Yael Naïm – The Only One

You may recognize Yael Naïm’s name, face, voice, or some combination of the three. Her single “New Soul” was featured in an Apple laptop commercial a few years back and for a little bit there she justly blew up. The track went to #7, making her the first Israeli solo artist to have a top ten hit on the USA charts.

Photo art for a poster promoting a January, 2007 concert at Studio d’hermitage in Paris.

Naim sang as a soloist with the [Israeli] air force troupe, starting in 1996. “Even though it was the army, it was pleasant,” she says. During her service, she was sent by the army to sing at a benefit concert in Paris. The organizers noticed her voice and took note of her name.

When she got out of the army, she was sent to another benefit concert in Paris. After performing a few songs at the piano she was approached by French producers who wanted to hear more. “I always had drafts of songs with me,” says Naim. “They just happened to be looking for someone for a musical project and when they heard what I do, they were all excited and offered me a contract.” Israeli recording companies had not been very enthusiastic about the music she made with her band, “The Anti Collision,” but four days after landing in Paris, at the age of 21, Yael Naim had a recording contract with EMI.

Paris was super, super kind to her; her 2007 self-titled album debuted at #11 on the French charts. Get it, girl!

Nobody expects an accordion.

When asked to explain her huge success among the French, she just asks: “Where are all these people coming from?

“It’s not the success that’s making me feel like my life is changing completely. Since I’ve had the opposite experience, when you’ve been told before that radio stations don’t want to play your music, that you should wait a few more months, I could really appreciate the speed and ease with which this record succeeded.

And from that moment, when I suddenly had this feeling of peace, this sense that evidently things are going to be fine, I’ve just felt surprised all the time and am always asking myself: ‘How can this be?’” (“Cinderella Song,” Tidhar Wald, Haaretz, November 2007)

I will be the one, you’ll see I’m the only one
Yeah I’m the only one, we belong together
I will be the one to see you’re the only one
Yeah you’re the only one, now until forever

You will see that we’re meant to be
Our love will grow peacefully
You should stay with me one more day
So how come you still walk away

If you are the only one
You are the only one
And I’m sure you feel the same

You became the one to blame, you’re the only one
Yeah you’re the only one who can make me so mad
I exclaim “where is the flame?”, you’re the only one
Yeah you’re the only one who can hurt me so bad

We will be happy as can be
Our love will grow tenderly
You will say you are here to stay
So how come you still walk away

If you are the only one
I am the only one
who can make you see that, yourself

You’re a star, let me take you far
I can really feel who you are
We will share everything that’s rare
So how come you still do not care

To know you’re the only one
Yeah you’re the only one
But it’s so unfair, I’m the only one
Yeah I’m the only one to see

It’s insane, now I remain, I’m the only one
You are the only one who can make me so sad
Can you see how fast I ran?

Yeah I’m the number one, two, three
You’re the only one who can play this game
I’m the only one, and I’m so glad you came

Give her official site, yaelweb.com, a spin to learn what Yael Naïm has been up to recently and order her 2001 and 2007 albums. This song is also a video with Readymade FC.

PART 1 – THE BUILD

How I built this space from scratch in 6 months for DIFFA’s Dining by Design SF 2009.

THE CONTEXT

Even before I began my design business, Dining by Design (DBD) has always been one of my favorite events in San Francisco all year. The combination of great design, food and drink, and charity has always been so inspirational and intoxicating to me.

Officially, the event is described as “the most anticipated high-design charitable event, showcasing top designers who create fantastic, one-of-a-kind tabletop installations that are unveiled for two nights only.” All post-production profits from the events go to Design Industries Foundation Fighting Aids (DIFFA), who directly distributes funding to San Francisco’s largest HIV/AIDS clinic, the Positive Health Program at San Francisco General Hospital, a core program of the AIDS Research Institute at UCSF.

Every year I go to DBD, I leave inspired to do more projects and become involved.  But alas, every year that I’ve wanted to participate, I’ve been thwarted by something whether timing, money, partners, bandwidth, etc.  Nevertheless, my interest never waned and I promised myself that someday soon I would get involved – and it turns out that someday became this year when all the stars aligned for me.  Though this process for me began this year around April, I never blogged about it because 1) I was so busy doing it and 2) I was fearful that it wouldn’t materialize for one reason or another.  But six months later, I am proud to say that I made it happen.

One of the keys to my involvement this year was finding a partner in my friend Cary Cheng.  Cary is a “designer” (really an architect who is waiting to complete his AIA certification) for McCall Design Group, where he works on high-end commercial and retail projects.  Cary has worked on several design related charities over the years including  Leap (Imagination in Learning) Sandcastle Classic and PAWS (Pets Are Wonderful Support) Petchitecture.  Importantly, Cary brought a robust engineering and construction perspective to our partnership, which is not my strongest suite.  Cary loves getting his hands dirty and has experience with making his own furniture; his experience in this realm would come in handy given what we ended up doing…

The design challenge of doing a space at DIFFA is deciding how to utilize your 14′ x 9′ space to seat 10 people for a sit down dinner.  Most designers, especially first-timers and small-timers like us, usually spend their time and energy on the dining table itself, forgoing structural elements like walls and floors.  This way, they can create their spaces by “simply borrowing” things from showrooms and stores to essentially “piece together” their space – a dining table from here, a rug from there, a chandelier from another store… While it’s a pain work the phones and relationships to borrow items and arrange for shipping  them (in addition to praying that they don’t get damaged in transit or at the event), assembling a space in this method is a snap – like staging a room in a house.  Designers who want to get more elaborate can do so by renting or making structures like walls, floors, etc. to create more encompassing “environments.”

The other extreme at DBD are the blue-chip design firms like Gensler and HOK who have the manpower and budget to design sophisticated and elaborate free-standing environments that have engineered walls, ceilings, platforms, integral lighting, etc.  Some of these spaces are funded by national sponsors and travel to DBD cities across the country; DIFFA is a national charity.  As you can imagine, given the resources these firms have, these spaces are awesome because they look and feel like gorgeous, detailed, self-contained rooms; you feel like you’re in a private dining room at a Jean George restaurant, not on the ground floor of a five-story atrium.  The size and importance of these firms allows them to tap their favorite vendors and fabricators to donate their services, meaning that for the most part, they design whatever they want on paper/computer and someone else builds and assembles it for them.  Some of these firms might assemble their own spaces at DBD, but not having to build it is huge as we would find out.

As we started designing our booth, we discussed the “borrow” method only because it seemed the easiest, especially as first timers.  But quickly, this method seemed not that interesting, especially to Cary who was used to “architecting” complete, cohesive environments.  Though I was the “interior designer” in our partnership, I agreed.  Even in my own work, I always considered myself an interior “architect” as much as a designer; I love working with integral architectural elements and finishes as much as the decorative items like furniture and accessories.  To “throw together” furniture for our DBD space was not going to do it for either of us.

So our early design sessions were really about creating the structure, though we really didn’t have the budget to get too extreme.  The overall budget for this event was not just the materials, but also the costs associated with any transport, assembly or production needs of our design (production fees could be huge if we had to hire the event production firm to hang a lot of lighting, rent drapery, etc.).  In this regard we really had to value engineer our solution.  We wanted to have walls, but didn’t want to pay for renting them, nor did we like the pipe and drape wall systems that the production company had anyways – the last thing we wanted was a space that looked like a trade show booth.  So that led us to the decision to design and build our own structure, a thought that was scary and empowering at the same time.

THE STRUCTURE

Most DBD spaces that have floors and walls are built up using traditional building materials and methods – 2 x 4 lumber, plywood, drywall, etc.  Though these materials and methods were also familiar to us, we quickly realized that building an entire structure like this would make transport unwieldy, especially for a small team like Cary and I.  So we began to explore materials that would give us the effect of a solid structure but without the weight.  Furthermore, where possible, we wanted our structure to be as sustainable as possible.  While that didn’t mean it would be 100% sustainable, we wanted to push the envelope where possible, which meant low impact-recyclable-reusable materials.

The first thing that we settled on was a platform made of salvaged shipping palettes. From a design perspective, the palettes would provide a perfect 6″ rise off the floor and help to define the footprint of the space.  Structurally, since palettes are meant to support heavy loads in transit, we knew that they would plenty strong enough for a mere dining table and 10 people.  Best of all, palettes are free (though it took some scouring to find ones that were the right size, height and type), modular (so we could break up our platform into several pieces to make transport easier) and reusable (all we did was take a few palettes out of circulation from the shipping library in the sky before we returned them back to their rightful place).  The palettes were arranged like a puzzle to mimic our footprint as closely as possible.  As needed, we filled in empty spots in between palettes by augmenting them with extra wood.  For the top, we used three sheets of 4′ x 8′ FSC-certified plywood – a perfect fit for our 12′ x 8′ footprint.  We also used the same plywood to cover the front face of the platform and the two “wing” panels that cover the construction of our walls.  We finished all these plywood finishes in a custom-tinted stain that was a very deep purple (Why purple?  Read on to find out…).

With the floor settled, we focused on the walls.  Instead of heavy drywall, we came up with the idea of rigid foam insulation, which met our key criteria: solid, lightweight and inexpensive.  Because these Insulfoam-brand panels also came in 4′ x 8′ sheets, 8 panels were enough to cover all the walls of our space.  To join the panels for solidity and maintain a seamless look, we used clear duct tape.  At one point we discussed painting the walls front and back, but in the end we changed our minds because we didn’t think the effort of painting (which is really a pain done meticulously) was worth it in the dim DBD environment.  The obvious benefit of foam walls was not requiring a heavy-duty framing system.  In the end, we devised a series of lightweight support posts – three on each side and four along the back.  Each support post system was made from 1″ x 2″ lumber that was screwed onto a plywood base with a 2″ x 4″ lip.  We abutted the lip against the base of the palette and bolted the two together for strength and stability.  We were able to engineer each support to be only a svelte 12″ deep, which was a critical requirement because we needed every other square inch to be the platform for the table.  As is, our 12′ x 8′ platform was a tight fit to accommodate a table for 10.  To cover the backside of our foam panels and support posts, we stretched inexpensive black polyester fabric and held it in place with matching black upholstery tacks.

While our platform and walls were now engineered, what was missing now was any type of design drama.  What we realized was that our raised platform allowed us the opportunity to recess something in between the walls and the platform – like lights.  The channel was just enough room to slide 4′ fluorescent shop lights – another inexpensive, eco-friendly material.  This element added instant impact and drama by ensuring cool, up-lit walls that used hardly any energy.  Still, without any texture, our walls felt clean but a bit austere.  Fortunately, during one of our inspirational shopping trips to Home Depot, we came across a material called rib lathe, a construction material used as a substrate for adhering stucco and plaster to exterior walls.  Curiously, we found this material, typically never seen by the people outside the construction process, remarkably beautiful.  The lathe was comprised of thousands of tiny apertures laid out in a herringbone-like pattern that looked almost laser-cut.  The galavanized finish shimmered in light like fine metal filigree, similar at a glance to expensive metal drapery like Cascade Coil products.  Cary and I initially talked about installing sheers to take advantage of the up-light a la Philippe Starck in the Mondrian Hotel in LA, but when we saw the lathe we knew we had found our “drapes” – the perfect material to add texture and translucency to our walls.

THE FINISHES

At a certain point in our design process, we began to embrace a do-it-yourself, ReadyMade attitude, which we brought over into our finishes.  Cary and I both had experience in designing and building our own furniture so creating a table and chair set for DBD was a natural decision.  For the chairs, we worked with the most basic building block of all construction materials – plywood.  Readily available, inexpensive and good enough for Charles and Ray Eames.  For visual interest and strength, we laminated thin strips of plywood together to form a large block that would serve as the seat and back rest.  Accordingly, the legs and seat post were also plywood strips of the same width.  We strategically notched out corners in the seat so that the legs and seat posts slotted in seamlessly.  Over several months, we made a few prototypes playing with the width of the strips and construction methods.  While simple in concept, we discovered laminating plywood was no easy feat especially since we were building with borrowed consumer-grade tools in my crowded garage and on my deck.  Thankfully, Cary and I are both meticulous types and got the details to work.  To finish up the piece, we went to a store called EcoHome Improvement in Berkeley to pick up a sustainable finish product.  The store recommended a product called Vermont Natural Coatings, which gave us the clear, protective sealer coat we wanted while being made of renewable whey proteins, a natural by-product of the cheese-making process.

The first piece of furniture that we actually decided on from our first Home Dept trip was our “chandelier”.  Literally, when we walked down our first aisle together we both stopped to touch and admire these planters made by a company called Southern Patio.  What caught our attention initially was the bright, cool Miami-inspired colors of this collection as well as the sleek lines, high-quality finish and range of sizes.  We were immediately drawn by the over-sized, “Devo-hat” model and knew that this planter, placed upside down, had the scale and sophistication be our light.  We never came close to finding a better option so this resin planter really became our light.  All we had to do was drill a small hole in the bottom and drop-in three super- inexpensive Ikea corded lights with energy-efficient CFL bulbs and we were done.  While we knew this could be the best faux-designer piece of our space, we got lucky that the planter had a rich translucency when lit by three measly CFL’s.  Sometimes it’s better to be lucky than good.  Since our booth with literally lit all by florescent lights, I know our electrical load was the lowest of all DBD spaces and probably a fraction of the big energy users.  This light is also the reason for the purple color throughout the space.  The purple planter was the best-looking option available and the first thing that we decided on so it became the cornerstone and inspiration for the whole space just like that.

Unlike  our chandelier, our table didn’t come together until the very end.  For months we toyed with more elaborate designs including something made with CMU block and something that was like glowing plinth.  In the end, these other designs proved too difficult to fabricate so we ended up with a saw horse-based design that we discussed early on.  Sawhorses are extremely strong, easy to use and – again – inexpensive (note the pattern yet?).  Because the sawhorses were too wide, we did have the trim them in the middle and rejoin them with a 2″ x 4″.  However, buying two Burro Brand sawhorses and slapping a MDF board on top seemed a bit elementary to us so we devised simple ways to “kick it up a notch.”  One thing we did was to use paint them a contrasting two-tone color scheme – the outside white and inside purple.  In fashion terms, this was like having a conservative-looking suit on the exterior but adding a wild interior lining, like an Ozwald Boateng or Paul Smith suit.  This seemed like a simple way to add some unexpected flair.  Next, we wanted to disguise the table’s profile a bit and make it look less like two saw horses so we added a “crossbeam” of sorts to bridge them while adding some lateral stability.  As an architectural detail, we left a reveal along the top edge to allow light to pass through.  Lastly, in going with our strong accent lighting theme, we mounted florescent kitchen under-cabinet lights under the saw sawhorses and along the crossbeams to create create that glowing-table effect and show off our whimsical paint job.  Not a lot of people ever saw this, but we even painted the center underside of our tabletop purple for greater effect.  In the end, our table was one of the few at DBD unburdened by a table cloth – adding to our modern, clean aesthetic and showing off our handiwork.

When it came to the actual tabletop, we wanted to keep it spare.  We knew we wanted some flowers to soften the hard edges and add an organic element so a centerpiece was an obvious decision.  Less obvious was what to make it with.  We scoured Home Depot, of course, to find a ReadyMade-type piece in order to keep our fabrication time down.  But after looking into galvanized venting, perforated pipes, paint containers, etc., nothing really spoke to us.  While wandering the aisles, this time in the landscape plumbing area, we came across some nicely finished Styrene piping.  What we liked was the matte white finish, the (relatively) refined appearance, and of course the flexibility pipe and pipe joints yielded.  Playing with 4″ pipe joints, we created a long and low centerpiece with 4″ pots across the top to hold flowers.  The bridge-like design also created an “underpass” that allowed interaction between both sides of the table as well as light to come through, now a core design theme.  The flowers were sourced from my favorite local florist, Bloomies Flowers, located in Market Hall in Rockridge, Oakland.  Again, simple was the theme so we stuck to only five types of plants and three colors (purple, green and white) for the whole arrangement, which was mostly dominated by calla lilies and purple-tinted kale.  In keeping with our concept, we hoped for our flowers to be casually sophisticated – dramatic but natural and accessible.

Despite our table’s concept, the place settings were an area where we had a hard time creating something ReadyMade.  We wanted to try something avant garde with building products, but those ideas lacked the refinement and pop of color that we were seeking.  Once we ruled out creating our settings, we visited affordable big box stores to find something that would work; just because we couldn’t make it, didn’t mean we had to break the bank to create a gorgeous tabletop.  CB2 in Berkeley provided us exactly what we wanted, which was wasn’t surprising because I’ve been a big fan since it’s inception.  When we walked in, the chartreuse green collection of products immediately jumped out at us for its dynamic, fresh-quality as well as its ability to family with and accent our ubiquitous purple flourishes.  The resulting final color scheme in our space – purple, chartreuse, white and silver – really typified what we were seeking: something cool, comfortable, fresh and modern.  With a green charger anchoring each setting, we completed each one with matching green chopsticks, a gorgeous dandelion salad plate, a deep soup bowl with scalloped sides, a smoked glass cup, and a smokey gray napkin.  Simple, modern, elegant.

We envisioned our setting as the perfect backdrop for an Asian-fusion meal of sushi and noodles.  So while we didn’t prepare a meal for the show, we used organic, Asian-inspired ingredients – baby green Thai eggplants, baby regular eggplants, and limes from Berkeley Bowl – to accessorize our place settings and play out our color scheme further.

THE ART

All this then only leaves our art to be discussed…. Wow, where do I start?  So I could easily write several posts just about our art, but I won’t and it wouldn’t do it justice anyways.  When Cary and I realized that our space would be clean-lined and spare, with walls mostly covered by rib lathe, we knew that we needed great art to bring some much needed texture, organic shapes and, most importantly, soul, to our single but prominent art area along the back wall.  We initially toyed with the idea of commissioning a local artist to create some very urbane, graffiti art to provide that juxtaposition between raw and refined, but that idea lost out when we though it might be a bit too edgy for what we were doing.  So without an artist in our back pocket, we turned to… Craigslist, of course.  A quick gig post later, we began to receive replies from local artists who were interested in the event and our concept.  But after reviewing many portfolios, only one artist stood out, Jamie Spinello, a San Francisco Art Institute graduate based in Oakland.  What drew us to Jamie’s work was her layered, textured mixed media pieces that used a multitude of materials, including upcycled materials.  Her work had a refined quality and organic aesthetic that we knew would work against the linear, museum-like quality of our space.  Moreover, Jamie’s initial email to me sounded authentic in her desire to create a piece that complemented our sustainability theme and highlighted DIFFA’s overall focus, AIDS research.  At our initial meeting where we discussed a possible collaboration, we essentially already decided together what her art would represent: the cell-based AIDS virus itself.  Given the aesthetic of the things that Jamie had done, this was like a no-brainer.  And what better way to pay homage to AIDS research, to bring awareness to the disease, to bring some levity and beauty to an otherwise sad disease, than through an art piece that depicted the AIDS virus itself.  We knew that this could be brilliant.  In Jamie’s own words, here is her statement about her piece, titled “Leukos Kytos”, made from plastic bottles, acrylic paint, photo paper, screen, duct tape, magazine paper, hot glue, nylon thread:

This work explores parallels in biological forms both internal and external. Leukos Kytos is inspired by white blood cells in the human body and images of the AIDS virus.  The result is a collection of ephemeral objects that could be easily read as underlying sea life as well as internal cell forms. All materials can be found in the local hardware store or recycling bin. The plastic forms consist of upcycled discarded objects (plastic bottles, magazines pages, discarded plastic photo paper).

Though Jamie and I were in regular communication, and she showed me concept sketches and in-progress pictures, the final result, which Cary and I only saw the night before, was better than we could have imagined.  The colors, forms, textures, and materials were amazing.  Like our space, the piece as pure art was amazing in and of itself; but when people hear and realize the story behind it, it is that much more astonishing.  As luck would have it, guess who we discovered on the day of the event was the sponsor for our table?  None other than Dr. John Greenspan and his wife Dr. Deborah Greenspan, world-renowned doctors and bonafide rock stars in the field of AIDS research.  Mr. Greenspan is the Director of the AIDS Research Institute at UCSF – the primary beneficiary of the entire DIFFA SF event – and by the way, one of the original co-founders of HIV disease. He was essentially DBD SF’s main client if you will.  We got lucky.  Do you think he loved the art?

PART 2: The Event

This HUGE post, just about making our space, has taken more than a week to write on and off, so I need to get it up.  But soon, I will finish this up with Part 2 to talk about the actual event itself, along with my professionally shot pictures.  As a preview, let’s just say it was a ton of work, but all worth it in the end, thanks to amazing feedback and support from the public as well as family and friends.

As part of my studio practice I work with found objects and multiples .This year my studio practice has brought to look further into the retail world and commodity. Using Hangers as my starting point to my studio practice, this year I decided to collect approx. 600+ hangers and counting,  from all high street shops collecting masses upon masses of hangers. Each week I have collected transparent hangers, wooden hangers, black plastic hangers, all serving the purpose for me to play with !

Image 1: First week and started in my studio Space seeing the potential to expand and explore possibilities of going outdoors

I decided to make the hangers a very 2D object  become 3D and come alive, I started connecting the hangers and through trail and error i managed to create 3 dimensional clusters of hangers. Seeing the potential I decided to branch out even more and expand my obsession and create monumental Sculptures

Image 2: I decided to go up in scale and not solely rely on structures alone.

In week three I decided to be brave and go out into the colleges foyer, an old listed building, I built in a large open space. I built around the stairs, the beams of the college and the supporting pillars. It was a challenge and was harder than the last time as I was building in a public walk way so lots of distractions was to be had from tutors to security telling me all about health & safety and ENDLESS hangers jokes. I managed to hang on… and create a whole room of hanger structures. I was happy as in different parts of the sculpture I  worked into it making it more complex,rigid and using tiebacks and fishing gut i created a claustrophobic sculpture.

Image 3: Being Challenged by the building I managed to bear all the hangers jokes and health & safety rules to build literally in space!

I learnt to confront the issue of space and working around with what I faced with and also the issues of working in  public areas and making compromises to abide certain rules. Over all I enjoyed the building in space and broke down a few creative barriers I once had.

All images are my own documentation for my studio practice

This essay dates from 2003 when I was undergoing an MFA at Glasgow School of Art (I know, it sounds like a surgical procedure). I am making the case for considering Sherrie Levine’s “rephotographs” within the tradition of still life, and how that affects their status as objects and how that might occasion a break from the “readymade”. Apologies for the bad pun in the title. I don’t think I was brave enough to actually put the essay forward under it, I just called it “I have never seen Sherrie Levine’s photographs…..”

Trifling with Sherrie

I have never seen Sherrie Levine’s photographs “After Walker Evans” or “After Edward Weston”[i] other than reproduced in books or magazines. Her position as a principal figure in the development of appropriation as a key postmodern practice in the late Seventies through the Eighties as one of the “Pictures” generation precedes her and is unassailable. Her work has carried the theoretical projections of numerous academics, critics and artists, and in a sense, seeing her work has never seemed to matter: the conundrums thrown up by her “rephotographs” have never seemed to depend on their materiality; the idea of her work as copies of another artist’s photographs has been more important than their actually being photographs.

As far back as 1983, Howard Singerman complained that though Levine’s work had been written about a great deal, “embedded in articles on “allegorical procedure, appropriation, and montage” (Benjamin Buchloh’s subject in an article in Artforum, September 1982). Or, and unfortunately more often, ( it is ) used as evidence in articles decrying the “small-scale skepticism” of recent art” [ii], it was rarely reviewed because it seemed to have no body of its own. Later, in “Seeing Sherrie Levine”, Singerman again remarks on his personal frustration with the tendency to reduce Levine’s work to strategy, wanting “to insist that there was something to look at, an object”[iii], yet he bypasses the object – reducing it to “the frames, the mat and the glass” – and looks instead at “an image”, assessing Levine’s work in psychoanalytic terms which foreground the issue of gender. So much of the discussion surrounding Levine’s rephotographs centres on the issues of ideological framing or originality or authenticity which arise from her appropriation of “readymade” images that the process of manufacture involved in those rephotographs has often been overlooked.

It is appropriately enough, a process that begins with Levine encountering reproductions of art in books or magazines as an undergraduate and graduate student in Wisconsin, and “a feeling of somehow being outside of the mainstream of the artworld” [iv] at a geographical level. Her process is directly linked to living on a periphery. Stated simply, Levine takes photographs of book plates. In as much, though photography is an inherently reproducible medium, she does not exploit its inherent reproducibility. She does not print serially from the “original” negative and through sheer multiplicity confuse the standards of authenticity that are rooted in the idea of the unique, the unrepeatable and irreducible. The questions serial reproduction pose for “authenticity” have moved from Walter Benjamin who in “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction” notes:

“From a photographic negative, for example, one can make any number of prints to ask for the “authentic” print makes no sense” [v]

through Rosalind Krauss in “The Originality of the Avant-Garde”, and are the basis for much of discussion initiated by Levine’s work. In that essay, Krauss bases her formulation of the copy on the notion of serial reproduction and a softer discourse of repeated form extrapolated from it. According to Krauss, serial reproduction and repetition are the unacknowledged facts of production for avant-garde and modernist artists, who, like her example – Rodin – are spuriously celebrated as geniuses endowed with a god-like creativity that enables them to give form from the void, when, in fact, they reproduce form and grammar – they copy. Consequently, her understanding of Levine’s rephotographs as work that does not repress the copy beneath multi-valanced fictions of “originality” (authenticity) as Modernist art does – as work that does not disguise the model it repeats – is underscored by the “hard” notion of serial reproduction: Krauss says, Levine’s work “seems most radically to question the concept of origin and with it the notion of originality” [vi], (her use of the word “radically” indicates her alignment of Levine with a “hard” notion of the copy).

It follows, for Krauss, that the main impact of Levine’s work is to put into circulation an image which looks exactly the same as another, pre-existent image, thereby opening that pre-existent image out to the art historical models and images it draws on and exposing, through duplication and multiplicity, the notion of originality as a fiction. Levine’s rephotographs can, however, only open out pre-existent images through the breaks they make with them and strict serial reproduction: the acute similarity between Levine’s work and, for example, that of Walker Evans, is only relevant in terms of difference, when, as Singerman says, “the original work….has been called on to defend itself from its double”[vii] . That a photograph by Levine is expressly and openly a copy is beyond doubt, but in formulating the notion of the copy through serial reproduction, the hair’s breadth fracture between Levine’s images and those of Walker Evans must stem primarily from the application of text: that is the difference introduced by title, (e.g. “After Walker Evans), or by the substitution of Levine’s name as author of an image composed by another. In Singerman’s reckoning, this textual analysis of difference in Levine’s work has led “any number of commentators” on Levine’s work to “link it to the readymade, usually the readymade in it what one might call its weakest form..as a performative speech act..The statement “This is a Sherrie Levine” enacts the condition, the contract or the transformation to which it refers”[viii]. The immediate problem with introducing difference between a pre-existent image and a copy as purely a construct of language is that the importance of the process of manufacture to the generation of difference is overlooked. The questions of why Levine’s awkward photography does not, or rather cannot, exploit inherent reproducibility are not given proper attention.

 At one level, there are fairly obvious physical differences between Levine’s “copy” and her pre-existent “source” image – imperfections associated with printing or book use; differences in scale. As Levine says: “The pictures I make are really ghosts of ghosts: their relationship to the original images is tertiary, i.e. 3 or 4 times removewd. By the time a picture becomes a book plate, it’s already been rephotographed several times.”[ix]

At another level, there is the political significance of Levine’s process of manufacture, alluded to briefly by Krauss in “The Originality of the Avant-Garde”: “her medium is the pirated print”[x]. Krauss calls Levine’s action a kind of “theft”, and implies an anti-authoritarian, anarchic gesture against the institution of property and property rights as well as that of “originality”, though in formulating the copy through seriality, she does not take proper account of the distance introduced by “pirating” and “theft”. In a sense, it seems entirely appropriate to refer to Levine’s rephotographs as “pirated”, for she picks up on seriality only in relation to another condition of reproduction mentioned by Benjamin – of crucial importance to pirates – one which;“put(s) the copy of the original into situations which would be out of reach for the original itself”[xi]. The gestural “theft” noted by Krauss would not occur were it not for secondariness of Levine’s source – a page in a book. In common parlance, pirating is a “parallel” activity usually involving the unsanctioned and illegal reproduction of software or music or video, although it also refers to the production of imitation, brand-name merchandise. Symbolically, it encompasses the notion of advanced technological possibility in reproducing recorded material, as well as the wide-spread recognition of desirable logos and brand-names on mass-produced goods. It is production at a degree of remove, parasitically dependent on a previous product and context, carried on in contravention of the profit-making motives of corporate distribution companies and producers. It is secondary reproduction of privately owned information circulating in the public domain.

Suzi Gablik picks up on the notion of Levine’s work as “pirated” in “Has Modernism Failed?”[xii], and interprets it as a critique of “commodity-orientated culture”. For Gablik, Levine’s work fails in this respect, as it is turned “into yet another saleable item within the framework of institutionalised art world distribution…at which point they become more parasitic than critical, feeding on the very system they are meant to criticise”[xiii]. The failure Gablik imputes into Levine’s work is the failure of Conceptualism: conceptualism’s flight from the object was a flight from commodification encumbered by the status of the artist. Conceiving of Levine’s work from a basis of serial reproduction and textual difference necessarily locates it within the discourse of Conceptualism. But Levine is not a “conceptual” artist, and makes no claim to critiqueing “commodity-orientated culture” from a position on the moral high ground outside it. Levine says, in direct response to Gablik: “My works were never intended to be anything but commodities. It’s taken a while for the work to sell, but it has always been my hope that it would”[xiv]. Levine combines a Warholian attitude to business and commercial models with a method of working, “pirating”, that feeds into what Nicolas Bourriaud calls “post-production”.

 Bourriaud, in his introduction to “Postproduction” notes: “an ever increasing number of artworks have been created on the basis of pre-existing works… This art of postproduction…contribute(s) to the eradication of the traditional distinction between production and consumption, creation and copy, readymade and original work.”[xv] He borrows the term “postproduction” from the editorial stage of video and film production to describe his understanding of contemporary appropriationist practices:

“Postproduction is a technical term from the audiovisual vocabulary used in TV, film and video. It refers to the set of processes applied to recorded material: montage, the inclusion of other visual or audio sources, subtitling, voice-overs and other special effects…”[xvi]

In using such a term, he foregrounds specific processes of manufacture, to an extent addressing the gaps left in appropriationist criticism that concentrate on seriality, authenticity and text. He also identifies the “dominant visual model” for postproduction artists as that of “the open-air market, the bazaar, the souk”[xvii] an unregulated, post-colonial site where artefacts and information are recycled and pirated through a bastardised and lopsided process of cultural exchange. Postproduction artists, like Superflex[xviii] who have used “bootleg”, brand-name shirts made in the Third World, are both pirating as a working method and as a comment on the global market conditions which give rise to it: pirating is one way of existing on the periphery in a commodity-orientated culture obsessed with reductive, brand-name recognition and official sanction, in art as in life.

Bourriaud considers appropriation only the first stage in postproduction, and limits Levine to an historical role, as a “Simulationist”. His “cultural landscape is marked by the twin figures of the DJ and the programmer” [xix], and, for all the relevance of “pirating” to readings of Levine’s work, Levine is not a postproduction artist.

I prefer to consider her “rephotographs”, (and her photographs of paintings and drawings), in relation to a much older model, that of still life. Like Bourriaud’s postproduction model, reading Levine’s work in relation to still life, (loosely defined as the depiction of inanimate or mundane objects), allows the difference between, (for example), Walker Evans’s pre-existent image and her copy to be construed in terms of manufacture and approach, not merely text. It also draws some interesting points made in relation to historical still lifes by Norman Bryson in his landmark study “Looking at the Overlooked” into the discursive ring around Levine’s work. To return to Krauss and the “Originality of the Avant-Garde” with the model of Levine as a producer of still lifes is to reconsider the figure of “the avant-garde artist (who) has worn many guises over the first hundred years of his existence: revolutionary, dandy, anarchist, aesthete, technologist, mystic” [xx] as the inheritor of what Bryson, (using Charles Sterling’s terms), considers the megalographic tradition in art – a tradition that extends a great deal further back than a hundred years. “Megalography is the depiction of those things in the world which are great – the legends of gods, the battles of heroes, the crises of history” [xxi]. It informs the highest genres of Academic art. Still life, being admitted to the Academic hierarchy only as the lowliest genre, forms a counterpart to megalographic  history painting: “Rhopography (from rhopos, trivial objects, small wares, trifles) is the depiction of those things which lack importance”[xxii]

The opposition between megalography and rhopography “does not exist in a vacuum: it is overdertermined by another polarity, that of gender”[xxiii] If this seems to recall Singerman’s concentration on the image, (and not the object), it is worth marking that he approaches gender psychoanalytically. Bryson’s approach to gender is rooted in the fact that “throughout its history, still life has been regarded as a genre appropriate for women to work in” [xxiv], and the domestic context of the mundane, “humble items” that are its subject matter. In her work, Levine – encountering “great” images in her personal space through books – approaches what is already validated and “megalographic” as a rhopographer – a still life painter – would, faithfully transcribing the particularity of what is before her with a degree of disinterest for achievement and individuality. She treats the great variety of her source images – from Walker Evans to Rodchenko – exactly the same, subjecting them to the same method of reproduction, printing them the same size, effacing not only her creative ego, but the ambitions of the artists whose work she uses.

Of course, the obvious point of connection between Levine’s work and the still life is made via the Duchampian notion of the readymade. Margit Rowell acknowledges that “a case may be made that certain readymades and other Dada experiements not only can be identified as variations on the still life theme, but, as such, posited a radically new interpretation of that genre” [xxv] in her catalogue essay for MOMA’s “Objects of Desire” exhibition in 1997, but she does not admit all readymades into the canon of still life. Duchamp’s “Bottlerack” – an unaltered “speech act”: this is art if I/the institution say it is – falls short for Rowell because it has “not been permanently deprogrammed of its initial function”[xxvi]. Levine’s so-called “speech-act” readymades pass Rowell’s test, (though none were included in what was a conservative trawl through received 20^th century art histories), for the initial function of their source image was always to be recognised as art, (in a book or magazine). Though the scholarship linking Duchamp and Levine is extensive, and Duchamp’s (sculptural) readymades have, to a large extent, been readily acknowledged as contributing to what critical development of “still life” there has been in the twentieth century[xxvii], there seems to have been a blindspot as far as conceiving of Levine’s work in such apparently simplistic and obvious terms goes – though she has stated (in 1996) that her rephotographs “are in a sense still lifes – the book plate as subject matter” [xxviii]. It may be that this blindspot is due, in part, to the general lack of scholarly interpretation of still life that Bryson bemoans in his introduction to “Looking at the Overlooked”. It may be that ideology of the art market and it’s oppositional dominance in readings of Conceptualism – a dominant force in developing appropriation as a practice – has led to the rhetoric of relevant criticism, (hence the position of a critic like Gablik).

It is somewhat distracting to view Levine’s still lifes as readymades, for it is only the source image and its vehicle which are readymade for Levine: as previously mentioned, she takes photographs of photographs, engaging in a process of depiction at a degree of remove from the object (an image in a book) she has before her – one of the distinct features of readymades is that they are not “depicted”. The crucial break she makes with pre-existent images is not only textual, but made through her process of depiction. Pragmatically, Levine has said that she uses theory and rhetoric retroactively to justify her work once it has been made, and her work has been simple enough to carry the projections of many commentators theorising postmodernism during the eighties: the dominance of interpretations of Levine’s work that concern the issues of originality, ideology and authenticity contained within the discourse of appropriated images (not occasioned by the faithful rendering of an image on a page), have been contingent on their historical period. Hal Foster points to the use of criticism as a “symbolic and symptomatic form” as well as a “conceptual tool” in “Return of the Real”, and to its role in “secretly” furthering agendas. Conceptualism – which has had a fundamental role in shaping appropriationist theory – has depended on the theoretical displacement, if not the dematerialisation, of the object/commodity for its political teeth. To employ still life as a model in considering Levine’s work is to deny that displacement and perhaps permit new readings that do not rely on “limited, even unconvincing” [xxix] canons of criticism to be made.

[ii] “Sherrie Levine: Richard Kuhlenschmidt Gallery, Artforum, September 1983

[iii] October 67, pp 78 – 107

[iv] Interview with Jeanne Siegel, ARTS magazine, Summer 1985

[v] “Illuminations”, p 218

[vi] “The Originality of the Avant-Garde”, p 168

[vii] “Sherrie Levine’s Art History”, p 98

[viii] ibid, pp 98 – 99

[ix] Interview with Jeanne Siegel, ARTS magazine, Summer 1985

[x] “The Originality of the Avant-Garde”, p 168

[xi] “Illuminations”, p 214

[xii] Quoted in the Interview with Jeanne Siegel, ibid.

[xiii] ibid.

[xiv] ibid.

[xv] “Postproduction”, p 7

[xvi] ibid.

[xvii] ibid, p 22

[xviii] “Recycling, postproduction and the art economy”, Will Bradley, Metropolis M Magazine

[xix] “Postproduction”, p 7

[xx] “The Originality of the Avant-Garde”, p 152

[xxi] “Looking at the Overlooked”, p 61

[xxii] ibid.

[xxiii] ibid. p 157

[xxiv] ibid. p 174

[xxv] “Objects of Desire”, p 71

[xxvi] ibid. p 74

[xxvii] even if, for Rowell, they must be his “assisted readymades”

[xxviii] “Sherrie Levine: South London Gallery”, Mark Durden, Art Monthly 10.96, p 51

[xxix] ibid.

BIBLIOGRAPHY

Books/Catalogues

Benjamin, Walter “Illuminations”, Fontana Press, 1992

Bourriaud, Nicolas “Postproduction”, Lukas & Sternberg, 2002

Bryson, Norman “Looking at the Overlooked: Four Essays on Still Life”, Reaktion Books, 1990

Foster, Hal “Return of the Real”, October Books (MIT Press), 1996

Gallagher, Ann “Still Life”, British Council 2002

Godfrey, Tony “Conceptual Art”. Phaidon, 1998

Harrison, Charles & Wood, Paul (editors) “Art in Theory 1900 – 1990”, Blackwell, 1992

Krauss, Rosalind E. “The Originality of the Avant-Garde & Other Modernist Myths”, MIT Press, 1986

Rowell, Margrit “Objects of Desire: The Modern Still Life”, MOMA, 1997

Article/Reviews

Bradley, Will “Recycling, postproduction and the art economy”, Metropolis M Magazine.  http://homepage.ntlworld.com/will.bradley/postproduction.html

Durden, Mark “Sherrie Levine: South London Gallery September 10 – October 20”, Art Monthly 10.96, pp 50 – 52

Kandel, Susan “Sherrie Levine: Stalker”, Art/Text 59, 1997, pp 66 -70

Siegel, Jeanne “After Sherrie Levine”, Arts Magazine, Summer 1985 http://www.artnotart.com/sherrielevine/arts.Su.85.html

 Singerman, Howard “Sherrie Levine: Richard Kuhlenschmidt Gallery”, Artforum, Sept 1993(http://www.artnotart.com/sherrielevine/artforum.09.83.html)

                        “Seeing Sherrie Levine”, October 67, Winter 1994, pp 78 – 107

                         “Sherrie Levine’s Art History”, October 101, Summer 2002, pp 96 – 121

 Taylor, Paul “Sherrie Levine plays with Paul Taylor”, Flash Art 135, Summer 1987, pp 55 – 59

To give my work some (more) context I will now look at works of artist who have done or attempted similar things to myself.

Robert Gober: when making my fountain mask I was told about the artist Robert Gober who works with objects that look like readymades but are actually handmade. He even alludes to Duchamp in his work three urinals. Maybe he’s referencing the holy trinity in a triptych like manner. I hope not, cos thats kinda the idea I’m leading into. I think the main reason I was told about the artist was due to whether I need to finish my mask off to the extremes of precision. Couldn’t find a picture of the three urinals but I did find one of this installation.

Fiona Jardine: Need to look up this artist more, but what I’ve seen is rather good. Rather.

I think its about representation, but it may also be about wall drawings, can’t remember what was the point of me looking at her right now, but I’m sure I will.

Zur Feier des Tages, es ist schließlich Sonntag, möchte ich die Artikelserie zum Modell 11343680 gerne abschließen. Die Lampe ist nun schon eine Weile fertig, es fehlten jedoch noch einige schöne Bilder von der ganzen Sache.

Viel mehr Worte sollen zu der ganzen Sache dann auch nicht verloren werden.. enjoy!

So, Anmerkungen, Fragen, Lob und Schimpfe einfach in die Comments.

mfg

RBT

Modell 1134680 :

• Reflektor – 1. Ansatz (1)
  
• Reflektor – 2. Ansatz (2)
  
• Kühlung (3)
  
• Abstandhalter (4)
• Elektrisches – Niedervolt (5)
  
• Elektrisches – Hochvolt (6)
• Impressionen (7)

Mit dem sechsten Teil der Artikelserie nähert sich das Projekt Modell 1134680 nun in großen Schritten der Vollendung. Auch wenn es auf den ersten Blick so scheint, als gäbe es nur noch wenig zu tun, haben die letzten Schritte nocheinmal ein halbes Wochenende gekostet.

In Teil 5 wurde ja in 1. Linie der obere Teil der Lampe mit der Niedervoltverdrahtung erklärt, in Teil 6 soll es nun um die untere Schale gehen. Dort ist der Treiber der LED untergebracht und daher befindet sich dort auch die 230V Zuleitung.

Hier ist die noch unbearbeitet Unterschale zu sehen. Um die KSQ hier zu montieren hätte es eigentlich keiner weiteren und umfangreichen Umbaumaßnahmen bedurft. “Irgendwie” hätte man das Teil dort in jedem Fall anflanschen können, im Zweifelsfall mit Siemens Luftankern oder Ducttape. Das Zentrum des Reflektors, das die Schale später mal nach oben abschließen soll, war für meine Begriffe noch etwas langweilig. Die glatte Fläche dort auf der Oberseite, dort wo das Aluminiumblech gespannt worden war, lechzte geradezu nach irgendeinem kleinen Gimmick. Da ich auch kein großer Freund von Inline-Schaltern irgendwo im Kabel bin, war klar : Hier muss ein Schalter hin. Die Restekiste verbarg leider keine passenden Teile mehr. Um die Symetrie nicht zu gefährden, musste es natürlich auch ein möglichst flach bauender Druckschalter sein. Sowas für 230V aufzutreiben war gar nicht so einfach. Beim kleinen P konnte man dann aber noch ein paar Inline-Lampenschalter auftreiben. Qualitativ und haptisch bewegt sich das ganze natürlich weit unter ALPS-Standard, aber was flacheres war irgendwie nicht zu bekommen.

Gemessen habe ich natürlich nicht, grobes Augenmaß musste reichen und so kam es, wie es kommen musste, immer noch zu hoch alles. Ohne komplizierte Hebelkonstruktionen musste der Schalter in jedem Fall irgendwie noch auf der KSQ montiert werden, im Zentrum des Reflektors. Auf dem obigen Bild sollte man die alte Fassung für das Motorlager noch gut erkennen. Die Erhebung in der Mitte der Unterschale, dort wo mal das festgerostete Kugellager sass. Dort verbargen sich noch 2 wertvolle Zentimeter.

Also schnell rauf auf die Drehe das Teil…

und den Krams abgedreht.

Das entstandene Loch in der Mitte wurde dann auch gleich wieder mit einem Alublech verschlossen. Modern wie wir sind, wurde alles geklebt. Die 2-Komponenten-Epoxyharz-Kleber der “Fest”-Reihe von Uhu eignen sich vortrefflich für so etwas. Habe bisher sowohl Endfest als auch Schnellfest verwendet und bin insgesamt sehr zufrieden damit. Im gleichen Zug mussten dann auch die Ecken des KSQ-Gehäuses weichen. Die Orginalbohrlöcher waren in meinen Plänen nicht weiter wichtig und ohne etwas trimming hätte die KSQ auch nicht gepasst.

Die Kabeldurchführung sollte dem Industrie-thema ebenfalls angemessen sein…

Wegen die Sicherheit … wurden dann auch noch Alubleche gebogen,welche die Schlitze in der Unterschale verschließen. Es wäre ja schade wenn unbedarfte Finger da mal hinei’lange und sich nen derben Schlag holen würden. Das sollte zwar bei ordentlicher Verkabelung schon nicht passieren, aber man weiß ja nie, der Teufel ist schließlich ein Eichhörnchen! Die Bleche haben auch noch den schönen Nebeneffekt, dass so auch keine Blicke auf die eher hässliche Netzteilgeschichte da unten werden können.

Die Bleche sollen nur gegen unbefugten Zugriff schützen, ein wenig Frischluftzufuhr ist durch die schmalen Schlitze weiterhin gegeben.

Befestigt wird die KSQ zukünftig mit dieser Halterung. Die Rohre sind einen Tick kürzer als die KSQ hoch ist und wenn die Schrauben einmal angezogen sind, bewegt sich da garnichts mehr.

Mit einem kleinen Stück Polystyrol lässt sich mit wenig Aufwand eine Zugentlastung fürdie 230V Zuleitung bauen.

Die Zugentlastung befindet sich auf dem Bild oben rechts, bereits am Kabel montiert. Das seltsame Kupferblech auf der Trägerplatte für den Schalter muss noch auf eine der 3 Schrauben montiert werden. Die hochgebogenen Ecken sollen verhindern, dass sich das Erdungskabel versehentlich löst.

Was noch fehlte war ein passender Knopf zu der ganzen Geschichte. Meinen ersten Versuch, hier im Bild, habe ich etwas entnervt aufgebeben. Alu in den Dimensionen lässt sich nicht mehr gut händisch drehen und es dauert einfach eeeeewig, bis man einen vernünftiges Resultat in den Händen hält.

Also das ganze schnell in CAD skizziert und an ähem “externe” Dienstleister outgesourced ^^.

Die Farben haben nichts zu sagen, rot ist die bewegliche Kontaktfläche, grau der Zierring drumherum. Beides wird aus Alu gedreht …

So soll es dann irgendwann mal aussehen. Die 3 Stützen lassen genug Raum, um den Schalter von allen Seiten einfach erreichen zu können.

Zum Abschluss des ganzen dann noch ein Bild des Schalters inklusive der Verkabelung. Schalter, Ring und Tastfläche wurden auch mit 2k Kleber fixiert. Sieht vieleicht nicht so schön aus, ist aber schnell und einfach zu bewerkstelligen…

Achja, die Lampe ist damit fertig . Also so wirklich und ohne Aussicht, sich noch einmal in irgendwelchem “Kleinkram” festzubeißen. Insgesamt hat sich der Bau fast über 2 Monate sporadischer Arbeit hingezogen, Bilder von dem fertigen Kunstwerk gibt es dann im Laufe der nächsten Tage. Die Finalbilder sollen noch mit einer ordentlichen Kamera gemacht werden und nicht nur mit meiner ollen Knipse.

mfg

RBT

Modell 1134680:

• Reflektor – 1. Ansatz (1)
  
• Reflektor – 2. Ansatz (2)
  
• Kühlung (3)
  
• Abstandhalter (4)
• Elektrisches – Niedervolt (5)
  
• Elektrisches – Hochvolt (6)
• Impressionen (7)
  

LEDprojekte:

HP-LEDspot
Ambilight
Nachttischlampe

Wissenswertes:

Ledtechnik (1)

So, im fünften Teil der Serie verschiebt sich der Fokus von den eher grobschlächtigen handwerklichen Tätigkeiten hin zu den elektrischen Komponenten der Lampe. Großartige Schaltungsentwürfe meinerseits wird man hier jedoch vergeblich suchen, der Treiber ist nur Großserie. Im Detail wird in diesem Artikel auf Ceranfeldlöten, die Befestigung der LEDs, die Verkabelung und abschließende Tests des Thermalmanagements eingangen.

Die vergangenen Tage habe ich auch noch dazu genutzt ein Logo und Headerbild für die Lampenartikel zu entwerfen, ich hoffe es gefällt. Besten Dank an dieser Stelle an JNGD für die knackigen Fotos. Mit meiner Kompaktknipse bekommt man sowas einfach nicht hin, nichtmal annähernd. Damit sollte dann auch eventuelles Rätselraten um die Namensgebung beendet sein.

In der neuen Wohnung ist erfreulicherweise ein Ceranfeld vorhanden. Die neuen Möglichkeiten wollen natürlich ausgeschöpft werden und so kann an dieser Stelle auch gleich eine Handreichung zum Ceranfeldlöten eingebaut werden. Das Löten mit dem Ceranfeld oder anderen Herdplatten stellt einen Versuch dar, indutrielle SMD-Lötverfahren auch mit Haushaltsmitteln zu bewerkstelligen. Dort wird unter anderem auch mit Heizplatten gelötet, auch wenn die vorherrschende Methode wohl der Heißluftofen ist.Wer sich schonmal durch Datenblätter für elektronische Bauteile gewühlt hat, dem sollten die Grafiken für den Lötprozess bekannt sein. In den Datenblättern finden sich detailierte Angaben über die verschiedenen Stufen des Prozesses, bes. über die erforderlichen Temperaturen relativ zur Zeit.  Die sich daraus ergebenden “ramps” lassen sich unter solchen Ghettobedingungen natürlich nicht nachbilden, aber es ist zumindest der Versuch unternommen worden sich dem ganzen etwas anzunähern. Nach dem etwas vergeigten letzten Versuch sollte es diesmal etwas professioneller Zugehen (das letztemal war zwar kein #Fail epischen Ausmaßes, die LEDs laufen noch, aber gesund war es bestimmt nicht für die Halbleiter).

Gelötet werden Seoul P4 in warmweiß auf Stripeplatinen aus Aluminium. Alukernplatinen habe ich in erster Linie verwendet, um die LEDs gegen den Kühlkörper zu isolieren und trotzdem eine thermische Verbindung zu schaffen. Die Kühlfläche der LED ist leider nicht potentialfrei, sonst hätte man sie direkt auf den KK kleben können. Grundsätzlich  lässt sich aber auch FR4 oder ähnliches Material auf der Herdplatte löten. Warmweiße LEDs sind ihren kaltweißen Geschwistern zur Zeit noch nicht ebenbürtig, was Lichtleistung und Effizienz betrifft. Die Lampe ist jedoch auch nur als Dekoobjekt geplant und da ist eine Möglichst hohe Lichtleistung eher nebensächlich. Farbtreue und Lichtfarbe stehen da im Forderungskatalog an deutlich höherer Stelle.

Schritt 1 im Lötprozess. Die Platine wird aufgeheizt. Es genügt dabei die Platte auf die kleinste Heizstufe einzustellen, um so ein paar Gramm Aluminium aufzuheizen benögt es kein kW. Zu viel Hitze kann sogar ausgesprochen schädlich für die Platine sein, da sich dann die einzelnen Schichten wieder voneinander lösen können.

Im zweiten Schritt wird die Platine dann verzinnt. In diesem Fall handelt es sich um gewöhnliches bleihaltiges Lot von der Rolle. Die Kontaktflächen im Vordergrund bleiben ersteinmal blank, die im Hintergrund sind bereits verzinnt. Der Unterschied sollte deutlich zu erkennen sein. Während des Verzinnens muss die Platine nicht zwangsläufig auf der Heizfläche verbleiben. Um die angesprochenen Hitzeschäden zu vermeiden, kann man sie auch schnell wieder von der Platte schieben, wenn das Lot an einer Stelle aufschmilzt. Die Restwärme reicht dann oft noch für ein paar Kontakte. Lieber zwischendurch mal wieder aufheizen, als die Platine zu fritieren.

Auf die noch warme Platine mit dem schon erstarrten Zinn können dann vorsichtig die LEDs gesetzt werden. Großen Schaden wird die Restwärme wohl nicht anrichten, im Heißluftverfahren sind ebenfalls Vorwärmphasen vorgesehen, die auch mit deutlich über 100° C gefahren werden. Wenn die Bauteile etwas vorgewärmt sind ist die Wahrscheinlichkeit für Risse auch deutlich geringer, da die Temperaturunterschiede nicht so groß sind.

Die Platine samt LEDs wird nun einfach nochmal auf die Heizfläche geschoben und man wartet bis LEDs in das Lot einsinken. Das ist kein langsamer Prozess, sondern spielt sich in Sekundenbruchteilen ab, man sollte die Dinger daher nicht aus den Augen lassen. Sobald die Bauteile etwas eingesunken sind, muss die Platine vorsichtig auf die kalte Fläche zurückgeschoben werden. Da das Zinn noch flüssig ist, muss man dabei große Vorsicht walten lassen. Ein kleiner Ruck und die Bauteile verrutschen und es kann so evtl zu einem Kurzschluss kommen. Eine Korrektur ist in aller Regel nicht mehr möglich, bis das Zinn wieder erstarrt vergehen auch nur ein paar Sekunden.

Es sollte auch nun auch klar sein, warum man hier oft von der Ceranfeldmethode spricht. Das Verfahren lässt sich natürlich auch auf herkömmliche Herdplatten übertragen, es ist jedoch durch die “Stufe” deutlich unbequemer die Platine sauber auf eine kalte Fläche zu schieben. Wer bereits Lotpaste besitzt kann sich natürlich die Schritte 1 und 2 sparen. Das Verzinnen geschieht dabei auf kalter Platine und ein einmaliges Aufheizen genügt um Bauteile und Platine zu verbinden.

Im Anschluss daran wurde die Platine einfach zersägt und Einzelteile mit einkomponentigem Wärmeleitkleber auf den LEDträger geklebt.

Die Stromversorgung verläuft über zwei der drei dünnen Stützen. Das Kabel dürfte einen Querschnitt von 1,5mm² haben.

Das Gussgehäuse bekam natürlich auch noch eine entsprechende Bohrung verpasst.

Ein kleiner Test des Setups im Vergleich mit der Schreibtischlampe (3x Seoul P4 KW @ 350mA vs. 4x Seoul P4 WW @ 700mA).

Im direkten Vergleich mit den KW LEDs mag die Lichtfarbe noch sehr warm gewirkt haben, dieses Bild gibt die tatsächliche Farbe meiner Meinung nach deutlich besser wieder. Für meinen Geschmack ist das ganze immer noch ne ganze Spur zu kalt und ich muss wohl mal mit gelben oder orangen LEDs experimentieren.

Um mich nicht nur auf Schätzwerte verlassen zu müssen, wird diese Lampe ordentlich vermessen. Um der Chiptemperatur möglichst nahe zu sein, wurde nach Möglichkeit an der Kathode der LED gemessen. Am KK selbst hat es natürlich auch Tests gegeben, ausschlagebend ist jedoch immer die Chiptemperatur.  Es hätte auch irgendwo ein großer Wärmewiderstand auftauchen können, der den KK angenehem kalt hält im Endeffekt aber die LEDs isoliert. Die hätten sich in Folge dessen dann langsam selbst gegrillt.

Gemessen wurde mit dem kleinen Digitalthermometer im Vordergrund. Angeblich sind die Dinger auf ein halbes Grad genau, etwas besseres war leider nicht greifbar. Ich habe mir für die Tests mal ein paar Nachmittage Zeit genommen und umfangreiche Testreihen gemacht, mit dem Thermofühler an verschiedenen  Positionen, mit Streuscheibe und ohne, auch mal ohne Wärmeleitpaste zwischen den KK-Teilen usw. Leider ist der Zettel mit den Aufzeichnungen (10min Intervalle) verschwunden, daher an dieser Stelle nur das Fazit aus dem Gedächtnisprotokoll. Bei 22° Raumtemp erreicht das finale Setup ca. 48° an der Kathode (Testdauer jeweils 3h). Der Kühlkörper ist nur ca. 5° kühler und auch über sämtliche Einzelelemente ungefähr gleich warm. Die Differenz beträgt da trotz diverser Grenzschichten nur 2-3°. Wärmeleitpaste (standard Silikon) hatte praktisch keinen messbaren Effekt, die  Streuscheibe dafür um so mehr. Ohne die sind es ca. 4° weniger, das scheint die Konvektion doch sehr gut auszubremsen. Der zusätzliche kupferne KK bringt fast 10° und hat damit die Mühen mehr als gelohnt.

mfg

RBT

Modell 1134680:

• Reflektor – 1. Ansatz (1)
  
• Reflektor – 2. Ansatz (2)
  
• Kühlung (3)
  
• Abstandhalter (4)
• Elektrisches – Niedervolt (5)
  
• Elektrisches – Hochvolt (6)
• Impressionen (7)

LEDprojekte:

HP-LEDspot
Ambilight
Nachttischlampe

Wissenswertes:

Ledtechnik (1)

So es wird mal wieder Zeit für “Innovationen” auf Botchjob. Der Umzug in etwas bessere Wohnlagen meines kleinen Städtchens hat mich geographisch auch näher an den lokalen Schrottplatz verpflanzt. Diesen Umstand empfinde ich als ausgesprochen angenehm, da sich die Anfahrt zum Schrottie um satte 10-15 Minuten verkürzt hat. Da sinkt die Hemmschwelle “mal ebend” auf dem Platz vorbeizuschauen doch erheblich. Leider sind die “Öffnungszeiten”, nicht so wahnsinnig studentenfreundlich, um 16:00 sind bereits alle Schotten dicht, und da ist man als fleißiger Studi natürlich noch in der Uni. Hin und wieder schafft mans aber doch mal da durch die Container zu stromern.

Der Langen Rede kurzer Sinn, in Zukunft werde ich unter dem Schlagwort “Schrottplatzfunde” immer mal wieder bloggen, was man da so abgegriffen hat. Der Einfachheit  halber werden auch alle Sperrmüllfunde unter dieser Kategorie verbucht. Einwände ? Keine, gut so

Heutiger Fang:

Bilanz: 1x Schlüsselschrank Verteilerkiste, 1x Aluwelle Ø ca. 70mm, 2x Alurohr, kaneliert Ø ca. 50mm, sonstiges Alugeröhre, Alu4kantprofil 60×60x5mm, Kerzenständer Zahnräder,

mfg

RBT

Thanks to our cyber-doppelgangers, the Johnsons in Eureka, California, for posting a link to Two Cats on their ReadyMade blog, Keeping up with the Johnsons.

The Johnsons are Garth and Claire, an artist couple who recently bought a 1905 Victorian in Eureka and are in the process of fixing it up. I posted a comment to their blog the other day, and the next thing I know, Garth featured Two Cats in a blog entry.

I’m a big fan of ReadyMade magazine, so we’re really excited to enlarge our audience to include the ReadyMade crowd. Thanks for the shout-out, Garth and Claire!

My latest on ReadyMade:

Because Throw Pillows Don’t Grow on Trees

Please read and comment. Pwetty pwease?

Langsam aber sicher nähert sich mein aktuelles Lampenprojekt der Vollendung. Der gefloppte Reflektor aus einem lange zurückliegenden Versuch wurde durch ein deutlich schöneres Modell ersetzt. In dem Zug konnte auch gleich die Streuscheibe aus Polystyrol gefertigt werden. Danach  stand dann der Versuch, eine ausreichende Kühlung für die 4 LEDs bereitzustellen auf dem Programm. Der ursprüngliche Plan, nur mit Aluminium zu arbeiten, musste zugunsten eines großen Kupferkks aufgegeben werden. Nachdem auch diese Hürde übersprungen war, sollen heute die Proportionen der Lampe fixiert werden. Da die Ober- und Unterschale bereits “fix” sind, bleibt nur die Frage des Abstands zwischen den beiden.

Da ich mir in diesem Fall selbst noch etwas unsicher war, wurde zu Beginn erst einmal eine einfache Skizze in Sketchup erstellt. Auf irgendwelche Details wurde großzügigst verzichtet, für solche Spielereien war dann doch irgendwie keine Zeit!

Sich in Details zu verlieren hätte auch wenig Sinn gemacht, es ging einzig und allein um die Abstände zwischen den Schalen.

Nachdem eine Variante für gut befunden worden war, konnte es an die Umsetzung gehen.

Manchmal siegt ja auch die Faulheit und so habe ich mir für die 3 Stützen mal eine kleine Drehbanksession gegönnt. Da lässt es sich deutlich angenehmer arbeiten als an der Drechselbank. Im Futter rotiert gerade eine 8mm Stange Aluminium. Nachdem die Enden plan gefräst worden waren, wurde ein 4mm Loch komplett durchgebohrt. Röhrchen mit der Wandstärke gab es leider nicht bei meinem lokalen Metallwarenhändler.

Das eine Ende wurde dann noch auf 6mm Aufgebohrt um ein Alurohr mit entsprechendem Durchmesser aufnehmen zu können.

Was am einen Ende innen, wurde am anderen Ende außen abgenommen.

So passen die Zylinder perfekt in die alten Aufnahmen der Verschraubung.

Um den industriellen Touch noch etwas zu verstärken sollten die Stützen an Hydraulikzylinder erinnern. Zu den “Druckzylindern” fehlen daher noch die entsprechenden Kolben. Um schönere Proportionen zu erhalten, sollen diese deutlich länger sein als die Zylinder. Da hier nichts abgedreht werden muss, kann auch an der heimischen Drechselbank weitergearbeitet werden. Im Orginal wären die Kolben natürlich verchromt und poliert, hier muss poliertes Aluminium als Imitat reichen. Leider sind die fertigen Aluhalbzeuge  aus dem Baumarkt sehr sehr gut eloxiert. Mit grobem Schleifpapier lässt sich diese jedoch ganz passabel entfernen. In Zukunft werde ich es jedoch mal mit Rohrreiniger probieren (enthält viel  NaOH ). Nach dem groben Schleifen konnten die Rohre dann Schritt für Schritt aufpoliert werden. Mit hohen Umdrehungszahlen ist dies in wenigen Minuten erledigt.

Die nächste Anprobe verlief ebenfalls zufriedenstellend…

Die Kolben werden im Gegensatz zu den Zylindern nicht einfach gesteckt, sondern verschraubt. Das obere Ende bekam daher noch ein M5-Gewinde verpasst. Mit 4mm Innendurchmesser ist das vorhandene Loch zwar eigentlich einen halben Milimeter zu groß für ein M5-Gewinde, aber mit diesen Schrauben sollen auch keine Elefanten angekettet werden. Wenn da ein Gewinde ausreißt, wären vorher schon ganz viele andere schlimme Dinge mit meiner Lampe passiert, die mir wohl die Tränen in die Augen treiben würden.

So, spätestens jetzt sollte klar sein wie die Lampe später einmal aussehen wird.

Als kleiner farbiger Akzent wurden die Zylinder dann noch gelb lackiert. Die schwarzen Spuren am unteren Ende sind dabei durchaus beabsichtigt. Etwas trockener Farbnebel lässt die leuchtend gelbe Farbe ein wenig schmutziger / öliger ausschauen. Ein wenig Patina muss sein, auch wenn sie künstlich ist. “Saubere” Anbauteile hätten auch nicht zu dem schon dezent vergammelten Alugussteilen gepasst.

mfg

RBT

Modell 1134680:

• Reflektor – 1. Ansatz (1)
  
• Reflektor – 2. Ansatz (2)
  
• Kühlung (3)
  
• Abstandhalter (4)
• Elektrisches – Niedervolt (5)
  
• Elektrisches – Hochvolt (6)
• Impressionen (7)

LEDprojekte:

HP-LEDspot
Ambilight
Nachttischlampe

Wissenswertes:

Ledtechnik (1)

(from addair)

I love the way architecture can reflect the story of a place.  And even contribute to the writing of it.

i think we'd be healthier if our design had closer ties to its local environment

“sprouting infrastructure”, which also explores the possibility of better design, placed at last night’s show.  Thanks, jurors.  If you didn’t get to make it out last night, you can see the painting and some thoughts at altdaily.com

(above image inspired by a photograph in the latest issue of Readymade)

Willkommen zu Baubericht Nummer 3.

Für Neueinsteiger empfiehlt sich sich ein Blick in ersten beiden Teile, um einen Überblick zu bekommen, was sich konzeptionell hinter dem kryptischen Namen verbirgt. Inhaltlich drehten sich die ersten beiden Artikel um die Herstellung des Reflektors für die Unterschale. Zwei Texte zu dem Thema mögen etwas auslandend wirken, für die Produktion der zwei Prototypen wurden jedoch zwei völlig verschiedene Ansätze getestet.

In diesem dritten Teil wird der Fokus auf einem sehr zentralen Thema liegen, der Kühlung. HP-LEDs sind Leistungselektronik und müssen dem entsprechend gekühlt werden. Eine möglichst niedrige Temeperatur ist wichtig um die Lebensdauer der kleinen Lichtschleudern nicht zu sehr zu verringern. Näheres zu der Verarbeitung von HP-LEDs entnehmt bitte dem How-To zu genau diesem Thema.

Die KSQ der Wahl liefert 700mA für 3-4 LEDs. Was man hat, das nutzt man auch. Die Kühlfläche muss also groß genug sein, um ca. 10W abführen zu können. Da die Lampe eher als Deko- und Ambientbeleuchtung gedacht war, spielt die absolute Lichtleistung keine große Rolle. Der Schwerpunkt liegt daher klar auf Lichtfarbe und einer homogenen Ausleuchtung. Warmweiße Seoul P4 LEDs hatte ich gerade auf Halde und da lag es nah, auch solche zu verwenden. Um eine gleichmäßige Ausleuchtung zu erreichen sollten es dann auch gleich 4 von diesen werden, bei 130° Abstrahlwinkel überlappen die Lichtkegel dann noch ausreichend.

Im ersten Schritt wird ein Sockel für die LEDs gefertigt. Basismaterial ist 8mm Alu aus der Restekiste. Das Loch in der Mitte war schon vorhanden und sollte sich im Laufe der Montage als ausgesprochen hilfreich erweisen. Die Position der LEDs war so gewählt, das sie nach schräg unten aus der Lampe herausstrahlen sollen, um eine möglichst große Fläche des Tisches zu beleuchten. Die angerissenen Linien in den roten Streifen auf dem Aluteil markieren die Bereiche, die angefast werden sollen. Mangels Fräse muss dies alles von Hand geschehen, sprich mit Bügelsäge und Feile.

Für das Finish des LEDträgers habe ich dann jedoch eine Kantenschleifmaschine verwendet. Schneller und vor allen Dingen sauberer hätte man das von Hand kaum hinbekommen. So ein Gerät eignet sich jedoch nur dafür, die letzten 0,5-1mm abzunehmen, wenn man keine speziellen Metallschleifbänder aufgezogen hat. Ohne Anschlag geht es in diesem Fall auch nicht, das grobe (80er?) Schleifpapier zieht einem das kleine Aluteil ohne groß Federlesen aus der Hand.

Dank hoher Rotationsgeschwindigkeit des Schleifbandes bekommt man auch mit sehr groben Körnungen eine sehr glatte Oberfläche zu stande. Wenn man diese Teile oft mit bloßen Fingern berühren muss, ist es dringend angeraten die Kanten zu brechen. Direkt nach dem Schleifen sind sie messerscharf und irgendein Finger muss immer dran glauben

Die LEDbasis liegt leider viel zu tief in der Oberschale. Ein großer Teil des Lichts wäre dort einfach “hängengeblieben”. Lösung des Problems: Ein “spacer”. Material ist auch Restekistenalu (6mm), dankenswerterweise ebenfalls mit Loch. Grob vorgeschnitten wurde mit der Stichsäge, die restlichen 2-3 mm Übermaß konnten dann auch auf der Drechselbank problemlos abgedreht werden. Gespannt wird mal wieder auf einem Hilfsfutter aus Spanplatte.

Gedreht wird mit einem herkömmlichen Drehstahl in einem speziellen Griffstück…

Das Ding dort in der Mitte…

Der Blick nach Innen…  Gehäuse, Spacer und LEDbasis können entlag der alten Achse des Motors mit einer M8 oder M10 Schraube verschraubt werden. Eine solch massive Schraube garantiert einen hohen Anpressdruck und damit auch geringe thermische Übergangswiderstände zwischen den Einzelteilen. Das Alugehäuse soll natürlich ebenfalls als Kühlfläche benutzt werden. Die Kantenlänge der LEDbasis ist so gewählt, dass auf ihr die bekannten Aluminium Stripe-Platinen Platz finden.

Wie man auf diesen Foto sehr gut erkennen kann, war die Gussoberfläche unterhalb des Spacers alles andere als geeignet, einen guten Kontakt zwischen Spacer und Gehäuse herzustellen. Mangels Fräse musste auch hier wieder zu Hausmitteln gegriffen werden. Der Spacer wurde einseitig mit Schleifpapier beklebt und dann in kreisenden Bewegungen durch das Gehäuse bewegt.

Dieses Spiel wurde mit verschiedenen Körnungen gespielt, bis eine plane Fläche erreicht war. Die letzten Riefen wurden dann mit Nassschleifpapier und Polierpaste entfernt.

Im Anschluss an die Schleiferei konnte dann auch der erste Test mit einer LED durchgeführt werden. Die 4Chip Cree- MC-E dürfte in etwa die gleiche Verlustleistung haben wie 4 einzelne Emitter von der Konkurrenz (mit gleichen Chips).

Das Testsetup war noch nicht optimal. Der Spacer war noch nicht poliert, die einseitige Verspannung des Ledträgers führte zu einer kleineren Kontaktfläche und die Schraube selbst war auch noch etwas unterdimensioniert. Die Streuscheibe fehlte ebenfalls noch, verbesserte das Ergebnis jedoch eher in die positive Richtung, da so die Luft besser zirkulieren konnte. Insgesamt war das Ergebnis jedoch ernüchternd. Schon nach wenigen Minuten war der Ledträger ziemlich warm (~ 50°) und auch das Gehäuse hatte sich deutlich erwärmt. Immerhin schienen die Übergangswiderstände nicht all zu hoch zu sein, die Konstruktion noch einmal nachzubessern war jedoch alternativlos.

Da an den Übergangswiderständen wohl nicht mehr viel herauszuholen war, musste mehr Oberfläche geschaffen werden. Der Zusatz-Kühlkörper soll im Gegensatz zum Rest der Kühlfläche aus Kupfer gefertigt werden. Die Aussparungen für Presspassungen oder Schrumpfteile wären mir einfach zu aufwendig geworden – jetzt wird verlötet. Die Spaltmaße können dann auch etwas großzügiger gewählt werden. Das Lot füllt wohl auf was ich zu viel weggenommen habe. Mit Aluminium bekomme ich das noch nicht hin, daher der Rückgriff auf Kupferblech.

Mit der Feile noch etwas in Form bringen…

… und dann grob auf der Grundplatte positionieren.

Im Anschluss daran kann dann auch gelötet werden. In diesem fall alles hart, das wollte ich eh schon mal lernen und ein KK ist noch was anderes als ein paar Fittings. Die schwarzen Spuren werden nur im Bereich der Kontaktflächen entfernt. Die Patina ist durchaus gewünscht und passt sehr gut zu den ebenfalls schön gealterten Gussteilen.

In der Zwischenzeit ließ sich auch eine ordentliche Schraube auftreiben. Die Position des Grundblechs des KKs ist zwischen Spacer und LEDbasis (fehlt hier). Die große Kühlfläche sollte möglichst nah an den LEDs positioniert werden.

Der ein oder andere mag sich fragen warum die Kupferrippen regelmäßig angeordnet sind, obwohl es die Aussparungen im Alu nicht sind. Das ist schon bewusst so geschehen, die radial angeordneten Bleche sollen an die einfachen Lüfter erinnern, die sich in ähnlicher Form oft in solchen Motoren finden. Mit dem ZusatzKK gelangt auch Kupfer wieder in den Materialmix, aus dem es mit der Entfernung des Stators verschwunden war.

Ob die Löterei etwas gebracht hat wird sich im nächsten Teil herausstellen.

mfg

RBT

Modell 1134680:

• Reflektor – 1. Ansatz (1)
  
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• Impressionen (7)

LEDprojekte:

HP-LEDspot
Ambilight
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Wissenswertes:

Ledtechnik (1)

After a very busy past few weeks, I treated myself to a little magazine reading in bed this morning. In two of my favorite magazines I discovered a new trend — converting old suitcases into amazing storage. Love it!
(left, ReadyMade and right, Bust)

I really enjoy that both make-overs are food related but each could be used for a variety of different items: books, tchochkes, little framed photos.

ReadyMade published their project online here, but you should really buy a copy of both magazines for all the other amazing stuff, including some friends of mine! In ReadyMade you can read tips on how to buy a house from Garth Johnson and Claire Joyce, and in Bust you can read sewing tips for repairing your clothes from Kelly Rand.

there is a light that never goes out 9/10/09 (readymade, photographic print)

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]]> http://botchjob.wordpress.com/2009/10/16/baubericht-modell-1134680-2/ Fri, 16 Oct 2009 08:50:46 +0000 rbt http://botchjob.wordpress.com/2009/10/16/baubericht-modell-1134680-2/

Heute gibt es wie versprochen den nächsten Eintrag rund um mein neues Lichtlein. Im ersten Artikel drehte sich thematisch noch alles um die ersten Schritte einen “brauchbaren” Reflektor zu formen, in diesem möchte ich an der Stelle einhaken und darlegen, wie Reflektor – Versuch #2 das Licht der Welt erblickte. Im Februar war ich mit meinem erzielten Ergebnis noch leidlich zufrieden, aber wie das so ist wenn man ein halbes Jahr Zeit hat sich um so ein Thema nen Kopp zu machen, ist man auch irgendwann überzeugt es auch noch besser hinzubekommen. Soviel sei verraten, mit dem aktuellen Ergebnis bin ich zufrieden, sehr sogar.

Neues Verfahren … neues Glück.

Streng genommen sollte auch der erste Reflektor rotationssymetrisch sein. Wenn man Metertoleranzen anlegt war er das auch bestimmt, aber an einem so grazilen Lämpchen wie dem meinen konnte man schon sehen, dass es “Handarbeit” war.  Es musste also ein Weg gefunden werden das Blech anders zu verformen. Das naheliegendste war natürlich es tatsächlich in Rotation zu versetzen (funktioniert bei den Spanhebern ja auch wunderbar), also rauf das Ding auf die Drehe.

Aber Moment, nicht so schnell … ! So ganz freihand kann man so etwas bestimmt nicht formen. Es wird daher noch eine Form benötigt. Der Einfachheit halber wird die aus Holz gefertigt. Das kann man, die richtigen Werkzeuge vorrausgesetzt, sehr schnell und günstig in Form bringen.

Der alte Reflektor hier im Bild dient nur als grober Anhaltspunkt, um die Größe des benötigten Holzklotzes abschätzen zu können. Das Grundmaterial ist ein alter Leimbinder, schön dick und lag halt rum

Der Klotz wurde mit der Bandsäge grob in Form gebracht. Grob ist in diesem Fall auch wirklich so gemeint. Wenn man hier jetzt Spanhebend tätig werden will spielt es eigentlich keine Rolle welche Form der Rohling hat, den bringt man schon dahin, wo man ihn hinhaben möchte. Es empfiehlt sich jedoch die Ecken abzuschneiden, dann läuft die ganze Sache insgesamt etwas runder. Befestigt ist der Klotz mit einem simplen Einschraubfutter. Anhand der Handauflage (eher Werkzeugauflage) kann man schon erkennen, in welche Richtung es gleich gehen soll.

Nach diversen Umdrehungen der Drechselbank ist aus dem Rohling dann eine Form geworden. Scharfem Werkzeug sei dank, ist nicht einmal viel Schleifarbeit von Nöten um eine halbwegs glatte Oberfläche zu erzeugen. Die Form ist nicht ganz so steil geschwungen wie der Orginalreflektor. Da ich hier selbst Neuland betrete wollte ich es erstmal piano angehen lassen. Die Form an sich wäre nicht das Problem gewesen, aber wie sich das Blech verhält war absolut nicht absehbar.

So sieht dann der erste Versuch aus blech zu drücken. Die Idee ist natürlich nicht von mir, eigentlich ist es ein jahrhundertealtes Handwerk, heutzutage gibt es aber nicht mehr so ganz viele die es noch können. Wie man an dieser Blitzaufnahme sehr gut sehen kann ist es auch wirklich nicht einfach. Wir haben hier eine diverse vermackte Prototypen produziert bis es einmal geklappt hat. Das Blech ist nur 0,3-0,5mm dick. Mehr ließe sich wohl von Hand nicht in Form drücken. Dieses hier erfordert schon viel Kraft. Nachteil des dünnen Bleches, es flattert gerne. Am rechten Rand sieht man deutlich, dass es sich der rohen Gewalt erwehrt und fiese Falten wirft. Die Falten bekommt man auch im weiteren Prozess nicht wieder heraus und ausbügeln mit Schleifpapier oder Feile fällt auch aus. Es gilt also tunlichst sämtliche Flatterbewegungen zu vermeiden. Auf diesem Bild kann man jedoch schon erahnen, wie das fertige Produkt einmal aussehen könnte. Der Ansatz, dort wo es gespannt ist, sieht auf jeden Fall schon einmal sehr vielversprechend aus.

In den nähsten Versuchen näherte man sich dann den Randgebieten immer weiter an, bis …

.. ja bis man dann endlich ein verwertebares Stückchen Blech von der Maschine nehmen konnte. Hier sieht man sowohl den alten als auch den neuen Reflektor im direkten Vergleich. Ich denke, das Bild spricht für sich! Auf der Drechselbank ließ sich der neue Reflektor auch bequem mit feinem Schleifpapier und Polierpaste auf Hochglanz bringen.

Fertig und zufrieden.

Bereits im ersten Artikel hatte ich kurz erwähnt, die Streuscheibe mit Hilfe des Reflektors fertigen zu wollen. Von der Idee habe ich jedoch in der Zwischenzeit Abstand genommen. Die Form für das Blech ließ sich recht einfach auch zum Tiefziehen modifizieren. Rundherum wurden Löcher gebohrt, die in einem umlaufenden Kanal endeten. Der Kanal selbst war mit dem Schlauch eines Industriestaubsaugers verbunden, der den nötigen Unterdruck erzeugen sollte.

Leider ließ sich nichts dünners auftreiben, als 2,5mm klares Polystyrol. Für meine Zwecke und Werkzeuge eigentlich ein wenig zu dick und ich bin grundsätzlich kein Freund von PS. Acrylglas ist deutlich schöner zu verarbeiten und hat auch im Bereich der Optik deutlich bessere Werte.

Der erste Versuch war dann auch entsprechend ernüchternd. Genau wie das Blech, schlug auch der Kunststoff am Rand Wellen. Von den Hitzebläschen wollen wir garnicht erst anfangen…

Also das ganze Spiel von vorne, diesmal aber mit Rahmen um gleichmäßig Druck aufbauen zu können. Erhitzt wurde alles mit dem guten alten Heißluftfön.

Mit etwas Fingerspitzengefühl ließ sich dann auch eine praktisch blasenfreie Version zaubern. Dieser seltsame Huckel auf der Rückseite hat es auch nicht geschafft kalt zu werden.

beide Aluteile mit den zugehörigen Elementen aus Alu und PS. Beide Teile sind so maßgenau, dass sie ohne weitere Hilfsmittel halten. Abschluss Teil2.

mfg

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Oh, the sadness I feel as magazines {now Cookie} are still dropping like flies {Domino & WonderTime earlier this year} around me. A relatively new, but a ridiculously quick ascender to the TOP of my list, UPPERCASE, sent vintage postcards with their last issue and invited submissions of any kind. At the time I was working on July’s Feedsack of the Month Club, so my postcard got sewn, stickered, handwritten & letterpressed {i used both uppercase and lowercase U wood type letters} before it was all said and done.

I would love to contribute more to this curious, contagious, creative magazine and many of my other favorites before the era of the printed magazine is gone altogether. Please, Please tell me that won’t happen. Here is my current subscription list:

{1} Garden & Gun {2} Uppercase {3} Seeing the Everyday {4} Martha Stewart {5} Dwell {6} Sunset {7} Communication Arts {8} GOOD {9} ReadyMade … and then two digital zines {10} Plenty {11} Craft

Some of my euro faves are Junior, Donna Hay & Living Etc.. I have also recently discovered Selvedge, …

I’m curious! What is on your subscription list?

Sehr geehrte Leser,

mit diesem Artikel möchte die bekannten Pfade auf BJ verlassen und werde versuchen alle Interessierten quasi live an der Entstehung eines meiner Projekte teilhaben zu lassen. Es wird zwar keine täglichen Updates wie in einem klassischen Worklog geben, es soll aber auch keine schlichte Zusammenfassung am Ende des Bauprozesses werden, wie sie bisher immer publiziert wurde.

Dieser erste Teil fasst praktisch die Geschehnisse seit Beginn des Jahres zusammen. Die ersten Versuche mit dem Gehäuse und dem Reflektor wurden bereits im Februar/März gemacht, da war ich jedoch nur kurz auf Heimaturlaub und konnte keine großartigen Dinge stemmen. In den zwei Wochen gab es noch genug anderen Kram zu erledigen.

Nun jedoch zur Auflösung des Teaserrätsels. Das seltsame Alugussgehäuse ist ein altes Motorengehäuse von einem Miele Waschmaschinenmotor. Den starken Rostspuren am Lager nach zu urteilen ist das gute Stück irgendwann mal an einem Wasserschaden zum Opfer gefallen. Das Teil lag wochenlang gut sichtbar in einem Bauschuttcontainer auf meinem Heimweg und lächelte mich freundlich an. Ein Wunder, dass nicht auch die üblichen Verdächtigen von der Schrottmafia gefallen an dem Ding gefunden haben. Irgendwann konnte ich dann nicht mehr widerstehen und hab das Motörchen mal gerettet, ohne auch nur den Hauch einer Ahnung zu haben, was ich denn damit mal machen soll/will.

Zu dem Gehäuse gehört natürlich auch noch ein Stator, der Rotor ist irgendwo im Lager verschütt gegangen.

In alle Einzelteile zerpflückt lag der Motor so bestimmt 1-2 Jahre in meinem Fundus seltsamer Dinge, bis sich langsam eine Idee herausbildete, was man denn mit so einem Ding anstellen könnte. Auch wenn ich unzwischen für jeden Quadratmeter Wohnfläche meines Zimmers (is ja nich groß   ein eigenes Lämpchen habe, (statistisch gesehen) kann eine mehr ja nicht schaden.

Damit war die grobe Fahrtrichtung vorgegeben, als Lichtquelle kam natürlich nichts anderes als LEDs in Frage. Zu meiner großen Freude passen die bekannten 700mA Konstantstromquellen für 230V fast perfekt in das Gehäuse.

Das Orginalbild musste leider etwas mit Photoshop verunstaltet werden. Ohne Bearbeitung wäre zumindest der spätere Verwendungszweck sehr schnell durch den Kennerblick entlarvt worden.

Das Konzept hinter dem ganzen ist eigentlich sehr einfach und es gibt daher auch keine Zeichnungen oder Renderbilder, die einen Eindruck davon vermitteln könnten wie es am Ende mal aussehen soll.  Der Stator befand sich ursprünglich eingeklemmt zwischen den beiden Gehäusehälften und wurde mit drei langen Schrauben verspannt. Im Prinzip sollte es bei dieser Anordnung bleiben. Der Stator flog natürlich raus, an seine Stelle sollten die wie auch immr angeordneten LEDs treten, bzw. eine Streu oder Reflektionsfläche. Auf jeden Fall musste der Stator raus, schweres Mistteil, altes!

In der Planungsphase war noch nicht so recht klar ob sich die Hülle eher für eine Steh-, Tisch- oder Deckenlampe eignen würde. An dem großen “Ohr” hätte man sie auch auch gut waagerecht irgendwo festsschrauben können. Zusammengestaucht wie auf dem Bild oben, hätte ich sie mir auch unter Umständen an der Decke vorstellen können. Letztendlich ist es dann doch eine Tischlampe geworden. Die 3 kleinen Füßchen mit denen der Motor vermutlich einmal am Gehäuse befestigt war, eigneten sich ideal als Standfüsse. In der Beziehung gab es eigentlich nicht viel mehr zu tun. Die Idee einen kompletten Arm für die Lampe zu entwerfen und zu bauen hat mich zusätzlich abgeschreckt. Für eine Deckenlampe war mir das Ding dann auch irgendwie zu klein. An der Decke ist Platz, da darf es (muss es eigentlich sogar) etwas ausladender sein. Viel größer als ein Feuermelder wäre es ja garnet geworden. In der Tischvariante konnten auch die Alu-Gussteile die von mir angedachte zentrale Rolle behalten.

Da nun das grobe Konzept stand, kam die Frage nach der Positionierung der Lichtquellen auf. Auf der Unterschale hätten die LEDs vermutlich zu stark geblendet, blieb nur die obere Hälfte der Konstruktion. Um eine gleichmäßige Ausleuchtung zu erreichen wurde schon von Anfang an eine Kombination aus Streuscheibe und Reflektor ins Auge gefasst.

Im ersten Schritt sollte daher ein Reflektor gefertigt werden. Alu bietet sich da natürlich als Material an und die Streuscheibe sollte später einfach über diesen tiefgezogen werden. Die einfachste Methode eine Stück Blech in eine 3 dimensionale Form zu bringen erschien mir das schon mehrfach angewandte Treiben.

Gesagt getan ….

Schritt 1: Anreißen…

Schritt 2: Ausschneiden und passend feilen

Das Aluminium unbekannter Legierung hat eine dicke von 1,5mm. So viel Material ist meiner Meinung nach nötig, um später eine gleichmäßige und glatte Oberfläche herausschleifen zu können.

Schritt 3: Klopfen

Wie bitter nötig die Schleiferei werden könnte kan man hier schon sehr gut ablesen. Die Form sollte in etwa der eines perfekten Vulkankegels entsprechen. Es führte für mich daher kein weg daran vorbei das blech auf der späteren Außenseite zu berabeiten. Das ganze stellte sich jedoch als erschreckend schwierig heraus. Da sich der Kegel (wie es nunmal so in seiner Art liegt) nach oben verjüngt muss Material auch wieder gestaucht werden, was deutlich schwieriger ist als treiben. Der geringe Durchmesser tat sein übriges …

Schritt 4: Noch mehr klopfen

Nach einigen Stunden entnervender Klopperei ließ sich dem Blech dann doch noch eine halbwegs adäquate form entlocken. Auf dem Reflektor lassen sich schon ein paar Hiebe der Feile erkennen. Die Oberfläche zu glätten sollte noch einmal soviel Zeit kosten, wie das Herausarbeiten der endgültigen Form.

Schritt 5: Feilen und schleifen

Ein paar kleine Macken sind geblieben, aber es war trotzdem geplant den Reflektor nur noch etwas sauberer zu schleifen und dann so zu verwenden.

Mit diesem Bild möchte ich mich ersteinmal verabschieden und hoffe, dass das grobe Konzept der Lampe in den Köpfen der Mitleser an Kontur gewinnt.

mfg

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….ED ECCOMI QUA……Vi sono mancata???

Sono tornata alla grande con tante idee in testa e tanta voglia di comunicare con voi…..COMINCIAMO

Vorrei segnalarvi un evento per me davvero importante, sto parlando della mostra Sul Dadaismo e il Surrealismo allestita per l’occasione al Vittoriano a Roma dal 9 ottobre al 7 febbraio 2010…..Non vorrete mica perdervela??Su non esiste….

Si tratta di una delle più imponenti e complete mostre mai realizzate su Dada e Surrealismo a cura dello storico dell’arte, saggista, poeta e filosofo Arturo Schwarz. Oltre 500 opere tra olii, sculture, readymade, assemblaggi, collage, disegni automatici ripercorrono nella sua interezza la nascita, il susseguirsi dei Manifesti e delle principali mostre, il cammino figurativo dei tanti protagonisti di questi due movimenti rivoluzionari che tanto potere eversivo hanno avuto tra le avanguardie artistiche del Novecento e tanta influenza hanno esercitato sull’arte successiva alla prima metà del secolo scorso.

Dopo queste premesse credo non ci sia da aggiungere molto, solo una cosa: CORRETE A VEDERLA è IMPERDIBILE!!!

Io ci sarò di sicuro e voi???

Mirandina

Woensdag was de laatste dag van ons verblijf. De extatische Theresa wachtte op ons in de Santa Maria della Vittoria (wat zal ik die prachtige namen missen…) en ze stelde ons niet teleur. De  bottenverzameling der Capucijner monniken (“look at them dry bones..”) was merkwaardig maar vooral macaber. In het inmiddels vertrouwde marstempo naar de Villa Borghese waar in de Galleria onvoorstelbaar mooie beelden en schilderijen staan/hangen (Bernini, Caravaggio). Bram, Floor en ik deden daarna nog de nabijgelegen Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea aan (wat zal ik die prachtige namen missen…). Helaas was de afdeling rond DADA en surrealisme dicht. Geen readymades van Duchamp. Wel mooi dat de een ontroerd raakt van Apollo en Dafne en de ander van een urinoir.  Of van allebei…

De middag was vrij. Via Cavour en Piazza del Popolo waren gewilde bestemmingen. De laatste Euri werden besteed aan souvernirs en kado’s voor de achterblijvers.

In het vliegtuig hing iedereen als een zak Capucijner botten in zijn stoel, maar eenmaal geland op 16hoven raakten we in extase bij het zien van onze geliefde familieleden.

We gaan de komende dagen nog wat fotootjes plakken!  Commentaar schrijven mag hoor!!!!!

Bueno, aquí de nuevo con esto de la exposición Hecho en casa, por dos motivos. El primero, compartirles algunas imágenes de la muestra que abrirá sus puertas al público esta noche en el Museo de Arte Moderno. Y dos, comentar que me ha gustado enterarme que la muestra tratara el tema del objeto como medio artístico desde diversas perspectivas o corrientes tal como lo es el readymade, el objeto encontrado (objet trouvé),  el artefacto y el ensamblaje, por mencionar algunos.

También me gustaría agregar que la exposición incluirá piezas múltiples galerías y colecciones (Colección Charpenel, Colección JUMEX,  Galería de Arte Mexicano, Galería EDS, Galería Enrique Guerrero, Galería Hilario Galguera, Galería López Quiroga, Galería Myto, Galería Nina Menocal, Galería OMR, por mencionar algunas). Esto me parece magnífico ya que  nos permitirá acercarnos a una diversidad de propuestas; y porque no, traer a la mesa un tema que requiere de atención:  el museo como espacio de legitimación, cuestión que en esta exposición se vuelve crucial por la gran cantidad de galerías que participan. Más que una crítica, es una invitación a estudiar y reflexionar sobre los trayectos que recorren las piezas y los artistas para poder ingresar a este espacio llamado museo.

Not only is it a brilliant position in the bedroom, it is also the name of one of the best bands to enter the music scene. Saying that though – where have they gone? Their first album hit the charts with a bang, their glam rock music and appearances grabbed the attention of even the most emo of my friends, wiping away their black mascara to replace it with some glitter and an urge to rip up a dance floor. Although the band would prefer not to be labeled as a “gay band”, the fact that some of the members are gay was enough for most of the world to describe them as just that. With their songs on the debut album being about subjects like drug abuse, the gay community, platonic love, it was hard not to relate yourself to the music and throw you into a feeling of nostalgia. Jake Shears does a great job of keeping the entertainment value of the band performances to its highest standards, but the lovely Ana Matronic is just as important to keep your eyes glued to the screen or the stage. The sounds are alternative-electro-rock, with obvious influences of great past bands like Abba, Bowie, BeeGees, Pink Floyd – the best of the 70’s/80’s era. So with two great albums already under their belt, how long are we going to have to wait for that third album? Its like telling a child the ice cream truck is coming, so they wait on the foot path, but its still no where to be seen. Rumour has it, that 2010 is the year. Lets hope so. I want my ice cream!

ReadyMade