vengeful Rachel joins the resistance as a spy and changes her name to the less ethnic Ellis de Vries. During a mission with Hans Akkerman (Hoffman), she meets Ludwig Muntze (Koch), the head of the Dutch SD. She makes an impression on him, but thinks nothing further of it.

After Kuipers’ son is captured she is enlisted to seduce Muntze and obtain the release of the captives. She is hired as his assistant and soon befriends Ronnie (Reijn), a Dutch woman who is using whatever means necessary to survive, including sleeping with Frankel (Kobus), a ruthless sub commander who was responsible for the death of her parents. Ellis/Rachel manages to bug Frankel’s office, giving the resistance much useful information. She also finds that Muntze’s duties are being suborned by his conscience, and that he is an incredibly decent man. She begins to fall in love with him.

After several missions go horribly wrong it soon becomes clear that the resistance has an informant in its midst. Suspicion falls on Ellis/Rachel after Frankel frames her. Now, she finds that post-war Holland is in many respects more dangerous for her than the Nazi occupation was as she tries to discover who the true traitor is before she is captured by those she worked so hard to assist.

Verhoeven, whose career was established based on his Dutch war masterpiece Soldier of Orange has been making Hollywood blockbusters such as Total Recall, RoboCop, Starship Troopers and Basic Instinct. This is his first Dutch film since 1983’s The 4^th Man. Black Book holds the distinction of being the most expensive film ever made in Holland at the time it was released, and also the most commercially successful film to come from the Netherlands ever.

The movie has a very slick look to it, and cinematographer Karl Walter Lindenlaub does a fine job of making it look good. Verhoeven has done an excellent job of bringing wartime Holland to life. He has also co-written a script that has ample twists and turns as Ellis/Rachel navigates – often painfully – through the politics not only of the Nazi occupation but of the Dutch resistance as well. It works pretty nicely as a thriller.

The big problem with the writing, if it has any, is that there are too many twists and turns. As Ellis/Rachel wails near the end of the film, “When will it all stop!” and we, the audience agree – the movie is about 20 minutes too long. However, that really is where the bellyaching from this critic begins and ends.

Van Houten is a spectacular-looking woman, and not a bad actress to boot. She has to carry the movie nearly entirely on her shoulders and she does a good job of it. She gets support from Koch, who reminds me of the Dutch actor Jeroen Krabbe, and from Hoffman, who reminds me a bit of Andrew McCarthy.

Overall, this is very well-made and does keep you on the edge of your seat. Although this is a work of fiction, many of the events depicted here actually happened. Verhoeven, when at the top of his game, is a world class director, and he’s at the top of his game here. With just a bit of tweaking, this might have been his best work ever. Instead, it’s a very enjoyable, entertaining two hours well worth spending.

WHY RENT THIS: This is an edge-of-your-seat thriller that is as well-made as any coming out of Hollywood. Van Houten is an absolutely spectacular looking woman. World War II-set movies are big these days.

WHY RENT SOMETHING ELSE: Movie goes on a bit too long with one two many twists. Dialogue is mostly in Dutch and German, so those who abhor subtitles will be annoyed.

FAMILY VALUES: Many Nazi atrocities are depicted in unflinching detail. There is also a fair amount of female nudity, as well as extremely sexual situations.

TRIVIAL PURSUITS: The genesis of the film came when director Verhoeven was researching true stories from the Second World War in the Netherlands back in 1977 when he was making Soldier of Orange.

NOTABLE DVD EXTRAS: None listed.

FINAL RATING: 7/10

TOMORROW: Capitalism: A Love Story

Simmmmm!

Poderia ser a melhor idéia de todas!

Porém é uma seqüência que podemos duvidar!

Aparentemente o diretor de Showgirls Marc Vorlander está desenvolvendo uma seqüência que se chamará: Showgirls Story of Hope.

Para quem não se lembra Hope era uma atriz coadjuvante no filme original interpretada pela “atriz” Rena Riffel que vai estar na sequência.

Dois produtores hollywoodianos disseram estar interessados na produção com o custo de $ 25 milhôes de dólares!

O filme se passará em Frankfurt, Alemanha e contará a história sobre uma stripper que morre por intoxicação via cocaína misturada. Seu irmão vai até Frankfurt para descobrir o responsável e ter sua vingança.

Parece podre!

Tenho certeza de que Elizabeth Berkley (Nomi Malone) aprendeu sua lição e ficará longe dessa seqüência!

O filme original poderia ter sido melhor, apesar da história ter muito potencial, talvez não tenha sido muito bem explorada. Me lembro que na época o filme recebeu críticas terríveis e quase não sai nos cinemas. O que foi ótimo para publicidade do filme, pois o resultado foi salas de cinema lotadas no mundo todo.

Acho que, no fundo, todo mundo tem um pouco de Nomi Malone, ou pelo menos gostaria de ter. Para quem não conhece, a história é a seguinte:

Uma garota do interior decide tentar a sorte como dançarina em Las Vegas, onde termina conseguindo vaga em show e criando uma intensa rivalidade com a estrela principal do espetáculo. Com direção de Paul Verhoeven (Robocop, o policial do futuro) e Elizabeth Berkley no elenco.

Bom, mas enquanto a pérola não vem, que tal relembramos o passado vendo o filme Showgirls de 1995?

Cliquem abaixo para fazer o download em torrent:

Obs: Estarei fazendo seeds a noite toda.

Espero que gostem…

Leonardo Portela

Has Hollywood explored the “invisible man” enough or is there a new hidden depth in the theory?

“Hollow Man’s” story brings us deep into the mind of a frustrated scientist Sebastian Caine and his abused team who are on the verge of uncovering the secrets of invisibility. Caine is ego driven and often drives his co-workers insane by his stunts. Caine oversteps his bounds when he decides to turn his experiments on himself and become the world’s first man to step into the invisible world.

“Hollow Man” is directed by Paul Verhoeven who brought us “Total Recall“, “Starship Troopers” and “Basic Instinct“. In a lot of Verhoeven films there is always an exploration into the world of eroticism from a twisted angle. Some of those twisted angles include the co-ed showers in “Troopers”, the three breasted woman in “Recall” and the heavy lesbianism in “Instinct”. All of them push the envelope and were all controversial. In “Hollow Man” this tradition continues.

Another tradition associated with Verhoeven is his amazing special effects. “Hollow Man” does pave a new road for invisibility and the effects here are truly amazing. The idea of watching a man disappear a vein at a time was breathtaking.

See-thru Bacon... just like his performance!

I liked the questions “Hollow Man” asks but under its shiny special effects surface we have a pretty mind numbing B monster movie without a beast. Some films that achieved monster movie status and were enjoyable include “Leviathan“, “The Relic“, “Predator” and “Watchers” but “Hollow Man” for me really never broke free of its B-movie script.

The creature unleashed in the lab always seems to have its final battle within the walls of that same lab. Why is that? And as for Bacon being a creature well his portrayal is believable about half the time. The more and more he loses his humanity the more the film sinks into creature feature mode. I wish the film would have dealt more with the subject matter on a human level.

My biggest disappointment is that this film doesn’t really explain or answer the question I asked Kevin Bacon last week, “Why do all invisible men eventually go insane?” Caine is insane from start to finish in this film. “Hollow Man” to put it plainly is quite hollow.

3 out of 5

So Says the Soothsayer.

Three reviews from the gents today as they go on a journey around hipster America in Away We Go, want more Julia and less Julie and feel robbed of precious life by Gamer. They go on to chat about telling the story of a major heist, remaking Highlander and reviving the career of The Rock. They celebrate the brilliance of Wings of Desire, remember how fun Robocop is and delve in the world of American Vogue in The September Issue. They concluding trailer round-up includes a couple of key disagreements, a couple of resounding agreements and, in a shocking development, sees Sam defend Michael Moore.

Download The Movie Overdose Episode 35

Show notes to follow later.

Claro que não eram.

Mas o que raio tem a ver o filme Tropas Estelares com esse blog?

Explico: recentemente adquiri os 3 DVDs da série Tropas Estelares. O primeiro é excelente, e os 2 seguintes são meio trash, mas divertem.

O importante é a inteligência por trás do argumento original que deu origem ao primeiro, baseado no livro de Robert Einlein.

O autor explica exatamente como se cria o raciocínio de combate e a idéia do “extreme prejudice” (ou seja, exterminar sem dó um inimigo que tem muita força). O autor não se esquece do apego à honra e aos valores, mesmo em um mundo sem religião. E, nesse mundo, as pessoas estão prontas sacrificarem suas vidas em combate.

O melhor, no entanto, é ver a música que está no clip acima, que fala “It’s a Good Day to Die”. Tradução: “É um bom dia para morrer”.

Ela mostra naturalmente o que significa lutar até a morte em uma guerra.

Os motivos são claros: alguns islâmicos usam bombas em seu corpo pois irão morrer em combate, e precisam levar vários oponentes junto. Assim como os Tamil Tigers, grupo terrorista marxista-leninista, que tem mais atentados com homens-bomba em seu currículo do que o Hamas. Ou os pilotos kamikaze na Segunda Guerra Mundial, em Pearl Harbor. Detalhe que os Tamil Tigers e os pilotos kamikaze não acreditavam em Deus.

No filme, é a mesma coisa: os sujeitos vão lutar, estão prontos para morrer, pois, mesmo com armas de última geração, o inimigo (os insetos, no caso) está em quantidade muito maior.

Na vida real, os adversários dos terroristas podem não estar em maior quantidade, mas estão com maior tecnologia. Exemplo: Estados Unidos no Iraque.

Essa inferioridade, tecnológica ou numérica, irá levar naturalmente ao sacrifício humano, pois os combatentes sabem que podem morrer de um jeito ou de outro, então protegem seus familiares.

Em suma, um ótimo filme que, se avaliado com atenção, irá mostrar que a tentativa neo-ateísta de atribuir o auto sacrifício humano em guerras à religião não passa de uma avaliação ingênua de quem não conhece a estrutura dos combates, principalmente entre povos com diferentes níveis tecnológicos e bélicos.

Mais curioso ainda: o componente religioso é inserido no terceiro filme, mas somente APÓS a cultura do auto sacrifício humano já estar implementada. Portanto, não serviria, no filme, como exemplo de religião como causa da violência.

Para quem precisar se animar para ver a série, abaixo está o trailer do primeiro, feito em 1997:

Abaixo as letras da música, que só aparece no terceiro filme:

Courage!, Duty!, Honor!
We call upon our troopers in this our darkest hour.
Our way of life is what we are fighting for.
the flat that flies above us, inspires us each day.
To give our very best, in every way!

(Chorus)
It’s a good day to die,
When you know the reasons why.
Citizens we fight for what is right,
A noble sacrifice.
When duty call, you pay the price
For the federation I will give my life.

Well all is fair, in love and war
that’s what my gunny says.
You are not alive unless you are almost dying.
There are the words I march by, Duty, Courage, Honor
Every single day and I have been trying

It’s a good day to die,
When you know the reasons why.
Citizens we fight for what is right,
A noble sacrifice.
When duty call, you pay the price
For the federation I will give my life
(Courage, Duty, Honor)

The eagle, he flies high above us
The eagle, he make our spirits soar
He’s giving the strength to carry on
To fly, and win this war!

It’s a good day to die,
When you know the reasons why.
Citizens we fight for what is right,
A noble sacrifice.
When duty call, you pay the price
For the federation I will give my life
(Courage, Duty, Honor)

It’s a good day to die,
When you know the reasons why.
Citizens we fight for what is right,
A noble sacrifice.
When duty call, you pay the price
For the federation I will give my life
(Courage, Duty, Honor)
For the federation I will give my life.

Por Quique Sanchís

Con motivo del estreno de District 9, película de ciencia ficción bastante original y que promete convertirse en un referente a medida que pase el tiempo, aunque a algunos ya les pese, he decidido montarme en mi máquina del tiempo particular e invitaros a un viaje espacial, y especial.

Podíamos decir que todo comienza en 1902, cuando Georges Méliès estrenó Le Voyage dans la Lune, una película que utilizaba trucos fotográficos para representar el viaje de una nave espacial a la Luna. Con él se asentaron las bases del género cinematográfico que hoy ocupa estas líneas, al que adoro y que sin duda ha dado mucho juego en todas sus facetas: la ciencia ficción.

Repasando su historia comprobamos que a pesar de ser un género machacado y denostado en muchas ocasiones, unido junto el terror a la llamada “serie B”, el cine de ciencia ficción ha sobrevivido en todas las décadas entregándonos grandes clásicos y referentes del cine. Las décadas de los 30 y 40 convirtieron a la ciencia ficción en un recurso barato y poco exigente de entretenimiento, naciendo la denominación de serie B, donde los viajes espaciales y los personajes heroicos de historietas se alternaban con las invasiones extraterrestres como centro de interés para los espectadores. Sin embargo, no fue hasta los 50 cuando la ciencia ficción descubrió que podía ser un filón de crítica social y política, más allá del simple entretenimiento. Apoyado en el auge de la literatura del mismo corte, películas como La invasión de los ladrones de cuerpos, Ultimatum a la Tierra o La guerra de los mundos (véanse sus nuevas versiones para entender lo que se puede destrozar un clásico del cine) se convirtieron en grandes referentes del cine, con ese aire catastrofista que se generaba en el mundo belicoso que tocaba vivir.

En la década de los 60, el poco interés de los grandes estudios por la ciencia ficción, unida equivocadamente a la famosa y cutre “serie B”, pareció denostar este género. Hasta que un director llamado Stanley Kubrick decidió darle otra vuelta de tuerca y creó una de las películas más influyentes de todas las décadas: 2001: Una odisea en el espacio (1968). Esto, unido al interés que volvió a despertar la ciencia ficción gracias a los viajes a la Luna, hizo que la década de los 70 fuese la más prolífica en películas del género, volviendo a caer de nuevo en la simpleza y la extravagancia como métodos de creación. Hasta que, a finales de la década, un triunvirato magistral elevó la ciencia ficción a género de culto e interés: George Lucas, Steven Spielberg y Ridley Scott. Los dos primeros nos mostraron cómo el cine de entretenimiento no estaba reñido con la calidad y nos trajeron joyas como La trilogía de La guerra de las galaxias (un culebrón espacial lleno de misticismo y emoción que arrasó en taquilla y cuyo éxito aun perdura) el primero, y Encuentros en la tercera fase o E. T. el segundo (por nombrar algunas). Y algo más allá, el magnífico terror de Alien o el suspense filosófico de Blade Runner de R. Scott trajo nuevos aires a la ciencia ficción, junto con “interesantes” ingresos a sus estudios.

Aunque aquí he de hacer una parada momentánea en el viaje, un pequeño inciso sobre Blade Runner. No tuvo éxito en Estados Unidos, y muchos la criticaron (lo reconozco, yo el primero) por su ritmo lento, poco acorde con lo que se esperaba de una supuesta película de ciencia ficción, y su complejidad narrativa. Sin embargo, fuera de las fronteras de América la película se convirtió poco a poco en eso tan retorico y “chic” de “película de culto”, arrasando en videoclubes y ganándose el “honor” de ser una de las pioneras en verse publicada en DVD. Y lo cierto es que la película, vista más de una vez, se enriquece en cada fotograma, y uno que la denostó, ahora es capaz de verla de un tirón y amar cada una de sus frases y grandes momentos.

La década de los 80 fue la cara y la cruz para el género. Los altos presupuestos de Dune (equivocada puesta en escena de David Lynch de la magnifica obra de Frank Herbert) y de 2010, odisea dos (inútil intento de Peter Hyams) y sus malas cifras en taquilla persuadieron a las compañías de seguir invirtiendo en ciencia ficción. Hasta que se descubrió un nuevo filón: los robots. Tanto el Robocop de Paul Verhoeven (en menor grado) como el Terminator de James Cameron (sobre todo) volvieron a dar bríos a la ciencia ficción. Lo del primero, me disculparéis, todavía no logro entenderlo…

TO BE CONTINUED…