Título original: Aliens vs. Predator: Requiem.
Nacionalidad: USA.
Año: 2007.
Duración: 86 min.
Dirección: Colin Strause y Greg Strause.
Guión: Shane Salerno; basado en los personajes de “Alien” creados por Dan O’Bannon y Ronald Shusett; y en los personajes de “Depredador” creados por Jim Thomas y John Thomas.
Intérpretes: Steven Pasquale (Dallas), Reiko Aylesworth (Kelly O’Brien), John Ortiz (Morales), Johnny Lewis (Ricky), Ariel Gade (Molly).
Producción: John Davis, David Giler y Walther Hill.
Música: Brian Tyler.
Fotografía: Daniel C. Pearl.
Montaje: Dan Zimmerman.
Diseño de producción: Andrew Neskoromny.

Veo con terror cómo el tema Alien vs. Predator, que nació como una inofensiva colección de cómics, va camino de convertirse en una saga, a poco que vayan sacando beneficios en el cine, al más puro estilo Godzilla vs. Ghidhora, Godzilla vs. Mothra o Godzilla vs. Ronald McDonald. Y, aunque esto no debería ser malo en sí mismo, cuando uno ve las dos películas que han salido de esa idea, es para echarse a temblar.

AVP2 arranca en el punto final de la primera entrega, con un cadáver de “La Criatura Antes Conocida Como Depredador, Pero Que Ahora Se Conoce Como Predator” infectado por una cría de Xenoforme. Como ustedes se imaginarán, el bicho que nace es una especie de híbrido de ambos seres, que destaca por tener más o menos la apariencia física del Alien, pero que hereda de los Depredadores las rastas (?) y la carita de centollo, y que se ha dado en llamar Predalien. Eso sí, también tiene la mala leche combinada de ambos, así que cuando monta la mundial en la nave “predatoril”, ésta se acaba cayendo a la Tierra, liberando muchos atrapacaras que se dedicarán a infectar a la población. A través de una especie de GPS intergaláctico, un Predator de los más brutos se entera de lo que ha pasado, y se desplazará hasta nuestro planeta para borrar todo rastro de los Aliens, y de paso, de todos los humanos que pille.

Como ven, el “argumento” no da para mucho, así que vamos asistiendo a una rápida presentación de personajes (humanos) que están tan mal definidos que ni siquiera es posible decir que caen en el estereotipo, sino que más bien tienen la enjundia de lo que son: futuras hamburguesas. Mientras los pobres vecinos de Colorado se dedican a sus labores, el Predator se afana en la búsqueda y la destrucción de los Aliens y del híbrido, cargándose todo lo que se encuentra, incluyendo una central eléctrica, y redefiniendo el término OPA hostil.

Los fanáticos del gore se verán bastante decepcionados, me imagino, porque aunque sí existe sangre y violencia, se queda bastante justita en este aspecto, sobre todo, después de haber visto cosas como John Rambo, así que es de imaginar una próxima versión Unrated, que tanto gusta en el mercado del DVD. Lo que sí hay es una profusión de tomas destinadas a mostrarnos con todo lujo de detalles los aspectos más asquerosillos de la reproducción alienígena: reventones de costillas, “violaciones” de embarazadas (en serio)… Todo ello muy pegajoso y viscoso.

En teoría, todo lo que ocurre en la película prepara para el encuentro final de los dos monstruitos, en el que se supone que las habrá de todos los colores. Y efectivamente, así sucede, aunque con un pequeño problema: los dos bichos son oscuros como el carbón, con la mala costumbre de pelearse de noche, y a poder ser, en alcantarillas, habitaciones oscuras, y por lo general, sitios con menos luz que la Fosa de las Marianas. Si a todo ello se le suma la habitual realización en la que cuesta saber qué es lo que se está moviendo, más la desagradable costumbre del Predator de cambiar de tipo de visión como si de calzoncillos se tratara, se pueden hacer una idea del suplicio que resulta ver Alien vs. Predator 2. Yo supongo que mientras uno de los hermanos Strause controlaba la cámara, el otro debía indicarle dónde apuntar.

Tenían que hacerse verdaderamente mal las cosas para conseguir un subproducto tan nefando como la primera AVP, pero Colin y Greg Strause lo han conseguido: sin duda, se necesitaban un mínimo de dos personas para conseguir bajar aún más el listón de la entrega anterior, aunque a este paso, para hacer la siguiente peor, me imagino que habrá ya que echar mano de Rob Zombie. En ese caso, quizás sean los monstruos los que se asusten.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDb.

Web oficial en español.

Título original: Shrooms.
Nacionalidad: Irlanda.
Año: 2007.
Duración: 86 min.
Dirección: Paddy Breathnach.
Guión: Pearse Elliott.
Intérpretes: Lindsey Haun (Tara), Jack Huston (Jake), Max Kasch (Troy), Maya Hazen (Lisa), Alice Greczyn (Holly), Rob Hoffman (Bluto), Don Wycherley (Bernie), Sean McGinley (Ernie).
Producción: Paddy McDonald y Robert Walpole.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Nanu Segal.
Montaje: Dermot Diskin.
Diseño de producción: Mark Geraghty.

Mira que me he visto innumerables cintas de terror, incluidas algunas que desearía haber olvidado ya, pero jamás me había encontrado con una cuyo principal argumento trata de la ingesta de hongos alucinógenos. Y el director irlandés responsable, Paddy Breathnach, ha conseguido dejar claro por qué nadie lo había hecho antes. Cabeza de muerte (Fungus mortalitas) es un verdadero espanto.

Así, tenemos a cinco universitarios estadounidenses: Tara (Lindsey Haun), Lisa (Maya Hazen), Troy (Max Kasch), Holly (Alice Greczyn) y Bluto (Robert Hoffman), que se van de viaje a Irlanda, donde les espera el novio de Tara, Jake (Jack Huston, nieto de John Huston y sobrino de Anjelica), para introducirles en el mundillo del viaje con setas. Quizás no sea el bosque indicado para hacerlo, porque cerca de donde acampan existe un antiguo internado con una terrible historia, y algo que puede acabar matándoles a todos.

Supongo que les parecerá extraño hacer un viaje semejante con la única motivación de ponerse ciego con las setas irlandesas, pero les garantizo que eso es, posiblemente, lo más lógico que ocurrirá en toda la película. Después pasarán cosas que ni los mismísimos Mulder y Scully podrían explicar. Para empezar, deciden dejar todos los móviles en el coche, para que en plena alucinación no se les ocurra hacer ninguna llamada inoportuna. Pues bien, ¿a quién le dan las llaves del coche? Al colega menos de fiar de todo el grupo.

No sólo eso, sino que, al poco de que Jake explique que la “cabeza de muerte” del título es la seta más peligrosa del bosque, Tara, la más modosita y responsable del grupo, se la zampará sin dudarlo un instante. Y a partir de ahí, casi todo lo importante que pasa en la peli se verá (es un decir) a través de las alucinaciones y premoniciones de la propia Tara, para que el director nos pueda deleitar (es otro decir) con montajes abruptos, cambios de velocidad, imágenes con mucho grano y esas cosas que quedan tan vanguardistas.

Como ya he dicho, casi todo lo (supuestamente) interesante ocurre en visiones, así que de tensión o de terror, poquito. Además, los personajes, a pesar de estar bajo una amenaza, cada uno se va por su lado despreocupadamente, y lo que es más, muchas veces parecen querer alejarse más de los demás. Encima, todo lo que pasa está encaminado a una sorpresa final, que no es tal, en parte porque ya se intuye desde muy al principio, y en parte porque está fatalmente presentada.

Un bodrio que hace pensar si no era el propio director el que se encontraba también bajo los efectos de las setas de la risa, ya que al parecer el guionista sí lo estaba.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDb.

Web oficial en español.

Título original: Frostbiten.
Nacionalidad: Suecia y Rusia.
Año: 2006.
Duración: 98 min.
Dirección: Anders Banke.
Guión: Daniel Ojanlatva; coescrita por Pidde Andersson.
Intérpretes: Petra Nielsen (Annika), Grete Havnesköld (Saga), Emma Åberg (Vega), Jonas Karlström (Sebastian), Måns Nathanaelson (Lukas), Carl-Åke Eriksson (profesor Gerhard Beckert), Mikael Göransson (Jacob), Anna Lindholm (Mona).
Producción: Göran Lindström y Magnus Paulsson.
Música: Anthony Lledo.
Fotografía: Chris Maris.
Montaje: Kiko C.C. Sjöberg.
Diseño de producción: Malin Kihlberg.

Nada más ver el cartel de la película que hoy tengo entre manos, me asalta la siguiente duda: ¿qué tiene que pasar por la cabeza de alguien para adaptar el título original de esta cinta, Frosbiten, como Frosbitten? Cierto que la traducción literal al inglés del título sueco sería esa, pero ¿por qué “traducirlo” al inglés en lugar de al español, o ya puestos, dejarlo como está?

Annika (Petra Nielsen) es una doctora en medicina que se muda con su hija Saga (Grete Havnesköld) a una pequeña ciudad ártica, cuando aún falta un mes para que se acabe la noche. Saga conoce en el instituto a Vega (Emma Åberg), una gótica que la invita a una fiesta salvaje a la que irán los estudiantes. Pero pronto empezarán a ocurrir extraños sucesos con la aparición de unos seres con colmillos y sedientos de sangre, que se encuentran a sus anchas en un sitio al que la luz del día tardará en llegar aún mucho tiempo…

Si se fijan en la carátula de la peli, verán la cantidad de elogios que se vierten sobre esta producción sueca, que ganó el premio a la mejor peli en el festival de Fantasporto del 2006 (El laberinto del fauno ha ganado el de 2007, por ejemplo). Y yo me imagino que me deben haber dado gato por liebre, porque si toda esta gente ha visto la misma película que yo, algo va terriblemente mal en el cine fantástico.

Frosbitten se promociona como una comedia de terror, pero yo no he conseguido ver ni un atisbo de estas dos cosas por ninguna parte, sino que más bien naufraga en sus dos propuestas. Como comedia no funciona, aunque yo no sé si es cuestión de que el humor sueco es muy distinto al nuestro, o es que la traducción la ha machacado vilmente. Eso suponiendo que en los diálogos hayan intentado meter ese humor, porque en lo que respecta a lo que sucede en pantalla, no existe. Conociendo al pueblo sueco, me imagino que para ellos que una chica invite a su novio a cenar para conocer a sus padres, y él acabe comiéndose a la mascota de la familia (un conejito blanco) será el no va más de la diversión, pero aquí hemos visto tantas cosas ya, que uno no se sorprendería ni aunque apareciese una lechuga haciendo sudokus.

En lo que respecta al terror, las cosas van aún peor. Hay tantas subtramas abiertas, que varias de ellas se estiran hasta lo absurdo para hacer coincidir sus clímax con las demás. O mejor dicho, supuestos clímax, porque entre la nefasta labor de dirección y uno de los peores montajes que yo haya tenido la desgracia de ver, la cosa resulta más carente de emoción que los témpanos que impregnan la pantalla.

Las interpretaciones son nefastas, pero yo creo que es culpa sobre todo del guión, más preocupado de meter cuantos más personajes mejor, que de hacerlos no ya creíbles, sino mínimamente dignos, de manera que los actores no pongan cara de “no me puedo creer que esté diciendo esto”.

No cabe duda de que Frosbitten es un intento loable de insuflar aire fresco al género de vampiros por parte de la cinematografía escandinava (si bien el diseño de dichos seres recuerdan sospechosamente al Drácula de Coppola). La pena es que eso no la libra de ser un peñón insufrible, sin ninguna gracia ni emoción, y que aburre desde el primero al último minuto. Peor que una noche de seis meses.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDB.

Tráiler en YouTube.

Título original: Captivity.
Nacionalidad: Rusia y USA.
Año: 2007.
Duración: 100 min.
Dirección: Roland Joffé.
Guión: Larry Cohen y Joseph Tura; basado en un argumento de Larry Cohen.
Intérpretes: Elisha Cuthbert (Jennifer), Daniel Gillies (Gary), Pruitt Taylor Vince (Ben), Michael Harney (detective Bettiger), Laz Alonso (detective Di Santos), Chrysta Olson (Mary D’Abro).
Producción: Mark Damon, Leonid Minkovski, Serge Konov y Gary Mehlman.
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Daniel Pearl.
Montaje: Richard Nord.
Diseño de producción: Addis Gadzhiev.

Menudo desastre que se han montado aquí mano a mano el guionista, Larry Cohen (responsable de títulos como Llamada Perdida) y el director, Roland Joffé (con títulos tan estimables como La Misión), y que llevaba desde el 2000 (fecha en la que rodó Vatel) sin ponerse tras las cámaras. Desde luego, Captivity (Cautivos) dudo que haga algo por sacarle del ostracismo.

Jennifer Tree (Elisa Cuthbert) es una modelo de éxito que, un buen día, se despierta atrapada en una habitación de la cual no puede salir. En la habitación adyacente se encuentra Gary (Daniel Gillies), también atrapado por el misterioso secuestrador, que parece tenerlo todo planeado. Mientras tanto, los detectives Bettinger (Michael Harney) y Di Santos (Laz Alonso), intentarán dar con el responsable, aunque el tiempo corre en su contra.

A decir verdad, en esta cinta, el tiempo corre en contra de todos: sobre todo, en contra del espectador, que no ve cuándo se acabará el suplicio. El propio, claro, no el de Jennifer, que en realidad se limita a dormir y a cambiarse de vestido, algo a todas luces intolerable. Ya sabemos que está de moda el psicópata tipo Saw, capaz de preveer cada acción de sus víctimas, pero el problema está en que en Captivity, incluso alguien que no haya visto en su vida una peli de este estilo, será capaz de adivinarlo todo. Y lo peor es que, cuando no se adivina, es que está tan forzado que rompe cualquier lógica, incluso la aristotélica.

Con semejante despropósito, se imaginarán a qué nivel lucen las interpretaciones, aunque no podemos culpar enteramente al elenco, cuando se ven obligados a pronunciar frases del tipo “el asesino quiere que lo detengan”, que yo jamás pensé que volvería a ver en una producción más o menos seria.

En fin, una hecatombe, que sólo se libra de ser mayor por el hecho de que está rodada con tan poca luz, que no molesta para echar una buena cabezadita. Ahora comprendo el hecho de que se haya prohibido su estreno en varios cines: para que luego digan que la OMS no hace nada.

Valoración: pésima.

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Título original: The Last Legion.
Nacionalidad: USA, Reino Unido y Francia.
Año: 2007.
Duración: 110 min.
Dirección: Doug Lefler.
Guión: Tom Butterworth y Jez Butterworth; basado en un argumento de Carlo Carlei, Peter Rader y Valerio Massimo Manfredi.
Intérpretes: Colin Firth (Aurelio), Ben Kingsley (Ambrosino), Aishwarya Rai (Mira), Thomas Sangster (Rómulo Augusto), Peter Mullan (Odoacro), Kevin McKidd (Wulfila), John Hannah (Nestor), Iain Glen (Orestes).
Producción: Dino De Laurentiis, Martha De Laurentiis, Raffaella De Laurentiis y Tarak Ben Ammar.
Música: Patrick Doyle.
Fotografía: Marco Pontecorvo.
Montaje: Simon Cozens.
Diseño de producción: Carmelo Agate.

Hace no mucho, alguien me comentaba que se había llevado una gran alegría cuando en un cine vio el cartel que anunciaba La última legión, basada en la novela del mismo título del famoso escritor Valerio Massimo Manfredi. Después de haberla visto, me temo yo que la alegría se vaya convirtiendo en diversas clases de asombro y estupefacción.

Estamos en la decadencia del Imperio Romano, allá por el 460 d.C., en el día de la coronación del último César, el joven Rómulo Augusto (Thomas Sangster), que, ante la premonición de su mentor Ambrosino (Ben Kingsley), ha de ser protegido por los hombres del general Aurelio (Colin Firth). Sin embargo, los bárbaros comandados por Odoacro (Peter Mullan) logran capturar a Rómulo y lo mantienen prisionero junto a Ambrosino en la isla de Capri, donde Aurelio irá a su rescate, para luego ir a Britania en busca de la novena legión, la última que le queda a Roma.

Para empezar, yo creo que los fallos de casting son brutales. Colin Firth te puede servir para hacer de gentleman británico, sin duda, pero no para encarnar a un curtido general romano. Y Ben Kinsgley quizás hubiera podido pasar por un antiguo hechicero, pero desde luego, no con una barba ridícula y el disfraz de saldo de Gandalf el blanco. Además, aún me sigo preguntando qué pinta exactamente Aishwarya Rai en esta película, además de para atraer al público hindú (y seguramente para asegurarse de que no vuelvan al cine).

A pesar de estos errores evidentes en el reparto, lo demás tampoco luce mucho mejor. Las escenas de acción están tan torpemente coreografiadas y filmadas que uno desea que se acaben lo antes posible, aún a sabiendas de que los diálogos son igualmente nefastos, y la trama se sujeta con alfileres. Yo no sé si el libro de Manfredi se parece a esto, pero es difícil encontrar personajes tan mal dibujados, y que a la vez sean más planos que los que pululan por pantalla.

Y es que, ¿dónde está la épica que se le supone a una producción de este estilo? ¿Dónde están los actos heroicos, el dramatismo de la guerra, la desesperación de afrontar la que puede ser la última batalla? ¿Dónde está el antagonista del héroe? Es más, ¿dónde está el héroe? Si no sabemos nada de los protagonistas, ni sabemos qué los mueve ni hacia dónde, ¿que interés tiene su destino? ¿Por qué la historia de amor está tan mal desarrollada que hace que la de Piratas del Caribe parezca a su lado la de Romeo y Julieta?

Si a esto unimos un comportamiento errático de unos protagonistas que siempre se esfuerzan por tomar la peor decisión posible (por ejemplo, ¿a dónde se supone que va Rómulo en medio del fragor de la batalla?), unas arengas que en vez de inflamar al personal provocan vergüenza ajena, y un final que roza el disparate más absoluto (y que para más inri, destripan en el cartel español arruinando la sorpresa que se debería descubrir al final), pues tenemos lo que es La última legión: un esperpento mortífero que debería tratar de evitarse a toda costa. A ver si los Reyes Magos se la regalan a Uwe Boll.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDB.

Título original: The Grudge 2.
Nacionalidad: USA.
Año: 2006.
Duración: 102 min.
Dirección: Takashi Shimizu.
Guión: Stephen Susco; basado en la película “La maldición” de Takashi Shimizu.
Intérpretes: Amber Tamblyn (Aubrey Davis), Arielle Kebbel (Allison), Jennifer Beals (Trish), Edison Chen (Eason), Sarah Roemer (Lacey), Sarah Michelle Gellar (Karen Davis), Teresa Palmer (Vanessa), Jenna Dewan (Sally), Matthew Knight (Jake), Takako Fuji (Kayako), Ohga Tanaka (Toshio).
Producción: Sam Raimi, Rob Tapert y Taka Ichise.
Música: Christopher Young.
Fotografía: Katsumi Yanagijima.
Montaje: Jeff Betancourt.
Diseño de producción: Iwao Saito.

Confieso que yo hace tiempo que me perdí con la cantidad de entregas de esta saga: tenemos Ju-On y Ju-on 2, de 2000; Ju-On: The Grudge y Ju-On: The Grudge 2, de 2003, aquí tituladas La maldición (The Grudge) y La maldición 2, respectivamente; y después, aún llegaron los remakes de USA con The Grudge, traducida como El grito en España, de 2004, y la que ahora nos ocupa, The Grudge 2, o El grito 2, del pasado 2006. Bastante creería el responsable de guión y dirección, Takashi Shimizu, que su creación le iba a dar de comer tantos años. Y esto no tiene pinta de detenerse, ya que en proceso está un Ju-On: The Grudge 3 para 2008.

De nuevo, estamos ante las andanzas de Kayako Saeki (Takako Fuji) y de su hijo Toshio (Ohga Tanaka, ya que el anterior niño ya debe estar haciendo la mili), que se dedican a pegar sustos, primero, y llevarse a no se sabe dónde, después, a los pobres infelices que se cruzan en su camino. En esta ocasión, Aubrey Davis (Amber Tamblyn) tiene que viajar a Japón para ir a ver al hospital a su hermana Karen (Sarah Michelle Gellar), que le ha prendido fuego a la casa de los Saeki, en la que ella entró, quedando maldita. Allí conocerá a Eason (Edison Chen), un periodista interesado en en el tema, ya que él también entró en la casa, quedando maldito.

Además de ellos, unas estudiantes de un instituto internacional de Tokio, Allison (Arielle Kebel), Vanessa (Teresa Palmer) y Miyuki (Misako Uno), también han entrado en la casa, y quedando por tanto, malditas. Por si fuera poco, resulta que Trish (Jennifer Beals) y Bill (Christopher Cousins) empiezan a tener problemas en su relación, lo cual afecta al pequeño Jake (Matthew Night), que para acabar de arreglarlo, oye extraños ruidos en el piso de al lado, y parece estar maldito.

El guionista Stephen Susco, sabedor de que lo que quiere ver la gente son las apariciones fantasmales, ha decidido prescindir de cualquier desarrollo dramático de la acción y/o de los personajes, como en el caso de la relación entre Trish y Bill. Así, se dedica a meter a las pálidas presencias cada vez que puede, e incluso en algunas situaciones que no puede, o al menos, no debería. Echándole voluntad, pues se aceptan las dos o tres primeras veces, pero sinceramente, cuando aparecen en el líquido de revelado de fotos, o dentro de una sudadera, uno ya se pregunta si son fantasmas, o algún tipo de piojo.

En fin, que tanta saturación de gente llena de polvos de talco en la pantalla cansa ya bastante, y da la impresión de que va a ser imposible sorprender con nuevas apariciones de Kayako y Toshio, a no ser que empiecen a salir en las cajas de cereales, en las memorias USB, en un balón de fútbol o en los CDs. Bueno, en los CDs no, que en esos hay que pagar canon.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDB.

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Título original: The Hills Have Eyes II.
Nacionalidad: USA.
Año: 2007.
Duración: 89 min.
Dirección: Martin Weisz.
Guión: Jonathan Craven y Wes Craven; basado en los personajes creados por Wes Craven.
Intérpretes: Michael McMillian (Napoleón), Jessica Stroup (Amber), Jacob Vargas (Crank), Flex Alexander (sargento Jeffrey Millstone), Lee Thompson Young (Delmar), Daniella Alonso (Missy), Eric Edelstein (Spitter), Reshad Strik (Mickey), Ben Crowley (Stump), Michael Bailey Smith (Hades), Derek Mears (Camaleón), David Reynolds (Hansel).
Producción: Wes Craven, Marianne Maddalena y Peter Locke.
Música: Trevor Morris.
Fotografía: Sam McCurdy.
Montaje: Kirk Morri y Sue Blainey.
Diseño de producción: Keith Wilson.

El retorno de los malditos, aunque inteligentemente su título en español no lo avise, es la secuela de Las colinas tienen ojos, remake llevado a cabo en 2006 del original de Wes Craven, que se ha convertido con el tiempo en un clásico del cine de terror de los 70, con el inolvidable Michael Berryman. Quizá por ello, Craven, que se ha encargado junto con su hijo Jonathan del guión de esta segunda parte, ha hecho todo lo posible por que no supere al guión original (que tampoco era ninguna maravilla, por cierto). A decir verdad, difícilmente superará a un guión del telediario.

La cosa trata de una unidad de soldados de la Guardia Nacional que, tras una desastrosa simulación de combate, son enviados a un área ultrasecreta y aparentemente abandonada allá por Nuevo México. Cuando llegan, no encuentran ni a los militares ni a los científicos, así que, cuando oyen un mensaje de socorro por la radio, van a intentar rescatar a los supervivientes. Pero, como no podía ser de otra manera, se van a encontrar con la versión mutante y caníbal de La casa de la pradera, que los espera para masacrarlos a base de bien.

Como tampoco es plan de hacer mucha sangre del tema, porque la peli en sí ya tiene bastante, me centraré en los aciertos de la cinta: dura 89 minutos. Solucionado esto, hay que comentar que todo lo demás es horrible: los monstruos, el gore, los actores, el guión, la dirección, la música… posiblemente, hasta el papel de los lavabos debía rascar lo suyo.

Martin Weisz no se da demasiada maña para crear tensión, a pesar del juego que da la oscuridad y la red de túneles excavados en la montaña, y para dar sustos al personal, subidón de volumen al canto, que ya se sabe que así la gente pega brincos en la butaca, aunque es probable que lo prefiriesen hacer sobre el proyector.

Sería absurdo hablar de las interpretaciones de unos personajes que, en su mayoría están para sufrir el mismo destino que la carne picada, o de unos diálogos que hacen daño a los tímpanos. Incluso la saña y la violencia de varias escenas son incapaces de evitar que uno piense que la gala de Eurovisión era una alternativa más deseable.

Pero en fin, los mutantes de la peli han debido avisar a sus hermanos (chicas mutantes queda claro que no hay en los túneles) para ir a verla, porque en algunas páginas ya dan por hecha una tercera parte anunciada para el 2009. Roguemos porque para entonces ya seamos todos mutantes.

Valoración: pésima.

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Título original: The Messengers.
Nacionalidad: USA y Canadá.
Año: 2007.
Duración: 84 min.
Dirección: Danny Pang y Oxide Pang.
Guión: Mark Wheaton; basado en un argumento de Todd Farmer.
Intérpretes: Kristen Stewart (Jess Solomon), Dylan McDermott (Roy Solomon), Penelope Ann Miller (Denise Solomon), John Corbett (John Burwell), Evan Turner (Ben), Theodore Turner (Ben), William B. Davis (Colby Price), Brent Briscoe (Plume), Dustin Milligan (Bobby), Jodelle Ferland (Michael).
Producción: Sam Raimi, Rob Tapert, William Sherak y Jason Shuman.
Música: Joseph LoDuca.
Fotografía: David Geddes.
Montaje: John Axelrad y Armen Minasian.
Diseño de producción: Alicia Keywan.

Los gemelos Danny y Oxide Pang aún no deben haber superado el trauma de la inventiva con la que sus padres les bautizaron, y por eso, vuelven con otra película de terror de estas con fantasmas pálidos y de movimientos extraños.

La familia Solomon, compuesta por el padre, Roy (Dylan McDermott); la madre, Denise (Penelope Ann Miller); la adolescente problemática, Jess (Kristen Stewart); y el peque de la casa, Ben (Evan Turner), intenta empezar de nuevo trasladándose desde Chicago a una tranquila granja de Dakota del Norte. Para salir adelante, Roy plantará girasoles, y en su empeño le ayudará John Burwell (John Corbett), que anda buscando una oportunidad para ganarse la vida.

Dudo mucho que para aquellos que las pelis de terror no sean una total novedad, no sepan de cabo a rabo lo que va a pasar a partir del minuto 15. Y no es que eso sea malo en sí mismo en una cinta de estas características, que tampoco tiene necesidad de vivir de las sorpresas del guión, pero es que, igual que se adivina la supuestamente sorprendente trama, todo lo demás también es una sucesión de tópicos tan machacados, que la verdadera sorpresa viene al comprobar que al final de la proyección sigue quedando gente en el cine. Y despierta, que es lo asombroso.

No falta de nada: los padres preocupados, el trauma familiar, los problemas de relación con la hija adolescente, el misterioso desconocido, la casa embrujada, el trágico suceso que en ella aconteció… todo es sobradamente conocido, y si ustedes son espabilados, quizá puedan ganar alguna cena apostando contra los demás qué va a pasar en cada momento. Los cuervos que atacan, la aparición por sorpresa de uno de los actores cuando en teoría iba a salir un fantasma, el susto acompañado del golpe de volumen para que el público sepa cuándo debe asustarse… para qué seguir.

La única novedad, si es que merece la pena destacarla, es que aquí, los fantasmas, en vez de desplazarse arrastrando los pies y con la cabeza gacha, se mueven como un epiléptico pisando un cable pelado. Ni siquiera las trampas infinitas del guión sirven para sacar la cosa de la previsibilidad total.

Los actores hacen lo que pueden con lo que les ha tocado hacer, y como no son españoles, cumplen con profesionalidad. En lo positivo, destacar que la tortura sólo dura 84 minutos, tiempo más que suficiente para echar una cabezadita, y mirar de reojo alguna escena suelta: por si alguien comenta algún detalle de la peli.

Una pérdida de tiempo y de dinero, pero por lo menos, se puede ver al fumador sin un pitillo en la boca. Cosas de la ley antitabaco.

Valoración: pésima.

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Título original: Smokin’ Aces.
Nacionalidad: Reino Unido, Francia y USA.
Año: 2007.
Duración: 109 min.
Dirección: Joe Carnahan.
Guión: Joe Carnahan.
Intérpretes: Ben Affleck (Jack Dupree), Andy Garcia (Stanley Locke), Alicia Keys (Georgia Sykes), Jeremy Piven (Buddy ‘Ases’ Israel), Ray Liotta (agente Carruthers), Ryan Reynolds (agente Messner), Taraji Henson (Sharice Watters), Joseph Ruskin (Primo Sparazza).
Producción: Tim Bevan y Eric Fellner.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Mauro Fiore.
Montaje: Robert Frazen.
Diseño de producción: Martin Whist.

Si le echan un cuidadoso vistazo al reparto de esta película se encontrarán “estrellas consagradas” como Andy García, Ray Liotta o Ben Affleck, junto a “promesas” como Ryan Reynolds o Alicia Keys. Si la cosa les parece preocupante, ni se acercan. El resultado global es incluso peor que la suma de sus partes.

El capo mafioso Primo Sparazza (Joseph Ruskin) quiere acabar con la vida de Buddy “Ases” Israel (Jeremy Piven), y que le traigan su corazón. Como la recompensa por su vida es elevada, hay un montón de gente dispuesta a hacer el trabajo, desde asesinos/as profesionales a bandas de auténticos psicópatas. Pero resulta que Israel es un testigo de vital importancia para el FBI, así que los agentes Carruthers y Messner (Ray Liotta y Ryan Reynolds) han de proteger su vida a toda costa.

Esto que yo les he contado en un minuto, en la película tarda una media hora, así que para cuando uno empieza a enterarse de lo que pasa, ya hay unos cuantos personajes difuntos. Aunque no pasa nada, porque enseguida aparecen otros nuevos, para evitar que las tramas se vayan resolviendo.

Al haber tal cantidad de personajes, el director, Joe Carnahan, también escritor del guión, tiene que ir saltando de historia en historia, así que de repente estamos viendo a Alicia Keys, como a Ben Affleck, como a Andy García, como a… en fin, ya me entienden. Además, es tan poco lo que sale cada uno de ellos que apenas da tiempo a saber si hay que cogerle cariño a alguno, por aquello de que nos importe lo que va a pasarle, y eso. Así que lo más prudente es cogerles manía a todos, y ya está.

Además, como tienen que acabar encontrándose todos en un lugar y momento concretos (en una suite de lujo de un hotel en Nevada, para más señas), pues asistimos a largas escenas destinadas a que ciertas tramas no avancen, y esperen a que lleguen el resto de personajes. Como en esas telecomedias en las que los actores hacen pausas para que puedan meter el efecto de las risas, vaya.

¿Se pueden encontrar cosas peores en la peli? Sin duda: los diálogos, que van desde lo esperpéntico hasta lo ridículo, sin olvidar lo lamentable. Como es de suponer que los protas son gente moderna y hasta “guay”, y tenemos que escuchar constantemente expresiones como “vaya movida”, “qué pasada”, “muy heavy” e incluso “potorro”. Todo tan “fashion” y tan “cool”, oiga, que parece que le han robado el diccionario a la Bebe. Lo que resta de diálogo, está relleno con tacos, y si bien Tarantino los usa con cierta gracia, desde luego que Carnahan, no.

Al final todo desemboca en una orgía de violencia, disparos, muertos, sangre y tripas, que se hace bastante más soportable, porque visto lo visto hasta el momento, uno se dedica a quehaceres más agradables como aprenderse la lista de los reyes godos.

Y como colofón, otra media hora más en la que, al más puro estilo Scooby-Doo, uno de los actores le explica al público que en realidad nada era lo que parecía, que patatín y que patatán, y venga, déjenme libre la sala que tiene que pasar el siguiente grupo de incautos. Ah, por cierto, Ben Affleck hace la interpretación más “viva” de su carrera.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDB.

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Título original: Ghost Rider.
Nacionalidad: USA.
Año: 2007.
Duración: 114 min.
Dirección: Mark Steven Johnson.
Guión: Mark Steven Johnson; basado en el personaje de Marvel Comic.
Intérpretes: Nicolas Cage (Johnny Blaze), Eva Mendes (Roxanne Simpson), Wes Bentley (Blackheart), Sam Elliott (Caretaker), Donal Logue (Mack), Peter Fonda (Mefistófeles).
Producción: Avi Arad, Steven Paul, Michael De Luca y Gary Foster.
Música: Christopher Young.
Fotografía: Russell Boyd.
Montaje: Richard Francis-Bruce.
Diseño de producción: Kirk M. Petruccelli.

Desconozco con qué tipo de entidad sobrenatural habrá hecho un pacto Nicolas Cage, pero desde luego, ha de ser poderosa para que el sobrinísimo de Francis Ford Coppola siga trabajando en esto del cine. Si hace poco destrozaba junto al director Neil LaBute un clásico de la Hammer como The Wicker Man (aunque el original tampoco fuera una maravilla), ahora se encarga de ponerle rostro al Motorista Fantasma de la Marvel, con Mark Steven Johnson (responsable de perpetrar Daredevil) como cómplice.

Ghost Rider: El motorista fantasma cuenta la historia de Johnny Blaze (Nicolas Cage), un intrépido motorista de acrobacias que, en su juventud, hizo un pacto con Mefistófeles (Peter Fonda) para curarle un cáncer a su padre. Años más tarde, la aparición del malvado Blackheart (Wes Bentley), hace que Mefistófeles recurra a las habilidades del Motorista para eliminar esa grave amenaza, aunque para ello, contará con la ayuda del cuidador de un cementerio (Sam Elliott). Mientras tanto, su ex-novia de aquellos años felices, Roxanne (Eva Mendes), que se ha convertido en una afamada reportera de televisión, se verá involucrada en la misión de Blaze.

Lo cierto es que de la combinación Cage-Johnson no nos esperábamos mucho, tras ver trabajos como los mencionados anteriormente. Pero en esta ocasión, el resultado es mucho mayor que la suma de sus partes. De hecho, parece que ambos libran una apuesta para ver quién lo hace peor de los dos.

Me imagino que si un guión así ha podido salir adelante, es porque la destructora de papel no quiso acercarse a él. La cosa se reduce a dos o tres peleas, carentes de toda tensión y/o emoción, alguna escena romantico-ridícula entre Cage y Mendes, y FX para rellenar la falta de ideas. En este aspecto, hay secuencias espectaculares, como la persecución por los rascacielos, aunque nada que nos sorprenda ya a estas alturas. Los diálogos son especialmente lamentables, pero encajan a la perfección con lo mal que están construidos los personajes. Como muestra de lo inconsistente, ahí va un botón: la primera vez que el Motorista usa su mirada de castigo, le clavan un pequeño puñal, y cuando se vuelve humano tiene una herida que necesita sutura; pues bien, más adelante recibe una balacera de medio departamento de policía, y ni un sólo rasguño. Magia.

En cuanto a las interpretaciones, ya hemos comentado que Cage pone rostro al Motorista. Exactamente como lo leen: rostro. Uno sólo, el que tiene, y que parece ser incapaz de mover. Si no fuera por las llamas, resultaría imposible saber cuál de las dos personalidades está recreada digitalmente. Cuando pone cara de panoli, ya es malo, pero cuando encima tiene que recitar líneas supuestamente cómicas, el patetismo llega a cotas asombrosas. Los demás también están mal, pero tienen la suerte de que Nick los eclipsa sin dificultades.

En fin, que Kal-El ya tiene un motivo más para odiar a su padre. Por si lo del nombre no fuera suficiente.

Valoración: pésima.

Ficha en IMDB.

Web oficial.