In einem Jahr mit 13 Monden (1978) / R. W. Fassbinder

after watching Rainer Werner Fassibinder’s In A Year of 13 Moons (1978) i wrote this:

you’d been striving so hard for your living.
and all of a sudden life messed itself up.
because you start wondering what you’re doing in this life.
what’s worth living for. why live. why not die.
and love. what is love.
all you need is recognition.
but people don’t understand.
they ignore. they don’t give a damn.
yes. why should they give a damn.
it’s none of their business.
my life to live. it’s my own business.
i should take care of it by myself.
there’re some lines from this movie impressed me very much.
about suicide. and death.
it’s not about being a coward.
but an affirmation to want a better life.
not the moment one’s living now.
a protest to the brutal reality.
that’s my thought, too.
let’s restart all over again.

my favourite "hanging scene" @ In einem Jahr mit 13 Monden (1978)

so i read this again and felt the same after 3 years.  i never grow. or the world is still hopeless. or me.

I stop off for two nights in Avignon en route for the Côte d’Azur. It’s a long journey from Annecy, made all the longer by the cancellation of my planned train and thus a hiccup in subsequent connection. I begin to suspect reverse culture shock following Japan. There’s a connection I’m told twice doesn’t exist, but as the train pulls out of the relevant station, I can see it announced on the board. A three and a half hour journey takes seven. Oh well, the scenery is pleasant enough from Annecy down into Grenoble. Mountains, oh how pretty, then shanty towns around the edge of underpasses, people living in sheds, crap estates, actual France, not the picture postcard.

Avignon itself seems built in two parts. There’s the old walled part of the city and then there’s what is beyond it. I don’t enter the beyond during those two days. I go to the Palais des Papes, wander up and around Rocher des Domes, go for lunch at Le Grand Café. I’m not sure this is the place that my friends in Haute-Savoie referred to, they suggested going for lunch in a place inside a modern art gallery. Is this it? Probably not.

My great pleasure upon sitting down is that I’m facing a large portrait photograph of Romane Bohringer. Now, Romane and myself have something of a history. Not an actual history, a quite imagined history. Romane first came to my attention in 1992  with Les Nuits Fauves, one of the first French films that had HIV/AIDS as a central theme. The subject matter was quite French, the chief protagonist (played by writer/director Cyril Collard who died of an AIDS-related condition in ‘93) was apparently torn between his gay and straight natures as well as his irrepressible desires. Not to mention his impending death. Basically, it meant for most of the film he shagged whomever he wanted and didn’t take any responsibility for how his actions might affect others, in particular the entirely passionate and smitten Romane.

It’s alright for some, I possibly thought, here I am in bleak loveless London, whereas in an imagined France a man can act like an utter bastard and have no problem finding women of such calibre. Years passed and Romane would pop up in other French films from time to time. Since these were blissful times before the internet saturated us with information, when facts about French actresses were dependent on magazine and newspaper articles (and you might well miss an issue and the relevant mention), I knew very little about her.

Romane’s star was possibly most ascendant in the UK around the time of L’appartement in ‘96, a film in which Vincent Cassel makes the idiotic mistake of choosing Monica Bellucci over Romane Bohringer. Oh, but Monica Bellucci, you say… I imagine a life with Monica would be very demanding. Aside from maintaining her in the custom to which she is accustomed, every single day of life would mark some slight decline in her appearance. Let’s face it, she looks great (a supermarket melon perfection) but her acting isn’t up to much. Whereas Romane seem to me to be much more of an artist, she worked with Peter Brook at a young age and, what I’m quite fond of, is that she has some mole on the side of her nose that has remained throughout her career, unlike the airbrushed lad’s mag perfection of Bellucci.

My idealised attachment with Romane was at its strongest around this time. I was living in the countryside in Japan and the local video shop had a surprisingly well-stocked back catalogue of French cinema. Rural isolation encouraged a quite wholesome and teenage fascination with Romane and eventually I wrote a short story on my return to London in which she played the role of a guardian angel, whilst the main story was about a resurrected Mithraic cult that was attempting to gain absolute power. I haven’t read it in ages, if you’re lucky, which might not be that much, it would probably read like Dan Brown reworking Iain Sinclair.

So, trying to get back to food here, as I sat down opposite the photo of Romane, I was reminded of all this. Romane and myself started with a simple olive tart and then treated outselves to an ox-cheek daube. It’s possibly a bit ambitious, I think, we’re (no, hang on, I am…) booked in for dinner in the hotel restaurant. But ox-cheek daube is one of the few French dishes I cook with any regularity and I’m keen to gauge my efforts against this local version. Well, the restaurant’s is good, but my mine is better. Phew. I don’t grudge the dish we’re eating though. It’s quite delicious and everything is swimming along with a 50cl carafe of local Côtes du Rhône.

Romane doesn’t say much. She looks great though. She’s been positioned next to another portrait of Catherine Deneuve. There’s a contrast. The restaurant is fairly quiet, some 70’s French hits play in the background, the waiting staff are fairly underemployed, there’s a relaxed laziness to the place, although I presume it would be quite busy in the summer months outside. Romane particularly appreciates dessert. I’m fond of women who eat food and she wolfs down the rest while my attention is distracted by an outburst of birdsong. I take my coffee out on the terrace.

I wander back towards the hotel, buy a winter cap, three books (the catalogue for the 1992 Fassbinder werkschau, an anthology of Bizarre – a review produced the Collège de ‘Pataphysique in the 50’s and 60’s – and the French translation of Yumeno Kyusaku’s classic Dogra Magra. Back at the hotel, I snooze off and wake up to a retrospective on tv of Marina Abramovic. I must be in France, I think, to be watching this at 4pm. I loll around, take another walk and pop into second-hand bookshop where I pick up two English books: one about Victorian women travellers and the other what appears to be a small selection of writings about Beau Brummel. I can read that over dinner I think…

Dinner is at La Vieille Fontaine where the chef is Bruno d’Angelis. I look for hotels when I’m in England, there’s an inclusive offer of dinner in the online package. Oh, why not, I think. I don’t often stay in fancy hotels, I don’t want more than a clean room, a bath and an internet connection. Bruno has his star. I am only realising now on searching that in fact this is the restaurant where Keith Floyd lunches (and then snoozes) in the recent Keith Allen documentary!

I’m feeling a bit jaded myself after lunch. Dinner should probably be a cheese sandwich and an early night. Instead, I’ve a four course seasonal mushroom tasting menu. Here’s what I ate:

Well, that’s no good, you say. I have to squint quite severely to read a word of that. It’s not a consciously bad photo. It is a photo I take as I’m standing waiting for a taxi to take me to the station the following morning. Like the other photos in this entry, it’s taken with a slightly aged mobile phone at all of 2.0 megapixels. But then, given my comments before, I wonder whether there isn’t a space left for “bad” photography when it comes to food, or perhaps no photography at all. But then, surely the writing needs to be up to par, make the food come alive. My notes of the evening don’t really help here. They are mostly concerned with:

1. Disappointment over Brummel book. It occurs to me upon reading that Brummel didn’t spend his time in Paris buying automobiles. The book in question, whilst enjoyable in its own ephemeral way, is a 1930’s guide to Paris for rich Americans with pertinent suggestions as to where they should spend there dollars on perfumes, shirts, hats and such. It’s not enough of a book to sustain me through dinner. The only available conversation in the otherwise empty restaurant is in Danish from the couple sat next to me. She dissects her lobster with the enthusiasms of a forensic gynaecologist.

2. The chairs. Chairs that are neither high-backed or armchairs. Narrow enough to grasp you around the waist, arms not quite high enough to rest your limbs upon, but quite capable of crushing your jacket. Brummel wouldn’t approve. You try leaning back, no, not much support there. They probably cost a bit. They prevent any form of relaxation. Or escape.

3. Darkness. The restaurant is excessively dark. There’s a chandelier that could be turned on but isn’t. How much of this darkness is because of Europe’s recent proscription on incandescent lightbulbs? A dimming of the day. A vision of our own decline. Time, gentlemen please…

4. The food is good, but for a mushroom themed menu, I’d like to see more mushrooms! At €90, there seems to be a need to tick certain ingredients to justify the price. In order: mushroom themselves, scallops, lobster, beef. I’d have preferred to eat rare and expensive mushrooms and forget about the rest. The scallops remind me just how badly they were cooked at Chez Didi, the tisane des carapaces with the lobster is rather astonishing, but I’m not sure it’s exactly food. The one thing that I don’t like is the jus au Merlot with the beef. It’s reduced beyond necessity, or more pertinently, beyond the point where it’s enjoyable to eat, rather than just admire as a potential oil painting medium.

When I get to my friends the next day, he asks about the meal. In conversational shorthand, I say that it was like an expensive call-girl. You could admire the technical prowess, the sheen of the stockings, the scent, the bag of tricks and moves designed to get the punter off just enough to get them keen to pay for extras. But, as I said, sometimes you probably really want Cheeky Mary down by the harbour. She has a humanity to her I couldn’t grasp in this meal. No kissing. Catherine Deneuve, possibly. Had I not eaten a large lunch earlier in the day, it probably would have sat better with me. The meal concluded, I walked upstairs to my room and lay down on the bed where I passed a fairly sleepless night, digesting, digesting…

It’s the sort of restaurant I can remember visiting with my father during childhood. We’d go on these family holidays to France that would often include a few meals at places that he’d chosen from a French Michelin guide. I don’t remember enjoying them then. The ghost of my father haunts me vaguely at such times and he certainly inhabits me when I look at myself in the mirror. Not so much the face, the stomach, whether larger or smaller. Just as I watched his girth expand and contract many times over the years.

At around 4am, I awake to an overly long psychedelic sequence in a Western called Blueberry (with Vincent Cassel, natch) and make a spectacular and profound evacuation. I feel much better after that.

When I get home to the UK, there’s an email from Lastminute.com. Here’s the picture:

What on earth is that? They look like wind-up false teeth. They march across the plate, snap at your fingers, extrude a beetroot maw. Turn up the saturation. Only £19. Where are we eating? It’s a michelin star place, lower case, you get food that looks, well, it looks very clever. It’s £19. Do you want to go or not? Well, what’s it all about? It’s fucking michelin star, what more do you need to know? That means it’s proper. I don’t know, I quite fancied the Turkish down the road. What is your problem? Thierry Henry doesn’t eat at the Turkish, Peaches Geldof doesn’t eat at the Turkish. They eat michelin star. Do they? Yes and it’s only £19. It’s also very pink. Come on, £19! What can you get at the Turkish for that? Well, a meal for two for a start. Or, you could have the mixed grill and a couple of beers. But I don’t see how anyone ever manages the mixed grill, it’s enough meat for a family of four. There’s a photo of Patsy out of EastEnders. She must have eaten there. And Martin Jol. They’re friendly in there, they even know our names now. That time we forgot the wallet, they let us come back and pay the next day. Still gave us baklava to take home. Do they do baklava at michelin star? They do petty fours, which are a bit like chocolates, except they’re not always. Not always like chocolates? Yes, they’re like dreams and aspirations spun from sugar and culinary talent that tell us that we have arrived. Where have we arrived? We have arrived in the world and are here and looking at people and people are looking at us and all is well with ourselves reflecting through and around other people. Blimey. And so on.

Ali: Fear Eats the Soul (1974)

Dir. Rainer Werner Fassbinder

From Fassbinder’s lovely and haunting quasi-adaptation of Sirk’s All That Heaven Allows, this is an exposure of a relationship at its rawest and most revealing, one that never shies away from one of Fassbinder’s most coveted topics; the queer relationship through melodrama.

Anna Karina, Godard’s muse – Another one of Godard’s iconic actresses, Karina was born Hanne Karen Blarke Bayer in Copenhagen and then emigrated to Paris at the age of 17. She began modeling, and then moved on to acting with many of cinema’s greatest talents – most notably in Jean-luc Godard’s films during the 60’s, but she’s also worked with Rainer Werner Fassbinder, Jacques Rivette, George Cukor, and Agnes Varda, among others. The video posted above is a great little piece on Karina, combining a few interviews with her and others, and even shot in a very nouvelle vague manner. If you’re suffering from those post-Halloween blues what better way to forget them than with Karina’s gorgeous mug?

“Zapping-Alien@Mozart-Balls” é dirigido pelo ator austríaco Vitus Zeplichal que estreia na direção aos 62 anos. Vitus foi um dos atores mais assíduos dos filmes de Rainer Werner Fassbinder. O filme, um misto de comédia e ficção científica, acompanha a jornada alucinante de Joe, um publicitário sem dinheiro que aceita um trabalho da senhora Diabo, tia de sua namorada, para desenvolver um novo jogo de computador que estimule o consumo de drogas.

serviço

o quê: Zapping-allien@mozart-balls (Alemanha/Áustria, 117 min)
quando: 27 de outubro, às 20h.
onde: Centro Cultural São Paulo
endereço: Rua Vergueiro 1000 – Paraíso
telefone: (11) 3397.4002
entrada: gratuita
classificação: 14 anos
informação: www.centrocultural.sp.gov.br

For more on Mr. Fassbinder.

O ator e diretor Ulli Lommel, responsável por vários cults e tosqueiras estará prestigiando o ciclo que o CCBB dedicará a Rainer Werner Fassbinder.

FILMES LIBERTAM A CABEÇA – O CINEMA DE RAINER WERNER FASSBINDER

Polêmico, escandaloso, contestador, mas acima de tudo um genuíno artista de cinema, Rainer Werner Fassbinder é um dos cineastas mais celebrados do mundo.

Figura de proa do chamado “Novo Cinema Alemão” dos anos 70, ele realizou, numa carreira de menos de 20 anos, um total de 38 longas-metragens e uma minissérie (além de curtas e um episódio para filme coletivo).

Sua obra mais conhecida é Berlin Alexanderplatz, adaptação do romance homônimo de Alfred Döblin. É uma série em 14 episódios feita para a TV alemã, na qual Fassbinder sintetiza todas suas principais preocupações como cineasta.

É uma das raras oportunidades de poder assistir Berlin Alexanderplatz na versão restaurada, em 35mm. Também estão presentes na mostra vários filmes raros e importantes na carreira de Fassbinder, como “O Direito do Mais Forte a Liberdade”, “Despair” e “Roleta Chinesa”, inexistentes em DVD e há muito tempo não exibidos na cidade.

A mostra conta, ainda, com a presença do ator e diretor Uli Lommel, que atuou em 14 dos filmes de Fassbinder, entre os quais Effi Briest, Whity e O Amor é Mais Frio Que a Morte, todos em exibição.

De 21 de outubro a 8 de novembro  – Entrada franca - Senhas distribuídas na bilheteria do teatro uma hora antes de cada sessão.

CONFIRA AQUI A PROGRAMAÇÃO

// Israel/Palestine: Oktoberfest in Palestine.

// Germany: Antisemitism on stage: Fassbinder’s late appearance. Politics or Pathology? Review of The Baader-Meinhof Complex. To Whom Honor is Due: A disgraceful capitulation.

// UK: Nick Griffin denies Iranian nukes.

// US: Crummy student occupations.

// From the archive: 1. Unweaving The Tangle: Zionism, Anti-Zionism, Antisemitism. 2. On antisemitism and Indymedia: a follow-up.

// Other variousnesses: Roland’s. Bob’s.

Friday nights after 7pm, admission to the Rubin Museum of Art’s galleries are free. CabaretCinema at the Rubin Museum of Art is every Friday at 9:30 p.m. The theater is set with cabaret tables and chairs and the audience is able to bring their drinks down from the K2 Lounge bar. The fall series takes inspiration from Jungian themes to mark the first-ever exhibition of C.G. Jung’s legendary Red Book. The film schedule runs October 9 – January 29.

October 9
Belle de Jour
Luis Buñuel, USA, 1967 (101 min)
Introduced by National Book Award winning poet Mark Doty.

October 16
The Bitter Tears of Petra von Kant
Rainer Werner Fassbinder, Germany, 1972 (124 min)
Introduced by humorist Frank DeCaro.

October 23
Bad Education
Pedro Almodóvar, Spain, 2004 (106 min)

October 30
Lilith
Robert Rossen, USA, 1964 (114 min)
Introduced by film critic J. Hoberman

November 6
The Tales of Hoffmann
Powell/Pressburger, UK, 1951 (127 min)
Introduced by three-time Oscar winning film editor Thelma Schoonmaker.

November 13
J’accuse
Abel Gance, France, 1919 (166 min)
Introduced by American comics artist Kim Deitch.

November 20
Vampyr
Carl Theodor Dreyer, France/Germany, 1932 (73 minutes)
Introduced by fantasy novelist Ellen Kushner.

November 27 (8 p.m.)
Star Trek: ‘The Enemy Within’
1966 (50 minutes)
Introduced by graphic novelist Bob Fingerman.

December 4
Dr. Jekyll and Mr. Hyde
Rouben Mamoulian, USA, 1931 (96 min)
Introduced by writer Michael Rips

December 11
Repulsion
Roman Polanski, UK, 1965 (104 min)
Introduced by Pulitzer-award winning dramatist Doug Wright

December 18
In a Lonely Place
Nicholas Ray, USA, 1950 (94 min)
Introduced by experimental filmmaker Ken Brown

January 8
L’eclisse
Michelangelo Antonioni, Italy, 1962 (125 min)
Introduced by novelist Percival Everett.

January 15
Blue Velvet
David Lynch, USA, 1986 (120 min)
Introduced by Nick Antosca, a contributor to Brain Press’s forthcoming anthology Brain on Lynch.

January 22
The Face of Another
Hiroshi Teshigahara, Japan, 1966 (124 min)
Introduced by filmmaker Harris Smith

January 29
Jacob’s Ladder
Adrian Lyne, USA, 1990 (115 min)
Introduced by writer and comedian Arie Kaplan
Arie Kaplan will sign copies of his books 8:45 – 9:15 before the screening.

Rubin Museum of Art
150 West 17th St.
New York
212.620.5000
Compiled from the Rubin Museum of Art Website

Lia Chang is an actor, performance and fine art botanical photographer, and a multimedia journalist. She has been documenting her colleagues and contemporaries in the arts, fashion and journalism since making her stage debut as Liat in the National Tour of South Pacific, with Robert Goulet and Barbara Eden. She is currently working on several botanical portrait commissions for the New York City Health and Hospital Corporation Art Collection and on a book of portraits of her favorite Asian American men in the arts and space. She is the New York Bureau Chief for AsianConnections.com.

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Sitcom: Roman Polanski is forced to share a cell with Charles Manson. Through turns so horrifying and hilarious it hurts, the bedfellows find they have more in common than their short stature. It’s a strange world after all. That’s what the Disneyland ride says, anyway. The one that opened that same August night back in 1969–the haunted mansion.

It was forty years ago tonight, Charlie Manson taught his band to fight.

Does Roman P regret drugging the girl? Does he regret raping her? Does he regret the shit out of gettin on that plane to his own fucking film festival?!!! Hey Switzerland, that’s not very neutral of you! Go make a fucking cuckoo clock. Because when the clock strikes 13, I want to hear that minah bird telling me the fucking score. Cuckoo Cuckoo!!!

Oh, these acts are so unspeakable I just can’t shut up about them! I guess the reason words like “sssssssodomy” feel so fucking good coming out of my mouth and into your ear is because they remind me of the bible stories of my youth. Sodom, now there’s a city to sit back and grow old in! Sodom, Gomorrah, Oz, Wonderland, …Hollywood.

Fame is the game. The fame of a crime must die before the crime dies. This year the parole board let Manson girl Squeaky Fromme out, while Gerald Ford’s less famous would-be assassin Sara Jane Moore only had to wait one year after the ex-president’s death. Charlie would have to die before parole politics smiles on any of the “family.” In September, terminally ill Manson girl Susan Atkins didn’t have a leg to stand on. Pun intended. The one-legged, nearly vegetable, born-again Christian version of Atkins was unable to even appear before the parole board. Tell me, tell me, tell me the answer, I may be a killer but I got brain cancer!!! Well, the answer was no, and three weeks later Atkins was dead. She had been the longest-incarcerated female inmate in the California penal system.

Somebody buy me a drink. You see, I believe in justice (gettin justas drunk as I can), and tonight I’m drinking just to catch up with life’s drunken fate. This year also saw girl group producer Phil Spector begin serving his sentence for murdering a B movie star in Corcoran’s special unit. Charlie slipped Phil some fan mail through a gaurd and proposed collaborating on some music. Spector was horrified and was quoted as saying, “I used to pick up the phone and it was John Lennon or Celine Dion or Tina Turner, and now Charles Manson is trying to get a hold of me!” Spector, who is also quite diminutive, should probably get over himself and get to work with Charlie. But even if they wanted to explore the “wall of sound” prison has to offer, they couldn’t do much without any instruments. Your freedom of expression is locked up too on the inside. Should Corcoran Correctional allow Charles Manson to have his guitar on the inside? Should Corcoran Correctional allow Phil Spector to wear his wig on the inside? Should the two be allowed to make Phil’s greatest record since “He Hit Me And It Felt Like a Kiss?”  So many questions. Oh poor Charlie. Snubbed again! This time by Phil! Now he sits in his lonely cell.

Until little Roman comes along! Charlie wants to let bygones be bygones and proposes writing a film project together based on his life story, but Roman is reluctant. One night in prison, Charlie creepy crawls through the backdoor in Roman’s mind and the director has a bad dream…

In the nightmare Sharon and Susan Atkins are reunited in Heaven where they too now share a cell for all eternity! Sharon remembers sitting in her bra and panties chit-chatting with her exboyfriend sometime between midnight and thirteen o’ clock. Her instinct when the stranger stopped in the hallway and peered blankly into the bedroom, was to simply smile and wave to her. And old Sexy Sadie remembers waving back. After reporting back to Tex Watson, who was busy doing the devil’s business in the living room, Atkins returned to the bedroom with her new orders. When it was all done, she looked at the globe-like belly of the beautiful corpse noosed up to her equally bloodied triple X exboyfriend. Behind the bodies there was a couch with old glory draped over it, creating a scene worthy of a postcard.

Life is a series of pregnant pauses and miscarried noise.

For a moment, Atkins considered taking her knife and removing Sharon’s baby to bring it back to Charlie as a present. But that proved to be too much work even for the devil.

Bartender, pour me some more Jesus juice.

How old would Sharon’s baby be today? Old enough to legally fuck. And how old is Rosemary’s Baby now? Timeless, goddamn it. You see, I believe the children are our future, and the future is looking hot!

This is true, Roman only had one suspect for the cops–Papa John Phillips of the Daughtas and the Papas. There’s no honor among pedophiles. Well that’s not true, Woody Allen’s already signed a petition in favor of Roman Polanksi. Say whatever happened to Rosemary’s baby girl? Yeah, I’m talking to you, Soon-Yi. You’re not a little girl anymore. Did you adopt a daughter so Woody has something when he can no longer get a woody for your stagnant ass? Woody Allen–now there’s a pedophile who takes care of you after an inappropriate photo shoot. One of the highest paid child molesters? Not sure. Certainly one of the biggest Jews.

Roman P’s victim, Samantha G, wrote a piece in support of his holocaust movie Oscar nomination in 2003, in which she said, “honestly, the publicity surrounding (the trial) was so traumatic that what he did to me seemed to pale in comparison.” Will the media camp out on her family’s lawn waiting for some footage of her crying? Will Oprah ask her, “How did the incident affect your relationships as you grew up?” Will we all read between the lines and translate the question as–”So, how many times have you been fucked up the ass since then?”

Yeah, you can’t wait. You’re the same middle aged housewives afflicted with moral elephantitis who refused to accept Fatty Arbuckle’s acquittal in 1921. Just turn off To Catch a Predator, stop shaving your crotch for your barely legal subscribing boyfriends, dry your fucking panties, and try to focus on your own boring lives.

The apocalypse will be televised! And you’d rather sit at home watching it with some popcorn, nodding your head in disbelief, than look out your fucking window, or just look in the mirror and see it all for yourself. Some folks wouldn’t recognize the apocalypse without a little dramatic anchor commentary.

But the critic says that there are no heroes, there are no villains, and even the victims are comic. So I say free Roman! Fuck, free Charlie while you’re at it. But somebody please lock up Oprah.

Suddenly it’s just me and the bartender. The place is pretty big I realize, sitting down with my Jesus juice. It’s completely silent except for the ringing in my ears. The bartender says he cried all day after hearing the news about Michael Jackson and tells me about some internet rumor that the pop star faked his death and is living in some kind of fortress of solitude to wait out the apocalypse of 2012. It’s probably true that if you have trouble surviving a pre-apocalyptic world, you start preparing, and even longing, for a post-apocalyptic world. It’s not much different than the afterlife sold to peasants but I don’t know where anyone got the idea that the apocalypse will be sudden and quick. It could be never ending, and it could have been going on for a long long time now. Some folks wouldn’t know the apocalypse if it fucked them in the ass.

I think about Michael, the child star of the 70’s, the idol to children everywhere in the 80’s, the accused child molester of the 90’s, and the dead man-child of 2009. When he danced the moonwalk it was seen on TV by more people than when a man walked on the moon back in 1969, only weeks before Charlie taught his band to fight. And for a moment, just as many people questioned whether or not what they were seeing was real. He walked backwards but appeared to walk forward. He was black but he appeared to be white. He was a man who appeared to be a woman. He was a real person who appeared to be a television personality. And he was a sinner who appeared to be a saint.

Bartender–Shirley Temple, and a half a lude too, in case things get lewd.

In 1968, a year before the moon landing, Stanley Kubrick unveiled his epic space odyssey. Well, 2001 came and went, with no fetus growing in the womb of outer space. But I was at a discotheque and I swear I saw those big blue eyes peering back from inside the mirror ball just before it came crashing to the floor. You see, the children are our future, and the future is looking scolding hot right now.

I think of little Alice Liddell who went chasing rabbits through Lewis Carroll’s looking glass. And I think of Carroll’s rumored pedophilia. “Go ask Alice, I think she’ll know. When logic and proportion have fallen sloppy dead. Remember what the dormouse said–Feed your head, feed your head…”

Meanwhile… Nazi deputy master Rudolf Hess was on a secret mission that night. The loneliest soul in Spandau was up for harmonic conversion. He hadn’t answered Charlie’s letter. He wasn’t in a writing mood. Shit, he didn’t even leave a note before they put the noose around his neck and made that suicide happen! Well, he’s in Heaven with Roman’s mommy now. And there was a buzzing in the prison garden, but it wasn’t a bee. You see, the radio had been left on, and the radio was still playing 1943… Letter or not, Charlie got his response, loud and clear– “Abraxus.”

Over and out, Rudy. Okay now, you been in prison longer than anyone else, Charlie, AKA Riff Raxus. But Roman’s got a year on you and he’s been in and out of the prison of his mind all the live long day. That reminds me, I used to have these striped pajamas that I’d wear as a scrawny little child. My father called me “Aushwitz” when he tucked me in. Thanks for the bedtime story, old man. “Like the fairy tales you tell children so they are better equipped to handle their lives as people buried alive,” a famous director said to me in his thick sultry German voice before he did a line off my deep six. That was the last time I saw him buried alive.

There’s still plenty of fairy tales and bible stories to be made into movies, but they won’t be made by Roman P, they’ll be made by McG, and they’ll be starring you and me. But hey, there’s more than one way to kill a couple hours or three, right? But if it all adds up to a lifetime you’ll have to help me with my arithmetic, people. Like all good truants, I missed 3rd grade math. Guess I didn’t like the way the teacher looked at me. 

Reality just ain’t what it used to be. Or as the boogeyman formerly known as Charles Manson said, “A long time ago being crazy meant something. Nowadays everybody’s crazy.” Amen, brother Charlie, Amen… ahem, ahem, hmm, …hmmmmmm.
 
Bartender, make my next one a double.

Well, you’ve all seen The Tenant, let’s torture that little Jew until he does it himself.

Charlie wept… “We’re not in Wonderland anymore, Alice.”

Copyright 2009, Gib Strange, copywrong as well.

Über Fassbinders „Der Müll, die Stadt und der Tod“

Wieder einmal gibt es Streit um ein Theaterstück, und zwar um Fassbinders „Der Müll, die Stadt und der Tod“ von 1975, das im Rahmen einer Fassbinder-Trilogie von Roberto Ciulli heute am „Theater an der Ruhr“ aufgeführt werden soll. Schon einmal brach 1985 anläßlich der Erstaufführung am „Schauspiel Frankfurt“eine heftige öffentliche Debatte um jenes Stück los, die bis in den Feuilletons hohe Wellen schlug, ging es doch um nichts weniger als den Vorwurf des Antisemitismus, der gegen Fassbinders Stück erhoben wurde: Inwiefern bedient dieses Stück antisemitische Klischees und inwiefern reproduziert es sie (gewollt oder ungewollt)?

Kritiker meinten in der Figur des „reichen Juden“, der sein Geld als Immobilienspekulant verdient, Ignatz Bubis zu erkennen. Die Bezüge zu Frankfurt und den Häuserkämpfen der 70er Jahre, wenngleich im Stück niemals direkt ausgesprochen, sind deutlich abzulesen, und in einem „Offenen Brief“ zu diesem Stück spricht Fassbinder ganz klar davon, daß die Vorgänge in Frankfurt/M ein Vorbild für den Text lieferten. Die Proteste gegen dieses Stück gingen so weit, daß 1985 die Premiere von Zuschauern unterbrochen wurde, die empört die Bühne besetzten. In deutschen Theatern wurde das Stück bisher nicht aufgeführt, sieht man, laut Wikipedia, von einer Amateur-Aufführung 1979 in Bochum einmal ab.

Aber wie ist das nun, wie verhält es sich mit dem Text: Steckt darin ein gehöriges Maß an Antisemitismus, ist er antisemitisch? Das ist nicht ganz einfach zu entscheiden, und man begibt sich auf heikles Terrain. Ausweichend kann man sagen: Ja und zugleich nein, denn die Figuren und ihre Bezeichnungen zeigen eigentlich deutlich, daß hier mit Stereotypen, mit irrealen Figuren und mit Funktionsträgern gespielt wird; da tauchen dann neben dem „reichen Juden“ „Marie-Antoinette“, „der kleine Prinz“, „der Zwerg“, Hans von Gluck“ „Oscar von Leiden“ auf: Stilisierte Figuren. Die Namen der Prostitierten-Riege sind da schon eher der Realität entnommen: Spitznamen, wie sie milieubedingt vergeben werden. Da heißt dann die eine „Asbach-Lilly“ oder „Miss Violet“. Auch die Sprache der Figuren ist eine Kunstsprache, sie geht teils in Jamben vonstatten, es herrscht ein Versmaß, wie man es nicht vermutet hätte und wie es zu der schmutzigen unheimeligen Atmosphäre des Stückes kaum paßt.

Doch dann gibt es die problematischen Stellen, wo es wunderlich wird:

„DER REICHE JUDE (…) Ich kaufe alte Häuser in dieser Stadt, reiße sie ab, baue neue, die verkaufe ich gut. Die Stadt schützt mich, das muß sie. Zudem bin ich Jude. Der Polizeipräsident ist mein Freund, was man so Freund nennt, der Bürgermeister lädt mich gern ein, auf die Stadtverordneten kann ich zählen. Gewiß – keiner schätzt das besonders, was er da zuläßt, aber der Plan ist nicht meiner, der war da, ehe ich kam. Es muß mir egal sein, ob Kinder weinen, ob Alte, Gebrechliche leiden.“ Und zum Schluß dieser Szene dann dies: der reiche Jude und Roma B, die von ihm gekaufte Prostituierte, tanzen ein Menuett zum Gesang des Liedes „Auf der Mauer auf der Lauer sitzt ne kleine Wanze …“.

Das ist schon sehr grenzwertig. Selbst wenn man wohlwollend konstatiert, daß es sich um ein uneigentliches Sprechen handelt. Doch ganz gleichgültig, ob einem diese Passagen nun gefallen oder nicht, so muß nach ihrer ästhetischen Wertigkeit gefragt werden und danach, was diese Passagen motiviert. Zunächst einmal ist festzustellen, daß hier nicht nur gängige Klischees reproduziert werden, sondern die Sätze selbst sind klischeeartig, ob als bewußtes Mittel eingesetzt oder unbewußt, das sei dahingestellt. Die immergleich Reihe der Mächtigen, die Mechanismen der Macht. Der ästhetischer Wert solcher Sätze ist begrenzt; selbst wenn man sie persiflierend liest: gelungen und gekonnt ist das nicht, weil sich das Klischee lediglich doppelt, ohne daß hier ein Mehr erzeugt wird; das, worüber gesprochen wird und die Sprache, die darüber spricht, sind identisch. Es klappert und polittrompetet in solchen Sätzen im Stück bei Fassbinder doch arg wie an den schlimmsten Stellen bei Brecht oder Sartre. Allerdings: Auch wenn die Figur bei Fassbinder nicht „der reiche Jude“ hieße, sondern „der reiche Spekulant“: diese Sätze und diese Art, wie die Mechanismen urbaner Verwüstung dargestellt werden, wären genauso mißlungen, und ihr Inhalt wäre, trotzdem, immer noch richtig, wenn man es als politisches Pamphlet liest. Es gibt urbane Verwüstungen, es gibt diese Unwirtlichkeit unserer Städte, es gibt diese Korruptionsschiene der Macht; sicherlich, ja, wir wissen es. Gelungen ist Fassbinders Stück an anderen Stellen. Dort, wo es sich politisch gibt, kippt es ins Lehr- und Thesenstück ab.

Insofern ist der „reiche Jude“ dann doch ganz geschickt und auch provokant eingesetzt: er übertüncht manche seichte Stelle des Stückes, und der Zuschauer muß sich nun mit anderen Sachen abgeben. Eigentlich entfaltet das Stück seine Provokation auf Umwegen erst durch den Juden. Wäre es nur der „reiche Spekulant“ gewesen, es hätte kaum eine solche Resonanz in der Öffentlichkeit gegeben.

Vieles in dem Stück ist Provokation und stilisiert, manchmal sogar recht gelungen, was etwa die Schilderung des Milieus und der Sexualität betrifft, so hat Fassbinder da ein gutes Händchen. Das Überzeichnete zeigt sich etwa in jenem Vater der Prostituierten Roma B, der im Dritten Reich Menschen umbrachte und nun als Transvestit auftritt. Das ist nur noch grotesk, hat mit Realismus kaum etwas zu schaffen. Insofern sollte und darf man viele Dinge in diesem Stück nicht „eins-zu-eins“ nehmen. Etwa wenn es einige Stellen später hießt:

„HANS VON GLUCK Er saugt uns aus der Jud. Trinkt unser Blut und setzt uns ins Unrecht, weil er Jud ist und wir die Schuld tragen. (…) Und Schuld hat der Jud, weil er uns schuldig macht, denn er ist da. Wär er geblieben, wo er herkam, oder hätten sie ihn vergast, ich könnte heute besser schlafen. Sie haben vergessen, ihn zu vergasen. Das ist kein Witz, so denkt es in mir.“

Hier ist die Sache eindeutig. Es handelt sich um ein Figurensprechen, wie es in der Kunst nun einmal praktiziert wird; Fassbinder führt das Sprechen des gewendeten Nachkriegsantisemiten vor, der sich zuweilen (siehe die Bild-„Zeitung“ damals) als Philosemit tarnt. Es fließt in solchen Momenten das aus, was im Verborgenen gedacht wird, die wahre Meinung, die nun endlich einmal – im geeigneten Rahmen versteht sich – ausgesprochen werden darf. Solche Sätze sind grausam, sie betäuben. Und genau das sollen sie auch. Sicherlich sind sie wenig subtil. Aber darauf kommt es in diesem Zusammenhang auch nicht an. Wenn es um die Sexualität und den Faschismus geht, da ist Fassbinder so wenig subtil wie Pasolini etwa in seinen „120 Tagen von Sodom“.

Natürlich, so läßt sich als Einwand vorbringen, kann ein Autor auch durch seine Figuren Dinge aussprechen, die er sich sonst nicht trauen würde. Aber dieses Argument ist eher lahm. Man müßte in einem solchen Falle Fassbinder schon direkte antisemitische Äußerungen nachweisen, damit das zieht und trifft. Auch sein „Offener Brief“ von 1976 ist eindeutiger Natur: Es gibt Antisemitismus in der Gesellschaft, und es gibt auch Juden, die sich die Mechanismen des Kapitalismus zunutze machen. Solches Verhalten wie das des „reichen Juden“ jedoch tangiert nicht die Grundstruktur dieses Kapitalismus, denn es wird hier nicht vorgebracht, daß Kapitalismus ein Phänomen sei, welches auf dem Judentum beruhe.

Zudem muß man sehen, daß ein Theaterstück doch sehr an seiner Inszenierung hängt. Man kann einen Text so oder anders lesen. Da läßt sich durch einen guten Regisseur einiges an einem eigentlich schlechten Text tilgen, deshalb also, so nebenbei, ein Lob auf das gekonnte Regietheater. Manches Brecht-Stück lebt nur durch seine Inszenierung. So mag es auch diesem Fassbinder-Text ergehen, der teilweise geniale Momente, leider aber auch manche Plattitüde bereithält.

Abschließend können wir nur von Glück sagen, daß in der Theater- und Schreiblandschaft nicht irgendwo der „mordende Moslem“ als Figur auftaucht, genauso als Klischee gezeichnet wie der „reiche Jude“. Die Empörungsmaschinerie einer bestimmten Linken wäre plangemäß-pflichtgemäß angesprungen. E. Jelinek hätte dazu eines ihrer immergleichen Polit-Theaterstück geschrieben, den Zeigefinger gibt‘s gratis dazu. Die vielfältigen Richtungen des politischen Islam würden ihre Mitglieder pflugs instrumentalisieren und mobilisieren, innerländisch sowie in Ländern, wo es ansonsten keinerlei Demonstration geben darf, tauchten plötzlich Tausende auf der Straße auf, um Feuerchen auf Fahnen zu entfachen, um politischen Druck auszuüben. Die westliche (Selbst-)Zensur beim Karrikaturenstreit mag da einen Vorgeschmack abgegeben haben, wie so etwas funktioniert.

Es sei jedoch Dank: In Fassbinders Stück sind es zum Glück nur Juden. Beim Antisemitismus tut sich ein Teil der Linken leider eher schwer. Aber das steht auf einem anderen Blatt.

Zumindest aber rechtfertigt auch der berechtigte oder unberechtigte Antisemitismusvorwurf gegen ein Stück keine Zensur oder zwangsweise durchgeführten Boykott mittels Blockaden. Zumal es explizit in diesem Stück schwierig zu entscheiden ist. Ich halte es nicht für antisemitisch, es ist jedoch grenzwertig, und ich kann die Empörung insbesondere der Jüdischen Gemeinde sehr gut nachvollziehen. Solche Sätze gerade in Deutschland zu hören, ist ein Schlag in das Gesicht, wenn man es unmittelbar und direkt nimmt.

Aber das Stück muß endlich gespielt werden, trotz alledem, sei es nun gut oder schlecht, antisemitisch oder nicht. Die Beurteilung nicht nur des Textes, sondern auch der Inszenierung obliegt dem Publikum. Wichtig zumindest ist, daß darüber gesprochen werden kann und daß es eine Öffentlichkeit gibt, die darüber urteilt und diskutiert.

Estoy preparado pero no sé para qué … HANDS UP!

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DUAS VERSÕES DE UMA MESMA RESENHA

“E Franz começa a observar a cidade como um cão que perdeu o rastro. Que cidade é esta, que cidade gigantesca, e que vida, que vida já levou nesta cidade….”

    Apesar das qualidades da pioneira tradução de Lya Luft (lançada em 1995), a nova versão de Berlin Alexanderplatz, feita por Irene Aron, é realmente admirável, vibrante, colocando o leitor brasileiro atual no coração do projeto literário que norteou essa obra-prima de Alfred Döblin publicada em 1929: “escrevei como sempre, sem plano, às cegas, sem diretrizes, construí uma fabula, a linha era: o destino, a movimentação de um homem até então fracassado. Podia confiar na linguagem; a linguagem falada de Berlin, podia criar a partir dela… Dizem que imitei o irlandês Joyce. Não tenho necessidade de imitar quem quer que seja. A linguagem viva que me rodeia é suficiente para mim… O simples operário dos transportes, Franz Biberkopf, falava como berlinense e era um ser humano…”

    Biberkopf nos é apresentado como um indivíduo que pode ser repulsivo ou cativante, é questão de gosto: grandalhão (“forte como uma cobra naja”), glutão e beberrão, espancou até a morte a amante a quem cafetinava. Depois de cumprir sua pena, tenta levar uma vida “decente” na Berlim dos anos 20, assolada pela inflação e ainda amargando a derrota na Primeira Guerra, vendendo jornais. Sempre traído, envolve-se com os membros de uma quadrilha, e após um assalto (do qual participou incautamente) é atirado de um carro em movimento, perdendo um braço.  Nem por isso desiste. Acolhido por antigos amigos, arranja nova amante, Mieze, a qual é assassinada pelo mesmo homem (Reinhold) que fizera dele um aleijado.  Uma vida de lúmpem (aquela camada da sociedade abaixo dos proletários), misturando o naturalismo, na sua panorâmica urbana, e o expressionismo tipicamente alemã, na sua deformação dos dados da realidade, hipertrofiada ao ponto do pesadelo, de uma forma ironicamente “épica” (como será também o teatro poderoso do amigo de Döblin, Bertolt Brech). Veja-se a narração “épica” de uma refeição:

‘tem diante de si um prato fumegante de bife rolê, molho e batatas e está prestes a engolir tudo aos bocados… corta, amassa sua porção e empurra-a na boca, rápido, uma garfada, mais uma, mais uma, mais uma e, enquanto trabalha, para dentro, para fora, para dentro, para fora, enquanto corta, amassa e devora, fareja, saboreia e engole, seus olhos observam, seus olhos examinam a sobra sempre menor no prato, vigiando-o por todos os lados como dois cães raivosos… Pronto, agora terminou, agora se levanta, molenga e gordo, o sujeito limpou o prato, agora só falta pagar… Então o sujeito gordo sai, resfolega, afrouxa o cós da calça para dar mais lugar à barriga. Carrega no estômago um bom quilo e meio só de comida. Agora começa a função em sua barriga, o trabalho, agora a barriga tem o que fazer com tudo o que o sujeito mandou para dentro. Os intestinos se mexem e remexem, giram e rodam como minhocas, as glândulas fazem o que podem, expelem seu suco naquela coisa, esguicham como os bombeiros, de cima escorre a saliva, o sujeito engole, o líquido flui para os intestinos, ocorre a investida sobre os rins, como na semana de liquidações das lojas de departamentos… É assim que caminha o mundo”.

         Mas não é à toa que se fez o paralelo com o autor de Dublinenses e Ulisses (“Quando eu escrevia a primeira parte do livro não conhecia Joyce. Mais tarde, sua obra encantou-me… Uma mesma época pode dar ensejo a coisas parecidas e até mesmo iguais em lugares diferentes, independentemente umas das outras. Não é difícil de compreender”). Afinal, aqui encontramos os mais diversos e criativos recursos estilísticos, não apenas a oralidade, a linguagem das ruas, o desbocamento. Há a inclusão de noticiários, reclames, de montagens cinematográficas, formando um “mosaico” urbano fabuloso, no qual também abunda a paródia, inclusive a de muitos trechos bíblicos, caso do “Eclesiastes”: “Cada coisa qualquer coisa tem seu tempo e todo propósito sob o céu tem sua hora… Cada coisa tem seu tempo. Por isso percebo que não há nada melhor do que ser alegre…”

    O Biberkopf de Döblin pode ser tomado, com sua boçalidade, sua truculência, como  um ainda brando precursor de Moosbrugger, o sociopata que fascinava o protagonista do admirável Homem sem qualidades, de Robert Musil. Só que Biberkopf parece incapaz, na sua mediocridade, de chegar aos extremos, de liberar totalmente sua monstruosidade latente. Ainda chafurda num sentimentalismo tosco que o leva a ficar sob a ambígua influência de traiçoeiro Reinhold, responsável pela perda do seu braço e pela morte brutal de Miese, na intriga que domina a parte final do romance e que levará o anti-herói ao hospício, como acontecerá também com o protagonista de O tambor, a obra-prima profundamente döbleniana de Günter Grass.

      Será preciso a chegada do nazismo para liberar o que está reprimido na massa de lúmpens que povoam o livro, essas pessoas despolitizadas, subempregadas ou francamente excluídas, quando não imersas na criminalidade, que se tornarão uma terrível massa de manobra,aquelas multidões que compõem o espetáculo do fascismo.

(versão completa da resewnha publicada em 29 de setembro de 2009)

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O ANTI-HERÓI DE UM AUTOR DEMOLIDOR

   Péssima e inadequada, a capa escolhida para a tradução de Berlim Alexanderplatz, de Alfred Döblin, nos mostra um homem colocado diante de um céu carregado. Temos, então, o estereótipo do ser humano angustiado, como se fôssemos aqueles heróis gregos, prometéicos, lutando contra a fatalidade.

    Nada disso tem a ver com Franz Biberkopf, o anti-herói do livro de Döblin, publicado em 1929. Biberkopf nos é apresentado como um indivíduo quase repulsivo, grandalhão (“forte como uma jibóia”), glutão e beberrão, e que espancou até a morte a amante de quem era quase um cafetão (“pode acontecer com qualquer um dar uns tapas quando está de porre”). Ao sair da prisão, tenta levar uma vida “decente” vendendo jornais. Envolve-se num assalto, é atirado de um carro em movimento, perde um braço e acaba nos mostrando, apesar de “não aprender nada nem discernir nada”, como afirma o narrador, através de sua trajetória, a vida numa grande metrópole no final dos anos 20. Uma vida sem grandeza, valores (a não ser aqueles proclamados de forma sentimental, oca ou hipócrita), nada que nos inspire simpatia, transcorrendo em ambientes sórdidos (“lá pelas nove liberaram seus cotovelos, meteram charutos nas bocas gordurosas e começaram a soltar, com arrotos, o cálido vapor da comida”), entre gente de mentalidade mesquinha, e sempre com um pé na miséria.

    Na quarta parte do romance, em meio a uma panorâmica dos moradores das ruas em volta da Alexanderplatz, há um trecho revelador, no qual o narrador fala diretamente ao leitor: ‘Finalmente, ao lado, um oficial de padeiro com sua mulher, que trabalha numa tipografia e tem inflamação nos ovários. Desejaria saber o que esses dois têm na vida? Bem, primeiro um tem o outro, depois, no domingo passado, tiveram teatro e cinema, uma ou outra reunião da Associação, e visita aos pais dele. Mais nada?  Ora, não exagere, senhor. Ainda há o bom tempo, o mau tempo e assim por diante. E o que mais vocês têm?, você, quem quer que seja? Não se iludam.”

    De vez em quando faz bem à literatura de um país aparecer um autor demolidor, que sacuda o bom-gosto literário, que faça uso da linguagem das ruas, que atole o leitor no desagradável. É o caso de Döblin (e também do seu amigo Brecht, no teatro; ambos, herdeiros do expressionismo e do naturalismo, fazendo cruzamentos inesperados entre essas duas formas de apreender o real) na literatura alemã e, alguns anos depois, de Céline, na francesa.

    É possível que, num certo sentido, o autor de Berlim Alexanderplatz vá ainda mais longe do que o raivoso autor de Viagem ao fim da noite & Morte a crédito porque apresenta maiores e mais criativos recursos estilísticos, não apenas a oralidade, o desbocamento e as pequenas histórias paralelas. Há a inclusão de noticiários, reclames, de pastiches e paródias, de montagens cinematográficas.

    O Biberkopf de Döblin parece, com sua boçalidade, sua truculência, e um certo fundo sociopata, um precursor de Moosbrugger, o assassino que fascinava o protagonista do admirável Homem sem qualidades, de Robert Musil. Só que Biberkopf parece incapaz, na sua mediocridade, de chegar aos extremos, de liberar totalmente sua monstruosidade latente. Ainda chafurda num sentimentalismo tosco que o leva a ficar à mercê do traiçoeiro Reinhold, responsável pela perda do seu braço e que assassinará Miese, uma das amantes de Biberkopf, na intriga que domina a parte final do romance e que levará o anti-herói ao hospício, como acontecerá também com o protagonista de O tambor, a obra-prima profundamente döbleniana de Günter Grass.

    Será preciso a chegada do nazismo para liberar o que está reprimido na massa de lúmpens que compõem Berlim Alexanderplatz, essas pessoas despolitizadas, subempregadas ou francamente excluídas, quando não imersas na criminalidade, que se tornarão uma terrível massa de manobra. Assim como no Brasil de hoje. Quem tiver olhos para ver que fique atento para o que um neofascista pode conseguir com todos os excluídos que estão literalmente nos sitiando. Olhos para ver e ler a terrível advertência que nos chega bem atrasada, mas em hora oportuna.

(resenha publicada de forma ligeiramente condensada em 27 de fevereiro de 1996)

Berlim Alexanderplatz (A História de Franz Biberkopf), de Alfred Döblin. Tradução de Lya Luft. Rocco. 432 págs.

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ANOTAÇÕES DA  RELEITURA DE 2009

INTRODUÇÃO

“O ex-presidiário de casaco amarelo de verão, o sujeito grandalhão, andou para trás do sofá, pegou seu chapéu, espanou-o, colocou-o sobre a mesa, tirou seu casaco, tudo em silêncio, desabatoou o coleto: Aqui, olhem, minha calça. Eu era gordo assim e ela ficou larga desse jeito, cabem dois punhos grandes juntos, de tanto passar fome. Foi-se tudo. A pança toda para o diabo. É assim que vem a ruína, porque nem sempre a gente é como deveria ser. NÃO ACREDITO QUE OS OUTROS SEJAM MUITO MELHORES. Nada, não acredito não. Querem é enlouquecer a gente.

      O castanho cochichou para o ruivo: Pronto, aí está. Está o quê? Ora, um presidiário. E daí? O egresso: Aí dizem: a gente está livre e vai preso de novo  no meio da sujeira e ainda a mesma sujeira de antes. Não há razão alguma para rir. Voltou a abotoar o colete: Estão vendo o que fizeram. .. É, será que não somos nada só porque fizemos algo errado? Todos podem se erguer de novo, todos que cumpriram pena e podem ter feito o que for (Arrepender-se o quê! É preciso desafogar-se! Sair batendo! Depois tudo fica para trás, depois tudo pasa, o medo e o resto)… Meu ome é Biberkopf, Franz. Bonito de sua parte ter me acolhido.Meu passarinho já cantou no pátio. Ora, viva, tudo vai passar. Os dois judeus lhe apertaram a mão, sorriam. O ruivo reteve sua mão por um tempo, radiante: Ora,o cavalheiro está mesmo melhor ? E será um prazer, se o cavalheiro tiver tempo, passe por aqui. Obrigado, farei isso, tempo é fácil de achar, só dinheiro é que não…. Acompanharamo homem até a porta… O ex-presidiário, caminhando ereto, sacudiu a cabeça, balançou os braços no ar (a gente precisa de ar, ar, muito ar, e mais nada)~: Não se preocupem. Podem me deixar seguir adiante, fiquem tranquilos. O senhor falou sobre os pés e os olhos. Esses ainda tenho. Ainda não foram arrancados por ninguém… E lá se foi caminhando sobre o pátio estreito, atulhado, os dois ficaram olhando para ele do alto da escada. Tinha o chapéu-coco enterrado sobre o rosto, resmungou quando meteu o pé numa poça de óleo: Droga de veneno. É hora dum conhaque. Quem se aproximar vai levar um soco na cara. Vamos ver onde se consegue um conhaque…”

   Como saiu há pouco tempo a versão em DVD do magnífico filme seriado que Rainer Werner Fassbinder extraiu de BERLIN ALEXANDERPLATZ, é bem-vinda uma nova tradução da obra-prima de Alfred Döblin (1878-1957), publicada originalmente em 1929, e que pertence àquele grupo de romances do alto modernismo (dos anos 20 e 30) que redefiniram a ficção (é o caso de Ulisses, de Joyce, 1922; Mrs. Dalloway, de 1925, e os demais romances de Virginia Woolf dessa fase; O processo & O  Castelo, de Kafka, publicados postumamente nos anos 20, assim como a publicação dos últimos volumes de Em Busca do Tempo Perdido, de Proust; O som e a fúria, de Faulkner, é de 1929; temos também A montanha mágica, de Mann, em 1924; O lobo da estepe, de Hesse, é de 1927; fora esses, o autor maior do Modernismo que mais tem a ver com Döblin, o francês Louis-Ferdinand Céline, publicaria suas duas obras-primas, Viagem ao Fim da Noite &  Morte a crédito, respectivamente em 1932 e 1934… A diferença entre os dois é que, enquanto Döblin se mantém ironicamente afastado do seu “herói”, Franz Biberkopf, Céline, de uma forma visceral e ainda praticamente insuperada, quase que anula a distância entre ele, autor, e seu narrador em primeira pessoa, inaugurando uma elaboradíssima forma de “função expressiva ou emotiva” da linguagem).

    Na história do pé-rapado Franz Biberkopf, a partir do momento em que sai do presídio (por homicídio culposo resultante de agressão física) e adentra por uma fervilhante Berlim, Döblin juntou o romance naturalista, esmiuçados dos avessos burgueses, de Zola; a linguagem do expressionismo, uma das grandes contribuições da arte alemã do início do século XX, e que foi um dos fundamentos do que se fez de melhor no cinema mudo, além de influir em toda a estética posterior, por exemplo, nos filmes noir e na obra de Orson Welles, até no tardio A marca da maldade; a poesia da paisagem urbana, que Walter Benjamin identificou como uma das mais duradouras contribuições de Baudelaire ao imaginário ocidental, e que foi incorporada nos maiores romances modernistas, que tem a cidade-labirinto como personagem tão importante quanto o herói da trama; o romance-mosaico, exercitado pelo norte-americano John dos Passos (1919; Manhattan Transfer), que atropela a voz do narrador “culto” com a linguagem das ruas, os anúncios publicitários, o cinema e a linguagem das manchetes de jornal; além de um exercício de solilóquio narrativo, em que uma voz entre parênteses faz o papel de “sombra” de Franz Biberkopf, desfazendo e corroedo seu projeto de levar uma vida decente e acomodada, a partir do momento em que recupera a liberdade.

     O livro também recupera um recurso tanto do folhetim quanto do romance picaresco ao apresentar em cada uma de suas nove partes um resumo das peripécias de Biberkopf  “em liberdade”. E se vale da técnica altamente livre e flexível desse gênero, fazendo os encontros de Biberkopf com outros personagens prescindirem de uma verossimilhança ou causalidade estritas (como os dois judeus do trecho citado).

 Temos, também, um romance arrepiante na sua maneira profética de mostrar que razões e que mentalidade levaram o zé-povinho alemão dos tempos de derrota da 2a. guerra e da inflação monstruosa a aderir ao ideário nacional-socialista e permitir a ascensão de Hitler, como um “salvador da pátria” (o adjetivo “arrepiante” vem das similaridades com certos aspectos da mentalidade brasileira).

     Enfim, um dos grandes romances do século XX. Eu já o li na versão anterior, de Lya Luft, publicada em 1995 pela Rocco. Me parece que essa versão nova, de Irene Aron, é mais arrojada, menos formal… Vamos ver…

ANÁLISE DE UMA DAS PARTES DO LIVRO

“Caminha de braço dado com Lina, olha em volta da rua escura. Bem que poderiam acender mais lâmpadas. O que as pessoas querem da gente, primeiro as bichas com quem não temos nada a ver, agora os vermelhos. Que me importa tudo isso, que limpem a própria porcaria. Deviam deixar a gente ficar sentado onde está;nem deixam a gente beber uma cerveja sossegado. Queria mesmo é voltar e deixar em pedaços o boteco de Henschke. De novo, os olhos de Franz lampejam e pulsa, incham-lhe a testa e o nariz.(…) Franz matou a noiva a pancadas, Ida,o sobrenome dela não vem ao caso, na flor de sua juventude. Isso aconteceu numa discussão entre Franz e Ida, na casa da irmã dela, Minna, durante a qual, em princípio, os seguintes órgãos da mulher sofreram lesões leves: a pele sob o nariz, na ponta e no meio, o osso subjacente com a cartilagem, o que, porém, só foi percebido no hospital, e, mais tarde, teve papel importante nos autos do processo; além disso os ombros direito e esquerdo sofreram leves contusões, com sangramento. Mas depois o palavreado se torna mais vívido… Na mão, nada além de um pequeno batedor de creme chantilly… E foi esse batedor de creme com a espiral de arame que ele, num imulso duplo, arremessou contra o tórax de Ida… o tórax da delicada moça não estava adaptado ao contato com o batedor de creme (…) Franz, como um leão aos urros, teria matado a pancadas a pessoa lesada se a irmã não viesse aos saltos do  quarto ao lado. Diante dos clamores desta mulhere, ele saiu em retirada e à noite foi apanhado por uma patrulha da polícia perto da casa dele.”

      Para quem deseja ter uma boa idéia do que foi a alta ficção do Modernismo,  o que ela trouxe de novo à ficção urbana consagrada por Balzac & Dickens, eu sugiro a leitura da Segunda Parte de BERLIN ALEXANDERPLATZ. cujo resuminho folhetinesco é o seguinte: “Franz Biberkopf entra em Berlim/ sai à procura, é preciso ganhar dinheiro, sem dinheiro o homem não vive/ Sobre a feira de louças de Frankfurt/ Lina dá o recado aos boiolas/ O Hasenheide, Novo Mundo, se não é isto, é aquilo, não se deve tornar a vida mais difícil do que é/  Franz é um homem de envergadura, sabe o que deve a si mesmo/ Dimensões deste Franz Biberkopf. Ele pode competir com antigos heróis” (isso no índice,no intróto já temos as inquietantes afirmações seguintes: “Mas não é um homem qualquer este Franz Biberkopf. Não o chamei aqui para um jogo e sim para viver uma dura, verdadeira e esclarecedora existência… Vocês verão como se manteve decente durante semanas. Mas isso de certa maneira é apenas um adiamento”).

     Essa Segunda Parte começa no Paraíso com Adão e Eva,  depois vemos graficamente caracterizados os diversos setores econômicos e de serviços de uma cidade como Berlim. Na página seguinte, citam-se  decisões legislativas e judiciárias. Depois se fala da meteorologia (antecipando o uso que Robert Musil fará desse recurso em O homem sem qualidades), da tarifa dos bondes elétricos, de logradouros segundo a lista telefônica de 1928,  dos trens que chegam do Mar Báltico e dos turistas (“Onde as pessoas arranjam tanto dinheiro para viajar”); depois, temos vinhetas sobre alguns passageiros que embarcam numa determinada parada na linha 4 do elétrico, e  um deles é um rapazola de quatorze anos, cujo futuro inteiro nos é narrado em  poucas linhas (de uma forma sensacional); depois, temos o diálogo entre um ex-professor viciado em morfina e um rapaz que enfrentou o chefe “em bom alemão” e talvez tenha perdido o emprego (e agora está no boteco com medo de enfrentar a mulher): “Nunca se deve falar em bom alemão em certas situações. Se o senhor tivesse falado francês com o homem, ele não teria compreendido e o senhor ainda estaria dentro”.

       Ainda vemos uma mocinha que se encontra com um senhor mais velho, com os qual tem relações das mais suspeitas. Todo esse caleidoscópico movimento ocupa umas dez páginas e aí então Biberkopf  reaparece na narrativa, tentando se tornar vendedor de qualquer coisa, sendo aconselhado por seu amigo Gottlieb e sempre com o seu mote, a decência, a necessidade de uma existência estável.  Sem nem ao menos ter uma colocação garantida no mercado, ele se encanta com a oratória de um sujeito que faz uma diatribe contra a feira de Frankfurt (uma passagem que me lembrou aquele momento antológico dos comícios agrícolas de Madame Bovary, onde há uma retórica vazia e ao fundo o que realmente interessa na narrativa, no caso, a disposição simplória e franca, sem má fé, do perdedor nato) e se inscreve como membro da associação comercial, embora nem tenha dinheiro para pagar a inscrição.

      Biberkopf arranjou uma namorada, a polonesa Lina. Vemos os dois num passeio, num quiosque onde se vende jornais, onde de passagem ouvimos o seguinte comentário de algum cidadão: “Veja como as pessoas estão embrutecidas: um cara desses ataca uma moça no bonde e quase  a mata de tanto bater por causa de 50 marcos” e a réplica de um outro: “Por esse dinheiro faço a mesma coisa… É um monte de dinheiro para gente como nós, um montão, meu senhor. Pois então, quando souber  o que são 50 marcos, continuamos a nossa conversa”.

       Franz vira homem-propaganda na frente de uma loja anunciando presilhas de gravatas (o seu discurso, ele que é apaixonado pela oratória dos outros, é uma delícia). “Mas isto não basta a Franz Biberkopf”. E ele  conversa com um vendedor de panfletos com histórias eróticas, de “educação sexual”, algumas delas fazendo a apologia do homossexualismo tanto masculino quanto feminino.Para se ter uma idéia do teor desses panfletos: “Um careca sai para passear uma noite e encontra…um jovem bonito que logo lhe dá o braço… e então o careca sente a vontade… de, naquele instante, ser muito meigo com o rapaz. É casado,já percebera algo várias vezes, mas tem de ser agora… Você é meu raio de sol, meu torrão de ouro… Venha, vamos a um hotelzinho. Você me presenteia com cinco marcos ou dez, estou totalmente liso. O que você quiser, meu sol…

   Mas no quarto há orifícios na porta. O senhorio vê algo e chama a patroa, que também vê algo. E mais tarde dizem que não admitem tal coisa em seu hotel, viram aquilo, e ele não pode negar… e ele deveria envergonhar-se de seduzir rapazes, iriam denunciá-lo. O criado e uma arrumadeira aparecem também e sorriem ironicamente…

 … E certo dia… sua esposa tem de assinar uma intimação por ele.Ela abre o envelope e lá está escrito tudo sobre os orifícios e a carteira e o rapaz simpático.E quando o careca retorna… todos estão chorando por causa dele, a patroa, as duas filhas crescidas. Ele lê a intimação, isso não pode ser verdade,é a burocracia atrasada inventada por Carlos Magno, e que chegou até ele agora… SenhorJuiz, o que foi que eu fiz?… Fui para um quarto e lá me fechei. Que culpa tenho eu se lá puseram furos. E não aconteceu nada de condenável. O jovem confirma. Portanto, o que fiz eu? O careca de casaco de pele chora: Será que roubei? Cometi algum assalto? Apenas assaltei o coração de uma pessoa querida.Disse a ele: meu raio de sol. E isso ele era.

É absolvido. Em casa, era um choro só.”

 Apesar de algumas diferenças de idéias com o vendedor (um diálogo particularmente delicioso), ele simpatiza com a causa e é convidado para um “meeting”  onde se depara com vários casais de mulheres e de boiolas (o termo utilizado com grande felicidade pela tradutora Irene Aron): “Por uma hora, Franz não disse uma palavra, por trás de seu chapéu, soltava risadinhas. Após as dez horas, não pôde mais se conter, teve de sair, as pessoas, a coisa toda, eram engraçadas demais, vários homossexuais num monte só, e ele no meio deles, saiu às pressas e gargalhou até chegar à Alexanderplatz”.

    Quem não gosta nada da históra é Lina, que joga todo o material gay em cima do vendedor num acesso de fúria, para admiração e embasbacamento do seu amante: “No botequim, na ponta dos pés, ela se apoia nele, junto a região do corpo que ela supunha ser coração, mas que, sob a camisa de lã, era na verdade o seu esterno e o lóbulo superior do pulmão esquerdo”.

E aí então vem uma narração magnífica de alguns boêmios.E encontramos depois Franz vendendo jornais nacional-socialistas: “Não tem nada contra os judeus, mas é a favor da ordem. Pois é preciso haver ordem no paraíso, isto qualquer um tem de reconhecer” e depois seu confronto com um grupo de comunistas num boteco, cena que nada fica a dever a James Joyce, principalmente pela alusãoirônica às “dimensões deste Franz Biberkopf.Ele pode competir com antigos heróis” (embora um dos rapazes que o provocam o chame de “suástica ambulante”),quando na verdade ele está tomado por um acesso de fúria homicida, berrando e prestes a uma ação desastrosa aos seus planos de decência, ordem, paz e harmonia, um escuro estado de horror que se apossa dele: “algo explodira dentro dele e começa de fato a borbulhar, soltando-lhe as rédeas, uma torrente de sangue perpassa seus olhos… Ele fervilha, cumpriu pena em Tegel, a vida é terrível, que vida é essa… Raiva, paralisia, isso é Franz Biberkopf”.

The other day I was driving past Lake Minnetonka, thinking about how much this area sucks, and then started wondering what I would prefer. And I realized that I wish it were more like this.

This is a detail from the center panel of Hieronymous Bosch’s great, beautiful triptych The Garden of Earthly Delights. A night spent examining this painting is what Ashley and I consider our first date – and it certainly beats going to some random movie or eating dinner. Why did it come to mind when thinking about how to fix the Lake Minnetonka area? Because around here, everyone cuts up the lake and seals off their own little spots – either they’ve got lakeside property that they hoard like a defensive rodent, or else they’ve got some boat they’re obsessively proud of, or some other bullshit attitude toward the lake that comes down to “this is mine.” Well, fuck that. And it occurred to me that the opposite attitude – “this is ours,” more or less, with “ours” referring to all of us, everyone who lives here – is wonderfully embodied in Bosch’s frolicking debauchers, all naked and gleefully having whatever kind of fun they want to (albeit amidst scads of 16th century Dutch symbolism). Honestly, why can’t we have more of this?

And don’t give me any of that “It’s completely physically impossible” bullshit. If all the uptight, self-obsessed suburbanites that live around here would just start acting a little more nude-friendly and orgiastic, soon everybody could be hugging owls, eating enormous, allegorical strawberries, and fucking everyone else out in the open. So, to make it short, that’s the reality I want to live in. Even if it is deliberately surreal and a giant religious metaphor. With mermaid knights, too!

And now, I think I’ll talk about something I should’ve brought up a long time ago. There is a blog. I haven’t been there for a while, but when I’m not indulging in punk cabaret, it’s one of my major sources for music. It’s called “Music for Maniacs,” and its premise is carved out of sheer awesomeness. As the homepage explains, it’s “the Web’s longest-running strange-music blog! Dedicated to extremes in music and utterly unique sounds.” Strange, extreme, and unique, in this context, translate into outsider, avant-garde, and novelty music, along with weird, out-of-left-field recordings from mainstream artists, or else music that’s extreme just because it’s so bad. (If you’ve ever heard of The Shaggs, you know what I’m talking about.)

It’s all well and good to gravitate toward “great” works of art, after all – your Citizen Kanes and Hamlets, your lovely lovely Ludwig Vans and Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Bands. But sometimes you just need something that, good or bad, is out of the ordinary. Weird. Or, if you’re me, then you need it more than sometimes and you end up writing about it ad nauseum. My point is that Music for Maniacs is a great source of weird, and provides a needed service on the Internet. They introduced me to the untalented, yet weirdly wonderful Singing Sadie. They uncover long-buried treasures, whether sublime or, uh, not so sublime.  I see M4M (as the blog’s author calls it) as providing a service not unlike my beloved publishing house Feral Press: turning over those big rocks in the garden of culture and bringing all the worms and pillbugs out into the sunlight. So go browse through M4M’s archives, check out some mash-ups or long-dead musicians you’ve never heard, and dive into the world of weird music. It’s very worth the effort.

Speaking of something that’s worth the effort, I finally finished Rainer Werner Fassbinder’s 1980 mega-film Berlin Alexanderplatz this morning. It’s pretty much the longest narrative film ever made (15 1/2 hours), and it earns the title. Incidentally, it’s also a great, visually impressive, emotionally involving film about a simple man who longs for escape but finds his environment (the scummy yet resplendent Weimar Berlin of 1926-28) perpetually dragging him down. That man is Franz Biberkopf, played to perfection by Günter Lamprecht. Franz is an endlessly fascinating, well-developed character, yet one of his defining characteristics is that he’s so ordinary and complaisant. As the film starts – the first episode is fittingly entitled “The Punishment Begins” – Franz is being released from Tegel prison after serving 4 years for killing his girlfriend Ida. (The verdict was manslaughter, and the murder itself, in which Franz mercilessly beats Ida with a shaving brush, is repeated periodically throughout the film.)

Franz vows to go straight, but is unprepared for the trials he’ll face. From episode to episode, he meets a variety of characters, each played by a member of Fassbinder’s stock company (and surrogate family). As enormous a film as it is, a synopsis could never do it justice, but suffice it to say that Franz encounters one challenge after another, and is frequently overcome. Some characters help him (the maternal whore Eva pops up now and then, played by The Marriage of Maria Braun’s Hannah Schygulla, and there’s also Franz’s old friend Meck) while others put further obstacles in his way – the gangster Pums, the unscrupulous peddler Luders, and the sniveling, stuttering villain who’s also Franz’s best friend, Reinhold (Gottfried John).

Berlin Alexanderplatz might be interesting to examine (if one had the inclination) vis-à-vis a film made shortly after it’s set, Fritz Lang’s M. Although Fassbinder had the benefit of hindsight, both films still follow helpless protagonists (Franz due to his past and economic conditions; Hans Beckert to his own psychotic impulses) trying to navigate through a city (and nation) teetering dangerously close to the abyss of Nazism. I’ve thought in the past about the German New Cinema: if the orphaned Werner Herzog, through his remake of Nosferatu, sees himself as a child of Murnau, whose legacy is Fassbinder picking up? His Lola refashions elements of The Blue Angel – so maybe, with his glittering visual excess and doomed heroes, he could be the offspring of von Sternberg and Lang. Just a thought.

So, Berlin Alexanderplatz… where to even start discussing this movie? I haven’t yet mentioned one crucial character: Mieze, aka Sonia, whose real name is Emilie Karsunke. An innocent, joyful prostitute (man, this movie piles up contradictions) introduced to Franz by Eva, she rapidly forms a close attachment to him, making up for all the brief, shallow relationships Franz has throughout the film’s first half. She’s played by Barbara Sukowa, who’s cute as a button, wears a little ribbon in her hair, and is prone to breaking into ecstatic screams around the people she loves, Franz und Eva. (Or not-so-ecstatic, like after she receives a particularly brutal beating from Franz that’s terrifyingly reminiscent of Ida’s murder.)

Berlin Alexanderplatz is on one hand a study of the blithely childlike couple of Franz und Mieze, each of whom have an uneasy, uncertain relationship with Reinhold, and on the other hand a probing look at the very specific historical conditions that force Franz from place to place, like hands moving a pawn across a chessboard. It’s also a masterpiece from a brilliant but troubled director, as well as a very personal one – Fassbinder claimed that the novel Berlin Alexanderplatz saved his life, that he knew it by heart, and that Franz, Reinhold, and Mieze were all him in different ways. He had an amazing devotion to the project, and it shows; only such devotion could produce a work of this magnitude, and yet have it all come out coherent and beautiful.

I’m still pretty much at a loss as to how I can get a handle on this movie. It’s so sprawling and has such dramatic breadth. It’s been said that the novel’s author, Alfred Döblin, was inspired to write it by reading Ulysses. Well, along those lines, I say this: if there’s a way to turn a novel as allusive, complex, and defiantly literary as Ulysses into a movie, Fassbinder found it. The narration (provided by the director himself) recites newspaper headlines, crime statistics, poetry unrelated to the plot; the length doesn’t seem excessive, because Berlin Alexanderplatz is so broad it needs a full half-day to unravel. It speaks of violence and theft and their effects on Franz’s precarious psyche; there’s the impossibility of being as sweet as Mieze in so sour a place as Berlin; and then the omnipresent problem of politics, as Franz goes from selling Nazi newspapers to attending communist rallies, without ever ideologically committing himself. Unless, of course, you count the ideologically of “trying humbly to get along in the world.”

The fact is that to get through the whole movie, you need to have some level of commitment to these characters, their personalities and experiences, even their disastrous mistakes. Special kudos should also go to Xaver Schwarzenberger’s cinematography which lets eyes and skin shine in the city lights and lets us see the beauty in beer, hats, and bird cages. For such an abysmally gritty place, it sure looks great. If you’re still not convinced that Berlin Alexanderplatz is worth spending so much time on, take a look at the trailer. It’s a great movie and even if you’re not a hardcore cinephile, even if you wouldn’t normally go out of your way for an art film – you should still watch it. It’s a valuable experience, and it’s very worth the effort.

… for Uli Edel’s much-discussed (and here and here) The Baader-Meinhof Complex (2008) to arrive in Madison theaters (which, of course, it may never), use this time to check out Rainer Werner Fassbinder’s ferocious and unsettling gem The Third Generation (1979), a real masterpiece of noise, allusion and political discontent.

“Soy alegre de una determinada manera, conmigo mismo. Ser expresivo, eso no puedo”

Rainer Werner Fassbinder. La anarquía de la imaginación

Directed by and starring Rainer Werner Fassbinder in 1966, this is a slight but intriguing riff on early Godard (Fassbinder as Leaud?). Of particular note is the passionate cinephilia of the nouvelle vague on display here, but mixed with the much harder edge of a very young German dealing with the political and ethical realities of a post-Nazi Germany.

veronika è una donna che non combatte più, per quanto ci provi.
affoga nei suoi ricordi, nella voglia di ricominciare, nella morfina.
affoga nelle sue lenzuola, nelle avide braccia della dottoressa katz, lussuriosa di denaro, senza scrupoli nel rovinare la vita ad una donna.
nel decidere quando morirà.
e veronika voss, attrice dell’epoca fascista ormai negli anni 50 una stella tramontata, che si culla nella convinzione di essere ancora famosa, una stella rilucente.
ma il confine tra follia e realtà è labile, corre tremando tra robert kron, un giornalista sportivo che si innamora di lei e che cerca di salvarla e tra la malvagità della dottoressa katz che la ricatta col bisogno ormai instabile di veronica per la morfina.
un uomo debole, robert, una donna troppo forte, la dottressa: la vita di veronica, priva di senso ormai è tra le loro mani.
un epilogo tra il sonno e la veglia, tra l’uccisione e la beffa della benedizione.
un bianco e nero claustrofobico, soffocante.
una veronica voss davvero splendente nella sua stessa morte.
un fassbinder cinico, che non da scampo.
e quel carillon, la canzone di veronika voss, che apre uno squarcio sul terrore, come se quelle luci del successo ricordato si fossero sciolte.
e veronika voss colpisce, profondamente diversa da quella norma desmond alla quale viene accomunata, entrambe profondamente perdute.

veronika canta memories are made of this, dove ogni parola della canzone è dedicata alle persone che hanno giocato un ruolo nella sua discesa verso la fine, una piccola rivincita, un grande momento.

voto:10/10

No sé por qué pero me he acordado de esta escena de El Matrimonio de Maria Braun de R.W. Fassbinder:

El Matrimonio de Maria Braun no se encuentra entre mis favoritas de Fassbinder, pero le tengo especial cariño porque fue mi primer contacto con su universo. 

Es una película equilibrada. Y eso es justamente lo que no busco en Fassbinder.

Esta escena la veo como un diálogo interior de Maria. En este momento de la película  ella se ha desdoblado en “la Mata Hari del milagro económico alemán” y su amiga Betti se presenta como una proyección del estado anímico que dejó atrás. Las dos Marias se encuentran en el punto justo en el que la nueva Maria todavía no ha reemplazado a la otra. Es una despedida antes de dirigirse hacia la tragedia.

Últimamente tengo obsesión por las despedidas y por todo lo crepuscular. Supongo que es por encontrarnos en el final de una década.

Precisamente El matrimonio de Maria Braun es del 79.

María y la Alemania del milagro económico empiezan a crear una nueva puesta en escena de entre las ruinas de la posguerra. En este punto Fassbinder llega a lo que Sokurov dice  que hay que alcanzar: una metáfora de apariencia sencilla pero compleja, robusta e indestructible, capaz de decir cosas importantes.

Si alguna vez Fassbinder merece el calificativo de cineasta clásico es  aquí.

Me gusta pensar que esta escena es también una metáfora de la propia película y su situación en la filmografía de Fassbinder. Su éxito internacional no se repetiría.  Fue el momento en el que Fassbinder consiguió conectar sus obsesiones con el gran público. Con el otro. Las posteriores Lola y La Ansiedad de Veronika Voss resultarían mucho más difíciles de descodificar y tenderían a un exceso y una acritud que personalmente me apasionan.

Además creo que Fassbinder subvierte el legado de Douglas Sirk de un modo muy calmado y contenido. En El Matrimonio de María Braun  Sirk todavía no había sido devorado por Fassbinder.

En la escena hay un punto de abstracción muy excitante. 

Es especialmente bonita la sensibilidad con la que trata la camaradería femenina.

La luz con la que envuelve el primer plano de Hannah Schygulla es enternecedora y consigue que pienses que Fassbinder era buena persona.

Es war nur eine Frage der Zeit, bis Dottore Ciulli den nächsten Schritt in Richtung Abgrund wagt.
Der Gründer und geistige Ziehvater des Mülheimer Theaters an der Ruhr in Szene zu setzen und suhlt sich in standesgemäßer Ignoranz.
Sicherlich, mit 75 wird es nach hinten langsam eng, die Karriere irgendwo im Pott versandet und die Theaterszene geht eh den Bach runter, was also tun? Man krame eine alte Frankfurter Inszenierung aus, stutze sie zeitgemäß zurecht und bette diese in ein Lebenswerk jener tragischen Gestalt deutscher Theaterprovinenz ein, über die Marcel Reich Ranicki schon alles gesagt hatte, was es zu sagen gibt: “Wenn dieser Herr etwas ausdrücken möchte, soll er doch bei seinen Mitessern anfangen!” Was für Rainer Werner Fassbinder galt, sollte auch für seinen glückloseren einfältigen Kompagnon Roberto Ciulli gelten; ob es sich dabei nun um Mitesser oder den Abort, als Ort des Audrucks handelt, sei dahingestellt.
Cuilli jedoch wittert zur Zeit Morgenluft und poltert wild drauflos: Er habe sich im Vorfeld bei der jüdischen Gemeinde Mülheims abgesichert, seine Aufführung würde sogar einen Beitrag zum Kampf gegen den Antisemitismus leisten, dem Stück werde letztlich eine neue Lesart zuteil; doch bleibt es beim selben abgestandenen Trio, bestehend aus Müll, Stadt und Tod.
Der Kulturschaffende vom Raffelberg mimt jedoch den Unverstandenen. Auch eine Bitte des Zentralrats der Juden „aus Respekt vor den wenigen Überlebenden des Holocaust und der Millionen Toten auf die Aufführung [zu] verzichten”, nimmt er nicht für wichtig und will sich zu den Vorgängen erst auf einer Matinee am kommenden Sonntag äußern, gleich einer Inszenierung des Dottore, die ihm aber allmählich aus dem Ruder läuft.
Derweilen verliert sich seine Kulturanstalt in Phrasen wie dieser: “[Im Gegensatz zu Zentralrat und Jüdischer Gemeinde ist das Theater] dennoch der Meinung, dass es der Aufführung gelingt, bewussten und unbewussten Antisemitismus als ein nach wie vor vorhandenes Faktum der bundesrepublikanischen Wirklichkeit festzustellen”.
Allerdings sollte man über Ciullis Affinität gegenüber Tabubrüchen, die hierzulande schon lange keine mehr sind, nicht sonderlich überrascht sein, gehört es doch zum schnöden Kalkül des Narren vom Raffelberg.
War es doch Ciullis Bühnentruppe, die Teheran nach der islamischen Revolution als erste europäische Formation einen Kulturbesuch abstattete. Ein offizielles Kulturabkommen gab es damals zwar noch nicht, doch Roberto Ciulli initiierte sein eigenes Abkommen mit den iranischen Behörden, um endlich die blühenden Kulturlandschaften Teherans mit eigenen Augen erblicken zu können.
Solche Trips in die Brutstätten der Kultur waren beim Kulturschaffenden eher der Regelfall, gleich einem Mantra, von einem Hotspot der menschlichen Glückseligkeit zum Nächsten reisend. Pinochets Chile war ebenfalls eines seiner weiteren Ziele und 2002 gastierte er im Al-Rashid Hotel, Bagdad, um Saddams Kulturminister Josef Hamadi zum Lachen zu bringen. Auch einem Besuch nach Nordkorea wäre der Bundesverdienstkreuzträger durchaus nicht abgeneigt.
Dutzende weitere Länder besuchte das Mülheimer Ensemble in den letzten Dekaden. Auch, so der Doktor der Philosophie, würde er sich dazu herablassen, den kulturlosen Amerikanern einen Besuch abzustatten, schließlich sei die dortige Kulturlosigkeit womöglich Ursache jener katastrophalen US-Politik.
Müßig nun darauf hin zuweisen, dass der Ruhrgebietsehrenbürger dem Staat Israel nicht sonderlich freundlich gesonnen ist. Laut eines Blogeintrags eines ehemaligen Schauspielers unter der Regie des Dottore aus dem Jahr 2006 muss es in Ciullis Inneren heftigst rumoren, wenn es um den Nahostkonflikt geht. Aber lesen Sie selbst! versucht sich momentan erneut

Was sagt jedoch ein solcher Intendant über eine Stadt, über ein ganzes Genre aus, der seinen Hass auf Amerika, auf Luxus und Zivilisation kaum im Zaun halten kann? Ein selbstgerechter Narr, der als personifizierte Innovation des Theaterbetriebs angepriesen wird und der beinahe dreißig Jahre lang seinen alljährlichen Stuss ungestört zelebrieren konnte und dessen Sein, nun durch die Vorführung eines antisemitischen Machwerks, gekrönt werden soll? Dr. Roberto Ciulli wollte zeitlebens immer einer der ganz Großen sein, doch in Wahrheit ist er nie aus Mülheim herausgekommen.

Wann wird Ciulli endlich die Nichtbeachtung zuteil, die ihm gebührt, liebe Mülheimerinnen und Mülheimer?

- Sebastian Mohr -