Ah, Jumping Flash! No, I’m not exclaiming. The ! is just part of the game’s name, as well as the feeling I get when I realize that I traded this quirky gem during my transition from Playstation to Playstation 2. Why? Because, as far as I can tell, there’s never been anything quite like it since.

Releasing in 1995 for the Playstation, Jumping Flash! was a 3D platformer played from a first-person perspective. You are a robotic bunny named Robbit that is out to stop an insane astrophysicist named Baron Aloha from turning a bunch of worlds into private resorts. Yup, that’s the plot. I said it was quirky. To stop this low-life, Robbit must find the Jet Pods that propel each world and reunite the Crater Planet. Basically, you will jump, shoot things, jump, jump, shoot things, jump, and jump some more. There’s a lot of jumping to do, outpacing the shooting by several miles. Good thing this wasn’t called Step Aerobics Flash!

Robbit can jump up to three times: once off the ground, then in mid-air, and then a third time in mid-air, allowing him to reach crazy heights. What’s neat about this is that, as Robbit jumps, the camera tilts down to his feet so you see the ground (if it is still visible) below you rather than just staring at sky horizontally. This was pretty impressive the first time you did it, and gave the player an amazing sense of freedom.

Level designs varied, with the funnest being the one set in an amusement park with a roller-coaster as your launching point. In every world, Robbit could pick up a bunch of power-ups like rockets and cherry bombs, as well as hourglasses to extend the time. Yes, levels were timed, which made jumping around more exciting and intense, especially when the clock was ticking down and you were flying high.

Graphically, it is what it is. Polygon count is low, the sky is a static wash that never changes, and the enemies were cutesy animals like penguins and bomb-tossing beetles. It’s an early PS1 game, and it shows. Thankfully, the gameplay more than makes up for things.

Alas, I can’t recall too much about Jumping Flash! other than the main hub levels. I do know that at the end of each world, there would be a boss fight, but shake me silly because I don’t remember doing any of them. I suspect you had to shoot them somewhere special (keep it clean, people) and that jumping was involved.

It seems there was a direct sequel, Jumping Flash! 2, as well as some games loosely-based on the gameplay concept. It’s a shame that the series itself is so underrated and did not find a stronger fanbase. Given today’s consoles and technology, something truly great could be achieved here if developers were interested. Take this, add some Mirror’s Edge, a pinch of love, and go to town.

12 Great Games with Dreadful Moments on all platforms.

by Shadow Wave:

©2009 Bed Cadwallader:

It’s a fact; no game is perfect.  Each and every game has some flaw, some issue, whether it’s a game breaking bug, a poor development choice or something else.   AAA games with top reviews are no exception.

Here are 12 great games on All Platforms listing some of their flaws that some gamers might not notice but that others would find annoying.  These issues may even have made some gamers put the controller down in total frustration and simply walk away from the game altogether.

This Top 12 List will focus on key moments that gave me and other gamers trouble, frustration and general annoyance.

Spoiler Alert – This contains spoilers on some of the greatest games ever made, so if you haven’t played any of the games mentioned below,  I highly recommended you do not read about it and play the game for yourself!

1 – Mass Effect (PC, 360)

Space Exploration

Space Exploration - right

While I personally think Mass Effect is the best 360 game on the Xbox platform,  it does however have one major flaw: Exploration.

Each optional planet that you visit on Mass Effect is essentially exactly the same. Sure the ground may be a different colour, and the sky looks different, but deep down, almost every planet is just a bare bones rocky, mountainous area that you must drive your ridiculous bouncy car around in search of exact same thing you found on the last planet.

It was highly repetitive, and nowhere near as fun as the fantastic main missions.

Let’s hope Mass Effect 2 has improved upon this majorly criticised area of the first game.

2 – Assassins Creed 1 (360, PC, PS3)

The Ending

Oh what an ending . . .

So once the player completes Altair’s full story, the credits roll and players are treated to an interactive ending that makes absolutely no sense and leaves you more on the edge of your seat than Halo 2’s ending.

Sure it gave players a lot of clues, hidden meanings and insight into the future and past of Assassins Creed’s story. But for a lot gamers who didn’t want to start Google searching every term they found probably didn’t connect the dots at all and were just left with a huge ‘wtf!’

I think what’s worse is that players were expecting Desmond to actually do something other than walk around in the game which sadly never happened…. Until 2 years later in Assassins Creed 2.

Now onto the final list.

3 – Metal Gear Solid 2 (Xbox, PS2, PC)

The Swimming Sequence

I can so swim, just watch me

During one of the later portions of Metal Gear Solid 2, Raiden finds himself forced to swim underwater to save Otacon’s sister, Emma.

Unfortunately swimming can be quite difficult when the graphical effects such as motion blur and sensitive controls make it very hard for you to navigate through the sunken area of Big Shell.

You then approach the potentially most frustrating room in the game; this large underwater room is full of floating debris which constantly moves around forcing you to quickly find a path through the mess and to get to the other side. Sounds easy enough, but if you get caught half way it can be very hard to find a way out in time.

Then Raiden finally emerges from the water, saves Emma, and has to go all the way back with her on his back, and she can’t swim or hold her breath for very long… Great!

4 – Gears of War 2

Driving the Centaur

Driving the dreaded Centaur - help!

About half way through Gears of War 2’s campaign, the player gets to control the Centaur, which is essentially a odd looking tank with a little bit of speed thrown in for good measure.  Sadly however, Epic Games failed at giving the Centaur anything resembling decent controls. They tried to replicate the Halo Warthog’s driving mechanics, but made it so the car turned wherever you were aiming your cannon. Basically it just sucked.

Players might find the Centaur will get stuck on an object and will be forced to restart at the last checkpoint. They might accidentally drive off a cliff,  or perhaps just miss the ramp they were supposed to drive over altogether.

As if almost to ‘rub it in’, players are forced to navigate over frozen lakes while the ice breaks at seemingly random areas of the lake’s surface. Due to the extremely awkward controls of the tank, it made it exceedingly frustrating and difficult to do what should have been a simple task- to drive over the safe spots on the lake, which ended up resulting in many deaths during that section.

5 – God of War 1(PS2, PS3)

Climbing the Rotating Spinning Blade Tower of Hell… in Hell!

Not the spinning blade of hell!

Towards the end of God of War, on his journey Kratos must climb on two separate occasions these huge, deadly towers that have many blades that spin around that are out to do damage Kratos and frustrate the player to hell.

And frustrate they did.  These towers can take ages to complete because each time you try to climb up and get hit, you fall all the way back   to the bottom and you lose health. And that means that every few tries you would die, and have to repeat the section leading up to the annoying towers, just to make the raging gamer even more angry.

There’s not really much more to say about it: the towers sucked, and were not fun at all.  Thankfully, the rest of the game was so fantastic this small section of the game was forgiven.

6 – Banjo Kazooie (N64, XBLA)

End Game

Not the end game - ahhhhhh

After completing all of the worlds throughout Grunty’s Lair it is finally time for Banjo to try and defeat the witch and reclaim his sister from her grasp.

On your way up the lair, Banjo comes across Grunty’s next challenge – a quiz show game, where Banjo must answer questions correctly based about everything throughout the game and move forward on the game board – each time getting closer towards his prize: his sister.   If you lose a question you will either die instantly, or lose health. If you die, then you have to start all over again!

Now as a young adult, I think this quiz show is a great idea, it’s unique, it’s fun and it’s quite hilarious at some points.  However, back in the days of my childhood I found this incredibly difficult.  And it took me a very long time to complete this challenge (it probably wasn’t very long at all, but I’ll never forget my frustration). A few of my friends at the time had trouble as well.

Then after finally completing the quiz show, you have to open a note door that requires you to have found like 95% of door notes because you will need to have collected everything if you even want a chance to try and kill the extremely difficult final boss.

Never has a game set such incredibly high requirements to complete the game.  And unless you knew about these high requirements you probably went through the game not collecting every single thing in each world. Upon reaching the end you were forced to have to go back to each world and find and complete everything.

7 – Escape from Monkey Island (PC, PS2)

Monkey Combat

It’s time for Monkey Combat

So you’re right at the end of the game, the epic climax is almost visible, you’ve beaten all the bizarre puzzles and you simply just want to see the credits roll down the screen. But wait.  Guybrush’s final task is possibly the most complicated, frustrating and hard sequence that has ever been in a Monkey Island game. Pull out a pen and paper because you’re going to need it.  It’s time for Monkey Combat.

Monkey Combat works similarly to how Monkey Island’s trademark insult sword fighting works, although it’s a lot more complicated, and is in a foreign language.  Guybrush must learn which words beat what and so forth.  It’s very complicated and required me to use a pen and paper to write important notes down.

I have never beaten the Monkey Combat sequence again, but it’s one of those moments that truly question your dedication to the game, and there are many people I have spoken to who gave up at this section of the game.

8 – Ninja Gaiden (Xbox, Ps3)

Alma

Hey, let's fight Alma - not

Halfway through this tough game, Ryu comes across a bare breasted, pink demon with weird looking ears named Alma. But don’t let the pretty pink colors confuse you, this Boss has caused many gamers to give up and stop playing, she’s that hard to kill.

She dodges, flies and throws giant pillars at you, and each hit knocks a HUGE portion of your health bar off. It doesn’t take long for your health potions to deplete to zero and then you will die…

And try again, and again, and again.  If you were one of the lucky ones who managed to beat Alma, you probably worked out some pattern in the fight and figured out how to kill the demon. I personally don’t find the boss fight very hard anymore. But damn, I remember I was screaming when first I played it.

Although this fight was incredibly frustrating, it felt damn good when you finally succeeded.

9 – Final Fantasy 8 (PS1, PC, PSN)

Disc 4

The Sorceress Ultimecia rules

Final Fantasy 8 is my all time favorite game. Period.  But there is just something about the final portion of this game that is a huge let down. When you reach disc 4, you will shortly travel into the future, where Sorceress Ultimecia rules over a damaged world.

The downside is that besides the Ultimecia’s castle and the secret Bahamut/Weapon dungeon, almost every other town, city and area are no longer able to be visited.  That often meant that any special item or quest you wanted to do in a city could never be done, unless you started a new game.  Even your flying ship was taken away unless you looked really hard to find it.

A lot of gamers followed the normal RPG way and played through the story up until the end of the game and then before defeating the final boss, went and did the majority of side quests, grinded up levels etc.  And a lot of gamers were surprised that they could not finish all this in FF8.  It was an odd choice by Square.  And ultimately it left a lot of disappointment about the final portion of the game.

10 – The Legend of Zelda: Wind Waker (Gamecube)

Finding the Triforce

Now where's that key again??

So the final dungeon is completed,  Ganon must be stopped,  Link finally has all of his gear. But wait, you need to find 8 pieces of the Triforce which have been scattered around the world. But before you even find them, you need to find the maps which show the location of the actual Triforce pieces- oh and usually before you can take the Triforce piece you will have to undergo some small or large challenge before the piece is finally given to you.

Look, I just want to save the world while I have the adrenaline still in my blood; I’m not looking for some lame attempt to extend the game because the game didn’t have enough dungeons in the first place.

I am not the only gamer to feel the rage at attempts to artificially extend this (or any) game, but by tacking the task of treasure hunting right onto the climax of the game’s story was so stupid. I know it put some gamers off completing it because they simply couldn’t be bothered searching the boring seas for the Triforce.  The long search completely killed off the excitement of saving the day.

11 – Halo: Combat Evolved (Xbox, PC)

The Library

Halo Library is just all messed up

So you guys knew this was coming right?

The level ‘The Library’ is the biggest copy and paste level I think anyone has ever seen in a video game. The level consists of walking through the identical areas for 30 minutes while fighting constant waves of the flood as you make your way through the complex maze.

Besides its boring repetitiveness, and uninteresting layout, many gamers became lost and did not know which direction to go.  And quite simply The Library takes the cake as one of the worst levels ever seen in a first person shooter.  Thankfully the rest of the game was quite amazing so most gamers found it quite easy to forgive Bungie for this terrible development decision.

Enough said!

12 – The Legend of Zelda: Ocarina of Time (N64, Gamecube)

The Water Temple

Time for some watersports with Link

Did you just feel a shudder down you’re spine after reading that? You might have had some very frustrating memories about this particular section of Ocarina of Time.

The Water Temple did a few things to annoy the crap out of people.

1) Link needed to sink or float throughout the majority of the Water Temple, and Link had to change shoes extremely frequently. And to do this required the player to pause the game, find the right area of the menu, select the opposite boots, and then resume the game.  Which became extremely tedious, annoying and ruined any immersion/pacing the dungeon might have had.

2) The Water Temple has been known to hide some its small keys extremely well. Most notably are 2 specific chests that come to mind.  One key is hidden right underneath an entrance to the tower in the middle of the dungeon, and the worst one of all, is a key that is hidden by a ‘Block of Time’, which is hidden behind the chest for the Longshot.  It’s one of the only rooms in the game that have 2 important chests in the same room, so it was extremely unexpected, and a lot of people just grabbed the Longshot and left, without exploring the tiny room (why should you need to?)  The search for the 2 (or maybe more) keys have put many gamers into a rage, quite often resulting in an angry facepalm at the end.

3) Players had to raise and lower the water level to explore different sections of the dungeon while searching for that pesky small key,  and being forced to change the water levels just added a lot of unwanted time onto their search.

And sadly, the Water Temple remains as one of the most sour moments in one of the greatest games of all time.

And that’s the end of yet another top 10 list: what great games do you love that have some annoying or dreadful moments?

©2009 Ben Cadwallader:

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Heute kommen wir endlich mal dazu, eine schon lange geplante Rubrik zu eröffnen; den sogenannten Soundtrack Check. Wie der Name schon vermuten lässt, handelt es sich hierbei um die Vorstellung von den, extra für die jeweiligen Spiele angefertigten, Tonträgern. Die Musik hat mittlerweile einen hohen Stellenwert in der Entwicklung von Videospielen. Häufig schafft es der Soundtrack die allgemeine Atmosphäre der virtuellen Welt wiederzugeben und den Spieler somit besser eintauchen zu lassen. Ein Aspekt also, der auf unserem Blog nicht fehlen darf und durch das Inspizieren von Original SoundTracks (kurz: OSTs) wollen wir dieser Wirkung auf den Grund gehen.

Den Anfang macht der Soundtrack zu Chocobo Racing, ein Rennspiel, das 1999 für die Playstation 1 erschienen ist. Der Titel verrät, dass es sich hierbei um einen Racer von Squaresoft (Square Co.) handelt, indem viele Charaktere aus dem Final Fantasy-Universum zum Einsatz kommen. Die gleiche Methodik hat man auch beim Gestalten des Soundtracks gewählt. Der Komponist, Kenji Ito, hat sich bei 29 von den 30 Tracks an der Vorarbeit von Nobuo Uematsu bedient und sie etwas aufgepeppt bzw. für das Spiel passender gestaltet. Nobuo Uematsu selbst komponierte bisher fast alle Soundtracks der Final Fantasy-Reihe und ist eine wahre Berühmtheit, was Videospielmusik angeht. Die Strukturierung und Titelzahl beim Chocobo Racing OST gestaltet sich für Rennspiele sehr typisch. Es gibt für jeden Charakter ein Thema und noch ein weiteres für die jeweilige Strecke derer. Übrig bleiben das Opening-, sowie Ending-Theme und natürlich die üblichen Songs wie beispielsweise der Sieges- und Niederlagen-Jingle.

Jedoch ist ein Rennspiel-Soundtrack nicht gleich gut, nur weil man dem Standard folgt. Die Lieder müssen zu den Figuren passen und auch während des Rennens muss die Musik den Charme des Levels vermitteln ohne dabei nervtötend zu wirken. Ich für meinen Teil kann sagen, dass dies bei vorliegendem Beispiel absolut der Fall ist. Das könnte allerdings nicht zuletzt am hervorragendem Ausgangsmaterial liegen, welches Kenji Ito zur Verfügung stand.

Passionierten Final Fantasy-Spielern wird daher wohl sofort die Ähnlichkeit zu den Ursprungstiteln auffallen. So ist zum Beispiel aus dem Song Ancient Castle des zweiten Teils der Serie in diesem OST Golem’s Theme (#7) geworden. Genau genommen wurden vom ersten bis zum sechsten Final Fantasy-Teil gleichermaßen Titel verwendet und neu aufgelegt. Hinzu kommt der Titel FF8 Circuit (#26), welcher zuvor auf dem gleichnamigen FF-Teil noch Don’t Be Afraid hieß. Zur Verdeutlichung der Unterschiede bietet es sich an die zwei Versionen des Liedes an dieser Stelle mal zu vergleichen:

Hier, bei der FF8-Version wurde viel Wert auf ausdrucksstarke Musik gelegt. Das Lied weist orchestrale Elemente auf und wirkt somit sehr episch. Mit der Zusammenwirkung der verhältnismäßig langsamen Geschwindigkeit passt es auch perfekt zu einem Kampf-Thema, was dieser Song zweifelsohne ist. Im Gegensatz dazu steht die Interpretation von Chocobo Racing – man weiß schon nach den ersten Sekunden, dass hier viel mehr Nervenkitzel und Aufregung erzeugt werden soll. Durch die Erweiterung um ein paar Töne kommt wesentlich mehr Tempo in das Stück, was das Fahren auf der Strecke gleichermaßen unterstützen wie erschweren soll. Zudem ist dem Lied eine leichte Techno-Verwandtschaft zu unterstellen, welche den Spieler insofern beeinflusst, dass sich bei ihm unterbewusst Hektik und Aufmerksamkeit erhöhen. Es liegt also auch hier ein unglaublich passendes Stück vor (und ich kann euch versichern, die Strecke hat’s in sich), obwohl es sich um ein völlig anderes Videospielgenre handelt. Man könnte sagen: Ein Song – zwei Versionen – zwei Spiele – zwei Anwendungsorte – zwei Meisterwerke.

Allgemein ist der Soundtrack einem schnellen Musikstil zuzuordnen, weshalb der Vergleich zum Techno gar nicht weit gefehlt ist. Vor allem die musikalische Untermalung während der Rennen wurde in dieser temporeichen Art und Weise gestaltet, was wohl auf den bereits angesprochenen Effekt der Aufmerksamkeitssteigerung zurückzuführen ist. Die Charakter-Themen weisen hingen eine etwas gemäßigte Geschwindigkeit auf und spiegeln das Auftreten der Figuren den Vorstellungen entsprechend wider. So ist das Black Mage’s Theme (#10) beispielsweise sehr schaurig und vermittelt einen düsteren Eindruck. Die Grundstimmung ist hauptsächlich gedämpft und zurückhaltend, was sich durch tiefe Klänge äußert. Zwischendurch werden aufschreckend Akzente mithilfe von Höhen Tönen gesetzt – man fühlt sich also insgesamt so, als würde man durch das leere Schloss eines schwarzen Magiers wandeln und hinter jeder Ecke könnte eine Gefahr lauern.

Eine weitere Auffälligkeit des OST’ ist die Verwandtschaft zwischen den Figuren-Songs und den Liedern der dazugehörigen Strecken. Bleiben wir doch einmal beim Black Mage. Das Stück für seine Strecke trägt passender Weise den Namen House of Black (#21). Hierbei handelt es sich um eine zunächst, wie bereits erwähnt, schnellere Melodie. Zwar wurden die dumpfen, tiefen Töne aus dem Charakter-Thema beibehalten, jedoch ist das Drumherum wesentlich detailreicher und actiongeladener – es schuhuhen Geister und zusätzlich kommen leicht bizarre Tonabfolgen zum Einsatz, die womöglich die magische Aura des geheimnisvollen Ortes wiedergeben sollen. Beim Soundtrack wurde also in zweierlei Maß auf eine perfekte Abstimmung geachtet: Die Songs passen sowohl zur jeweiligen Figur bzw. Strecke, harmonieren aber dennoch auch miteinander und sorgen somit immer wieder für eine ideale Atmosphäre.

Zum Schluss möchte ich noch auf den letzten Song eingehen, denn das ist der einzig wirklich neue auf dem Album. Dieses Lied ist in vielerlei Hinsicht besonders. Da es sich über die komplette Dauer der Credits erstreckt, kommt der Titel auf eine Länge von stolzen 6 Minuten und 15 Sekunden – dass bei dieser Zeitspanne keine hibbelige Techno-Musik verwendet wird, sollte daher selbstverständlich sein. Genau das Gegenteil ist der Fall: man hat hier auf die orchestrale Unterstützung von Shiro Hamaguchi gesetzt. Der Name mag dem Durchschnitts-Deutschen wohl weniger bekannt sein, aber wer leidenschaftlich gerne Animes schaut, hat zumindest schon öfter etwas von ihm gehört. So ist z.B. die musikalische Begleitung von One Piece oder Ah! My Goddess ihm zu verdanken, auch für Square hat er schon viel fabriziert. Hiromi Ohta verleiht seiner Instrumentation eine hohe, klare Stimme, was das Stück insgesamt zu einer gefühlvollen Ballade macht – man ist beim Hören jedes Mal auf’s Neue traurig über das Beenden des Spiels. Leider muss ich auch euch nun mit dem Lied traurig stimmen, denn unser erster Soundtrack Check nimmt an dieser Stelle ein Ende. Wie er vielleicht schon bemerkt habt, ist die komplette Scheibe auf YouTube vorzufinden, also hört doch einfach mal selbst rein und erfreut euch an etwas Nostalgie.

Wer in den späten 90ern bereits begeisterter Videospielezocker und Fan von Sonys PSX war, der wird sich noch an den kommerziellen Playstation Emulator bleem! und die vielen Kontroversen die ihn umgeben haben erinnern. Der Hintergrund: dadurch, dass nun plötzlich Sonys Spiele außerhalb von Sonys Hardware laufen konnte bestand nun keine Notwendigkeit mehr sich eine Playstation zu kaufen, was für Sony natürlich ein riesiges Verlustgeschäft bedeutet hätte.

Die Geschichte von bleem! beginnt im März 1999, mit dem Release der ersten Version. Und sie schlug ein wie eine Bombe. bleem! hatte nämlich den heutigen Emulatoren einiges voraus. Es war der erste Emulator, der praktisch mit der echten Konsole “konkurrierte” und dazu noch einer der wenigen, der öffentlich dafür warb und im Laden gekauft werden konnte. bleem! hatte zwei Versionen, einmal die normale, die auf PCs lief, und bleemcast!, welches euch ermöglichte, PSX Spiele auf der Dreamcast von Sega zu zocken.

Die Technik hinter bleem! war dabei durchaus beeindruckend, vor allem im PC Sektor. Man brauchte keine Mördermaschine, denn teilweise lieferten sogar Low-End PCs erstaunlich hohe Frameraten für die PSX Spiele. Verantwortlich dafür ist die Programmiersprache assembly, die es den anfangs gerade mal zwei Mitarbeitern der Firma bleem! ermöglichte, den Code perfekt zu optimieren. Und wer doch einen Rechner der oberen Klasse sein Eigen nennen durfte, der konnte mithilfe des Emulators sogar die Grafik der Spiele aufpeppen, indem er höhere Auflösungen als auf der PSX möglich aktivierte oder bessere Texturfilter einschaltete.

Die Kehrseite der Medaille ist jedoch, die Spiele überhaupt erst einmal fehlerfrei zum laufen zu bekommen. Denn während heutige Emulatoren eine sehr hohe Kompatibilitätsrate erreicht haben, kämpfte bleem! mit Bugs, Grafikfehlern und dergleichen. Sogar bleems! eigene Kompatibilitätsliste konnte lediglich ein einziges bugfreies Spiel aufweisen: One. Das heißt aber nicht, dass kein Spiel vernünftig lief, die meisten konnten Problemlos von Anfang bis Ende durchgezockt werden, kleinere Fehler musstet ihr dafür aber in Kauf nehmen. Das sorgte dafür, dass sogar freeware Emulatoren, die es bereits vor bleem! gab, teilweise eine höhere Kompatibilität hatten. Ein weiteres Problem: wer Windows NT basierte Betriebssysteme hatte (dazu gehört auch Windows 2000), guckte in die Röhre. bleem! wurde nämlich vollends für Windows 98 entwickelt, dem damals wichtigsten Betriebssystem für Computerspieler.

Klingt ja alles schön und gut. Doch wie bereits am Anfang dieses Artikels erwähnt stellte der Emulator für Sony eine erhebliche Gefahr da. Und so ist es wenig überraschend, dass, kaum konnten die ersten Versionen des Emulators bestellt werden, Sony seine Anwälte einschaltete. Denn wer will sich noch eine Playstation kaufen, wenn das ganze auch auf Dreamcast und PC funktioniert? Das Verbot das Emulators war eigentlich nur noch Formsache, konnte sich doch keiner vorstellen dass bleem! einfach so davonkommen würde. Doch falsch gedacht! Am Ende verlor Sony in sämtlichen Anklagepunkten, sogar was die Verwendung von PSX Spielescreenshots auf der bleem! Verpackung angeht. David hatte tatsächlich gegen Goliath gewonnen, konnte man meinen.

Doch trotz der Erfolge vor Gericht zwangen die Kosten dafür die Firma letztendlich doch in die Knie. Ende 2001 gingen bei bleem! die Lichter aus. Doch trotzdem hat bleem! vielen gezeigt, dass auch Emulatoren eine Daseinsberechtigung haben. Viele Hobby Programmierer haben sich seit dem Ende von bleem! an die Arbeit gemacht, einen noch besseren, schnelleren und stabileren Emulator auf die Beine zu stellen. Und nebenbei sollte man auch erwähnen, dass die Emulatoren an sich völlig legal sind. Erst wenn man sie in Verbindung mit illegal heruntergeladenen Spielen benutzt begibt man sich auf dünnes Eis. Übrigens, um den Kreis zu schließen: ein paar ehemalige bleem! Mitarbeiter sind heute bei Sony beschäftigt wo sie sich, natürlich, um die Portierung alter Sony Spiele für die neue Generation der Playstation kümmern. Feine Sache!

Okay Okay, so for those who don’t know, I am OBSESSED with video games. I’ve been studying EGM and Gamepro since my parents graced me with Mario/Duck Hunt for my 5th Bday, and I pride myself with secretly knowing the ins and outs of the videogame industry. If I didn’t love music so much, I would probably work for a gaming company. Infact, when I was 15, I showed up on Bioware’s doorstep in Edmonton and asked for a job.

That said, when Playstation first came out, I was a H8ER! I had an N64, and my loyalty to Nintendo blinded me from the mad amount of dope games that Sony was rocking at the time. That all changed when my best friend Nathan got a PS1 for his Bday and I played a demo od PARAPPA THA RAPPA.

This suddenly changed my world….and keep in mind, it was only a demo. The other game his parents bought was Coolboarders 2, which at the time was pretty cool, but now….not so much.

SO, for my upcoming bday, I pursuaded my Dad to buy me a PS1. HE DID, and showed up with a brand new wrapped copy of Crash Bandicoot.

FUCK THAT SHIT – That game is LAME.

I promptly returned to the store and purchased a double disced copy of a game that would shape and change my young adolescents. Resident Evil 2.

THIS GAME WAS (IS) CRAZY!

Nathan and I had (reluctantly) played Resident Evil 1 for the first time ever only a couple weeks prior and this game had JUST HIT THE SHELVES.

Better Graphics! New Locations! Scarier monsters!

This was what Resident Evil was all about, and benchmarked a completely new gaming experience for the survival horror genre. This game was ACTUALLY SCARY to play…well, I was like 13 or 14, but still.

During that summer, we brought the PS1 to Nathan’s lake cabin in Saskatchewan and played this game at night.

I’m attaching a couple you tube vids of the lead up to the final boss in the game. I distinctly remember finally beating him shortly after midnight. All the lights were turned out as Nathan, Chris and I were glued to the television….

Isn’t it funny how whenever you go to a new location, it switches to the door opening screen (to load the next level)? I thought it created suspense at the time, but it was probably just implemented because of technical limitations…ANYWAY – Here is a vid depicting the FINAL BOSS. Skip to the 6:00 minute mark to watch it all go down.

Whoever is playing knows what’s up, but it’s kinda cheap that he has an unlimited rocket launcher. It was mos def not that easy when I played it, and fighting zombies on fixed camera angles is a bitch…whatevs….I’ll always love you Resident Evil 2.

-ZF

Verfasst von Edgar

Endlich ist es soweit! Nach über 2 Monaten Sendepausemelden wir uns wieder zurück mit einer neuen Folge Retro-Fans TV.

„Hach jaaa…das gute, alte Jade Cocoon“, dachten mein Kumpel und ich vor circa einem Monat. Auf einer Parkbank sitzend schwelgten wir in unseren Erinnerungen dieses Rollenspiel-Klassikers der PSOne. „Da konnte man Monster einfangen und sie fusionieren“, fiel uns wieder ein. Jedoch gab es auch einen Haken an unseren zurückkehrenden Gedanken, sie waren nicht vollständig. Schnell bemerkten wir: „Schade nur, dass es wir es nie zu Ende gespielt haben. Zu gern würde ich endlich mal den Abspann genießen.“

Das also sollte der Anlass sein, warum ich mir das Spiel nach ungefähr fünf Jahren nach dessen Abhandenkommen erneut zulegte. Kurzerhand schaute ich in das wohl größte Online-Auktionshaus weltweit und stellte schnell fest, dass es sich bei meinem geliebten Jade Cocoon mittlerweile um eine Rarität handelte. Oftmals ging es dort für knappe 30 Euro weg, was mir eindeutig zu viel Geld war. Tja, da haben die Anbieter wohl nicht mit Mad, dem Geduldigen, gerechnet. Es dauerte rund eine Woche, bis mir der Glücksgriff gelang und ich grade mal 14 Euro locker machen musste. Da der Verkäufer zufälligerweise sogar noch den zweiten Teil parat hatte, dachte ich mir, es könne nicht schaden diesen für 8 Euro ebenfalls mit in den Einkaufswagen zu schmeißen. Eine weitere Woche verging und endlich lag das Paket in meinem Briefkasten.

Schon am nächsten Tag kam mein Kumpel zu mir und wir legten die CD in meine Konsole ein (die PS1 war mittlerweile einer PS2 gewichen), betätigten den Start-Knopf und warteten begeistert, was uns da nun begegnen möge. Schließlich lagen die Erinnerungen knappe fünf Jahre zurück und da kann es manchmal zu merkwürdigen Verschiebungen im Gedächtnis kommen. Allerdings wurden wir vom Gegenteil überzeugt. Offenbar hatte das Spiel schon damals einen solch bleibenden Eindruck hinterlassen, dass wir uns haargenau an das Intro entsinnen konnten. Sogar die Hinweise über Publisher und Entwickler waren noch hängen geblieben. Trotzdem stellte sich das generell in die Story einführende Video als eine Überraschung heraus. Damals waren mir die äußerst gut ANIMiErten Szenen gar nicht so stark aufgefallen. Da ich jedoch mit der Zeit auch an den japanischen Zeichentrickserien (Animes) Gefallen gefunden habe, fiel mir schnell auf, dass es sich wohl um gezeichnete Inszenierungen von “Studio Ghibli” handeln musste – der Stil ist einfach unverkennbar. Um mich zu vergewissern, schaute ich im Internet nach und tatsächlich: Bei den Darstellungen handelte es sich um Werke aus den Federn von Studio Ghiblis Zeichnern. Nebenbei las ich, dass diese auch für die zahlreichen gezeichneten Hintergründe des Spiels verantwortlich waren. Für die unwissenden unter euch: Studio Ghibli ist ein weltberühmtes japanisches Zeichentrickfilmstudio. Einige bekannte Filme von ihnen sind zum Beispiel „Prinzessin Mononoke“, „Chihiros Reise ins Zauberland“ und „Das wandelnde Schloss“.

Eine schöne Szene aus dem animierten Intro.

Nach dem Intro ging es also zum Titelbildschirm. Dort schaute einem das vogelgeschöpfähnliche Symbol mit der Unterschrift „Jade Cocoon: Die Tamamayu-Legende“ entgegen. Rechts daneben standen die bekannten Menübefehle. Ganz zuoberst war natürlich „Spiel starten“. Ich brauchte also lediglich die X-Taste auf meinem Controller zu drücken, um endlich wieder in die geheimnisvolle Welt der Kokonmeister einzutauchen. Nun folgt, was geschehen ist, als ich diese schicksalhafte Tat begangen habe: (der Spielbericht).

In die Story wird man von den Weisheiten des Nagi-Propheten Gi eingeführt, die übrigens vor jedem Kapitel erscheinen und dem Spieler das Kommende/Geschehene näher bringen. Darauf folgen einige Sequenzen, die den Handlungseinstieg erläutern. Leider liegen diese nicht im Anime-, sondern InGame-Stil vor, was der Erzählung jedoch nicht zuschaden kommt. Die Geschichte spielt im kleinen Örtchen Syrus, dessen Bewohner ein üblicherweise harmonisches und ruhiges Dasein fristen. Allerdings lässt sich in einer idyllischen Welt keine gescheite Story machen und daher muss ein Umschwung her, der die dortigen Menschen aus dem Alltag reißt. Um dieser Pflicht Abhilfe zu leisten, haben sich fliegende, monsterartige Geschöpfe dazu bereiterklärt, das Dorf zu überfallen. Dabei ließen sie Bürger zurück, die in einen scheinbar endlosen Schlaf gefallen sind.

Monsterschwaden überfallen das Dorf. Noch eindrucksvoller dargestellt, ist diese Szene im Intro (zu finden in der Bildergalerie).

Doch glücklicherweise wurden nicht alle vom akuten Schlafanfall heimgesucht. Diese wiederum versuchen natürlich alles Ihnen Mögliche, um ihre Mitmenschen aus dem tiefen Schlaf zu wecken. Sagen zufolge kann mit dem Calabas-Kraut dieses Wunder vollbracht werden, allerdings soll dieses Heilmittel nachteiliger Weise nur in den – von zahlreichen Monstern bevölkerten – Wäldern zu finden sein. Einer unter den Nicht-Befallenen ist Levant, der Protagonist des Spiels. Falls euch der Name nicht gefallen sollte, habt ihr nach dem Intro netterweise die Gelegenheit euren Helden nach Belieben umzubenennen. Warum ist grade er der Held, fragt ihr euch vielleicht. Natürlich kann man zu einem solchen gefährlichen Ort nicht irgendeinen x-beliebigen Bürger entsenden, ein ruhmreicher Kokonmeister muss her. Und so trifft es sich, dass der Vater eben dieses Jungen ein solcher Mensch war – „Riketz, der Löwe von Parel“ war sein Name. Jedoch ist dieser eines Tages auf wundersame Weise verschwunden und so muss der Sohn herhalten, der Jackpot sich auf die abenteuerliche Suche begeben darf – Jackpot also. Um diese Reise auf sich nehmen zu können, wird in gekonnter Spontanität die Freundin „Mahbu“ geheiratet. Schließlich braucht so ein Kokonmeister eine Nagi-Frau, welche ihm mit Reinigungen und Spinnereien beisteht.

Was folgt, ist klar; unser Protagonist macht sich auf in die Wälder, um sein Dorf zu retten. Natürlich ist diese Angelegenheit nicht ganz so einfach, wie es sich vielleicht anhört. Denn wie schon erwähnt, wimmelt es dort von Monstern und auch sonst gibt es einige Schwierigkeiten, von denen ich jetzt allerdings nicht weiter erzählen will. Das Spielen soll sich schließlich auch noch lohnen.

Aber wo wir gerade bei Monstern und Wäldern sind…erwähnenswert ist da ganz klar das Kampsystem bzw. generell das „Monstersystem“. Man wird zunächst vom sogenannten „Blauen Kokonmeister“ in das System eingeführt und kann einige Testkämpfe absolvieren. Als kleine (eigentlich unentbehrliche) Zugabe, bekommt man von ihm die erste Kreatur – ein kleiner blauer Drache.

Der erste (Übungs-)Kampf und somit die Begnung mit seinem ersten Diener. Außerdem zu sehen: die Optionen im Kampf.

Im kommenden Spielverlauf begegnen einem noch einige Geschöpfe mehr. Wenn man die Fusionen hinzuzählt sind es quasi unendlich beherrschbare Wesen. Das Aussehen derer ist allerdings immer recht gleichbleibend. Da den Monstern die Elemente Wasser, Feuer, Erde und Wind zugeordnet sind, ist es nicht unbedingt selten, dass man ein und das gleiche Monster in vier verschiedenen Farben zu sehen bekommt (die Farben symbolisieren hierbei das jeweilige Element). Ein weiteres nettes Feature bezüglich der Monster ist das Wachstum – in drei Stufen verändern die Kreaturen Größe und sogar teilweise das Aussehen. Trainieren lohnt sich also alleine schon deshalb. Die Elemente sind den Geschöpfen natürlich nicht nur zum Spaß zugeordnet. Je nach Zugehörigkeit, können sie neben dem normalen Angriff und der Verteidigung also noch Spezialfertigkeiten und Magie anwenden. Auch hier gibt es eine Vielzahl verschiedener Attacken, die, richtig eingesetzt, schnell zum Sieg verhelfen. Denn wie wir alle wissen, ist jedes Element einem anderen gegenüber im Vor- bzw. Nachteil. Wassermonster beispielsweise hauen Feuerkreaturen im Nu um, sind dafür aber nicht ausreichend auf Erdkreaturen eingestellt, während sie sich Windgeschöpfen recht neutral gegenüber verhalten. Da man jedoch nur drei kampffähige Monster gleichzeitig bei sich haben kann, muss man genau überlegen, was bzw. wen man mitnimmt. Kampffähig sage ich deshalb, weil die kürzlich gefangenen Monster in Kokons verwahrt werden – daher auch der Name Kokonmeister. Zwölf Stück stehen einem dabei maximal pro Erkundung zur Verfügung. Sind diese (teilweise) verbraucht (man hat seine Monstersammlung also erweitert), sollte man sich schleunigst zu seiner Nagi-Braut alias Mahbu begeben. Diese führt dann das Ritual der Reinigung durch, bei dem die Kreaturen so gesehen gezähmt werden, sodass man mit den Kreaturen nun tun und lassen kann, was man will. Also entweder als Kampfmonster mit sich führen, mit einem anderen Geschöpf fusionieren oder verspinnen.

Nagi-Braut Mahbu führt eines ihrer Rituale durch.

Beim Spinnen führt Mahbu ein weiteres Ritual durch: dabei werden die Kreaturen zu einer speziellen Seide versponnen, welche sich gewinnbringend verkaufen lässt – irgendwie muss so ein Kokonmeister schließlich auch seine Brötchen verdienen.

Da man nur drei Monster mit sich führen kann, um in den Kampf zu ziehen, ist man quasi zum Fusionieren gezwungen, denn es empfiehlt sich auf alle Fälle jedes Element abzudecken, um letztendlich nicht doch im Nachteil zu sein. Das Prinzip der Vereinigung wurde in meinen Augen besonders gut gelöst. Wichtigste Eigenschaft ist wohl, dass das Endmonster im wahrsten Sinne des Wortes eine Kreuzung aus beiden Geschöpfen ist, auch äußerlich. Bei den jeweiligen Attributen wird theoretisch stets ein Mittelwert erzeugt. Allerdings ist das Resultat zum Beispiel unterschiedlich, sofern man die Reihenfolge der beiden Monster ändert. Ist also die eine Kreatur auf der ersten Position, liegen die Schwerpunkte somit ganz anders, als wenn das andere Monster diesen Platz einnimmt. Man muss demnach viel herum probieren, um die (für sich selbst) perfekten Vereinigungspartner zu finden. Dabei kann man sich zum Einen natürlich darauf konzentrieren viele Erdmonster miteinander zu kombinieren, um dem finalen Monstrum so viele Fähigkeiten wie möglich in diesem Element zu verleihen. Die andere Möglichkeit ist verschiedene Elemente zusammenzuführen, damit man im Zweifelsfall immer die richtige Spezialattacke parat hat. Jedoch muss man dabei auch bedenken, dass damit die Kreatur allgemein (elementbezogen) angreifbarer wird. Ein wichtigen Tipp den ich noch geben will: achtet tunlichst darauf, dass die beiden Vereinigungspartner auf dem gleichen Level sind, sonst führt das zu Ungunsten der letztendlichen Attribute.

Die komplette Auswahl der bei Mahbu ausführbaren Tätigkeiten. Ihr werdet diesen Bildschirm beim Spielen oft sehen.

Nun ja, eigentlich wollte ich ja noch auf das Kampsystem eingegangen sein… Wie sich vielleicht schon herauskristallisiert hat, ist jenes relativ simpel gestaltet und erinnert durchaus an den Gameboy-Kassenschlager „POKéMON“ – ist also rundenbasiert. Bedeutender Unterschied ist hierbei jedoch, dass man auch selbst in das Kampfgeschehen direkt eingreift. Denn wie sollte es auch anders sein: zunächst steht man dem Gegner persönlich gegenüber und kann dann aus sechs verschiedenen Optionen wählen. Auch hier wird man stark an die Befehle aus Pokemon erinnert. Neben Angriff, Flucht, Items (Heilung und dergleichen), Rufen (eines seiner Monster für den Kampf zur Hilfe holen) und Fangen steht einem hier allerdings noch Verteidigung zur Verfügung. Eine Option, die auch den Monstern im Kampf behilflich sein kann. Ich selber habe davon allerdings relativ selten Gebrauch gemacht.

Auch wenn die Möglichkeit besteht mit dem Protagonisten selbst die Kämpfe zu bestreiten, sei davon dringend abzuraten – darauf ist das Spiel auch nicht ausgelegt. Er dient wirklich nur als letzte Instanz und selbst dann tut man besser daran Items zu benutzen, als sich in den Kampf zu stürzen. Vor allem zu Anfang ist man noch recht schlecht ausgestattet und daher gestaltet sich der Kampf mit ihm als äußerst suboptimal. Man sollte demnach schon zu Beginn auf das Element-Balancing der Monster achten und sich früh auf die verschiedenen Typen festlegen. Beim Thema Ausrüstung sei gesagt, dass Waffen und Rüstungsgegenstände erworben werden können, die die Attribute des Helden meist deutlich anheben – kleiner Tipp: auch wenn ihr nur mit Monstern kämpft, vernachlässigt den Jungen nicht.

Die Auswahlmöglichkeiten beim Kampf mit den „Dienern“ (wie sie im Spiel auch genannt werden) sind ziemlich ähnlich. Es stehen Angriff, Verteidigung, Spezial(fähigkeit), Magie und Wechseln zur Verfügung. Wie sich diese im Kampf verhalten, sollte eigentlich schon im Absatz über die Monster geklärt worden sein. Da ich eh schon zu viel verraten habe, höre ich an dieser Stelle diesbezüglich mal auf.

Der eigene Wasserdiener beim Ausführen einer kraftvollen Magieattacke, die bei Feuergegnern besonders effektiv ist.

Zwischen den Kämpfen befindet man sich eigentlich entweder im Dorf oder in einem der vier Wälder, weitere Standorte gibt es kaum. Dafür sind diese aber umso liebevoller gestaltet. Das Dorf ist im frühzeitlichen südamerikanischen Stil gehalten. Ich musste zumindest oftmals an Schauplätze in den Anden oder ähnlichen Gebieten denken. Wenn man hier auch nicht großartig viel erkunden kann, wurde das immerhin durch die Vielfalt der Standorte im Dorf wettgemacht. Man kann auf dem Friedhof, in der Spinnerei, beim Dorfschmied oder einfach bei den jeweiligen Wohnhäusern vorbeischauen und bei jedem Punkt gibt es mindestens ein charakteristisches Merkmal, welches diesen auszeichnet. Die Charaktere wirken, obwohl man nur wenige Sätze mit ihnen spricht (man erinnere sich an den scheinbar endlosen Schlaf), ausgefeilt und fügen sich gut in das Gesamtbild ein.

Der Wald schaut, im Gegensatz zu seiner Bevölkerung, eigentlich recht harmlos und ansprechend aus: Saftig grüne Blätter, aber auch knallig bunte Blumen und Sträucher reihen sich neben den Bäumen ein – für Farbenvielfalt ist also dementsprechend gesorgt. Dabei kommt es nicht unbedingt selten vor, dass die Monster vor dieser Kulisse gar nicht groß auffallen und man bei deren Bewegung erst einmal überrascht in die entgegengesetzte Richtung lenkt. Allerdings wirken die Wälder dadurch keineswegs monoton: Ruinen, die an Maya- und Inka-Zeiten erinnern (also wieder südamerikanisch), reihen sich immer mal wieder in die Landschaft ein und sorgen somit für Abwechslung.

Die "Göttliche Barriere" - das Portal zu den vier Wäldern und natürlich zum Dorf. In der Mitte glitzert ein Speicherpunkt.

Vielleicht liegt es an diesen detaillierten und liebevoll gezeichneten Hintergründen von Studio Ghibli, aber ich finde, auch heute muss sich das Spiel grafisch nicht unbedingt verstecken. Heutzutage denkt man beim Einlegen alter PSOne-Titel oftmals: „Oh mein Gott, sah das damals wirklich so sch***e aus?“. Hier muss ich allerdings sagen, dass ich, im Gegenteil, ziemlich überrascht war. Ich hatte mir das Aussehen wesentlich schlimmer bzw. unschöner vorgestellt. Pixelklumpen fallen eigentlich nur in den Hintergründen beim Kampf auf. Jedoch denke ich, dass das Augenmerk hier absichtlich auf das Kampfgeschehen gelenkt werden soll.

Ein weiterer wichtiger Punkt, auf den ich bei der Beschreibung der Atmosphäre bisher noch gar nicht eingegangen bin, ist die Musik. Ich muss generell sagen, dass ich kaum schlechte oder besser ausgedrückt unpassende Soundtracks habe anhören müssen. So auch hier. Um ehrlich zu sein, finde ich sogar, dass dieser sich noch einmal deutlich von der Masse abhebt. Denn ich habe ihn zu keinem Zeitpunkt als unpassend empfunden, sondern er trug meist maßgeblich zur derzeitigen Stimmung im Spiel bei. DAS kann man allerdings nicht von jeder musikalischen Untermalung in anderen Spielen behaupten.

Wenn ich schon dabei bin, ein solches Mammutreview zu schreiben, will ich auch noch ein paar Worte (und ich verspreche: es sind wirklich nur ein paar) zum zweiten Teil von Jade Cocoon (habe mir das Ding ja schließlich nicht umsonst ersteigert) verlieren. Der Nachfolger erschien 2001 auf der PS2 und obwohl ebenfalls von “Genki” entwickelt, unterscheidet sich dieser Teil ziemlich stark vom Vorgänger. Als aussagekräftigstes Argument will ich hervorheben, dass ich das Spiel nicht mehr als zwei Stunden gespielt und danach enttäuscht wieder ins Regal gestellt habe. In meinen Augen war es mit Jade Cocoon nicht mehr wirklich vereinbar. Die Grafik war komplett anders, was nicht grundsätzlich falsch sein muss, aber in diesem Fall bedeutete es einfach einen Stilbruch. Das Kampfsystem empfand ich als deutlich komplizierter und dadurch nicht wirklich ansprechend. Zudem kommt das Spiel komplett in Englisch daher (mal abgesehen vom guten Handbuch), weshalb man von der (relativ flachen) Story je nach Englischkenntnissen nur wenig mitbekommt (was nicht heißen soll, dass ich sie nicht verstanden habe). Insgesamt kam es mir so vor, als wäre das Spiel komplett für kleine Kinder ausgelegt, was vielleicht nicht zuletzt am Grafikstil liegt. Aber wie schon gesagt, das ist lediglich ein Eindruck von zwei Stunden, eventuell wird es gegen Ende hin ja noch ganz toll. Mal sehen, ob ich mich nochmal aufraffen kann einen zweiten Durchspielanlauf zu starten. Wer sich vom Gegenteil überzeugen will, kann sich das Spiel natürlich gerne zulegen – es kostet ja sogar weniger als der Vorgänger. Ich für meinen Teil würde jedoch keine Kaufempfehlung aussprechen.

Der Blick auf das idyllische Dorf Syrus. Leider kann man hier nur von Standort zu Standort "reisen" und es nicht komplett erkunden.

Was ich über eben jenen Vorgänger allerdings nicht sagen kann und damit möchte ich langsam zum Ende meines Reviews kommen. In Wirklichkeit würde ich dieses Spiel sogar als Pflichtkauf für Rollenspiel- bzw. auch Playstation 1-Liebhaber bezeichnen. Wie schon erwähnt, erinnert das System sehr stark an das von Pokemon und Fans solcher Spiele sollten demnach unbedingt zugreifen. Zugegeben, die Story ist nicht gerade der Knaller und wirkt vor allem etwas durchgekaut und vor allem schon mal dagewesen, aber an der Technik gibt es absolut nichts auszusetzen. Die Welt ist grafisch gut und liebevoll gestaltet, sowie mit einem schönen Soundtrack untermalt. Einem Durchspielen steht also absolut nichts im Wege. Zumal man mit den Vereinigungen ein völlig revolutionäres (jedenfalls für damalige Verhältnisse), interessantes und fesselndes Feature eingebracht hat. Wer davon auch nach Abschluss der Geschichte noch nicht genug bekommen hat, kann im sogenannten endlosen Korridor weiterhin gegen Diener kämpfen und seine Begleiter somit trainieren. Das Fangen ist dabei natürlich weiterhin möglich.

Ich hoffe, man konnte aus diesem Review nicht allzu sehr herauslesen, dass ich fasziniert von dem Spielprinzip bin und auch beim Schreiben leicht euphorisiert war. Es kann also vorkommen, dass sich, entgegen aller Bemühungen, auch subjektive Bewertungen eingeschlichen haben. Über diese bitte ich hinwegzusehen. Wenn ihr nun überzeugt seid, seht zu, dass ihr das Spiel irgendwo auftreiben und Spaß an etwas Nostalgie haben könnt.

Für weitere eindrucksvolle Bilder haben wir extra noch einen Gallerie angelegt. Durchschauen lohnt sich auf jeden Fall. Die Bilderansammlung ist hier zu erreichen:

Auf den Spuren der Kokonmeister – Bildergallerie

Vends XBox 360, disque dur 60 Go, état neuf (jamais utilisée), dédicacée par l’ancienne gouverneur de l’Alaska Sarah Palin seulement deux jours avant sa démission. Vente maintes fois annulée par eBay pour des raisons inconnues, probablement pour permettre à l’enchère sur la PlayStation 1 dédicacée par Michael Jackson de s’envoler. Acheteurs sérieux uniquement, blogueurs français qui cherche à faire des vannes pour son post en m’envoyant “Les cainris sont trop forts” s’abstenir. Prix de vente: 1,1 million de dollars. Me contacter ici.

Lange ist es her, dass ich mir diesen rechteckigen, grauen Kasten namens Playstation gekauft habe. In meiner persönlichen Auswahl möchte ich Ihnen die Spiele vorstellen, die mir in besonderer Erinnerung geblieben sind.

Der König des Prügelspiels

Die durchschnittliche Bewertung von Tekken 3 liegt bei 96 % (Quelle: metacritic.com).

Tolle Spielbarkeit, hübsche Grafik und viele verschiedene Kämpfer, das sind die Erfolgszutaten für Tekken 3. Bei der großen Charakter-Auswahl ist für jeden Spieler ein(e) passende(r) Kämpfer(in) dabei. Nehme ich Eddy, der wie ein aufgekratzter Sportler nicht ruhig auf der Stelle stehen kann und die wildesten Verrenkungen vollführt? Oder lieber Hwoarang, der mit seinem langen Beinen Gegner zurück auf den Boden der Tatsachen holt? Oder, oder, oder… Die Grafik war damals sehr hübsch und bestach vor allem durch flüssige Animationen, bunte Effekte und aufwändige Rendersequenzen. Wer fleißig gespielt hat, schaltete zudem den sogenannten „Tekken Ball Mode“ frei. Darin stehen sich zwei Spieler gegenüber und schlagen oder treten auf einen Ball ein. Der fliegt dann zum anderen Spieler, der den Ball im richtigen Moment zurückschlagen muss. Der Clou: Je öfter der Ball einen Treffer kassiert, desto schneller wird er. Ist das Tempo am Anfang sehr moderat, geht es später um schnelle Reflexe. Wer dann zu spät oder zu früh auf die Tasten haut, wird vom Ball getroffen und hat die Runde verloren. Extrem simpel, extrem spaßig.

Runden-Strategie-Schwergewicht

Front Mission 3

Es gibt da ein Spiel, mit dem man sich locker wochenlang beschäftigen kann: Front Mission 3. Das Spielprinzip erinnert an den Klassiker Battle Isle. Sie kommandieren rundenweise eine Handvoll Mechs (hier Wanzer genannt) auf kleinen oder großen Schlachtfeldern. Erst dürfen Sie ihre Einheiten in Stellung bringen und feindliche Truppen angreifen, danach ist die künstliche Intelligenz an der Reihe. Nun, was ist so besonders an diesem an sich bekannten Spielprinzip? Erstens: Ihre Einheiten verbessern sich im Kampf. Sie lernen neue Fähigkeiten, wie etwa höhere Treffsicherheit, die anschließend zufällig bei Angriffen eingesetzt werden. Außerdem dürfen sie von Zeit zu Zeit neue Ausrüstung für ihre Wanzer kaufen, was zum Weiterspielen motiviert. Zweitens: Die Geschichte dreht sich um einige zentrale Figuren, die sie während der strategischen Kämpfe befehligen. Die Charaktere sind dabei nicht austauschbar, sondern wachsen einem während der „über 150 Stunden Spielzeit“ (Zitat von der Packungsrückseite) ans Herz.

Rollenspiel mit innovativem Kampfsystem

Die durchschnittliche Bewertung von Vagrant Story liegt bei 92 % (Quelle: metacritic.com).

Denke ich zurück an Vagrant Story, kommen mir solche Dinge wie „packend-inszenierte Geschichte“ oder „tolles Kampfsystem“ in den Sinn. Das Rollenspiel ging in vielerlei Hinsicht neue Wege. Die Geschichte wurde in tollen Zwischen- sequenzen erzählt – und das, obwohl sie ohne Sprachausgabe auskommen. Mit dem Helden fieberte man bald mit, wurde doch seine unschuldige Familie umgebracht. Auch das Kampfsystem bot Neues: Traf man auf einen Gegner, fror die Zeit ein. Nun konnte man in aller Ruhe ein Körperteil anvisieren (ähnlich wie heutzutage in Fallout 3). Doch es ging auch um schnelle Reflexe. Im richtigen Moment galt es, die Angriffstaste zu drücken, um einen weiteren Schlag auszuführen. Nach dem ersten konnten Sie einen weiteren Treffer landen, haben Sie das passende Zeitfenster erwischt und so weiter und so fort. Doch viele Treffer in Folge hatten auch ihren Preis: Die „Risk“-Leiste füllte sich, sodass die Wahrscheinlichkeit sank, Gegner bei folgenden Attacken zu verletzten. Da hilft dann nur, einen Trank zu sich zu nehmen, der das „Risk“-Level wieder senkt. Neben diesen Alleinstellungsmerkmalen durften Sie obendrein noch eigene Waffen zusammenbauen.

Durchbruch der Stealth-Actionspiele

Die durchschnittliche Bewertung von Metal Gear Solid liegt bei 94 % (Quelle: metacritic.com).

Was hier 1999 in Deutschland erschien, sollte die Spiele-Landschaft nachhaltig beeinflussen. Metal Gear Solid machte nicht nur den Schöpfer Hideo Kojima zu einem der berühmtesten Spiele-Entwickler, es folgten auch viele weitere Spiele, die das Prinzip ums Schleichen und Austricksen der künstlichen Intelligenz aufgriffen. Als Solid Snake sollen Sie eine Terroristen-Basis infiltrieren, so viel zum Ausgangspunkt der Handlung. Dafür schleichen Sie sich an allerlei Wachen vorbei, lenken Sie ab und überwältigen Sie. Natürlich kommen auch Schusswaffen zum Einsatz, doch die Munition ist meist knapp und daher ist eher subtiles Vorgehen gefragt. Die spannende Handlung und das durchdachte Spielprinzip sorgten für so große Begeisterung, dass weitere Nachfolger und Erweiterungen erschienen.

Hervorragender Ego-Shooter

Die durchschnittliche Bewertung von Medal of Honor: Underground liegt bei 86 % (Quelle: metacritic.com).

Die bekannteste Ego-Shooter- Marke heutzutage ist wohl Call of Duty mit dem demnächst erscheinenden Modern Warfare 2. Im Jahr 2000 war eine andere Reihe bestens bekannt: Medal of Honor. Damals erschien der zweite (Playstation-)Teil: Medal of Honor: Underground. Als französische Widerstandskämpferin sabotierten Sie die Achsenmächte. Auch wenn Sie manchmal als Fotografin verkleidet feindliche Lager ausspionierten, waren Sie die meiste Zeit mit dem Gewehr im Anschlag unterwegs. Die abwechslungsreichen Levels führten sie durch Frankreich, Italien, Griechenland, Deutschland und Afrika. Der hervorragende Soundtrack sorgte für eine intensive Spielerfahrung, die Gefechte machten einfach eine Menge Spaß und die grafische Qualität war für Playstation-Verhältnisse sehr gut.

Hack and Slay

Die durchschnittliche Bewertung von Diablo (PC-Version) liegt bei 94 % (Quelle: metacritic.com).

Diablo ist eine der Spielmarken überhaupt. Inbegriff der Sammelwut. Wegbereiter für das BattleNet. Erfolgsmarke von Blizzard. Glücklicherweise haben die Entwickler auch an die Playstation-Besitzer gedacht und eine angepasste Version für die Konsolen-Spieler herausgebracht. Natürlich musste die Steuerung des Action-Rollenspiels für das Gamepad angepasst werden. Kurios: Während das Spiel auf dem PC nur in englischer Sprache erschien, wurde die Playstation-Portierung übersetzt. Das Spielprinzip blieb aber unberührt. Am Anfang entscheiden Sie sich für eine von drei Charakter-Klassen (Krieger, Jägerin oder Zauberer) und erforschen nach und nach jedes der 16 zufallsgenerierten Levels. Dabei treffen Sie auf Horden von Monstern, die sie bekämpfen. Sie erhalten Erfahrungspunkte, steigen im Level auf und dürfen die Attribute ihres Helden verbessern. Außerdem lassen manche Gegner wertvolle Items fallen, etwa Rüstungen, magische Ringe oder bessere Schwerter. Das Prinzip ist simpel, lässt Sie aber nicht so schnell wieder los. Auf dem PC dürfen Sie im BattleNet mit anderen Spielern die Dungeons erforschen, die Playstation-Version dürfen Sie immerhin zusammen mit einem Freund/einer Freundin spielen. Manche Spieler dürfen es doof finden, dass man stets zusammen auf einem Bildschirm die Gegend erkundet. Ich finde das gerade besonders gut, da man stets zusammen unterwegs ist und sich so ein starkes „Wir-Gefühl“ entwickelt. Diablo wurde von Blizzard vorbildlich auf die Playstation portiert, einzig die langen Ladezeiten nerven etwas.

Witziger Worms-Klon

Frontschweine

Frontschweine greift das Spielprinzip von Worms auf und reichert es mit einer netten Einzelspieler-Kampagne an. Rundenweise bewegen Sie ein Schwein aus ihrer Truppe über die dreidimensionalen Schlachtfelder, entscheiden sich für eine Waffe, zielen, legen Winkel und Feuerkraft fest und hoffen, dass sie möglichst großen Schaden beim gegnerischen Team anrichten. Sind alle feindlichen Truppen erledigt, ist die Mission gewonnen. Die Kampagne ist witzig präsentiert und motiviert, denn Sie dürfen ihre Truppen später auch aufwerten. Das Ganze macht zusammen mit Freund enbesonders Laune. Auch wenn der Schwierigkeitsgrad im Verlauf der Kampagne etwas zu stark ansteigt (Stichwort: Treffsicherheit der künstlichen Intelligenz), so wurde mit Frontshweine ein bekanntes Spielprinzip gelungen adaptiert.

Zusammen stark

Star Wars: Episode I: Jedi Power Battles

Zugegeben, Star Wars: Episode I: Jedi Power Battles gehört nicht unbedingt in eine Bestenliste. In dem Actionspiel schnetzeln Sie sich als Lichtschwert-schwingender Jedi durch Unmengen von Feinden. Eigentlich ist das nichts besonderes. Doch es gibt eine Sache, die das Spiel aufwertet: der kooperative Mehrspielermodus. In dem dürfen Sie zusammen mit einem Freund/einer Freundin durch die Levels rennen. Das macht noch einmal deutlich mehr Spaß, als das Spiel alleine zu bestreiten. Als nervig sind mir die Sprungpassagen in Erinnerung geblieben, bei denen man schnell wertvolle Credits verlor.

Ein schönes Wochenende und viel Spaß beim Spielen wünscht

Felix