Das InTakt Netlabel, ein kleines Projekt bei dem ich mit drin hänge hat Heute seinen zweiten Release in die große, weite Welt des Internets verabschiedet.

Adolf Plays The Jazz sind eine Hand voll ambitionierter Musiker, die seit ihrem ersten Release für freie Musik stehen und dementsprechend auch ihre neuste Schöpfung wieder unter CC-Lizenz veröffentlicht haben. Das Teil kommt mit 11 postrockigen Tracks und komplettem Artwork, welches von mir stammt und natürlich as ever ebenso frei gehandhabt werden kann wie es beliebt.

InTakt Netlabel

Download @ Bandcamp

Gestern gastierte die dänische Band Efterklang im Ballhof Eins.

Ric, eine gemeinsame Freundin und ich genossen den »orchestralem Pop« (indiepedia) der Dänen, der in seiner ergreifend, energiereichen Form sich in einem Klanggebilde aus heiterer Schwermut zeigte und es uns zeitweise schwer machte uns nicht von unserem Sitzplätzen zu erheben, zu tanzen.

Letzlich konnten weder wir, noch einige andere Zuhörer an uns halten und folgten der Aufforderung des charismatischen  Sängers Casper Clausen bereitwillig, um  unmittelbar vor den Instrumenten der sechsköpfigen Gruppe zu tanzen, während jene den letzten Song ihrer Zugabe spielten.

Tatsächlich erlaubte die eher konzertoritentierte Aufführung, der unter dem Namen Ballklang einen treffenden Namen gegeben war, ein aufmerksames Beobachten und ein intensives Hörerlebnis, dessen Klangwelt mich von erster Minute an fort zu tragen wusste.

Infolgedessen hinterlässt mich  dieser Abend in einem Zwiespalt, denn Bewegungsfreiheit wäre angesichts der emmotialen Intensität, welche die Musik transportiere durchaus auch wünschenswert gewesen.

Mads Brauer, Caspar Clausen und Rasmus Stolberg wuchsen auf der Insel Als auf und zogen im Jahr 2000 nach Kopenhagen,wo sie noch in jenem Jahr ihre Band gründeten.  Zwei Alben folgten in den Jahren 2004 und 2007. Ein weiteres,  wie Sänger Clausen gestern verlauten ließ,  soll im kommenden Jahr erhältlich sein und Magic Chairs lauten.

Wir hatten gestern das Vergnügen zahlreiche neue Songs zu hören, die auf Magic Chairs enthalten sein werden. I Was Playing Drums und Mirror, Mirror sind mir neben Full Moon nachhaltig in Erinnerung geblieben.

Ferner hatte die Band die Ehre mit dem The Danish National Chamber Orchestra dem gemeinsamen Projekt Performing Parades neuen Klang und Raum zu verliehen. Mike Driver, Musikjournalist des BBC, urteilte knapp:  »Prepare to be left breathless«. Der Song Cutting Ice To Snow, der auch gestern zu hören war, klingt unter Mitwirkung des Orchesters wie folgt:

Regisseur Jeremiah Zagar widmete dem Song einen farbenfrohen Videoclip, der auf Vimeo einsehbar ist:

Efterklang -  Cutting Ice to Snow on vimeo

Das WebTV-Magazin wenn’s rockt! hält neben einen Interview mit Caspar und Federik auch einen Mittschnitt des Auftritts in Leipzig bereit, der einen Eindruck der Wirkung der Auftritte Efterklangs vermittelt.

Anders  als die Spekatakel einer alten Hutschachtel so manch anderer vermeintlicher Ikonen des Pop-Geschäfts, wissen allein die Musik und das Spiel von sechs Künstlern eine kleine Gruppe von Zuhören zu berühren.

Efterklang befindet sich derzeit noch auf Tour durch Deutschland. Heute  Abend treten die Däne in Osanabrück auf.

Die US-amerikanische Band If These Trees Could Talk, abgekürtzt ITTCT, stammt aus dem Bundestaat Ohio.

Die fünf Musiker schreiben ausschließlich instrumentalen Post-Rock, welcher einer gewissen Melancholie nicht entbehren kann, allerdings nicht auf dem schmalen Gerade des Schmerzes wandert, wie dies bei einigen anderen Bands des Genres der Fall ist.

Das Debüt If These Trees Could Talk wurde im Jahr 2006 veröffentlicht, welches beliebte Stücke wie Malabar Front und Signal Tree enthält. Malabar Front war in den Videospiel Infamous zu hören.

Das Label Mylene Sheath, bei welchen die Band usprünglich unter Vertrag stand, beschreibt sie wie folgt:

»We’d like to consider them the soundtrack to those beautiful, freezing winter days that only come after a full night of mixed rain and snow. Tree branches and power lines completely swallowed in ice.«

Außerdem kann über den Server des Labels noch immer Malabar Front heruntergeladen werden:

In diesem Jahr erschien die Studioaufnahme Above the Earth, above the Sky, welches wie der Vorgänger ohne einen Vertrag mit einem Label veröffentlicht wurde. Das aktuelle Album enthält zehn Stücke wie Above the Earth, Below the Sky und Rebuilding the Temple of Artemis enthält.

Dem Stück Thirty-Six Silos wurde mittlerweile ein Videoclip gewidmet.

If These Trees Could Talk – Thirty-Six Silos @ YouTube

På de två år som förflutit sedan Immanu el fullkomligt knockade mig med mästerverket They’ll Come, They Come har de fem bandmedlemmarna vuxit upp från spralliga pojkar till ståtliga män. Och i takt med att de själva utvecklats har deras musik gjort detsamma.

De drömska, svävande ljudlandskap som präglade debuten har nu till stor grad invaderats av kraftfulla gitarrer, pulserande basgångar och smattrande trummor. Men musiken är precis lika känslofylld som tidigare.

Claes Strängbergs bedårande stämma ligger nämligen som en ständig smekning ovanpå de driviga melodierna och ger en perfekt balans till det stundtals råa soundet.

Redan efter inledande Agnes Day, som börjar ganska lugnt för att mot slutet brisera i frenetiskt instrumentmangel, dryper mina frasiga läppar av fukt. Men det är framförallt under andra halvan av albumet som salivavsöndringen sätter igång på allvar. Efter ljuvlig skönsång i May, galopperande pianoplink i Archers, gudomliga melodier i Tunnel och en himmelsk final i form av Storm, sitter jag med ett gigantiskt leende och plaskar runt i en pöl av dregel.

Foto: Johan Stahre

Det enda jag egentligen saknar på Moen är lite större variation. Mixen mellan stegrande postrock med storartade klimax och stillsamma känslokavalkader, som bidrog till att göra They’ll Come, They Come så mästerligt, finns tyvärr inte. Istället känns det lite som att det är ungefär samma tempo, samma gitarrslingor och samma trumkomp genom större delen av skivan.

Men skit samma. Var för sig är i stort sett samtliga låtar alldeles fantastiska, och i slutändan går det inte att bortse från att Moen är lysande album från ett av landets absolut intressantaste band.

BETYG: 4/5

Moen släpps den 13 november och går att förhandsbeställa här.

Läs min hyllning av They’ll Come, They Come här.

Recensionen ursprungligen publicerad på Ungdomar.se.

De nieuwste Warp-aanwinst is een opwindende instrumentale indierockband, met laptop en Vangelis-invloeden. Ergens tussen edelkitsch en een retro-sciencefiction droom.

(Gepubliceerd in Gonzo #90 – januari/februari 2009)

Terwijl de vele pogingen om elektronica te mixen met rock ons decennia aan tenenkrommende muziek hebben opgeleverd, is de mix van postrock en elektronica zeer vruchtbaar gebleken. De nieuwste aanwinst in dat spannende grensgebied is Pivot. Hun opwindende, dynamische debuutplaat ‘O Soundtrack My Heart’ verscheen vorig jaar op het Warp-label, maar is eigenlijk de tweede Pivot-plaat. De allereerste plaat, ‘Make Me Love You’, wordt door de huidige groepsleden echter beschouwd als het product van een geheel andere band, die nu ter ziele is. Nadat de kernleden van de band, de bekrulde Australische broers Richard en Laurence Pike, alle andere leden van het oude Pivot hadden ontslagen, bliezen ze Pivot immers nieuw leven in met hulp van Dave Miller, een in Engeland wonende elektronicaknutselaar. Met hem ontwikkelden ze de flarden elektronica die het oude geluid al bevatte verder uit en voegden ze er nog een extra element aan toe: Pivot verwelkomde de synthesizer.
Bevatte ‘Make Me Love You’ nog vrij traditionele postrock, met door elkaar geweven gitaar- en keyboardpartijen en gegoochel met dynamiek en climaxen – het recept is inmiddels overbekend –, dan is het geluid van het nieuwe Pivot dus vooral een stuk ‘proggier’. Een naar woord, maar uiterst geschikt om de ommezwaai die de groep heeft gemaakt, aan te duiden. Tegenwoordig houdt de band er namelijk een esthetica op na die een vrijwel evenredige mix is van geluiden die het uitstekend doen bij de indie-incrowd – nerveuzige, instrumentale rock à la Battles, Do Make Say Think en This Is Your Captain Speaking – en geluiden waar diezelfde incrowd nog niet dood bij in de buurt gevonden wil worden: de synthesizerpracht van Vangelis en Jean Michel Jarre. Beide grootheden uit de jaren 1970 prijken boven aan het lijstje van invloeden op de MySpace van Pivot en hun geluid is duidelijk herkenbaar aanwezig in de composities van het drietal: over de hoekige ritmes en de nerveuze gitaarmelodieën worden dikke, wollige synthesizertapijten gelegd. En net als je je helemaal Harrison Ford waant in een grimmige, bloederige scène van Blade Runner, wordt er weer een scherp post-punkritme ingezet. Voor dit schizofrene en tamelijk controversiële geluid bedacht een recensent al de passende beschrijving ‘Van Halen meets Vangelis’. We zochten de bandleden op en deden een ijdele poging ze te doorgronden.

Bombast

Laten we beginnen bij de belangrijkste kwestie: waarom in vredesnaam Vangelis?
Richard Pike (gitaar, toetsen): “O, je houdt niet van Vangelis? Nou, wij ook weer niet zo veel hoor. We vinden vooral de ‘Blade Runner’-soundtrack erg goed. We hebben niet eens zoveel andere platen van hem.”
Laurence Pike (drums): “Jawel, tegenwoordig wel. We zijn ze nu aan het sparen.”
Dave Miller (laptop, toetsen): “Zo’n lijstje invloeden is altijd triviaal. We hebben net zoveel naar Kraftwerk geluisterd.”
Laurence Pike: “Ja, maar Vangelis heeft natuurlijk heel mooie platen gemaakt met heel sterk thematisch materiaal, rijk aan melodie en bombast. En op het gebied van synthesizergeluiden is hij absoluut een voorbeeld. Maar we zijn vooral gefascineerd door de periode die hij vertegenwoordigt. Hij was namelijk ontzettend populair in zijn tijd en scoorde grote hits, met puur op synthesizer gebaseerde, instrumentale en soundtrack-achtige muziek. Dat is tegenwoordig ondenkbaar; het is voor ons een mysterie hoe dat destijds kon. Dat vinden we fascinerend. Niet dat het ons per se daarom te doen is, om het scoren van hits, maar dat er een tijd is geweest waarin zo veel mensen daar aandacht en interesse voor hadden, dat is prachtig.”
Richard Pike: “En voor Jean Michel Jarre geldt natuurlijk hetzelfde. Een meester in de hoogtijdagen van de instrumentale synthesizermuziek en een soort pop/rock die nu gewoon niet meer bestaat. Dat trekt ons erg aan.”
Laurence Pike: “En dat ze niet cool zijn, ach. De coolste muzikanten zijn zij die niet nadenken over hun muziek, maar haar gewoon maken.”

Hoe hebben jullie elkaar gevonden? Ik begreep dat Richard en Laurence al eerder samen in een band zaten onder de naam Pivot en daar een debuutalbum mee opnamen, waarna die band is geëvolueerd in het huidige Pivot…
Laurence Pike: “Dat klopt. De band bestaat al behoorlijk lang en is begonnen als een soort jamband. We waren vooral erg jong en gebruikten Pivot als vehikel om te experimenteren.”
Richard Pike: “We zetten radio’s tegen over elkaar op verschillende frequenties en zetten er gitaarpedalen tussen, dat soort dingen.”
Laurence Pike: “En toen kwam het punt dat de ene helft van de band een kant op wilde en de andere helft een andere kant. En wij kwamen vervolgens Dave tegen en het was heel duidelijk dat wij met z’n drieën ergens heen wilden waar de rest van de band niet naartoe wilde.”
Dave Miller: “Het is als je relatie met je vriendinnetje op de middelbare school: er is natuurlijk een kans dat je bij elkaar blijft voor de rest van je leven, maar een grotere kans dat je allebei bij iemand anders eindigt.”
Laurence Pike: “We hadden met z’n drieën samen een vrij duidelijk idee over waar we heen wilden. We spraken er ook over, maar dan niet zozeer over de muzikaal-technische kant van ons geluid, maar vooral over de energie die we wilden uitstralen en de gevoelens die erin moesten zitten. Niet dat we al te ‘new age’ over willen komen, maar dat was zo’n beetje de insteek. We wilden vooral iets doen dat anders was. Iets dat gevaarlijk voelde.”

Clicks

Hoe verliep het vormgeven van dat ‘gevaarlijke’ geluid vervolgens?
Richard Pike: “Nu ja, het format was nieuw voor ons allemaal, dus het was wennen. Dave had nog nooit in een band gespeeld, hij was alleen maar gewend om achter zijn laptop te zitten. En wij hadden nog nooit met geprogrammeerde muziek gewerkt. We hadden bijvoorbeeld ineens geen bassist meer, de bas kwam uit Daves computer.”
Dave Miller: “En ik woonde in Londen, terwijl Laurence en Richard in Australië woonden. Dus het verliep allemaal via internet; we wisselden bestanden uit per e-mail.”
Richard Pike: “Meestal ging het zo dat Dave beats en loops maakte en die naar ons stuurde. Dan speelden wij daar drums en gitaar en keyboards overheen en stuurden dat weer terug naar Dave, die er vervolgens weer mee aan de slag ging.”
Laurence Pike: “We vonden het zelf niet zo’n vreemde manier van werken, maar een heleboel mensen snappen er echt niks van. Die hebben nog steeds het traditionele idee van een band die bij elkaar in een kamer nummers zit te schrijven.”
Dave Miller: “Ik kreeg laatst zelfs een e-mail van een collega-muzikant die vroeg hoe we dat live nou doen met de drums. We combineren immers beats uit mijn laptop met live-drums van Laurence. ‘Hoe houden jullie het ritme strak?’, wilde hij weten. ‘Gebruikt hij clicks?’ Nee, zei ik. We repeteren. Hij kent de nummers. Hij luistert.”
Laurence Pike: “De meeste rockdrummers kunnen niet luisteren, dat is helaas zo.”
Dave Miller: “Zelf speelde hij in een elektronische band die live verborgen tussen de coulissen een drummer lieten meespelen. Een slechte.”
Laurence Pike: “Ik heb echt een hekel aan drummers die spelen met een koptelefoon op met clicks. Ik ben blij dat wij dat nooit gedaan hebben.”
Richard Pike: “Ach kom nou, dat hebben we wel gedaan. Toen we zeventien waren, of zo. Dat was pure hel, maar dat is wel hoe je geleerd hebt om te drummen zoals je doet. Zo heb je absolute ritmes geleerd. Computerritmes. Wat iets heel anders is dan menselijke, subjectieve ritmes, die je ‘voelt’.”

Is jullie geluid nog veranderd nu jullie elkaar wel vaak zien en gewoon met z’n drieën op een podium of in een oefenhok kunnen spelen?
Richard Pike: “Jazeker. Ons geluid heeft vooral veel meer energie. En de fraseringen zijn beter. Energieker, krachtiger. Laatst hoorde ik onze plaat weer eens en er zaten een hoop stukken op waarvan ik het idee had dat we ze nu veel energieker zouden spelen. Ik vond hem eigenlijk vrij soft.”
Dave Miller: “We hebben al wat nieuwe dingen geschreven, samen in dezelfde ruimte. En we neigen ernaar om de nieuwe dingen zo te schrijven zoals we nu ook de oude dingen spelen. De nieuwe nummers zijn erg live, precies zo geschreven zoals we ze met z’n drieën op een podium kunnen spelen.”

Walkietalkies

‘O soundtrack my heart’ riep bij mij sterke associaties op met oude, jaren 1970 science-fiction; die inmiddels volkomen gedateerde beelden van de toekomst met knullige ruimteschepen en gigantische walkietalkies.
Laurence Pike: “Ja, dat is precies waar we van houden.”
Richard Pike: “Ja, niet zozeer visueel, het is niet zo dat we allemaal visioenen hebben van buitenaardse werelden en ruimteschepen, maar we houden erg van die retrogeluiden die daarbij horen. Die oude klanken, vermengd met digitale, samensmeltend in een cataclysmische, orgastische chaos!”
Laurence Pike: “Er is zo’n periode in de jaren 1970, begin jaren 1980 geweest in de muziek en film waarin men zo’n conceptie van de toekomst had vol van oneindige mogelijkheden. Alles kon. En de films en muziek die dat uitstralen, hebben een vreemd soort tijdloosheid over zich heen.”
Richard Pike: “Dat optimisme is tegenwoordig verdwenen. Inmiddels weten we te veel.”
Laurence Pike: “Maar die visie van de toekomst van toen is ergens nog steeds een droom die leeft.”

Mochten jullie het aanbod krijgen om op een festival naar keuze te spelen, wat zou het dan zijn: een indierockfestival, een elektronicafestival of een Star Trek-conventie?
Richard Pike: “Een indierockfestival, zonder meer; dat zou immers het enige zijn waar ook nog vrouwen op afkomen.”
Laurence Pike: “We zijn absoluut een rockband, meer dan iets anders. We zijn zeker geen dance-act, bijvoorbeeld.”
Richard Pike: “Als het op live spelen aankomt is live rocken gewoon het leukst om te doen. Ik zie zelf ook liever een goede rockband dan een avond vol kereltjes die op laptops zitten te prutsen.”
Dave Miller: “Bestaan dat soort avonden eigenlijk nog wel?”
Laurence Pike: “Het mooist zou misschien zijn om te spelen op een festival dat precies tussen die drie in zit.”

Het concert dat de heren na afloop gaven vond helaas niet plaats op een dergelijk festival, maar in het ‘ouderwetse’ Utrechtse Tivoli. Dat weerhield hen er niet van hun retro-futuristische geluid met veel bravoure en experimenteerdrang over het publiek uit te storten en hen beneveld en licht in het hoofd terug de kou in te sturen, met een Talking Heads-cover als uitsmijter. De tijdloze, eeuwige behoefte aan zaligmakende trips was weer bevredigd.

"Phoenix Affect Icy November" von Dave King. Album cover (2008)

»God is an astronaut, Oz lies over the rainbow, and Midian is where the monsters live.« Auf dieses Zitat aus dem Film Nightbreed soll der Name der irischen Post-Rock-Band God Is an Astronaut zurückgehen. Das die Band damit in die Nähe von Erich von Däniken rückt, ist vielleicht nicht so ungewöhnlich, wenn bedacht wird, dass dies dieser Tage wohl nicht mehr ungewöhnlich zu sein scheint:

Melancholischen Gitarren treffen auf »schillernden Electronica Elemente« (last.fm), die sich zuweilen tatsächlich episch anfühlen. God Is an Astronaut kreiert Klanggebäude, zeitlos in ihrer Form. Darüber hinaus legen die Iren auch wert auf die visuelle Darstellung ihrer Form. Womöglich einer der Gründe die Welt an ihren auch die optischen Sinne ansprechenden Auftritten über Flickr-Fotos teilhaben zu lassen.

Ihr erstes Album nahm die Band im Jahre 2002 auf, nannte es The End Of The Beginning. 2005 folgte All is Violent, All is Bright. 2007 wurde Far From Refuge veröffentlich. Und nur ein Jahr später folgte God Is an Astronaut.

Zahlreiche ihrer Songs bergen ein starke, sanfte Emotionalität in sich.

Derzeit dient mir der Name dieser Band dient des häufigeren als Grundlage für meine last.fm Radiostationen.

Op de laatste twee Castanets albums ‘City Of Refuge’ (2008) en ‘Texas Rose, The Thaw and The Beasts’ (2009) laat singer-songwriter Ray Raposa een breed scala aan freak-country-folk songs op ons los. ‘City Of Refuge’ is een ingetogen fragmentarisch album met een mengelmoes aan op bluesriffs en elektronicariedels gebaseerde sfeertekeningen. (lees recensie in Gonzo (circus) #89) Met ‘Texas Rose, The Thaw and The Beasts’ zet Raposa een album neer dat bol staat van vervreemdende, maar wel volgens de traditionele folkregels gecomponeerde Americana songs. (lees recensie in Gonzo (circus) #93) 

In het Patronaatcafé geeft Castanets een stevige draai aan het materiaal van voornamelijk het laatste album. De country-folk stukken worden opgediend in een post country-rock sausje. Raposa wordt daarbij ondersteund door Jana Hunter, die de achtergrondvocalen en basisakkoorden op gitaar voor haar rekening neemt. Red Hunter voegt op gitaar de nodige psychedelische effecten toe en Lazarus ( Trevor Montgomery ), het boomlange voormalige Tarentel lid en verzorger van het voorprogramma, levert met de slagwerkster de basisingrediënten aan. Ray Raposa, die zelf de meest essentiële gitaarpartijen voor zijn rekening neemt, maakt er een waar muziekspektakel van. Kaal zijn de composities van Raposa eigenlijk traditionele country-folk nummers. Maar het aanwezige Castanets personeel maakt daar gelukkig korte metten mee. De set staat bol van muzikale ‘weirdness’. Qua karakter klinkt het totale optreden als The Black Heart Procession. In de uitwerking staat het dicht bij de podiumpresentatie van Akron/Family. De nummers vloeien ongekunsteld in elkaar over en worden hier en daar omlijst door verstoorde geluiden. Het éne moment vervliegen de klanken, alsof ze in rook opgaan. Even later slaat Castanets keihard terug in je smoel en staat het volume in de overdrive. Wil je net de handen naar de oren brengen om ze af te dekken, volgt er een sprookjesachtige passage. Opnieuw een muzikaal pareltje om bij te schrijven in de boeken van het Patronaat. Ja mensen, en geheel gratis, dus wat wil een mens nog meer in deze tijden van crisis.

Obwohl Vorarlberg das zweitkleinste Bundesland in Österreich ist, hat es in den letzten Jahren immer wieder HC-Bands ausgespuckt, die auch über ihre lokalen Grenzen hinaus bekannt wurden. Within Walls sind wohl das beste Beispiel dafür, bekamen sie letztes Jahr doch viele lobende Worte unserer deutschen Nachbarn. Wie erwähnte Band kommen The Great Disappointment aus Dornbirn. Musikalisch sind sie aber eher mit, den ebenfalls aus Vorarlberg stammenden, I not dance verwandt. Screamo und Emo ist vielleicht der Grundstein - The Great Disappointment schaffen es aber die Grenzen davon auszuloten. Was rumkommt, ist ein überraschend facettenreiches Album, mit keinerlei Berührungsängsten. Beim Opener “Himsa pt. 1&2″ meint man noch, es mit einer weiteren Platte irgendwo zwischen Screamo und Postrock zu tun zu haben. Dissonante Schreiparts und eine Wall of Sound wechseln sich ab mit ruhigen, melancholischen Teilen. Das Ende des Stückes fließt perfekt ineinander mit dem giftig beginnenden “Walls”, das schon kurz darauf wieder eine dieser traurigen Melodien bietet. Zum Ende hin wird der Song ryhtmisch und fast schon tanzbar, bevor er abrupt und zerrissen beendet wird. Zur Abwechslung kommt folgendes “Of Life and Afterlife” schnörkellos und düster daher – bis mit  dem Interlude “The Wonderful Wizard of Oz” wieder Ruhe einkehrt. “Flesh & Bones” kann man einfach nur als “schön” bezeichnen. Das Stück enwickelt sich über eine epische Melodie und diesen geilen, At the Drive-In-mäßigen Gitarren hin zur absoluten Ruhe… bis der Chorus einsetzt, der den kurzen, aber alles sagenden Text erklingen lässt: “we are. only. flesh and bone”. Genial wäre es natürlich gewesen den Song noch etwas auszudehnen und die Lyrics am Ende von einem zig-Kehlen-starken Chor intonieren zu lassen. Es bleibt reduziert und melancholisch. Der hohe, etwas schiefe Gesang zu Beginn von “Thy Kingdom come” ist zwar etwas fragwürdig, doch kurz darauf kommt die Band mit einem donnernden Groove um die Ecke, der mich von den Gitarren her an Kenzari’s Middle Kata erinnert. Das französisch betitelte Instrumental zeigt abermals eine neue Klangfarbe und könnte auch von Godspeed you! Black Emperor stammen. Danach verlieren mich The Great Disappointment, ganz ehrlich gesagt, etwas. Der dissonante Beginn von “…that will lead us home” lässt zwar aufhorchen, aber in den letzten drei Stücken schaffen es die Vorarlberger nicht mehr einen draufzusetzen. Auch der Closer “Dorothy” endet etwas zu üblich. Das schadet dem Gesamteindruck des Albums aber nicht sonderlich. Im Gegenteil! Denn dieser ist mit die größte Stärke hier. The Great Disappointment haben sich hier wirklich Gedanken über die Tracklist gemacht und es, im Gegensatz zu so vielen anderen Bands heutzutage, geschafft ein ganzes, in sich geschlossenes, Album zu schreiben. Die Übergänge zwischen den einzelnen Songs, sowie die Stimmungswechsel sind teilweise wirklich fantastisch. Eigentlich richtig schade, dass man sowas nicht über seinen Plattenspieler anhören kann. Aber vielleicht wird das ja noch was. Wer bis dahin nicht mehr warten kann, der lädt sich das Album am besten hier herunter. Nebenbei erwähnt, bittet die Band sogar darum… 7/10

Die melancholischen Klänge der französischen Band all angles gone sind wie ein getreuer Begleiter jener zunehmend herbstlich-grauer Stunden.

Klänge, die von Sensibilität und Ruhe zeugen, als seien sie dem täglichem Tode, der Tragik menschlicher Existenz nahe. Und dennoch von kraftvoller Bewegung, von einnehmenden Wesen: kein Hintergrundrauschen.

Ihre eigenen Wurzeln finden sich, eigener Aussage nach, in einer Reihe von Bands — A Silver Mount Zion, Godspeech You! Black Emperor, Sigur Rós und Mogwai —, welche das Genre der Rockmusik zu überwinden suchen: Postrock.

Der aufmerksame Hörer mag auch eine an Radiohead erinnernde Melancholie erkannt haben: die Band führt die Publikumslieblinge um Tom Jork ausdrücklich als einen ihrer Einflüsse mit auf.

Allerdings gelingt der französischen Band trotz all dieser Vorbilder dennoch das Kunststück der Eigenständigkeit, die nicht nur auf einen Wechsel von männlichen zu weiblichen Vocals (Vincent und Pauline) gegründet zu sein scheint. Vielmehr wirken ihre Arrangements, als ob die Musik in ruhiger, dunkler wie sensibler Zärtlichkeit eine tragisch-traurige Stimmung transportiere.

Die erste EP der Band, Quietly, erschien bereits im April 2005.  Sie enthält fünf Lieder. Quietly ist leider nur noch gebraucht erhältlich; die ursprünglich gepressten Kopien sind nach Angabe der Band aufgebraucht.

Allerdings können die Lieder  mittlerweile  legal bei last.fm heruntergeladen können. Die EP enthält die Lieder:

1. Unrelated
2. Wave
3. Empty Cars on the Road
4. Others as A Mirror
5. Stephen H.

Das besonders empfehlenswerte Lied Stephen H. befindet sich zudem auf der frei verfügbaren Postrock-Sammlung The Slient Ballet: Volume 2.

MySpace-Nutzerin Leviathan hat einen Videoclip zu Others as A Mirror bereit gestellt; der Song kann an dessen Stelle hier gehört werden:

Today’s music scene is cluttered with countless stale, meaningless bands who manage to do nothing more than add to the prevailing white noise of the ambiguous culture that has evolved with the introduction of the internet as a primary marketing device. But, from the otherwise unremarkable town of Minot, North Dakota, The Earth And Everything In It have come to rescue your ears from the pervasive mediocrity of popular music.

“The Healer’s Hands, The Beggar’s Palms” is a six track masterpiece of an EP which is reminiscent of such diverse musical acts as Explosions in the Sky, This Will Destroy You, As Cities Burn, mewithoutYou, and even Misery Signals at times. The nearly two minute musical introduction to Ice Caverns and the closing track ALQ would not sound out-of-place on an ambient post-rock album by Explosions in the Sky and much of the rest of the album has very similar musical undertones.

Vocally, this album drips with passion. Gut-wrenching screams and yells perfectly contrast and compliment the soaring melodies created by the guitarists. The lyrics are delivered with an urgency that can not always be concerned with perfect quality. In fact any voice cracks add significantly to the over all value of the album.

The focus of the lyrics are mainly related to the band’s common faith and their own struggles with it. The lyrics of “Loving Ourselves” contains a reference to the C.S. Lewis novel The Great Divorce with the line “I can’t hold on to this smallest piece of hell, if I want to see this heaven.”

The only downside to this record is that it is short. Clocking in at just under 28 minutes it will leave you wanting to hear more and offer no other alternative than to hit replay.

In short, buy this album. Support this band and let your voice be heard. Don’t settle for generic mediocrity any longer. This is truly a triumphant masterpiece, deftly combining ambient post-rock with the aggressive elements of  true post-hardcore, “The Healer’s Hands, The Beggar’s Palms” does not disappoint.

score: 9.5/10

RIYL: Explosions in the Sky, Sigur Ros,  [A-->B] Life era mewithoutYou, good music

myspace: www.myspace.com/theearthandeverythinginit

merch: theearthandeverythinginit.bigcartel.com

Worriedaboutsatan sind ein Electronica-Duo aus England, deren Musik gerne als “the future of postrock” bezeichnet wird. Dabei unterlegen sie die typisch luftigen Postrock Gitarren mit IDM Beats und Ambient Melodien. Live waren sie schon mit Leuten wie Dälek, Iliketrains und 65daysofstatic unterwegs.

Jetzt verschenken sie einen knapp 1 1/2 Stunden langen Livegig als MP3, der sich nicht nur wegen der exzellenten Qualität hören lassen kann.

Download:

Worriedaboutsatan Live Set

[via PRC]

Bosch’s With You sind eine russische Postrock Band, deren Projekt Album Dreams That Come A Thing dieses Jahr Einzug in mein Plattenregal gehalten hat. Umso mehr erfreut es mich zu lesen, dass die Band im letzten Jahr ein Livekonzert aufgezeichnet hat und diese Geschichte jetzt in digitaler Weise verschenkt. Mehr Informationen und Links dazu gibt es bei RAIG.

Hier noch ein Musikvideo, dass der Rezitation von Bosch (und auserdem Breigel) alle Ehre macht.

Download:

Bosch’s With You – Live In Kharkiv

Harp Fragments von Nic Bommarito steht in der Tradition gefrickelter Postrock Veröffentlichungen spielt dabei aber mit folkloristischen Elementen. Michael Connolly hat dazu Violinen- und Harfensounds beigesteuert. Von der klassischen Wall-of-Sound, wie in Hymn For 200 Sugar Packets über den selbsterklärenden Titel Better Then Way Too Post-Rock bis hin zu Folk Stücken wie Folk Psychology bietet Harp Fragments tatsächlich eine größere Vielfalt als die meisten Genrekollegen, hebt sich aber dann doch nicht zu weit ab.

Hymn For 200 Sugar Packets

Better Then Way Too Post-Rock

Folk Psychology

Downloads:

Nic Bommarito – Harp Fragments

Die erste PostRockCommunity Compilation steht jetzt zum Download bereit. 11 Favoriten und unveröffentlichte Tracks sind darauf zu finden. Alles in allem eine sehr schöne Zusammenstellung. Hier die Preview:

Download:

PostRockCommunity Compilation

Wie vor einigen Wochen schon angekündigt ist mittlerweile auch die neueste Finneyerkes Veröffentlichung offiziell online. Nach Gather & Sing und Without End, ist Bastard der dritte Release der Jungs in diesem Jahr. Trotz der hohen Frequenz setzt man im Hause Finneyerkes nicht auf Quantität, soviel lässt sich raushören. Auch dieser Release lebt von traumhaften Melodien und einer dichten Atmosphäre. Insgesamt klingt Bastard konzeptioneller und eklektischer als die Vorgänger. Manche Songs übersteigen den sonst gepflegten Harmonieminimalismus, manche vergraben sich noch mehr ins ambientlastige.

Lark

DisMIX

Ich gebe mich jedenfalls abermals beeindruckt und kann nur sagen, dass gemäß der Statistik meines Players Finneyerkes mehrmals bei den meistgehörten Titeln in diesem Jahr dabei ist. Und das zu recht.

Download:

Finneyerkes – Bastard

Dip

This is a tune called ‘Spittin’ Dip’ that me and my good friend Sam Green made from scratch one weekend at my house. We like a lot of the same kind of music, he’s probably my closest real-life postrock compadre. We’re both massive Mono fans, we like Saxon Shore, Mogwai & God is an Astronaut et al and the only thing stopping us from making beautiful music together more often is plain old logistics.

I don’t have the time to travel in the name of being creative as I’m tied up here at home pretty much all the time. I can’t even get excited about when my kids have grown up and flown the nest because by then he’ll be in exactly the same position that I am now.

Anyway I’m just glad that I can be involved with making music like this every now and then – here’s the track, download link is below

Spittin’ Dip – Free mp3 download

Irgendwo ziwschen New Age Piano, Ambient und Postrock positionieren sich The Tumbled Sea mit ihrer aktuellen (kostenlosen) Platte “Songs By The Tumbled Sea“, erschienen bei meinem diesjährigen Lieblings-Postrock-Label FutureRecordings, bei denen auch “All The Memories, All At Once” erschienen ist. Der erste Song “97202″ könnte von Kaczmarek komponiert sein. “Emily’s Song” hat was vom ruhigeren Mansell und wird dabei durchgängig von Regengeplätscher begleitet. Insgesamt 55 traumhafte Minuten, oder wie die Beschreibung es formuliert: “the melody of an empty room“

Songs By The Tumbled Sea | FutureRecordings

Miumi sind zurzeit vielleicht Wiesbadens außergewöhnlichste und eigenständigste Band. Ihre Musik in Worte zu fassen, die ihrer Kunst gerecht werden, ist wie zu Architektur zu tanzen: wenig Erfolg versprechend. Sie ist zu vielschichtig und bewegt sich jenseits allgemein bekannter Kategorien. Zu wenig in festen Strukturen verhaftet sind auch ihre Lieder: Collagen aus Gitarre, Bass und Schlagzeug, untermalt von elektronischen Beats, Soundfiles und Sprechgesang, die gängige Songschemata ignorieren. Miumi schaffen eigene Klangwelten und lassen eine Flut von Tönen, Bildern und Emotionen auf ihre Hörer los. In der hiesigen Musikpresse werden als Vergleiche immer wieder Bands wie Radiohead, Mogwai oder Sigur Rós genannt, ihre Musik wahlweise als Trip-Hop oder Post-Rock bezeichnet. Wer ist dieses Quartett, das jedem Vergleich standhält, weil es ihm geschickt durch Eigenständigkeit ausweicht?

Miumi sind Simon Hegenberg, Petros Paikos, Manuel Manko und Mario Harlos, vier junge Wiesbadener zwischen 18 und 28. Gegründet hat sich das Quartett im Sommer 2006 und schon damals wussten die Vier, dass sie mit ihrer Band etwas Besonderes erschaffen wollten. “Wir haben uns relativ schnell gesagt, Miumi soll auf einem anderen Niveau stattfinden. Nicht als das typische Band-Ding mit den Personen im Vordergrund, sondern das Gesamtkunstwerk”, erzählt Hegenberg, der Gitarre und Synthesizer spielt. Miumi suchen deshalb konsequent die Verbindung zwischen Musik und Film: Bei Konzerten läuft immer ein von Hegenberg gedrehter Film im Hintergrund. “Wir hatten aber auch schon Konzerte, wo wir aus technischen Gründen den Film nicht laufen lassen konnten und es hat aber auch so funktioniert”, ergänzt Bassist Manko.

Ihre Individualität beweisen Miumi auch in der Erwartungshaltung an ihr Publikum. “Ich habe keinen Bock darauf, dass Leute sagen `Ihr seid supergeil´, sondern lieber darauf, dass Leute zum Nachdenken animiert werden und sich zumindest für die Dauer eines Konzerts aus ihrem persönlichen Denken holen lassen”, betont Hegenberg. Ähnlich komplex wie ihre Lieder ist auch deren Entstehungsprozess, erklärt Manko: “Es beginnt eigentlich immer damit, dass irgendwer mit einem Beat in den Proberaum kommt. Dann wird vielleicht gejammt und rumprobiert und plötzlich hat einer von uns eine Idee. Langsam baut sich das Lied auf, dann meckert ein anderer und wir probieren, verwerfen, rekonstruieren so lange, bis es allen gefällt.”

Fünf dieser so entstandenen Lieder haben Miumi 2006 auf ihrer Debüt-CD “Blips” veröffentlicht. Die Akribie, mit der sie an ihren Liedern feilen, zeigt sich auch bei der Gestaltung der CD: Diese gleicht mehr einem kleinen Buch als einer normalen CD. “Die Verpackung haben wir komplett selbst gebastelt. Es ist uns wichtig, dass unsere CD gut aussieht”, sagt Manko. Für die Veröffentlichung haben sie sich bewusst keine Plattenfirma gesucht. “Wir wollen unabhängig bleiben und mit Menschen zusammenarbeiten, die an unsere Musik glauben und denen es dabei nicht vordergründig ums Geld geht”, erklärt er. Und Hegenberg fügt hinzu: “Wir können nicht den Anspruch haben, Kunst zu machen, nur um dann in die Tretmühle des Musikgeschäfts zu kommen.”

Ursprünglich am 5. Dezember 2008 im Wiesbadener Kurier erschienen.

appear distracted
the only way to move on
so much to flee from
lets call me bitter and old
250 milligrams of escape
more weeks of tv
as someone forgets my name
a brand new diet
a weeks vacation i saved
i’d better settle for settling in
you’ll see me happy
when all the bastards are dead
when counting heartbeats
means i am still alive

and all of a sudden this
insight crashes down
i’m all out of memories
they somehow wore out

who watches watchmen?
who takes control of your life?
so much to choose from
that i’ve got no choices left
stay well-behaved and
be good looking when you mourn
all with a surface
but certainly no within
talk of progression
no matter how hard you try
this disillusion will most likely get you too
you’ll see me happy
when all the bastards are dead
when counting heartbeats
means i’ve not given in

Die erste Spaces Platte ist endlich komplett erhältlich. Zuvor gab es immer mal kleine Leckerbissen zum Download, jetzt ist das Packet gebündelt und das ist formidabel.

Spaces können zwar durchaus ins Postrock Genre eingeordnet werden, heben sich allerdings auch deutlich vom dort ansässigen Durchschnitt ab. Weniger Wall Of Sound, dafür Bluesige Slides, Pink Floyd Gitarrensound, spacige Synthies, alles sehr versiert.

Selbst wer die CC-Flut an Postrock nicht für begrüßenswert hält, sollte dieser Veröffentlichung ein Ohr leihen. Ganz andere Kiste.

Die Platte gibt’s via Name-Your-Own-Price ab Null bei Bandcamp.

Download:

Spaces – Voyage

[via PRC]

Die letzte Finneyerkes Platte “Gather & Sing” über die ich hier schon einmal schrob, ist bis dato eine meiner liebsten Veröffentlichungen des laufenden Jahres, kommerzielle Veröffentlichungen mit eingeschlossen, mit denen die Jungs auf einer Arschbacke locker mithalten können. Matt hat sich im übrigen auch sowohl im Blog der Band als auch via Mail sehr liebenswert bei mir für meinen Post bedankt und seither ist ein recht netter Dialog entstanden, der mir auch die Leute hinter dem Synonym etwas näher gebracht hat.

Es hat sich so einiges getan bei Finneyerkes. Zwei neue Veröffentlichungen stehen in den Startlöchern, über die neuere erstatte ich zu späterem Zeitpunkt bericht, ich hab sie selbst heute erst geschickt bekommen, also wird sie wohl die Tage auch zum Download bereit stehen.

Das andere Teil heißt “Without End” und trifft für mich den Nagel damit schon auf den Kopf. Zeitlose Musik, Lautmalerei, die fernab von Spiellänge durch den Raum oszilliert ohne jemals auch nur annähernd zu belasten. Man baut auf das altbewerte Konzept auf. Keine Hektik, traumhafte langsame Melodien, jeder Ton sitzt. Zwischendurch ein paar gehauchte Sprachsamples, perfekt. Aber auch weiterentwickelt hat man sich, das wird schon beim ersten Titel “Elsie” klar, der nach knapp 6 Minuten Spielzeit in eine Wall of Synthie ausbricht.

Letzten Endes helfen hier aber Worte nicht weiter, anhören wäre die Devise. Für mich sind die Jungs die wohl zarteste Versuchung seit “The Earth Is Not A Cold Dead Place”. Viel Gefühl und Herzblut und das hört man doch gerne.

Download:

Finneyerkes – Without End